rumah › Sistem rem › Tradisi opera. Asal dan perkembangan opera

Tradisi opera. Asal dan perkembangan opera

Selain itu, sutradara sebagaimana layaknya setiap orang harus memahami bahwa pendapatnya dan apa yang dianggapnya benar belum tentu benar dan pendapatnya belum tentu meyakinkan semua orang. Singkatnya, kebenaran yang sebenarnya sama sekali tidak sama dengan apa yang Anda pikirkan sekarang. Jika ini tidak diingat, maka Anda tidak akan pernah bisa menjadi kaki tangan dalam percakapan, Anda akan menjadi mentor yang melambung.

Ide sedang mengudara, dan tidak perlu memasukkannya ke dalam formula verbal, untuk mencari stempel fraseologis. Ide pertunjukan sebagian besar terbentuk selama pertunjukan. Perasaan, persepsi sistem figuratif akan melahirkan apa yang terpenting dalam seni - pemahaman spiritual tentang kehidupan, persepsinya, pemahamannya. Ini semua adalah hasil dari kesamaan tim pementasan dan kreasi bersama dalam proses pementasan dengan publik.

Dan ada satu kualitas lagi yang harus dimiliki oleh seorang sutradara opera: ini kesabaran. Kami mengatakan bahwa pemilik suara nyanyian seringkali tidak memiliki "kompleks bahagia", yaitu semua kualitas yang kita harapkan dari seorang seniman. Karena prekositas, sesuai dengan keadaan pendidikan dan pelatihan yang sudah kita ketahui, artis opera tidak selalu melihat kesempatan untuk mengembangkan kemampuannya secara mandiri, dia tidak selalu memiliki kebutuhan yang terbangun akan hal ini. Kebetulan hal ini menjadi alasan untuk membatasi perkembangan bakat artis dan sedikit kemampuan untuk mengkonsolidasikan apa yang telah dicapai. Sutradara, atas nama kesuksesan teater dan senimannya sendiri, terpaksa mengisi dengan kegigihannya kualitas kapasitas kerja dan tuntutan diri yang kurang dimiliki seniman. Kembangkan profesionalisme di dalamnya.

Mengenai hal ini, saya sering memberi tahu contoh artis dari biografi penyanyi terkenal Pauline Viardot. Karakter utama dari cerita ini adalah musisi dan penyanyi Manuel Garcia, yang sudah Anda kenal. Dia, seperti yang Anda ingat, adalah ayah dari Polina. “Suatu kali dia memintanya (P. Viardot) untuk membaca dari lembaran drama yang baru saja dia tulis. Polina bermain linglung dan melakukan kesalahan dua kali. Ayahnya memarahinya, dan dia memainkan semuanya dengan sempurna, dan dia menerima tamparan di wajahnya. "Kenapa kamu tidak segera memperhatikannya? teriak Manuel. "Kamu membuatku kesal, memaksaku untuk menampar, dan kamu sendiri terluka."

Seringkali pada latihan sebuah pertunjukan opera, artis tersebut ceroboh, tidak menyadari betapa berbahayanya hal itu bagi profesinya dan berbahaya bagi pertunjukan tersebut. Seringkali semuanya ditutupi dengan lelucon-lelucon kecil, yang pada akhirnya menjauhkan dari tugas utama gladi bersih. Sutradara yang gagal membuat seorang aktor bekerja jarang berhasil.

Anda tidak dapat berpikir bahwa pekerjaan direktur berlangsung dalam suasana pemahaman, antusiasme, dan ketekunan yang sama. Seringkali aktor tidak memahami sutradara karena kurangnya pengetahuan tentang prinsip-prinsip seni opera. Seringkali seorang aktor menderita saat bekerja dengan "sutradara yang menyebalkan". Di sini keterampilan pedagogis sutradara, kemampuan memikat, menarik, dan bahkan menipu aktor harus ikut bermain. Aktor berpengalaman juga mencoba menipu sutradara dengan mengesampingkan keputusan sutradara yang sulit dipahami. Penipuan timbal balik ini, paling sering terlihat jelas bagi kedua belah pihak, terkadang menjadi sumber solusi artistik timbal balik, dan terkadang membentuk tembok antara sutradara dan aktor. Di sinilah ketekunan dan kesabaran sutradara berperan.

Bagaimana pertunjukan opera dipentaskan

Mungkin Anda bertanya-tanya bagaimana sebuah pertunjukan opera dipentaskan? Bayangkan teater memutuskan untuk menampilkan opera. Apakah ada suara di teater yang mampu menyanyikan opera ini? Jika ada suara seperti itu, maka direktorat mengeluarkan perintah yang menentukan komposisi pemain, sutradara, dan waktu rilis pertunjukan.

Pekerjaan telah dimulai. Pianis-concertmaster mengajarkan bagian mereka dengan para seniman. Sutradara, konduktor, dan artis berbicara tentang karya tersebut, menentukan fitur semantik utamanya, dan bagaimana pertunjukan itu akan dipentaskan.

Paduan suara mempelajari bagian-bagiannya dengan pemimpin paduan suara. Seniman menggambar sketsa pemandangan dan kostum, membuat tata letak pemandangan dengan seorang desainer tata letak; itu dibahas dan diterima oleh dewan artistik dan manajemen, setelah itu produksi pemandangan dimulai di bengkel. Sementara itu, para penyanyi mempelajari bagian mereka dan diterima oleh konduktor. Apa artinya diterima? Memeriksa kebenaran, ekspresi kinerja. Sebelumnya, beberapa konduktor mengerjakan bagian dengan penyanyi untuk waktu yang cukup lama dan secara detail, sekarang ini hampir secara universal menjadi masa lalu. (Rupanya, konduktor sekarang, merasakan pertumbuhan fungsi sutradara dalam sebuah pertunjukan opera, mendelegasikan kepadanya kepedulian terhadap ekspresi menyanyi.)

Tapi sekarang persiapan musik sudah selesai, dan penyanyi pergi ke sutradara di ruang latihan, di mana penyanyi diberi tindakan yang sesuai untuk setiap episode, di mana penyanyi harus berubah menjadi aktor. Di ruang latihan, latihan berlangsung di ruang panggung yang dipagari persis seperti pemandangan masa depan. Kemudian paduan suara bergabung dalam aksinya, latihan naik ke atas panggung, ke piano, tetapi di pemandangan.

Saat ini, orkestra dan konduktor bersiap untuk gladi bersih umum. Setelah serangkaian latihan, ketika kostum dan riasan, dan alat peraga pertunjukan ini secara bertahap dimasukkan, gladi resik dijadwalkan (semuanya seharusnya ada di dalamnya, seperti dalam pertunjukan mendatang) dan pemutaran perdana.

Skema persiapan pertunjukan opera seperti itu diterima secara umum, itu adalah tradisi yang dikembangkan selama beberapa dekade. Namun, pola estetika baru dari pertunjukan opera membutuhkan beberapa perubahan yang signifikan. Mari kita coba melakukan penyesuaian ini.

Jika ada suara-suara di teater yang dapat membawakan musik tertentu, perlu dilihat bagaimana pemilik suara-suara tersebut dalam karakteristik psikofisiknya sesuai dengan karakter yang perannya dipercayakan untuk dilakukan oleh artis tersebut. Penting untuk mengetahui apakah kompromi dimungkinkan di sini dan apa yang akan dibawa oleh kompromi ini ke pertunjukan. Misalnya, mungkin keputusan sutradara untuk drama tersebut akan membenarkan terlalu banyak ketebalan Adipati Mantua di masa depan atau berdamai dengan absen total masa muda aktris yang memerankan Gilda.

Mempelajari bagian-bagian oleh para aktor lebih disukai setelah percakapan dengan sutradara tentang karya tersebut, tugas-tugas pertunjukan di masa depan, fitur-fiturnya, dan konsepnya. Tentunya hal ini hanya dapat dilakukan secara umum, mengingat karya konduktor, seniman, dan aktor itu sendiri akan mempengaruhi implementasi konsep tersebut; dengan memperhatikan tujuan akhir, materi musik harus diajarkan.

Lebih jauh. Dari waktu ke waktu, sutradara disarankan untuk menghadiri pelajaran mempelajari bagian-bagian oleh para aktor untuk membuat penyanyi perlu mencari intonasi yang sesuai - pewarnaan suara di satu tempat atau bagian lain, menceritakan panggung situasi kinerja masa depan. Jadi pembelajaran formal musik dapat dikontraskan dengan karya imajinasi aktor. Penghafalan catatan yang tidak kreatif di masa depan akan sangat sulit diatasi.

