Japanska umjetnost - Povijest - Uvod - Zabavni Japan — LiveJournal. Tajna veličine glavnih djela japanske umjetnosti Japanska umjetnost

Formiranje ceremonije čaja (chanoyu) kao jednog od najvećih fenomena japanske kulture dogodilo se u vrlo teškom, problematičnom vremenu za zemlju, kada su međusobni krvavi ratovi i sukobi između feudalnih klanova učinili živote ljudi nepodnošljivim. Ceremonija čaja nastala je pod utjecajem estetike i filozofije zen budizma i nastojala se suprotstaviti raspoloženju beznađa obožavanjem ljepote.

U to su vrijeme vladari vojne klase i bogati trgovci, okupljajući se radi političkih i trgovačkih rasprava, često koristili priliku za posluživanje čaja. Smatralo se profinjenim užitkom sjediti u dokolici u mirnoj čajani, odvojen od životnih briga i briga, i slušati zvukove vode koja ključa na žeravnici. Veliki učitelj Sen-no-Rikyu učinio je ispijanje čaja umjetnošću. Bio je u mogućnosti razviti umjetnost ceremonije čaja kao što je i učinio, djelomično zbog prethodno spomenutog društvenog okruženja koje je postojalo.

Soba za čaj koju je izgradio Sen no Rikyu na prvi se pogled činila vrlo jednostavnom, pa čak i premalenom. Ali isplanirano je na najpažljiviji način, s finom čitljivošću, do najsitnijih detalja. Bila je ukrašena kliznim vratima prekrivenim snježnobijelim prozirnim japanskim papirom. Strop je bio obložen bambusom ili slamom, a otvorena tekstura zidova bila je visoko cijenjena. Podupirači su uglavnom bili drveni, zadržavajući svoju prirodnu koru. Kako bi se stvorio učinak pustinjaštva u dizajnu sobe za čaj, odbačeni su svi beskorisni ukrasi i pretjerani ukrasi.

Danas je čajna ceremonija najizrazitija, jedinstvena umjetnost. Već nekoliko stoljeća ima važnu ulogu u duhovnom i društvenom životu Japanaca. S vremenom je ritual ceremonije čaja kanoniziran, slijed radnji i ponašanja postao je dan. Već ušavši kroz jednostavna drvena vrata, gosti su uronili u poseban svijet, ostavljajući sve ovozemaljsko za sobom i u tihoj koncentraciji pokoravajući se samo zakonima akcije.

Klasični chanoyu je strogo planirani ritual u kojem sudjeluje majstor čaja (osoba koja kuha i toči čaj) i ostali sudionici ceremonije. U biti, čajni majstor je svećenik koji izvodi čajni čin, ostali su oni koji mu se pridruže. Svatko ima svoj specifičan stil ponašanja, kako držanja pri sjedenju, tako i svakog pokreta, do izraza lica i načina govora.

Tijekom ispijanja čaja održavaju se mudri govori, čitaju se pjesme, razmatraju se umjetnička djela. Buketi cvijeća i posebno posuđe za kuhanje pića biraju se s posebnom pažnjom za svaku prigodu.

Sama atmosfera stvara odgovarajuće raspoloženje, koje je iznenađujuće jednostavno i skromno: bakreni čajnik, šalice, bambusova miješalica, kutija za pohranu čaja itd. Japanci ne vole svijetle sjajne predmete, impresionirani su tupošću. O tome D. Tanizaki piše: “Europljani koriste stolno posuđe od srebra, čelika ili nikla, poliraju ga do blještavog sjaja, ali mi ne podnosimo takav sjaj. Koristimo i srebrne predmete... ali ih nikad ne poliramo do sjaja. Naprotiv, veselimo se kada taj sjaj nestane s površine predmeta, kada poprime tračak recepture, kada potamne s vremenom... Volimo stvari koje nose tragove ljudskog mesa, uljne čađe, atmosferilije i kiše. Svi predmeti za čajnu ceremoniju nose otisak vremena, ali svi su besprijekorno čisti. Sumrak, tišina, najjednostavniji čajnik, drvena žlica za točenje čaja, gruba keramička šalica - sve to fascinira prisutne.

Najvažniji element u unutrašnjosti kuće za čaj je niša - tokonoma. Obično sadrži svitak sa slikom ili kaligrafskim natpisom i buket cvijeća, kadionicu s tamjanom. Tokonoma se nalazi nasuprot ulaza i odmah privlači pažnju gostiju. Svitak tokonama bira se s velikom pažnjom i neizostavan je predmet rasprave tijekom obreda. Napisano je u zen budističkom stilu i tako arhaičnom kaligrafijom da malo tko može razaznati i razumjeti značenje napisanog, na primjer: "Bambus je zelen, a cvijeće crveno", "Stvari su stvari, a ovo je lijepo !" ili "Voda je voda." Prisutnima se tumači značenje ovih izreka, naizgled jednostavnih, ali u isto vrijeme vrlo dubokih filozofski. Ponekad su te misli izražene u poetskom obliku haikua, ponekad se odražavaju na slici starog majstora, u pravilu, u skladu s principom "wabi".

U Japanu postoje mnogi oblici ceremonije čaja, ali samo su neki strogo utvrđeni: noćni čaj, čaj uz izlazak sunca, jutarnji čaj, popodnevni čaj, večernji čaj, specijalni čaj.

Noćni čaj počinje s mjesecom. Gosti dolaze oko pola jedanaest, a odlaze oko četiri ujutro. Obično se kuha čaj u prahu koji se priprema pred gostima: listovi se oslobode žilica i samelju u prah u mužaru. Ovaj čaj je vrlo jak, ne služi se na prazan želudac. Stoga se u početku gosti počaste malo drugačijom hranom. Čaj se pije u zoru oko tri ili četiri sata ujutro. Gosti ostaju u isto vrijeme do šest sati. Jutarnji čaj se prakticira po vrućem vremenu, gosti se okupljaju u šest ujutro. Popodnevni čaj obično se poslužuje samo s kolačima oko 13 sati. Večernji čaj počinje oko 18 sati. Posebna čajanka (rinjitya-noyu) organizira se u svim posebnim prilikama: susret s prijateljima, praznici, promjena godišnjih doba itd.

Prema Japancima, ceremonija čaja odgaja jednostavnost, prirodnost, urednost. To je istina, naravno, ali ceremonija čaja ima još nešto. Uvodeći ljude u uhodani ritual, navikava ih na strogi red i bezuvjetno ispunjavanje društvenih pravila. Ceremonija čaja jedan je od najvažnijih temelja za njegovanje nacionalnih osjećaja.

Japan je nevjerojatna istočna zemlja smještena na otocima. Drugi naziv za Japan je Zemlja izlazećeg sunca. Blaga topla vlažna klima, planinski lanci vulkana i morske vode stvaraju veličanstvene krajolike među kojima odrastaju mladi Japanci, što nedvojbeno ostavlja traga na umjetnosti ove male države. Ovdje se ljudi od malih nogu navikavaju na ljepotu, a svježe cvijeće, ukrasno bilje i mali vrtovi s jezerom atribut su njihovih domova. Svatko pokušava organizirati za sebe dio divljine. Kao i sve istočne nacionalnosti, Japanci su zadržali vezu s prirodom, koju poštuju i poštuju kroz stoljeća postojanja svoje civilizacije.

Ovlaživanje zraka: WINIX WSC-500 perač zraka stvara fine čestice vode.. Načini rada sudopera Winix WSC-500: Zračni sudoper "WINIX WSC-500" ima prikladan automatski način rada. Istodobno se održava najoptimalnija i najugodnija vlažnost u prostoriji - 50-60%, a plazma način pročišćavanja zraka i ionizacije ("Plasma Wave™") omogućen je prema zadanim postavkama.

japanska arhitektura

Dugo vremena Japan se smatrao zatvorenom zemljom, kontakti su bili samo s Kinom i Korejom. Stoga se njihov razvoj odvijao svojim posebnim putem. Kasnije, kada su razne inovacije počele prodirati na područje otoka, Japanci su ih brzo prilagodili za sebe i prepravili na svoj način. Japanski arhitektonski stil su kuće s masivnim zakrivljenim krovovima koji vam omogućuju da se zaštitite od stalnih jakih kiša. Pravo umjetničko djelo je carske palače s vrtovima i paviljonima.

Od bogomolja pronađenih u Japanu, mogu se razlikovati drveni šintoistički hramovi, budističke pagode i kompleksi budističkih hramova koji su preživjeli do danas, a koji su se pojavili u kasnijem razdoblju povijesti, kada je budizam ušao u zemlju s kopna i proglašen je državna vjera. Drvene zgrade, kao što znate, nisu izdržljive i ranjive, ali u Japanu je uobičajeno rekreirati zgrade u izvornom obliku, pa se čak i nakon požara obnavljaju u obliku u kojem su nekada bile izgrađene.

Skulptura Japana

Budizam je imao snažan utjecaj na razvoj japanske umjetnosti. Mnoga djela predstavljaju lik Bude, pa su u hramovima stvoreni brojni kipovi i skulpture Bude. Izrađivali su se od metala, drveta i kamena. Tek nešto kasnije pojavili su se majstori koji su počeli izrađivati ​​svjetovne portretne skulpture, no s vremenom je potreba za njima nestala, pa su se sve češće za ukrašavanje zgrada počeli koristiti skulpturalni reljefi s dubokim rezbarijama.

Minijaturna netsuke skulptura smatra se nacionalnom umjetničkom formom u Japanu. U početku su takve figure imale ulogu privjeska za ključeve koji je bio pričvršćen za pojas. Svaka figurica imala je rupu za uzicu na koju su se vješale potrebne stvari, budući da odjeća u to vrijeme nije imala džepove. Netsuke figurice prikazivale su svjetovne likove, bogove, demone ili razne predmete nosi poseban tajno značenje, na primjer, želja za obiteljskom srećom. Netsuke se izrađuju od drveta, slonovače, keramike ili metala.

Japanska umjetnost i obrt

Proizvodnja oštrog oružja uzdignuta je u Japanu na stupanj umjetnosti, čime je proizvodnja samurajskog mača dovedena do savršenstva. Mačevi, bodeži, okviri mačeva, elementi borbenog streljiva služili su kao vrsta muškog nakita, označavajući pripadnost staležu, pa su se izrađivali vješti majstori, ukrašen dragim kamenjem i rezbarijama. Također, među narodnim zanatima Japana je proizvodnja keramike, lakiranih predmeta, tkanje i drvorez. Japanski lončari oslikavaju tradicionalnu keramiku raznim šarama i glazurama.

Japansko slikarstvo

U početku je japanskim slikarstvom dominirao monokromni tip slike, usko isprepleten s umjetnošću kaligrafije. Oba su stvorena prema istim principima. Umjetnost izrade boja, tuša i papira došla je u Japan s kopna. Kao rezultat toga, počelo je nova runda razvoj slikarske umjetnosti. U to vrijeme, jedna od vrsta japanskog slikarstva bili su dugi horizontalni svici emakinomo, koji su prikazivali scene iz Buddhinog života. Pejzažno slikarstvo u Japanu počelo se razvijati mnogo kasnije, nakon čega su se pojavili umjetnici koji su se specijalizirali za prizore iz svjetovni život, pisanje portreta i vojnih scena.

U Japanu su obično crtali na sklopivim paravanima, shoji, zidovima kuća i odjeći. Zaslon za Japance nije samo funkcionalni element doma, već i umjetničko djelo za razmišljanje, koje određuje opće raspoloženje sobe. Nacionalna kimono odjeća također pripada predmetima japanske umjetnosti, noseći poseban orijentalni okus. Ukrasne ploče na zlatnoj foliji s jarkim bojama također se mogu pripisati djelima japanskog slikarstva. Japanci su postigli veliko umijeće u stvaranju ukiyo-ea, tzv. drvoreza. Zaplet takvih slika bile su epizode iz života običnih građana, umjetnika i gejši, kao i veličanstveni krajolici koji su postali rezultat razvoja umjetnosti slikanja u Japanu.

Ogromna regija, konvencionalno nazvana Daleki istok, uključuje Kinu, Japan, Koreju, Mongoliju i Tibet – zemlje koje imaju brojne sličnosti, ali u isto vrijeme i značajne razlike u kulturi.

