Scriabin adalah seorang komposer. Scriabin A

Komposer dan pianis Rusia Alexander Nikolaevich Skryabin lahir pada 6 Januari 1872 (25 Desember 1871 menurut gaya lama) di Moskow. Keluarganya berasal dari keluarga bangsawan tua. Ayah saya bekerja sebagai diplomat di Turki. Ibu - Lyubov Shchetinina adalah seorang pianis yang luar biasa, dia lulus dari Konservatorium St. Petersburg dengan pianis Polandia Teodor Leshetitsky, komposer Anton Rubinstein, Alexander Borodin, Pyotr Tchaikovsky sangat menghargai bakatnya. Dia meninggal karena TBC ketika putranya belum genap satu setengah tahun. Alexander dibesarkan oleh bibinya, Lyubov Scriabina, yang membuatnya terpesona dengan bermain piano. Pada usia lima tahun, ia dengan percaya diri mereproduksi instrumen tidak hanya melodi, tetapi juga pernah mendengar lagu-lagu sederhana, pada usia delapan tahun ia mulai menggubah musik, juga menulis puisi dan tragedi multi-babak.

Dari tahun 1882 hingga tradisi keluarga Alexander Scriabin belajar di Korps Kadet Moskow Kedua. Dia mengambil pelajaran piano dari Georgy Konyus dan Nikolai Zverev, mempelajari teori musik di bawah arahan Sergey Taneyev, dan tampil di konser.

Pada tahun 1888, setahun sebelum lulus dari korps kadet, ia memasuki Konservatorium Moskow dalam dua spesialisasi: piano dan komposisi bebas. Pada tahun 1892 ia lulus dari konservatori dengan medali emas kecil di kelas Vasily Safonov (piano), setelah menerima nilai "lima plus" pada ujian akhir. Dalam komposisi, Scriabin tidak mendapat izin untuk mengikuti ujian diploma, meskipun pada saat dia masuk konservatori dia telah menulis lebih dari 70 komposisi.

Setelah lulus dari Konservatorium Moskow karena eksaserbasi penyakit tangan kanannya, yang telah dia ulangi selama studinya, Alexander Scriabin melewati masa sulit, dari mana dia dibantu oleh St. Eropa.

Pada 1898-1904 Scriabin mengajar piano khusus di Moscow Conservatory.

Dia menggabungkan aktivitas pedagogisnya dengan pekerjaan mengarang yang intens. Dia menyukai karya-karya penyair simbolis. Filosofi Vladimir Solovyov memiliki pengaruh khusus pada Scriabin, ia juga merupakan teman filsuf Sergei Trubetskoy. Dia menghadiri lingkaran filosofis dan perselisihan sastra, yang menyebabkan lahirnya konsep filosofis dan artistiknya sendiri tentang "semangat kreatif", yang tercermin dalam Simfoni Ketiga "The Divine Poem" (1903-1904), "The Poem of Ecstasy" ( 1905-1907), "Prometheus" (1911). ), karya piano. Belakangan, setelah mengenal ajaran Helena Blavatsky, Scriabin menjadi tertarik pada ajaran agama Timur dan muncul dengan ide sintesis musik dan bentuk seni lainnya, menghidupkan kembali genre misteri kuno.

Pada 1904-1909, Scriabin tinggal di luar negeri, mengadakan konser di Amerika dengan orkestra yang dipimpin oleh konduktor Hongaria terkenal Artur Nikish. Pada tahun 1909 ia tampil di Moskow dengan sukses besar. Pada tahun 1910, Scriabin akhirnya kembali ke tanah airnya.

Tahun-tahun terakhir hidupnya dia curahkan terutama komposisi piano. Karya Scriabin selanjutnya - sonata No. 7-10, puisi piano "Mask", "Strangeness", "To the Flame" entah bagaimana terkait dengan gagasan "misteri". Pada saat yang sama, ia membentuk sistem pemikiran musik baru, yang dikembangkan dalam seni abad ke-20.

Scriabin adalah komposer pertama yang menggunakan warna dan musik ringan saat membuat karyanya, membuat tabel korespondensi warna dengan kunci tertentu. Pada tahun 1910, untuk orkestra simfoni, piano, organ, paduan suara, cahaya yang diperluas, Scriabin menulis "The Poem of Fire" ("Prometheus"), yang dianggap sebagai salah satu kreasi terpentingnya. Ini pertama kali dilakukan pada tahun 1911 di St. Petersburg, bagian piano dilakukan oleh penulisnya sendiri.

Pada tahun 1914, di awal Perang Dunia Pertama, Scriabin mengadakan konser untuk para korban perang.

Di antara karya penggubahnya adalah tiga simfoni (1900, 1901, 1903-1904); puisi simfoni "Mimpi" (1898); untuk piano - 10 sonata, 9 puisi, 26 etudes, 90 pendahuluan, 21 mazurkas, 11 dadakan, waltz.

Pada tanggal 27 April (14 April, gaya lama), 1915, Alexander Scriabin meninggal mendadak di Moskow karena keracunan darah.
Pada tahun 1916, atas perintah Duma Kota, sebuah plakat peringatan dipasang di rumah Scriabin. Pada tahun 1922, Museum Scriabin dibuka di apartemen tempat sang komposer tinggal dari tahun 1912 hingga kematiannya.

SEBUAH. Scriabin menganggap karyanya bukan sebagai tujuan, tetapi sebagai sarana untuk memecahkan masalah yang jauh lebih besar...

Dia menyusun "Misteri" "... untuk orkestra, cahaya dan paduan suara 7000 suara-suara, yang seharusnya dibawakan di tepi Sungai Gangga, dirancang untuk menyatukan seluruh umat manusia, untuk menanamkan rasa persaudaraan yang besar pada orang-orang (seperti yang Anda ketahui, romantisme hebat lainnya mengaitkan harapan serupa dengan simfoni ke-9, L. Beethoven). Sebuah simbol tragis dapat dilihat pada kenyataan bahwa pekerjaan pada "Misteri" terganggu oleh kematian absurd (dari keracunan darah) dari komposer berusia 42 tahun pada tahun 1915.

Torosyan V.G., Sejarah pendidikan dan pemikiran pedagogis, M., Vladospress, 2006, hal. 202.

“Proyek Misteri itu megah dan fantastis. Konturnya dibangun di benak komposer selama lebih dari sepuluh tahun. Dia mengerti bahwa dia sedang membuat keputusan tugas yang paling sulit, tetapi percaya pada realisasi tindakan spiritual agung yang dirancang untuk membawa pembebasan yang diinginkan umat manusia. Namun keraguan menyiksa jiwa sang komposer. Dia memutuskan beberapa versi awal dari inkarnasi Misteri dan membuat sketsa dari apa yang disebut "Tindakan Awal" - pertunjukan katedral yang megah, atau Layanan, di mana seluruh umat manusia berpartisipasi.

Di dasar puitis dari "Tindakan Awal" ada gema yang jelas dari kisah-kisah Kristen, atau lebih tepatnya, Perjanjian Lama di mana para tokoh berkomunikasi dengan Sang Pencipta. Dialog antara saya dan Anda dapat menjadi contoh untuk ini:

Saya: Siapa kamu, dimuliakan oleh suara putih?
Siapa kamu, berpakaian dalam kesunyian langit?
Anda: Saya pencapaian terakhir,
Aku adalah kebahagiaan dari kehancuran
Saya adalah berlian permisif
Aku adalah kesunyian yang serba terdengar
Suara putih kematian
Saya kebebasan, saya ekstasi.

Gambaran alam semesta dalam "Aksi Pendahuluan" penuh dengan misteri dan makna yang dalam:

Kita semua satu
arus diarahkan,
Untuk saat keabadian.
Di jalan kemanusiaan.

Bukan kebetulan bahwa kuil di India kuno, tempat terjadinya Misteri, dianggap oleh komposernya sebagai altar raksasa yang menjulang di atas kuil yang sebenarnya - Bumi. Jadi dia mewujudkan ide katolisitas Rusia dengan cara yang aneh, yang memiliki pengaruh besar pada seniman simbolis. Perhatikan bahwa dalam interpretasi Vyach. Ivanova agama Katolik dipersonifikasikan dengan kemampuan seni untuk menyatukan orang dalam satu dorongan spiritual. Dikandung Vyach. Ivanov"teater misteri" tidak jauh berbeda dengan Scriabin. Dia juga bermimpi untuk menghancurkan tanjakan - "jalur pemisah" antara panggung dan penonton. Namun, seharusnya tidak ada penonton seperti itu dalam Misteri, semua orang adalah pesertanya.

Scriabin pergi dengan cara yang sama, tetapi lebih jauh. Dia mencoba mengatasi kesulitan teknis murni dari perwujudan Misteri. Diketahui bahwa dia menegosiasikan pembelian tanah di India untuk pembangunan candi. Berpikir tentang Misteri, sang komposer berkata: "Saya tidak menginginkan realisasi apa pun, tetapi peningkatan aktivitas kreatif tanpa akhir yang akan disebabkan oleh seni saya."

Keyakinan Scriabin pada kekhasan misinya sendiri sangat berkembang:

Aku adalah pendewaan alam semesta,
Aku adalah tujuan, akhir dari akhir...
Saya berharap di hati bangsa-bangsa
Rekam cintamu...
Saya memberi mereka kedamaian yang mereka inginkan
Aku adalah kekuatan kebijaksanaanku.
Orang-orang, bersukacitalah - menunggu selama berabad-abad
Akhir dari penderitaan dan kesedihan telah tiba.

Sang komposer percaya pada tujuan Misteri, pada "pantai ajaib" yang didambakan, yang dicita-citakan oleh seluruh umat manusia, dan bertanggung jawab atas transformasi spiritual manusia. Dia melihat sarana transformasi seperti itu sebagai sintesis seni, sintesis suara, warna, aksi, dan puisi.

Gagasan memperluas batas-batas musik, menggabungkannya dengan bentuk seni lain, tentu saja, bukanlah hal baru. Kami telah membicarakan posisi penting estetika simbolisme ini lebih dari sekali. Namun demikian, Scriabin sangat berhati-hati dalam hal sintesis seni. Dia tidak memiliki musik yang terhubung dengan kata itu. Dia, seperti penyair kontemporernya, menghindari pemikiran yang terbuka, selesai, dan lugas. Musiknya tidak terlalu berhubungan dengan kata, tetapi secara asosiatif menguasai gambaran puisi filosofis. Kemurnian musik, atau lebih tepatnya, ekspresi diri instrumental lebih penting bagi komposer daripada doktrin teoretis. Dengan demikian, karya Scriabin mewujudkan gagasan simbolis penting tentang musik sebagai seni tertinggi, tentang musik sebagai "seni super", yang mampu mengungkapkan semua kekayaan budaya seni melalui aliran suara. Misteri seharusnya memenuhi misi pemurnian spiritual universal. Gagasan tentang tindakan konsili semacam itu hanya dapat muncul dalam konteks gagasan para seniman-filsuf pemberani di Zaman Perak. Tidak secara kebetulan Vyach. Ivanov menulis: “... Ketentuan teoretisnya (A.N. Skryabina - Catatan oleh I.L. Vikentiev) tentang katolisitas dan aksi paduan suara ... berbeda dengan cita-cita saya, pada intinya, hanya karena itu juga merupakan tugas praktis langsung untuknya.

Rapatskaya L.A., Seni "Zaman Perak", M., "Pencerahan"; "Vlados", 1996, hal. 54-56.

Dalam musik Rusia awal abad ke-20, Alexander Nikolaevich Scriabin menempati tempat khusus. Bahkan di antara banyak bintang di Zaman Perak, sosoknya menonjol dengan lingkaran keunikan. Beberapa artis telah meninggalkan begitu banyak misteri yang belum terpecahkan, hanya sedikit yang berhasil membuat terobosan ke cakrawala baru musik dalam waktu yang relatif singkat. (…)

tanda biografi kreatif Scriabin adalah intensitas perkembangan spiritual yang luar biasa, yang menyebabkan transformasi mendalam di bidang bahasa musik. Semangatnya yang selalu mencari dan memberontak, yang tidak mengenal istirahat dan terbawa ke dunia baru yang tidak dikenal, menghasilkan perubahan evolusioner yang cepat di semua bidang kreativitas. Oleh karena itu, sulit untuk membicarakan Scriabin dalam hal penilaian yang mapan dan stabil; dinamika jalannya sendiri mendorongnya untuk melihat jalan ini dan mengevaluasi baik tujuan utamanya maupun tonggak terpentingnya.

Bergantung pada sudut pandang peneliti, ada beberapa pendekatan periodisasi biografi komposer Scriabin. Jadi, Yavorsky, yang menganggap karya Scriabin "di bawah tanda masa muda", membedakan dua periode di dalamnya: "periode kehidupan muda dengan suka dan duka, dan periode kegelisahan yang gugup, mencari, merindukan yang telah pergi. Yavorsky menghubungkan periode kedua dengan akhir masa muda fisik komposer dan melihat di dalamnya, seolah-olah, penghapusan impulsif emosional bawaan secara bertahap (dari Sonata Keempat melalui "Puisi Ekstasi" dan "Prometheus" hingga pendahuluan terakhir) . Kami akan kembali ke sudut pandang Yavorsky, yang menarik sekaligus bisa diperdebatkan. Sekarang perlu dikatakan tentang tradisi lain, yang sebagian besar berakar pada musikologi kita.

Menurut tradisi ini, karya penggubah dianggap dalam tiga periode utama, yang dibedakan menurut tonggak paling menonjol dalam evolusi gayanya. Periode pertama mencakup karya-karya tahun 1880-1890-an. Yang kedua bertepatan dengan awal abad baru dan ditandai dengan peralihan ke konsep artistik dan filosofis berskala besar (tiga simfoni, sonata Keempat dan Kelima, "The Poem of Ecstasy"). Yang ketiga, yang belakangan, ditandai dengan gagasan Prometheus (1910) dan mencakup semua karya selanjutnya dari komposer, terungkap di bawah tanda Misteri. Tentu saja, klasifikasi apa pun bersyarat, dan seseorang dapat, misalnya, memahami sudut pandang Zhitomirsky, yang memilih karya Scriabin yang dibuat setelah Prometheus sebagai periode terpisah. Namun, bagi kami tampaknya lebih bijaksana untuk mematuhi skema tradisional di atas, dengan mempertimbangkan fakta pembaruan terus-menerus dari jalur penulisan Scriabin dan mencatat, saat kami meninjau "periode besar", fase internal yang berbeda secara kualitatif.

Jadi, Pertama, periode awal. Dari segi hasil akhir pengembangan stilistika, sepertinya hanya pendahuluan, prasejarah. Pada saat yang sama, dalam karya Scriabin muda, tipe kepribadian kreatifnya telah sepenuhnya ditentukan - diagungkan, dispiritualkan dengan hormat. Kemampuan impresi yang halus, dikombinasikan dengan mobilitas mental, jelas merupakan kualitas bawaan dari sifat Scriabin. Didorong oleh seluruh suasana masa kecilnya - perhatian menyentuh dari nenek dan bibinya, L. A. Scriabina, yang menggantikan anak laki-laki itu lebih awal ibu yang meninggal, - ciri-ciri ini banyak menentukan di kemudian hari sang komposer.

Kecenderungan untuk mempelajari musik sudah terwujud dengan sendirinya usia dini, serta selama bertahun-tahun belajar di korps kadet, di mana Scriabin muda dikirim menurut tradisi keluarga. Guru pra-konservatori pertamanya adalah G. E. Konyus, N. S. Zverev (piano) dan S. I. Taneev (disiplin musik dan teoretis). Pada saat yang sama, Scriabin menemukan bakat menulis, menunjukkan tidak hanya hasrat yang menggairahkan untuk apa yang dia sukai, tetapi juga energi dan tekad yang besar. Kelas anak-anak dilanjutkan kemudian di Moscow Conservatory, yang lulus Scriabin dengan medali emas pada tahun 1892 di piano dengan V.I. Safonov (di konservatori, sebagai tambahan, ia mengambil kelas tandingan yang ketat dengan Taneyev; dengan A.S. yang mengajar kelas fugue dan komposisi bebas, hubungan itu tidak berhasil, akibatnya Scriabin harus melepaskan ijazahnya sebagai komposer).

TENTANG dunia batin musisi muda dapat dinilai dari catatan dan surat-suratnya. Yang paling penting adalah surat-suratnya kepada N. V. Sekerina. Mereka mengandung ketajaman pengalaman cinta pertama, dan kesan alam, dan refleksi tentang kehidupan, budaya, keabadian, keabadian. Di sini, sang komposer muncul di hadapan kita tidak hanya sebagai penulis lirik dan pemimpi, tetapi juga sebagai seorang filsuf, yang merefleksikan masalah global tentang keberadaan.

Mentalitas halus yang terbentuk sejak masa kanak-kanak tercermin baik dalam musik Scriabin maupun dalam sifat perasaan dan perilaku. Namun, semua ini tidak hanya memiliki prasyarat subyektif-pribadi. Emosionalitas yang meningkat dan meningkat, dikombinasikan dengan permusuhan terhadap kehidupan sehari-hari, terhadap segala sesuatu yang terlalu kasar dan terus terang, sepenuhnya sesuai dengan watak spiritual dari bagian tertentu dari elit budaya Rusia. Dalam pengertian ini, romantisme Scriabin menyatu dengan semangat romantisme zaman. Yang terakhir dibuktikan pada tahun-tahun itu dengan kehausan akan "dunia lain" dan keinginan umum untuk menjalani "kehidupan sepuluh kali lipat" (A. A. Blok), didorong oleh perasaan akhir zaman yang sedang dijalani. Dapat dikatakan bahwa di Rusia pada pergantian abad, romantisme mengalami masa muda kedua, dalam hal kekuatan dan ketajaman persepsi hidup, dalam beberapa hal bahkan lebih unggul dari yang pertama (ingat bahwa di antara komposer Rusia abad ke-19, yang termasuk dalam "sekolah Rusia baru", ciri-ciri romantis secara nyata dikoreksi oleh topik hari itu dan cita-cita realisme baru).

Dalam musik Rusia pada tahun-tahun itu, kultus pengalaman liris yang intens menjadi ciri khas perwakilan sekolah komposer Moskow. Scriabin, bersama dengan Rachmaninov, di sini adalah pengikut langsung Tchaikovsky. Nasib juga membawa Scriabin muda ke Rachmaninov di sekolah asrama musik N. S. Zverev, seorang guru piano yang luar biasa, pendidik galaksi dan komposer Rusia. Baik di Rachmaninoff maupun Scriabin, bakat kreatif dan pertunjukan muncul dalam kesatuan yang tak terpisahkan, dan di keduanya, piano menjadi instrumen utama ekspresi diri. Konserto piano Scriabin (1897) mewujudkan ciri khas lirik mudanya, dan kegembiraan yang menyedihkan serta temperamen artistik tingkat tinggi memungkinkan kita untuk melihat di sini paralel langsung dengan konser piano Rachmaninov.

Namun, akar musik Scriabin tidak terbatas pada tradisi sekolah Moskow. Sejak usia muda, lebih dari komposer Rusia lainnya, dia tertarik pada romantisme Barat - pertama ke Chopin, lalu ke Liszt dan Wagner. Orientasi terhadap budaya musik Eropa, bersama dengan penghindaran unsur tanah-Rusia, cerita rakyat, begitu fasih sehingga kemudian menimbulkan perselisihan serius tentang sifat nasional seninya (masalah ini paling meyakinkan dan positif dibahas kemudian oleh Vyach . Ivanov dalam artikel “Skriabin sebagai komposer nasional"). Bagaimanapun, para peneliti Scriabin yang melihat dalam "Westernisme" -nya sebagai manifestasi dari keinginan akan universalitas, universalisme, tampaknya benar.

Namun, sehubungan dengan Chopin, seseorang dapat berbicara tentang pengaruh langsung dan langsung, serta "kebetulan dunia mental" yang langka (L. L. Sabaneev). Kegemaran Scriabin muda untuk genre miniatur piano kembali ke Chopin, di mana ia memanifestasikan dirinya sebagai seniman dengan rencana liris yang intim (Konserto yang disebutkan dan sonata pertama tidak terlalu mengganggu nada ruang umum karyanya ini). Scriabin mengambil hampir semua genre musik piano yang ditemui Chopin: pendahuluan, etudes, nocturnes, sonata, impromptu, waltz, mazurka. Tetapi dalam interpretasinya orang dapat melihat aksen dan preferensi mereka sendiri. (…)

Scriabin menciptakan sonata pertamanya pada tahun 1893, dengan demikian meletakkan dasar untuk garis karyanya yang paling penting. Sepuluh Scriabin sonata- ini adalah semacam inti dari aktivitas mengarangnya, memusatkan ide filosofis baru dan penemuan gaya; pada saat yang sama, urutan sonata memberikan gambaran yang cukup lengkap tentang semua tahapan evolusi kreatif pencipta.

Pada sonata awal, fitur individu Scriabin masih dipadukan dengan ketergantungan yang jelas pada tradisi. Jadi, Sonata Pertama yang disebutkan di atas, dengan kontras kiasan dan perubahan mendadak dalam keadaan, diselesaikan dalam batas-batas estetika romantis abad ke-19; scherzo angin puyuh dan penutup yang menyedihkan membangkitkan analogi langsung dengan sonata Chopin dalam B-flat minor. Esai tersebut ditulis oleh seorang penulis muda selama periode krisis spiritual yang parah terkait dengan penyakit tangan; karenanya ketajaman khusus dari tabrakan tragis, "bergumam melawan takdir dan Tuhan" (seperti yang dikatakan dalam draf catatan Scriabin). Terlepas dari penampilan tradisional dari siklus empat gerakan, sonata telah menguraikan kecenderungan pembentukan simbol-tema lintas sektoral - sebuah tren yang akan menentukan kelegaan dramatis dari semua sonata berikutnya oleh Scriabin (dalam hal ini, bagaimanapun, , ini bukan tema seperti leitinttonation, yang dimainkan dalam volume "suram » sepertiga kecil).

Dalam Sonata Kedua (1897), kedua bagian siklus itu disatukan oleh motif utama "elemen laut". Sesuai dengan program pekerjaan, mereka menggambarkan "malam bulan yang tenang di tepi pantai" (Andante) dan "hamparan laut yang luas dan berbadai" (Presto). Daya tarik gambar alam kembali mengingatkan pada tradisi romantisme, meskipun sifat musik ini lebih tepatnya berbicara tentang "gambar suasana hati". Dalam karya ini, kebebasan berekspresi improvisasi dirasakan dengan cara yang sepenuhnya Scriabinian (bukan kebetulan bahwa Sonata Kedua disebut "sonata fantasi"), serta demonstrasi dua keadaan yang kontras menurut prinsip "kontemplasi - tindakan".

Sonata Ketiga (1898) juga memiliki ciri-ciri program, tetapi ini sudah merupakan program jenis introspektif baru, lebih sejalan dengan cara berpikir Scriabin. Komentar untuk esai berbicara tentang "keadaan jiwa", yang kemudian bergegas ke "jurang kesedihan dan perjuangan", kemudian menemukan "istirahat yang menipu", kemudian, "menyerah pada arus, berenang di lautan ​​​​perasaan”, untuk akhirnya menikmati kemenangan “dalam badai unsur-unsur yang dibebaskan”. Keadaan ini masing-masing direproduksi dalam empat bagian karya, dijiwai dengan semangat kesedihan yang sama dan aspirasi yang berkemauan keras. Hasil pengembangan adalah episode terakhir Maestoso dalam sonata, di mana tema gerakan ketiga yang diubah secara antemik, Andante, terdengar. Teknik transformasi akhir dari tema liris ini, yang diadopsi dari Liszt, akan memperoleh peran yang sangat penting dalam komposisi dewasa Scriabin, dan oleh karena itu Sonata Ketiga, yang pertama kali diwujudkan dengan begitu jelas, dapat dianggap sebagai ambang langsung menuju kedewasaan. (…)

Seperti yang telah disebutkan, gaya komposisi Scriabin - dan pada periode awal ia bertindak terutama sebagai komposer piano - tidak dapat dipisahkan dengan karyanya. gaya pertunjukan. Karunia pianistik dari komposer sepatutnya dihargai oleh orang-orang sezamannya. Kesan itu dibuat oleh spiritualitas permainannya yang tak tertandingi - nuansa terbaik, seni mengayuh yang khusus, yang memungkinkan untuk mencapai perubahan warna suara yang hampir tak terlihat. Menurut V. I. Safonov, "dia memiliki bakat yang langka dan luar biasa: instrumennya bernafas." Di saat yang sama, minimnya kekuatan fisik dan kecemerlangan virtuoso dalam game ini tidak luput dari perhatian para pendengar, yang pada akhirnya menghalangi Scriabin untuk menjadi seniman dalam skala besar (kita ingat bahwa di masa mudanya sang komposer juga mengalami masalah serius. penyakit tangan kanannya, yang menjadi penyebab pengalaman emosional yang mendalam baginya ). Namun, kurangnya kepenuhan sensual dalam suara sampai batas tertentu disebabkan oleh estetika Scriabin sang pianis, yang tidak menerima suara instrumen yang terbuka dan bersuara penuh. Bukan kebetulan bahwa gambar halftone, hantu, inkorporeal, "dematerialisasi" (menggunakan kata favoritnya) sangat menarik perhatiannya.