Di masa lalu, semua situasi panggung dan warna suara yang ekspresif tampaknya terpaku, melekat pada nada-nada yang dipelajari secara formal, dan jika bisa, membangkitkan jiwa dan makna di dalamnya. Tetapi pelatihan ulang ini tidak selalu memungkinkan untuk semua orang. Lebih baik mempelajari permainan tidak secara mekanis, tetapi secara bermakna, yaitu dengan mempertimbangkan di mana, kapan dan apa yang dilakukan karakter ini, dengan sikap apa, seperti apa karakternya. Di sini, di dalam kelas, lahir apa yang disebut citra musik-vokal, yang kemudian secara alami digabungkan dengan tindakan, perbuatan, dan orang yang hidup.

Latihan mise-en-scene yang disebutkan sebelumnya memperluas fungsinya; ini bukan asimilasi sejumlah posisi dan tindakan karakter dalam pertunjukan - ini adalah pencarian perilaku organik artis dalam peristiwa yang terjadi dalam pertunjukan. Ini adalah interaksi banyak karakter dengan sikap dan penilaian berbeda tentang apa yang terjadi. Ini adalah kinerja kolektif.

Namun, ini tidak berarti bahwa setiap peserta dalam latihan menarik ke arahnya sendiri dan menghancurkan konsep sutradara, tetapi kepentingan bersama dalam mewujudkan tindakan terus menerus dan pelaksanaan setiap detail tidak hanya dengan partisipasi, tetapi di bawah arah sutradara.

Masa sulit - penyatuan semua tim untuk melakukan satu tugas.

Organisasi gedung opera modern yang besar menyediakan, dalam urutan aslinya, pembagian administratif tim besar menjadi bagian-bagian terpisah: solois, paduan suara, orkestra, balet, ansambel mimik. Pembagian administrasi ini mempertajam karakteristik profesional, menegaskan batas-batas teknik kreatif.

Bagian: Teknologi pedagogis umum

Teater Bolshoi, Teater Bolshoi Akademik Negara Rusia, teater Rusia terkemuka, telah memainkan peran luar biasa dalam pembentukan dan pengembangan tradisi seni opera dan balet nasional. Asalnya dikaitkan dengan berkembangnya budaya Rusia di paruh kedua abad ke-18, dengan kemunculan dan perkembangan teater profesional.

Teater ini didirikan pada 1776 oleh dermawan Moskow Pangeran P. V. Urusov dan pengusaha M. Medoks, yang menerima hak istimewa pemerintah untuk pengembangan bisnis teater. Rombongan itu dibentuk atas dasar rombongan teater Moskow N. Titov, seniman teater Universitas Moskow dan aktor budak P. Urusov.

Pada 1780, Medox membangun di Moskow di sudut Petrovka, sebuah bangunan yang kemudian dikenal sebagai Teater Petrovsky. Itu adalah teater profesional permanen pertama.

Teater Petrovsky di Medox berdiri selama 25 tahun - pada 8 Oktober 1805, gedung itu terbakar habis. Gedung baru tersebut dibangun oleh K.I. Rossi di Arbat Square. Namun, karena terbuat dari kayu, ia terbakar pada tahun 1812, selama invasi Napoleon.

Pada tahun 1821, pembangunan teater baru dimulai, proyek tersebut dipimpin oleh arsitek Osip Bove.

Pembangunan Teater Bolshoi adalah salah satunya karya yang signifikan Bove, yang memberinya ketenaran dan kemuliaan.

Bove Osip Ivanovich (1784-1834) - Arsitek Rusia, perwakilan dari gaya Kekaisaran. Lahir dalam keluarga seorang seniman, Italia sejak lahir. Dia adalah seorang seniman halus yang tahu bagaimana menggabungkan kesederhanaan dan kemanfaatan solusi komposisi dengan kecanggihan dan keindahan bentuk dan dekorasi arsitektur. Arsitek memiliki pemahaman yang mendalam tentang arsitektur Rusia, sikap kreatif terhadap tradisi nasional, yang menentukan banyak fitur progresif dari karyanya.

Pembangunan teater selesai pada tahun 1824, pada tanggal 6 Januari 1825 pertunjukan pertama berlangsung di gedung baru.

Teater Bolshoi Petrovsky, yang akhirnya hanya dikenal sebagai Bolshoi, menjadi tuan rumah pemutaran perdana opera Mikhail Glinka A Life for the Tsar dan Ruslan dan Lyudmila, dan balet La Sylphide, Giselle dan Esmeralda dipentaskan segera setelah itu untuk pemutaran perdana Eropa.

Tragedi itu menghentikan pekerjaan Teater Bolshoi untuk sementara waktu: pada tahun 1853, bangunan megah, yang dirancang oleh arsitek Beauvais, terbakar habis. Pemandangan, kostum, instrumen langka, perpustakaan musik hilang.

Gedung baru teater dengan gaya neoklasik ini dibangun oleh arsitek Albert Kavos, pembukaannya dilakukan pada tanggal 20 Agustus 1856 dengan opera V. Bellini "The Puritani".

Kavos membuat perubahan signifikan pada dekorasi fasad utama bangunan, menggantikan tatanan ionik kolom serambi dengan yang komposit. Bagian atas fasad utama juga mengalami perubahan signifikan: pedimen lain muncul di atas serambi utama; di atas pedimen serambi, quadriga pualam Apollo, yang benar-benar hilang dalam api, digantikan oleh patung yang terbuat dari paduan logam yang dilapisi tembaga merah.

Seni koreografi Rusia mewarisi tradisi balet klasik Rusia, yang ciri utamanya adalah orientasi realistis, demokrasi, dan humanisme. Jasa besar dalam pelestarian dan pengembangan tradisi adalah milik koreografer dan seniman Teater Bolshoi.

Pada akhir abad ke-18, balet di Rusia telah mengambil tempatnya dalam seni dan kehidupan masyarakat Rusia, ciri-ciri utamanya ditentukan, menggabungkan ciri-ciri sekolah Barat (Prancis dan Italia) dan plastisitas tari Rusia. Sekolah balet klasik Rusia memulai pembentukannya, yang mencakup tradisi berikut: orientasi realistis, demokrasi dan humanisme, serta ekspresi dan spiritualitas pertunjukan.

Rombongan Teater Bolshoi menempati tempat khusus dalam sejarah balet Rusia. Salah satu dari dua di Teater Kekaisaran, selalu di latar belakang, kehilangan perhatian dan subsidi keuangan, dipuja sebagai "provinsi". Sementara itu, balet Moskow memiliki wajahnya sendiri, yang mulai terbentuk kembali akhir XVII Tradisi abad ke-1. Itu terbentuk di lingkungan budaya ibu kota Rusia kuno, bergantung pada kehidupan kota, di mana akar nasional selalu kuat. Berbeda dengan pejabat negara dan pengadilan Petersburg, di Moskow para bangsawan dan pedagang Rusia kuno mengatur nada, dan pada tahap tertentu pengaruh lingkungan universitas yang terkait erat dengan teater sangat besar.

Kecenderungan khusus untuk tema-tema nasional telah lama dicatat di sini. Selalu, begitu pertunjukan tari pertama muncul di atas panggung, para penari tarian rakyat sukses besar. Penonton tertarik dengan plot melodramatis, dan berakting dalam balet dihargai di atas tarian murni. Komedi sangat populer.

E. Ya Surits menulis bahwa tradisi Balet Bolshoi berkembang selama abad ke-19 di perut teater Moskow, yang memiliki ciri khas tersendiri, termasuk koreografinya. Awal yang dramatis di sini selalu lebih diutamakan daripada liris, aksi eksternal lebih diperhatikan daripada internal. Komedi dengan mudah berubah menjadi lawakan, tragedi menjadi melodrama.

Balet Moskow dicirikan oleh warna-warna cerah, perubahan peristiwa yang dinamis, individualisasi karakter. Tarian selalu diwarnai dengan permainan dramatis. Sehubungan dengan kanon klasik, kebebasan dengan mudah diizinkan: bentuk abstrak yang dipoles dari tarian akademik dipatahkan di sini demi pengungkapan emosi, tarian kehilangan keahliannya, mendapatkan karakter. Moskow selalu lebih demokratis dan terbuka - ini memengaruhi repertoar teater, dan selanjutnya - cara pertunjukannya. Petersburg yang kering, resmi, dan terkendali lebih menyukai balet dengan konten tragis atau mitologis, Moskow yang ceria, berisik, dan emosional lebih menyukai pertunjukan balet melodramatis dan komedi. St.

Perbedaan tuntutan penonton St. Petersburg dan Moskow, serta perbedaan gaya pertunjukan, telah lama dirasakan oleh koreografer yang bekerja di kedua ibu kota tersebut. Kembali pada tahun 1820-an, pertunjukan Sh.L. Didlo, ketika dipindahkan ke Moskow, dikritik karena kealamiannya yang berlebihan dan "penyederhanaan" yang menjadi sasarannya di sini. Dan pada tahun 1869, ketika Marius Petipa menciptakan pertunjukan Don Quixote yang paling menyenangkan, nakal, dan realistis di Teater Bolshoi, dia menganggap perlu, dua tahun kemudian, di St. "Don Quixote" pertama dibangun hampir seluruhnya di atas tarian Spanyol, di edisi kedua, motif demokrasi memudar ke latar belakang: di tengah balet adalah bagian klasik balerina yang spektakuler. Contoh semacam ini ditemukan sepanjang sejarah balet Moskow.