Sve zemlje Dalekog istoka bile su pod utjecajem drevnih civilizacija Kine i Indije, gdje su već u 1. tisućljeću prije Krista nastala filozofska i religijska učenja koja su postavila temelje konceptu prirode kao sveobuhvatnog Kozmosa – živog i produhovljenog organizam koji živi po svojim zakonima. Priroda je bila u središtu filozofskih i umjetničkih traganja cijeloga srednjovjekovnog razdoblja, a njezini zakoni smatrani su univerzalnima, određujući život i odnose ljudi. Uspoređeno je s različitim manifestacijama prirode unutrašnji svijet osoba. To je utjecalo na razvoj simboličke metode u likovnim umjetnostima, definirajući njezin alegorijski pjesnički jezik. U Kini, Japanu i Koreji, pod utjecajem takvog odnosa prema prirodi, formirane su vrste i žanrovi umjetnosti, izgrađene su arhitektonske cjeline, usko povezane s okolnim krajolikom, vrtna umjetnost i, konačno, bila je zora pejzažnog slikarstva. Pod utjecajem staroindijske civilizacije počeo se širiti budizam, a hinduizam također u Mongoliji i Tibetu. Ovi religijski sustavi donijeli su ne samo nove ideje u zemlje Dalekog istoka, već su imali i izravan utjecaj na razvoj umjetnosti. Zahvaljujući budizmu, u svim zemljama regije pojavio se dotad nepoznat novi umjetnički jezik skulpture i slikarstva, stvoreni su ansambli čija je značajka bila interakcija arhitekture i likovne umjetnosti.

Značajke slike budističkih božanstava u kiparstvu i slikarstvu razvijale su se tijekom mnogih stoljeća kao poseban simbolički jezik koji je izražavao ideje o svemiru, moralnim zakonima i sudbini čovjeka. Tako su se učvrstili i sačuvali kulturno iskustvo i duhovne tradicije mnogih naroda. Slike budističke umjetnosti utjelovile su ideje o sukobu dobra i zla, milosrđa, ljubavi i nade. Sve te kvalitete odredile su originalnost i univerzalni značaj izvanrednih kreacija dalekoistočne umjetničke kulture.

Japan se nalazi na otocima tihi ocean protežući se istočnom obalom azijskog kontinenta od sjevera prema jugu. Japanski otoci nalaze se u području koje je podložno čestim potresima i tajfunima. Stanovnici otoka navikli su stalno biti na oprezu, zadovoljavajući se skromnim životom, brzo obnavljajući svoje domove i kućanstva nakon prirodnih katastrofa. Unatoč prirodnim elementima koji neprestano ugrožavaju dobrobit ljudi, japanska kultura odražava želju za skladom s vanjskim svijetom, sposobnost da se vidi ljepota prirode u velikom i malom.

U japanskoj mitologiji, božanski supružnici, Izanagi i Izanami, smatrani su precima svega na svijetu. Od njih je nastala trijada velikih bogova: Amaterasu – božica Sunca, Tsukiyomi – božica Mjeseca i Susanoo – bog oluje i vjetra. Prema zamislima starih Japanaca, božanstva nisu imala vidljiv izgled, već su bila utjelovljena u samoj prirodi – ne samo u Suncu i Mjesecu, već iu planinama i stijenama, rijekama i vodopadima, drveću i travama, što bili štovani kao duhovi-kami (Slovaci u prijevodu s japanskog znači božanski vjetar). Ovo obožavanje prirode zadržalo se kroz cijelo razdoblje srednjeg vijeka i nazvano je Shinto - put bogova, postavši japanska nacionalna religija; Europljani to zovu šinto. Porijeklo japanske kulture vuče korijene iz antike. Najranija umjetnička djela datiraju iz 4....2. tisućljeća pr. Najdulje i najplodnije za japansku umjetnost bilo je razdoblje srednjeg vijeka (6...19. st.).

Dizajn tradicionalne japanske kuće razvijen od 17. do 18. stoljeća. To je drveni okvir s tri pomične stijenke i jednom fiksnom. Zidovi nemaju funkciju nosača, pa se mogu razmaknuti ili čak ukloniti, a istovremeno služe i kao prozor. U toploj sezoni zidovi su bili rešetkasta struktura, oblijepljena prozirnim papirom koji je propuštao svjetlost, au hladnoj i kišnoj sezoni prekrivani su ili zamijenjeni drvenim pločama. Uz visoku vlažnost u japanskoj klimi, kuća mora biti ventilirana odozdo. Stoga je podignuta iznad razine tla za 60 cm, a kako bi zaštitili potporne stupove od propadanja, postavljeni su na kamene temelje.

Lagani drveni okvir imao je potrebnu fleksibilnost, što je smanjilo razornu snagu guranja tijekom čestih potresa u zemlji. Krov, popločan ili trska, imao je velike nadstrešnice koje su štitile papirnate zidove kuće od kiše i užarenog ljetnog sunca, ali nisu zadržavale slabu sunčevu svjetlost zimi, rano proljeće i kasnu jesen. Pod nadstrešnicom krova bila je veranda.

Pod dnevnih soba bio je prekriven strunjačama – tatamijem, na kojima se uglavnom sjedilo, a ne stajalo. Stoga su sve proporcije kuće bile usmjerene na osobu koja sjedi. Budući da u kući nije bilo stalnog namještaja, spavalo se na podu, na posebnim debelim madracima, koji su se preko dana odlagali u ormare. Jelo se sjedeći na strunjačama, za niskim stolovima, a služili su i za razne aktivnosti. Klizne unutarnje pregrade, prekrivene papirom ili svilom, mogle bi dijeliti unutarnji prostori ovisno o potrebama, što je omogućilo njezino raznovrsnije korištenje, no bilo je nemoguće da se svaki njezin stanovnik potpuno povuče unutar kuće, što je utjecalo na unutarobiteljske odnose u japanskoj obitelji, a u širem smislu, o značajkama nacionalnog karaktera Japanaca. Važan detalj kuće je niša smještena u blizini nepomičnog zida - tokonama, gdje je mogla visjeti slika ili stajati cvjetna kompozicija - ikebana. To je bilo duhovno središte kuće. U ukrašavanju niše očitovale su se individualne kvalitete stanovnika kuće, njihovi ukusi i umjetničke sklonosti.

Nastavak tradicionalne japanske kuće bio je vrt. Igrao je ulogu ograde i ujedno povezivao kuću s okolišem. Razmicanjem vanjskih zidova kuće nestala je granica između unutarnjeg prostora kuće i vrta i stvorio se osjećaj blizine prirodi, neposredne komunikacije s njom. To je bilo važno obilježje nacionalnog stava. Međutim, japanski gradovi su rasli, veličina vrta se smanjivala, često je zamijenjen malim simboličnim sastavom cvijeća i biljaka, koji je služio istoj ulozi kontakta između stana i prirodnog svijeta. kuća japanske mitologije ikebana netsuke

Umijeće aranžiranja cvijeća u vazama – ikebbna (život cvijeća) – potječe iz drevnog običaja stavljanja cvijeća na oltar božanstva, koji se s budizmom u 6. stoljeću proširio u Japan. Najčešće, kompozicija u stilu tog vremena - rikka (zasađeno cvijeće) - sastojala se od grana bora ili čempresa i lotosa, ruža, narcisa, ugrađenih u drevne brončane posude.

S razvojem svjetovna kultura u 10. ... 12. stoljeću cvjetni aranžmani postavljeni su u palače i stambene četvrti predstavnika aristokratske klase. Na carskom su dvoru postala popularna posebna natjecanja u aranžiranju buketa. U drugoj polovici 15. stoljeća pojavio se novi smjer u umjetnosti ikebane, čiji je začetnik bio majstor Ikenobo Sen'ei. Radovi škole Ikenobo odlikovali su se posebnom ljepotom i sofisticiranošću, postavljali su ih na kućne oltare i darivali. U 16. stoljeću, širenjem čajnih ceremonija, formirala se posebna vrsta ikebane koja je ukrašavala nišu tokonoma u čajnom paviljonu. Zahtjev za jednostavnošću, skladom, suzdržanim bojama, predstavljen svim predmetima kulta čaja, proširio se i na dizajn cvijeća - tyabana (ikebana za ceremoniju čaja). Slavni majstor čaja Senno Rikyu stvorio je novi, slobodniji stil - nageire (nehajno postavljeno cvijeće), iako je u prividnom neredu bila posebna složenost i ljepota slika ovog stila. Jedna od vrsta nageire bila je takozvana tsuribana, kada su se biljke stavljale u viseću posudu u obliku čamca. Takve su se skladbe nudile osobi koja je preuzela dužnost ili završila školu, jer su simbolizirale "izlazak na pučinu života". U 17. ... 19. stoljeću umjetnost ikebane postala je široko rasprostranjena, a pojavio se i običaj obvezne obuke djevojaka u umjetnosti izrade buketa. No, zbog popularnosti ikebane, kompozicije su pojednostavljene, a stroga pravila stylistikke morala su se napustiti u korist nageire, iz koje se izdvojila još jedna. novi stil seika ili shoka (živo cvijeće). Krajem 19. stoljeća majstor Ohara Usin stvorio je stil moribane, čija je glavna inovacija bila da se cvijeće stavlja u široke posude.

U sastavu ikebane, u pravilu, postoje tri obavezna elementa, koji označavaju tri principa: nebo, zemlju i čovjeka. Mogu se utjeloviti kao cvijet, grana i trava. Njihovim međusobnim suodnošenjem i dodatnim elementima nastaju djela različitog stila i sadržaja. Zadatak umjetnika nije samo stvoriti lijepu kompoziciju, već i najpotpunije prenijeti vlastite misli o životu osobe i njegovom mjestu u svijetu. Radovi vrhunskih majstora ikebane mogu izraziti nadu i tugu, duhovni sklad i tugu.

Prema tradiciji u ikebani, godišnje doba se nužno reproducira, a kombinacija biljaka tvori simbolične dobre želje poznate u Japanu: bor i ruža - dugovječnost; božur i bambus - blagostanje i mir; krizantema i orhideja - radost; magnolija - duhovna čistoća itd.

Minijaturna skulptura - netsuke postala je raširena u 18-19 stoljeću kao jedna od vrsta umjetnosti i obrta. Njegov izgled je zbog činjenice da nacionalna japanska nošnja - kimono - nema džepove i sve potrebne male predmete(tuba, torbica, kutija za lijekove) pričvršćuju se na pojas pomoću privjeska za ključeve protuutega. Netsuke, dakle, nužno ima rupu za vezicu, uz pomoć koje se na njega pričvršćuje željeni predmet. Prije su se koristili privjesci za ključeve u obliku štapića i gumba, ali od kraja 18. stoljeća poznati majstori već su radili na stvaranju netsukea, stavljajući svoj potpis na radove.

Netsuke je umjetnost urbane klase, masovna i demokratska. Prema zapletima netsukea, može se suditi o duhovnim potrebama, svakodnevnim interesima, običajima i običajima građana. Vjerovali su u duhove i demone, koji su često prikazivani u minijaturnim skulpturama. Voljeli su figurice "sedam bogova sreće", među kojima su najpopularniji bili bog bogatstva Daikoku i bog sreće Fukuroku. Stalne parcele netsuke bile su sljedeće: napuknuti patlidžan s mnogo sjemenki unutra - želja za velikim muškim potomstvom, dvije patke - simbol obiteljske sreće. Ogroman broj netsukea posvećen je svakodnevnim temama i Svakidašnjica gradovima. To su lutajući glumci i mađioničari, ulični prodavači, žene koje se bave raznim aktivnostima, lutajući redovnici, hrvači, pa čak i Nizozemci u svojoj egzotičnoj, s gledišta Japanaca, odjeći - šeširima sa širokim obodom, kamizolima i hlačama. Odlikujući se tematskom raznolikošću, netsuke su zadržale svoju izvornu funkciju privjeska za ključeve, a ta namjena diktirala je majstorima kompaktan oblik bez krhkih izbočenih detalja, zaobljen, ugodan na dodir. S tim je povezan i izbor materijala: nije jako težak, izdržljiv, sastoji se iz jednog dijela. Najčešći materijali bili su različite vrste drva, slonovača, keramika, lak i metal.

Japansko slikarstvo vrlo je raznoliko ne samo u sadržaju, već iu obliku: to su zidne slike, ekranske slike, okomiti i vodoravni svici, izvedeni na svili i papiru, listovi albuma i obožavatelji.