Di sisi lain, bukan tanpa alasan penampilan Scriabin disebut sebagai "teknik saraf". Pertama-tama, yang dimaksud adalah kelonggaran ritme yang luar biasa. Scriabin memainkan rubato, dengan penyimpangan besar dari tempo, yang sepenuhnya sesuai dengan semangat dan struktur musiknya sendiri. Bahkan dapat dikatakan bahwa sebagai seorang pemain ia mencapai kebebasan yang lebih besar daripada yang dapat diakses oleh notasi musik. Yang menarik dalam pengertian ini adalah upaya selanjutnya untuk menguraikan di atas kertas teks dari pertunjukan Puisi op. 32 No. 1, yang sangat berbeda dengan teks cetak yang dikenal. Beberapa rekaman arsip dari penampilan Scriabin (diproduksi pada rol phonol dan Welte Mignon) memungkinkan kita untuk mencatat ciri-ciri lain dari permainannya: polifoni ritmis yang terasa halus, karakter tempo cepat yang "berat" dan terburu-buru (misalnya, di bagian pendahuluan dalam E-flat minor, op. 11 ) dll.

Kepribadian pianistik yang begitu cemerlang menjadikan Scriabin pemain yang ideal untuk gubahannya sendiri. Jika kita berbicara tentang penafsir lain dari musiknya, maka di antara mereka adalah murid langsung dan pengikutnya, atau artis dengan peran "Scriabin" khusus, yang, misalnya, di kemudian hari adalah V. V. Sofronitsky.

Di sini, orientasi Scriabin muda pada gaya musik romantis Eropa Barat, dan terutama pada karya Chopin, telah dicatat lebih dari sekali. (Orientasi ini memainkan peran perlombaan estafet sejarah tertentu: misalnya, di musik pianika K. Shimanovsky, tradisi Chopin jelas berkembang dalam nada Scriabin.) Akan tetapi, harus diingat kembali bahwa romantisme, sebagai semacam kepribadian dominan Scriabin, tidak terbatas pada manifestasi linguistik murni, tetapi memberi arahan pada keseluruhan pengembangan karyanya. Dari sinilah muncul kesedihan Scriabin sang penemu, yang dirasuki oleh semangat pembaruan, yang akhirnya membuatnya meninggalkan pedoman gaya sebelumnya. Kita dapat mengatakan bahwa Romantisisme adalah tradisi bagi Scriabin dan pada saat yang sama merupakan dorongan untuk mengatasinya. Dalam hal ini, kata-kata B. L. Pasternak menjadi jelas: “Menurut saya, penemuan yang paling menakjubkan terjadi ketika konten yang membanjiri artis tidak memberinya waktu untuk berpikir dan dia buru-buru mengucapkan kata barunya dalam bahasa lama, bukan memahami apakah itu lama atau baru. Jadi, dalam bahasa Mozart-Fieldian lama, Chopin mengatakan begitu banyak hal baru yang memukau dalam musik sehingga menjadi awal keduanya. Jadi Scriabin, hampir dengan cara para pendahulunya, memperbaharui perasaan musik di awal karirnya ... "

Terlepas dari perkembangan evolusioner yang bertahap, ofensif periode baru dalam karya Scriabin ditandai dengan batas yang agak tajam. Secara simbolis bertepatan dengan awal abad baru, periode ini ditandai dengan ide-ide simfoni besar, yang tidak terduga untuk mantan penulis lirik mini. Alasan untuk perubahan seperti itu harus dicari dalam sistem pandangan filosofis yang muncul, yang sekarang dicari oleh komposer untuk menundukkan semua karyanya.

Sistem ini terbentuk di bawah pengaruh berbagai sumber: dari Fichte, Schelling, Schopenhauer dan Nietzsche hingga ajaran agama Timur dan teosofi modern dalam versi Doktrin Rahasia H. P. Blavatsky. Konglomerat beraneka ragam seperti kompilasi acak, jika Anda tidak memperhitungkan keadaan yang sangat penting - yaitu, pemilihan dan interpretasi sumber-sumber yang disebutkan, karakteristik lingkungan budaya simbolis. Patut dicatat bahwa pandangan filosofis sang komposer terbentuk pada tahun 1904 - sebuah tonggak sejarah simbolisme Rusia dan memiliki banyak titik kontak dengan yang terakhir. Dengan demikian, ketertarikan Scriabin pada cara berpikir romantisme Jerman awal, pada ide-ide yang diungkapkan oleh Novalis dalam novelnya "Heinrich von Ofterdingen", selaras dengan kepercayaan pada kekuatan magis seni, yang dianut oleh orang-orang sezamannya. Simbolis Muda. Individualisme Nietzsche dan kultus Dionysian juga dirasakan dalam semangat waktu; dan doktrin Schelling tentang "jiwa dunia", yang memainkan peran penting dalam pembentukan gagasan Scriabin, berutang penyebarannya ke Vl. S. Solovyov. Selain itu, lingkaran membaca Scriabin termasuk "Kehidupan Sang Buddha" karya Ashvaghosha yang diterjemahkan oleh K. D. Balmont. Adapun Teosofi, minat terhadapnya adalah manifestasi dari keinginan umum akan alam bawah sadar yang irasional, mistis. Perlu dicatat bahwa Scriabin juga memiliki kontak pribadi dengan perwakilan simbolisme Rusia: selama bertahun-tahun dia berteman dengan penyair Y. Baltrushaitis; volume puisi Balmont berfungsi sebagai buku referensi saat mengerjakan teks puitisnya sendiri; dan komunikasi dengan Vyach. Ivanov selama masa pengerjaan "Tindakan Pendahuluan" memiliki pengaruh yang nyata pada proyek misterinya.

Scriabin tidak mengenyam pendidikan filosofis khusus, tetapi sejak awal tahun 1900-an ia serius menekuni filsafat. Partisipasi dalam lingkaran S. N. Trubetskoy, mempelajari karya Kant, Fichte, Schelling, Hegel, mempelajari materi kongres filosofis di Jenewa - semua ini menjadi dasar konstruksi mentalnya sendiri. Selama bertahun-tahun, pandangan filosofis penggubah berkembang dan berubah, tetapi dasarnya tetap tidak berubah. Dasar ini adalah gagasan tentang makna ilahi dari kreativitas dan misi transformatif teurgis dari seniman-pencipta. Di bawah pengaruhnya, "plot" filosofis karya Scriabin terbentuk, yang menggambarkan proses perkembangan dan pembentukan Roh: dari keadaan terkekang, menyerah pada materi lembam - hingga ketinggian penegasan diri yang harmonis. Pasang surut di jalur ini tunduk pada triad dramaturgis yang dibangun dengan jelas: lesu - terbang - ekstasi. Ide transformasi, kemenangan spiritual atas material, oleh karena itu, tidak hanya menjadi tujuan, tetapi juga tema komposisi Scriabin, membentuk seperangkat sarana musik yang sesuai.

Di bawah pengaruh ide-ide baru, rentang gaya karya Scriabin berkembang pesat. Pengaruh Chopin digantikan oleh pengaruh Liszt dan Wagner. Selain metode mengubah tema liris, Liszt mengingatkan pada semangat pemberontakan dan bidang gambar setan, Wagner mengingatkan pada gudang musik yang heroik dan sifat tugas artistik yang universal dan mencakup segalanya.

Semua kualitas ini telah menandai dua yang pertama simfoni Scriabin. Dalam Simfoni Pertama enam gerakan (1900), diakhiri dengan epilog paduan suara dengan kata-kata "Ayo, semua orang di dunia, // Mari kita nyanyikan kemuliaan seni," orfisme Scriabin, keyakinan pada kekuatan seni yang mahakuasa , diwujudkan untuk pertama kalinya. Nyatanya, ini adalah upaya pertama untuk mewujudkan gagasan "Misteri", yang pada tahun-tahun itu masih membayangi secara samar. Simfoni tersebut menandai perubahan penting dalam pandangan dunia sang komposer: dari pesimisme masa muda hingga kesadaran yang berkemauan keras akan kekuatannya dan panggilan untuk suatu tujuan yang luhur. Dalam entri buku harian kali ini kita membaca kata-kata yang luar biasa: “Saya masih hidup, saya masih mencintai kehidupan, saya mencintai orang ... saya akan mengumumkan kemenangan saya kepada mereka ... saya akan memberi tahu mereka bahwa mereka adalah kuat dan kuat, bahwa tidak ada yang perlu disesali, kerugian itu Tidak! Agar mereka tidak takut putus asa, yang dengan sendirinya bisa melahirkan kemenangan yang sesungguhnya. Kuat dan perkasa dia yang telah mengalami keputusasaan dan menaklukkannya.”

Dalam Second Symphony (1901) tidak ada program internal seperti itu, kata tidak berpartisipasi di dalamnya, tetapi struktur umum dari karya tersebut, yang dimahkotai dengan keriuhan penutup yang meriah, dipertahankan dengan nada yang sama.

Dalam kedua komposisi tersebut, dengan segala kebaruannya, perbedaan antara bahasa dan gagasan masih terlihat. Ketidakdewasaan terutama ditandai oleh bagian terakhir dari simfoni - akhir yang terlalu deklaratif dari Yang Pertama dan yang terlalu seremonial, duniawi - Yang Kedua. Tentang akhir dari Simfoni Kedua, komposernya sendiri mengatakan bahwa "semacam paksaan" muncul di sini, sementara dia perlu diberi cahaya, "cahaya dan kegembiraan".

Scriabin menemukan "cahaya dan kegembiraan" ini dalam karya-karya berikut - Sonata Keempat (1903) dan Simfoni Ketiga, "Puisi Ilahi" (1904). Komentar penulis tentang Sonata Keempat berbicara tentang bintang tertentu, yang sekarang hampir tidak berkelap-kelip, "tersesat di kejauhan", sekarang berkobar menjadi "api yang berkilauan". Tercermin dalam musik, citra puitis ini berubah menjadi serangkaian penemuan linguistik. Begitulah rantai harmoni yang rapuh pada "tema bintang" awal, yang diakhiri dengan "melting chord", atau "tema terbang" dari gerakan kedua, Prestissimo volando, di mana pergulatan ritme dan meteran memberikan perasaan dari gerakan cepat bergegas melalui semua rintangan. Di bagian yang sama, sebelum bagian reprise, upaya berikutnya digambarkan dengan triplet terpotong yang "mencekik" (lebih tepatnya, kuartol dengan jeda pada ketukan terakhir). Dan coda sudah menjadi pendewaan akhir khas Scriabin dengan semua atribut figuratif ekstatis: mayor bercahaya (secara bertahap menggantikan mode minor dalam karya Scriabin), dinamika fff, ostinato, latar belakang chordal yang “menggelegak”, “suara terompet” dari tema utama… Ada dua bagian dalam Sonata Keempat, tetapi keduanya digabungkan satu sama lain sebagai fase perkembangan dari gambar yang sama: menurut transformasi dari “ tema bintang”, suasana kontemplatif yang lesu di bagian pertama berubah menjadi kesedihan yang efektif dan gembira di bagian kedua.

Kecenderungan yang sama untuk menekan siklus diamati pada Simfoni Ketiga. Tiga bagiannya - "Perjuangan", "Kenikmatan", "Permainan Ilahi" - dihubungkan dengan teknik serangan. Seperti dalam Sonata Keempat, simfoni mengungkapkan triad dramaturgis "languor - flight - ecstasy", tetapi dua mata rantai pertama di dalamnya dibalik: titik awalnya adalah citra aktif (bagian pertama), yang kemudian digantikan oleh sensual- lingkup kontemplatif dari "Delights" (bagian kedua) dan Divine Game yang penuh kegembiraan (final).

Menurut program penulis, "The Divine Poem" mewakili "evolusi kesadaran manusia, terkoyak dari kepercayaan dan misteri masa lalu ... kesadaran yang telah melewati panteisme ke pernyataan yang menyenangkan dan memabukkan tentang kebebasannya dan kesatuan alam semesta ." Dalam "evolusi" ini, dalam kesadaran diri dewa manusia yang tumbuh ini, momen yang menentukan, semacam titik awal, adalah prinsip heroik dan berkemauan keras. (…)

"Puisi Ilahi" dianggap oleh orang-orang sezaman sebagai semacam wahyu. Yang baru terasa baik di gudang gambar maupun di karakter bebas, penuh kontras dan kejutan dari aliran suara umum. “Tuhan, musik apa itu! - B. L. Pasternak mengingatnya, menggambarkan kesan pertamanya. – Simfoni itu terus-menerus runtuh dan runtuh, seperti kota di bawah tembakan artileri, dan semuanya dibangun dan tumbuh dari puing-puing dan kehancuran ... Kekuatan komposisi yang tragis dengan sungguh-sungguh menunjukkan lidahnya kepada segala sesuatu yang dikenali secara jompo dan bodoh secara anggun dan tersapu pergi untuk kegilaan, untuk kekanak-kanakan, main-main spontan dan bebas, seperti Malaikat jatuh".

Sonata Keempat dan Simfoni Ketiga menempati posisi yang murni sentral dalam karya Scriabin. Konsentrasi tuturan dipadukan di dalamnya, terutama dalam "Puisi Ilahi", dengan ragam palet suara dan pengalaman para pendahulu yang masih terasa jelas (paralel dengan Liszt dan Wagner). Jika kita berbicara tentang kualitas baru yang fundamental dari komposisi-komposisi ini, maka ini terutama terkait dengan bidang ekstasi.

Sifat keadaan gembira dalam musik Scriabin cukup kompleks dan tidak dapat didefinisikan dengan jelas. Rahasia mereka tersembunyi di kedalaman kepribadian komposer, meskipun di sini, jelas, baik "keinginan murni Rusia untuk ekstrim" (B. L. Pasternak) dan keinginan umum untuk menjalani "kehidupan sepuluh kali lipat" terpengaruh. Di dekat Scriabin adalah kultus Dionysian, ekstasi orgiastik, yang dimuliakan oleh Nietzsche dan kemudian dikembangkan oleh para pengikutnya di Rusia, terutama Vyach. Ivanov. Namun, "kegilaan" dan "kemabukan" Scriabin juga menunjukkan pengalaman psikologisnya yang sangat individual. Berdasarkan sifat musiknya, serta penjelasan verbal dalam sambutan penulis, komentar, catatan filosofis dan teks puitisnya sendiri, dapat disimpulkan bahwa ekstasi Scriabin adalah tindakan kreatif yang memiliki warna erotis yang kurang lebih berbeda. Polaritas "aku" dan "bukan-aku", resistensi dari "materi lembam" dan kehausan akan transformasinya, kemenangan penuh kegembiraan dari harmoni yang dicapai - semua gambar dan konsep ini menjadi dominan bagi komposer. Perpaduan antara "kecanggihan tertinggi" dengan "kemegahan tertinggi" juga menjadi indikasi, mewarnai semua komposisinya mulai sekarang.

Dengan kelengkapan dan konsistensi terbesar, bidang kiasan seperti itu diwujudkan dalam "Puisi Ekstasi" (1907) - sebuah komposisi untuk orkestra simfoni besar dengan partisipasi lima pipa, organ, dan lonceng. Dibandingkan dengan Simfoni Ketiga, tidak ada lagi "perjuangan", tetapi melambung di ketinggian tertentu, bukan penaklukan dunia, tetapi kebahagiaan memilikinya. Ketinggian di atas tanah dan penekanan pada emosi yang hidup secara tegas menarik perhatian lebih karena teks puitis Puisi masih menyebutkan "siksaan horor yang liar", dan "cacing rasa kenyang", dan "racun monoton yang membusuk". Pada saat yang sama, versi puitis dari karya tersebut (diselesaikan dan diterbitkan oleh Scriabin pada tahun 1906) memiliki kesejajaran yang nyata dengan versi musik utama. Teks puitisnya cukup detail, ritmis secara struktural (ulangannya adalah baris: "Semangat bermain, semangat berharap, semangat yang menciptakan segalanya dengan mimpi ...") dan memiliki dramaturgi "crescendoing" yang terarah (akhir baris Puisi: “Dan alam semesta bergema dengan seruan gembira, “Aku! "").

Pada saat yang sama, Scriabin sendiri tidak menganggap teks sastra Puisi tersebut sebagai komentar atas pertunjukan musik. Kemungkinan besar, di hadapan kita kita memiliki contoh karakteristik sinkretisme pemikirannya, ketika citra yang menggairahkan sang komposer secara bersamaan diekspresikan baik dalam bahasa musik maupun melalui metafora filosofis dan puitis.

Scriabin menulis The Poem of Ecstasy saat tinggal di luar negeri, yang tidak menghalangi dia untuk mengikuti peristiwa revolusi Rusia pertama dengan penuh minat. Menurut Plekhanov, dia bahkan bermaksud untuk memberikan karya simfoni dengan prasasti "Bangun, bangun, orang-orang yang bekerja!" Benar, dia mengungkapkan niat ini dengan agak malu. Mustahil untuk tidak menghormati rasa malunya: untuk mengasosiasikan dengan cara ini keadaan "permainan roh, semangat keinginan, semangat menyerah pada kebahagiaan cinta" hanya bisa menjadi peregangan yang sangat besar. Pada saat yang sama, suasana elektrifikasi pada zaman itu tercermin dalam skor ini dengan caranya sendiri, menentukan nada emosionalnya yang diilhami, bahkan digelembungkan.

Dalam The Poem of Ecstasy, Scriabin pertama kali sampai pada jenis komposisi satu bagian, yang didasarkan pada tema yang kompleks. Ketujuh tema ini dalam konteks komentar dan ucapan penulis diuraikan sebagai tema "mimpi", "pelarian", "ciptaan yang muncul", "kecemasan", "keinginan", "penegasan diri", "protes" . Interpretasi simbolik mereka ditekankan oleh ketetapan struktural mereka: tema-tema tersebut tidak terlalu tunduk pada pekerjaan motif karena mereka menjadi subjek variasi warna yang intens. Karenanya peningkatan peran latar belakang, rombongan - tempo, dinamika, amplitudo warna orkestra yang kaya. Identitas struktural dari tema-simbol itu menarik. Mereka adalah konstruksi singkat, di mana leksem impuls dan lesu romantis primordial - lompatan diikuti oleh slip berwarna - dibentuk menjadi konstruksi "melingkar" yang simetris. Prinsip konstruktif seperti itu memberikan keseluruhan yang nyata kesatuan batin. (…)

Dengan demikian, bentuk sonata tradisional tampak sangat termodifikasi dalam Poem of Ecstasy: di hadapan kita ada komposisi spiral multi-fase, yang intinya bukanlah dualisme bidang kiasan, tetapi dinamika keadaan gembira yang terus meningkat.

Jenis bentuk serupa digunakan oleh Scriabin dalam Sonata Kelima (1908), pendamping Puisi Ekstasi. Gagasan pembentukan roh di sini memperoleh corak tindakan kreatif yang berbeda, terbukti dari baris-baris prasasti yang telah dipinjam dari teks Puisi Ekstasi:

Saya memanggil Anda untuk hidup, aspirasi tersembunyi!
Anda tenggelam di kedalaman yang gelap
semangat kreatif, kamu penakut
Embrio kehidupan, aku membawakanmu keberanian!

Dalam musik sonata, masing-masing, kekacauan "kedalaman gelap" (bagian pembuka), dan citra "kehidupan embrio" (tema entri kedua, Languido), dan "keberanian" yang aktif, kuat -Suara yang diinginkan dapat ditebak. Seperti dalam "Puisi Ekstasi", kaleidoskop tematik beraneka ragam diatur menurut hukum bentuk sonata: bagian samping utama dan liris yang "terbang" dipisahkan oleh sebuah imperatif, dengan sentuhan Setanisme, pengikat (catatan Misterioso); gema dari bidang yang sama dirasakan Allegro fantastico dari angsuran terakhir. Pada tahap baru perkembangan musik, kehadiran gambar utama dalam keadaan kontemplatif yang dibatasi secara nyata berkurang, peningkatan intensitas gerakan mengarah pada kode ke versi yang diubah dari yang kedua. tema pembuka(episode Estatiko). Semua ini sangat mengingatkan pada akhir Sonata Keempat sebelumnya, jika bukan karena satu sentuhan penting: setelah suara klimaks dari estateico, musik kembali ke arus utama gerakan penerbangan dan terputus dengan bagian angin puyuh dari tema awal . Alih-alih menegaskan tonik utama tradisional, sebuah terobosan dibuat ke dalam bidang harmoni yang tidak stabil, dan dalam kerangka konsep sonata, ada kembali ke citra kekacauan asli (bukan kebetulan bahwa S. I. Taneev dengan sinis berkomentar tentang Sonata Kelima bahwa itu "tidak berakhir, tetapi berhenti").

Kami akan kembali ke momen pekerjaan yang sangat khas ini. Di sini perlu diperhatikan interaksi dalam sonata dari dua kecenderungan yang berlawanan. Yang satu dengan tegas "teleologis": itu berasal dari ide romantis tentang transformasi pemahaman akhir dan dikaitkan dengan perjuangan yang mantap untuk yang terakhir. Yang lain, lebih tepatnya, memiliki sifat simbolis dan menyebabkan fragmentasi, meremehkan, kefanaan gambar yang misterius (dalam pengertian ini, tidak hanya sonata, tetapi juga tema individualnya "tidak berakhir, tetapi berhenti", terputus dengan jeda bar dan sebagai jika menghilang ke ruang tanpa dasar). Hasil dari interaksi kecenderungan ini adalah akhir yang ambigu dari karya tersebut: ini melambangkan baik pendewaan pikiran kreatif maupun makhluk yang tidak dapat dipahami sepenuhnya.

Sonata Kelima dan "Puisi Ekstasi" mewakili tahap baru dalam evolusi ideologis dan gaya Scriabin. Kualitas baru terwujud dalam kedatangan komposer ke bentuk satu bagian dari jenis puisi, yang mulai sekarang menjadi optimal baginya. Puisi dapat dipahami dalam hal ini baik sebagai kebebasan berekspresi khusus, maupun sebagai kehadiran dalam karya program filosofis dan puitis, sebuah "plot" internal. Kompresi siklus menjadi struktur satu bagian, di satu sisi, mencerminkan proses musik imanen, yaitu keinginan Scriabin untuk ekspresi pikiran yang sangat terkonsentrasi. Di sisi lain, "monisme formal" (V. G. Karatygin) berarti bagi komposer upaya untuk mewujudkan prinsip persatuan yang lebih tinggi, untuk menciptakan kembali formula keberadaan yang mencakup segalanya: bukan kebetulan bahwa selama tahun-tahun ini dia tertarik pada konsep filosofis tentang "universum", "absolut", yang ia temukan dalam karya Schelling dan Fichte.

Dengan satu atau lain cara, Scriabin menciptakan jenis komposisi puisi aslinya sendiri. Dalam banyak hal, ini berorientasi pada Liszt, namun berbeda dari yang terakhir dalam kekakuan dan keteguhan yang lebih besar. Multiplisitas tematik sebagai hasil dari pemadatan siklus menjadi struktur gerakan tunggal tidak terlalu mengguncang proporsi skema sonata di Scriabin. Rasionalisme di bidang bentuk akan terus menjadi ciri khas gaya Scriabin.

