Rahasia kehebatan karya utama seni rupa Jepang. Film fitur Jepang Aizu lacquerware

Terbentuknya upacara minum teh (chanoyu) sebagai salah satu fenomena terbesar budaya Jepang terjadi di masa yang sangat sulit dan bermasalah bagi negara, ketika perang berdarah internal dan perseteruan antar klan feodal membuat kehidupan masyarakat tak tertahankan. Upacara minum teh muncul di bawah pengaruh estetika dan filosofi Buddhisme Zen dan berusaha melawan suasana keputusasaan dengan memuja Keindahan.

Pada masa itu, para penguasa kelas militer dan pedagang kaya, berkumpul untuk diskusi politik dan komersial, sering mengambil kesempatan untuk menyajikan teh. Duduk santai di ruang teh yang tenang, terlepas dari kekhawatiran dan kekhawatiran hidup, dan mendengarkan suara air mendidih di anglo dianggap sebagai kesenangan yang halus. Guru hebat Sen-no-Rikyu menjadikan minum teh sebagai seni. Ia mampu mengembangkan seni upacara minum teh seperti yang dilakukannya, antara lain karena latar belakang sosial yang ada di atas.

Ruang teh yang dibangun oleh Sen no Rikyu sekilas tampak sangat sederhana bahkan terlalu kecil. Tapi itu direncanakan dengan cara yang paling hati-hati, dengan kejelasan yang halus, sampai ke bagian paling bawah detail terkecil. Itu dihiasi dengan pintu geser yang dilapisi kertas putih Jepang tembus pandang. Langit-langitnya dilapisi dengan bambu atau jerami, dan tekstur dinding yang terbuka sangat dihargai. Penopangnya sebagian besar terbuat dari kayu, mempertahankan kulit alaminya. Untuk menciptakan efek pertapaan dalam desain ruang teh, semua dekorasi yang tidak berguna dan dekorasi yang berlebihan dibuang.

Saat ini, upacara minum teh adalah seni yang paling orisinal dan unik. Ini memainkan peran penting dalam spiritual dan kehidupan publik Jepang selama beberapa abad. Seiring waktu, ritual upacara minum teh dikanonisasi, urutan tindakan dan perilaku diberikan. Setelah memasuki gerbang kayu sederhana, para tamu terjun ke dunia khusus, meninggalkan segala sesuatu yang duniawi di belakang mereka dan dalam konsentrasi diam hanya mematuhi hukum tindakan.

Chanoyu klasik adalah ritual yang dijadwalkan secara ketat di mana master teh (orang yang menyeduh dan menuangkan teh) dan peserta upacara lainnya berpartisipasi. Pada dasarnya, master teh adalah pendeta yang melakukan aksi minum teh, selebihnya adalah mereka yang bergabung dengannya. Setiap orang memiliki gaya perilakunya masing-masing, termasuk postur saat duduk, dan setiap gerakan, hingga ekspresi wajah dan cara berbicara.

Selama minum teh, pidato bijak dibuat, puisi dibacakan, karya seni dipertimbangkan. Karangan bunga dan peralatan khusus untuk menyeduh minuman dipilih dengan perhatian khusus untuk setiap kesempatan.

Suasananya sendiri menciptakan suasana yang sesuai, yang ternyata sederhana dan bersahaja: teko tembaga, cangkir, pengaduk bambu, kotak penyimpanan teh, dll. Orang Jepang tidak menyukai benda berkilau cerah, mereka terkesan kusam. D. Tanizaki menulis tentang ini: “Orang Eropa menggunakan peralatan makan yang terbuat dari perak, baja atau nikel, memolesnya hingga berkilau mempesona, tetapi kami tidak tahan dengan kilau seperti itu. Kami juga menggunakan benda-benda dari perak... tapi kami tidak pernah memolesnya hingga berkilau. Sebaliknya, kami bersukacita ketika kilau ini keluar dari permukaan benda, ketika mereka memperoleh sentuhan resep, ketika menjadi gelap seiring waktu ... Kami menyukai benda-benda yang mengandung jejak daging manusia, jelaga minyak, pelapukan dan pembengkakan hujan. Semua barang untuk upacara minum teh memiliki jejak waktu, tetapi semuanya bersih rapi. Senja, keheningan, teko paling sederhana, sendok kayu untuk menuangkan teh, cangkir keramik kasar - semua ini memesona mereka yang hadir.

Elemen terpenting dalam interior rumah teh adalah ceruk - tokonoma. Biasanya berisi gulungan dengan lukisan atau tulisan kaligrafi dan karangan bunga, pedupaan dengan dupa. Tokonoma terletak di seberang pintu masuk dan langsung menarik perhatian para tamu. Gulungan tokonama dipilih dengan sangat hati-hati dan merupakan topik diskusi yang sangat diperlukan selama upacara. Itu ditulis dalam gaya Buddha Zen dan dengan kaligrafi kuno yang hanya sedikit yang bisa melihat dan memahami arti dari apa yang tertulis, misalnya: "Bambu berwarna hijau, dan bunga berwarna merah", "Benda adalah benda, dan ini indah. !" atau "Air adalah air." Mereka yang hadir dijelaskan arti dari perkataan ini, secara lahiriah sederhana, tetapi pada saat yang sama secara filosofis sangat dalam. Terkadang pemikiran tersebut diungkapkan dalam bentuk puitis haiku, terkadang tercermin dalam lukisan empu tua, biasanya sesuai dengan prinsip "wabi".

Di Jepang, ada banyak bentuk upacara minum teh, tetapi hanya sedikit yang ditetapkan secara ketat: teh malam, teh matahari terbit, teh pagi, teh sore, teh sore, teh spesial.

Teh malam dimulai dengan bulan. Para tamu tiba sekitar pukul setengah sebelas dan berangkat sekitar pukul empat pagi. Biasanya teh bubuk diseduh, yang disiapkan di depan para tamu: daunnya dibebaskan dari uratnya dan digiling menjadi bubuk dalam lesung. Teh ini sangat kuat, tidak disajikan dengan perut kosong. Oleh karena itu, pada awalnya para tamu disuguhi makanan yang sedikit berbeda. Teh diminum saat matahari terbit sekitar pukul tiga atau empat pagi. Para tamu menginap pada waktu yang sama hingga pukul enam. Teh pagi dilakukan dalam cuaca panas, para tamu berkumpul pada pukul enam pagi. Teh sore biasanya hanya disajikan dengan kue sekitar jam 1 siang. Teh sore dimulai sekitar jam 6 sore. Pesta teh khusus (rinjitya-noyu) diatur pada setiap acara khusus: pertemuan dengan teman, liburan, pergantian musim, dll.

Menurut orang Jepang, upacara minum teh mengedepankan kesederhanaan, kealamian, kerapian. Ini benar, tentu saja, tetapi upacara minum teh lebih dari itu. Memperkenalkan orang pada ritual yang mapan, itu membiasakan mereka pada tatanan yang ketat dan pemenuhan aturan sosial tanpa syarat. Upacara minum teh adalah salah satu fondasi terpenting untuk penanaman perasaan kebangsaan.

Adegan seni Jepang modern tampaknya benar-benar mengglobal. Seniman melakukan perjalanan antara Tokyo dan New York, hampir semuanya menerima pendidikan Eropa atau Amerika, mereka berbicara tentang karya mereka dalam bahasa Inggris seni internasional. Namun, gambaran ini masih jauh dari lengkap.

Bentuk dan tren nasional terbukti menjadi salah satu barang paling dicari yang ditawarkan Jepang ke pasar dunia. ide artistik dan bekerja.

operasi pesawat. Bagaimana superflat menggabungkan budaya geek Amerika dan lukisan tradisional Jepang

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Jika di dunia Barat untuk hampir semua orang (kecuali mungkin ahli teori postmodern yang paling bersemangat) batas antara budaya tinggi dan budaya massa masih relevan, meskipun bermasalah, maka di Jepang dunia ini benar-benar bercampur.

Contohnya adalah Takashi Murakami, yang berhasil menggabungkan pameran di galeri terbaik dunia dan produksi streaming.