Pembentukan tradisi balet nasional Rusia di atas panggung Teater Bolshoi dikaitkan dengan aktivitas koreografer Adam Pavlovich Glushkovsky, kemudian - balerina Ekaterina Sankovskaya, Nadezhda Bogdanova, Praskovya Lebedeva, pada pergantian abad ke-19-20 - Lyubov Roslavleva, Adelaide Juri, Ekaterina Geltser, Vasily Tikhomirov, koreografer Alexander Gorsky.

V. M. Pasyutinskaya percaya bahwa A. P. Glushkovsky adalah seorang penari, koreografer, dan guru yang berbakat. Dia melakukan banyak hal untuk pengembangan tradisi romantis dan realistis di teater balet Rusia, mementaskan beberapa pertunjukan bertema sastra Rusia, secara luas mulai memperkenalkan elemen-elemen ke dalam komposisi tari balet. tarian rakyat. Dia mengabdikan seluruh hidupnya untuk seni balet, meninggalkan kenangan paling berharga tentang hari-hari "masa muda" balet Moskow.

Bibliografi

Bakhrushin, Yu.A. Sejarah balet Rusia. - M.: Pencerahan, 1977. - 287p.
Bogdanov-Berezovsky, V.M. G.S. Ulanova. - M.: Art, 1961. - 179s
Vanslov, V.V. Artikel tentang balet. - L .: Musik, 1980. - 191-an.
Krasovskaya, V.M. Sejarah balet Rusia. - Doe: 2008. - 312s.
Levinson, A. Ahli balet. Esai tentang sejarah dan teori tari. - St. Petersburg, 2001. - 190-an.
Pasyutinskaya, V.M. dunia sihir menari. - M.: Pencerahan, 1985. - 223p.
Roslavtseva, N.P. Maya Plisetskaya. - M.: Seni, 1968 - 183p.
Surits, E.Ya.Penari balet Mikhail Mikhailovich Mordkin. - M.: Vlados, - 2006. 256 hal.
Khudekov, S. N. Sejarah umum tari. - Eksmo, 2009. - 608s.

Kuliah

genre opera.

Apa arti kata " opera"? Diterjemahkan dari bahasa Italia - "pekerjaan", "komposisi".

Dalam percobaan paling awal dari komposer Italia, pertunjukan musik disebut "kisah dalam musik" atau "cerita musik", dan untuk ini ditambahkan dengan sederhana - opera, yaitu karya komposer ini dan itu.

Opera - jenis karya drama musikal.

Opera didasarkan pada sintesis kata-kata, sandiwara aksi dan musik. Tidak seperti jenis lainnya teater drama di mana musik melakukan fungsi tambahan dan terapan, dalam musik opera menjadi pembawa utama dan penggerak tindakan. Sebuah opera membutuhkan konsep musik dan drama yang holistik dan berkembang secara konsisten.

Elemen yang paling penting dan sangat diperlukan opera - nyanyian, menyampaikan beragam pengalaman manusia dalam nuansa terbaik. Melalui sistem intonasi vokal yang berbeda dalam opera, gudang mental individu dari setiap karakter terungkap, ciri-ciri karakter dan temperamennya ditransmisikan,

Opera menggunakan berbagai genre musik rumah tangga - lagu, tarian, pawai.

Diketahui:

Opera dibangun di atas pergantian bentuk vokal yang lengkap atau relatif lengkap (aria, arioso, cavatina, berbagai jenis ansambel, paduan suara),

Opera dari gudang resitatif yang dapat diterima, di mana aksi berkembang terus menerus, tanpa terbagi menjadi episode terpisah,

Opera dengan dominasi awal solo

Opera dengan ansambel atau paduan suara yang dikembangkan.

pena" tetap ada di teater sebagai nama genre baru - drama musikal.

Asal dan perkembangan opera

Jadi opera lahir di Italia. Pertunjukan publik pertama diberikan di Firenze pada Oktober 1600 pada perayaan pernikahan di Istana Medici. Sekelompok pecinta musik terpelajar menilai tamu-tamu terhormat buah dari pencarian lama dan gigih mereka - "The Legend in Music" tentang Orpheus dan Eurydice.

Teks pertunjukan itu milik penyair Ottavio Rinuccini, musiknya milik Jacopo Peri, seorang organis dan penyanyi hebat yang memainkan peran utama dalam drama itu. Keduanya tergabung dalam lingkaran pecinta seni yang berkumpul di rumah Count Giovanni Bardi, "penyelenggara hiburan" di istana Duke of Medici. Orang yang energik dan berbakat, Bardi berhasil mengelompokkan banyak perwakilan di sekitarnya. dunia seni Florence. "Camerata" -nya menyatukan tidak hanya musisi, tetapi juga penulis dan ilmuwan yang tertarik pada teori seni dan berusaha mempromosikan perkembangannya.

Dalam estetika mereka, mereka dipandu oleh cita-cita humanistik yang tinggi dari Renaisans, dan merupakan karakteristik bahwa bahkan pada ambang abad ke-17, pencipta opera menghadapi masalah mewujudkan dunia spiritual manusia sebagai yang utama. tugas. Dialah yang mengarahkan pencarian mereka di sepanjang jalur konvergensi seni musik dan pertunjukan.

Di Italia, seperti di tempat lain di Eropa, musik mengiringi tontonan teater: nyanyian, tarian, dan memainkan alat musik banyak digunakan dalam pertunjukan massa, alun-alun, dan istana yang indah. Musik dilakukan secara improvisasi untuk meningkatkan efek emosional, mengubah kesan, menghibur penonton, dan mempersepsikan peristiwa panggung dengan lebih jelas. Dia tidak membawa beban yang dramatis.

Musiknya diciptakan oleh komposer profesional dan dibawakan oleh pemain-musisi istana. Mereka menulis dengan bebas, tanpa menghindari kesulitan teknis dan berusaha untuk memberikan ekspresi teatrikal pada musik. Dalam beberapa momen mereka berhasil, tetapi hubungan dramatis yang asli antara musik dan panggung masih belum muncul.

Dalam banyak hal, itu membatasi komposer pada manifestasi minat secara umum ke polifoni - surat polifonik, mendominasi seni profesional selama beberapa abad. Dan sekarang, di abad ke-16, kekayaan corak, kepenuhan dan dinamika suara, karena jalinan banyak nyanyian dan suara instrumental, merupakan penaklukan artistik yang tak terbantahkan pada zaman itu. Namun, dalam kondisi opera, antusiasme polifoni yang berlebihan seringkali ternyata menjadi sisi lain: makna teks, yang diulang berkali-kali dalam paduan suara dengan suara yang berbeda dan pada waktu yang berbeda, paling sering luput dari perhatian pendengar; dalam monolog atau dialog yang mengungkap hubungan pribadi para karakter, penampilan paduan suara dengan ucapan mereka menjadi kontradiksi yang mencolok, dan bahkan pantomim yang paling ekspresif pun tidak disimpan di sini.

Keinginan untuk mengatasi kontradiksi ini membawa anggota lingkaran Bardi pada penemuan yang menjadi dasar seni opera - penciptaan lagu penguburan- disebut di Yunani kuno melodi ekspresif yang dibawakan oleh seorang solois, diiringi oleh sebuah instrumen.

Impian umum para anggota lingkaran adalah menghidupkan kembali tragedi Yunani, yaitu menciptakan pertunjukan yang, seperti pertunjukan kuno, menggabungkan drama, musik, dan tarian secara organik. Pada saat itu, kaum intelektual progresif Italia terpesona oleh seni Hellas: semua orang mengagumi demokrasi dan kemanusiaan gambar kuno... Meniru model Yunani, humanis Renaisans berusaha untuk mengatasi tradisi pertapa yang sudah ketinggalan zaman dan memberikan seni refleksi realitas yang utuh.

Musisi menemukan diri mereka dalam posisi yang lebih sulit daripada pelukis, pematung, atau penyair. Mereka yang memiliki kesempatan untuk mempelajari karya-karya orang dahulu, para komposer hanya berspekulasi tentang musik Hellas, berdasarkan pernyataan para filsuf dan penyair kuno. Mereka tidak memiliki materi dokumenter: beberapa rekaman musik Yunani yang masih ada sangat terpisah-pisah dan tidak sempurna, tidak ada yang tahu bagaimana menguraikannya.

Mempelajari teknik syair kuno, para musisi mencoba membayangkan bagaimana ucapan seperti itu seharusnya terdengar dalam nyanyian. Mereka tahu itu di Tragedi Yunani ritme melodi bergantung pada ritme syair, dan intonasinya mencerminkan perasaan yang disampaikan dalam teks bahwa cara penampilan vokal di antara orang dahulu adalah sesuatu antara nyanyian dan ucapan biasa. Hubungan antara melodi vokal dan ucapan manusia ini tampak sangat menggoda bagi anggota lingkaran Bardi yang cenderung semakin progresif, dan mereka dengan bersemangat mencoba menghidupkan kembali prinsip penulis drama kuno dalam karya mereka.