Kembali ke Sonata Kelima dan "Puisi Ekstasi", harus ditekankan bahwa dalam kerangka periode kreativitas rata-rata, komposisi ini memainkan peran sebagai hasil tertentu. Jika dalam dua simfoni pertama konsep Roh memantapkan dirinya pada tataran gagasan, dan dalam Sonata Keempat dan Puisi Ilahi menemukan ekspresi yang memadai dalam bidang bahasa, maka dalam pasangan karya ini ia mencapai tataran bentuk, memberikan perspektif untuk semua kreasi besar selanjutnya dari komposer.

O.Mandelstam

Periode akhir Karya Scriabin tidak memiliki batas yang begitu jelas yang memisahkan periode awal dan pertengahan. Namun, perubahan yang dialami gaya dan idenya di tahun-tahun terakhir hidupnya menunjukkan dimulainya tahap baru secara kualitatif dalam biografi komposer.

Pada tahap baru ini, kecenderungan yang menjadi ciri karya-karya Scriabin tahun-tahun sebelumnya mencapai ketajamannya yang paling tinggi. Dengan demikian, dualitas dunia Scriabin yang abadi, yang condong ke arah "kemegahan tertinggi" dan "kehalusan tertinggi", diekspresikan, di satu sisi, dalam pendalaman ke dalam bidang emosi subjektif murni, sangat detail dan canggih, dan di sisi lain , dalam kehausan akan ruang lingkup kosmik yang agung. Di satu sisi, Scriabin menyusun komposisi besar dengan skala super musikal dan bahkan super artistik, seperti "The Poem of Fire" dan "Preliminary Action" - babak pertama dari "Misteri". Di sisi lain, dia kembali memperhatikan miniatur piano, menyusun karya-karya indah dengan judul-judul menarik: "Keanehan", "Topeng", "Teka-teki"…

Periode selanjutnya tidak seragam dalam hal penempatan sementara. Secara umum, ada dua fase. Satu, meliputi pergantian tahun 1900-1910-an, dikaitkan dengan penciptaan Prometheus, yang lain, pasca-Prometheus, mencakup sonata, pendahuluan, dan puisi terakhir, yang ditandai dengan pencarian lebih lanjut di bidang bahasa dan kedekatan dengan konsep Misteri.

"Prometheus" ("The Poem of Fire", 1910), sebuah karya untuk orkestra simfoni besar dan piano, dengan organ, paduan suara, dan keyboard ringan, tidak diragukan lagi merupakan ciptaan Scriabin yang paling signifikan "di kutub kemegahan". Muncul pada titik bagian emas dari jalur komposer, itu menjadi fokus dari hampir semua wawasan Scriabin.

Program "Puisi" sudah terkenal, terkait dengan mitos kuno Prometheus, yang mencuri api surgawi dan memberikannya kepada orang-orang. Gambar Prometheus, dilihat dari karya dengan nama yang sama oleh Bryusov atau Vyach. Ivanov, sangat sejalan dengan disposisi mitologis para Simbolis dan signifikansi yang melekat dalam puisi mereka pada mitologema api. Scriabin juga terus-menerus tertarik pada elemen api - sebut saja puisinya "To the Flame" dan lakon "Dark Lights". Yang terakhir, citra ganda dan ambivalen dari elemen ini sangat terlihat, seolah-olah termasuk elemen mantra magis. Prinsip iblis, melawan dewa juga hadir dalam "Prometheus" Scriabin, di mana ciri-ciri Lucifer dapat ditebak. Dalam hal ini, kita dapat berbicara tentang pengaruh ajaran teosofis pada gagasan karya tersebut, dan yang terpenting, "Doktrin Rahasia" H. P. Blavatsky, yang dipelajari oleh komposer dengan penuh minat. Scriabin terpesona oleh hipostasis iblis dari pahlawannya (pernyataannya diketahui: "Setan adalah ragi Semesta"), dan misinya yang cemerlang. Blavatsky mengartikan Lucifer terutama sebagai "pembawa cahaya" (lux + fero); Mungkin simbolisme ini sebagian telah menentukan gagasan tandingan cahaya dalam Puisi Scriabin.

Menariknya, di sampul edisi pertama partitur oleh seniman Belgia Jean Delville, yang ditugaskan oleh Scriabin, digambarkan kepala Androgyn, termasuk dalam "kecapi dunia" dan dibingkai oleh komet dan nebula spiral. Dalam gambar makhluk mitologis yang menggabungkan prinsip pria dan wanita ini, sang komposer melihat simbol Lucifer kuno.

Namun, jika kita berbicara tentang analog bergambar, dan bukan pada level tanda dan lambang, tetapi pada esensi gambar artistik, maka Prometheus dari Scriabin membangkitkan asosiasi dengan M. A. Vrubel. Pada kedua seniman tersebut, prinsip iblis muncul dalam kesatuan ganda antara roh jahat dan roh kreatif. Keduanya didominasi oleh skema warna biru-lilac: menurut sistem cahaya dan suara Scriabin, ditetapkan pada garis Luce (lihat di bawah untuk lebih jelasnya), itu adalah kunci F-sharp - kunci utama dari Poem of Api - yang sesuai dengan itu. Sangat mengherankan bahwa Blok melihat "Orang Asing" -nya dalam skala yang sama - ini, menurut penyair, "perpaduan jahat dari banyak dunia, kebanyakan biru dan ungu" ...

Seperti yang Anda lihat, dengan hubungan eksternal dengan plot kuno, Scriabin menafsirkan Prometheus dengan cara baru, selaras dengan refleksi artistik dan filosofis pada masanya. Baginya, Prometheus pada dasarnya adalah sebuah simbol; menurut program penulis, dia mempersonifikasikan "prinsip kreatif", "energi aktif alam semesta"; itu adalah "api, cahaya, hidup, perjuangan, usaha, pikiran." Dalam interpretasi gambar yang digeneralisasi secara maksimal, mudah untuk melihat hubungan dengan gagasan Roh yang sudah akrab, gagasan untuk menjadi harmoni dunia dari kekacauan. Hubungan berturut-turut dengan komposisi sebelumnya, terutama dengan "Puisi Ekstasi", secara umum mencirikan komposisi ini, untuk semua konsepnya yang baru dan belum pernah terjadi sebelumnya. Umum adalah ketergantungan pada bentuk multi-tema dari jenis puisi dan dramaturgi pendakian terus menerus - biasanya logika gelombang Scriabin tanpa resesi. Di sana-sini muncul tema-tema simbolik yang masuk ke dalam hubungan kompleks dengan hukum-hukum bentuk sonata. (…)

Kami mencatat (...) kesamaan dengan rencana umum "Puisi Ekstasi": dalam kedua karya tersebut, perkembangan bersifat impulsif, bergelombang, mulai dari antitesis dari languor - flight; di sana-sini fragmentaris, materi beraneka ragam kaleidoskopik tunduk pada gerakan mantap menuju pendewaan terakhir (di mana suara paduan suara ditambahkan ke warna orkestra dalam kasus kedua).

Namun, ini mungkin mengakhiri kemiripan antara karya Prometheus dan Scriabin sebelumnya. Pewarnaan umum dari "Puisi Api" sudah dianggap sebagai sesuatu yang baru, pertama-tama karena penemuan harmonis dari pengarangnya. Dasar suara dari komposisi ini adalah "Promethean six-tone", yang, dibandingkan dengan kompleks nada utuh yang digunakan sebelumnya, membawa rangkaian nuansa emosional yang lebih kompleks, termasuk ekspresi seminada dan intonasi nada rendah. "Blue-lilac Twilight" benar-benar mengalir ke dunia musik Scriabin yang hingga saat ini diresapi dengan "cahaya keemasan" (menggunakan metafora terkenal Blok).

Tapi ada perbedaan penting lainnya di sini dari "Puisi Ekstasi" yang sama. Jika yang terakhir dibedakan oleh kesedihan subjektif tertentu, maka dunia Prometheus lebih objektif dan universal. Juga tidak ada gambaran utama di dalamnya, mirip dengan “tema penegasan diri” pada karya simfoni sebelumnya. Piano solo, pada awalnya seolah-olah menantang massa orkestra, kemudian tenggelam dalam suara umum orkestra dan paduan suara. Menurut pengamatan beberapa peneliti (A. A. Alshvang), sifat "Puisi Api" ini mencerminkan momen penting dalam pandangan dunia almarhum Scriabin - yaitu, peralihannya dari solipsisme ke idealisme objektif.

Namun, di sini diperlukan reservasi yang serius mengenai kekhasan pengalaman filosofis dan religius Scriabin. Paradoksnya adalah bahwa idealisme objektif Scriabin (salah satu pendorongnya adalah ide-ide Schelling) adalah tingkat solipsisme yang ekstrim, karena pengakuan Tuhan sebagai semacam kekuatan absolut baginya menjadi pengakuan Tuhan dalam dirinya sendiri. Tetapi dalam praktik kreatif komposer, tahap baru pendewaan diri ini menyebabkan perubahan nyata dalam aksen psikologis: kepribadian pengarang tampaknya surut ke dalam bayang-bayang - sebagai juru bicara suara ilahi, sebagai pelaksana dari apa yang telah ditentukan sebelumnya dari atas. . “... Perasaan terpanggil ini, ditakdirkan untuk melakukan beberapa tugas tunggal,” B. F. Schlozer mencatat dengan wajar, “secara bertahap menggantikan kesadaran Scriabin akan tujuan yang ditetapkan secara bebas, yang dia cita-citakan saat bermain, dan dari mana dia, di dengan cara yang sama, bisa secara sukarela menolak. Di dalam dirinya, dengan cara ini, kesadaran individu terserap oleh kesadaran perbuatan. Dan selanjutnya: "Dari perutisme melalui pendewaan diri, Scriabin dengan demikian datang melalui pengalaman batinnya ke pemahaman tentang sifatnya, sifat manusia, sebagai pengorbanan diri dari Yang Ilahi."

Untuk saat ini, kami tidak akan mengomentari baris terakhir kutipan ini, yang mencirikan hasil perkembangan spiritual Scriabin dan terkait dengan rencana misterinya. Penting untuk dicatat bahwa dalam "Prometheus" cara berpikir ini telah berubah menjadi peningkatan objektivitas ide musik. Seolah-olah "Roh" Scriabin, yang tidak lagi merasakan kebutuhan akan penegasan diri, mengalihkan pandangannya ke ciptaannya - kosmos dunia, mengagumi warna, suara, dan aromanya. Kecemerlangan yang mempesona dengan tidak adanya "kecenderungan" sebelumnya adalah ciri khas dari "Puisi Api", memberikan alasan untuk memahami karya ini di antara ide-ide penggubah selanjutnya.

Namun, kecemerlangan palet suara ini sama sekali tidak berharga. Kami telah menyebutkan interpretasi simbolis dari tema musik Prometheus, yang bertindak sebagai pembawa (setara suara) dari makna kosmik universal. Metode "penulisan simbol" mencapai konsentrasi khusus dalam "Puisi", mengingat bahwa "akord Promethean" itu sendiri - dasar suara dari karya tersebut - dianggap sebagai "akord Pleroma", simbol kepenuhan dan kekuatan eksistensi yang misterius. Di sini tepat untuk berbicara tentang makna rencana esoteris dari "Puisi Api" secara keseluruhan.

Rencana ini langsung kembali ke misteri "tatanan dunia" dan termasuk, bersama dengan simbol yang disebutkan, beberapa elemen tersembunyi lainnya. Telah dikatakan tentang pengaruh ajaran teosofi terhadap gagasan Puisi Api. Karya Scriabin terhubung dengan "Doktrin Rahasia" Blavatsky baik citra Prometheus (lihat bab Blavatsky "Prometheus - Titan"), dan teori korespondensi cahaya-suara. Simbolisme numerik juga tampaknya tidak disengaja dalam seri ini: "kristal" enam sisi dari akord Promethean mirip dengan "segel Sulaiman" (atau simbol berujung enam yang secara simbolis digambarkan di bagian bawah sampul partitur); dalam Puisi ada 606 ukuran - angka suci yang sesuai dengan simetri triadik dalam lukisan gereja abad pertengahan yang terkait dengan tema Ekaristi (enam rasul di kanan dan kiri Kristus).

Tentu saja, penghitungan satuan waktu yang cermat dan keselarasan keseluruhan bentuk, termasuk proporsi "bagian emas" yang diamati dengan tepat (sketsa karya komposer yang masih ada berbicara tentang karya ini), dapat dianggap sebagai bukti pemikiran rasional, seperti serta keakraban dengan metode metrotektonik G. E. Konius ( yang merupakan salah satu guru Scriabin). Namun dalam konteks konsep Prometheus, fitur-fitur ini memperoleh muatan semantik tambahan.

Dalam hubungan yang sama, kami mencatat rasionalitas murni dari sistem harmonik: "harmoni total" dari enam nada Promethean dapat dianggap sebagai perwujudan dari prinsip teosofis "Omnia ab et in uno omnia" - "segalanya dalam segala hal" . Dari momen-momen penting lainnya dari pekerjaan itu, ada baiknya memperhatikan bagian terakhir dari paduan suara. Suara-suara dinyanyikan di sini e - a - o - ho, a - o - ho- ini bukan hanya vokalisasi vokal, yang melakukan fungsi fonik murni, tetapi varian dari kata tujuh vokal suci, yang mempersonifikasikan kekuatan pendorong kosmos dalam ajaran esoteris.

Tentu saja, semua makna tersembunyi ini, yang ditujukan kepada "inisiat" dan yang terkadang hanya bisa ditebak, membentuk lapisan konten yang sangat spesifik dan sama sekali tidak meniadakan kekuatan langsung dari dampak emosional Puisi Api. Tetapi kehadiran mereka di akhir Scriabin berfungsi sebagai gejala yang paling penting: seninya semakin kurang puas dengan tugas-tugas estetika murni dan semakin berusaha untuk menjadi aksi, sihir, sinyal hubungan dengan pikiran dunia. Pada akhirnya, pesan semacam itu menjadi sangat penting bagi Scriabin dalam pendekatannya terhadap Misteri.

Namun, bahkan sebagai fenomena artistik murni, Prometheus adalah tonggak sejarah dalam jalur penulisan Scriabin. Derajat radikalisme inovatif di sini sedemikian rupa sehingga karya tersebut menjadi semacam lambang pencarian kreatif abad ke-20. Penulis "Puisi Api" dekat dengan seniman avant-garde dengan mempelajari "batas" artistik, pencarian tujuan di tepi dan di luar tepi seni. Pada tingkat mikro, ini memanifestasikan dirinya dalam detail pemikiran harmonik, pada tingkat makro, melampaui musik menjadi bentuk sintesis baru yang sebelumnya tidak dikenal ("simfoni ringan"). Mari kita lihat lebih dekat kedua sisi pekerjaan ini.

Di Prometheus, Scriabin pertama kali sampai pada teknik determinisme nada yang disebutkan, ketika seluruh jalinan musik berada di bawah kompleks harmonik yang dipilih. “Tidak ada satu pun catatan tambahan di sini. Ini gaya yang ketat, ”sang komposer sendiri berbicara tentang bahasa Puisi. Teknik ini secara historis berkorelasi dengan munculnya A. Schoenberg ke dodecaphony dan merupakan salah satu penemuan musik terbesar abad ke-20. Bagi Scriabin sendiri, itu berarti tahapan baru dalam perwujudan prinsip Yang Mutlak dalam musik: "monisme formal" dari "Puisi Ekstasi" diikuti oleh "monisme harmonik" dari "Puisi Api".

Tapi selain kombinatorik nada, sifat kompleks harmonik Scriabin, yang berorientasi, tidak seperti dodekafoni Schoenberg, ke akord vertikal juga patut diperhatikan. Yang terakhir ini diasosiasikan oleh Sabaneev dengan konsep "harmoni-timbre" dan mengandung bibit kemerduan baru. Dalam hal ini, sisi fonik sebenarnya dari akord Promethean, yang ditunjukkan oleh bilah pertama dari "Puisi Api", menarik perhatian. Diketahui bahwa Rachmaninoff, yang mendengarkan karya tersebut, tertarik dengan pewarnaan timbre yang tidak biasa dari fragmen ini. Rahasianya bukanlah orkestrasi, tetapi harmoni. Bersama dengan aransemen keempat dan pedal yang dipegang untuk waktu yang lama, ini menciptakan efek warna-warni yang mempesona dan dianggap sebagai prototipe cluster nyaring - wawasan lain dari Scriabin tentang musik masa depan.

Terakhir, sifat struktural dari "promethean six-sound" adalah indikasi. Muncul karena perubahan akord kelompok dominan, selama pembuatan "Puisi Api" itu dibebaskan dari nada suara tradisional dan dianggap oleh penulis sebagai struktur independen yang berasal dari nada. Seperti yang ditunjukkan oleh Scriabin sendiri dalam sketsa kerja Prometheus yang disebutkan di atas, itu dibentuk oleh nada atas skala alam; di sini adalah varian dari pengaturan kuartalnya. Karya-karya komposer selanjutnya, di mana struktur ini dilengkapi dengan suara-suara baru, mengungkapkan keinginan untuk menutupi seluruh skala dua belas nada dan fokus potensial pada ultrachromatic. Benar, Scriabin, dalam kata-kata Sabaneev, hanya melihat ke dalam "jurang ultrachromatic", tidak pernah melampaui temperamen tradisional dalam karya-karyanya. Namun, argumennya tentang "suara perantara" dan bahkan tentang kemungkinan membuat alat khusus untuk mengekstraksi nada seperempat adalah karakteristiknya: mereka bersaksi mendukung keberadaan utopia interval mikro tertentu. Inovasi harmonis Prometheus juga berfungsi sebagai titik awal dalam hal ini.

Apa bagian ringan dari "Puisi Api"? Di baris Luce, baris teratas skor, dengan bantuan not-not lama, Scriabin merekam rencana nada-harmonik dari karya tersebut dan pada saat yang sama dramaturgi warna-cahayanya. Seperti yang dikandung oleh komposer, ruang gedung konser harus dicat dengan nada berbeda, sesuai dengan perubahan fondasi harmonik nada. Pada saat yang sama, bagian Luce, yang dimaksudkan untuk clavier cahaya khusus, didasarkan pada analogi antara warna spektrum dan kunci lingkaran keempat (menurutnya, warna merah sesuai dengan nada sebelum, oranye - garam, kuning - ulang dll.; alas bedak berwarna sesuai dengan warna transisi, dari ungu ke merah muda).

Scriabin berusaha untuk mengikuti analogi semu-ilmiah antara rangkaian spektral dan tonal ini karena dia ingin melihat beberapa faktor obyektif di balik eksperimen yang dia lakukan, yaitu manifestasi hukum kesatuan yang lebih tinggi yang mengatur segalanya dan semua orang. Pada saat yang sama, dalam visinya tentang musik, ia melanjutkan dari sinopsis - kemampuan psiko-fisiologis bawaan dari persepsi warna suara, yang selalu individual dan unik (Sabaneev mencatat perbedaan dalam pendengaran warna di Scriabin dan Rimsky-Korsakov, mengutip komparatif tabel). Inilah kontradiksi dari ide cahaya dan musik Scriabin dan kesulitan implementasinya. Mereka juga diperparah oleh fakta bahwa sang komposer membayangkan rangkaian gambar yang lebih kompleks, tidak dapat direduksi menjadi penerangan ruang yang sederhana. Dia memimpikan garis dan bentuk yang bergerak, "pilar api" yang besar, "arsitektur fluida", dll.

Selama masa hidup Scriabin, tidak mungkin menerapkan proyek pencahayaan. Dan bukan hanya ketidaksiapan teknis dari eksperimen ini: proyek itu sendiri mengandung kontradiksi yang serius, jika kita membandingkan fantasi visual canggih dari komposer dengan pandangan yang sangat skematis yang direduksi menjadi bagian dari Luce. Adapun inisiatif teknik dan teknis, itu ditakdirkan untuk memainkan peran penting dalam nasib masa depan "simfoni ringan" dan musik ringan pada umumnya - hingga percobaan terbaru dengan lukisan abstrak bergerak, yang mampu memberikan efek dekat. untuk "arsitektur cairan", dan "pilar api...

Mari kita sebutkan dalam hubungan ini penemuan seperti piano optofonik oleh V. D. Baranova-Rossine (1922), instalasi warna-cahaya oleh M. A. Skryabina, dan penyintesis suara optik elektronik ANS (Alexander Nikolaevich Skryabin) oleh E. A. Murzin (di Museum of A. N. Scriabin), instrumen Prometheus, dikembangkan oleh biro desain di Kazan Aviation Institute, dan alat Musik Berwarna oleh K. N. Leontiev (1960-1970-an), dll.

Menariknya, sebagai fenomena estetika, gagasan Scriabin tentang musik kasat mata ternyata sangat sejalan dengan seniman avant-garde Rusia. Jadi, sejalan dengan Prometheus, V. V. Kandinsky (bersama dengan komposer F. A. Hartman dan penari A. Sakharov) mengerjakan komposisi "Yellow Sound", di mana ia menyadari persepsi musiknya sendiri tentang warna. M. V. Matyushin, penulis musik untuk pertunjukan futuristik Victory over the Sun, sedang mencari hubungan antara penglihatan dan pendengaran. Dan A. S. Lurie dalam siklus piano “Forms in the Air” menciptakan semacam notasi musik quasi-cubist.

Benar, semua ini tidak berarti bahwa "Puisi Api" diharapkan pada abad ke-20 secara eksklusif oleh "lampu hijau". Sikap terhadap ide sintetik Scriabin, serta terhadap "karya seni total" dalam versi Wagnerian atau Simbolis pada umumnya, berubah selama bertahun-tahun - hingga penolakan skeptis terhadap eksperimen semacam itu oleh komposer dari arah anti-romantis. I. F. Stravinsky dalam "Musical Poetics" -nya mendalilkan swasembada ekspresi musik. Kemandirian ini dipertahankan dengan lebih tegas lagi oleh P. Hindemith, yang membuat parodi pedas dari Gesamtkunstwerk dalam bukunya The World of the Composer. Situasi agak berubah pada paruh kedua abad ini, ketika, seiring dengan "rehabilitasi" cara berpikir romantis, minat pada masalah sinestesia, pada bentuk artistik "perasaan kompleks", diperbarui. Di sini, prasyarat teknis dan estetika mulai berkontribusi pada kebangkitan simfoni cahaya - jaminan kelangsungan hidup Puisi Api.

Tapi mari kita kembali ke jalur penulisan Scriabin. Penulisan Prometheus didahului oleh periode waktu yang agak lama, dari tahun 1904 hingga 1909, ketika Scriabin tinggal terutama di luar negeri (di Swiss, Italia, Prancis, Belgia; tur ke AS juga dilakukan pada tahun 1906-1907). Dilihat dari fakta bahwa pada saat itulah karya paling mendasar diciptakan atau dikandung, dari Puisi Ilahi hingga Puisi Api, ini adalah tahun-tahun peningkatan intensitas kreatif dan pertumbuhan spiritual. Kegiatan Scriabin tidak terbatas pada tur konser. Ide komposisinya diperbarui, lingkaran bacaan dan kontak filosofis diperluas (termasuk komunikasi dengan perwakilan masyarakat teosofis Eropa). Secara paralel, ketenaran Scriabin tumbuh di Rusia dan luar negeri.

Tidaklah mengherankan bahwa sekembalinya ke Moskow, dia sudah menjadi master yang dimahkotai, dikelilingi oleh pengagum dan peminat yang setia. Musiknya dibawakan oleh pianis dan konduktor paling terkemuka - I. Hoffman, V. I. Buyukli, M. N. Meichik, A. I. Ziloti, S. A. Koussevitzky dan lain-lain, termasuk K. S. Saradzhev, B. V. Derzhanovsky, M. S. Nemenova-Lunts, A. Ya. Mogilevsky, A. B. Goldenweiser , E. A. Beckman-Shcherbina (kemudian lingkaran tersebut diubah menjadi Scriabin Society).