Rekaman tur pameran Murakami "Akan ada hujan ringan"

Namun, hubungan Murakami dengan budaya populer - dan untuk Jepang ini terutama budaya penggemar manga dan anime (otaku) - lebih rumit. Filsuf Hiroki Azuma mengkritik pemahaman otaku sebagai fenomena asli Jepang. Otaku menganggap dirinya terkait langsung dengan tradisi periode Edo abad 17-19 - era isolasionisme dan penolakan modernisasi. Azuma mengklaim bahwa gerakan otaku didasarkan pada manga, animasi, novel grafis, permainan komputer- hanya dapat muncul dalam konteks pendudukan Amerika pascaperang sebagai akibat dari impor budaya Amerika. Seni Murakami dan para pengikutnya menciptakan kembali otaku dengan teknik seni pop dan menghilangkan mitos nasionalis tentang keaslian tradisi tersebut. Ini merupakan "re-Amerikanisasi budaya Amerika Jepang."

Dari sudut pandang sejarah seni, superflat paling dekat dengan awal lukisan Jepang ukiyo-e. Karya paling terkenal dalam tradisi ini adalah ukiran " Gelombang besar di Kanagawa" oleh Katsushiki Hokusai (1823-1831).

Bagi modernisme Barat, penemuan lukisan Jepang merupakan terobosan. Itu memungkinkan untuk melihat gambar sebagai sebuah bidang dan berusaha untuk tidak mengatasi kekhasan itu, tetapi untuk bekerja dengannya.

Katsushiki Hokusai. "Gelombang Hebat Kanagawa"

Pelopor kinerja. Apa arti seni Jepang tahun 1950-an saat ini

Dokumentasi proses kreatif Akira Kanayama dan Kazuo Shiraga

Superflat baru terbentuk pada tahun 2000-an. Tetapi aksi artistik yang penting bagi seni dunia dimulai di Jepang jauh lebih awal - dan bahkan lebih awal daripada di Barat.

Pergantian performatif dalam seni terjadi pada pergantian tahun 60-an dan 70-an abad lalu. Di Jepang, pertunjukan tersebut muncul pada tahun lima puluhan.

Untuk pertama kalinya, Grup Gutai mengalihkan fokusnya dari pembuatan objek swasembada ke proses produksinya. Dari sini - satu langkah menuju pengabaian objek seni demi acara fana.

Meskipun seniman individu dari Gutai (dan ada 59 dari mereka dalam dua puluh tahun) secara aktif eksis dalam konteks internasional, memahami bahasa Jepang sebagai aktivitas kolektif mereka seni pasca perang umumnya dimulai di Barat baru-baru ini. Ledakan datang pada tahun 2013 dengan beberapa pameran di galeri kecil di New York dan Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde di MoMA, dan retrospektif sejarah besar-besaran Gutai: Taman Bermain Splendid di Museum Guggenheim. Impor seni Jepang ke Moskow tampaknya merupakan kelanjutan yang hampir terlambat dari tren ini.

Sadamasa Motonaga. Pekerjaan (Air) di Museum Guggenheim

Sungguh menakjubkan betapa modern tampilan pameran retrospektif ini. Misalnya, objek sentral eksposisi di Museum Guggenheim adalah rekonstruksi Karya (Air) oleh Sadamasa Motonaga, di mana tingkat rotunda museum dihubungkan dengan pipa polietilen dengan air berwarna. Mereka mengingatkan pada sapuan kuas yang telah robek dari kanvas dan mencontohkan fokus utama Gutai pada "konkrit" (diterjemahkan dari nama Jepang kelompok), materialitas objek yang digunakan seniman untuk bekerja.

Banyak anggota Gutai mengenyam pendidikan terkait lukisan nihonga klasik, banyak yang secara biografis terikat dengan konteks religius Buddhisme Zen, dengan kaligrafi khas Jepangnya. Semuanya menemukan pendekatan baru, prosedural atau partisipatif terhadap tradisi kuno. Kazuo Shiraga telah merekam bagaimana dia menggambar monokrom anti-Rauschenberg dengan kakinya, dan bahkan membuat lukisan di depan umum.

Minoru Yoshida mengubah bunga dari cetakan Jepang menjadi objek psikedelik - contohnya adalah Bunga Biseksual, salah satu patung kinetik (bergerak) pertama di dunia.

Kurator pameran di Museum Guggenheim berbicara tentang signifikansi politik dari karya-karya ini:

"The Gutai menunjukkan pentingnya tindakan individu yang bebas, penghancuran ekspektasi penonton, dan bahkan kebodohan sebagai cara untuk melawan kepasifan dan kesesuaian sosial yang, selama beberapa dekade, memungkinkan pemerintah militeristik untuk mendapatkan pengaruh massa yang kritis, menyerang China, dan kemudian bergabung dengan Perang Dunia II."

Baik dan bijaksana. Mengapa Artis Meninggalkan Jepang ke Amerika pada 1960-an

Gutai adalah pengecualian dari aturan di Jepang pascaperang. Kelompok avant-garde tetap marjinal, dunia seni sangat hierarkis. Cara utama untuk pengakuan adalah partisipasi dalam kompetisi yang diadakan oleh asosiasi seniman klasik yang diakui. Oleh karena itu, banyak yang lebih suka pergi ke Barat dan berintegrasi ke dalam sistem seni berbahasa Inggris.

Itu sangat sulit bagi wanita. Bahkan di Gutai yang progresif, bagian dari kehadiran mereka bahkan tidak mencapai seperlima. Apa yang dapat kami katakan tentang institusi tradisional, yang aksesnya membutuhkan pendidikan khusus. Pada tahun enam puluhan, anak perempuan telah memperoleh hak untuk itu, namun, belajar seni (jika bukan tentang dekoratif, yang merupakan bagian dari rangkaian keterampilan ryosai kenbo- istri yang baik dan ibu yang bijak) adalah pekerjaan yang tidak disukai secara sosial.

Yoko Ono. potongan potong

Kisah emigrasi lima artis wanita Jepang yang kuat dari Tokyo ke Amerika Serikat menjadi subjek studi Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi dan Shigeko Kubota pada awal karir mereka memutuskan untuk berangkat ke New York dan bekerja di sana, termasuk pada modernisasi tradisi seni rupa Jepang. Hanya Yoko Ono yang dibesarkan di AS - tetapi dia juga dengan sengaja menolak untuk kembali ke Jepang, karena kecewa dengan hierarki artistik Tokyo selama kunjungan singkatnya pada tahun 1962-1964.

Ono menjadi yang paling terkenal dari kelimanya, tidak hanya sebagai istri John Lennon, tetapi juga sebagai penulis pertunjukan proto-feminis yang didedikasikan untuk objektifikasi tubuh perempuan. Ada persamaan yang jelas antara Cut Piece It, di mana penonton dapat memotong potongan pakaian artis, dan "Rhythm 0" oleh "nenek penampil" Marina Abramović.

Dengan kaki pendek. Cara lulus pelatihan akting penulis Tadashi Suzuki

Dalam kasus Ono dan Gutai, metode dan tema karya mereka, terpisah dari penulisnya, menjadi signifikan secara internasional. Ada bentuk ekspor lain - ketika karya seniman dianggap menarik di kancah internasional, tetapi peminjaman metode aktual tidak terjadi karena kekhususannya. Kasus yang paling mencolok adalah sistem pelatihan akting Tadashi Suzuki.

Teater Suzuki dicintai bahkan di Rusia - dan ini tidak mengherankan. Terakhir kali dia bersama kami pada tahun 2016 dengan penampilan The Trojan Women berdasarkan teks Euripides, dan pada tahun 2000-an dia datang beberapa kali dengan produksi Shakespeare dan Chekhov. Suzuki memindahkan aksi drama tersebut ke konteks Jepang saat ini dan menawarkan interpretasi teks yang tidak jelas: dia menemukan anti-Semitisme di Ivanov dan membandingkannya dengan sikap menghina orang Jepang terhadap orang Cina, memindahkan tindakan Raja Lear ke rumah sakit jiwa Jepang.