OKO antičko slikarstvo može se prosuditi samo prema referencama u pisanim dokumentima. Najraniji sačuvani izvanredni radovi datiraju iz razdoblja Heian (794.-1185.). Ovo su ilustracije poznate "Priče o princu Genjiju" pisca Murasakija Shikibua. Ilustracije su izrađene na nekoliko horizontalnih svitaka i dopunjene tekstom. Pripisuju se kistu umjetnika Fujiwara Takayoshija (prva polovica 12. stoljeća).

Karakteristična značajka kulture tog doba, koju je stvorio prilično uski krug aristokratske klase, bio je kult ljepote, želja da se u svim manifestacijama materijalnog i duhovnog života pronađe njihov inherentni šarm, ponekad nedostižan i nedostižan. Tadašnje slikarstvo, kasnije nazvano yamato-e (doslovno japansko slikarstvo), nije prenosilo akciju, već stanje duha. Kada su oštri i hrabri predstavnici vojne klase došli na vlast, kultura Heian ere počela je propadati. U slici na svicima uspostavljeno je narativno načelo: to su legende o čudima pune dramatičnih epizoda, biografije propovjednika budističke vjere, prizori ratničkih bitaka. U 14.-15. stoljeću, pod utjecajem učenja zen sekte, s posebnim osvrtom na prirodu, počinje se razvijati pejzažno slikarstvo (u početku pod utjecajem kineskih uzora).

Stoljeće i pol japanski umjetnici vladali su kineskim umjetničkim sustavom, čineći monokromatsko slikanje krajolika baštinom. nacionalna umjetnost. Njegov najviši procvat povezan je s imenom izvanrednog Toyo majstori Oda (1420...1506), poznatiji pod pseudonimom Sesshu. U svojim pejzažima, koristeći samo najfinije nijanse crne tinte, uspio je odraziti cjelokupnu višebojnu prirodu prirodnog svijeta i njezina bezbrojna stanja: atmosferu zasićenu vlagom rano proljeće, nevidljivi ali osjetilni vjetar i hladna jesenja kiša, nepomični mir zime.

U 16. stoljeću počinje doba takozvanog kasnog srednjeg vijeka, koje je trajalo tri i pol stoljeća. U to su vrijeme zidne slike postale raširene, ukrašavajući palače vladara zemlje i velikih feudalaca. Jedan od utemeljitelja novog smjera u slikarstvu bio je slavni majstor Kano Eitoku, koji je živio u drugoj polovici 16. stoljeća. Drvorez (ksilografija), koji je cvjetao u 18-19 stoljeću, postao je još jedna vrsta likovne umjetnosti srednjeg vijeka. Graviranje, poput žanrovskog slikarstva, nazivalo se ukiyo-e (slike svakodnevnog svijeta). U izradi gravure, osim umjetnika koji je izradio crtež i napisao svoje ime gotov list, sudjelovali su rezbar i tiskar. U početku je gravura bila jednobojna, ručno ju je slikao sam umjetnik ili kupac. Tada je izumljen tisak u dvije boje, a 1765. umjetnik Suzuki Harunobu (1725.-1770.) prvi je upotrijebio višebojni tisak. Da bi to učinio, rezbar je stavio paus papir s uzorkom na posebno pripremljenu uzdužnu piljenu ploču (od kruške, trešnje ili japanskog šimšira) i izrezao potreban broj tiskanih ploča, ovisno o shemi boja gravure. Ponekad ih je bilo i više od 30. Nakon toga, pisač je, odabirući prave nijanse, napravio otiske na posebnom papiru. Njegova vještina bila je postići točno podudaranje obrisa svake boje, dobivene od različitih drvenih ploča. Sve gravure podijeljene su u dvije skupine: kazališne, koje su prikazivale glumce japanskog klasičnog Kabuki teatra u različitim ulogama, i svakodnevne zapise, posvećene prikazu ljepota i prizora iz njihovih života. Najpoznatiji majstor kazališne gravure bio je Toshyushay Syaraku, koji je prikazivao lica glumaca u krupnom planu, naglašavajući značajke uloge koju igraju, karakteristične osobine osobe koja se reinkarnira kao lik iz predstave: ljutnju, strah, okrutnost, prijevara.

Izvrsni umjetnici kao što su Suzuki Harunobu i Kitagawa Utamaro postali su poznati u graviranju svakodnevnog života. Utamaro je bio kreator ženske slike utjelovljujući nacionalni ideal ljepote. Njegove junakinje kao da su se na trenutak ukočile i sada će nastaviti svoje glatko graciozno kretanje. Ali ta stanka je najizrazitiji trenutak kada nagib glave, pokret ruke, silueta figure prenose osjećaje u kojima žive.

po najviše slavni majstor gravure bio briljantan umjetnik Katsushika Hokusai (1776.-1849.). Hokusaijevo djelo temelji se na stoljetnoj slikovnoj kulturi Japana. Hokusai je napravio preko 30.000 crteža i ilustrirao oko 500 knjiga. Već sedamdesetogodišnjak, Hokusai je stvorio jedno od najznačajnijih djela - seriju "36 pogleda na Fuji", koja mu omogućuje da se stavi u rang s najistaknutijim umjetnicima svjetske umjetnosti. Prikazujući planinu Fuji - nacionalni simbol Japana - s različitih mjesta, Hokusai po prvi put otkriva sliku domovine i sliku naroda u njihovom jedinstvu. Umjetnik je vidio život kao jedinstven proces u svoj raznolikosti njegovih manifestacija, od jednostavnih osjećaja osobe, njegovih svakodnevnih aktivnosti do okolne prirode sa svojim elementima i ljepotom. Rad Hokusaija, koji je apsorbirao stoljetna iskustva umjetnosti svog naroda, posljednji je vrhunac u umjetnička kultura srednjovjekovni Japan, njegov izvanredan rezultat.

Zdravo, dragi čitatelji tragači za znanjem i istinom!

Japanski umjetnici odlikuju se svojim jedinstvenim stilom, brušenim generacijama majstora. Danas ćemo govoriti o najsjajnijim predstavnicima japanskog slikarstva i njihovim slikama, od antičkih vremena do modernih vremena.

Pa, zaronimo u umjetnost Zemlje izlazećeg sunca.

Rođenje umjetnosti

Drevna umjetnost slikanja u Japanu prvenstveno je povezana s osobitostima pisanja i stoga se temelji na osnovama kaligrafije. Prvi primjeri uključuju ulomke brončanih zvona, posuđa i kućanskih predmeta pronađenih tijekom iskapanja. Mnogi od njih bili su oslikani prirodne boje, a studije daju razloga vjerovati da su proizvodi izrađeni prije 300. pr.

Nova etapa u razvoju umjetnosti započela je dolaskom u Japan. Na emakimono - posebne papirnate svitke - primijenjene su slike božanstava budističkog panteona, scene iz života Učitelja i njegovih sljedbenika.

Prevlast vjerskih tema u slikarstvu može se pratiti u srednjovjekovnom Japanu, točnije od 10. do 15. stoljeća. Imena umjetnika tog doba do danas, nažalost, nisu sačuvana.

U razdoblju od 15. do 18. stoljeća počinje novo vrijeme koje karakterizira pojava umjetnika s razvijenim individualnim stilom. Oni su označili vektor daljnjeg razvoja likovne umjetnosti.

Svijetli predstavnici prošlosti

Napeti šubun (rano 15. stoljeće)

Kako bi postao izvanredan majstor, Xubong je proučavao tehnike pisanja kineskih Sung umjetnika i njihov rad. Kasnije je postao jedan od utemeljitelja slikarstva u Japanu i tvorac sumi-e.

Sumi-e je umjetnički stil koji se temelji na crtežu tušem, što znači jednom bojom.

Shubun je puno učinio da novi stil zaživi u umjetničkim krugovima, podučavao je umjetnosti druge talente, uključujući i buduće slavni slikari poput Sesshua.

Shubunova najpopularnija slika zove se "Čitanje u gaju bambusa".

"Čitanje u bambusovom gaju" Tense Shubuna

Hasegawa Tohaku (1539.-1610.)

Postao je tvorac škole, nazvane po sebi - Hasegawa. U početku je pokušavao slijediti kanone škole Kano, ali postupno se njegov individualni "rukopis" počeo pratiti u njegovim djelima. Tohaku se vodio Sesshuovim grafikama.

Osnova rada bili su jednostavni, sažeti, ali realistični krajolici s nekompliciranim nazivima:

• "borovi";
• "Javor";
• Borovi i cvjetnice.

Pines, Hasegawa Tohaku

Braća Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)

Braća su bila vrsni majstori 18. stoljeća. Najstariji, Ogata Korin, potpuno se posvetio slikarstvu i utemeljio žanr rimpa. Izbjegavao je stereotipne slike, preferirajući impresionistički žanr.

Ogata Korin slikao je prirodu općenito, a posebno cvijeće u obliku svijetlih apstrakcija. Njegovi kistovi pripadaju slici:

• "Cvijet šljive crveno bijeli";
• "Valovi Matsushime";
• "Krizanteme".

Valovi Matsushime, Korin Ogata

Mlađi brat - Ogata Kenzan - imao je mnogo pseudonima. Barem se bavio slikarstvom, ali više je bio poznat kao izvrstan keramičar.

Ogata Kenzan svladao je mnoge tehnike keramike. Odlikovao se nestandardnim pristupom, na primjer, stvorio je ploče u obliku kvadrata.

Vlastito slikarstvo nije se odlikovalo sjajem - to je također bila njegova osobitost. Volio je stavljati kaligrafiju na proizvode kao što su svitak ili odlomci iz poezije. Ponekad su radili zajedno s bratom.

Katsushika Hokusai (1760.-1849.)

Radio je u stilu ukiyo-ea - vrste drvoreza, drugim riječima, graviranja. Za sve vrijeme kreativnosti promijenio je oko 30 imena. Najpoznatije djelo je Veliki val kod Kanagawe, zahvaljujući kojem je postao poznat i izvan domovine.

"Veliki val kod Kanagawe" Hokusaija Katsushike

Posebno naporan Hokusai je počeo raditi nakon 60 godina, što je donijelo dobre rezultate. Van Gogh, Monet, Renoir poznavali su njegov rad, a donekle je utjecao na rad europskih majstora.

Ando Hiroshige (1791.-1858.)

Jedan od najveći umjetnici 19. stoljeća. Rođen, živio, radio u Edu, nastavio rad Hokusaija, bio inspiriran njegovim radom. Način na koji je portretirao prirodu gotovo je jednako upečatljiv kao i broj samih djela.

Edo je prijašnje ime Tokija.

Evo nekoliko podataka o njegovom radu, koji su predstavljeni ciklusom slika:

• 5,5 tisuća - broj svih gravura;
• “100 pogleda na Edo;
• "36 pogleda na Fuji";
• "69 Kisokaido postaja";
• "53 postaje Tokaido".

Slika Andoa Hiroshigea

Zanimljivo je da je izvanredni Van Gogh napisao nekoliko kopija svojih gravura.

Modernost

Takashi Murakami

Slikar, kipar, modni kreator, ime je stekao već krajem 20. stoljeća. U svom radu pridržava se modnih trendova s ​​elementima klasike, a inspiraciju crpi iz anime i manga crtića.

Slika Takashija Murakamija

Djela Takashija Murakamija klasificiraju se kao subkultura, ali su istovremeno nevjerojatno popularna. Primjerice, 2008. jedan njegov rad kupljen je na aukciji za više od 15 milijuna dolara. Svojedobno je moderni kreator surađivao s modnim kućama "Marc Jacobs" i "Louis Vuitton".

Tycho Asima

Suradnica prijašnjeg umjetnika, stvara suvremene nadrealne slike. Prikazuju poglede na gradove, ulice velegradova i stvorenja kao iz drugog svemira - duhove, zle duhove, vanzemaljske djevojke. U pozadini slika često se vidi netaknuta, ponekad čak i zastrašujuća priroda.

Njezine slike dosežu velike veličine i rijetko su ograničene na papir. Prenose se na kožu, plastične materijale.

Godine 2006., u sklopu izložbe u britanskoj prijestolnici, žena je stvorila oko 20 lučnih struktura koje su odražavale ljepotu prirode sela i grada, danju i noću. Jedna od njih ukrasila je stanicu podzemne željeznice.