Pada saat yang sama, selama lima tahun terakhir kehidupan sang komposer (1910 - 1915), lingkaran kontak langsungnya dengan manusia terasa menyempit. Di apartemen di Nikolo-Peskovsky, tempat musik Scriabin dimainkan dan ada pembicaraan tentang "Misteri" -nya, suasana dengan kebulatan suara menguasai (dijaga dengan hati-hati oleh istri kedua komposer, T. F. Schlozer). Namun, di antara para pengunjung rumah Scriabin tidak hanya ada pendengar yang antusias, tetapi juga para lawan bicara yang giat. Cukuplah dikatakan bahwa N. A. Berdyaev, S. N. Bulgakov, M. O. Gershenzon, Vyach. I. Ivanov.

Komposer memiliki persahabatan yang sangat dekat dengan yang terakhir. Dia dicetak di salah satu puisi oleh Vyach. Ivanov, di mana ada, misalnya, baris berikut:

Istilah dua tahun diberikan kepada kami oleh takdir.
Saya pergi kepadanya - "pada cahaya";
Dia mengunjungi rumahku. Menunggu penyair
Untuk lagu kebangsaan baru, penghargaan tinggi, -
Dan ingat clavier keluarga saya
Jari-jarinya adalah sentuhan ajaib ...

Penyair itu kemudian menulis: “... landasan mistik yang mendasari pandangan dunia ternyata menjadi hal yang umum bagi kami, banyak hal khusus dari pemahaman intuitif yang umum, dan khususnya, pandangan tentang seni adalah hal yang umum ... Saya ingat pemulihan hubungan ini dengan hormat rasa syukur." Kami akan kembali ke pandangan umum tentang seni nanti. Perlu juga dicatat di sini bahwa lingkaran kontak seperti itu, dengan keketatannya yang terkenal, sangat mendukung rencana dan gagasan yang ditetaskan Scriabin di tahun-tahun terakhir hidupnya.

Sebenarnya, mereka semua bermuara pada satu hal - ide dan penerapan "Misteri". Scriabin memahami "Misteri" sebagai tindakan kuasi-liturgi yang megah, di mana berbagai jenis seni akan digabungkan dan yang pada akhirnya akan mencapai tindakan transformasi spiritual universal. Gagasan ini, di mana sang komposer pergi dengan sangat konsisten dan sengaja, adalah hasil dari perasaan "aku" -nya sendiri yang berlebihan. Tetapi Scriabin datang ke sana tidak hanya melalui jalur seorang filsuf solipsistik. Dia menarik kesadaran akan misi ketuhanannya sendiri dalam bakat musik yang brilian, yang memungkinkan dia untuk merasakan dirinya sebagai penguasa di bidang suara, dan karenanya, pelaksana dari suatu keinginan yang lebih tinggi. Bagaimanapun, sintesis dari semua jenis aktivitas artistik dan manusia secara umum dalam "karya seni total" yang akan datang, yang diimpikan oleh Scriabin dan para Simbolis sezamannya, harus diselesaikan, menurut gagasan mereka, di bawah tanda " semangat musik” dan di bawah naungan musik sebagai seni tertinggi. Dari sudut pandang ini, keyakinan Scriabin pada panggilan dan niatnya sendiri untuk segera mewujudkan proyeknya terlihat termotivasi secara psikologis.

Ciptaan terakhir Scriabin seharusnya memusatkan kekuatan magis seni melalui sintesis artistik dan melalui ritus-ritual, di mana tidak akan ada aktor dan penonton, dan setiap orang hanya akan menjadi peserta dan inisiasi. Mengikuti program "Misteri", para "pendeta" tampaknya terlibat dalam semacam sejarah kosmogonik, mengamati perkembangan dan kematian ras manusia: dari kelahiran materi hingga spiritualisasi dan penyatuan kembali dengan Tuhan Sang Pencipta. Tindakan reuni ini seharusnya berarti "api alam semesta", atau ekstasi universal.

Dalam deskripsi oleh Scriabin sendiri tentang latar pertunjukan Misteri, India yang legendaris dan sebuah kuil di danau disebutkan; prosesi, tarian, dupa; pakaian khusus dan khusyuk; simfoni warna, aroma, sentuhan; bisikan, suara tak dikenal, sinar matahari terbenam dan bintang yang berkelap-kelip; bacaan mantera, suara terompet, harmoni fatal kuningan. Mimpi semi-fantastis ini digabungkan dengan urusan yang cukup duniawi: mencari dana untuk pembangunan ruangan khusus dengan amfiteater tempat aksi akan dimainkan, merawat musisi yang tampil, mendiskusikan perjalanan yang akan datang ke India ...

Scriabin tidak menyadari proyeknya, rencananya terganggu oleh kematian mendadaknya. Dari apa yang dia rencanakan, dia hanya berhasil menulis teks puitis dan sketsa musik fragmen dari "Babak Pendahuluan" - babak pertama dari "Misteri".

Gagasan "Tindakan Pendahuluan", lahir bukan tanpa pengaruh Vyach. Ivanov, tampaknya, muncul bukan secara kebetulan. Karya ini dipahami oleh komposer sebagai pendekatan terhadap "Misteri", tetapi sebenarnya itu seharusnya menjadi komprominya, versi yang dapat direalisasikan - ide utamanya terlalu muluk, utopianitas yang mungkin secara tidak sadar dirasakan oleh Scriabin. Sketsa yang bertahan memungkinkan kita untuk menebak sifat musik yang diduga - halus, kompleks, dan bermakna. Museum Scriabin memiliki 40 lembar draf sketsa "Tindakan Pendahuluan". Selanjutnya, upaya dilakukan untuk merekonstruksinya - baik dalam bentuk komposisi paduan suara dengan bagian qari, di mana teks syair Scriabin digunakan (S. V. Protopopov), atau dalam versi orkestra simfoni (A. P. Nemtin).

Tetapi musik Misteri juga dapat dinilai dari komposisi Scriabin yang telah selesai ditulis, yang ia ciptakan di tahun-tahun terakhir hidupnya. Miniatur sonata dan piano yang muncul setelah "Prometheus", pada dasarnya, menjadi batu bata bangunan musik masa depan dan pada saat yang sama - "sekolah inisiasi" bagi pendengar-peserta "Misteri".

Dari lima terlambat sonata hampir secara tekstual beresonansi dengan sketsa yang disebutkan dari "Aksi Pendahuluan" Kedelapan (mungkin itulah sebabnya Scriabin sendiri tidak memainkannya di atas panggung, melihat di dalamnya penggalan ide masa depan yang lebih penting). Secara keseluruhan, sonata-sonata itu dekat satu sama lain dalam kecanggihan bahasa dan ketergantungan pada komposisi puisi satu gerakan, yang sudah diuji sebelumnya oleh Scriabin. Pada saat yang sama, dunia mendiang Scriabin muncul di sini dalam berbagai penyamaran.

Jadi, Sonata Ketujuh, yang oleh komposer disebut "massa putih", dekat dengan "Puisi Api" dalam hal struktur musik. Komposisinya diresapi dengan elemen magis dan mantera: "pukulan takdir" yang fatal, angin puyuh "kosmik" yang cepat, suara "lonceng" yang tak henti-hentinya - terkadang sunyi dan terlepas secara misterius, terkadang menggelegar, seperti alarm. Musik Keenam lebih kamar, terkonsentrasi suram, di mana dalam harmoni warna minor "Promethean enam nada", frekuensi rendah mendominasi.

Kontras antara Sonata Kesembilan dan Kesepuluh bahkan lebih kuat. Dalam Sonata Kesembilan, "massa hitam", tema bagian samping yang rapuh dan sebening kristal berubah menjadi pawai neraka di reprise. Dalam tindakan "penodaan yang suci" dan diabolisme yang merajalela ini (menggantikan mantan pendewaan cahaya ilahi) berpuncak pada garis setan musik Scriabin, yang disinggung sebelumnya dalam "Ironies", "Satanic Poem" dan beberapa komposisi lainnya. (Sabaneev menghubungkan gagasan Sonata Kesembilan dengan lukisan karya N. Shperling yang tergantung di rumah Scriabin. “Yang terpenting,” tulisnya, “A. N. mengeluh tentang gambar di mana ksatria mencium halusinasi yang muncul dari Ibu abad pertengahan Tuhan.")

Sonata Kesepuluh dipahami dengan sangat berbeda. Keindahan musik yang magis ini, seolah-olah dipenuhi dengan keharuman dan kicau burung, penciptanya sendiri mengasosiasikannya dengan hutan, dengan alam duniawi; pada saat yang sama, dia berbicara tentang konten mistik dan dunia lain, melihat di dalamnya, seolah-olah, tindakan terakhir dari pelepasan materi, "penghancuran fisik".

Di daerah miniatur piano Tanda gaya akhir adalah pemrograman yang ditafsirkan secara khusus. Saya sendiri prinsip program dalam musik piano pergantian abad bukanlah hal yang baru - orang dapat mengingat setidaknya pendahuluan dari C. Debussy. Scriabin juga dekat dengan Debussy berdasarkan sifat interpretasinya: minimal piktorialisme eksternal dan maksimal psikologi. Tetapi bahkan dalam perbandingan ini, musik Scriabin terlihat lebih introspektif: dari segi judul karya, itu bukan Awan atau Langkah di Salju, tetapi Topeng, Keanehan, Keinginan, Puisi Aneh ...

Biasanya, pemrograman memerlukan elemen konkretisasi figuratif, dan elemen ini sampai batas tertentu hadir dalam lakon Scriabin. Jadi, "Karangan Bunga" didasarkan pada bentuk rantai bagian-bagian kecil, dan "Kerapuhan" dibingkai dalam struktur "rapuh" yang tidak stabil secara fungsional, yang dapat diartikan sebagai bentuk sonata tanpa pengembangan, dan sebagai tiga- bentuk bagian dengan coda (jenis bentuk sintetis). Pada saat yang sama, spesifikasi seperti itu sangat bersyarat. Menarik seolah-olah pada realitas non-musikal, Scriabin tidak pernah melampaui batas ekspresi musik yang imanen, hanya mengasah dan memusatkannya dengan cara baru.

Seperti yang sudah disebutkan, di masa selanjutnya, karya Scriabin terus berkembang secara aktif. Ini, pada kenyataannya, memaksa kita untuk memilih tahap terakhir pasca-Promethean di dalamnya, yang menunjukkan perubahan lebih lanjut di bidang bahasa musik dan pada saat yang sama - tentang hasil dari seluruh jalur komposer.

Salah satu hasil ini adalah peningkatan hierarki sistem bahasa, di mana harmoni menikmati hak monopoli mutlak. Itu menaklukkan semua alat ekspresi lainnya, termasuk melodi. Ketergantungan horizontal pada vertikal, atau lebih tepatnya, gagasan melodi sebagai harmoni yang terurai dalam waktu, Scriabin sendiri mendefinisikan konsep "harmoni-melodi". Seluruh "Puisi Ekstasi" sudah didasarkan pada "melodi harmoni". Dimulai dengan Prometheus, di mana prinsip determinisme nada lengkap dari keseluruhan beroperasi, fenomena ini diakui sebagai keteraturan.

Namun akan salah untuk berbicara dalam hubungan ini tentang penyerapan penuh prinsip melodi oleh harmoni. Melodi Scriabin juga memiliki logika perkembangan evolusinya sendiri. Dari cantilena romantis yang diperluas dari karya awalnya, komposer beralih ke jenis ucapan aphoristik, ke fragmentasi motif garis dan peningkatan ekspresi sugestif dari intonasi individu. Ekspresifitas ini diperburuk oleh interpretasi simbolis terhadap tema-tema di masa dewasa dan selanjutnya (sebut saja misalnya tema "kehendak" dalam "Puisi Api" atau tema "kuil yang tidak aktif" dari Sonata Kesembilan). Oleh karena itu, orang dapat setuju dengan Sabaneev, yang mencatat bahwa di tahun-tahun terakhirnya, Scriabin, meskipun berhenti menjadi melodis, menjadi seorang "tematikis".

Jika kita berbicara tentang sistem harmonik yang tepat dari almarhum Scriabin, maka sistem itu berkembang di sepanjang jalur komplikasi lebih lanjut. Logika perkembangannya terdiri dari dua kecenderungan yang berlawanan. Di satu sisi, lingkaran elemen yang sebanding secara fungsional semakin menyempit, akhirnya berkurang menjadi satu jenis urutan otentik. Di sisi lain, seiring berjalannya penyempitan ini, unit harmoni Scriabin, yaitu akor vertikal, menjadi semakin kompleks dan multi-komponen. Dalam komposisi karya-karya selanjutnya, setelah "akor Promethean" enam nada, kompleks delapan dan sepuluh nada muncul, yang didasarkan pada tangga nada seminada. (…)

Ritme dan tekstur umumnya muncul di akhir Scriabin dalam fungsi yang diperbarui. Merekalah yang terkadang merangsang stratifikasi linier harmoni. Peran khusus dimiliki oleh kasus ostinato seperti itu (seperti dalam pendahuluan yang baru saja disebutkan). Selain mempengaruhi keharmonisan, prinsip ostinato memiliki arti tersendiri. Bersama dengannya, musik Scriabin, yang asalnya "antroposentris", menumbuhkan momen perasaan manusia yang berubah-ubah, tampaknya diserang oleh semacam kekuatan transpersonal, baik "jam Keabadian", atau infernal danse mengerikan, seperti di Sonata Kesembilan atau di Api Gelap ". Dengan satu atau lain cara, di hadapan kita ada inovasi lain tahun terakhir, bukti lain dari pencarian komposer yang sedang berlangsung.

Masa akhir karya Scriabin menimbulkan banyak pertanyaan, salah satunya terkait penilaian kualitatifnya. Faktanya adalah bahwa musikologi resmi Soviet menganggapnya, lebih tepatnya, dengan cara yang negatif. Hilangnya komposisi kontras selanjutnya - konsonan dan disonansi, pasang surut, tonik dan non-tonik - dipandang sebagai gejala krisis, kebuntuan terakhir. Memang, rentang gaya kiasan musik Scriabin menyempit selama bertahun-tahun; pembatasan diberlakukan oleh prinsip harmoni "total", ketergantungan pada jenis struktur suara yang sama. Pada saat yang sama, sistem bahasa penggubah tidak sepenuhnya hermetis, pola baru muncul menggantikan pola lama. Penyempitan disertai dengan pendalaman dan perincian, penetrasi ke dalam mikropartikel materi suara. Ekspresi yang diperbarui dan dipadatkan secara khusus, contoh-contoh yang telah kita lihat di atas, menentukan nilai tanpa syarat dari karya-karya selanjutnya.

Namun, pertanyaan tentang menilai periode akhir memiliki sisi lain. Kami telah mengutip posisi Yavorsky, yang mendengar dalam karya Scriabin selanjutnya "lagu angsa jiwa", "nafas terakhir dari gelombang yang menghilang". Ia menganggap jalur kreatif komposer sebagai sesuatu yang lengkap dan melelahkan. Dengan pendekatan ini, konsep "periode akhir" tidak memperoleh kronologis, tetapi beberapa makna esensial.

B. V. Asafiev dan V. G. Karatygin melihat jalur ini secara berbeda - bukan busur tertutup, tetapi garis lurus yang menanjak dengan cepat. Kematian mendadak menyela pekerjaan Scriabin di ambang penemuan paling berani - pandangan ini juga dipegang oleh banyak peneliti Scriabin lainnya. Posisi mana yang benar? Bahkan saat ini sulit untuk memberikan jawaban yang pasti untuk pertanyaan ini. Bagaimanapun, apa, menurut Yavorsky, kelelahan emosional dan psikologis, tidak demikian dalam hal bahasa dan estetika. Inovasi mendiang Scriabin melesat ke masa depan, dilanjutkan dan dikembangkan di masa-masa berikutnya. Dalam pengertian ini, konsep "garis lurus naik" sudah lebih valid.

Dan dari sudut pandang jalan Scriabin, periode akhir ternyata menjadi semacam titik puncak, fokus dari tujuan dan tugas yang menjadi tujuan komposer sepanjang hidupnya. B. F. Schlozer, berbicara tentang pentingnya konsep Misteri bagi Scriabin, menekankan bahwa studi tentang karyanya harus dimulai dengan Misteri, dan tidak diakhiri dengan itu. Untuk semua itu "misterius", semuanya memantulkan cahaya proyeknya, seperti cahaya bintang yang terang dan jauh yang tidak dapat diakses. Hal serupa dapat dikatakan tentang seluruh periode akhir, yang memusatkan filosofi musik Scriabin, makna dan tujuannya.

____________________________________
Saya bernyanyi saat laring adalah keju, jiwa kering,
Dan tatapannya cukup lembab, dan kesadarannya tidak licik.
O.Mandelstam

Mari kita lihat lebih dekat prinsip filosofis dan estetis Kreativitas Scriabin, yang terlihat dalam "perspektif terbalik" jalur evolusinya, dari puncak gagasan terkini. Dalam presentasi berikut, kami akan menyentuh seluruh warisan komposer - tetapi tidak dalam aspek kronologis progresif, tetapi dengan serangkaian ide umum tertentu. Ide-ide ini, yang semakin jelas menjelang akhir hidup Scriabin, memiliki pengaruh besar pada kreativitas musiknya.

Pertanyaan tentang interaksi antara filosofi dan musik Scriabin telah disinggung di atas. Patut dicatat bahwa, setelah menjadikan seninya sebagai instrumen sistem filosofis, sang komposer tidak mengkompromikan hukum musiknya sendiri, berhasil menghindari ketelitian dan kesusastraan yang dangkal yang mungkin terjadi dalam kasus seperti itu. Ini mungkin terjadi karena teori filosofis itu sendiri, yang dikumpulkan oleh Scriabin dari gudang spiritual budaya simbolis, cenderung perwujudan musik. Dengan demikian, gagasan keberanian kreatif, yang muncul dari kekacauan harmoni dunia, dipahami oleh Scriabin sebagai hukum musik internal (ingat Sonata Kelima dengan gerakannya dari keadaan semi-ilusi, terkekang menjadi kemenangan yang luar biasa. ). Dalam seni musik, tidak seperti di tempat lain, efek transformasi, transfigurasi, yang mendasari metode artistik simbolis, dapat dicapai; Scriabin mewujudkannya dalam dramaturgi sonata multi-fase spesifik, penghilangan kerudung semantik multi-tahap dari prototipe. Dan ambiguitas musik sebagai seni digunakan oleh komposer dalam aspek simbolisasi, karena, tidak seperti musisi lain, dia memiliki karunia "tulisan rahasia" (ingat tema sphinx dari gubahannya atau tajuk menarik di kemudian hari). miniatur).

Namun keterlibatan Scriabin dalam budaya kontemporer juga terwujud dalam skala yang lebih luas, dimulai dari tugas fundamental kreativitas dan pandangan seni. Titik awal bagi komposer adalah konsep romantisme kreativitas artistik, yang menurutnya yang terakhir dipahami sebagai sesuatu yang imanen dalam kehidupan dan mampu mempengaruhi kehidupan ini secara radikal. Orang-orang sezaman Scriabin, penyair dan filsuf Simbol Muda (di atas segalanya, Bely dan Vyach. Ivanov) mengangkat kekuatan seni yang efektif ini ke dalam konsep sihir. Itu adalah teurgi (sihir, transfigurasi) yang mereka anggap sebagai tujuan utama dari "Teater Misteri", yang mereka impikan dan yang mereka curahkan untuk banyak karya teoretis.

"Api alam semesta", pergolakan spiritual umum - tidak peduli bagaimana tujuan akhir dari tindakan semacam itu ditentukan, gagasan tentang mereka hanya dapat muncul di Rusia pada tahun 1900-an, dalam suasana ramalan apokaliptik dan harapan semacam katarsis sejarah. Scriabin juga berusaha untuk mendekatkan "malapetaka yang membersihkan dan meregenerasi dunia" (Vyach. Ivanov). Selain itu, tidak seperti orang lain, dia prihatin dengan implementasi praktis dari tugas ini: "posisi teoretisnya tentang katolik dan aksi paduan suara," tulis Vyach. Ivanov, - pada dasarnya berbeda dari aspirasi saya hanya karena itu untuknya juga tugas praktek langsung».

Merupakan karakteristik bahwa dalam utopia sosial mereka, mengejar tujuan di luar seni, para Simbolis Rusia justru mempertaruhkan seni. Tugas-tugas teurgis terjalin secara rumit dengan tugas-tugas estetika. Faktanya, ada dua pendekatan terhadap seni - bergantung pada aksen yang diterapkan oleh seniman tertentu dalam karyanya. Mereka tercermin dalam kontroversi di halaman majalah Apollon, ketika pada tahun 1910, sebagai tanggapan atas publikasi Blok "On the Current State of Russian Symbolism", artikel Bryusov "On the Slave's Speech in Defense of Poetry" muncul. Bryusov membela dalam perselisihan ini hak penyair untuk menjadi penyair saja, dan seni menjadi seni saja. Untuk memahami posisi ini, kita harus ingat bahwa perjuangan untuk kemurnian puisi, untuk penentuan nasib sendiri secara artistik, pada awalnya mencirikan gerakan simbolis. Ketika slogan kecantikan murni diganti di kalangan Simbolis Muda dengan slogan "keindahan akan menyelamatkan dunia", dengan taruhan yang sangat serius pada misi penyelamatan seni, tugas estetika terancam ditekan kembali. Fakta ini secara historis sangat khas: pada pergantian abad, seni Rusia membebaskan dirinya, membuang beban keprihatinan sosial yang abadi - tetapi hanya untuk menyadari kembali batu nasionalnya, bergegas ke kehidupan kembali dan bergabung dengannya - sekarang dalam semacam tindakan transformasi apokaliptik. Tidaklah mengherankan jika artikel Bryusov muncul dalam konteks seperti itu, dengan jenis kesedihan pelindungnya.

Pada saat yang sama, konfrontasi antara Simbolis "lebih muda" dan "lebih tua" ini tidak boleh dibesar-besarkan. Prinsip-prinsip teurgis dan estetika digabungkan terlalu dekat dalam karya mereka untuk menjadi panji-panji kubu yang pada dasarnya bermusuhan.

Mereka juga tak terpisahkan dengan Scriabin. Komposer tidak berpartisipasi dalam perjuangan sastra pada masanya, tetapi dia tidak diragukan lagi adalah penganut arah teurgis secara spontan, dan dia juga memberikan contoh unik tentang orientasi praktis dari "teurgisme" -nya. Ini tidak berarti bahwa masalah estetika itu sendiri asing baginya. Estetika Scriabin memanifestasikan dirinya dalam suara yang sangat halus; pencelupan dalam dunia harmoni yang tidak biasa dan ritme yang luar biasa dengan sendirinya membawa godaan untuk pemenuhan diri. Tetapi sang komposer menganggap penemuannya bukan sebagai tujuan, tetapi sebagai sarana. Sejak awal tahun 1900-an, semua tulisannya menunjukkan adanya tugas super tertentu. Bahasa dan plot mereka tidak begitu menarik bagi kontemplasi estetika melainkan empati. Makna magis diperoleh dengan "mantra" ostinato, harmonis dan ritmis, emosionalisme yang tinggi dan intens, yang "menarik ke dalam keluasan dan ketinggian, mengubah hasrat menjadi ekstasi dan dengan demikian mengangkat pribadi ke universal." Ini juga termasuk esoterisme Scriabin, khususnya simbol teosofi Prometheus: mereka ditujukan kepada para peserta dan inisiat yang dibicarakan oleh komposer sehubungan dengan rencana misterinya.