Suzuki membangun sistemnya untuk menentang sekolah teater Rusia. DI DALAM akhir XIX abad, selama apa yang disebut periode Meiji, kekaisaran Jepang yang modern mengalami kebangkitan gerakan oposisi. Hasilnya adalah westernisasi besar-besaran dari budaya yang sebelumnya sangat tertutup. Di antara formulir yang diimpor adalah sistem Stanislavsky, yang masih tetap di Jepang (dan di Rusia) salah satu metode pengarahan utama.

Latihan Suzuki

Pada tahun enam puluhan, ketika Suzuki memulai karirnya, tesis semakin menyebar karena fitur tubuh mereka, aktor Jepang tidak dapat terbiasa dengan peran dari teks Barat yang mengisi repertoar saat itu. Sutradara muda itu berhasil menawarkan alternatif yang paling meyakinkan.

Sistem latihan Suzuki, yang disebut tata bahasa kaki, mencakup lusinan cara untuk duduk, dan bahkan lebih banyak lagi untuk berdiri dan berjalan.

Aktornya biasanya bermain tanpa alas kaki dan tampak, dengan menurunkan pusat gravitasi, diikat sekencang mungkin ke tanah, berat. Suzuki mengajari mereka dan pemain asing tekniknya di desa Toga, di rumah-rumah kuno Jepang yang dipenuhi peralatan modern. Rombongannya hanya memberikan sekitar 70 pertunjukan setahun, dan sisa waktu dia hidup, hampir tanpa meninggalkan desa dan tidak punya waktu untuk urusan pribadi - hanya bekerja.

Pusat Toga muncul pada tahun 1970-an dan dirancang atas permintaan direktur oleh arsitek terkenal dunia Arata Isozaka. Sistem Suzuki mungkin tampak patriarkal dan konservatif, tetapi dia sendiri berbicara tentang Toga dalam istilah desentralisasi modern. Bahkan di pertengahan tahun 2000-an, Suzuki memahami pentingnya mengekspor karya seni dari ibu kota ke daerah dan menata titik-titik produksi lokal. Menurut sutradara, peta teater Jepang dalam banyak hal mirip dengan peta Rusia - seni terkonsentrasi di Tokyo dan beberapa pusat yang lebih kecil. Teater Rusia juga akan mendapat manfaat dari perusahaan yang secara teratur melakukan tur di kota-kota kecil dan berbasis jauh dari ibu kota.

Pusat Perusahaan SCOT di Toga

Jejak bunga. Sumber daya apa yang ditemukan teater modern dalam sistem noh dan kabuki

Metode Suzuki tumbuh dari dua tradisi Jepang kuno - tetapi juga kabuki. Jenis teater ini tidak hanya sering dicirikan sebagai seni berjalan, tetapi juga dalam detail yang lebih jelas. Suzuki sering mengikuti aturan tentang penampilan semua peran oleh laki-laki, menggunakan solusi spasial yang khas, misalnya hanamichi ("jalur bunga") dari sampel kabuki - sebuah platform yang membentang dari panggung hingga kedalaman auditorium. Dia juga mengeksploitasi simbol yang cukup dikenal seperti bunga dan gulungan.

Tentu saja, di dunia global ada pembicaraan tentang hak istimewa orang Jepang untuk menggunakan bentuk nasional mereka.

Teater salah satu sutradara terpenting di zaman kita, Robert Wilson dari Amerika, dibangun dengan pinjaman dari tapi.

Dia tidak hanya menggunakan topeng dan make-up yang mengingatkan khalayak ramai tentang Jepang, tetapi juga meminjam cara bertindak berdasarkan perlambatan maksimum gerakan dan ekspresi gerak tubuh yang mandiri. Menggabungkan bentuk-bentuk tradisional dan ritualistik dengan skor cahaya ultra-modern dan musik minimalis (salah satu karya Wilson yang paling terkenal adalah produksi opera Einstein on the Beach karya Philip Glass), Wilson pada dasarnya menghasilkan sintesis asal-usul dan relevansi yang diperjuangkan oleh banyak seni modern. .

Robert Wilson. "Einstein di Pantai"

Dari no dan kabuki tumbuh salah satu pilar tari modern- buto, diterjemahkan secara harfiah - tarian kegelapan. Diciptakan pada tahun 1959 oleh koreografer Kazuo Ono dan Tatsumi Hijikata, yang juga menggunakan pusat gravitasi rendah dan konsentrasi pada kaki, butoh membawa refleksi dari pengalaman perang yang traumatis ke dalam dimensi tubuh.

“Mereka menunjukkan tubuh yang sakit, roboh, bahkan mengerikan, mengerikan.<…>Gerakannya lambat, atau sengaja tajam, meledak. Untuk itu digunakan teknik khusus, yaitu gerakan yang dilakukan seolah-olah tanpa melibatkan otot-otot utama, karena tulang tuas kerangka,” sebut sejarawan tari Irina Sirotkina dalam sejarah pembebasan tubuh, sambung butoh. dengan keberangkatan dari normativitas balet. Dia membandingkan butoh dengan praktik penari dan koreografer di awal abad ke-20 - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, berbicara tentang pengaruh tarian "postmodern" di kemudian hari.

Sebuah penggalan tarian Katsura Kana, penerus tradisi butoh modern

Saat ini, butoh dalam bentuk aslinya bukan lagi sebuah praktik avant-garde, melainkan sebuah rekonstruksi sejarah.

Namun, kosa kata gerakan yang dikembangkan oleh Ono, Hijikata dan para pengikutnya tetap menjadi sumber penting bagi koreografer modern. Di Barat, itu digunakan oleh Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky dan bahkan dalam video "Belong To The World" oleh The Weekend. Di Jepang, penerus tradisi butoh misalnya adalah Saburo Teshigawara yang akan datang ke Rusia pada bulan Oktober. Meskipun dia sendiri menyangkal kesejajaran dengan tarian kegelapan, para kritikus menemukan tanda-tanda yang cukup dapat dikenali: tubuh yang tampaknya tanpa tulang, kerapuhan, langkah tanpa suara. Benar, mereka sudah ditempatkan dalam konteks koreografi postmodernis - dengan tempo tinggi, lari, bekerja dengan musik noise pascaindustri.

Saburo Teshigawara. metamorfosis

Lokal global. Bagaimana seni Jepang kontemporer mirip dengan seni Barat?

Karya Teshigawara dan banyak rekannya secara organik cocok dengan program festival tari kontemporer Barat terbaik. Jika Anda membaca sekilas deskripsi pertunjukan dan pertunjukan yang ditampilkan di Festival / Tokyo - pertunjukan tahunan teater Jepang terbesar, akan sulit untuk melihat perbedaan mendasar dari tren Eropa.

Salah satu tema utamanya adalah kekhususan lokasi - seniman Jepang menjelajahi ruang-ruang Tokyo, mulai dari rumpun kapitalisme dalam bentuk gedung pencakar langit hingga area marginal konsentrasi otaku.

Tema lainnya adalah studi tentang kesalahpahaman antar generasi, teater sebagai tempat pertemuan langsung dan komunikasi yang terorganisir dari orang-orang dari berbagai usia. Proyek yang didedikasikan untuknya oleh Toshika Okada dan Akira Tanayama dibawa ke Wina selama beberapa tahun berturut-turut ke salah satu festival seni pertunjukan utama Eropa. Tidak ada yang baru dalam pemindahan materi dokumenter dan cerita pribadi ke panggung pada akhir tahun 2000-an, tetapi kurator Festival Wina mempresentasikan proyek ini kepada publik sebagai kesempatan untuk kontak langsung dan langsung dengan orang lain. budaya.