Hej Arakawa

Mladić se ne može nazvati samo umjetnikom u klasičnom smislu riječi - on stvara instalacije koje su toliko popularne u umjetnosti 21. stoljeća. Teme njegovih izložbi su istinski japanske i dotiču se prijateljskih odnosa, ali i rada cijelog tima.

Ei Arakawa često sudjeluje na raznim bijenalima, primjerice u Veneciji, izlaže u Muzeju moderne umjetnosti u svojoj domovini i zasluženo dobiva razne nagrade.

Ikenaga Yasunari

Moderni slikar Ikenaga Yasunari uspio je spojiti dvije naizgled nespojive stvari: život današnjih djevojaka u portretnoj formi i tradicionalne tehnike Japana potječu iz antike. Slikar u svom radu koristi posebne kistove, prirodne pigmentirane boje, tuš i ugljen. Umjesto uobičajenog lana - laneno platno.

Slika Ikenaga Yasunarija

Ova tehnika suprotstavljanja prikazanog doba i izgleda heroina stvara dojam da su nam se vratile iz prošlosti.

Seriju slika o složenosti života krokodila, koja je nedavno postala popularna u internet zajednici, također je izradio japanski karikaturist Keigo.

Zaključak

Dakle, japansko slikarstvo nastalo je oko 3. stoljeća prije Krista, i od tada se dosta promijenilo. Prve slike primijenjene su na keramiku, zatim su u umjetnosti počeli prevladavati budistički motivi, ali imena autora nisu preživjela do danas.

U doba novoga vijeka majstori kista stječu sve više individualnosti, stvaraju različite smjerove, škole. Današnja vizualna umjetnost nije ograničena na tradicionalno slikarstvo – koriste se instalacije, karikature, umjetničke skulpture, posebne strukture.

Hvala vam puno na pažnji, dragi čitatelji! Nadamo se da vam je naš članak bio koristan, kao i priče o životu i radu najsjajniji predstavnici umjetnosti omogućio njihovo bolje upoznavanje.

Naravno, teško je u jednom članku reći o svim umjetnicima od antike do danas. Stoga neka ovo bude prvi korak prema poznavanju japanskog slikarstva.

I pridružite nam se - pretplatite se na blog - zajedno ćemo proučavati budizam i kulturu Istoka!

Od davnina je japansku umjetnost karakterizirala aktivna kreativnost. Unatoč ovisnosti o Kini, gdje su se stalno pojavljivali novi umjetnički i estetski trendovi, japanski su umjetnici uvijek unosili nova obilježja i mijenjali umjetnost svojih učitelja, dajući joj japanski izgled.

Povijest Japana kao takva počinje poprimati određene oblike tek krajem 5. stoljeća. Pronađeno je relativno malo predmeta koji datiraju iz prošlih stoljeća (arhajsko razdoblje), iako neki nalazi tijekom iskapanja ili tijekom građevinskih radova govore o izrazitom umjetničkom talentu.

arhajsko razdoblje.

Najstarija djela japanske umjetnosti su glinene posude tipa Jomon (otisak uzice). Naziv potječe od ukrašavanja površine spiralnim otiscima užeta omotanog oko štapića koje je majstor koristio za izradu posude. Možda su u početku majstori slučajno otkrili otiske od pletera, ali su ih onda počeli svjesno koristiti. Katkada su se na površini zalijepile glinene kovrče poput užadi, stvarajući složeniji dekorativni efekt, gotovo reljef. Prva japanska skulptura nastala je u kulturi Jomon. Dogu (doslovno "glineni lik") osobe ili životinje vjerojatno je imao neku vrstu religijskog značaja. Slike ljudi, uglavnom žena, vrlo su slične glinenim božicama drugih primitivnih kultura.

Radiokarbonska analiza pokazuje da bi neki nalazi iz Jomon kulture mogli potjecati iz 6-5 tisuća godina prije Krista, ali takvo rano datiranje nije općenito prihvaćeno. Naravno, takvo se posuđe izrađivalo dugo vremena, a iako se točni datumi još ne mogu utvrditi, razlikuju se tri razdoblja. Najstariji primjerci imaju zašiljenu bazu i gotovo su bez ornamenta, osim tragova lončarskog alata. Posude srednjeg razdoblja su bogatije ornamentirane, ponekad s profiliranim elementima koji stvaraju dojam volumena. Oblici posuda trećeg razdoblja vrlo su raznoliki, ali se dekor ponovno izravnava i postaje suzdržaniji.

Otprilike u 2.st. PRIJE KRISTA. Jōmon keramika ustupila je mjesto Yayoi keramici koju karakterizira elegancija oblika, jednostavnost dizajna i visoka tehnička kvaliteta. Krhotina posude postala je tanja, a ornament manje čudan. Ovaj tip je prevladao do 3.st. OGLAS

S umjetničkog gledišta, možda najbolja djela ranog razdoblja su khaniwa, glineni cilindri koji datiraju iz 3.-5. stoljeća. OGLAS Karakteristični spomenici ovog doba su ogromna brda, ili grobni humci, grobne strukture careva i moćnog plemstva. Često vrlo velike veličine, dokaz su moći i bogatstva carske obitelji i dvorjana. Izgradnja takve građevine za cara Nintoku-tenna (oko 395.-427. godine) zahtijevala je 40 godina. Najznačajnija značajka ovih gomila bili su glineni cilindri koji su ih okruživali poput ograde, khaniva. Obično su ti cilindri bili prilično jednostavni, ali ponekad su bili ukrašeni ljudskim figurama, rjeđe figurama konja, kuća ili pijetlova. Njihova je svrha bila dvojaka: spriječiti eroziju ogromnih masa zemlje i opskrbiti pokojnika svim potrebnim što je koristio u ovozemaljskom životu. Naravno, cilindri su napravljeni odmah u velikim količinama. Raznolikost tema, izraza lica i gesta figura koje ih ukrašavaju uvelike je rezultat majstorove improvizacije. Unatoč činjenici da se radi više o djelima obrtnika, a ne umjetnika i kipara, oni su od velike važnosti kao pravi japanski vrsta umjetnosti. Zgrade, konji umotani u pokrivače, primjene dame i ratnici predstavljaju zanimljiva slika vojni život ranofeudalnog Japana. Moguće je da su se prototipovi ovih cilindara pojavili u Kini, gdje su se različiti predmeti postavljali izravno u ukope, ali izvođenje i uporaba haniwe pripadaju lokalnoj tradiciji.

Razdoblje arhaike često se promatra kao vrijeme lišeno djela visoke umjetničke razine, vrijeme dominacije onoga što ima uglavnom arheološku i etnološku vrijednost. Međutim, treba imati na umu da su djela ove rane kulture u cjelini imala veliku vitalnost, budući da su njihovi oblici preživjeli i nastavili postojati kao specifični nacionalne karakteristike Japanska umjetnost u kasnijim razdobljima.

Asuka razdoblje

(552.-710. po Kr.). Uvođenje budizma sredinom 6.st. unijela značajne promjene u način života i razmišljanja Japanaca i postala poticaj za razvoj umjetnosti ovog i kasnijih razdoblja. Dolazak budizma iz Kine preko Koreje tradicionalno se datira u 552. godinu nove ere, no vjerojatno se znalo i ranije. U prvim godinama budizam se suočio s političkom opozicijom, protivljenjem nacionalnoj religiji šintou, ali je nakon samo nekoliko desetljeća nova vjera dobila službeno odobrenje i konačno je uspostavljena. U prvim godinama svog prodora u Japan, budizam je bio relativno jednostavna religija s malim brojem božanstava kojima su bile potrebne slike, ali je nakon stotinjak godina ojačao i panteon se enormno povećao.
U tom su se razdoblju osnivali hramovi koji nisu služili samo u svrhu promicanja vjere, već su bili središta umjetnosti i obrazovanja. Samostan-hram u Horyu-ji jedan je od najvažnijih za proučavanje rane budističke umjetnosti. Među ostalim dragocjenostima, tu je i kip velike trijade Syaka-Nerai (623. godine). Ovo djelo Torija Busshija, prvog velikog japanskog kipara poznatog nam, stilizirana je brončana slika, slična sličnim skupinama u velikim pećinskim hramovima Kine. Stroga frontalnost uočena je u pozi sjedećeg Shakija (japanska transkripcija riječi "shakyamuni", povijesni Buddha) i dvije figure koje stoje s njegove strane. Obrasci ljudski lik skrivene teškim simetričnim naborima shematski prikazane odjeće, au glatkim izduženim licima osjeća se snena zaokupljenost i kontemplacija. Skulptura ovog prvog budističkog razdoblja temelji se na stilu i prototipovima s kopna prije pedeset godina; vjerno slijedi kinesku tradiciju koja je u Japan došla preko Koreje.

Neke od najvažnijih skulptura tog vremena izrađene su od bronce, ali korišteno je i drvo. Dvije najpoznatije drvene skulpture su statue božice Kannon: Yumedono Kannon i Kudara Kannon, obje u Horyujiju. Oni su privlačniji objekt obožavanja od trijade Shaki, sa svojim arhaičnim osmijesima i sanjivim izrazima lica. Iako je raspored nabora haljetaka i kod Kannonovih figura shematičan i simetričan, oni su lakši i puni pokreta. visoko vitke figure naglašavaju duhovnost lica, njihovu apstraktnu ljubaznost, udaljena od svih svjetovnih briga, ali osjetljiva na molbe patnika. Kipar je pažnju posvetio obrisima figure Kudare Kannon, skrivene naborima odjeće, a za razliku od nazubljene siluete Yumedono, kretanje i figure i tkanine usmjereno je u dubinu. U Kudarovom profilu, Kannon ima graciozan S-oblik.

Jedini sačuvani primjer slikarstva koji daje ideju o stilu ranog 7. stoljeća je Tamamushi Zushi, "svetište s krilima". Ovo minijaturno svetište svoje je ime dobilo po preljevnim krilima buba postavljenim u perforirani metalni okvir; kasnije je ukrašavana religioznim kompozicijama i likovima pojedinih likova, izrađenim lakom u boji. Poput skulptura iz tog razdoblja, neke od slika pokazuju veliku slobodu dizajna.

Razdoblje Nara

(710-784). Godine 710. prijestolnica je premještena u Naru, novi grad izgrađen po uzoru na kinesku prijestolnicu Chang'an. Bilo je tu širokih ulica, velikih palača, brojnih budističkih hramova. Ne samo budizam u svim njegovim aspektima, nego cijeli kineski kulturni i politički život viđen je kao uzor. Možda nijedna druga zemlja nije u tolikoj mjeri osjetila nedostatnost vlastite kulture i nije bila toliko podložna vanjskim utjecajima. Učenjaci i hodočasnici slobodno su se kretali između Japana i kopna, a administracija i život u palačama bili su oblikovani po uzoru na Kinu za vrijeme dinastije Tang. Međutim, treba imati na umu da su Japanci, unatoč oponašanju uzora Tang Kine, osobito u umjetnosti, uočavajući njezin utjecaj i stil, gotovo uvijek prilagođavali strane oblike svojima.

U kiparstvu je stroga frontalnost i simetrija prethodnog Asuka razdoblja ustupila mjesto slobodnijim oblicima. Razvoj ideja o bogovima, povećana tehnička vještina i sloboda vlasništva nad materijalom omogućili su umjetnicima stvaranje bližih i pristupačnijih ikonskih slika. Osnivanje novih budističkih sekti proširilo je panteon čak i na svece i utemeljitelje budizma. Osim brončane skulpture, poznat je veliki broj djela izrađenih u drvu, glini i laku. Kamen je bio rijedak i gotovo nikad nije korišten za skulpturu. Suhi lak bio je posebno popularan, možda zato što su, unatoč složenosti procesa pripreme sastava, radovi izrađeni od njega izgledali spektakularnije od drveta i bili su jači od proizvoda od gline koji su bili lakši za izradu. Lakirane figure oblikovane su na drvenoj ili glinenoj podlozi koja se potom uklanjala ili na drvenim ili žičanim okovima; bili su lagani i jaki. Iako je ova tehnika nalagala određenu krutost u pozama, dopuštena je velika sloboda u prikazivanju lica, što je dijelom pridonijelo razvoju onoga što se može nazvati pravom portretnom skulpturom. Slika lica božanstva izvedena je u skladu sa strogim propisima budističkih kanona, ali popularnost, pa čak i deifikacija nekih utemeljitelja i propovjednika vjere pružila je izvrsne mogućnosti za prenošenje portretne sličnosti. Takva sličnost može se pratiti u suhoj lakiranoj skulpturi kineskog patrijarha Genjina, cijenjenog u Japanu, koja se nalazi u hramu Toshodaiji. Genjin je bio slijep kada je stigao u Japan 753. godine, a njegove slepe oči i prosvijetljeno stanje unutarnje kontemplacije prekrasno je prikazao nepoznati kipar. Ovaj realistički trend najjasnije je izražen u drvenoj skulpturi propovjednika Kuija, koju je izradio kipar Kosho u 13.-14. stoljeću. Propovjednik je odjeven kao lutajući prosjak sa štapom, gongom i maljem, a iz njegovih poluotvorenih usta izlaze male figure Bude. Nezadovoljan slikom redovnika koji pjeva, kipar je pokušao izraziti najdublje značenje njegovih riječi.
Slike Buddhe iz razdoblja Nara također se odlikuju velikim realizmom. Stvoreni za sve veći broj hramova, oni nisu tako nepokolebljivo hladni i suzdržani kao njihovi prethodnici, imaju dražesniju ljepotu i plemenitost i više su naklonjeni ljudima koji ih štuju.