Setelah pencarian dan eksperimen yang lama pada "suara" pidato Italia, anggota lingkaran belajar tidak hanya untuk menyampaikan berbagai intonasinya dalam melodi - marah, interogatif, penuh kasih sayang, memohon, memohon, tetapi juga dengan bebas menghubungkan mereka satu sama lain.

Maka lahirlah jenis melodi vokal baru - semi-nyanyian, semi-deklamasi karakter yang ditujukan untuk solo pertunjukan yang diiringi oleh instrumen. Anggota lingkaran memberinya nama "recitatif" yang dalam terjemahannya berarti "melodi ucapan". Sekarang mereka memiliki kesempatan, seperti orang Yunani, untuk secara fleksibel mengikuti teks, menyampaikan berbagai coraknya, dan dapat memenuhi impian mereka - untuk mengatur musik monolog dramatis yang menarik mereka dalam teks kuno. Keberhasilan dramatisasi semacam ini mengilhami anggota lingkaran Bardi dengan gagasan berkreasi pertunjukan musik dengan solois dan paduan suara. Beginilah penampilan opera pertama "Eurydice" (komposer J. Peri), yang dipentaskan pada tahun 1600 pada perayaan pernikahan Adipati Medici.

Pada perayaan di Medici hadir Claudio Monteverdi- seorang komposer Italia yang luar biasa saat itu, penulis komposisi instrumental dan vokal yang luar biasa. Ia sendiri, seperti anggota lingkaran Bardi, sudah lama mencari sarana ekspresi baru yang mampu mewujudkan perasaan manusia yang kuat dalam musik. Oleh karena itu, pencapaian Florentines sangat menarik minatnya: dia memahami prospek jenis musik panggung baru ini bagi komposer. Sekembalinya ke Mantua (Monteverdi ada di sana sebagai komposer istana Duke of Gonzago), dia memutuskan untuk melanjutkan eksperimen yang dimulai oleh para amatir. Dua operanya, satu tahun 1607, yang lain tahun 1608, juga menjadi andalan mitologi Yunani. Yang pertama, "Orpheus", bahkan ditulis di plot yang sudah digunakan oleh Peri.

Tetapi Monteverdi tidak berhenti pada tiruan sederhana dari orang Yunani. Menolak ucapan terukur, ia menciptakan resitatif yang benar-benar dramatis dengan perubahan tempo dan ritme yang tiba-tiba, dengan jeda ekspresif, dengan intonasi yang sangat menyedihkan yang menyertai keadaan pikiran yang bersemangat. Tidak hanya itu: di klimaks pertunjukan, Monteverdi diperkenalkan arias, itu adalah monolog musik di mana melodi, setelah hilang karakter ucapan, menjadi merdu dan bulat, seperti dalam sebuah lagu. Pada saat yang sama, drama situasi memberinya keluasan dan emosi yang murni teatrikal. Monolog semacam itu harus dibawakan oleh penyanyi terampil yang menguasai suara dan napas dengan sangat baik. Karenanya nama "aria", yang secara harfiah berarti napas, udara.

Adegan massa juga memperoleh cakupan yang berbeda, Monteverdi dengan berani menggunakan teknik virtuoso gereja di sini musik paduan suara dan musik dari ansambel vokal istana yang indah, memberi paduan suara opera dinamisme yang diperlukan untuk panggung.

Orkestra memperoleh ekspresi yang lebih besar darinya. Pertunjukan Florentine diiringi oleh ansambel luten yang dimainkan di belakang layar. Monteverdi juga terlibat dalam pertunjukan semua instrumen yang ada pada masanya - string, woodwinds, brass, hingga trombon (yang sebelumnya digunakan di gereja), beberapa jenis organ, harpsichord. Warna-warna baru dan sentuhan dramatis baru ini memungkinkan penulis untuk mendeskripsikan karakter dan lingkungannya dengan lebih jelas. Untuk pertama kalinya, sesuatu seperti pembukaan muncul di sini: Monteverdi mengawali "Orpheus" -nya dengan "simfoni" orkestra - begitulah cara dia menyebut pengantar instrumental kecil, di mana dia membandingkan dua tema, seolah mengantisipasi situasi kontras dari drama. Salah satunya - karakter yang cerah dan idilis - mengantisipasi gambaran ceria tentang pernikahan Orpheus dengan Eurydice di lingkaran bidadari, gembala, dan gembala; yang lain - gudang paduan suara yang suram - mewujudkan jalan Orpheus di dunia misterius neraka
(kata "simfoni" pada waktu itu berarti bunyi konsonan dari banyak instrumen. Baru kemudian, pada abad ke-18, kata itu mulai menunjukkan karya konser untuk orkestra, dan kata Prancis "overture" digunakan untuk pengenalan opera , yang berarti "musik yang membuka aksi") .

Jadi, "Orpheus" adalah bukan lagi prototipe opera, tapi ahli karya genre baru. Namun, dari segi panggung masih terbelenggu: cerita acara masih mendominasi rencana Monteverdi atas transmisi langsung aksinya.

Meningkatnya minat para komposer dalam aksi muncul ketika genre opera mulai mendemokratisasi, yaitu melayani kalangan pendengar yang luas dan beragam. Opera membutuhkan plot yang lebih menarik dan mudah diakses, lebih banyak aksi visual dan teknik panggung yang mengesankan.

Kekuatan pengaruh genre baru pada massa mampu mengapresiasi banyak tokoh berpandangan jauh ke depan, dan selama abad ke-17 opera berada di tangan yang berbeda - pertama dengan para ulama Romawi, yang menjadikannya alat agitasi agama, kemudian dengan pedagang Venesia yang giat, dan akhirnya, dengan bangsawan Neapolitan yang manja, mengejar tujuan hiburan. . Tapi tidak peduli seberapa berbeda selera dan tugasnya sutradara teater, proses demokratisasi opera berkembang dengan mantap.

Itu dimulai pada tahun 20-an di Roma, di mana Kardinal Barberini, senang dengan tontonan baru, membangun yang pertama secara khusus Teater Opera. Sesuai dengan tradisi saleh Roma, cerita pagan kuno digantikan oleh cerita Kristen: kehidupan orang suci dan cerita moral tentang orang berdosa yang bertobat. Tetapi agar pertunjukan seperti itu berhasil dengan massa, pemilik teater harus melakukan sejumlah inovasi. Mencapai tontonan yang mengesankan, mereka tidak mengeluarkan biaya: musisi, penyanyi, paduan suara, dan orkestra yang tampil memukau penonton dengan keahlian mereka, dan pemandangan dengan warna-warni mereka; semua jenis keajaiban teatrikal, pelarian malaikat dan setan, dilakukan dengan ketelitian teknis sedemikian rupa sehingga ada perasaan ilusi magis. Tetapi yang lebih penting adalah kenyataan bahwa, memenuhi selera pendengar biasa, komposer Romawi mulai memperkenalkan adegan komik sehari-hari ke dalam subjek yang saleh; terkadang mereka membuat pertunjukan kecil-kecilan dalam rencana ini. Beginilah cara para pahlawan biasa dan situasi sehari-hari merasuk ke dalam opera - inti kehidupan dari teater realistik masa depan.

Di Venesia- ibu kota republik komersial yang hidup, opera di tahun 40-an jatuh ke dalam kondisi yang sangat berbeda. Peran utama dalam perkembangannya bukan milik dermawan tingkat tinggi, tetapi pengusaha energik yang, pertama-tama, harus mempertimbangkan selera khalayak ramai. Benar, gedung teater (dan waktu singkat beberapa dibangun di sini) menjadi jauh lebih sederhana. Bagian dalamnya penuh sesak dan penerangannya sangat buruk sehingga pengunjung harus membawa lilin sendiri. Namun para pengusaha berusaha membuat tontonan itu sejelas mungkin. Di Venesialah mereka pertama kali mulai memproduksi teks cetak yang meringkas isi opera. Mereka diterbitkan dalam bentuk buku-buku kecil yang dengan mudah masuk ke dalam saku dan memungkinkan pemirsa untuk mengikuti tindakan mereka. Karenanya nama teks opera - "libretto" (dalam terjemahan - "buku kecil"), selamanya diperkuat di belakangnya.

Sastra kuno sedikit diketahui oleh orang Venesia biasa, sehingga tokoh sejarah mulai muncul dalam opera bersama dengan para pahlawan Yunani Kuno; hal utama adalah perkembangan dramatis dari plot - mereka sekarang penuh dengan petualangan badai dan intrik yang terjalin dengan cerdik. Tidak lain adalah Monteverdi, yang pindah ke Venesia pada tahun 1640, ternyata adalah pencipta opera pertama dari jenisnya - The Coronation of Pompeii.