Jalur utama lainnya adalah bekerja melalui pengalaman traumatis. Bagi orang Jepang, ini tidak terkait dengan Gulag atau Holocaust, tetapi dengan pengeboman Hiroshima dan Nagasaki. Teater mengacu padanya terus-menerus, tetapi pernyataan paling kuat tentang ledakan atom sebagai momen asal mula semua budaya Jepang modern masih menjadi milik Takashi Murakami.

ke pameran "Little Boy: Seni Subkultur Meledak Jepang"

“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” adalah judul dari proyek kurasinya yang ditampilkan di New York pada tahun 2005. "Anak Kecil" - "bayi" dalam bahasa Rusia - nama salah satu bom yang dijatuhkan di Jepang pada tahun 1945. Mengumpulkan ratusan komik manga dari ilustrator terkemuka, mainan vintage yang khas, merchandise yang terinspirasi oleh anime terkenal dari Godzilla hingga Hello Kitty, Murakami telah mendorong konsentrasi kelucuan - kawaii - hingga batasnya di ruang museum. Pada saat yang sama, ia meluncurkan pilihan animasi, di mana gambar ledakan, tanah kosong, dan kota yang hancur menjadi gambar utamanya.

Oposisi ini adalah pernyataan besar pertama tentang kekanak-kanakan budaya Jepang sebagai cara untuk mengatasi gangguan stres pascatrauma.

Sekarang kesimpulan ini tampaknya sudah jelas. Sebuah studi akademik kawaii oleh Inuhiko Yomota dibangun di atasnya.

Ada juga pemicu traumatis di kemudian hari. Yang paling penting - peristiwa 11 Maret 2011, gempa bumi dan tsunami yang menyebabkan kecelakaan besar di PLTN Fukushima. Di Festival/Tokyo-2018, seluruh program yang terdiri dari enam pertunjukan dikhususkan untuk memahami konsekuensi dari bencana alam dan teknologi; mereka juga menjadi tema salah satu karya yang dipresentasikan di Solyanka. Contoh ini dengan jelas menunjukkan bahwa gudang senjata metode kritis Seni Barat dan Jepang pada dasarnya tidak berbeda. Haruyuki Ishii membuat instalasi dari tiga perangkat televisi yang berputar melalui cuplikan yang diedit dan diputar dengan kecepatan tinggi dari program televisi tentang gempa bumi.

“Karya tersebut terdiri dari 111 video yang ditonton seniman setiap hari di berita hingga saat semua yang dilihatnya tidak lagi dianggap sebagai fiksi,” jelas kurator. "Jepang Baru" adalah contoh ekspresif tentang bagaimana seni tidak menolak interpretasi berdasarkan mitos nasional, tetapi pada saat yang sama mata kritis menemukan bahwa interpretasi yang sama mungkin relevan untuk seni dari asal mana pun. Kurator berbicara tentang kontemplasi sebagai dasar tradisi Jepang, mengambil kutipan dari Lao Tzu. Pada saat yang sama, seolah-olah lepas dari kurung bahwa hampir semua seni kontemporer terfokus pada “efek pengamat” (sebutan pameran) - baik dalam bentuk penciptaan konteks baru untuk persepsi fenomena yang sudah dikenal atau dalam membangkitkan pertanyaan tentang kemungkinan persepsi yang memadai seperti itu.

Komunitas Terbayang - karya lain oleh seniman video Haruyuki Ishii

Permainan

Namun, jangan berpikir bahwa Jepang tahun 2010-an adalah konsentrasi kemajuan.

Kebiasaan tradisionalisme lama yang baik dan kecintaan pada eksotisme orientalis belum juga hilang. "The Theater of Virgins" adalah judul artikel yang agak mengagumkan tentang teater Jepang "Takarazuka" di majalah konservatif Rusia "PTJ". Takarazuka muncul pada akhir abad ke-19 sebagai proyek bisnis untuk menarik wisatawan ke kota terpencil dengan nama yang sama, yang secara tidak sengaja menjadi terminal kereta api swasta. Hanya gadis lajang yang bermain di teater, yang menurut pemilik rel kereta api, seharusnya memikat penonton pria ke kota. Saat ini, Takarazuka berfungsi sebagai industri - dengan saluran TVnya sendiri, padat program konser, bahkan taman hiburan setempat. Tetapi hanya gadis yang belum menikah yang masih memiliki hak untuk bergabung dalam rombongan - semoga saja mereka tidak memeriksa keperawanan setidaknya.

Namun, Takarazuka tidak ada artinya jika dibandingkan dengan klub Toji Deluxe di Kyoto, yang juga disebut teater oleh orang Jepang. Mereka benar-benar liar, dilihat dari keterangan Kolumnis New York Ian Buruma, pertunjukan striptis: beberapa gadis telanjang di atas panggung mengubah demonstrasi alat kelamin menjadi ritual publik.

Seperti banyak praktik artistik lainnya, pertunjukan ini didasarkan pada legenda kuno (dengan bantuan lilin dan kaca pembesar, pria dari penonton dapat bergiliran menjelajahi "rahasia ibu dewi Amaterasu"), dan penulis sendiri diingatkan dari tradisi noh.

Mencari rekan-rekan Barat untuk "Takarazuki" dan Toji kami serahkan kepada pembaca - tidak sulit untuk menemukannya. Kami hanya mencatat bahwa sebagian besar seni modern diarahkan secara tepat untuk memerangi praktik penindasan semacam itu - baik Barat maupun Jepang, mulai dari tarian superflat hingga butoh.

Dengan artikel ini, saya memulai serangkaian artikel tentang sejarah seni rupa Jepang. Posting ini akan berfokus terutama pada seni lukis mulai dari periode Heian, dan artikel ini merupakan pengantar dan menjelaskan perkembangan seni hingga abad ke-8.

periode Jomon
budaya Jepang memiliki akar yang sangat kuno - penemuan paling awal berasal dari milenium ke-10 SM. e. tetapi secara resmi awal periode Jomon dianggap 4500 SM. e. Tentang periode ini nekokit menulis posting yang sangat bagus.
Keunikan dari gerabah Jōmon adalah biasanya kemunculan gerabah seiring dengan perkembangannya Pertanian menunjukkan awal periode Neolitikum. Namun, bahkan di era Mesolitikum, beberapa ribu tahun sebelum munculnya pertanian, para pemburu-pengumpul Jomon menciptakan tembikar dengan bentuk yang agak rumit.

Meskipun tembikar muncul sangat awal, orang-orang di zaman Jomon mengembangkan teknologi dengan sangat lambat dan tetap berada di level Zaman Batu.

Selama periode Jōmon Tengah (2500-1500 SM), patung-patung keramik muncul. Tetapi pada periode Pertengahan dan Akhir (1000-300 SM) mereka tetap abstrak dan sangat bergaya.

Dari Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Periode Jomon, 1000-400B.C.
Museum Nasional Tokyo

Omong-omong, ahli ufologi percaya bahwa ini adalah gambar alien. Dalam patung-patung ini, mereka melihat pakaian antariksa, kacamata, dan masker oksigen di wajah mereka, dan gambar spiral pada "pakaian antariksa" dianggap sebagai peta galaksi.

periode Yayoi
Yayoi adalah periode singkat sejarah Jepang, berlangsung dari 300 SM hingga 300 M, di mana terjadi perubahan budaya paling dramatis dalam masyarakat Jepang. Selama periode ini, suku-suku yang datang dari daratan dan mengungsi penduduk asli Pulau-pulau Jepang membawa budaya dan teknologi baru mereka seperti penanaman padi dan pengolahan perunggu. Sekali lagi, sebagian besar seni dan teknologi periode Yayoi diimpor dari Korea dan China.

periode Kofun
Antara 300 dan 500 tahun, pemimpin suku dimakamkan di gundukan yang disebut "Kofun". Periode ini disebut dengan nama ini.

Hal-hal yang mungkin dibutuhkan orang mati ditempatkan di kuburan. Ini adalah makanan, perkakas dan senjata, perhiasan, tembikar, cermin, dan yang paling menarik - patung tanah liat yang disebut "haniwa".

Dari Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Periode Kofun, abad ke-6.
Museum Nasional Tokyo

Tujuan pasti dari patung-patung itu masih belum diketahui, tetapi mereka ditemukan di semua kuburan di zaman Kofun. Dari patung-patung kecil ini dapat dibayangkan bagaimana orang hidup pada masa itu, karena orang digambarkan dengan perkakas dan senjata, dan terkadang di samping rumah.