Iz tog je razdoblja sačuvano vrlo malo slika. Višebojni crtež na papiru prikazuje prošli i sadašnji život Buddhe. Ovo je jedan od rijetkih drevnih primjera emakimona, ili slikanja svicima. Svici su se polako odmotali s desna na lijevo, a gledatelj je mogao uživati ​​samo u dijelu slike koji se nalazio između ruku koje su odmotavale svitak. Ilustracije su bile neposredno iznad teksta, za razliku od kasnijih svitaka, gdje se dio teksta izmjenjivao sa slikom koja objašnjava. U ovim najstarijim sačuvanim primjerima slikanja svicima, ocrtane figure postavljene su na pozadini jedva ocrtanog krajolika, a središnji lik, u ovaj slučaj Syaka se pojavljuje u raznim epizodama.

Rani Heian

(784-897). Godine 784. prijestolnica je privremeno premještena u Nagaoku, dijelom kako bi se izbjegla dominacija Narinog budističkog svećenstva. Godine 794. preselila se u Heian (danas Kyoto) na duže razdoblje. Kasno 8. i 9. stoljeće bili su razdoblje kada je Japan uspješno asimilirao, prilagođavajući se svojim karakteristikama, mnoge strane inovacije. I budistička religija je doživjela vrijeme promjena, pojavu novih sekti ezoteričnog budizma, sa svojim razvijenim ritualima i bontonom. Od njih su najutjecajnije bile sekte Tendai i Shingon, koje su nastale u Indiji, stigle do Kine, a odatle su ih u Japan donijela dvojica učenjaka koji su se nakon dugog naukovanja vratili u svoju domovinu. Sekta Shingon ("Prave riječi") bila je posebno voljena na dvoru i brzo je zauzela dominantan položaj. Njegovi glavni samostani nalazili su se na planini Koya blizu Kyota; poput drugih važnih budističkih središta postali su spremištem ogromne zbirke spomenici umjetnosti.

Skulptura 9.st. bila uglavnom drvena. Slike božanstava odlikovale su se strogošću i nedostupnom veličinom, što je naglašeno svečanošću njihovog izgleda i masivnosti. Draperije su bile vješto izrezane prema standardnim uzorcima, šalovi su ležali u valovima. Stojeći Shakijev lik iz hrama u Murojiju primjer je ovog stila. Za ovu i slične slike 9.st. karakterizira kruto rezbarenje s dubljim, jasnim naborima i drugim detaljima.

Povećanje broja bogova stvorilo je velike poteškoće umjetnicima. U složenim mandalama nalik karti (geometrijski dizajn s magičnim značenjem), božanstva su bila hijerarhijski raspoređena oko središnje postavljenog Bude, koji je sam bio samo jedna manifestacija apsoluta. U to vrijeme pojavio se novi način prikazivanja likova božanstava čuvara okruženih plamenom, strašnog izgleda, ali blagotvorne prirode. Ta su božanstva bila raspoređena asimetrično i prikazana u pokretnim pozama, sa zastrašujućim crtama lica, žestoko štiteći vjeru od mogućih opasnosti.

Srednji i kasni Heian, ili razdoblje Fujiwara

(898-1185). Prijenos prijestolnice u Heian, koji je trebao izbjeći teške zahtjeve svećenstva, izazvao je promjene u politički sustav. Plemstvo je bilo dominantna snaga, a obitelj Fujiwara postala je njezin najkarakterističniji predstavnik. Razdoblje 10-12 stoljeća. često povezuju s ovim imenom. Započelo je razdoblje osobite moći, kada se pravim carevima "vrlo savjetovalo" da ostave po strani državne poslove radi ugodnijeg bavljenja poezijom i slikarstvom. Do punoljetnosti cara je vodio strogi regent - obično iz obitelji Fujiwara. Bilo je to doba luksuza i izvanrednih postignuća u književnosti, kaligrafiji i umjetnosti; sve je djelovalo tromo i emotivno, što je rijetko dosezalo dubinu, ali u cjelini je bilo šarmantno. Elegantna sofisticiranost i eskapizam odrazili su se u umjetnosti tog vremena. Čak su i pristaše budizma tražili lakše načine, a osobito je postalo popularno štovanje nebeskog Buddhe, Amide. Pojmovi suosjećanja i spasonosne milosti Buddhe Amide duboko su se odrazili u slikarstvu i skulpturi ovog razdoblja. Masivnost i suzdržanost kipova 9.st. u 10-11 stoljeću. ustupio mjesto blaženstvu i šarmu. Božanstva su prikazana snena, zamišljeno smirena, rezbarija postaje manje duboka, površina postaje šarenija, s bogato razvijenom fakturom. Najvažniji spomenici ovog razdoblja pripadaju kiparu Jochou.
Djela umjetnika također su dobila mekša svojstva, podsjećajući na crteže na tkanini, pa čak i strašna božanstva - branitelji vjere postali su manje zastrašujući. Sutre (budistički tekstovi) ispisane su zlatom i srebrom na tamnoplavom papiru, finoj kaligrafiji teksta često prethode male ilustracije. Najviše popularna odredišta Budizam i s njima povezana božanstva odražavaju sklonosti aristokracije i postupno odstupanje od surovih ideala ranog budizma.

Atmosfera tog vremena i njegova djela dijelom su povezani s prekidom formalnih odnosa s Kinom 894. Budizam u Kini u to je vrijeme bio progonjen, a korumpirani Tang dvor bio je u stanju opadanja. Postojanje na osamljenom otoku koje je uslijedilo nakon ove nepovezanosti potaknulo je Japance da se okrenu vlastitoj kulturi i razviju novi, čistiji japanski stil. Doista, svjetovno slikarstvo 10.-12.st. bio gotovo posve japanski – i po tehnici i po kompoziciji i zapletima. Posebnost ovih japanskih svitaka, zvanih yamato-e, bila je prevlast engi zapleta (podrijetlo, povijest). Dok su kineski svici najčešće prikazivali nepreglednu čudesnu prirodu, panorame planina, potoka, stijena i drveća, a ljudi djelovali relativno beznačajno, na narativnim svicima Japanaca u crtežu i tekstu glavna je bila osoba. Pejzaž je igrao samo ulogu pozadine ispričane priče, podređen glavnom liku ili osobama. Mnogi od svitaka bili su oslikane kronike života poznatih budističkih propovjednika ili povijesne osobe, njihova putovanja i vojne pohode. Drugi su pričali o romantičnim epizodama iz života plemstva i dvorjana.

Očito idiosinkratičan stil ranih svitaka proizašao je iz jednostavnih skica tintom na stranicama budističkih bilježnica. Riječ je o vještim crtežima koji karikiraju ljudsko ponašanje kroz slike životinja: majmun u redovničkoj odjeći obožava napuhanu žabu, nadmetanje zečeva, majmuna i žaba. Ovi i drugi kasni Heian svici pružili su osnovu za složenije narativne svitke razvijenog stila 13. i 14. stoljeća.

Kamakura razdoblje

(1185-1392). Kasno 12. stoljeće donio je ozbiljne promjene u politički i vjerski život Japana i, naravno, u njegovu umjetnost. Elegancija i estetizam dvora iz Kyota zamijenjeni su ili su, u tradiciji "posebne" vladavine, "dobili dodatak" u obliku nove, oštre i hrabre vladavine - Kamakura šogunata. Iako je Kyoto nominalno ostao glavni grad, šogun Minamoto no Yoritomo (1147.-1199.) uspostavio je svoje sjedište u gradu Kamakura i u samo 25 godina uspostavio kruti sustav vojne diktature i feudalizma. Budizam, koji je postao toliko složen i ritualiziran da je bio neshvatljiv običnim laicima, također je doživio veliku promjenu koja nije obećavala pokroviteljstvo umjetnosti. Sekta Yodo ("Čista zemlja"), oblik štovanja Buddhe Amide, pod vodstvom Honen Shonina (1133.-1212.) reformirala je hijerarhiju buda i božanstava i dala nadu u spasenje svima koji su jednostavno vjerovali u Amidu. Ovu doktrinu o lako dostižnom raju kasnije je pojednostavio drugi redovnik, Shinran (1173-1262), utemeljitelj sekte Shin, koji je prepoznao da je Amidina popustljivost toliko velika da nema potrebe za obavljanjem vjerskih radnji, dovoljno je samo ponoviti čaroliju "Namu Amida Butsu" (prva riječ znači "podvrgnuti se"; druge dvije su "Buddha Amida"). Takav jednostavan način spašavanja duše bio je iznimno privlačan, a sada ga milijuni koriste. Generaciju kasnije, militantni propovjednik Nichiren (1222-1282), po kojem je sekta dobila ime, napustio je ovaj pojednostavljeni oblik religije. Njegovi su sljedbenici štovali Lotos sutru, koja nije obećavala trenutno i bezuvjetno spasenje. Njegove su se propovijedi često doticale političkih tema, a njegova su se uvjerenja i predložene reforme crkve i države svidjeli novoj ratničkoj klasi u Kamakuri. Konačno, filozofija zena, nastala već u 8. stoljeću, počela je igrati sve veću ulogu u budističkoj misli tog razdoblja. Zen je naglašavao važnost meditacije i prezira prema bilo kakvim slikama koje bi mogle spriječiti čovjeka u njegovoj potrazi za povezivanjem s Bogom.

Dakle, bilo je to vrijeme kada je religijska misao ograničila broj slika i skulptura koje su prije bile potrebne za bogoslužje. Ipak, tijekom razdoblja Kamakura, neki od najljepša djela japanska umjetnost. Poticaj je bila inherentna japanska ljubav prema umjetnosti, ali ključ zagonetke je stav ljudi prema novim vjerovanjima, a ne dogma kao takva. Dapače, sama djela sugeriraju razlog njihova nastanka, jer mnoge od ovih skulptura i slika punih života i energije su portreti. Iako je zen filozofija možda smatrala obične predmete religijskog obožavanja zaprekom prosvjetljenju, tradicija štovanja učitelja bila je sasvim prihvatljiva. Sam portret nije mogao biti predmet obožavanja. Ovakav stav prema portretu nije bio jedinstven za zen budizam: mnogi propovjednici sekte Čiste zemlje bili su štovani gotovo poput budističkih božanstava. Zahvaljujući portretu, pojavio se čak i novi arhitektonski oblik - mieido ili portretna kapela. Nagli razvoj realizma bio je posve u duhu vremena.
Iako su slikoviti portreti svećenika očito doista bili slike određenih ljudi, često su bili prerade slika koje su prikazivale kineske utemeljitelje budizma. Bili su naslikani kako propovijedaju, otvorenih usta, gestikulirajućih ruku; ponekad su redovnici prosjaci prikazivani kako čine težak put za slavu vjere.

Jedan od najpopularnijih zapleta bio je raigo (željeni dolazak), koji je prikazivao Budu Amidu sa svojim drugovima kako se spušta na oblaku kako bi spasio dušu vjernika na samrti i prenio je u raj. Boje takvih slika često su bile pojačane apliciranim zlatom, a valovite linije, lepršavi ogrtači, uskovitlani oblaci davali su dojam pokreta silasku Bude.