Struktur pertunjukan opera berubah secara signifikan di Venesia: lebih menguntungkan bagi pengusaha untuk mengundang beberapa penyanyi yang luar biasa daripada mempertahankan harga yang mahal. paduan suara, sehingga adegan keramaian secara bertahap kehilangan maknanya. Ukuran orkestra telah dikurangi. Tetapi bagian solo menjadi lebih ekspresif, dan minat komposer pada aria, bentuk seni vokal yang paling emosional, meningkat secara nyata. Semakin jauh, semakin sederhana dan mudah diakses garis besarnya, semakin sering intonasi lagu-lagu rakyat Venesia menembus ke dalamnya. Para pengikut dan murid Monteverdi - Cavalli dan Honor muda Venesia - karena hubungan yang berkembang dengan bahasa daerah berhasil memberikan mereka gambar panggung drama yang menawan dan membuat kesedihan mereka dapat dimengerti oleh pendengar rata-rata. Namun, kecintaan terbesar publik masih dinikmati oleh episode-episode komedi yang kaya akan aksi. Para komposer menggambar materi panggung untuk mereka langsung dari kehidupan lokal; para aktor di sini adalah pelayan, pelayan, tukang cukur, pengrajin, pedagang, yang setiap hari memenuhi pasar dan alun-alun Venesia dengan suara dan nyanyian mereka yang meriah. Dengan demikian, Venesia mengambil langkah tegas menuju demokratisasi tidak hanya plot dan gambar, tetapi juga bahasa dan bentuk opera.

Peran terakhir dalam pengembangan bentuk-bentuk ini milik Napoli. Teater di sini dibangun lama kemudian, hanya di tahun 60-an. Itu adalah bangunan mewah, di mana tempat terbaik diberikan kepada bangsawan (mezanin dan kotak), dan kios-kios itu ditujukan untuk masyarakat perkotaan. Awalnya, opera Florentine, Romawi, Venesia dipentaskan di sini. Namun, sekolah kreatifnya sendiri segera dibentuk di Naples.

Personil komposer dan pemain lokal disediakan "konservatorium"- disebut saat itu panti asuhan di gereja-gereja besar. Sebelumnya, anak-anak diajari kerajinan tangan di sini, tetapi seiring berjalannya waktu, gereja memperhitungkan bahwa lebih menguntungkan baginya untuk menggunakan muridnya sebagai penyanyi dan musisi. Oleh karena itu, pengajaran musik telah menempati posisi terdepan dalam praktik konservatori. Terlepas dari kondisi kehidupan yang buruk di mana para murid diasuh, persyaratan bagi mereka sangat tinggi: mereka diajari menyanyi, teori musik, memainkan berbagai alat musik, dan yang paling berbakat - komposisi. Siswa terbaik yang menyelesaikan kursus menjadi guru dari rekan-rekan mereka yang lebih muda.

Murid konservatori, pada umumnya, memiliki teknik menulis gratis; mereka sangat mengetahui rahasia seni vokal, sejak kecil mereka bernyanyi di paduan suara dan solo. Tidaklah mengherankan jika orang-orang Neapolitan-lah yang menyetujui jenis nyanyian opera yang tercatat dalam sejarah dengan nama tersebut. "belcanto" itu adalah nyanyian indah. Ini berarti kemampuan untuk memainkan melodi merdu yang lebar dengan lancar, dirancang untuk berbagai macam suara dan penguasaan register dan pernapasan. Melodi biasanya penuh dengan hiasan virtuoso, di mana, dengan kefasihan, kelancaran eksekusi yang sama harus dipertahankan.

Gaya bel canto selanjutnya berkontribusi pada pengembangan aria, yang pada saat itu telah menerima keunggulan yang jelas atas resitatif. Orang Neapolitan menggunakan pengalaman itu
pendahulu, tetapi memberikan bentuk monolog vokal favorit ini kebebasan penuh dan kelengkapan melodi. Mereka mengembangkan dan mempraktikkan beberapa jenis arias yang kontras. Jadi ada menyedihkan yang mewujudkan kemarahan, kecemburuan, keputusasaan, nafsu; bravura arias- gembira, militan, memohon, heroik; arias sedih- sekarat, sedih, memohon; arias idilis- asmara, ramah, melamun, pastoral; Akhirnya, arias rumah tangga- minum, berbaris, menari, komik. Setiap jenis memiliki teknik ekspresifnya sendiri.

Jadi, arias yang menyedihkan, berbeda dengan cepat, sapuan suara lebar, badai, gulungan panjang; untuk semua perbedaan corak, melodi mereka dicirikan oleh intonasi menyedihkan yang berlebihan.

Sorrowful arias - dibedakan dengan pengekangan yang mulia dan kesederhanaan intonasi lagu; mereka dicirikan oleh gerakan melodi khusus yang meniru "isak tangis".

Arias cinta dan persahabatan paling sering memiliki karakter yang lembut, tulus, warna suara yang lebih cerah, dihiasi dengan keanggunan yang kecil dan transparan.

House arias sangat erat kaitannya dengan lagu rakyat dan musik dansa dan karena itu mereka menonjol dengan struktur ritmis yang jelas dan elastis.

Dalam adegan massal, terutama dalam pertunjukan opera yang meriah dan khusyuk, orang-orang Neapolitan rela menggunakannya paduan suara. Tetapi perannya lebih dekoratif daripada dramatis: partisipasi massa dalam perkembangan aksi tidak signifikan; Selain itu, penyajian bagian paduan suara seringkali sangat sederhana sehingga beberapa penyanyi solo dapat menggantikan grup paduan suara dengan baik.

Di sisi lain, orkestra dibedakan oleh interpretasi bagian-bagian yang sangat halus dan bergerak. Bukan tanpa alasan, di Naples, bentuk overture opera Italia akhirnya terbentuk. Semakin jauh ruang lingkup opera diperluas, semakin dibutuhkan pengenalan pendahuluan, yang mempersiapkan pendengar untuk persepsi pertunjukan tersebut.

Jadi , bagaimana struktur opera Italia setelah abad pertama?

Intinya, begitu rantai aria, dengan jelas dan sepenuhnya mewujudkan perasaan manusia yang kuat, tetapi sama sekali tidak menyampaikan proses perkembangan peristiwa. Konsep aksi panggung pada waktu itu berbeda dengan sekarang: dulu ada opera suksesi lukisan beraneka ragam dan fenomena yang tidak memiliki hubungan logis yang ketat. Keragaman inilah, perubahan pemandangan yang cepat, waktu, dan tontonan yang mempesona yang memengaruhi penonton. Dalam musik opera, komposer juga tidak mengusahakan koherensi keseluruhan, puas dengan fakta bahwa mereka menciptakan serangkaian episode musik yang lengkap dan kontras dalam konten. Ini juga menjelaskan fakta bahwa resitatif, yang merupakan andalan dramaturgi di antara Florentines, mulai kehilangan signifikansinya di Napoli. Di awal abad ke-18, menonjol penyanyi opera mereka bahkan tidak menganggap perlu untuk melakukan resitatif "secco": mereka mempercayakannya pada figuran, sementara mereka sendiri berjalan di sekitar panggung saat itu, menanggapi sapaan antusias dari para penggemar.

Dengan demikian, kediktatoran penyanyi secara bertahap memantapkan dirinya untuk menghormati, memiliki hak untuk menuntut perubahan apa pun dari komposer dan sisipan apa pun sesuka hati. Bukan untuk pujian para penyanyi, mereka sering menyalahgunakan hak ini:

beberapa bersikeras bahwa opera, dan yang mereka nyanyikan, harus menyertakan adegan di penjara bawah tanah, di mana seseorang dapat menampilkan aria yang menyedihkan, berlutut dan merentangkan tangan yang terbelenggu ke langit;

yang lain lebih suka melakukan monolog keluar dengan menunggang kuda;

yang lain lagi menuntut agar getar dan bagian dimasukkan ke dalam aria mana pun, yang sangat mereka kuasai.

Komposer harus memenuhi semua persyaratan tersebut. Selain itu, penyanyi, yang pada saat itu, pada umumnya, memiliki latar belakang teoretis yang kuat, mulai mengubah bagian terakhir aria secara sewenang-wenang (yang disebut reprise) dan melengkapinya dengan coloratura, terkadang begitu banyak sehingga sulit untuk mengenali melodi komposer.

Jadi, keterampilan tertinggi menyanyikan "belcanto"- karya para komposer itu sendiri, akhirnya berbalik melawan mereka; sintesis drama dan musik, yang dicita-citakan oleh para pendiri genre, Florentines, tidak pernah tercapai.

Pertunjukan opera di awal abad ke-18 lebih mirip "konser dalam kostum" daripada tontonan dramatis yang koheren.