Patung-patung ini, yang dipengaruhi oleh tradisi Tionghoa, memiliki unsur-unsur independen yang hanya melekat pada seni lokal.

Penari wanita, Dinasti Han Barat (206 SM–9 M), abad ke-2 SM
Cina
Museum Seni Metropolitan, NY

Selama periode Kofun, patung-patung menjadi lebih halus dan semakin berbeda. Ini adalah gambar tentara, pemburu, penyanyi, penari, dan sebagainya.

Dari Nohara, Konan-machi, Saitama Hadir H.64.2, 57.3.
Periode Kofun, abad ke-6.
Museum Nasional Tokyo

Ada ciri lain dari patung-patung ini. Haniwa mewakili tidak hanya fungsi sosial tetapi juga suasana hati sosok itu. Seorang pejuang, misalnya, memiliki ekspresi tegas di wajahnya. dan di wajah para petani ada senyum lebar.

Dari Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130.5.
Periode Kofun, abad ke-6.
Museum Nasional Tokyo

periode Asuka
Sejak zaman Yayoi, kesenian Jepang tidak dapat dipisahkan dari kesenian Korea atau Cina. Hal ini paling terlihat pada abad ketujuh dan kedelapan, ketika seni Jepang mulai berkembang pesat menjadi berbagai genre visual.

Pada abad ke-6, perubahan kardinal terjadi dalam masyarakat Jepang: negara Jepang pertama Yamato akhirnya terbentuk, dan juga, pada tahun 552, agama Buddha datang ke Jepang, membawa patung Buddha dan konsep kuil, yang menyebabkan munculnya kuil di Jepang - sebagai Shinto, serta Buddha.
Kuil Shinto mengikuti arsitektur lumbung (Kuil Shinto paling awal adalah lumbung tempat perayaan panen diadakan. Selama pesta ritual, orang percaya bahwa para dewa sedang berpesta dengan mereka.)
Dewa Shinto pada dasarnya adalah kekuatan alam, sehingga arsitektur kuil ini menyatu dengan alam, seperti sungai dan hutan. Ini penting untuk dipahami. Dalam arsitektur Shinto, struktur buatan manusia dimaksudkan untuk menjadi perpanjangan dari alam.

Kuil Buddha pertama, Shitennoji, baru dibangun pada tahun 593 di Osaka. Kuil-kuil awal ini adalah tiruan dari kuil-kuil Buddha Korea, yang terdiri dari sebuah pagoda pusat yang dikelilingi oleh tiga bangunan dan koridor tertutup.

Penyebaran agama Buddha memfasilitasi kontak antara Jepang dan Korea dengan Cina dan integrasi budaya Cina ke dalam budaya Jepang.

Selamat siang, para pembaca yang budiman! Saya melanjutkan pemilihan film fitur tentang Jepang yang saya rekomendasikan untuk ditonton. Film, seperti halnya buku, memungkinkan Anda untuk mengenal gaya hidup, mentalitas, dan budaya penduduk negeri matahari terbit itu.

Jepang film seni:

1. Kaisar, film gabungan antara Jepang dan Amerika Serikat, dirilis pada 2012, bergenre - sejarah militer, disutradarai oleh Pitter Webber. Film tersebut menampilkan peristiwa yang terjadi di Jepang setelah Perang Dunia Kedua, ketika pasukan Amerika tiba di Jepang untuk memulihkan ketertiban, menangkap penjahat perang, dan menentukan arah pembangunan Jepang di masa depan. Gambaran situasi tersebut diperlihatkan dari sudut pandang seorang jenderal Amerika yang mencintai seorang gadis Jepang sebelum perang. Dia perlu menentukan tingkat kesalahan Kaisar Hirohito dari Jepang dalam melancarkan perang.

Film ini menarik dari segi sejarah, karena memperlihatkan peristiwa nyata pada masa itu. Dan Jepang ditampilkan tidak hanya sebagai negara agresor, tetapi juga sebagai negara yang terkena dampak - kota-kota hancur total dan terbakar, ratusan ribu orang terbakar dalam ledakan bom atom.

2. Shinsengumi, tahun pembuatan film 1969, dibuat di Jepang, disutradarai oleh Tadashi Sawashima.

Film ini menunjukkan tahun-tahun terakhir pemerintahan Keshogunan Tokugawa. Ketika sebuah detasemen kecil dibentuk dari sekelompok samurai bebas (ronin) untuk melindungi shogun terakhir dari klan Tokugawa, yang disebut detasemen polisi yang memproklamirkan diri. Detasemen militer samurai yang putus asa dan pemberani ini dipimpin oleh Kondo Isami, seorang petani sejak lahir. Detasemen itu terkenal dengan ketangkasan militernya yang tak tertandingi dalam pertarungan tangan kosong dan gagasan kemenangan shogun atas kekuasaan kekaisaran.

Pada topik yang sama, Anda dapat menemukan film dokumenter yang memulihkan peristiwa pada masa itu dan memberikan penilaian objektif atas tindakan detasemen Shinsengumi dan komandannya, Kondo Isami. Film ini didasarkan pada kejadian bersejarah dan film feature praktis tidak mengubah esensi film dokumenter.

3. Pisau tersembunyi, dibuat di Jepang, dirilis pada tahun 2004, disutradarai oleh Yoji Yamada. Genre film ini adalah drama, melodrama. Film ini berlangsung di pertengahan sembilan belas abad di kerajaan kecil Unasaku di pantai barat laut Jepang. Selama periode ini, perubahan besar terjadi di negara itu, para samurai dibangun kembali dengan cara Barat dan menguasai senjata api dan cara perang baru. Konflik dimulai antara cara hidup lama dan segala sesuatu yang baru yang dengan cepat menguasai kehidupan orang Jepang.

Dengan latar belakang hubungan antara laki-laki dan perempuan, citra seorang samurai diperlihatkan secara tidak mencolok, yang terdiri dari ketaatan yang ketat terhadap aturan kehormatan, martabat dan kejujuran. Setelah menonton film ini, sekali lagi Anda sampai pada kesimpulan bahwa stereotip bahwa samurai adalah kelas militan adalah salah. Dalam kata-kata pahlawan film tersebut, "bagi seorang samurai, membunuh seseorang sama sulitnya dengan orang lain."

4.Saya hari hujan, produksi Jepang 2009, genre drama. Film ini menampilkan kehidupan anak sekolah yang melakukan enjo-kasai. Semuanya berubah ketika tokoh utama bertemu dengan seorang pemuda, seorang guru sejarah. Film romantis ini menceritakan tentang perkembangan hubungan di antara mereka. Film yang sangat manis dan menyentuh.

5.Cinta pada tingkat khusus- produksi Jepang, sutradara film Naoto Kumazawa, tahun rilis 2014, genre melodrama.

Semuanya dimulai di sekolah menengah, Kururuki Yuni adalah seorang siswa sekolah menengah, pintar, dia memiliki nilai tinggi di semua disiplin ilmu kecuali bahasa Inggris. Dia memiliki tujuan dan pintar, menyembunyikan semua emosi jauh di dalam dirinya dan karenanya sangat kesepian.

Seorang guru bahasa Inggris muda, Sakurai, menugaskan kelas harian Yuni. Apa yang membuatnya melakukannya? Keinginan untuk mengajari Kukuruki bahasa atau keinginan untuk mengeluarkan gadis itu dari cangkangnya. Tapi apapun itu, kelas tambahan bahasa Inggris menyebabkan hasil yang tidak diharapkan siapa pun. Filmnya lucu, semua aksinya santai dengan sedikit kata-kata dan permainan perasaan, aktor cantik, tenang iringan musik. Didesain untuk penonton wanita remaja. Mungkin tampak sedikit ketat.

6. Aku ingin memelukmu- produksi Jepang, sutradara film Akihiko Shioto, tahun rilis 2014.

Kisah sedih dan mengharukan tentang hubungan antara pemuda Masami dan gadis Tsukasa menjadi dasarnya peristiwa nyata. Film ini berlangsung di pulau Hokkaido. Suatu hari, sekelompok pemain bola basket muda tiba di gym, yang pada saat yang sama dipesan oleh sekelompok orang cacat. Peristiwa ini memungkinkan pengemudi taksi Masami yang sudah bermain basket sejak sekolah untuk bertemu Tsukasa yang menjadi cacat akibat kecelakaan mobil.