Unkei, koji je djelovao u drugoj polovici 12. i početkom 13. stoljeća, autor je inovacije koja je olakšala rezbarenje drva, koje je ostalo omiljeni materijal kipara tijekom razdoblja Kamakura. Prije je majstor bio ograničen veličinom i oblikom palube ili trupca iz kojeg je figura izrezana. Ruke i odjevni elementi postavljani su zasebno, ali je gotov komad često podsjećao na izvorni cilindrični oblik. U novoj tehnici deseci malih dijelova pažljivo su pristajali jedan uz drugi, tvoreći šuplju piramidu, iz koje su šegrti mogli grubo izrezati figuru. Kipar je imao na raspolaganju podatniji materijal i mogućnost stvaranja složenijih oblika. Mišićavi čuvari hramova i božanstva u lepršavim pelerinama i haljinama djelovali su življi i zato što su im se u očne duplje počeli umetati kristal ili staklo; kipovi su se počeli ukrašavati pozlaćenom broncom. Postali su lakši i manje je vjerojatno da će pucati kako se drvo sušilo. Spomenuti drveni kip Kuya Shonina, rad Unkeijeva sina Koshoa, predstavlja najviši domet realizma Kamakura ere u portretnoj skulpturi. Doista, skulptura je u to vrijeme dosegla vrhunac u svom razvoju, a kasnije više nije zauzimala tako istaknuto mjesto u umjetnosti.

I svjetovno slikarstvo odražavalo je duh vremena. Narativni svici kasnog razdoblja Heian, u suzdržanim bojama i gracioznim linijama, govorili su o romantičnim izletima princa Genjija ili zabavama povučenih dvorskih dama. Sada su jarkim bojama i energičnim potezima umjetnici Kamakura ere prikazivali bitke zaraćenih klanova, palače progutane plamenom i uplašene ljude koji su bježali pred napadačkim trupama. Čak i kad se na svitku odvijala religijska priča, slika nije bila toliko ikona koliko povijesni dokaz o putovanjima svetih ljudi i čudima koja su činili. U oblikovanju ovih parcela može se pronaći sve veća ljubav prema prirodi i divljenje zavičajnim krajolicima.

Muromachi, ili Ashikaga razdoblje

(1392-1568). Godine 1392., nakon više od 50 godina sukoba, treći šogun iz obitelji Ashikaga, Yoshimitsu (1358.-1408.), ponovno je ujedinio zemlju. Sjedište vlade ponovno je postao nominalni glavni grad Kyoto, gdje su šoguni Ashikaga izgradili svoje palače u četvrti Muromachi. (Ovo razdoblje se ponekad naziva Muromachi, ponekad Ashikaga.) Ratno vrijeme nije poštedio mnoge hramove - spremišta japanske umjetnosti, koji su spaljeni zajedno s blagom koje se tamo nalazilo. Zemlja je bila ozbiljno razorena, a čak je i mir donio malo olakšanja, jer su zaraćeni klanovi, u svom uspjehu, dijelili usluge prema vlastitoj želji. Čini se da je situacija bila izrazito nepovoljna za razvoj umjetnosti, ali u stvarnosti su je šoguni Ashikaga pokroviteljili, osobito u 15. i 16. stoljeću, kada je slikarstvo procvalo.

Najznačajnija umjetnost tog vremena bili su jednobojni pjesnički crteži tušem potaknuti zen budizmom i pod utjecajem kineskih dizajna dinastija Song i Yuan. Tijekom dinastije Ming (1368.-1644.) obnovljeni su kontakti s Kinom, a Yoshimitsu, kolekcionar i pokrovitelj umjetnosti, poticao je sakupljanje i proučavanje Kinesko slikarstvo. Postala je uzorom i polazištem darovitih umjetnika koji su laganim i tečnim potezom kista slikali krajolike, ptice, cvijeće, likove svećenika i mudraca. Japansko slikarstvo ovoga vremena karakterizira ekonomičnost linije; umjetnik kao da izvlači suštinu prikazanog zapleta, dopuštajući gledateljevom pogledu da ga ispuni detaljima. Prijelazi sive i sjajne crne tinte na ovim slikama vrlo su bliski filozofiji zena, koja je, naravno, inspirirala njihove autore. Iako je ova vjera postigla značajan utjecaj čak i pod vojnom moći Kamakure, nastavila se brzo širiti u 15. i 16. stoljeću, kada su nastali brojni zen samostani. Propovijedajući uglavnom ideju "samospasenja", ono nije povezivalo spasenje s Budom, već se oslanjalo na strogu samodisciplinu čovjeka kako bi postigao iznenadno intuitivno "prosvjetljenje" koje ga sjedinjuje s apsolutom. Štedljiva, ali hrabra upotreba tuša i asimetrična kompozicija, u kojoj su neobojeni dijelovi papira imali značajnu ulogu u prikazivanju idealiziranih krajolika, mudraca i znanstvenika, bili su u skladu s tom filozofijom.

Jedan od najpoznatijih predstavnika sumi-ea, stila monokromnog slikanja tušem, bio je Sesshu (1420.-1506.), zen svećenik čiji mu je dug i plodan život osigurao kontinuirano štovanje. Potkraj života počeo se služiti stilom haboku (brza tuš), koji je, za razliku od zrelog stila koji je zahtijevao jasne, štedljive poteze, doveo tradiciju monokromnog slikanja gotovo do apstrakcije.
Djelovanje umjetničke obitelji Kano i razvoj njihova stila padaju u isto razdoblje. Po izboru tema i upotrebi tuša bio je blizak kineskom, ali je po izražajnim sredstvima ostao japanski. Kano je uz podršku šogunata postao "službena" škola odn umjetnički stil slikarstvo i cvjeta čak i u 19. stoljeću.

Naivna tradicija yamato-e nastavila je živjeti u djelima škole Tosa, drugog važnog pravca japanskog slikarstva. Zapravo, u to su vrijeme obje škole, Kano i Tosa, bile usko povezane, spajao ih je interes za modernog života. Motonobu Kano (1476-1559), jedan od izvanrednih umjetnika ovog razdoblja, ne samo da je udao svoju kćer za poznatog umjetnika Tošu, nego je i slikao u njegovoj maniri.

U 15-16 stoljeću. bilo je samo nekoliko spomena vrijednih kiparskih djela. Treba, međutim, napomenuti da je razvoj noo drame, sa svojom raznolikošću raspoloženja i emocija, kiparima otvorio novo polje djelovanja - oni su rezbarili maske za glumce. U klasičnoj japanskoj drami koju izvodi aristokracija i za nju, glumci (jedan ili više) nosili su maske. Prenijeli su niz osjećaja od straha, tjeskobe i zbunjenosti do suzdržane radosti. Neke su maske bile tako izvrsno izrezbarene da je i najmanji okret glumčeve glave izazivao suptilne promjene u izrazu lica. Izvanredne primjerke ovih maski godinama čuvaju obitelji za čije su članove izrađene.

Momoyama razdoblje

(1568-1615). Godine 1593. veliki vojni diktator Hideyoshi sagradio je svoj dvorac na Momoyami, "Brdu breskve", a pod tim nazivom uobičajeno je označiti razdoblje od 47 godina od pada Ashikaga šogunata do uspostave Tokugawa ili Edo razdoblja. , 1615. godine. Bilo je to vrijeme prevlasti sasvim novog vojnog staleža, čije je veliko bogatstvo pridonijelo procvatu umjetnosti. Impresivni dvorci s velikim dvoranama za publiku i dugim hodnicima ušli su u modu krajem 16. stoljeća. i zahtijevali ukrase primjerene njihovoj veličini. Bilo je to vrijeme strogih i hrabrih ljudi, a nove mecene, za razliku od nekadašnje aristokracije, nisu posebno zanimale intelektualne bavljenja ili suptilnosti zanatskog umijeća. Srećom, nova generacija umjetnika opravdala je svoje pokrovitelje. Tijekom tog razdoblja, prekrasni zasloni i pomični paneli svijetlo grimizne, smaragdne, zelene, ljubičaste i plavo cvijeće. Takve bujne boje i ukrasni oblici, često na podlozi od zlata ili srebra, bili su vrlo popularni stotinjak godina, a njihovi tvorci s pravom su nazivani "velikim dekoratorima". Zahvaljujući suptilnom japanskom ukusu, pompozni stil nije se izrodio u vulgarnost, a čak i kada su suzdržanost i nedorečenost ustupili mjesto luksuzu i ukrasnim ekscesima, Japanci su uspjeli zadržati eleganciju.

Eitoku Kano (1543.-1590.), jedan od prvih velikih umjetnika ovoga razdoblja, djelovao je u stilu Kana i Tose, proširujući koncepciju crteža prvoga i spajajući ga s bogatstvom boja drugoga. Iako je sačuvano samo nekoliko djela čiji se Eitoku sa sigurnošću može identificirati kao autor, on se smatra jednim od utemeljitelja stila Momoyama, a većina umjetnika ovog razdoblja bili su njegovi učenici ili su bili pod njegovim utjecajem.

Edo ili Tokugawa razdoblje

(1615-1867). Dugo razdoblje mira koje je nastupilo u novoujedinjenom Japanu naziva se ili Tokugawa vrijeme, prema imenu vladara, ili Edo (moderni Tokio), budući da je 1603. ovaj grad postao novo središte moći. Dvojica slavnih generala kratkog Momoyaminog razdoblja, Oda Nobunaga (1534.-1582.) i Toyotomi Hideyoshi (1536.-1598.), vojnom su akcijom i diplomacijom konačno uspjeli pomiriti moćne klanove i militantni kler. Hideyoshijevom smrću 1598. vlast je pripala Ieyasu Tokugawi (1542.-1616.), koji je dovršio zajednički započete mjere. Odlučujuća bitka kod Sekigahare 1600. učvrstila je Ieyasuov položaj, pad dvorca Oska 1615. popraćen je konačnim slomom kuće Hideyoshi i uspostavom nepodijeljene vladavine šogunata Tokugawa.

Miroljubiva vladavina Tokugawa trajala je 15 generacija i završila tek u 19. stoljeću. Bilo je to zapravo razdoblje politike "zatvorenih vrata". Dekretom iz 1640. strancima je zabranjen pristup Japanu, a Japanci nisu mogli putovati u inozemstvo. Jedina trgovačka i kulturna veza bila je s Nizozemcima i Kinezima preko luke Nagasaki. Kao iu drugim razdobljima izolacije, dolazi do porasta nacionalnih osjećaja i pojave krajem 17.st. takozvana škola žanrovskog slikarstva i graviranja.
Brzo rastući glavni grad Edo postao je središte ne samo političkog i poslovnog života otočkog carstva, već i središte umjetnosti i obrta. Zahtjev da daimyo, pokrajinski feudalni gospodari, budu u glavnom gradu određeni dio svake godine stvorio je potrebu za novim zgradama, uključujući zgrade palača, a time i za umjetnicima koji bi ih ukrašavali. Klasa bogatih, ali nearistokratskih trgovaca koja je istodobno nastajala, pružala je novo i često neprofesionalno pokroviteljstvo umjetnicima.

Umjetnost ranog Edo razdoblja djelomično nastavlja i razvija Momoyama stil, pojačavajući njegove težnje prema luksuzu i sjaju. Bogatstvo bizarnih slika i polikromije naslijeđeno iz prethodnog razdoblja nastavlja se razvijati. Taj je dekorativni stil doživio vrhunac u posljednjoj četvrtini 17. stoljeća. u tzv. Genroku doba Tokugawa razdoblja (1688-1703). U japanskoj dekorativnoj umjetnosti nema paralele u ekstravaganciji i bogatstvu boja i ukrasnih motiva u slikarstvu, tkaninama, lakovima, u umjetničkim sitnicama - atributima luksuznog načina života.