Meski demikian, meski dalam bentuk yang tidak sempurna ini, perpaduan beberapa jenis seni memiliki pengaruh yang begitu besar bagi penontonnya. dampak emosional bahwa opera menerima kepentingan yang lebih besar di antara semua jenis seni drama lainnya. Sepanjang abad ke-17 dan ke-18, dia adalah ratu panggung teater yang diakui, tidak hanya di Italia, tetapi juga di negara-negara Eropa lainnya. Faktanya adalah bahwa opera Italia segera menyebarkan pengaruhnya jauh melampaui batas tanah airnya.

Sudah di tahun 40-an abad ke-17 (1647), rombongan Opera Romawi melakukan tur di Paris. Apakah itu benar , di Perancis- negara dengan nasional yang kuat - tradisi artistik Tidak mudah baginya untuk menang. Orang Prancis sudah memiliki teater dramatis yang mapan, di mana tragedi Corneille dan Racine mendominasi, dan teater komedi Molière yang megah; Mulai dari abad ke-16, balet dipentaskan di istana, dan antusiasme terhadapnya di kalangan bangsawan begitu besar sehingga raja sendiri rela tampil dalam produksi balet. Berbeda dengan opera Italia, tontonan Prancis dibedakan oleh urutan yang ketat dalam pengembangan plot, dan cara serta perilaku para aktor tunduk pada upacara pengadilan yang paling ketat. Tidaklah mengherankan bahwa pertunjukan Italia tampak kacau bagi orang Paris, dan resitatif opera tidak mengesankan - orang Prancis terbiasa dengan yang lebih menarik

dan gaya akting yang sangat menyedihkan dari para aktor dramatisnya. Singkatnya, teater Italia gagal di sini; tetapi genre baru tetap menarik perhatian orang Paris, dan segera setelah kepergian artis asing, muncul upaya untuk membuat opera mereka sendiri. Eksperimen pertama sudah berhasil; Ketika Lully, seorang komposer istana yang luar biasa yang menikmati kepercayaan mutlak dari raja, mengambil tindakan sendiri, sebuah gedung opera nasional muncul di Prancis dalam beberapa tahun.

Dalam Tragedi Liris oleh Lully (begitu dia menyebut opera-operanya), estetika Prancis pada waktu itu menemukan perwujudan yang luar biasa: harmoni dan logika pengembangan plot dan musik dipadukan di sini dengan kemewahan produksi yang benar-benar royal. Paduan suara dan balet hampir menjadi pilar utama pertunjukan. Orkestra menjadi terkenal di seluruh Eropa karena ekspresif dan disiplin penampilannya. Penyanyi-solois bahkan unggul aktor terkenal adegan dramatis, yang menjadi model bagi mereka (Lully sendiri mengambil pelajaran pengajian dari aktris Terbaik waktu itu Chanmele. dan, membuat resitatif dan arias, pertama-tama melafalkannya, lalu mencari ekspresi yang sesuai dalam musik).

Semua ini memberikan ciri-ciri opera Prancis yang dalam banyak hal berbeda dari opera Italia, terlepas dari tema dan plot umum (heroik berdasarkan mitologi kuno dan epik kesatria). Dengan demikian, budaya tinggi dari kata panggung, ciri khas drama Prancis, tercermin di sini dalam peran dominan resitatif opera, agak kaku, terkadang bahkan tidak perlu diberkahi dengan ekspresi teatrikal yang hidup. Aria, yang memainkan peran dominan dalam opera Italia, menempati posisi yang lebih sederhana, berfungsi sebagai kesimpulan singkat dari monolog resitatif.

Virtuoso coloratura dan hasrat orang Italia untuk suara tinggi Castrati juga ternyata asing dengan persyaratan artistik orang Prancis. Lully menulis hanya untuk suara pria alami, dan di bagian wanita dia tidak menggunakan suara yang sangat tinggi. Dia mencapai efek suara yang serupa dalam opera dengan bantuan instrumen orkestra, warna nada yang dia gunakan lebih luas dan lebih cerdik daripada orang Italia. Dalam bernyanyi, dia sangat menghargai kebermaknaannya yang dramatis.

Momen komedi "rendah" - karakter, situasi, tayangan slide yang begitu populer di Italia - tidak diizinkan di dunia yang tertata ketat ini. Sisi hiburan dari tontonan itu adalah banyaknya tarian. Mereka diperkenalkan ke dalam tindakan apa pun, dengan alasan apa pun, gembira atau sedih, khusyuk atau murni liris (misalnya, dalam adegan cinta), tanpa melanggar struktur pertunjukan yang luhur, tetapi memperkenalkan keragaman dan cahaya ke dalamnya. Peran aktif koreografi dalam dramaturgi opera Prancis ini segera memunculkan jenis pertunjukan musik khusus: balet opera, di mana panggung vokal dan seni tari berinteraksi secara setara.

Dengan demikian, pertunjukan Italia, yang tidak mendapat tanggapan simpatik di Paris, berperan sebagai pendorong di sini, merangsang pertumbuhan budaya opera nasional.

Situasinya berbeda di negara lain:

Austria, misalnya, dia berkenalan dengan karya komposer Italia hampir bersamaan dengan Prancis (awal 40-an). Arsitek, komposer, penyanyi Italia diundang ke Wina, dan segera gedung opera pengadilan dengan rombongan megah dan pemandangan berperabotan mewah muncul di wilayah istana kekaisaran. Produksi ini sering melibatkan bangsawan Wina, dan bahkan anggota keluarga kekaisaran. Kadang-kadang pertunjukan seremonial dibawa ke alun-alun sehingga penduduk kota juga dapat bergabung dengan seni indah yang baru.

Belakangan (pada akhir abad ke-17) rombongan Neapolitan juga didirikan dengan kokoh Inggris, Jerman, Spanyol- dimanapun kehidupan pengadilan memberi mereka kesempatan untuk merebut pijakan baru. Dengan demikian, menempati posisi dominan di pengadilan Eropa, opera Italia memainkan peran ganda: tidak diragukan lagi menghambat perkembangan budaya nasional asli, kadang-kadang bahkan menekan kecambahnya untuk waktu yang lama; pada saat yang sama, membangkitkan minat pada genre baru dan keterampilan para pemainnya, dia di mana-mana berkontribusi pada pengembangan selera musik dan kecintaan pada gedung opera.

Di negara besar seperti Austria, interaksi budaya Italia dan domestik pada awalnya mengarah pada pemulihan hubungan dan saling memperkaya tradisi teater. Di hadapan bangsawan Austria, komposer Italia yang bekerja di Wina menemukan penonton yang reseptif dan berpendidikan musik yang dengan mudah mengasimilasi inovasi asing, tetapi pada saat yang sama mempertahankan otoritasnya sendiri dan cara asli kehidupan artistik negara itu. Bahkan pada saat hasrat terbesar untuk opera Italia, Wina, dengan prioritas yang sama, memperlakukan polifoni paduan suara dari master Austria. Dia lebih suka tarian nasional daripada jenis seni koreografi lainnya dan, bersama dengan balet berkuda masyarakat kelas atas - keindahan dan kebanggaan istana kekaisaran - dia, seperti dulu, tidak peduli dengan pertunjukan publik rakyat, terutama lelucon. dengan kejenakaan mereka yang ceria, nakal, dan trik badut.

Untuk menguasai audiens seperti itu, orisinalitas seleranya perlu diperhitungkan, dan komposer Italia menunjukkan fleksibilitas yang cukup dalam hal ini. Mengandalkan orang Wina, mereka dengan rela memperdalam perkembangan polifonik dari adegan paduan suara dan episode instrumental utama dalam opera (memberikan lebih banyak perhatian kepada mereka daripada di tanah air mereka); musik balet, biasanya, dipercayakan kepada rekan mereka di Wina - pakar tarian rakyat setempat; dalam selingan komedi, mereka secara luas menggunakan pengalaman teater rakyat Austria, meminjam gerakan dan teknik plot yang jenaka darinya. Membangun, dengan demikian, kontak dengan berbagai bidang seni nasional, mereka memberikan opera Italia, atau lebih tepatnya "Italia", dengan pengakuan yang paling lingkaran luas populasi ibu kota. Bagi Austria, inisiatif semacam itu memiliki konsekuensi lain yang lebih signifikan: keterlibatan pasukan lokal dalam aktivitas ibu kota panggung opera, merupakan prasyarat untuk pertumbuhan personel opera nasional lebih lanjut yang mandiri.

Sejak awal tahun 60-an, opera Italia memulai prosesi kemenangannya melintasi tanah Jerman. Panggung ini ditandai dengan dibukanya beberapa gedung opera - di Dresden (1660), Hamburg (1671), Leipzig (1685), Braunschweig (1690) dan perjuangan komposer Jerman yang sulit dan tidak setara dengan persaingan asing.