Seperti yang telah disebutkan, tindakan transformatif, teurgis, yang intinya adalah kesadaran diri kreatif yang berkembang pesat dari roh, juga menjadi tema konstan dari karya-karya Scriabin mulai dari Sonata Ketiga. Di masa depan, ia memperoleh skala yang semakin global. Hal ini memungkinkan kita untuk melihat di sini analogi dengan gagasan para filsuf kosmis Rusia, terutama dengan doktrin noosfer. Menurut V. I. Vernadsky, noosfer adalah cangkang khusus Bumi, yang merupakan pusat spiritualitas dan yang, tanpa menyatu dengan biosfer, mampu memberikan efek transformasi padanya. "Noos" dalam terjemahan berarti kemauan dan pikiran - tema "kehendak" dan "pikiran" juga lahir di baris pertama "Puisi Api", yang mengiringi tema Prometheus Sang Pencipta. Bagi Vernadsky, pengaruh noosfer membawa muatan optimis yang sangat besar - komposisi Scriabin juga diakhiri dengan kemenangan final yang memukau.

Dengan demikian, awal teurgi memasuki musik Scriabin, terlepas dari kenyataan bahwa dalam versi Misteri, yaitu sebagai tindakan terakhir dan mencakup segalanya, dia tidak menerapkannya.

Hal serupa dapat dikatakan tentang ide Scriabin agama Katolik. Sobornost sebagai ekspresi dari kemampuan pemersatu seni, keterlibatan banyak orang di dalamnya, menjadi perhatian elit budaya Simbolis. Vyach mengembangkan ide ini dengan sangat hati-hati. Ivanov. Dalam karya-karyanya yang didedikasikan untuk teater misteri ("Wagner and the Dionysian Action", "Premonitions and Premonitions"), ia mengedepankan prinsip-prinsip misteri baru seperti penghapusan tanjakan, penggabungan panggung dengan komunitas, sebagai serta peran khusus paduan suara: kecil, terkait dengan aksi, seperti dalam tragedi Aeschylus, dan peran besar, melambangkan komunitas, kerumunan yang bernyanyi dan bergerak. Untuk drama paduan suara seperti itu, penulisnya menginginkan latar arsitektur khusus dan "prospek ruang yang sama sekali berbeda" dari gedung teater dan konser biasa.

Scriabin juga berpikir ke arah yang sama, memimpikan India yang jauh dan kuil berkubah tempat tindakan konsili harus dilakukan. Rencananya juga termasuk mengatasi tanjakan untuk mencapai kesatuan pengalaman: tanjakan adalah personifikasi teater, dan dia menganggap teater tidak sesuai dengan misteri dan mengkritik drama musikal Wagner karena biayanya. Karenanya keengganannya untuk melihat penonton dalam aksi konsili - hanya "peserta dan inisiasi".

Scriabin ingin berpartisipasi dalam "Misteri" seluruh umat manusia, tidak berhenti di batas ruang dan waktu mana pun. Kuil, di mana tindakan harus terungkap, dianggap olehnya sebagai altar raksasa dalam hubungannya dengan kuil yang sebenarnya - seluruh Bumi. Tindakan itu sendiri harus menjadi awal dari suatu pembaruan spiritual universal. “Saya tidak menginginkan realisasi apa pun, tetapi peningkatan aktivitas kreatif tanpa akhir yang akan disebabkan oleh seni saya,” tulis sang komposer.

Pada saat yang sama, perusahaan yang dipahami secara global seperti itu memiliki sedikit kesamaan dengan yang dipahami secara harfiah secara nasional. Rancangan hiperdemokrasi awalnya berkonflik dengan ekstrim bentuk kompleks inkarnasinya, yang dibuktikan dengan sketsa "Aksi Pendahuluan", serta seluruh konteks gaya periode akhir kreativitas. Namun, kontradiksi ini merupakan gejala dari era Scriabin. Utopia katolik muncul kemudian sebagai akibat dari kesadaran akan "penyakit individualisme" dan keinginan untuk mengatasinya dengan segala cara. Pada saat yang sama, penanggulangan ini tidak bisa lengkap dan organik, karena para ideolog dari misteri baru itu sendiri adalah daging dari budaya individualistis.

Namun, prinsip konsili diwujudkan dengan caranya sendiri dalam karya Scriabin, memberinya sekilas "keagungan" (menggunakan kata-kata dari komposernya sendiri). Stempelnya terletak pada partitur simfoni, di mana, dimulai dengan Puisi Ekstasi, alat tiup tambahan, organ, dan lonceng diperkenalkan. Tidak hanya di "Babak Pendahuluan", tetapi di Simfoni Pertama dan di "Puisi Api" sebuah paduan suara diperkenalkan; dalam "Prometheus", menurut maksud penulisnya, dia harus mengenakan pakaian putih - untuk meningkatkan efek liturgi. Dalam fungsi katedral, fungsi menyatukan umat, lonceng Scriabin juga muncul. Dalam hal ini, yang kami maksud bukan hanya penyertaan lonceng dalam partitur orkestra, tetapi juga simbolisme dering lonceng, yang diwakili secara luas, misalnya, dalam Sonata Ketujuh.

Tapi mari kita beralih ke satu komponen lagi dari "Misteri" dan, karenanya, ke satu sisi lagi dari estetika Scriabin - kita akan membicarakan idenya sintesa seni. Gagasan ini juga mendominasi pikiran orang-orang sezaman. Gagasan untuk memperluas batas seni dan membubarkannya menjadi semacam kesatuan diwarisi oleh para simbolis Rusia dari romantisme. Drama musikal Wagner menjadi titik referensi bagi mereka dan objek kritik positif. Dalam "karya seni total" baru mereka berusaha mencapai kelengkapan baru dan kualitas sintesis baru.

Scriabin berencana menggabungkan dalam "Misteri" -nya tidak hanya suara, kata, gerakan, tetapi juga realitas alam. Selain itu, menurut Schlözer, "perluasan batas seni oleh materi perasaan yang lebih rendah seharusnya terjadi di dalamnya: di All-Art, semua elemen yang tidak dapat hidup sendiri harus dianimasikan." Memang, Scriabin lebih memikirkan sintesis sensasi dari seri seni independen. "Misteri" -nya lebih condong ke liturgi daripada pertunjukan teater. Dalam pemujaan di kuil orang dapat menemukan analogi dengan fantasinya tentang "simfoni" aroma, sentuhan dan rasa - jika kita mengingat dupa gereja, ritus persekutuan, dll. estetika sebagai theurgis, sebagaimana telah disebutkan lebih tinggi.

Namun, Scriabin memupuk gagasan sintesis jauh sebelum The Mystery. Rencananya mendapat tanggapan yang menarik dari penyair simbolis. Ini dibuktikan dengan artikel oleh K. D. Balmont "Suara ringan di alam dan simfoni cahaya Scriabin", yang didedikasikan untuk "Prometheus". Vyach mendukung mereka dengan lebih aktif. Ivanov. Dalam artikelnya “Čiurlionis dan masalah sintesis seni”, dia menulis tentang relevansi gagasan semacam itu dan memberikan penjelasannya. Pengalaman batin seorang seniman modern, menurut Ivanov, lebih luas daripada kemungkinan seni yang terbatas saja. “Hidup menyelesaikan kontradiksi ini dengan menggeser seni ini ke seni tetangga, dari mana cara representasi baru masuk ke kreasi sinkretis, cocok untuk meningkatkan ekspresi pengalaman batin.” Menggunakan contoh Čiurlionis, musisi seni lukis ini, Ivanov berbicara tentang seniman "dengan sumbu bergeser", yang menempati semacam posisi netral di antara bidang seni individu. Mereka tampaknya sendirian dalam budaya modern, meskipun tipe mereka sangat bergejala untuk itu, dan prototipe di sini adalah F. Nietzsche - "seorang filsuf bukanlah seorang filsuf, seorang penyair bukanlah seorang penyair, seorang filolog pemberontak, seorang musisi tanpa musik dan pendiri agama tanpa agama.”

Kembali ke Scriabin, perlu dicatat bahwa kekuatan yang jelas dari jenius musik. Dia secara intuitif menariknya ke jalur musik murni yang "mutlak", tidak peduli seberapa banyak dia berbicara tentang rencana sintetiknya.

Dengan demikian, posisi komponen sastra dalam karyanya setidaknya saling bertentangan. Di satu sisi, sang komposer terobsesi dengan kata, terbukti dari judul karyanya, komentar program, prosa dan puisi, komentar penulis yang mendetail, yang struktur leksikalnya tampaknya melampaui tujuan yang diterapkan; akhirnya, eksperimen puitis independen. Mari kita tambahkan semua libretto opera yang direncanakan pada awal 1900-an, teks Puisi Ekstasi dan Undang-Undang Pendahuluan. Di sisi lain, merupakan karakteristik bahwa baik opera maupun "Tindakan Pendahuluan" tidak dilakukan (kecuali untuk fragmen sketsa individu). Segala sesuatu yang diciptakan oleh Scriabin, dengan pengecualian dua roman dan penutup Simfoni Pertama yang tidak sempurna secara muda, hanya menyiratkan kata, tetapi tidak mewujudkannya secara musikal. Jelas tertarik pada kata tersebut, tetapi pada saat yang sama takut, tampaknya, kekonkretannya yang kasar, sang komposer akhirnya lebih menyukai versi teks sastra yang tidak disuarakan dan terprogram.

Situasi dengan gagasan simfoni cahaya agak berbeda, karena dalam hal ini Scriabin menggunakan bahasa nonverbal warna dan efek cahaya. Ide ini menjadi penemuan sejati, hingga hari ini menjadi sumber hipotesis yang berjangkauan jauh, dugaan ilmiah, refleksi artistik dan, tentu saja, upaya penerapan teknis, yang tampaknya lebih dekat dengan maksud penulis.

Namun, tidak peduli seberapa menginspirasi contoh Prometheus, Scriabin meninggalkan sangat sedikit contoh sintesis seni yang sebenarnya. Seorang ahli teori yang berani, dia ternyata adalah seorang praktisi yang sangat berhati-hati di bidang ini. Dalam karyanya, ia membatasi dirinya pada bidang genre instrumental murni, secara tidak sadar mencerminkan "takut akan kefasihan" simbolis dan mewujudkan gagasan musik sebagai seni tertinggi, mampu secara intuitif, dan karenanya memahami dunia secara memadai.

Namun, ini tidak menghilangkan masalah "kompleks perasaan" dalam musiknya. Faktanya adalah bahwa kombinasi suara dengan kata, warna, atau gerakan tidak terjadi secara nyata, tetapi dalam ruang imajiner, di mana "gambar astral" komposisi terbentuk (seperti yang sering dikatakan oleh komposernya sendiri). Mengenai komentar verbalnya, Scriabin mengatakan bahwa ini “hampir seperti karya sintetik... Ide-ide ini adalah niat saya, dan mereka masuk ke dalam komposisi seperti suara. Saya menulisnya bersama mereka." Tentu saja, dari sudut pandang "swasembada" pernyataan musik, seseorang dapat menjadi skeptis tentang lapisan kreativitas yang tak terlihat ini, tentang apa yang berada di luar tepi lembaran musik dan di balik siluet tanda musik, dan permintaan. dari identitas lengkap musisi-pemain dari teks tetap (seperti yang dilakukan, misalnya, Stravinsky dalam kaitannya dengan komposisinya). Tetapi pendekatan seperti itu tidak mungkin dilakukan dalam semangat Scriabin, yang musiknya oleh B. L. Pasternak disebut "musik super" bukan secara kebetulan - karena keinginannya untuk melampaui dirinya sendiri.

Kami memeriksa ciri-ciri karya Scriabin yang terkait dengan pandangannya tentang seni dan yang, mengikuti Schlözer, dapat disebut "misterius". Sekarang mari kita beralih ke beberapa prinsip terpenting dari pemikiran komposernya. Struktur internal musik Scriabin, hukum konstruktifnya, waktu dan ruangnya, terlepas dari pentingnya tradisi musik itu sendiri, juga sebagian besar disebabkan oleh gagasan filosofis zaman. Yang sangat penting bagi Scriabin adalah idenya Tak terbatas dikombinasikan dengan utopia persatuan.

“Jurang bintang telah terbuka penuh, // Tidak ada jumlah bintang, jurang di dasar” - baris M. V. Lomonosov ini, yang sering dikutip oleh para simbolis, sangat konsisten dengan cara merasakan tahun-tahun itu. Prinsip aktual, yaitu ketidakterbatasan yang dialami secara langsung, menentukan baik jenis sikap maupun metode artistik simbolisme: inti dari metode ini adalah pencelupan tanpa akhir ke kedalaman gambar, permainan tanpa akhir dengannya makna tersembunyi(Bukan tanpa alasan F. K. Sologub berpendapat bahwa “untuk seni sejati, citra dunia objektif hanyalah jendela menuju ketidakterbatasan”).

Ketidakterbatasan dunia dapat menebarkan kebingungan dan ketakutan jika bukan karena gagasan tentang kesatuan keberadaan, yang memiliki makna global dan menembus semua bagi para simbolis Rusia dari "gelombang kedua". Bagi mereka, itu bukanlah doktrin filosofis melainkan kesenangan, intuisi, mimpi romantis. Pendahulu langsung dari Young Symbolists dalam hal ini adalah Vl. S. Solovyov. Inisiasi menuju Yang Mutlak, kelahiran kembali dalam diri manusia gambar yang sempurna Tuhan terkait erat dengan filosofi cintanya. Cinta merangkul sikap seseorang lebih dari dirinya sendiri, ia mampu mengatasi kekacauan, pembusukan, pekerjaan waktu yang merusak. Dalam lirik puitis Solovyov dan para pengikutnya, citra kosmik sering bertindak sebagai pembawa prinsip pemersatu dan harmonisasi. Matahari, bintang, bulan, biru langit ditafsirkan dalam semangat mitos pendakian erotis Plato (Eros, menurut Plato, adalah penghubung antara manusia dan Tuhan, dunia duniawi dan dunia surgawi). Mereka bukan lagi hanya atribut tradisional puisi romantis, tetapi simbol cahaya ilahi yang menerangi kesombongan duniawi. Berikut kutipan dari puisi Solovyov:

Kematian dan waktu berkuasa di bumi,
Anda tidak menyebut mereka master;
Semuanya, berputar, menghilang ke dalam kabut,
Hanya matahari cinta yang tidak bergerak.

Kami menemukan analogi langsung dengan "matahari cinta" Solovyov dalam Sonata Keempat Scriabin. Kegembiraan yang menyiksa sebelum "cahaya indah" yang berkobar di bagian akhir menjadi "api yang berkilauan" disampaikan dengan bantuan transformasi motif utama dari tema utama sonata - "tema bintang". Dalam tulisan-tulisan selanjutnya, misalnya dalam "Puisi Api", citra kosmos itu sendiri muncul; gagasan persatuan diwujudkan di sini bukan pada tataran dramaturgi tematik, melainkan pada tataran harmoni; karenanya perasaan ruang bola tertentu, tak terbatas seperti yang diresapi dengan ketegangan kehendak raksasa.

Dalam hal kesejajaran yang dimaksud, pewarnaan erotis dari wahyu musik Scriabin juga menjadi ciri khas. Motif "kelesuan" dan "kenikmatan", polaritas "perempuan" dan "laki-laki", varian gerakan "membelai" yang tak ada habisnya, gerakan tak terbendung menuju ekstasi terakhir - semua momen karyanya ini sesuai dengan permintaan maaf Solovyov untuk seksual cinta (tidak peduli seberapa meragukannya mereka dari sudut pandang kepercayaan Kristen ortodoks). Misalnya, D. L. Andreev mengaitkan "kegairahan mistis" Scriabin dengan bakatnya sebagai pembawa berita yang gelap. Tidak mungkin karakterisasi seperti itu adil - prinsip bercahaya diekspresikan terlalu jelas dalam musiknya.

Prinsip "segalanya dalam segala hal" telah disebutkan di sini. Scriabin dari periode "Puisi Api" dekat dengan interpretasi teosofisnya. Bukan kebetulan bahwa perwujudan paling konsisten dari prinsip ini - organisasi kuasi-serial dari bentuk besar melalui kompleks harmonik yang bekerja penuh - pertama kali dilakukan di Prometheus, ciptaan komposer yang paling esoterik ini. Tetapi Scriabin menganut sistem yang sama dalam tulisan-tulisan lain di periode selanjutnya, yang berbicara tentang fondasinya yang lebih luas, yang tidak dapat direduksi menjadi doktrin teosofis. Bagaimanapun, setelah menciptakan musik yang setara dengan gagasan tentang Yang Mutlak dan mewujudkan moto Balmont: "Semua wajah adalah hipotesa dari Yang Esa, merkuri yang tersebar", komposer merangkum pengalaman spiritual yang cukup luas dan beragam (termasuk Tuhan modern- pencarian dan interpretasi baru dari doktrin Schelling tentang "jiwa dunia").

Prinsip Scriabin tentang "segalanya dalam segala hal" memiliki parameter spasial dan temporal. Jika yang pertama dapat diamati pada contoh keharmonisan "Prometheus", maka dalam kasus kedua gagasan tentang hubungan yang tak terpisahkan antara yang instan dan yang abadi, yang sesaat dan yang diperpanjang memainkan peran penting. Ide ini memberi makan banyak motif puisi baru (contoh tipikal adalah puisi Vyach. Ivanov "Eternity and a Moment"). Itu juga mendasari utopia misteri para penyair Simbolis. Jadi, Andrei Bely, berbicara dalam salah satu karya awalnya tentang transformasi dunia "melalui musik", memikirkan proses ini sebagai proses satu kali: "Seluruh kehidupan dunia akan langsung muncul di depan mata spiritual," dia menulis dalam salah satu suratnya kepada A.A. Blok, mengembangkan ide-ide Anda.

Pengalaman seketika dari seluruh pengalaman sejarah umat manusia (melalui rekonstruksi sejarah ras) juga dikandung oleh Scriabin dalam "Misteri" -nya. Karenanya gagasan "involusi gaya" di dalamnya. Tidak sepenuhnya jelas seperti apa "involusi gaya" ini: komposer generasi berikutnya, terutama Stravinsky, melakukan reproduksi waktu sejarah melalui pengoperasian berbagai model gaya. Kemungkinan besar, dalam kondisi monisme gaya Scriabin, hal itu akan menghasilkan "arkaisme" umum dari konsonan kuasi-Promethean, yang mempersonifikasikan "kedalaman gelap masa lalu" bagi sang komposer.

Tapi dengan satu atau lain cara, kemungkinan menutupi kedalaman waktu yang tak terukur dengan musik telah lama mengkhawatirkan Scriabin. Buktinya adalah catatan filosofisnya di tahun 1900-an, di mana gagasan tentang pengalaman simultan masa lalu dan masa depan terdengar seperti motif utama. “Bentuk waktu sedemikian rupa,” tulis sang komposer, “sehingga untuk setiap momen tertentu saya menciptakan masa lalu yang tak terbatas dan masa depan yang tak terbatas.” "Keabadian yang dalam dan ruang tanpa batas," kita membaca di tempat lain, "ada konstruksi di sekitar ekstasi ilahi, ada pancarannya ... momen yang memancarkan keabadian." Pikiran-pikiran ini membuat diri mereka terasa lebih kuat menjelang akhir. cara kreatif, seperti kalimat pembuka dari "Tindakan Pendahuluan" mengatakan: "Sekali lagi Yang Tak Terbatas berkeinginan untuk mengenali dirinya sendiri dalam yang terbatas."

Menariknya, dalam filosofi waktu Scriabin praktis tidak ada kategori masa kini. Tidak ada tempat untuk yang nyata di kosmos Scriabin, hak prerogatifnya adalah Keabadian tumpah dalam sekejap. Inilah perbedaan lain dari Stravinsky, yang, sebaliknya, dicirikan oleh permintaan maaf untuk saat ini, didirikan melalui kesejajaran dengan "waktu ontologis". Tentu saja, perbedaan sikap seperti itu tercermin dalam musik kedua pengarang dan terutama dalam pemahaman mereka tentang bentuk musik sebagai suatu proses. Berjalan sedikit ke depan, kami mencatat bahwa kekhususan dunia suara Scriabin dengan polarisasi keabadian dan momennya tercermin dalam preferensi yang diberikan komposer pada "bentuk akhir" daripada "bentuk tengah" (menggunakan istilah V. G. Karatygin).

Secara umum, deduksi filosofis sang komposer cukup konsisten diwujudkan dalam karya musiknya. Ini juga berlaku untuk hubungan yang dipertimbangkan antara yang abadi dan yang seketika. Di satu sisi, komposisinya yang matang dan terlambat dianggap sebagai bagian dari proses yang berkelanjutan: ketidakstabilan total harmoni membuat isolasi konstruktifnya sangat bermasalah. Di sisi lain, Scriabin secara konsisten bergerak menuju kompresi acara musik tepat waktu. Jika jalur dari Simfoni Pertama enam gerakan ke "Puisi Ekstasi" satu gerakan masih dapat dianggap sebagai pendakian menuju kedewasaan, pembebasan dari verbositas masa muda, maka proses musik dalam komposisi periode tengah dan akhir mengungkapkan a konsentrasi sementara yang secara signifikan melebihi norma tradisional.

Beberapa miniatur piano dianggap sebagai semacam eksperimen dengan waktu. Misalnya, di op "Puisi Mewah". Aplikasi 45 untuk tematik skala besar yang bersifat "terbang" dan "penegasan diri dari semangat" digabungkan dengan ukuran yang sangat kecil dan kecepatan yang cepat. Akibatnya, waktu persepsi karya tersebut melebihi waktu bunyinya. Dalam kasus seperti itu, di akhir karya atau bagiannya, komposer suka menyetel jeda bilah. Mereka memberikan kesempatan untuk memikirkan gambar, lebih tepatnya, untuk merasakan esensi transendentalnya, melampaui batas waktu fisik yang nyata. Dalam drama tersebut di atas, op. 45 puisi itu dihubungkan dengan miniatur; ini, sebenarnya, adalah "kekhasan" utamanya, yang terekam dalam judulnya. Namun sifat-sifat “keanehan” seperti itu juga ditemukan pada karya-karya lain oleh Scriabin, di mana peristiwa puitis yang dikompresi seketika, berubah menjadi isyarat.

"Sounding silence" umumnya memainkan peran penting dalam jiwa sang komposer. Sabaneev mengutip pengakuan khas Scriabin: “Saya ingin memperkenalkan ke dalam Misteri suara imajiner yang tidak akan benar-benar terdengar, tetapi harus dibayangkan ... Saya ingin menuliskannya dalam font khusus ... ". "Dan ketika dia bermain , - tulis penulis memoar itu, “dirasakan bahwa, memang, kesunyiannya terdengar, dan selama jeda beberapa suara imajiner melayang-layang, mengisi kekosongan suara dengan pola yang fantastis ... Dan tidak ada yang menyela jeda keheningan ini dengan tepuk tangan, mengetahui bahwa “mereka terdengar sama. Lebih lanjut, Sabaneev mengatakan bahwa Scriabin tidak tahan dengan pianis yang, setelah memainkan sebuah karya, dibawa pergi dari panggung "dengan gemuruh tepuk tangan"

Keinginan Scriabin untuk mengidentifikasi yang diperpanjang dan yang instan dibuktikan dengan "melodi-harmoni" -nya. Seperti telah disebutkan, komposer menggunakan konsep ini, menyiratkan identitas struktural horizontal dan vertikal. Reversibilitas horizontal-vertikal itu sendiri wajar dalam kondisi monopoli penuh dari kompleks suara yang dipilih; fenomena ini khas, khususnya, untuk teknik serial komposer Novovenets. Namun, di Scriabin, saling ketergantungan semacam itu berbentuk terjemahan waktu tertentu ke dalam ruang - sebuah teknik yang mendasari konstruksi yang relatif kecil dan besar. Banyak tema Scriabin diatur dengan melipat horizontal melodi menjadi vertikal seperti kristal yang kompleks - semacam citra mikro dari kesatuan yang dicapai. Seperti, misalnya, karya piano Desire, op. 57 - versi mini dari keadaan gembira yang dicapai dengan metode "kristalisasi" yang dijelaskan. Begitulah tonik arpeggio polifonik di akhir Garlands, op. 73, Sonata Keenam dan komposisi Scriabin lainnya. Mereka akan terlihat seperti ramplissages akhir tradisional jika bukan karena efek pemersatu ini; bukan kebetulan bahwa mereka berkumpul bersama, "mengkristalkan" seluruh kompleks suara dari karya tersebut.