Tsukasa tidak suka diperlakukan seperti orang cacat. Setelah selamat dari konsekuensi parah dari kecelakaan itu dan secara bertahap hidup kembali, dia menjadi kuat. Masami, pada gilirannya, adalah orang yang baik dan lembut. Hubungan mereka tidak dipahami oleh orang tua di kedua sisi, namun meski begitu, para pemuda terus bertemu. Menyadari bahwa hubungan orang tua muda yang tulus juga jatuh cinta dengan Tsukasa. Ada pernikahan yang luar biasa antara seorang pemuda tampan dan seorang gadis di kursi roda, tetapi hidup memiliki caranya sendiri ...

Artelino

The Great Wave off Kanagawa oleh Katsushika Hokusai (1760-1849) adalah salah satu cetakan paling terkenal dan lembar pertama dari seri Tiga Puluh Enam Pemandangan Fuji. Pada awal tahun 1830-an, Katsushika Hokusai, atas perintah penerbit Eijudo, mulai membuat seri 46 lembar (36 utama dan 10 tambahan), dan The Great Wave off Kanagawa adalah ukiran yang membuka keseluruhan seri.

Koleksi pahatan semacam itu disajikan untuk penduduk kota pada masa itu sebagai semacam " perjalanan maya”, cara memuaskan rasa ingin tahu - nyaman dan murah. Cetakan seperti Fuji harganya sekitar 20 mon - hampir sama dengan porsi ganda mie di restoran Jepang saat itu. Namun, kesuksesannya begitu besar sehingga pada tahun 1838 harga lembaran Hokusai telah meningkat menjadi hampir 50 mon, dan setelah kematian masternya, Wave saja dicetak ulang dari papan baru lebih dari 1000 kali.

Mengejutkan bahwa, terlepas dari tema yang disebutkan dari keseluruhan seri, Fuji in The Wave bermain seperti itu peran kecil. Ketua " aktor”pada ukiran ini ada gelombang, dan di latar depan terungkap adegan dramatis perjuangan manusia dengan unsur-unsur. Tepi puncak busa terlihat seperti jari bengkok dari iblis pemarah yang luar biasa, dan sosok manusia yang tidak berwajah dan tidak aktif di perahu tidak diragukan lagi siapa yang akan menjadi pemenang dalam pertarungan ini. Namun, bukan konfrontasi inilah konflik yang menciptakan alur ukiran.
Dengan menghentikan momen setelah kapal menabrak, Hokusai memungkinkan pemirsa untuk melihat Fuji sejenak di langit kelabu, yang semakin gelap menuju cakrawala. Meskipun pengukir Jepang sudah terbiasa dengan prinsip-prinsip garis lurus dan Eropa perspektif udara, mereka tidak merasa membutuhkan teknik ini. Latar belakang gelap, serta perjalanan panjang tatapan dari latar depan dengan perahu melewati pergerakan ombak menuju Fuji, meyakinkan mata bahwa gunung keramat itu terpisah dari kita oleh hamparan laut.

Fuji menjulang jauh dari pantai sebagai simbol stabilitas dan keteguhan, berlawanan dengan elemen badai. Persatuan dan saling ketergantungan yang berlawanan mendasari gagasan tatanan kosmik dan harmoni mutlak dalam pandangan dunia Timur Jauh, dan merekalah yang menjadi tema utama dari ukiran "The Great Wave off Kanagawa", yang membuka serial karya Katsushika Hokusai.

"Beauty Nanivaya Okita" oleh Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Institut Seni Chicago

Kitagawa Utamaro (1753-1806) memang pantas disebut penyanyi kecantikan wanita dalam cetakan Jepang ukiyo-e: dia menciptakan sejumlah gambar kanonik kecantikan Jepang ( bijinga) - penghuni kedai teh dan kawasan hiburan terkenal Yoshiwara di ibu kota Jepang, Edo edo — nama Tokyo sampai tahun 1868..

Dalam ukiran bijinga, semuanya tidak seperti yang terlihat oleh pemirsa modern. Para wanita bangsawan yang berpakaian mewah, pada umumnya, terlibat dalam kerajinan yang memalukan dan termasuk kelas bawah, dan ukiran dengan potret kecantikan memiliki fungsi iklan yang terbuka. Pada saat yang sama, ukiran itu tidak memberikan gambaran tentang penampilan gadis itu, dan meskipun Okita dari rumah teh Nanivaya dekat kuil Asakusa dianggap sebagai kecantikan pertama Edo, wajahnya dalam ukiran itu adalah sama sekali tanpa individualitas.

Gambar wanita dalam bahasa Jepang seni rupa sejak abad ke-10, mereka tunduk pada kanon minimalis. "Line-eye, hook-nose" - teknik hikime-kagihana mengizinkan artis hanya untuk menunjukkan bahwa seorang wanita tertentu digambarkan: dalam bahasa Jepang budaya tradisional pertanyaan tentang kecantikan fisik sering dihilangkan. Pada wanita kelahiran bangsawan"keindahan hati" dan pendidikan jauh lebih dihargai, dan penghuni tempat yang ceria berusaha untuk meniru standar tertinggi dalam segala hal. Menurut Utamaro, Okita memang cantik.

Lembaran "Beauty Nanivaya Okita" dicetak pada 1795-1796 dalam seri "Famous Beauties Like to Six Immortal Poets", di mana salah satu penulis abad ke-9 berhubungan dengan setiap keindahan. Pada lembaran dengan potret Okita di pojok kiri atas terdapat gambar Arivara no Narihira (825-880), salah satu penyair paling dihormati di Jepang, yang secara tradisional dikaitkan dengan novel Ise Monogatari. Bangsawan yang mulia dan penyair yang brilian ini juga menjadi terkenal karena perselingkuhannya, beberapa di antaranya menjadi dasar novel tersebut.

Lembar ini adalah penggunaan teknik yang aneh meniru(perbandingan) dalam ukiran Jepang. Kualitas dari "prototipe" yang berwibawa dipindahkan ke kecantikan yang digambarkan, dan pelacur yang anggun, dengan wajah tenang yang menyajikan secangkir teh untuk tamu, sudah dibaca oleh penonton sebagai seorang wanita yang ahli dalam puisi dan perbuatan cinta. Perbandingan dengan Arivara no Narihira benar-benar merupakan pengakuan atas keunggulannya di antara wanita cantik Edo.

Pada saat yang sama, Utamaro menciptakan citra liris yang mengejutkan. Menyeimbangkan bintik-bintik gelap dan terang pada daun dan menguraikan bentuk dengan garis-garis yang merdu dan anggun, ia menciptakan citra keanggunan dan harmoni yang benar-benar sempurna. "Iklan" surut, dan keindahan yang ditangkap oleh Utamaro tetap abadi.

Layar "Iris" oleh Ogata Korin, 1710-an

Wikimedia Commons / Museum Nezu, Tokyo

Sepasang layar iris enam panel - sekarang menjadi harta nasional Jepang - diciptakan oleh Ogata Korin (1658-1716) sekitar tahun 1710 untuk kuil Nishi Hongan-ji di Kyoto.

Sejak abad ke-16, lukisan di panel dinding dan layar kertas telah menjadi salah satu genre unggulan. seni dekoratif Jepang, dan Ogata Korin, pendiri sekolah seni Rimpa, adalah salah satu master terhebatnya.

Layar di interior Jepang memainkan peran penting. Bangunan istana yang luas secara struktural tidak berbeda dengan tempat tinggal orang Jepang sederhana: mereka hampir tidak memiliki dinding bagian dalam, dan ruang tersebut dikategorikan dengan layar lipat. Tingginya hanya sedikit lebih dari satu setengah meter, layarnya dirancang untuk tradisi umum Jepang dari semua kelas untuk hidup di lantai. Di Jepang, kursi dan meja tinggi tidak digunakan hingga abad ke-19, dan ketinggian layar, serta komposisi lukisannya, dirancang untuk melihat seseorang yang duduk berlutut. Dari sudut pandang inilah efek yang luar biasa muncul: iris tampak mengelilingi orang yang duduk - dan seseorang dapat merasakan dirinya berada di tepi sungai, dikelilingi oleh bunga.