Teater Dresden menjadi benteng permanennya, tempat Pemilih Saxony mengundang rombongan Italia yang luar biasa. Kesuksesan cemerlang dari pertunjukan Dresden memudahkan orang Italia untuk mengakses pengadilan Jerman lainnya juga. Namun, tekanan mereka dilawan oleh energi pendukung budaya nasional, di antaranya adalah pejabat tinggi dan orang terpelajar, serta musisi profesional tingkat lanjut. Tetapi kemalangan umum para patriot adalah kurangnya personel opera di negara itu: Jerman terkenal dengan budaya paduan suara dan instrumentalisnya yang hebat, tetapi tidak memiliki penyanyi solo dengan pelatihan opera khusus dan kemampuan untuk tetap di atas panggung, jadi itu adalah bukan tugas yang mudah, terkadang tidak terpecahkan, untuk mengumpulkan rombongan yang lengkap. Duke of Brunswick harus "meminjam" penyanyi di Weissenfels untuk mementaskan pertunjukan, dan bahkan menarik siswa amatir dari Graz.

Hanya teater Hamburg, yang dibiayai oleh para pedagang Hanseatic yang kaya, berada dalam posisi yang lebih baik: Ada beraneka ragam dan persiapan yang buruk, namun demikian rombongan tetap, dan ini memungkinkan untuk membangun kehidupan teater yang teratur di kota. Tak heran, Hamburg menjadi pusat atraksi banyak musisi Jerman.

Jadi, kita melihat bahwa pada awal perkembangannya, opera di setiap negara mencoba menemukan caranya sendiri dan mengekspresikan selera dan kecenderungan artistik orang ini atau itu.

Opera adalah salah satu genre musik dan teater yang paling penting. Dia adalah campuran musik, vokal, lukisan dan akting, dan sangat dihormati oleh para penggemarnya. seni klasik. Tak heran jika dalam pelajaran musik anak pertama kali diberi laporan tentang topik ini.

Berhubungan dengan

Di mana itu dimulai

Itu dimulai dengan pembukaan. Ini adalah pengantar yang dimainkan oleh orkestra simfoni. Dirancang untuk mengatur mood dan suasana permainan.

Apa yang terjadi

Pembukaan diikuti oleh bagian utama pertunjukan. Ini adalah aksi megah, dibagi menjadi babak - bagian pertunjukan yang diselesaikan, di antaranya terdapat jeda. Jeda bisa panjang, agar penonton dan peserta produksi bisa istirahat, atau pendek, saat tirai diturunkan, sekedar untuk mengganti pemandangan.

Tubuh utama, kekuatan pendorong dari keseluruhannya adalah solo arias. Mereka dilakukan oleh aktor - karakter cerita. Arias mengungkapkan plot, karakter, dan perasaan para karakter. Kadang-kadang resitatif disisipkan di antara arias - ucapan berirama merdu - atau ucapan sehari-hari biasa.

Bagian sastra didasarkan pada libretto. Ini semacam naskah ringkasan bekerja . Dalam kasus yang jarang terjadi, puisi ditulis oleh penggubahnya sendiri. seperti, misalnya, Wagner. Tetapi paling sering kata-kata untuk opera ditulis oleh pustakawan.

Di mana itu berakhir

Bagian akhir dari pertunjukan opera adalah epilog. Bagian ini melakukan fungsi yang sama dengan epilog sastra. Ini bisa menjadi cerita tentang nasib masa depan pahlawan, atau meringkas dan mendefinisikan moralitas.

Sejarah Opera

Wikipedia memiliki banyak informasi tentang subjek ini, tetapi artikel ini memberikan sejarah singkat tentang genre musik yang disebutkan.

Tragedi Kuno dan Florentine Camerata

Opera berasal dari Italia. Namun, genre ini berakar pada Yunani kuno, dimana untuk pertama kalinya mereka mulai menggabungkan seni panggung dan vokal. Berbeda dengan opera modern yang menitikberatkan pada musik, di tragedi Yunani kuno hanya berganti-ganti antara ucapan normal dan nyanyian. Bentuk seni ini terus berkembang di kalangan orang Romawi. Dalam tragedi Romawi kuno, bagian solo bertambah berat, dan sisipan musik mulai lebih sering digunakan.

Tragedi kuno menerima kehidupan kedua pada akhir abad ke-16. Komunitas penyair dan musisi Florentine Camerata memutuskan untuk menghidupkan kembali tradisi kuno. Mereka menciptakan genre baru yang disebut "drama melalui musik". Berbeda dengan polifoni yang populer saat itu, karya kamerata adalah pelafalan melodi yang monofonik. pertunjukan teatrikal dan iringan musik dimaksudkan hanya untuk menekankan ekspresi dan sensualitas puisi.

Pertunjukan opera pertama diyakini dirilis pada tahun 1598. Sayangnya, dari karya "Daphne" yang ditulis oleh komposer Jacopo Peri dan penyair Ottavio Rinuccini, saat ini hanya tersisa judulnya saja. . Tapi pena mereka sendiri milik "Eurydice", yang merupakan opera paling awal yang bertahan. Namun, karya gemilang bagi masyarakat modern ini hanyalah gaung masa lalu. Namun opera Orpheus, yang ditulis oleh Claudio Monteverdi yang terkenal pada tahun 1607 untuk istana Mantua, masih dapat disaksikan di bioskop hingga saat ini. Keluarga Gonzaga yang saat itu memerintah di Mantua memberikan kontribusi yang signifikan terhadap lahirnya genre opera.

Teater Drama

Anggota Florentine Camerata bisa disebut sebagai "pemberontak" pada masanya. Lagi pula, di era ketika mode musik didikte oleh gereja, mereka beralih ke mitos dan legenda pagan Yunani, meninggalkan norma estetika yang diterima di masyarakat, dan menciptakan sesuatu yang baru. Namun, bahkan sebelumnya, solusi mereka yang tidak biasa diperkenalkan oleh teater drama. Arah ini berkibar di zaman Renaisans.

Bereksperimen dan berfokus pada reaksi penonton, genre ini mengembangkan gayanya sendiri. Perwakilan teater drama menggunakan musik dan tarian dalam produksinya. Bentuk seni baru ini sangat populer. Pengaruh teater dramatis itulah yang membantu "drama melalui musik" mencapai tingkat ekspresif yang baru.

Opera melanjutkan berkembang dan mendapatkan popularitas. Namun, ini benar-benar genre musik berkembang di Venesia ketika, pada tahun 1637, Benedetto Ferrari dan Francesco Manelli membuka gedung opera umum pertama, San Cassiano. Berkat acara ini, karya musik jenis ini tidak lagi menjadi hiburan bagi para abdi dalem dan memasuki level komersial. Saat ini, pemerintahan para castrati dan primadona di dunia musik dimulai.

Distribusi ke luar negeri

Pada pertengahan abad ke-17, seni opera, dengan dukungan aristokrasi, berkembang menjadi seni tersendiri. genre mandiri dan hiburan yang terjangkau bagi massa. Berkat rombongan keliling, jenis pertunjukan ini menyebar ke seluruh Italia, dan mulai menarik perhatian penonton di luar negeri.

Perwakilan genre Italia pertama, yang disajikan di luar negeri, disebut "Galatea". Itu dilakukan pada 1628 di kota Warsawa. Tidak lama kemudian, pekerjaan lain dilakukan di pengadilan - "La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina" oleh Francesca Caccini. Karya ini juga merupakan opera paling awal yang ditulis oleh wanita.

Jason oleh Francesco Cavalli adalah opera paling populer abad ke-17.. Sehubungan dengan itu, pada tahun 1660 ia diundang ke Prancis untuk menghadiri pernikahan Louis XIV. Namun, "Xerxes" dan "Hercules in Love" -nya tidak berhasil dengan publik Prancis.

Antonio Chesti, yang diminta menulis opera untuk keluarga Austria Habsburg, lebih sukses. Penampilan akbarnya "Apel Emas" berlangsung selama dua hari. Kesuksesan yang belum pernah terjadi sebelumnya mencatat munculnya tradisi opera Italia dalam musik Eropa.

Seria dan buffa

Pada abad ke-18, genre opera seperti seria dan buffa mendapatkan popularitas khusus. Meskipun keduanya berasal dari Naples, kedua genre tersebut mewakili kebalikan yang mendasar. Opera Seria secara harfiah berarti "opera serius". Ini adalah produk dari era klasisisme yang mendorong kemurnian genre dan tipifikasi dalam seni. Seri ini memiliki beberapa fitur berikut:

mata pelajaran sejarah atau mitologis;
dominasi resitatif atas arias;
pemisahan peran musik dan teks;
kustomisasi karakter minimal;
tindakan statis.

Pustakawan paling sukses dan terkenal dalam genre ini adalah Pietro Metastasio. Libretto terbaiknya ditulis oleh lusinan opera oleh komposer yang berbeda.