Kami telah berbicara tentang simbolisasi dalam musik Scriabin dari proses tanpa akhir. Peran besar dalam hal ini adalah milik statika tegang dari bahasa harmonik. Namun, ritme juga menjalankan fungsi penting - konduktor langsung dari proses temporal dalam musik. Sehubungan dengan ritme, Scriabin berpendapat bahwa musik ternyata mampu "menyihir" waktu bahkan menghentikannya sama sekali. Dalam karya Scriabin sendiri, contoh dari waktu yang terhenti, atau menghilang, adalah operasi pendahuluan. 74 No. 2 dengan semua gerakan ostinato-nya. Menurut Sabaneev, komposer mengizinkan kemungkinan untuk membawakan karya ini dengan dua cara: ekspresif tradisional, dengan detail dan nuansa, dan benar-benar terukur, tanpa corak apa pun. Rupanya, sang komposer memikirkan versi kedua dari pertunjukan tersebut ketika dia mengatakan bahwa pendahuluan ini tampaknya berlangsung "selama berabad-abad", yang terdengar selamanya, "jutaan tahun". Seperti yang diingat Sabaneev, Scriabin suka memainkan pendahuluan ini berkali-kali berturut-turut tanpa istirahat, jelas ingin merasakan asosiasi seperti itu lebih dalam.

Contoh dengan pendahuluan dari op. 74 semakin menunjukkan bahwa prinsip ostinato sebelumnya tidak menjadi ciri khas musik Scriabin. Ritme penggubah awalnya dibedakan oleh kebebasan romantis, penggunaan tempo rubato yang meluas. Munculnya formula ritme terukur dengan latar belakang ini di periode akhir membawa serta kualitas baru. Dalam kesatuan ganda manusia - yang ilahi, Scriabin tertarik oleh yang kedua, karenanya pewarnaan yang agung dan tanpa ekspresi dari masing-masing halaman karyanya.

Namun, teknik ostinato ritmis menunjukkan di Scriabin berbagai kemungkinan ekspresif yang cukup luas. Jika pendahuluan op. 74 No. 2, seolah-olah, membawa kita ke sisi lain keberadaan, memaksa kita untuk mendengarkan "jam keabadian", kemudian di beberapa karya lain pengenalan teknik ini bersifat sangat bertentangan. Dalam kombinasi dengan kebebasan tekstur dan poliharmoni yang impulsif, kekuatan ostinato yang "mempesona" memperoleh semburat setan. Misalnya, dalam codas kulminasi dari Ninth Sonata atau The Dark Flame, upaya untuk "menghentikan waktu" lebih dari dramatis, mereka penuh dengan kekacauan. Di sini kita memiliki di hadapan kita - gambaran "jurang yang suram", yang bersentuhan dengan tren ekspresionis dalam seni abad XX.

Tapi mari kita kembali ke pendahuluan dari op. 74. Ketika komposer memainkannya berkali-kali berturut-turut tanpa henti, dia mungkin tidak hanya dibimbing oleh ritme ostinato-nya. Drama itu diakhiri dengan frasa yang sama dengan yang dimulainya, oleh karena itu kemungkinan untuk direproduksi berulang kali. Ini memberi alasan untuk berbicara tentang musik Scriabin yang sangat penting simbolisme lingkaran.

Karena pandangan dunia Scriabin dan orang-orang sezamannya ditentukan oleh yang sebenarnya, yaitu pengalaman tak terbatas yang dialami secara langsung (atau keabadian, terlihat dalam sekejap), tidak mengherankan jika simbolnya adalah lingkaran, sosok sirkulasi (ingat bahwa dalam matematika, ketidakterbatasan aktual diekspresikan dengan jumlah titik yang tak terbatas pada lingkaran, sedangkan potensi - dengan titik pada garis lurus).

Simbolisme lingkaran cukup umum dalam puisi baru. Mari kita kutip sebagai contoh "Lingkaran di Pasir" 3. N. Gippius, "Negara Keputusasaan" -nya sendiri dengan kalimat terakhir "tetapi tidak ada yang berani, cincinnya tertutup"; Anda juga dapat mengingat puisi Blok "Menggambar lingkaran halus di sekeliling lingkaran". Bukan tanpa alasan Bely, dalam artikelnya "Garis, Lingkaran, Spiral - Simbolisme", menganggap mungkin untuk menggeneralisasi simbolisme semacam itu secara teoritis. Puisi-puisi bernama disatukan oleh perasaan takdir yang menindas. Di Scriabin, kami juga terkadang mengamati keadaan yang terkonsentrasi dan terkekang, yang menggambarkan takdir dan kematian. Namun, rumusan lingkaran pengarang juga memiliki makna ekspresif yang lebih luas, yang dengan sendirinya memusatkan prinsip sugestif magis yang menjadi ciri khas pernyataannya. Seperti, misalnya, adalah operasi pendahuluan. 67 No. 1, dilengkapi dengan ucapan penting Misterioso: putaran melodi terus menerus dengan latar belakang harmonik ostinato berarti sakramen, ramalan.

Secara karakteristik, Scriabin sering menggunakan metafora "melingkar" ketika berbicara tentang hukum musik formal-konstruktif. Dia memiliki tesis terkenal: "Bentuknya pada akhirnya harus seperti bola." Dan dalam catatan filosofis, sang komposer menggunakan metafora serupa saat mendeskripsikan konsepnya tentang alam semesta. “Dia (sejarah alam semesta. – T.L.) ada gerakan menuju fokus kesadaran yang mencakup segalanya yang menerangi itu, ada klarifikasi. Dan di tempat lain: "Realitas tampak bagi saya sebagai banyak dalam ruang dan waktu yang tak terhingga, dan pengalaman saya adalah pusat dari bola dengan radius yang sangat besar ini." (…)

Di antara catatan Scriabin yang sudah dikutip di sini, ada gambar yang dibuat olehnya: spiral bertuliskan lingkaran. Hampir tidak dikomentari dalam teks utama, gambar ini, bagaimanapun, secara mengejutkan secara akurat mencerminkan komposisi Sonata Kelima, serta gagasan umum Scriabin tentang proses musikal. Berbicara tentang Sonata Kelima, harus ditekankan bahwa contohnya menunjukkan penemuan penting dari komposer, terkait dengan kecenderungan bentuk terbuka. Fenomena serupa dalam kreativitas musik, berdasarkan efek pertumbuhan dinamis yang berkelanjutan, telah diamati pada tahun 1910-an - ini, khususnya, episode terakhir dari The Rite of Spring karya Stravinsky atau Scythian Suite karya Prokofiev. Ngomong-ngomong, dalam diskusi Scriabin tentang aksi misteri, gambaran "tarian terakhir sebelum aksi" berulang kali muncul - "Tarian Suci Besar" Stravinsky memainkan peran serupa. Pada saat yang sama, ekstasi Scriabin berbeda dari Stravinsky, dan pengalamannya tentang yang tak terbatas, yang ditangkap dalam komposisi yang matang dan terlambat, juga spesifik.

Seperti yang Anda lihat, di bidang bentuk besar, Scriabin berpikir dengan sangat berani dan non-normatif - dengan kepatuhan lahiriah pada skema klasik. Mimpi tentang "Misteri" seharusnya membawanya lebih jauh dari skema ini, tindakan muluk yang diproyeksikan tidak sesuai dengan kanon yang diketahui. Tetapi sang komposer bekerja secara halus dengan unit mikro materi musik. Hal ini dibuktikan dengan teknik detail yang halus, variasi pembagian waktu yang tidak dapat diprediksi dan, tentu saja, bahasa harmonik yang sangat kompleks, di mana nilai intrinsik dari setiap momen bunyi semakin meningkat.

Kompleksitas bentuk mikro dan makro ini, "plus atau minus ketidakterbatasan" ini dimaksudkan oleh Karatygin ketika dia menulis bahwa Scriabin "memandang dengan satu mata ke dalam sejenis mikroskop yang luar biasa, dengan mata lainnya ke dalam teleskop raksasa, tidak mengenali penglihatan dengan telanjang mata." Dalam artikel yang mengutip baris-baris ini, penulis menghubungkan level mikro dan makro musik Scriabin dengan konsep "bentuk pamungkas", dan dengan "bentuk tengah" ia memahami level kalimat dan periode yang dapat diakses oleh "mata telanjang". ". "Bentuk tengah" ini dibedakan oleh konservatisme dan akademisisme Scriabin. Sabaneev berbicara tentang "kehati-hatian akuntansi" sang komposer, yang biasa menandai tema dan bagian komposisinya dengan bijaksana di atas kertas musik. Mungkin, "bentuk tengah" untuk Scriabin bukanlah biaya akademik, melainkan "metronom internal" (V. G. Karatygin), semacam naluri mempertahankan diri. Awal sentripetal dan rasional umumnya secara paradoks mencirikan para seniman Simbolis, yang, dengan segala keinginan mereka akan intuisi, mistis, adalah "anak-anak nakal dari zaman akal, keteraturan, dan sistem." Bagaimanapun, yang tak terukur dan tak terbatas di Scriabin cenderung "mengenali dirinya sendiri dalam yang terbatas" (ingat baris "Tindakan Awal"), ia memiliki titik awal yang pasti, berada dalam konflik tersembunyi dengan dimensi terbatas.

Konflik ini meluas hingga keberadaan karya Scriabin: mengamati kondisi karya, karya tersebut memiliki awal dan akhir, meskipun tampaknya secara internal dimaksudkan untuk durasi yang konstan. Dalam arti tertentu, mereka mencontoh seluruh kehidupan kreatif sang komposer, yang, seperti Sonata Kelima, "tidak berakhir, tetapi berhenti". Setelah lama mempersiapkan diri untuk The Mystery, Scriabin tidak menjalankan proyeknya. Perlu dicatat bahwa penambahan karya individu ke dalam semacam desain super merupakan ciri khas seniman era Simbolis. Mereka melihat teater misteri sebagai puncak pencapaian tugas-tugas mesianik, yang tujuan-tujuannya jauh jangkauannya tidak menerima garis besar yang jelas dalam pikiran mereka. Sudah di akhir tahun 1900-an, Bely menulis tentang rencana teurginya: "Dari realisasi - hanya untuk berjuang - inilah giliran yang saya alami dengan menyakitkan." Scriabin tidak mengalami kekecewaan seperti itu sampai saat itu hari-hari terakhir tetap menjadi ksatria dari idenya. Oleh karena itu, yang meninggal hampir secara tiba-tiba dan jauh lebih awal dari "sesama ramalan" (V.Ya. Bryusov), dia, mungkin, tidak seperti orang lain, mewujudkan drama keterbatasan keberadaan manusia sebelum mimpi yang tak terbatas.

____________________________________
Saya bernyanyi saat laring adalah keju, jiwa kering,
Dan tatapannya cukup lembab, dan kesadarannya tidak licik.
O.Mandelstam

Itu sudah disinggung di sini berkali-kali. konteks budaya dan seni Karya Scriabin, khususnya hubungannya dengan simbolisme. Menghubungkan komposer dengan suasana spiritual awal abad ini membantu untuk lebih memahami sifat dari banyak idenya. Di sisi lain, dengan latar belakang yang begitu luas, the orientasi gaya Scriabin dan sifat dari misi sejarahnya, karena dia kebetulan hidup dan bekerja di persimpangan dua era.

Sangat mengherankan bahwa Scriabin merasakan keterlibatannya dalam budaya modern terutama melalui kontak non-musik. Menurut sikap psikologis tertentu, ia tetap acuh tak acuh atau kritis (setidaknya dalam kata-kata) terhadap musik orang-orang sezamannya, lebih memilih masyarakat musisi daripada masyarakat penulis, seniman, dan filsuf. Karyanya berusaha untuk menyerap aura spiritual zaman itu, seolah-olah melewati tautan mediasi musik, meskipun pada akhirnya itu adalah pengalaman musik absolut.

Kami telah berbicara tentang sifat sintetik dari pandangan dunia artistik, yang membedakan budaya pergantian abad. Kecenderungan seni untuk mengatasi batas-batasnya sendiri dan saling menembus memanifestasikan dirinya di mana-mana. Ciri khas dalam hal ini adalah pendidikan multifaset dari para menteri renungan, yang juga mempengaruhi jenis mereka. pelajaran musik. Jadi, V. I. Rebikov menyukai puisi, A. V. Stanchinsky mengarang cerita pendek, eksperimen musik yang serius dilakukan oleh pelukis M. Chiurlionis, penyair M. A. Kuzmin dan B. L. Pasternak. Tidaklah mengherankan bahwa "gambar" musikal, "simfoni" puitis (Andrei Bely), "fugues" yang indah, dan "sonata" (M. Čiurlionis) muncul dengan latar belakang ini. Psikologi yang sangat kreatif dari "Zaman Perak", keinginan untuk memahami dunia dalam kelengkapan dan harmoni maksimumnya merangsang kemampuan untuk terinspirasi oleh seni lain, yang pada dasarnya bersifat romantis.

Dalam musik, tren ini memanifestasikan dirinya dalam gerakan program baru, dalam kegemaran judul, penjelasan, komentar verbal. Fitur ini semakin luar biasa karena perwakilan dari generasi berikutnya, seperti Stravinsky, tidak menyukai wahyu verbal seperti itu; mereka membela hak musik atas otonomi, semacam prinsip "non-intervensi". Sehubungan dengan fenomena tersebut, Yu.N. Tynyanov berbicara tentang ritme tertentu dalam perkembangan seni, ketika periode ketertarikan timbal balik mereka digantikan oleh periode penolakan. Namun, perubahan seperti itu, yang telah diamati sejak akhir 1910-an, sama sekali tidak berarti penghapusan gagasan sintesis seni dari agenda, yang, sambil terus mendominasi pikiran, hanya memperoleh bentuk-bentuk baru.

Scriabin tetap setia pada ide ini sampai akhir. Terbawa oleh pelarian fantasi, melihat dalam "Misteri" cita-cita All-Art, dia menganggap dirinya sebagai pencipta yang tidak terbagi. Diketahui, misalnya, saat menyusun teks puitis "Aksi Pendahuluan", gagasan kepenulisan bersama akhirnya dikesampingkan. Komposer sendiri yang menyusun teks ini, dengan risiko berada di area ini tidak setara. Jadi, pada kenyataannya, itu terjadi, dan hanya "mistis" non-realisasi kata Scriabin (yang tidak punya waktu untuk diwujudkan, atau, dalam banyak kasus, tetap "diam", terprogram, tidak dapat diucapkan) sebagian menghilangkan masalah dari ketidaksetaraan proyek sintetiknya.

Nasib berbeda menimpa simfoni ringan, yang idenya masih menggairahkan pikiran dan berfungsi sebagai pendorong untuk eksperimen teknis baru. Kembali ke era Scriabin, mari kita mengingat kembali kesejajaran dengan V. V. Kandinsky. Komposisinya "Yellow Sound", yang secara kronologis sinkron dengan "The Poem of Fire", tidak muncul dari awal; dasar untuk itu adalah rasa sinestesia yang berkembang sangat dalam. Kandinsky "mendengar" warna, seperti halnya Scriabin "melihat" suara dan nada suara. Taruhan pada musikalitas seni bergambar secara umum membedakan seniman ini, yang secara alami membawanya ke persepsi warna yang emosional dan simbolis. Program estetika semacam itu paling lengkap dirumuskan dalam risalah On the Spiritual in Art, yang muncul setahun kemudian dari Prometheus karya Scriabin. Yang perlu diperhatikan adalah interpretasi timbre dari karakteristik warna Kandinsky. warna oranye terdengar baginya "seperti lonceng gereja berukuran sedang, panggilan untuk berdoa" Angelus ", atau seperti suara alto yang kuat", sedangkan suara warna ungu yang berlawanan "mirip dengan suara terompet Inggris, seruling dan, pada kedalamannya, nada rendah alat musik tiup kayu."

Namun, Scriabin bersentuhan dengan seni kontemporer tidak hanya melalui gagasan sinestesia. Ada paralel yang lebih luas di sini juga. Zaman Scriabin adalah zaman modernitas, yang semakin terwujud saat ini dalam kategori "gaya agung". Fitur gaya ini juga ditemukan di Scriabin. Ini sama sekali tidak bertentangan dengan keterlibatan batinnya dalam tren Simbolis. Bagaimanapun, simbolisme dan modernitas bukan hanya fenomena paralel secara kronologis. Mereka digabungkan satu sama lain sebagai metode dan gaya, isi dan bentuk. Menyederhanakan gambarannya, kita dapat mengatakan bahwa simbolisme menentukan lapisan ideologis dan semantik bagian dalam karya, dan modernitas adalah cara "materialisasi" mereka. Bukan kebetulan bahwa fenomena ini terkonsentrasi di sekitar berbagai jenis seni: Art Nouveau merangkul lingkungan subjek seni plastik, arsitektur, dan desain, sementara Simbolisme adalah rumah bagi bidang puisi dan filsafat yang murni "spiritual". Dalam rasio eksternal dan internal yang serupa, mereka menyuburkan karya Scriabin.

Bagian sebelumnya terutama membahas parameter temporal musik Scriabin. Di sini pantas untuk dikatakan tentang dia spasial kekhususan, karena beberapa sikap estetika.

Tetapi pertama-tama, mari kita perhatikan bahwa Art Nouveau, dengan fokus pada prinsip visual, yang pada pergantian abad memicu konvergensi musik dengan seni spasial. Konsep gambar bentuk musik sangat khas dari karya komposer saat itu. Mari kita sebutkan setidaknya balet satu babak Diaghilev, yang musiknya prinsip proseduralnya tampaknya dinetralkan demi kecerahan warna. Pada saat yang sama, visualisasi tertentu dari rangkaian musik terwujud dalam ciri-ciri arsitektur musik - khususnya, dalam efek "rim", yang mirip dengan teknik "bingkai ganda" yang umum dalam gaya modernis. Seperti, misalnya, "Paviliun Armida" karya N. N. Tcherepnin, yang muncul dari ide "permadani hidup". Mengikuti pemandangan A. N. Benois, musik ini ditujukan untuk mata dan telinga. Itu dirancang untuk menghentikan momen yang indah.

Scriabin praktis tidak menulis untuk teater dan umumnya jauh dari segala jenis hiburan teater dan gambar. Namun dalam karyanya, penggarapan sensasi spasial yang menjadi ciri khas zaman itu terwujud. Itu sudah terbukti dalam diskusi filosofisnya tentang Kosmos, tentang ketidakterbatasan alam semesta yang bulat. Dalam arti tertentu, komposer menundukkan faktor temporal ke faktor spasial. Kronos musiknya tampaknya tertutup dalam ketidakterbatasan bola ini, properti orientasi vektor hilang di dalamnya. Oleh karena nilai yang melekat pada gerakan seperti itu, bukan tanpa alasan bentuk favorit Scriabin adalah tarian dan permainan. Mari kita tambahkan keinginan yang disebutkan di atas untuk keserentakan ucapan, yang tampaknya membuat musik melupakan sifatnya yang sementara; selanjutnya - pemujaan aura suara yang diciptakan oleh berbagai teknik piano dan tekstur orkestra; asosiasi geometris-plastik dalam semangat "bentuk - bola", dll.

Jika kita berbicara tentang gaya Art Nouveau itu sendiri, dengan plastisitas dan dekorasinya yang sangat indah, maka "gen" musik dari penggubahnya sudah bersentuhan dengannya. Ingatlah bahwa silsilahnya terkait dengan kultus Chopin akan kecantikan yang halus secara aristokrat dan, secara umum, dengan romantisme, tanah spiritual modernitas ini. Jika gaya Chopin secara keseluruhan dibedakan oleh ornamen yang kaya, maka melodi Scriabin terkadang menyerupai teknik ornamen linier dengan motif gelombang yang mendasarinya (mitologi gelombang, "kartu panggil" gaya Art Nouveau, juga secara aktif diwakili dalam teks "Tindakan Pendahuluan"). Tematisasi jalinan musik yang meningkat, yang mengiringi "Prometheus six-tone", menghasilkan interpenetrasi latar belakang dan relief, yang juga menjadi ciri khas para master seni baru. Di Scriabin, ini terutama terlihat dalam kasus harmoni yang terurai secara tekstur. "Akord Promethean" itu sendiri, yang mendemonstrasikan struktur hexahedron tertentu karena pengaturan keempat, menimbulkan perasaan "geometri kristal". Di sini, analogi sudah dimungkinkan dengan perwakilan yang sangat spesifik dari lukisan Rusia baru, yang “selalu dan dalam segala hal melihat struktur kristal materi; kainnya, pepohonannya, wajahnya, figurnya - semuanya kristal, semuanya tunduk pada semacam hukum geometris tersembunyi yang membentuk dan membangun materi. Seperti yang bisa Anda tebak, dalam kutipan di atas oleh M. A. Voloshin kita sedang berbicara tentang M.A.Vrubel. Kami telah mencatat analogi Scriabin dengan artis ini dalam hal gambar setan dan warna biru-ungu. "Kristalinitas" materi artistik juga mendekatkan para master ini, memungkinkan untuk melihat mereka di bawah lengkungan dengan gaya yang sama.

Ini semakin luar biasa bahwa Scriabin tidak memiliki kontak langsung dengan Vrubel - tidak seperti, misalnya, Rimsky-Korsakov, yang operanya dirancang Vrubel di Teater Mamontov (orang hanya dapat berbicara tentang minat komposer yang tidak diragukan lagi pada pelukis, dan juga mengingat bahwa ruang musik Vrubel di rumah Kusevitsky, tempat Scriabin menetap pada tahun 1909 sekembalinya dari luar negeri dan tempat dia menghabiskan banyak waktu di piano, digantung dengan lukisan). Sumber biografi sering menyebut nama artis lain. Jadi, selain pelukis Belgia J. Delville, yang mendesain sampul Prometheus, seniman Moskow N. Shperling, yang mengesankan sang komposer dengan pewarnaan mistis dari subjeknya dan hasratnya akan Timur, adalah bagian dari lingkaran Scriabin. Diketahui juga bahwa Scriabin mengunjungi pameran M. Čiurlionis di Moskow; Menyetujui mengevaluasi master ini, dia tetap menemukan bahwa Čiurlionis "terlalu ilusi", bahwa "dia tidak memiliki kekuatan nyata, dia tidak ingin mimpinya menjadi kenyataan."

Namun bukan fakta biografis yang menjadi argumen yang menentukan dalam kasus ini, melainkan tingkat keselarasan estetika timbal balik para seniman. Dan di sini analog terdekat dengan Scriabin, bersama dengan Vrubel, adalah V. V. Kandinsky yang disebutkan di atas. Kemiripan mereka dalam bidang sintesis seni dan korespondensi warna-musik telah disebutkan. Namun dalam "Puisi Api" yang sama, Anda dapat menemukan momen lain yang selaras program estetika Kandinsky. Jika Kandinsky menggunakan "Komposisi" dan "Improvisasi" -nya ke persepsi simbolik warna dan emansipasinya dari objek yang digambarkan, maka hal serupa terjadi dengan mendiang Scriabin. Prometheus miliknya adalah contoh cat harmonik yang dibebaskan dari sambungan tonal. Penyimpangan dari pemikiran tonal tradisional ke dunia suara baru berarti penolakan terhadap realitas kehidupan apa pun, bahkan tidak langsung, yang mendukung permainan, suara arab yang penuh teka-teki. Jika kita mengizinkan analogi antara lukisan figuratif dan musik nada (yang menurut saya dapat dibenarkan secara historis), maka kita dapat melihat paralelisme tertentu dalam inovasi gambar dan musik tahun 1910-an, yang meninggalkan prinsip-prinsip yang tampaknya tak tergoyahkan ini. Berkenaan dengan sekolah Wina Baru, fenomena emansipasi warna suara ditentukan oleh konsep Schoenberg tentang Klangfaibenmelodie. Scriabin mengamati proses yang sangat mirip, dan dengan Kandinsky ia disatukan oleh kesamaan asal-usul budaya Rusia, dan fondasi romantis kreativitas, dan semacam metode sintetik: sama seperti Kandinsky menggabungkan non-objektivitas dengan kiasan, demikian pula permainan canggih Scriabin ornamen suara hidup berdampingan dengan leksem melodi kuasi-tonal.