Iris dicat dengan cara non-kontur - sapuan lebar warna biru tua, lilac, dan ungu yang hampir impresionistik menyampaikan keindahan subur bunga ini. Efek gambar ditingkatkan dengan kilau emas yang kusam, yang menggambarkan iris. Layar tidak menggambarkan apa-apa selain bunga, tetapi garis sudut pertumbuhannya menunjukkan bahwa bunga-bunga itu melengkung di sekitar aliran sungai yang berkelok-kelok atau zig-zag jembatan kayu. Wajar bagi orang Jepang untuk melihat jembatan yang hilang dari layar, "jembatan delapan papan" khusus ( yatsuhashi), terkait dengan iris dalam klasik Sastra Jepang. Novel Ise Monogatari (abad ke-9) menggambarkan perjalanan menyedihkan seorang pahlawan yang diusir dari ibu kota. Setelah menetap dengan pengiringnya untuk beristirahat di tepi sungai dekat jembatan Yatsuhashi, sang pahlawan, melihat iris, mengingat kekasihnya dan menulis puisi:

kekasihku dalam pakaian
Anggun di sana, di ibu kota,
Cinta pergi...
Dan saya pikir dengan kerinduan berapa banyak
aku jauh dari dia... Terjemahan oleh N.I. Konrad.

“Jadi dia melipat, dan semua orang meneteskan air mata pada nasi keringnya, sehingga membengkak karena lembab,” tambah penulis dan pahlawan liris mendongeng, Arivara no Narihira.

Bagi orang Jepang terpelajar, hubungan antara iris di jembatan dan Ise monogatari, iris dan tema cinta yang berpisah sudah jelas, dan Ogata Korin menghindari verbositas dan ilustratif. Dengan bantuan lukisan dekoratif, ia hanya menciptakan ruang ideal yang dipenuhi cahaya, warna, dan konotasi sastra.

Paviliun Emas Kinkakuji, Kyoto, 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006

Kuil Emas adalah salah satu simbol Jepang, yang ironisnya, lebih diagungkan oleh kehancurannya daripada pembangunannya. Pada tahun 1950, seorang biarawan yang tidak stabil secara mental dari Biara Rokuonji, pemilik bangunan ini, membakar sebuah kolam yang berdiri di permukaan biara.
paviliun Saat terjadi kebakaran pada tahun 1950, candi tersebut hampir hancur. Pekerjaan restorasi di Kinkaku-ji dimulai pada tahun 1955, pada tahun 1987 rekonstruksi secara keseluruhan selesai, tetapi pemulihan dekorasi interior yang benar-benar hilang berlanjut hingga tahun 2003.. Motif sebenarnya dari tindakannya masih belum jelas, tetapi dalam interpretasi penulis Yukio Mishima, keindahan kuil yang hampir mistis dan tak terjangkau ini harus disalahkan. Memang, selama beberapa abad, Kinkakuji dianggap sebagai lambang kecantikan Jepang.

Pada tahun 1394, Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), yang menaklukkan hampir seluruh Jepang sesuai keinginannya, secara resmi pensiun dan menetap di sebuah vila yang dibangun khusus di Kyoto utara. Bangunan tiga tingkat di danau buatan Kyokoti ("cermin danau") berperan sebagai semacam pertapaan, paviliun terpencil untuk relaksasi, membaca, dan berdoa. Isinya koleksi lukisan shogun, perpustakaan dan koleksi relik Buddha. Terletak di perairan dekat pantai, Kinkakuji hanya memiliki komunikasi perahu dengan pantai dan merupakan pulau yang sama dengan pulau buatan dengan batu dan pohon pinus tersebar di sekitar Kyokoti. Gagasan tentang "pulau surgawi" dipinjam dari mitologi Tiongkok, di mana tempat tinggal surgawi menjabat sebagai pulau Penglai, pulau abadi. Refleksi paviliun di dalam air sudah membangkitkan asosiasi Buddhis dengan gagasan tentang sifat ilusi dunia fana, yang hanya merupakan refleksi pucat dari kemegahan dunia kebenaran Buddhis.

Meskipun semua nuansa mitologis ini bersifat spekulatif, lokasi paviliun memberikan harmoni dan harmoni yang luar biasa. Refleksi menyembunyikan kekokohan bangunan, menjadikannya lebih tinggi dan ramping; pada saat yang sama, ketinggian paviliunlah yang memungkinkan untuk melihatnya dari tepi kolam mana pun, selalu dengan latar belakang tanaman hijau yang gelap.

Namun, masih belum sepenuhnya jelas seberapa emas paviliun ini dalam bentuk aslinya. Mungkin, di bawah Ashikaga Yoshimitsu, memang ditutupi dengan daun emas dan lapisan pernis pelindung. Tetapi jika Anda mempercayai foto-foto abad ke-19 - awal abad ke-20 dan Yukio Mishima, maka pada pertengahan abad ke-20 penyepuhan hampir terkelupas dan sisa-sisanya hanya terlihat di tingkat atas bangunan. Saat ini, dia lebih menyentuh jiwa dengan pesona kehancuran, jejak waktu, tak terhindarkan bahkan hingga hal-hal terindah. Pesona melankolis ini sesuai dengan prinsip estetika sabi sangat dihormati dalam budaya Jepang.

Dengan satu atau lain cara, kemegahan bangunan ini sama sekali tidak terbuat dari emas. Keseriusan yang luar biasa dari bentuk Kinkakuji dan keharmonisannya yang sempurna dengan lanskap membuatnya menjadi salah satu mahakarya arsitektur Jepang.

Mangkuk "Iris" dengan gaya karatsu, abad XVI-XVII

Diane Martineau /pinterest.com/Museum Seni Metropolitan, New York

Kata meibutsu- sesuatu dengan nama. Hanya nama cawan ini yang benar-benar bertahan, karena waktu dan tempat pembuatannya yang tepat, maupun nama masternya tidak dipertahankan. Namun demikian, itu diklasifikasikan sebagai harta nasional Jepang dan merupakan salah satunya contoh yang jelas keramik dengan gaya nasional.

Di akhir abad ke-16, upacara minum teh cha-no-yu porselen dan keramik Cina halus yang terbengkalai dengan glasir yang mengingatkan pada bahan berharga. Kecantikan spektakuler mereka tampak terlalu artifisial dan terus terang bagi para ahli teh. Barang-barang yang sempurna dan mahal - mangkuk, bejana air, dan wadah teh - tidak sesuai dengan kanon spiritual Zen Buddhisme yang hampir seperti pertapa, dalam semangat yang mengembangkan upacara minum teh. Revolusi nyata dalam aksi teh adalah daya tarik keramik Jepang, jauh lebih sederhana dan tanpa seni pada saat bengkel-bengkel Jepang baru saja mulai menguasai teknologi tembikar kontinental.

Bentuk mangkok Iris sederhana dan tidak beraturan. Sedikit kelengkungan dinding, penyok pembuat tembikar yang terlihat di seluruh tubuh membuat mangkuk itu tampak mudah dan naif. Pecahan tanah liat ditutupi dengan glasir tipis dengan jaringan retakan - craquelure. Di sisi depan, yang menyapa tamu selama upacara minum teh, gambar iris diaplikasikan di bawah glasir: gambarnya naif, tetapi dibuat dengan kuas yang energik, persis, seolah-olah dalam satu gerakan, dalam semangat Zen. kaligrafi. Tampaknya baik bentuk maupun dekorasinya dapat dibuat secara spontan dan tanpa penerapan pasukan khusus.