Pada saat yang sama, genre buffa comedy berkembang secara paralel dan mandiri. Jika serial tersebut menceritakan kisah masa lalu, maka buffa mencurahkan plotnya pada situasi modern dan sehari-hari. Genre ini muncul dari adegan komedi pendek yang dipentaskan di sela-sela pertunjukan utama dan merupakan karya terpisah. Secara bertahap jenis seni ini mendapatkan popularitas dan diwujudkan sebagai representasi independen yang lengkap.

reformasi Gluck

Komposer Jerman Christoph Willibald Gluck telah dengan tegas mengukir namanya dalam sejarah musik. Ketika opera seri mendominasi pentas Eropa, dia dengan keras kepala mempromosikan visinya sendiri tentang seni opera. Dia percaya bahwa drama harus menguasai pertunjukan, dan tugas musik, vokal, dan koreografi harus mempromosikan dan menekankannya. Gluck berargumen bahwa komposer harus meninggalkan penampilan mencolok demi "keindahan sederhana". Bahwa semua elemen opera harus merupakan kelanjutan satu sama lain dan membentuk satu plot yang koheren.

Dia memulai reformasinya pada tahun 1762 di Wina. Bersama dengan pustakawan Ranieri de Calzabidgi, dia mementaskan tiga drama, tetapi tidak mendapat tanggapan. Kemudian pada 1773 dia pergi ke Paris. Miliknya aktivitas reformasi berlangsung hingga tahun 1779, dan menimbulkan banyak kontroversi dan keresahan di kalangan pecinta musik . Ide Gluck berdampak besar untuk pengembangan genre opera. Mereka juga tercermin dalam reformasi abad ke-19.

Jenis Opera

Selama lebih dari empat abad sejarah, genre opera telah mengalami banyak perubahan dan membawa banyak hal ke dunia musik. Selama ini, beberapa jenis opera menonjol:

Pratinjau:

Lembaga Pendidikan Umum Otonom Kota

"Gimnasium No. 5" kota Almetyevsk Republik Tatarstan

Pelajaran musik di kelas 7 “Opera. Tradisi dan inovasi.

wakil direktur untuk pekerjaan pendidikan,

guru musik

Deskripsi Bahan: Materi dapat digunakan dalam pelajaran musik. Target audiens - anak-anak berusia 13-14 tahun. RPP menggunakan metode pengajaran bahasa Singapura.

Tujuan pelajaran – untuk melihat hubungan antara tradisi dan inovasi, yang berkontribusi pada munculnya desain yang cerdik musik kontemporer pada contoh opera rock "Mozart".

Tugas:

Untuk menggeneralisasi pengetahuan tentang topik "Polifoni", tentang struktur opera klasik;
berkenalan dengan genre baru dan menggambar kesejajaran dengan struktur tradisional opera klasik berdasarkan elemen analisis bermakna fragmen musik dari opera rock.
Berkontribusi pada perluasan ruang informasi.

Jenis pelajaran - digabungkan.

Metode – retrospektif, elemen metode analisis yang bermakna karya musik, metode dramaturgi emosional (D.B. Kabalevsky), metode pemahaman intonasi-gaya musik (E.D. Kritskaya), metode konsentrisitas pengorganisasian materi musik, metode pemodelan citra sebuah karya musik.

Bentuk pekerjaan - kelompok, frontal, individu mandiri.

Struktur kerja- waktunya - round - robin, waktunya - kacang - shea, hey - ar - guide, zoom - in, coners, model freer.

Jenis aktivitas renungan
Kriteria pemilihan pertunjukan musik adalah nilai seni dan orientasi pendidikannya.

Selama kelas.

Mengatur waktu.

Guru: teman-teman, mari kita saling tersenyum sebagai jaminan suasana hati kita yang baik.

Sebelum kita melanjutkan berbicara tentang musik, saya ingin mendengar apa yang Anda pelajari dari pelajaran sebelumnya. Struktur akan membantu saya dalam hal ini.

waktunya - bulat - robin untuk diskusi masing-masing selama 20 detik, dimulai dengan siswa nomor 1 (JAM.)

Dan sekarang mari kita simpulkan.Nomor meja yang bertanggung jawab ...yang lain mungkin mengisi informasi yang hilang.

Jawaban yang disarankan:

J.S. Bach - komposer Jerman yang hebat,

polifonis, organis,

komposer barok,

tanggal hidup,

Telah dianiaya

Kehilangan pandangan, dll.

Apa itu polifoni dan homofoni?waktunya - kacang - sheadengan tetangga di bahu.

Setiap orang memiliki 20 detik untuk berdiskusi (JAM.)

Jawaban siswa nomor 3. nomor meja...

Guru: Amplop yang berisi frasa dan kata kunci akan membantu merumuskan topik pelajaran ini. dari mana Anda perlu membuat proposal:

waktunya - bulat – robin 1 menit JAM.

"Karya musik dan teater di mana musik vokal terdengar"

Guru: Apa yang kamu ketahui tentang opera? Ini akan membantu untuk memahami strukturnya

HEY AR PANDUAN

Apakah Anda setuju dengan pernyataan tersebut (beri tanda "+" jika ya)? 2 menit (JAM.)

Menurut plot, putri ratu malam diculik, dan dia mengirim pangeran dan penangkap burung untuk menyelamatkannya. Mendengarkan, menonton...

Apakah Anda akrab dengan aria ini?

Dalam bahasa apa itu dilakukan?

Ini adalah salah satu arias tersulit hingga saat ini, dan mungkin itulah mengapa terus populer.

Sebagai konfirmasi, melihat fragmen dari program "Voice". 2-3 menit.

Di Internet Anda dapat menemukan banyak opsi eksekusi. Ini sekali lagi menegaskan popularitas aria ratu malam hari ini.

Guru: Menurut Anda seperti apa opera hari ini? Berubah atau tetap sama?

Mereka berdebat…

Guru: Saya sarankan Anda menonton satu fragmen lagi,tanpa menyatakan gaya dan nama.Menonton opera rock "Mozart"

Bisakah Anda mengerti tentang apa opera ini?

Apakah itu terdengar seperti opera klasik?

Apa yang membuatnya berbeda?
- mengapa penyatuan rock dan opera ini terjadi?

(di tahun 60-an, popularitas musik rock meningkat dan keinginan untuk genre yang serius tidak hilang, sehingga muncul ide untuk menggabungkan dua arah yang tampaknya tidak sesuai) opera rock muncul di Inggris dan Amerika. Selama aksinya, musisi dapat tampil di atas panggung, instrumen elektronik modern dan efek khusus digunakan.

Struktur PANDUAN AR lengkapi jawaban yang ada di tabel.

2 menit. JAM TANGAN.

Kumpulkan daun.

CONERS mengatakan yang memiliki tombol paling banyak. Kemudian orang yang mendengarkan (masing-masing satu menit).

diskusi 1 menit

Saya meminta semua orang untuk pergi ke tempat duduk mereka.

MODEL FREYER akan membantu kami mengkonsolidasikan pengetahuan yang diperoleh,menandatangani selebaranmengumpulkan untuk evaluasi.

D.Z untuk menyiapkan laporan tentang Mozart. Nilai pelajaran. Saya menyukai cara Anda bekerja.
Pelajaran kita sudah berakhir. Terima kasih atas kerjamu. Selamat tinggal.

Introspeksi pelajaran

Guru: Khairutdinova Rimma Ilyinichna.

Pelajaran yang ditampilkan di kelas 7

Topik pelajaran: "Opera. Tradisi dan inovasi.

Pelajaran gabungan. Ada pekerjaan untuk mengkonsolidasikan materi yang dibahas dan topik baru dipelajari. Struktur yang digunakan adalah timed - round - robin, timed - pea - shea, hey - ar - guide, zoom - in, coners, freer model.

Metode yang digunakanretrospektif, elemen metode analisis makna karya musik, metode dramaturgi emosional (D.B. Kabalevsky), metode pemahaman intonasi dan gaya musik (E.D. Kritskaya), metode konsentrisitas pengorganisasian materi musik, metode pemodelan citra karya musik.

Jenis aktivitas renungan- refleksi tentang analisis musik karya musik.

Siswa kelas 7 berjumlah 22 orang, sebagian besar belajar dengan baik dan aktif di kelas. Pelajaran dirancang sedemikian rupa untuk melibatkan siswa yang tidak terlalu aktif.

Tujuan pelajaran: lihat hubungan antara tradisi dan inovasi, yang berkontribusi pada munculnya sampel musik modern yang brilian pada contoh opera rock "Mozart".

Tugas:

Pendidikan

Pembentukan kemampuan untuk menggunakan informasi yang dipelajari dalam kerangka pelajaran ini;

Generalisasi pengetahuan tentang topik "Polifoni", pada struktur opera klasik;

Pengembangan keterampilan audio-visual.

Pendidikan

Pembentukan pemikiran kritis;

Pengembangan memori, imajinasi, komunikasi;

Berkenalan dengan genre baru dan didasarkan pada unsur-unsur analisis yang bermakna dari fragmen musik dari opera rock.

Perluasan ruang informasi dan pendidikan.

Pendidikan

Memperkuat aktivitas kreatif;