Mengakhiri kesejajaran dengan lukisan Rusia baru, kami mencatat bahwa pada periode selanjutnya gayanya berkembang sesuai dengan evolusi dari Art Nouveau ke Abstraksionisme. Di satu sisi, peran elemen simbolik yang tersembunyi meningkat dalam musiknya. Seperti yang telah disebutkan, "akord Prometheus" itu sendiri bagi Scriabin adalah "akord Pleroma", dan bukan hanya warna suara yang berhasil ditemukan. Di sisi lain, sang komposer terkadang secara sadar meninggalkan warna sebelumnya dan kepenuhan suara yang sensual. Keinginan untuk menembus cangkang fenomena, karakteristik metode simbolis, pada tahap tertentu menyebabkan perubahan keseimbangan antara eksternal dan internal, yang eksplisit dan yang tersembunyi. Scriabin tidak lagi tertarik dengan tindakan teurgi - transformasi, tetapi oleh realitas dunia lain. Jalan dari "Prometheus" ke pendahuluan selanjutnya, dari op. 60 untuk op. 74 adalah jalan dari warna-warni ke monoton, ke kesederhanaan dan kelurusan gambar. Pernyataan komposer berikut ini penting dalam pengertian ini: “Ketika hasrat yang mendidih mencapai klimaksnya dalam seni, semuanya akan sampai pada formula sederhana: garis hitam dengan latar belakang putih, dan semuanya akan menjadi sederhana, cukup sederhana. ”

Ini nada hitam dan putih mendominasi pendahuluan Scriabin terakhir. Pendahuluan op. 74 No. 2 komposer menyebut "gurun astral", sebagai tambahan, menggunakan ungkapan seperti "rekonsiliasi yang lebih tinggi" dan "suara putih". Kami telah membicarakan lakon ini sehubungan dengan gagasan tentang yang tak terbatas. Sarjana modern juga menulis tentang kualitas baru pianisme Scriabin yang muncul di sini, selaras dengan abad ke-20: "Scriabin masa depan adalah keinginan untuk konsentrasi intelektual dan kemampuan untuk merenungkan keindahan ide dan bentuk yang abstrak dan tidak tertarik secara artistik." Proses munculnya kualitas ini juga dijelaskan: mulai dari ornamen ritmis berwarna timbre hingga ide musikal tentang ketiadaan ritme dan lenyapnya waktu. Gaya ini sudah menimbulkan analogi baru - tidak begitu banyak dengan "improvisasi" Kandinsky, tetapi dengan komposisi Suprematis K. S. Malevich, yang oleh seniman itu sendiri dianggap sebagai alegori spiritualitas murni (analogi "gurun astral" Scriabin).

Segala sesuatu di bagian ini diisi dengan "rekonsiliasi tertinggi" ini: ostinato total suara turun dengan semantik "gelap" awalnya, bingkai kelima kosong di bass, tetap terus menerus di ruang tertutup. Rupanya, musik dari "Undang-Undang Pendahuluan" juga condong ke arah kurangnya warna, tidak berwujud, fragmen yang dimainkan oleh komposer untuk Sabaneev. “Dia memberi tahu saya,” kenang penulis memoar itu, “tentang paduan suara yang akan bernyanyi di sana-sini, tentang seruan para hierophant yang akan mengucapkan kata-kata suci dari teksnya, tentang solo, seolah-olah, arias - tetapi saya tidak melakukannya rasakan sonoritas ini dalam musik: kain yang menakjubkan ini tidak bernyanyi dengan suara manusia, tidak bersuara dengan warna orkestra ... Itu adalah piano, penuh dengan sonoritas hantu, dunia. Sulit untuk mengatakan seberapa "mirip piano" fragmen-fragmen ini sebenarnya dan bagaimana fragmen-fragmen itu bisa diatur oleh pengarangnya. Jelas bahwa dia membutuhkan suara inkorporeal, dematerialisasi, "keheningan pikiran" yang sakral.

Suatu ketika, di masa muda Sonata Pertama, Scriabin menyediakan episode paduan suara dari pawai pemakaman dengan ucapan "Quasi niente" - "seolah-olah tidak ada apa-apa." Dalam kerangka program kuasi-romantis, episode ini secara tegas dianggap sebagai metafora kematian. Di tahun-tahun berikutnya, gambaran serupa terdengar seperti pemeliharaan makhluk lain, jalan keluar ke ruang kosmos yang tak terbatas. Quasi niente op. 74 mengingatkan pada "Lapangan Hitam" Malevich - batas semua kemungkinan ini, simbol Ketiadaan dan Segalanya. Orang hanya dapat mencatat bahwa, berbeda dengan eksperimen Suprematis dalam lukisan avant-garde, gambar transenden ini ternyata menjadi yang terakhir, terakhir bagi Scriabin, yang secara simbolis bertepatan dengan akhir keberadaannya di bumi.

Seperti yang Anda lihat, hubungan genetik Scriabin dengan romantisme tidak menghalangi aspek-aspek karyanya yang bersentuhan langsung dengan seni abad ke-20 dan karya seniman avant-garde untuk memanifestasikan dirinya. Dalam hal ini, pada kenyataannya, sifat yang membatasi dan mengikat dari misi sejarahnya terwujud. Scriabin termasuk dalam generasi yang ditulis Bely: "Kami adalah anak-anak abad ini dan itu, kami adalah generasi pergantian." Memang, seluruh era berakhir dengan karya Scriabin. Fakta kematiannya pada tahun 1915, pada awal Perang Dunia Pertama, dari "pemakaman resmi" abad ke-19 yang romantis ini, sudah menjadi simbol. Tetapi penemuan komposer diarahkan ke masa depan, menentukan banyak tren karakteristik dalam seni musik modern. Mari kita lihat bagaimana itu berkorelasi dengan miliknya musik abad ke-20.

Beberapa kesamaan signifikan telah disebutkan di atas. Ide sintesis cahaya dan musik membawa Scriabin lebih dekat tidak hanya dengan Kandinsky, tetapi juga dengan Schoenberg. Dalam monodrama Schoenberg "The Happy Hand" tiga tahun kemudian dari "Prometheus", sistem timbre cahaya digunakan (sementara Scriabin lebih suka memiliki "harmoni ringan"). Ngomong-ngomong, ketiga protagonis dari "musik yang terlihat" disajikan pada tahun 1912 di halaman almanak Munich "The Blue Rider": Kandinsky dan Schoenberg - karya teoretis mereka sendiri, dan Scriabin - sebuah artikel tentang "Puisi Api" Sabaneev . Namun, aspek lain juga disatukan dengan ekspresionisme aliran Novy Vienna dari almarhum Scriabin - dari teknik dalam semangat Klangfarbenmelodie hingga formula intonasional-harmonik tertentu, yang asalnya kembali ke romantisme akhir. Dalam skala Eropa, semacam resonansi dengan Scriabin, di kemudian hari, juga merupakan karya O. Messiaen. Scriabin merujuk pada sifat-sifat musik master Prancis seperti itu, seperti kegembiraan luar biasa dari struktur emosional, kecenderungan untuk "berlebihan", sikap terhadap kreativitas sebagai tindakan liturgi. Namun, pengalaman Scriabin paling jelas dibiaskan dalam musik komposer Rusia - terlebih lagi, bukan dalam hal kesejajaran, tetapi dalam bentuk dampak langsung dan tidak ambigu.

Jadi, pencarian avant-garde musik Rusia tahun 1910-1920-an kembali ke Scriabin. Menariknya, finalis era romantisme mengantisipasi konsep kreativitas musik avant-garde bahkan lebih jauh daripada rekan-rekannya yang lebih muda, Prokofiev dan Stravinsky yang anti-romantis. Sehubungan dengan "Puisi Api", kami telah berbicara tentang eksplorasi Scriabin tentang "tepi", "batas" artistik - apakah itu kecenderungan ke arah ultrachromaticism, di satu sisi, atau proyek super-artistik dari "Misteri ", di sisi lain. Utopianisme ide yang serupa menjadi ciri perwakilan budaya simbolis dan seniman avant-garde yang menggantikannya. Dalam karya Scriabin selanjutnya, perhatian juga tertuju pada perluasan pencarian inovatif, yang disertai dengan "distilasi" khusus materi suara, pemurniannya dari pengaruh dan tradisi langsung. Komposer avant-garde menetapkan tugas serupa untuk diri mereka sendiri, memusatkan minat mereka di sekitar masalah bahasa dan berusaha untuk menciptakan model musik masa depan tertentu.

Di antara penerus Scriabin adalah mereka yang meninggalkan Rusia setelah revolusi dan mengembangkan pengalamannya di luar perbatasannya. Ini adalah, khususnya, A. S. Lurie, N. B. Obukhov, I. A. Vyshnegradsky. Dalam karya mereka, hubungan spiritual murni dengan pencipta "Misteri" juga terungkap. Misalnya, Obukhov selama bertahun-tahun memupuk gagasan "The Book of Life" - sebuah karya yang bersifat religius dan mistis, dalam banyak hal mirip dengan proyek Scriabin. Namun kesinambungan di bidang inovasi linguistik masih dominan. Obukhov yang sama adalah pencipta "harmoni dengan 12 nada tanpa penggandaan". Sistem ini, yang menegaskan nilai intrinsik dan kesetaraan semua bunyi tangga nada kromatik, menggemakan metode dodekaponik Schoenberg dan harmoni mendiang Scriabin.

Tren menuju ultrachromatics dikembangkan, pada gilirannya, oleh Lurie dan Vyshnegradsky. Jika yang pertama terbatas pada perwujudan metode ini (sejak tahun 1915 ia menerbitkan pendahuluan untuk piano seperempat nada, didahului dengan kata pengantar teoretis singkat) di majalah futuristik Sagitarius, maka untuk yang kedua ia memiliki karakter yang mendasar. Vyshnegradsky adalah salah satu penganut teknik interval mikro dalam musik abad ke-20. Dengan bantuan teknik ini, ia berusaha untuk mengatasi diskontinuitas dari temperamen yang setara, berdasarkan itu menciptakan doktrin "kontinum suara". Patut dicatat bahwa sang komposer menganggap Scriabin sebagai pendahulunya langsung di jalur ini. Menurut pengakuannya sendiri, dia mendengar komposisi Scriabin selanjutnya dalam kunci ultrachromatic dan bahkan mencoba mengadaptasi Sonata Kesembilan dan Kesepuluh, serta op Nocturne Poem ke rekaman quarter-tone. 61. Harus ditekankan bahwa Vyshnegradsky memandang ramalan Scriabin secara holistik, berusaha untuk mewujudkannya di berbagai bidang karyanya. Jadi, dia memproyeksikan teknik pemisahan nada ke dalam bidang ritme, memikirkan kombinasi cahaya dan suara, merancang ruangan berkubah khusus untuk memenuhi rencananya; akhirnya ia menciptakan komposisi "Day of Being", dengan caranya sendiri menanggapi gagasan "Misteri".

Vyshnegradsky adalah salah satu tokoh yang usahanya membawa pengalaman Scriabin langsung ke ruang Eropa. Setelah meninggalkan Rusia pada tahun 1920, dia berhubungan dengan W. Möllendorff dan A. Haba di Berlin, dan berpartisipasi dalam Kongres Komposer Quarter-tone. Dia menghubungkan sebagian besar hidupnya dengan Prancis, di mana pada akhir tahun 30-an dia mendapat perhatian yang menarik dari Messiaen, dan pada tahun-tahun pascaperang dia berhubungan dengan P. Boulez dan sekolahnya. Jadi, terima kasih kepada para Scriabinis emigran, tidak hanya avant-garde musik Eropa mengasimilasi penemuan Scriabin, tetapi juga hubungan dibuat antara dua gelombangnya.

Bagaimana nasib warisan Scriabin di Rusia? Bahkan selama masa komposer, banyak musisi, terutama dari lingkungan terdekat Moskow, mengalami kekuatan pengaruhnya. Salah satunya adalah A.V. lebih awal). Pada tahun-tahun berikutnya, termasuk tahun 1920-an yang "revolusioner", hampir semua komposer muda mengalami kecintaan terhadap Scriabin. Dorongan untuk hasrat ini adalah kepergian sang master sebelum waktunya, dan semangat inovasinya, terutama yang dekat dengan komposer - anggota Asosiasi Musik Kontemporer. Di bawah tanda Scriabin, karya S. E. Feinberg terungkap, pengaruh gayanya tercermin dalam sejumlah karya N. Ya Myaskovsky, An. N. Aleksandrova, A. A. Kreina, D. M. Melkikh, S. V. Protopopov (kami telah menyebutkan upaya Protopopov untuk merekonstruksi "Tindakan Awal").

Para musisi didorong oleh keinginan untuk memahami wawasan Scriabin, untuk mewujudkan ide-idenya yang kurang terealisasi dan berorientasi masa depan. Pada saat yang sama, ada pemahaman teoretis tentang pengalaman Scriabin (yang dimulai sejak tahun 1916 dengan kontroversi tentang ultrakromatisme), dan pengantarnya ke dalam praktik komposer. Dalam pengertian ini, sosok N. A. Roslavets patut diperhatikan, yang menggunakan teorinya sendiri tentang "synthetaccord" dalam karyanya, dalam banyak hal mirip dengan teknik pusat suara almarhum Scriabin.

Merupakan karakteristik bahwa Roslavets, dengan kata-katanya sendiri, melihat kekerabatannya dengan Scriabin secara eksklusif "dalam musik-formal, tetapi sama sekali tidak dalam arti ideologis". Teknologisme dalam kaitannya dengan tradisi Scriabin adalah hasil dari semacam "ketakutan ideologis", yang alasannya tidak sulit ditebak. Pada tahun 1920-an, banyak yang membuat klaim serius atas wahyu teosofis-mistis dari Scriabin, yang tampaknya setidaknya kemarin dan merupakan penghargaan atas dekadensi yang bobrok. Di sisi lain, ia menolak nihilisme kategoris dari para pemimpin RAPM, yang melihat di Scriabin hanya seorang pengkhotbah filsafat idealis reaksioner. Bagaimanapun, musik komposer terancam dikorbankan untuk dogma ideologis, apa pun sifatnya.

Namun, budaya dalam negeri pada akhirnya tidak membatasi diri pada sikap "musik-formal" terhadap Scriabin. Suasana umum tahun 1920-an sejalan dengan aktivisme heroik dan kesedihan pemberontakan dari tulisannya. Utopia transformatif sang komposer juga cocok dengan gambaran dunia pada tahun-tahun itu. Dia secara tak terduga menanggapi dengan "bentuk plein air dari jenis sintetis", sebagaimana Asafiev menyebut peristiwa massal pada waktu itu, seperti "Misteri Buruh yang Dibebaskan" (dimainkan di Petrograd pada Mei 1920). Benar, misteri baru ini sudah sepenuhnya Soviet: katolisitas diganti dengan "karakter massa", kekuatan dengan propaganda, dan lonceng suci dengan klakson pabrik, sirene, dan meriam. Pantas saja Bely menulis Vyach. Ivanov: “Orkestra Anda adalah Soviet yang sama,” ironisnya menyinggung aspirasi misteriusnya di tahun-tahun sebelumnya.

Secara umum, pada 1920-an, lahirlah mitos Soviet tentang Scriabin, yang ditakdirkan untuk menjadi cukup panjang umur. Ia lahir bukan tanpa upaya A.V. Lunacharsky, yang menyebut Scriabin petrel revolusi. Mitos ini diekspresikan dalam berbagai bentuk: "Puisi Ekstasi" sebagai tandingan dari film berita peristiwa Oktober, atau akhir dari "Puisi Ilahi" sebagai pendewaan parade militer di Lapangan Merah - hanya beberapa di antaranya . Belum lagi interpretasi Scriabin yang sepihak, dengan pendekatan seperti itu kepadanya, sebagian besar warisannya tetap berada di luar batas perhatian.

Ini berlaku terutama untuk karya-karya periode akhir, yang tidak sesuai dengan mitologi Soviet atau dengan sikap evaluatif yang sesuai dalam seni. Seperti, khususnya, Sonata Kesembilan, yang mewujudkan citra kejahatan dunia. Dalam pertunjukan ulang bagian samping, sebuah kekerabatan dengan "pawai invasi" dalam simfoni D. D. Shostakovich, seorang komposer yang memiliki catatannya sendiri dengan optimisme birokrasi zaman Soviet, ditangkap. Kesamaan juga dimanifestasikan dalam fakta bahwa episode marching grotesque kedua komposer bertindak sebagai tindakan "penodaan yang sakral", hasil dari transformasi mendalam dari citra yang awalnya positif. Perkembangan tradisi romantisme Lisztian ini membuktikan kekuatan wawasan Scriabin, yang menghubungkan abad ke-19 dengan abad ke-20.

Pengaruh Scriabin pada musik baru pada umumnya tidak pernah terputus. Pada saat yang sama, sikap terhadapnya berbeda, pasang surut minat berganti-ganti. Jika kita mengingat pasang surut, maka seiring dengan tahun 1920-an, kita juga harus membicarakan waktu-waktu selanjutnya. Gelombang kedua Scriabinianisme dimulai pada tahun 1970-an. Menurut beberapa perubahan paradigma budaya kemudian mode perasaan baru terbentuk, berbeda dengan estetika Neue Sachlichkeit yang telah lama didominasi, getaran romantis kembali menguat. Dan kembalinya ke Scriabin dalam konteks ini menjadi sangat bergejala.

Benar, tidak seperti tahun 1920-an, kepulangan ini tidak bersifat ziarah langsung. Pengalaman Scriabin dirasakan dengan aksen baru yang sesuai dengan suasana psikologis baru. Tidak semua isinya ternyata dekat dengan penulis modern. Mereka tampaknya mencoba mengasuransikan diri mereka sendiri dari egosentrisme Scriabin dan dari perasaan bahagia yang berlebihan, menurut pendapat mereka, dan karenanya artifisial. Ini dinyatakan, khususnya, oleh A. G. Schnittke dalam salah satu wawancaranya. Memang, di dunia modern, yang telah melewati semua bencana alam abad ke-20, hampir tidak mungkin terjadi kelebihan seperti itu. Pergantian abad yang baru memunculkan kesadaran apokaliptik baru, tetapi tidak lagi dengan sentuhan mesianisme heroik, melainkan dalam bentuk pengakuan penyesalan. Oleh karena itu, pertapaan spiritual lebih disukai daripada "kegairahan mistis" (sebagaimana D. L. Andreev mendefinisikan nada emosional dari "Puisi Ekstasi").

Namun, penolakan dari Scriabin seringkali merupakan kebalikan dari ketertarikannya. Scriabin dan romantisme awal abad dikaitkan dengan ide-ide baru tentang kreativitas. Ciri khas dalam hal ini adalah penolakan terhadap nilai seni yang melekat - jika tidak dalam semangat utopia yang mengubah dunia, maka dalam semangat meditasi. Pemujaan terhadap momen saat ini, yang begitu menunjukkan budaya abad pertengahan, digantikan oleh kriteria Yang Kekal. Sensasi vektor ruang kembali menutup ke tak terhingga bola.

Dalam pengertian ini, pemahaman Scriabin tentang bentuk sebagai bola dekat, misalnya dengan prinsip komposisi ikon dalam karya V. V. Silvestrov, di mana semua elemen juga diberikan terlebih dahulu. Dengan Silvestrov, efek aura suara yang terlupakan dihidupkan kembali - bayangan yang bergoyang, getaran, gema timbre bertekstur - "nafas". Semua ini adalah tanda-tanda "pastoral kosmik" (sebagaimana penulis sendiri menyebut karyanya), di mana gaung karya Scriabin terdengar.

Pada saat yang sama, "kecanggihan yang lebih tinggi" dari Scriabin tampaknya lebih berbicara kepada komposer modern daripada "kemegahan yang lebih tinggi". Mereka juga tidak dekat dengan kesedihan penegasan diri yang heroik dan semangat aktivisme, yang memiliki banyak konsekuensi destruktif di abad ke-20. Sangat mudah untuk melihat bahwa persepsi Scriabin ini pada dasarnya adalah alternatif dari mitos Soviet tentang dia. Namun, di sini refleksi fase akhir budaya yang mewarnai karya-karya beberapa tahun terakhir juga terasa. Itu tercermin dalam karya Silvestrov yang sama, yang dibuat dalam genre postlude.

Salah satu dorongan untuk beralih ke Scriabin dalam beberapa dekade terakhir adalah perkembangan kekayaan spiritual Zaman Perak, termasuk warisan para filsuf Rusia. Para komposer menyadari kembali pencarian religius pada masa itu dan ide-ide tentang seni yang, misalnya, dirumuskan oleh N. A. Berdyaev dalam karyanya "The Meaning of Creativity", sebuah buku yang muncul setahun setelah kematian Scriabin dan menemukan banyak titik kontak dengan sistem pemikirannya. Kembali ke tahun 1920-an, B.F. Schlözer secara masuk akal menyatakan bahwa “penulis dan musisi selaras pada satu hal: yaitu, dalam cara“ membenarkan ”seseorang - melalui kreativitas, dalam penegasan eksklusifnya sebagai pencipta, dalam penegasan keputraan ilahi-Nya bukan karena kasih karunia. , tetapi pada intinya.

Di antara musisi generasi sekarang, cara berpikir ini sangat dekat dengan V. P. Artyomov, komposer yang secara terbuka mendalilkan hubungannya dengan Scriabin. Hubungan ini baik dalam keinginan untuk mendengar "musik bola", dan dalam program filosofis dan religius dari karya-karya besar yang membentuk semacam siklus super (tetralogi "Simfoni Jalan").

Namun karya S. A. Gubaidulina yang dengan caranya sendiri mewujudkan gagasan seni-agama juga dipersepsikan sebagai bagian dari liturgi yang langgeng tiada henti. Scriabin mengungkapkan ide ini melalui "musik absolut", yang sekaligus menguji universalitasnya dalam bentuk sinestesia. Di Gubaidulina, dengan hegemoni dalam karyanya bergenre instrumental, ekspresi transmusical lakon seperti “Terang dan Gelap” (untuk organ) menarik perhatian, dan di samping itu, gagasan simbolisme warna, yang berasal dari film Mosfilmnya. dan eksperimen musik. Sang jenderal juga terlihat di gudang kreativitas esoteris, dalam daya tarik tanda dan makna tersembunyi. Simbolisme numerik Gubaidulina dianggap sebagai gema dari kombinasi harmonik dan metrotektonik yang kompleks dari "Puisi Api", khususnya penggunaan deret Fibonacci dalam karyanya - prinsip penataan universal ini, yang dianggap oleh penulis sebagai "hieroglif hubungan kita dengan ritme kosmik".

Tentu saja, ciri-ciri musik penulis kontemporer ini dan lainnya tidak dapat direduksi menjadi asal-usul Scriabin. Di belakang mereka adalah pengalaman panjang budaya dunia, serta eksperimen avant-garde belakangan, yang telah menyublimkan penemuan musisi Rusia. Master dari generasi sekarang lebih bersedia untuk berbicara dalam wawancara mereka dengan O. Messiaen atau K. Stockhausen. Hal ini dapat dijelaskan tidak hanya oleh kedekatan historis dengan yang terakhir, tetapi, mungkin, oleh fakta bahwa inovasi Scriabin dalam musik Barat memiliki prospek perkembangan yang "murni" dan tidak berideologi. Padahal penolakan terhadap “mitos Scriabin” justru menjadi ciri kebangkitan Scriabin saat ini dalam seni rupa Rusia.

Namun tidak adanya program dan manifesto yang menjadi ciri khas tahun 1920-an tidak membuat Scriabinianisme baru menjadi kurang jelas. Selain itu, hari ini bukan hanya demonstrasi koneksi "musik-formal" (menurut N. A. Roslavets). Lagipula, di baliknya ada gambaran umum dunia, daya tarik pengalaman spiritual yang muncul pada titik serupa dalam spiral budaya dan "di bagian Semesta yang sama".

A. N. Scriabin adalah seorang komposer yang karyanya biasanya dianggap di luar segala arah. Padahal, jika kita menganalisis teknik pertunjukannya, itu bisa dikaitkan dengan Sekolah Wina Baru. Keunikan karya komposer ini tidak hanya terletak pada harmoni yang rumit, tetapi juga pada pengenalan musik untuk ekspresi warna yang lebih baik.