Spontanitas ini mencerminkan cita-cita wabi- kesederhanaan dan kesederhanaan, menimbulkan rasa kebebasan dan harmoni spiritual. Setiap orang atau bahkan benda mati dalam pandangan pengikut Buddhisme Zen Jepang memiliki sifat Buddha yang tercerahkan, dan upaya ahli ditujukan untuk menemukan sifat ini dalam dirinya dan dunia di sekitarnya. Hal-hal yang digunakan dalam upacara minum teh, dengan segala kecanggungannya, seharusnya membangkitkan pengalaman mendalam akan kebenaran, relevansi setiap momen, memaksa untuk mengintip ke dalam bentuk paling biasa dan melihat keindahan sejati di dalamnya.

Kontras dengan tekstur mangkuk yang kasar dan kesederhanaannya adalah restorasi dengan pernis emas kecil yang terkelupas (teknik ini disebut kintsugi). Pemugaran dilakukan pada abad ke-18 dan menunjukkan penghormatan yang digunakan ahli teh Jepang untuk merawat peralatan upacara minum teh. Jadi upacara minum teh memberi para peserta "cara" untuk menemukan keindahan sejati dari benda-benda, seperti mangkuk Iris. Implisitas, kerahasiaan telah menjadi dasar konsep estetika wabi dan bagian penting dari pandangan dunia Jepang.

Potret Biksu Gandzin, Nara, 763

Toshodaiji, 2015

Pada abad VIII, seni pahat menjadi bentuk ekspresi artistik utama pada zaman Nara (710-794), terkait dengan pembentukan negara Jepang dan penguatan agama Buddha. Pengrajin Jepang telah melewati tahap magang dan peniruan buta teknik dan gambar kontinental dan mulai mengekspresikan semangat waktu mereka dengan bebas dan jelas dalam seni pahat. Penyebaran dan pertumbuhan otoritas agama Buddha menyebabkan munculnya potret patung Buddha.

Salah satu mahakarya dari genre ini adalah potret Gandzin, yang dibuat pada tahun 763. Dibuat dengan teknik pernis kering (dengan membangun lapisan pernis pada bingkai kayu yang dilapisi kain), patung yang hampir seukuran itu dilukis secara realistis, dan di senja kuil, Ganjin duduk dalam pose meditasi “sebagai jika hidup”. Keserupaan hidup ini adalah fungsi kultus utama dari potret semacam itu: guru harus selalu berada di dalam tembok biara Todaiji di kota Nara dan hadir di kebaktian terpenting.

Belakangan, pada abad ke-11 hingga ke-13, potret pahatan mencapai ilusionisme yang hampir tanpa ampun, yang menggambarkan kelemahan pikun dari para guru yang terhormat, mulut mereka yang cekung, pipi yang kendur, dan kerutan yang dalam. Potret-potret ini memandang para penganut agama Buddha dengan mata yang hidup, bertatahkan batu kristal dan kayu. Namun wajah Gandzin tampak buram, tidak ada kontur dan bentuk yang jelas di dalamnya. Kelopak mata yang setengah tertutup dan tidak berkerak tampak bengkak; mulut yang tegang dan lipatan nasolabial yang dalam menunjukkan kehati-hatian yang biasa daripada konsentrasi meditasi.

Semua fitur ini mengungkap biografi dramatis biksu ini, kisah asketisme dan tragedi yang menakjubkan. Ganjin, seorang biksu Buddha Cina, diundang ke Jepang untuk upacara konsekrasi biara terbesar di Nara, Todaiji. Kapal itu direbut oleh bajak laut, gulungan yang tak ternilai dan patung Buddha yang dimaksudkan untuk kuil Jepang yang jauh hilang dalam api, Ganjin membakar wajahnya dan kehilangan penglihatannya. Namun ia tidak meninggalkan keinginan untuk berdakwah jauh di pinggiran peradaban - yaitu, bagaimana Jepang dipandang oleh benua pada saat itu.

Beberapa upaya lagi untuk menyeberangi laut berakhir dengan cara yang sama tidak berhasil, dan hanya pada upaya kelima, Ganjin yang sudah paruh baya, buta, dan sakit-sakitan mencapai ibu kota Jepang Nara.

Di Jepang, Ganjin tidak lama mengajar hukum Buddha: peristiwa dramatis dalam hidupnya merusak kesehatannya. Tetapi otoritasnya begitu tinggi sehingga, mungkin, bahkan sebelum kematiannya diputuskan untuk membuat patungnya. Tidak diragukan lagi, para seniman-biarawan berusaha untuk memberikan patung itu sebanyak mungkin kemiripan dengan modelnya. Tapi ini tidak dilakukan untuk menyelamatkan penampilan seseorang, tetapi untuk menangkap pengalaman spiritual individunya, jalan sulit yang dilalui Ganjin dan yang disebut oleh ajaran Buddha.

Daibutsu - Buddha Besar Kuil Todaiji, Nara, pertengahan abad ke-8

Todd/flickr.com

Di pertengahan abad ke-8, Jepang menderita bencana alam dan wabah penyakit, dan intrik dari keluarga Fujiwara yang berpengaruh serta pemberontakan yang mereka lakukan memaksa Kaisar Shomu melarikan diri dari ibu kota, kota Nara. Di pengasingan, dia bersumpah untuk mengikuti jalan ajaran Buddha dan pada tahun 743 memerintahkan pembangunan kuil utama negara untuk dimulai dan pengecoran patung kolosal. patung perunggu Buddha Vairochana (Buddha Great Sun atau All Illuminating Light). Dewa ini dianggap sebagai inkarnasi universal Buddha Shakyamuni, pendiri ajaran Buddha, dan seharusnya menjadi penjamin perlindungan kaisar dan seluruh negeri selama periode kerusuhan dan pemberontakan.

Pekerjaan dimulai pada 745 dan dimodelkan pada patung Buddha raksasa di kuil gua Longmen dekat ibu kota Cina, Luoyang. Patung di Nara, seperti gambar Buddha lainnya, seharusnya menunjukkan "tanda besar dan kecil Buddha". Kanon ikonografi ini termasuk daun telinga yang memanjang, mengingatkan pada fakta bahwa Buddha Shakyamuni berasal dari keluarga pangeran dan sejak masa kanak-kanak mengenakan anting-anting yang berat, peninggian di atas kepalanya (ushnisha), sebuah titik di dahinya (guci).

Tinggi patung 16 meter, lebar muka 5 meter, panjang telapak tangan 3,7 meter, dan guci lebih besar. kepala manusia. Konstruksi tersebut memakan 444 ton tembaga, 82 ton timah, dan sejumlah besar emas, yang pencariannya dilakukan secara khusus di bagian utara negara itu. Sebuah aula, Daibutsuden, didirikan di sekitar patung untuk melindungi kuil. Dalam ruangnya yang kecil, sosok Buddha duduk yang sedikit membungkuk memenuhi seluruh ruang, menggambarkan salah satu dalil utama agama Buddha - gagasan bahwa dewa itu ada di mana-mana dan meliputi segalanya, ia merangkul dan mengisi segalanya. Ketenangan transendental wajah dan gerakan tangan dewa (mudra, gerakan memberikan perlindungan) melengkapi perasaan keagungan dan kekuatan Buddha yang tenang.

Namun, hanya beberapa fragmen yang tersisa dari patung aslinya saat ini: kebakaran dan perang menyebabkan kerusakan besar pada patung tersebut di XII dan Abad XVI, dan patung modern sebagian besar mewakili pengecoran abad ke-18. Selama restorasi abad ke-18, patung perunggu itu tidak lagi dilapisi emas. Semangat Buddhis Kaisar Shomu pada abad ke-8 secara praktis mengosongkan perbendaharaan dan menguras negara yang sudah terguncang, dan penguasa selanjutnya tidak mampu lagi membayar pengeluaran yang tidak wajar seperti itu.

Namun demikian, pentingnya Daibutsu tidak terletak pada emas dan bahkan tidak pada keaslian yang dapat diandalkan - gagasan tentang perwujudan ajaran Buddha yang begitu megah adalah sebuah monumen untuk era ketika Jepang seni monumental mengalami pembungaan asli, membebaskan diri dari penyalinan buta model kontinental dan mencapai integritas dan ekspresif, yang kemudian hilang.