Budući da govorimo o relativno kasno razdoblje povijesti, ne čudi da su imena mnogih umjetnika i njihova djela sačuvana; ovdje je moguće navesti samo neke od najistaknutijih. Među predstavnicima dekorativne škole koji su živjeli i radili tijekom razdoblja Momoyama i Edo su Honnami Koetsu (1558-1637) i Nonomura Sotatsu (u. 1643). Njihov rad pokazuje izvanredan osjećaj za uzorak, kompoziciju i boju. Koetsu, talentirani keramičar i lakir, bio je poznat po ljepoti svoje kaligrafije. Zajedno sa Sotatsuom stvorili su pjesme u svicima koje su bile moderne u to vrijeme. U tom spoju književnosti, kaligrafije i slikarstva slike nisu bile samo ilustracije: one su stvarale ili sugerirale raspoloženje primjereno percepciji teksta. Ogata Korin (1658.-1716.) bio je jedan od nasljednika dekorativnog stila koji je zajedno sa svojim mlađim bratom Ogatom Kenzanom (1663.-1743.) usavršio njegovu tehniku. Kenzan, poznatiji kao keramičar nego kao umjetnik, pekao je posude s nacrtima svog slavnog starijeg brata. Oživljavanje ove škole početkom 19.st. pjesnika i slikara Sakaija Hoitsua (1761.-1828.) bio je posljednji uzlet u dekorativnom stilu. Horitsuovi prekrasni svici i zasloni kombinirali su Korinov smisao za crtanje sa interesom Maruyaminog naturalizma za prirodu, što je rezultiralo bogatstvom boja i ukrasnih motiva ranijeg razdoblja, ublaženih sjajem i finoćom poteza kistom.

Uz polikromni dekorativni stil, tradicionalno crtanje tušem u Kano školi i dalje je bilo popularno. Godine 1622. Kanō Tanyu (1602.-1674.) imenovan je dvorskim slikarom šoguna i pozvan u Edo. Njegovim imenovanjem na tu dužnost i osnivanjem Edo škole slikarstva Kano u Kobikitu, započelo je polustoljetno razdoblje umjetničkog vodstva ove tradicije, koje je obnovilo ugled obitelji Kano i učinilo djela Edo razdoblja najistaknutijim. značajan u kano slikarstvu. Unatoč popularnosti paravana obojenih zlatom i jarkim bojama, koje su stvarali "veliki dekorateri" i rivali, Tangyu je, zahvaljujući snazi ​​svog talenta i službenog položaja, uspio među plemstvom popularizirati slikarstvo oživljene škole Kano. Tanyu je dodao snagu i jednostavnost tradicionalnim značajkama škole Kano, temeljenoj na krutoj izlomljenoj liniji i dobro promišljenom rasporedu elemenata kompozicije na velikoj slobodnoj površini.

Novi smjer u kojem glavna značajka javlja se interes za prirodu, počinje prevladavati krajem XVIII. Maruyama Okyo (1733-1795), glava nova skola, bio je seljak, zatim postao svećenik i na kraju umjetnik. Prva dva razreda nisu mu donijela sreću ni uspjeh, ali je kao umjetnik dosegao velike visine i smatra se utemeljiteljem realističke škole Maruyama. Studirao je kod majstora škole Kano, Ishide Yuteija (umro oko 1785.); na temelju uvezenih nizozemskih gravura shvaćao je zapadnjačku tehniku ​​perspektivnog prikaza, a katkada te gravure jednostavno kopirao. Također je proučavao kineske stilove iz dinastija Song i Yuan, uključujući suptilan i realističan stil Chen Xuana (1235.-1290.) i Shen Nanpinga; potonji je živio u Nagasakiju početkom 18. stoljeća. Okyo je izradio mnoga djela iz prirode, a njegova su znanstvena zapažanja bila temelj za percepciju prirode na kojoj se temeljila škola Maruyama.

Osim zanimanja za naturalizam u 18.st. obnovljeni utjecaj kineske umjetničke tradicije. Predstavnici ovog pravca gravitirali su slikarskoj školi znanstvenika slikara Ming (1368-1644) i Qing (1644-1912), iako je njihovo razumijevanje današnjeg stanja umjetnosti u Kini vjerojatno bilo ograničeno. Umjetnost ove japanske škole zvala se bujinga (umjetnost obrazovanih ljudi). Jedan od najutjecajnijih majstora bujinga stila bio je Ikeno Taiga (1723.-1776.), slavni slikar i kaligraf. Njegov zreli stil karakteriziraju debele konturne linije ispunjene laganim pernatim potezima u svijetlim tonovima i tintom; također je slikao širokim, slobodnim potezima crne tinte, prikazujući debla bambusa pognuta na vjetru i kiši. Kratkim, zakrivljenim linijama postigao je efekt koji podsjeća na gravure u liku maglovitih planina iznad jezera okruženog šumom.
17. stoljeće iznjedrio još jedan izvanredan umjetnički pravac razdoblja Edo. To je takozvani ukiyo-e (slike svijeta koji se mijenja) - žanrovske scene stvorene od običnih ljudi i za njih. Rani ukiyo-e nastao je u staroj prijestolnici Kyotu i bio je uglavnom slikovit. No središte njihove proizvodnje ubrzo se seli u Edo, a pozornost majstora usmjerava na drvoreze. Bliska povezanost drvoreza s ukiyo-eom dovela je do pogrešnog uvjerenja da je drvorez otkriće ovog razdoblja; zapravo, nastao je u 11. stoljeću. Takve rane slike bile su zavjetne prirode, prikazujući utemeljitelje budizma i božanstva, a tijekom razdoblja Kamakura, neki narativni svici reproducirani su iz izrezbarenih blokova. No graverska umjetnost posebno je postala popularna u razdoblju od sredine 17. do 19. stoljeća.

Teme ukiyo-e gravura bile su lijepe kurtizane iz gay četvrti, omiljeni glumci i scene iz drama. Rani, tzv. primitivne gravure izvođene su crnom bojom, s jakim ritmičkim valovitim linijama, te su se razlikovale jednostavan uzorak. Ponekad su bile ručno oslikane u narančasto-crvenu boju zvanu tan-e (jarko crvene slike), sa senf žutim i zelenim oznakama. Neki od "primitivnih" umjetnika koristili su ručno slikanje zvano urushu-e (slikanje lakom), u kojem su tamna područja pojačana i posvijetljena dodatkom ljepila. Rani polikromirani otisak, koji se pojavio 1741. ili 1742., zvao se benizuri-e (grimizni otisak) i obično je koristio tri boje - ružičasto crvenu, zelenu i ponekad žutu. Zaista višebojne gravure, koje koriste cijelu paletu i nazivaju se nishiki-e (slike od brokata), pojavile su se 1765. godine.

Osim izrade pojedinačnih grafika, mnogi od gravera ilustrirali su knjige i zarađivali izrađujući erotske ilustracije u knjigama i na svicima. Treba imati na umu da se ukiyo-e graviranje sastojalo od tri vrste aktivnosti: radilo se o radu crtača, čije je ime nosio otisak, rezbara i tiskara.

Hishikawa Moronobu (oko 1625.-1694.) smatra se utemeljiteljem tradicije stvaranja ukiyo-e grafika. Drugi "primitivni" umjetnici ovog pravca su Kiyomasu (1694-1716) i grupa Kaigetsudo (čudna zajednica umjetnika čije postojanje ostaje nejasno), kao i Okumura Masanobu (1686-1764).

Prijelazni umjetnici koji su stvorili benizuri-e grafike bili su Ishikawa Toyonobu (1711.-1785.), Torii Kiyohiro (aktivan oko 1751.-1760.) i Torii Kiyomitsu (1735.-1785.).

Djela Suzukija Harunobua (1725.-1770.) otvaraju eru polikromnog graviranja. Ispunjeni nježnim, gotovo neutralnim bojama, napučeni gracioznim damama i galantnim ljubavnicama, Harunobu printovi doživjeli su veliki uspjeh. Otprilike u isto vrijeme, Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) i Kitagawa Utamaro (1753-1806) radili su s njim. Svaki od njih pridonio je razvoju ovog žanra; majstori su donijeli gravure s prikazima dražesnih ljepotica i poznati glumci do savršenstva. U nekoliko mjeseci 1794.-1795., misteriozni Tosusai Saraku stvorio je zapanjujuće snažne i iskreno okrutne portrete glumaca tog vremena.

U prvim desetljećima 19.st ovaj je žanr dosegao zrelost i počeo propadati. Katsushika Hokusai (1760.-1849.) i Ando Hiroshige (1797.-1858.) najveći su majstori epohe, čiji rad povezuje pad umjetnosti graviranja u 19. stoljeću. i njezino novo oživljavanje početkom 20. stoljeća. Obojica su prvenstveno bili slikari pejzaža, bilježeći događaje modernog života u svojim gravurama. Briljantno majstorstvo tehnike rezbara i tiskara omogućilo je prenošenje hirovitih linija i najmanjih nijansi zalazećeg sunca ili magle koja se diže u zoru u gravuri.

Meiji restauracija i moderno razdoblje.

Često se događa da je drevna umjetnost jednog ili drugog naroda siromašna imenima, datumima i sačuvanim djelima, pa se bilo kakve prosudbe mogu donositi samo s velikim oprezom i konvencijama. No ništa manje nije teško prosuđivati ​​suvremenu umjetnost, budući da smo uskraćeni za povijesnu perspektivu kako bismo pravilno ocijenili razmjere bilo kojeg pokreta ili umjetnika i njegova djela. Proučavanje japanske umjetnosti nije iznimka, a najviše što se može učiniti jest prikazati panoramu suvremene umjetnosti i donijeti neke privremene preliminarne zaključke.

U drugoj polovici 19.st Japanske luke ponovno su otvorene za trgovinu, velike promjene dogodile su se na političkoj sceni. Godine 1868. ukinut je šogunat i obnovljena je vladavina cara Meijija. Službeni glavni grad i rezidencija cara preseljeni su u Edo, a sam grad je postao poznat kao Tokio (istočna prijestolnica).

Kao što se događalo u prošlosti, kraj nacionalne izolacije stvorio je veliko zanimanje za postignuća drugih naroda. U to su vrijeme Japanci napravili veliki skok u znanosti i tehnologiji. Umjetnički, početak Meiji ere (1868.-1912.) pokazuje prihvaćanje svega zapadnog, uključujući i tehnologiju. Međutim, taj žar nije dugo potrajao, a slijedilo ga je razdoblje asimilacije, pojava novih oblika, kombinirajući povratak vlastitoj tradiciji i novim zapadnjačkim trendovima.

Među umjetnicima slavu su stekli Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) i Tomioka Tessai (1836-1942). Prva tri su se držala tradicionalnog japanskog stila i tema, iako su nastojala pokazati originalnost u raspoloženju i tehnici. Seihō je, primjerice, radio u mirnoj i konzervativnoj atmosferi Kyota. Njegovi rani radovi rađeni su u naturalističkoj maniri Maruyame, no kasnije je mnogo putovao Kinom i bio je pod dubokim utjecajem kineskog slikarstva tušem. Njegova putovanja po muzejima i vodećim umjetničkim centrima u Europi također su ostavila traga na njegovom radu. Od svih istaknutih umjetnika tog vremena samo je Tomioka Tessai bila blizu razvoja novog stila. U njegovim energičnim i snažnim djelima, grube, iskrivljene, nazubljene linije i mrlje crne tinte kombiniraju se s fino ispisanim mrljama boje. U kasnijim godinama, neki mladi slikari ulja uspjeli su tamo gdje njihovi djedovi nisu uspjeli. Prvi pokušaji rada s ovim neobičnim materijalom podsjećali su na pariška platna i nisu se odlikovali posebnom vrijednošću ili specifičnošću. Japanske karakteristike. No, sada nastaju djela iznimne privlačnosti u kojima kroz apstraktne teme blista osebujni japanski osjećaj za boju i ravnotežu. Drugi umjetnici, radeći s prirodnijom i tradicionalnom tintom i ponekad koristeći kaligrafiju kao polazište, stvaraju energične apstraktne komade u briljantnoj crnoj boji s nijansama sive.

Kao i u razdoblju Edo, u 19. i 20.st. kiparstvo nije bilo popularno. Ali čak iu ovom području vrlo su uspješno eksperimentirali predstavnici moderne generacije koji su studirali u Americi i Europi. mali brončane skulpture, apstraktnog oblika i neobičnog naziva, pokazuju japanski osjećaj za liniju i boju, koji se očituje u upotrebi meke zelene ili tople smeđe patine; drvorez svjedoči o ljubavi Japanaca prema teksturi materijala.