Alexander Nikolaevich Scriabin. Biografi: masa kecil

Alexander lahir pada Januari 1872. Keluarganya tidak memiliki kesempatan untuk memberikan pengaruh yang signifikan terhadap perkembangan kejeniusan sang anak. Ibunya meninggal karena TBC ketika Alexander masih muda. Ayah saya adalah seorang pengacara dan mencurahkan sebagian besar waktunya untuk bekerja. Anak laki-laki itu sendiri belajar memilih melodi yang dia dengar dan sukai di piano, yang sangat mengesankan orang-orang di sekitarnya.

Biografi Skryabin A.N.: pendidikan dasar

Sang ayah ingin putranya belajar di Lyceum. Tetapi Alexander sendiri memimpikan korps kadet. Dan keluarga menyerah pada keinginannya. Pada usia 10 tahun, ia terdaftar di korps kadet di Moskow. Di masa depan, bocah itu berencana memasuki konservatori. Dalam hal ini, sejalan dengan studinya di korps, ia mulai mengikuti pelajaran musik privat dari dan S.I. Taneyev, guru terkenal Moskow.

Biografi A. N. Scriabin: masuk ke konservatori

Peristiwa ini terjadi pada Januari 1888, saat pemuda itu sudah berusia 16 tahun. Pada saat yang sama, dia diterima di kelas piano. Guru Alexander adalah konduktor dan pianis V. I. Safonov. Tak lama kemudian, baik rekan maupun guru memperhatikan Scriabin. Bersama Rachmaninov, mereka menunjukkan janji terbesar. Selama tahun-tahun studinya, Scriabin banyak mengarang.

Hampir semua karya yang ditulis selama periode ini dimaksudkan untuk dimainkan dengan piano. Untuk pertama kalinya dengan komposisinya, ia tampil pada tahun 1894 di St. Petersburg. Di sini dia bertemu dengan tokoh musik, dan melalui dia dengan Lyadov, Glazunov, Rimsky-Korsakov, dan komposer ibu kota lainnya.

Biografi Skryabin A.N.: kegiatan pertunjukan

Itu dimulai pada paruh kedua tahun 1890-an, ketika komposer mengadakan konser, yang terdiri dari komposisinya sendiri, di banyak kota di Rusia, serta di luar negeri. Dia mengunjungi Paris, Den Haag. Sesaat sebelum tur, Scriabin menikah. Vera Ivanovna Isakovich menjadi orang pilihannya. Dia adalah seorang pianis dan tampil bersama suaminya. Pada tahun 1898, Scriabin menyetujui proposal Konservatorium Moskow untuk memimpin kelas piano, dan menjadi profesornya. Selama tahun-tahun ini, dia menciptakan siklus etudes, banyak pendahuluan, serta banyak karya besar untuk piano. Di akhir abad ini, dia beralih ke orkestra, mencurahkan banyak waktunya untuk itu. Komunikasi dengan anggota masyarakat filosofis, yang dia ikuti, membaca literatur yang relevan membawa Scriabin pada ide untuk menulis Misteri. Mulai sekarang, mereka menjadi bisnis utama dalam hidupnya. Dalam karya ini, komposer berencana menggabungkan beberapa genre sekaligus: arsitektur, tari, musik, puisi, dll. Pada saat yang sama, dua simfoni telah ditulis dan yang ketiga sedang dikerjakan.

Biografi Skryabin A.N.: bepergian ke luar negeri

Pada musim dingin tahun 1904, sang komposer pergi ke luar negeri selama beberapa tahun. Pada tahun yang sama ia menyelesaikan Simfoni Ketiga dan pada musim semi 1905 ia menampilkannya di Paris. Dalam tur, Scriabin melakukan perjalanan ke Belgia, Italia, Swiss, Prancis, dan bahkan Amerika. Selama periode ini, Alexander Nikolayevich menceraikan istri pertamanya dan menikah untuk kedua kalinya dengan T. F. Schletser, yang juga memiliki pelatihan musik, tetapi mengorbankan segalanya untuk suaminya.

A. N. Scriabin adalah seorang komposer. Biografi: hari-hari terakhir

Pada musim dingin tahun 1915, komposer mengadakan banyak konser, dua di antaranya diadakan di Petrograd dengan sukses besar. Pertunjukan lain dijadwalkan untuk bulan April. Ternyata itu yang terakhir. Segera setelah kembali merasa tidak enak badan. Bisul muncul di bibir, absesnya ganas, keracunan darah terjadi, suhu dengan cepat naik ke tingkat yang tinggi. Alexander Nikolaevich meninggal pada tanggal 27 April dini hari.

“Saya ingin dilahirkan sebagai sebuah pemikiran, terbang ke seluruh dunia dan mengisi seluruh Semesta dengan diri saya sendiri. Saya ingin dilahirkan dalam mimpi indah kehidupan muda, gerakan inspirasi suci, ledakan perasaan yang penuh gairah ... "

Alexander Scriabin memasuki musik Rusia pada akhir tahun 1890-an dan segera menyatakan dirinya sebagai orang yang luar biasa dan berbakat. Seorang inovator yang berani, "pencari cara baru yang brilian", menurut N. Myaskovsky,

"dengan bantuan bahasa yang benar-benar baru dan belum pernah terjadi sebelumnya, dia membuka di hadapan kita begitu luar biasa ... perspektif emosional, pencerahan spiritual yang begitu tinggi, yang tumbuh di mata kita menjadi fenomena penting di seluruh dunia."

Alexander Scriabin lahir pada 6 Januari 1872 di keluarga kaum intelektual Moskow. Orang tua tidak memiliki kesempatan untuk memainkan peran penting dalam kehidupan dan pengasuhan putra mereka: tiga bulan setelah kelahiran Sashenka, ibunya meninggal karena TBC, dan ayahnya, seorang pengacara, segera berangkat ke Konstantinopel. Perawatan Sasha kecil sepenuhnya jatuh pada nenek dan bibinya, Lyubov Alexandrovna Skryabina, yang menjadi guru musik pertamanya.

Telinga dan ingatan musik Sasha membuat kagum orang-orang di sekitarnya. Sejak usia dini, dengan telinga, dia dengan mudah mereproduksi melodi yang pernah dia dengar, mengambilnya di piano atau instrumen lain. Bahkan tanpa mengetahui not-notnya, sudah pada usia tiga tahun dia menghabiskan berjam-jam di piano, sampai-sampai dia menyeka sol sepatunya dengan pedal. “Jadi mereka terbakar, jadi solnya terbakar,” keluh bibi. Anak laki-laki itu memperlakukan piano seperti makhluk hidup - sebelum tidur, Sasha kecil mencium alat musik itu. Ngomong-ngomong, Anton Grigorievich Rubinstein, yang pernah mengajar ibu Scriabin, seorang pianis yang brilian, kagum dengan kemampuan musiknya.

Menurut tradisi keluarga, bangsawan berusia 10 tahun Scriabin dikirim ke Korps Kadet Moskow ke-2 di Lefortovo. Kira-kira setahun kemudian, penampilan konser pertama Sasha berlangsung di sana, dan eksperimen komposisi pertamanya juga berlangsung pada waktu yang sama. Pilihan genre - miniatur piano - menunjukkan hasrat yang dalam pada karya Chopin (kadet muda itu meletakkan catatan Chopin di bawah bantalnya).

Melanjutkan studinya di gedung, Scriabin mulai belajar secara pribadi dengan guru terkemuka Moskow Nikolai Sergeevich Zverev dan teori musik dengan Sergei Ivanovich Taneyev. Pada Januari 1888, pada usia 16 tahun, Scriabin memasuki Konservatorium Moskow. Di sini, Vasily Safonov, direktur konservatori, pianis, dan konduktor, menjadi gurunya.

Vasily Ilyich ingat bahwa Scriabin punya

“variasi khusus timbre dan suara, pedalisasi khusus yang luar biasa tipis; dia memiliki hadiah yang langka dan luar biasa - pianonya "bernafas" ...

"Jangan lihat tangannya, lihat kakinya!"

kata Safonov. Segera, Scriabin dan teman sekelasnya Seryozha Rachmaninov mengambil posisi sebagai "bintang" konservatif yang menunjukkan janji terbesar.

Scriabin banyak mengarang selama tahun-tahun ini. Dalam daftar komposisinya sendiri untuk tahun 1885-1889, lebih dari 50 lakon berbeda disebutkan.

Karena konflik kreatif dengan guru harmoni, Anton Stepanovich Arensky, Scriabin dibiarkan tanpa ijazah komposer, lulus dari Moscow Conservatory pada Mei 1892 dengan medali emas kecil di kelas piano dari Vasily Ilyich Safonov.

Pada bulan Februari 1894, ia tampil pertama kali di St. Petersburg sebagai pianis yang membawakan karyanya sendiri. Konser ini, yang berlangsung terutama berkat upaya Vasily Safonov, menjadi takdir bagi Scriabin. Di sini ia bertemu dengan tokoh musik terkenal Mitrofan Belyaev, kenalan ini memainkan peran penting di awal karir komposer.

Mitrofan Petrovich mengambil tugas untuk "menunjukkan Scriabin kepada orang-orang" - dia menerbitkan karyanya, memberikan dukungan keuangan selama bertahun-tahun, dan pada musim panas 1895 menyelenggarakan tur konser besar di Eropa. Melalui Belyaev, Scriabin memulai hubungan dengan Rimsky-Korsakov, Glazunov, Lyadov, dan komposer Petersburg lainnya.

Perjalanan pertama ke luar negeri - Berlin, Dresden, Lucerne, Genoa, lalu Paris. Ulasan pertama kritikus Prancis tentang komposer Rusia itu positif dan bahkan antusias.

"Dia semua impuls dan api suci"

"Dia mengungkapkan dalam permainannya pesona Slavia yang sulit dipahami dan khas - pianis pertama di dunia",

menulis surat kabar Perancis. Individualitasnya, kehalusan yang luar biasa, pesona khusus, "murni Slavia" dicatat.

Pada tahun-tahun berikutnya, Scriabin mengunjungi Paris beberapa kali. Pada awal tahun 1898, sebuah konser besar karya Scriabin berlangsung, yang dalam beberapa hal tidak biasa: sang komposer tampil bersama istrinya, pianis Vera Ivanovna Scriabina (née Isakovich), yang dinikahinya tidak lama sebelumnya. Dari lima departemen, Scriabin sendiri bermain di tiga, di dua lainnya - Vera Ivanovna. Konser itu sukses besar.

Pada musim gugur tahun 1898, pada usia 26 tahun, Alexander Scriabin menerima tawaran dari Moscow Conservatory dan menjadi salah satu profesornya, mengambil alih kepemimpinan kelas piano.

Pada akhir tahun 1890-an, tugas kreatif baru memaksa komposer untuk beralih ke orkestra - pada musim panas tahun 1899, Scriabin mulai menggubah Simfoni Pertama. Pada akhir abad ini, Scriabin menjadi anggota Masyarakat Filsafat Moskow. Komunikasi, bersama dengan studi literatur filosofis khusus, menentukan arah umum pandangannya.

Abad ke-19 telah berakhir, dan dengan itu cara hidup lama. Banyak orang, seperti kejeniusan Alexander Blok, meramalkan "perubahan yang belum pernah terjadi sebelumnya, pemberontakan yang belum pernah terjadi sebelumnya" - badai sosial dan pergolakan sejarah yang akan dibawa oleh abad ke-20.

Permulaan Zaman Perak menyebabkan pencarian yang tergesa-gesa akan cara dan bentuk baru dalam seni: akmeisme dan futurisme dalam sastra; kubisme, abstraksionisme, dan primitivisme - dalam lukisan. Beberapa mengenai ajaran yang dibawa ke Rusia dari Timur, yang lain - mistisisme, yang lain - simbolisme, keempat - romantisme revolusioner ... Tampaknya belum pernah dalam satu generasi lahir begitu banyak arah berbeda dalam seni. Scriabin tetap setia pada dirinya sendiri:

“Seni harus meriah, harus mengangkat, harus mempesona…”

Dia memahami pandangan dunia para Simbolis, menjadi semakin tegas dalam memikirkan kekuatan magis musik, yang dirancang untuk menyelamatkan dunia, dan juga menaruh minat besar pada filosofi Helena Blavatsky. Sentimen ini membawanya ke gagasan "Misteri", yang mulai sekarang menjadi bisnis utama kehidupan baginya.

"Misteri" dipersembahkan kepada Scriabin sebagai karya megah yang menggabungkan semua jenis seni - musik, puisi, tari, arsitektur. Namun, menurut idenya, ini seharusnya bukan karya seni murni, tetapi "aksi konsili besar" kolektif yang sangat khusus, di mana seluruh umat manusia akan mengambil bagian - tidak lebih, tidak kurang.

Selama tujuh hari, periode yang Tuhan ciptakan dunia duniawi, sebagai akibat dari tindakan ini, orang harus bereinkarnasi menjadi esensi baru yang menyenangkan, melekat pada keindahan abadi. Dalam proses ini tidak akan ada pembagian menjadi pelaku dan pendengar-penonton.

Scriabin memimpikan genre sintetik baru, di mana "tidak hanya suara dan warna yang akan digabungkan, tetapi juga aroma, plastisitas tarian, puisi, sinar matahari terbenam, dan bintang yang berkelap-kelip". Gagasan itu mengejutkan bahkan penulisnya sendiri. Takut untuk mendekatinya, dia terus menciptakan karya musik yang "biasa".

Pada akhir tahun 1901, Alexander Scriabin menyelesaikan Simfoni Kedua. Musiknya ternyata sangat baru dan tidak biasa, begitu berani sehingga penampilan simfoni di Moskow pada 21 Maret 1903 berubah menjadi skandal formal. Pendapat penonton terbagi: separuh penonton bersiul, mendesis dan menginjak, dan separuh lainnya, berdiri di dekat panggung, bertepuk tangan dengan meriah. "Cacophony" - kata kaustik yang disebut simfoni oleh master dan guru Anton Arensky. Dan musisi lain menemukan "harmoni yang luar biasa liar" dalam simfoni tersebut.

“Nah, sebuah simfoni… apa-apaan itu! Scriabin dapat dengan aman membantu Richard Strauss. Tuhan, kemana perginya musik? ..”,

- Ironisnya, Anatoly Lyadov menulis dalam sebuah surat kepada Belyaev. Tetapi setelah mempelajari musik simfoni lebih dekat, dia dapat mengapresiasinya.

Namun, Scriabin sama sekali tidak malu. Dia sudah merasa seperti seorang mesias, pembawa agama baru. Agama itu baginya adalah seni. Dia percaya pada kekuatan transformatifnya, dia percaya pada orang kreatif yang mampu menciptakan dunia baru yang indah:

“Saya akan memberi tahu mereka bahwa mereka… tidak mengharapkan apa pun dari kehidupan, kecuali apa yang dapat mereka ciptakan sendiri… Saya akan memberi tahu mereka bahwa tidak ada yang perlu disesali, bahwa tidak ada kerugian. Agar mereka tidak takut putus asa, yang dengan sendirinya bisa melahirkan kemenangan yang sesungguhnya. Kuat dan perkasa dia yang telah mengalami keputusasaan dan mengatasinya.”

Kurang dari setahun setelah menyelesaikan Second Symphony, pada tahun 1903, Scriabin mulai menggubah Symphony Ketiga. Simfoni yang disebut "The Divine Poem" menggambarkan evolusi jiwa manusia. Itu ditulis untuk orkestra besar dan terdiri dari tiga bagian: "Perjuangan", "Kenikmatan" dan "Permainan Ilahi". Untuk pertama kalinya, sang komposer mewujudkan dalam suara simfoni ini gambaran lengkap dari "alam semesta magis" -nya.

Selama beberapa bulan musim panas di tahun 1903 yang sama, Alexander Scriabin menciptakan lebih dari 35 karya piano, termasuk Sonata Piano Keempatnya yang terkenal, di mana keadaan penerbangan tak terbendung ke bintang memikat yang mengalirkan aliran cahaya disampaikan - begitu hebat pengalamannya dia alami selama ini untuk kreativitas.

Pada Februari 1904, Scriabin meninggalkan pekerjaan mengajarnya dan pergi ke luar negeri selama hampir lima tahun. Dia menghabiskan tahun-tahun berikutnya di Swiss, Italia, Prancis, Belgia, dan juga melakukan tur di Amerika.

Pada November 1904, Scriabin menyelesaikan Simfoni Ketiganya. Pada saat yang sama, ia membaca banyak buku tentang filsafat dan psikologi, pandangan dunianya cenderung solipsisme - sebuah teori ketika seluruh dunia dilihat sebagai produk dari kesadarannya sendiri.

“Saya adalah keinginan untuk menjadi kebenaran, untuk mengidentifikasikannya. Segala sesuatu yang lain dibangun di sekitar tokoh sentral ini…”

Peristiwa penting dalam kehidupan pribadinya dimulai saat ini: dia menceraikan istrinya Vera Ivanovna. Keputusan terakhir untuk meninggalkan Vera Ivanovna dibuat oleh Scriabin pada Januari 1905, saat itu mereka sudah memiliki empat anak.

Istri kedua Scriabin adalah Tatyana Fedorovna Shletser, keponakan seorang profesor di Moscow Conservatory. Tatyana Fedorovna mengenyam pendidikan musik, bahkan pernah mempelajari komposisi (perkenalannya dengan Scriabin dimulai atas dasar kelas dengannya dalam teori musik).

Pada musim panas 1095, Scriabin, bersama dengan Tatyana Feodorovna, pindah ke kota Bogliasco di Italia. Pada saat yang sama, dua orang dekat Alexander Nikolayevich meninggal - putri tertua Rimma dan temannya Mitrofan Petrovich Belyaev. Terlepas dari semangat yang sulit, kurangnya mata pencaharian dan hutang, Scriabin menulis "Puisi Ekstasi", sebuah himne untuk keinginan manusia yang menaklukkan segalanya:

Dan alam semesta bergema
Teriakan gembira:
Saya!"

Keyakinannya pada kemungkinan tak terbatas dari pencipta manusia mencapai bentuk ekstrim.

Scriabin banyak menulis, dia diterbitkan, dilakukan, tetapi dia masih hidup di ambang kebutuhan. Keinginan untuk meningkatkan urusan materialnya berulang kali mendorongnya berkeliling kota - dia melakukan tur di AS, Paris, dan Brussel.

Pada tahun 1909, Scriabin kembali ke Rusia, di mana, akhirnya, ketenaran nyata datang kepadanya. Karya-karyanya ditampilkan di panggung utama kedua ibu kota. Komposer melakukan tur konser ke kota-kota Volga, pada saat yang sama ia melanjutkan pencarian musiknya, semakin menjauh dari tradisi yang diterima.

Pada tahun 1911, Scriabin menyelesaikan salah satu komposisi paling cemerlang yang menantang seluruh sejarah musik - puisi simfoni "Prometheus". Penayangan perdananya pada 15 Maret 1911 menjadi peristiwa terbesar baik dalam kehidupan komposer maupun dalam kehidupan musik Moskow dan St.

Dilakukan oleh Sergei Koussevitsky yang terkenal, penulisnya sendiri berada di depan piano. Untuk menampilkan ekstravaganza musiknya, komposer perlu memperluas komposisi orkestra, termasuk piano, paduan suara, dan string musik, menunjukkan iringan warna, yang dia buat dengan keyboard khusus ... Butuh sembilan kali latihan, bukan tiga kali biasanya. "Akord Prometheus" yang terkenal, menurut orang-orang sezaman, "terdengar seperti suara kekacauan yang nyata, seperti satu suara yang lahir dari perut".

"Prometheus" memunculkan, dalam kata-kata orang sezaman, "perselisihan sengit, kesenangan luar biasa dari beberapa orang, ejekan terhadap orang lain, sebagian besar - kesalahpahaman, kebingungan." Namun, pada akhirnya, kesuksesannya besar: komposer dihujani bunga, dan selama setengah jam penonton tidak bubar, memanggil penulis dan konduktor. Seminggu kemudian, "Prometheus" diulangi di St. Petersburg, dan kemudian dibunyikan di Berlin, Amsterdam, London, New York.

Musik ringan - itulah nama penemuan Scriabin - memesona banyak orang, perangkat proyeksi cahaya baru dirancang, menjanjikan cakrawala baru untuk seni warna suara sintetis. Tetapi banyak yang skeptis tentang inovasi Scriabin, Rachmaninov yang sama, yang pernah, saat memilah Prometheus di piano di hadapan Scriabin, bertanya, bukan tanpa ironi, "apa warnanya?" Scriabin tersinggung ...

Dua tahun terakhir kehidupan Scriabin ditempati oleh karya "Aksi Pendahuluan". Itu seharusnya, berdasarkan namanya, menjadi sesuatu seperti "gladi resik" dari "Misteri", bisa dikatakan, versi "ringan". Pada musim panas 1914, Yang Pertama Perang Dunia- dalam peristiwa bersejarah ini, Scriabin melihat, pertama-tama, awal dari proses yang seharusnya mendekatkan "Misteri".

"Tapi betapa hebatnya pekerjaannya, betapa hebatnya itu!"

serunya dengan prihatin. Mungkin dia berdiri di ambang pintu, yang belum bisa dilintasi siapa pun ...

Selama bulan-bulan pertama tahun 1915, Scriabin mengadakan banyak konser. Pada bulan Februari, dua pidatonya berlangsung di Petrograd, yang sukses besar. Dalam hal ini, konser ketiga tambahan dijadwalkan pada 15 April. Konser ini ditakdirkan untuk menjadi yang terakhir.

Kembali ke Moskow, Scriabin merasa tidak enak badan setelah beberapa hari. Dia memiliki bisul di bibirnya. Abses tersebut ternyata ganas, menyebabkan infeksi umum pada darah. Suhu telah meningkat. Di pagi hari tanggal 27 April, Alexander Nikolaevich meninggal ...

“Bagaimana menjelaskan bahwa kematian menimpa sang komposer tepat pada saat dia siap untuk menuliskan partitur “Aksi Pendahuluan” di atas kertas musik?

Dia tidak mati, dia diambil dari orang-orang ketika dia mulai mengimplementasikan rencananya ... Melalui musik, Scriabin melihat banyak hal yang tidak diberikan kepada seseorang untuk diketahui ... dan oleh karena itu dia harus mati ..”

Murid Scriabin, Mark Meichik, menulis tiga hari setelah pemakaman.

“Saya tidak percaya ketika berita kematian Scriabin datang, sangat konyol, sangat tidak dapat diterima. Api Promethean padam lagi. Berapa kali sesuatu yang jahat, fatal menghentikan sayap yang sudah terbuka.

Tapi "Ekstasi" Scriabin akan tetap menjadi salah satu pencapaian kemenangan.

-Nicholas Roerich.

“Scriabin, dalam dorongan kreatif yang hiruk pikuk, tidak mencari seni baru, bukan Budaya baru, tetapi bumi baru dan langit baru. Dia merasakan akhir dari seluruh dunia lama, dan dia ingin menciptakan Kosmos baru.

Kejeniusan musik Scriabin begitu hebat sehingga dalam musik dia berhasil mengekspresikan pandangan dunianya yang baru dan membawa malapetaka, untuk mengekstrak dari kedalaman gelap keberadaan suara yang disingkirkan oleh musik lama. Tapi dia tidak puas dengan musik dan ingin melampauinya…”

- Nikolai Berdyaev.

“Dia keluar dari dunia ini, baik sebagai pribadi maupun sebagai musisi. Hanya sesaat dia melihat tragedi keterasingannya, dan ketika dia melihatnya, dia tidak mau mempercayainya.

- Leonid Sabaneev.

“Ada orang jenius yang brilian tidak hanya dalam pencapaian artistiknya, tetapi juga brilian dalam setiap langkahnya, dalam senyumnya, dalam gaya berjalannya, dalam semua jejak pribadinya. Anda melihat orang seperti itu – ini adalah roh, ini adalah makhluk dengan wajah khusus, dimensi khusus…”

— Konstantin Balmont.