Sosaku hanga, japanski "kreativni print", pojavio se tek u prvom desetljeću 20. stoljeća, ali je kao poseban umjetnički pravac zasjenio sva ostala područja moderne umjetnosti. Ovaj moderni otisak nije, strogo govoreći, nasljednik starijeg ukiyo-e drvoreza; razlikuju se po stilu, zapletima i metodama stvaranja. Umjetnici, od kojih su mnogi bili pod snažnim utjecajem zapadnog slikarstva, shvatili su važnost vlastitog umjetničkog naslijeđa i u drvu pronašli pravi materijal za izražavanje svojih kreativnih ideala. Hanga majstori ne samo da slikaju, već i rezbare slike na drvenim kockama i sami ih tiskaju. Iako je obrada drveta na vrhuncu u ovoj formi umjetnosti, koriste se sve moderne zapadne tehnike grafike. Eksperimentiranje s lišćem, uzicom i "pronađenim predmetima" u nekim slučajevima omogućuje stvaranje jedinstvenih efekata teksture površine. U početku su majstori ovog trenda bili prisiljeni tražiti priznanje: uostalom, čak su i najbolja postignuća škole ukiyo-e intelektualni umjetnici povezivali s nepismenom masom i smatrali ih plebejskom umjetnošću. Umjetnici kao što su Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi i Maekawa Senpan učinili su mnogo kako bi vratili poštovanje grafici i uspostavili ovaj pravac kao vrijednu granu. likovne umjetnosti. Privukli su mnoge mlade umjetnike u svoju grupu i gravera se sada broji u stotinama. Među majstorima ove generacije koji su stekli priznanje u Japanu i na Zapadu su Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen i Saito Kiyoshi. To su majstori čija su inovativnost i neporeciv talent omogućili da zauzmu dostojan položaj među vodećim umjetnicima Japana. Mnogi njihovi vršnjaci i drugi, mlađi hangaši također su izradili izvanredne gravure; to što ovdje ne spominjemo njihova imena ne znači nisku ocjenu njihovog rada.

UMJETNOST I PRIMIJENJENA UMJETNOST, ARHITEKTURA I VRTOVI

U prethodnim odjeljcima bilo je riječi uglavnom o slikarstvu i kiparstvu, koji se u većini zemalja smatraju glavnim vrstama likovnih umjetnosti. Možda je nepravedno na kraju članka staviti dekorativnu umjetnost i narodni obrt, umjetnost vrtova i arhitekturu - oblike koji su bili važan i sastavni dio japanske umjetnosti. Međutim, možda, s izuzetkom arhitekture, oni zahtijevaju posebno razmatranje osim opća periodizacija Japanska umjetnost i s promjenama stila.

Keramika i porculan.

Najvažnija umjetnost i obrt u Japanu su keramika i porculan. Keramička umjetnost prirodno spada u dvije kategorije. Fini polikromirani porculan Imari, Nabeshima i Kakiemon ime je dobio po mjestima proizvodnje, a svojim bogatim slikanjem na krem ​​ili plavkasto-bijeloj površini bio je namijenjen plemstvu i dvorskim krugovima. Proces izrade pravog porculana postao je poznat u Japanu krajem 16. ili početkom 17. stoljeća; tanjuri i zdjele s glatkom glazurom, s asimetričnim ili brokatnim uzorkom, cijenjeni su i kod kuće i na Zapadu.

Za razliku od porculana u gruboj keramici od gline ili nekvalitetne kamene mase, karakterističnoj za Shino, Oribe i Bizen, pozornost je usmjerena na materijal, naizgled nemaran, ali promišljen raspored ukrasnih elemenata. Pod utjecajem koncepata zen budizma, takve su posude bile vrlo popularne u intelektualnim krugovima i naširoko su se koristile, osobito u ceremonijama čaja. U mnogim šalicama, čajnicima i čašama, atributima umjetnosti ceremonije čaja, utjelovljena je sama bit zen budizma: stroga samodisciplina i stroga jednostavnost. U doba procvata japanske dekorativne umjetnosti talentirani umjetnici Korin i Kenzan bavili su se ukrašavanjem keramičkih proizvoda. Treba imati na umu da je slava Kenzana više povezana s njegovim talentom keramičara, a ne slikara. Neki od jednostavnijih tipova i tehnika izrade posuda potječu iz tradicije narodnog obrta. Moderne radionice, nastavljajući stare tradicije, proizvode prekrasne proizvode koji oduševljavaju svojom elegantnom jednostavnošću.

Proizvodi od laka.

Već u 7-8 st. lak je bio poznat u Japanu. Iz tog vremena sačuvani su poklopci kovčežića ukrašeni slikama ljudi i geometrijskim motivima apliciranim tankim zlatnim linijama. Već smo govorili o važnosti tehnike suhog lakiranja za kiparstvo u 8. i 9. stoljeću; u isto vrijeme, ali i kasnije, izrađivali su se ukrasni predmeti poput poštanskih sandučića ili kadionica. Tijekom razdoblja Edo ti su se proizvodi izrađivali u velikim količinama i s najveličanstvenijim ukrasima. Raskošno ukrašene kutije za doručak, za kolače, za tamjan i lijekove, nazvane inro, odražavale su bogatstvo i ljubav prema luksuzu svojstvenu ovom vremenu. Površina predmeta bila je ukrašena šarama od zlatnog i srebrnog praha, komadima zlatne folije, samostalno ili u kombinaciji s umetcima od školjki, sedefom, legurom kositra i olova itd.; ti uzorci bili su u kontrastu s lakiranom crvenom, crnom ili smeđom površinom. Ponekad su umjetnici poput Korina i Koetsua radili dizajne laka, ali malo je vjerojatno da su osobno sudjelovali u tim radovima.

Mačevi.

Japanci su, kao što je već rečeno, bili narod ratnika u značajnom razdoblju svoje povijesti; oružje i oklopi smatrani su bitnim predmetima za veliki dio stanovništva. Mač je bio ponos čovjeka; kako sama oštrica, tako i svi ostali dijelovi mača, a posebno drška (tsuba), ukrašavani su različitim tehnikama. Tsube od željeza ili bronce bile su ukrašene zlatnim i srebrnim umetcima, rezbarene ili obrubljene i jednim i drugim. Prikazivali su pejzaže ili likove ljudi, cvijeće ili obiteljske grbove (mon). Sve je to upotpunjavalo rad proizvođača mačeva.

Tkanine.

Svila i druge tkanine s bogatim uzorcima, omiljene na dvoru i svećenstvu u vremenima raskoši i izobilja, kao i jednostavne tkanine s gotovo primitivnim dizajnom karakterističnim za narodnu umjetnost, također su izraz nacionalnog japanskog talenta. Nakon što je dosegla svoj vrhunac tijekom bogate ere Genrokua, umjetnost tekstila ponovno je procvjetala u modernom Japanu. Kombinira ideje i umjetna vlakna sa Zapada s tradicionalnim bojama i ukrasnim motivima.

Vrtovi.

Posljednjih desetljeća, interes za japanske vrtove i arhitekturu porastao je zbog veće izloženosti zapadne javnosti tim oblicima umjetnosti. Vrtovi u Japanu imaju posebno mjesto; oni su izraz i simbol visokih religijskih i filozofskih istina, a ti opskurni, simbolični prizvuci, u kombinaciji s očitom ljepotom vrtova, pobuđuju zanimanje zapadnog svijeta. Ne može se reći da su religijske ili filozofske ideje bile glavni razlog stvarajući vrtove, no planer je pri planiranju i stvaranju vrta razmišljao o takvim elementima čije bi promišljanje navodilo gledatelja na razmišljanje o raznim filozofskim istinama. Ovdje je kontemplativni aspekt zen budizma utjelovljen u skupini neobičnog kamenja, valovima nagrijanog pijeska i šljunka, u kombinaciji s travnjakom ili biljkama raspoređenim tako da potok iza njih nestaje i ponovno se pojavljuje, a sve to potiče gledatelja da samostalno dovrši ideje za vrt postavljene tijekom izgradnje. Sklonost nejasnim natuknicama u odnosu na razumljiva objašnjenja karakteristična je za zen filozofiju. Bonsai patuljasta stabla i sićušni vrtovi u saksijama, sada popularni na Zapadu, postali su nastavak ovih ideja.

Arhitektura.

Glavni arhitektonski spomenici Japan čine hramovi, samostanski kompleksi, feudalni dvorci i palače. Od davnina do danas drvo je glavni građevinski materijal i u velikoj mjeri određuje značajke dizajna. Najstarije vjerske građevine su svetišta nacionalne japanske religije Shinto; Sudeći po tekstovima i crtežima, radilo se o relativno jednostavnim građevinama sa slamnatim krovom, poput antičkih nastambi. Zgrade hramova podignute nakon širenja budizma i povezane s njim bile su zasnovane na kineskim prototipovima u stilu i rasporedu. Arhitektura budističkih hramova mijenjala se tijekom vremena, a dekor i raspored zgrada varirao je u različitim sektama. Japanske građevine karakteriziraju velike dvorane s visokim krovovima i složenim sustavom konzola, a njihov dekor odražava ukus svog vremena. Jednostavna i veličanstvena arhitektura kompleksa Horyu-ji, izgrađenog u blizini Nare početkom 7. stoljeća, jednako je karakteristična za razdoblje Asuka kao i ljepota i elegancija proporcija Hoodoa, Ujijeve "dvorane Feniksa" koja se odražava u Lotosovom jezeru , iz razdoblja Heian. Složenije strukture razdoblja Edo dobile su dodatne ukrase u obliku bogato oslikanih kliznih vrata i paravana koje su izradili isti "veliki dekorateri" koji su ukrašavali interijere dvoraca s opkopom i feudalnih palača.

Arhitektura i vrtovi Japana toliko su blisko povezani da se mogu smatrati dijelovima jedni drugih. To posebno vrijedi za zgrade i vrtne kuće za ceremoniju čaja. Njihova otvorenost, jednostavnost i pomno osmišljena povezanost s krajolikom i perspektivom imaju veliki utjecaj na moderna arhitektura Zapad.

UTJECAJ JAPANSKE UMJETNOSTI NA ZAPADU

Za samo jedno stoljeće, umjetnost Japana postala je poznata na Zapadu i imala značajan utjecaj na njega. Bilo je i ranijih kontakata (primjerice, Nizozemci su s Japanom trgovali preko luke Nagasaki), no predmeti koji su u 17. stoljeću dospjeli u Europu bili su uglavnom djela primijenjene umjetnosti - porculan i lakirano posuđe. Bili su željno skupljani kao zanimljivosti i kopirani na razne načine, ali ti ukrasni izvozi nisu odražavali bit i kvalitetu japanske umjetnosti i čak su Japancima dali nimalo laskavu ideju o zapadnjačkom ukusu.

Prvi put je zapadno slikarstvo doživjelo izravan utjecaj japanske umjetnosti u Europi 1862. tijekom golemog Međunarodna izložba u Londonu. Predstavljene na Pariškoj izložbi pet godina kasnije, japanske grafike u drvetu pobudile su ponovno zanimanje. Odmah je nastalo nekoliko privatnih kolekcija gravira. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh i drugi uzeli su japanske grafike u boji kao otkrovenje; često se primjećuje blagi, ali uvijek prepoznatljiv utjecaj japanske grafike na impresioniste. Amerikance Whistlera i Mary Cassatt privukla je suzdržanost linija i svijetle boje ukiyo-e grafika i slika.

Otvaranje Japana strancima 1868. stvorilo je fascinaciju svim zapadnjačkim stvarima i natjeralo Japance da se okrenu od vlastite bogate kulture i umjetničkog naslijeđa. U to su vrijeme mnoge prekrasne slike i skulpture prodane i završile u zapadnim muzejima i privatnim zbirkama. Izložbe ovih predmeta upoznale su Zapad s Japanom i potaknule interes za putovanje na Daleki istok. Bez sumnje, okupacija Japana od strane američkih trupa na kraju Drugog svjetskog rata otvorila je više mogućnosti nego prije za upoznavanje i dublje proučavanje japanskih hramova i njihovog blaga. Taj se interes odrazio na posjećenost američkih muzeja. Zanimanje za Orijent općenito potaknuto je organiziranjem izložbi japanske umjetnosti odabrane iz japanskih javnih i privatnih zbirki te donesene u Ameriku i Europu.

Znanstvena istraživanja posljednjih desetljeća učinila su mnogo na pobijanju mišljenja da je japanska umjetnost samo odraz kineske umjetnosti, a brojne japanske publikacije na engleskom jeziku upoznale su Zapad s idealima Istoka.