rumah › peralatan listrik › Impresionisme sebagai gerakan seni. Cerita

Impresionisme sebagai gerakan seni. Cerita

Impresionisme(Impresionisme, kesan Prancis - kesan) adalah arah seni lukis yang berasal dari Prancis pada tahun 1860-an. dan sangat menentukan perkembangan seni di abad ke-19. Tokoh sentral dari tren ini adalah Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir dan Sisley, dan kontribusi masing-masing dari mereka terhadap perkembangannya unik. Kaum Impresionis menentang konvensi klasisisme, romantisme, dan akademisme, menegaskan keindahan realitas sehari-hari, motif sederhana dan demokratis, mencapai keaslian gambar yang hidup, mencoba menangkap "kesan" dari apa yang dilihat mata pada saat tertentu.

Tema yang paling khas untuk kaum Impresionis adalah lanskap, tetapi mereka juga menyentuh banyak topik lain dalam karya mereka. Degas, misalnya, menggambarkan ras, balerina, dan binatu, sedangkan Renoir menggambarkan wanita dan anak-anak yang menawan. Dalam lanskap impresionistik yang dibuat di udara terbuka, motif sehari-hari yang sederhana sering kali diubah oleh cahaya bergerak yang menyebar ke mana-mana, yang menghadirkan kesan kemeriahan pada gambar. Dalam beberapa metode konstruksi komposisi dan ruang impresionis, pengaruh ukiran Jepang dan sebagian fotografi terlihat. Kaum Impresionis adalah orang pertama yang menciptakan gambaran beragam tentang kehidupan sehari-hari kota modern, menangkap orisinalitas lanskapnya dan penampilan orang yang menghuninya, cara hidup, pekerjaan, dan hiburan mereka.

Kaum Impresionis tidak berusaha menyentuh masalah sosial yang akut, filosofi atau keterkejutan dalam karya mereka, hanya berfokus pada berbagai cara untuk mengungkapkan kesan kehidupan sehari-hari di sekitarnya. Dalam upaya untuk "melihat momen" dan mencerminkan suasana hati.

Nama " Impresionisme" muncul setelah pameran tahun 1874 di Paris, yang memamerkan lukisan Monet "Impression. Matahari Terbit" (1872; lukisan itu dicuri dari Museum Marmottan di Paris pada tahun 1985 dan sekarang masuk dalam daftar Interpol).

Lebih dari tujuh pameran Impresionis diadakan antara tahun 1876 dan 1886; pada akhirnya, hanya Monet yang terus mengikuti cita-cita Impresionisme dengan ketat. "Impresionis" juga disebut seniman di luar Prancis yang melukis di bawah pengaruh Impresionisme Prancis (misalnya, orang Inggris F. W. Steer).

Seniman impresionis

Lukisan Impresionis Terkenal:

Edgar Degas

Claude Monet

Di sepertiga terakhir abad XIX. Seni Prancis masih bermain peran utama dalam kehidupan artistik negara-negara Eropa Barat. Saat ini, banyak tren baru muncul dalam seni lukis, yang perwakilannya mencari cara dan bentuk ekspresi kreatifnya sendiri.

Fenomena seni Prancis yang paling mencolok dan signifikan pada periode ini adalah impresionisme.

Kaum Impresionis menyatakan diri pada 15 April 1874 di pameran Paris yang diadakan di bawah langit terbuka di Boulevard des Capucines. Di sini, 30 seniman muda yang karyanya ditolak Salon memamerkan lukisannya. Tempat sentral dalam eksposisi diberikan pada lukisan karya Claude Monet “Impression. Matahari terbit". Komposisi ini menarik karena untuk pertama kalinya dalam sejarah seni lukis, sang seniman berusaha menyampaikan kesannya di atas kanvas, bukan objek realitas.

Pameran tersebut dikunjungi oleh perwakilan edisi Sharivari, reporter Louis Leroy. Dialah yang pertama kali menyebut Monet dan rekan-rekannya "impresionis" (dari kesan - kesan Prancis), sehingga mengungkapkan penilaian negatifnya terhadap lukisan mereka. Segera nama ironis ini kehilangan makna negatif aslinya dan memasuki sejarah seni selamanya.

Pameran di Boulevard des Capucines menjadi semacam manifesto yang memproklamasikan munculnya tren baru dalam seni lukis. Dihadiri oleh O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin, serta master dari generasi yang lebih tua - E. Boudin, C. Daubigny, I .Jonkind.

Hal terpenting bagi kaum Impresionis adalah menyampaikan kesan dari apa yang mereka lihat, mengabadikan momen singkat kehidupan di atas kanvas. Dengan cara ini, kaum Impresionis menyerupai fotografer. Plotnya tidak terlalu penting bagi mereka. Para seniman mengambil tema lukisan mereka dari kehidupan sehari-hari di sekitar mereka. Mereka melukis jalan-jalan yang sepi, kafe malam, pemandangan pedesaan, bangunan kota, pengrajin sedang bekerja. Peran penting dalam lukisan mereka dimainkan oleh permainan cahaya dan bayangan, sinar matahari melompati objek dan memberi mereka tampilan yang sedikit tidak biasa dan sangat hidup. Untuk melihat objek dalam cahaya alami, untuk menyampaikan perubahan yang terjadi di alam pada waktu yang berbeda dalam sehari, seniman impresionis meninggalkan bengkelnya dan pergi ke udara terbuka (plein air).

Kaum Impresionis menggunakan teknik melukis baru: mereka tidak mencampurkan cat pada kuda-kuda, tetapi langsung mengaplikasikannya ke kanvas dengan sapuan terpisah. Teknik ini memungkinkan untuk menyampaikan kesan dinamika, sedikit fluktuasi di udara, pergerakan dedaunan di pohon, dan air di sungai.

Biasanya lukisan perwakilan dari arah ini tidak memiliki komposisi yang jelas. Sang seniman memindahkan momen yang diambil dari kehidupan ke kanvas, sehingga karyanya menyerupai bingkai fotografi yang diambil secara tidak sengaja. Kaum Impresionis tidak menganut batasan genre yang jelas, misalnya potret seringkali terlihat seperti pemandangan rumah tangga.

Dari tahun 1874 hingga 1886, kaum Impresionis menyelenggarakan 8 pameran, setelah itu grup tersebut bubar. Adapun publik, seperti kebanyakan kritikus, menganggap seni baru dengan permusuhan (misalnya, lukisan C. Monet disebut "memulaskan"), sehingga banyak seniman yang mewakili tren ini hidup dalam kemiskinan ekstrim, terkadang tanpa sarana untuk menyelesaikan apa mereka mulai gambar. Dan hanya pada akhir XIX - awal abad XX. situasinya telah berubah secara radikal.

Dalam karya mereka, kaum Impresionis menggunakan pengalaman para pendahulu mereka: seniman romantis (E. Delacroix, T. Gericault), realis (C. Corot, G. Courbet). Bentang alam J. Constable memiliki pengaruh besar pada mereka.

E. Manet memainkan peran penting dalam munculnya tren baru.

Edouard Manet

Edouard Manet, lahir tahun 1832 di Paris, adalah salah satu tokoh terpenting dalam sejarah seni lukis dunia, yang meletakkan dasar bagi impresionisme.

Pembentukan pandangan dunia artistiknya sangat dipengaruhi oleh kekalahan revolusi borjuis Prancis tahun 1848. Peristiwa ini sangat membuat pemuda Paris bersemangat sehingga dia memutuskan untuk langkah putus asa dan lari dari rumah, mendaftar sebagai pelaut di kapal layar laut. Namun, di masa depan, dia tidak banyak bepergian, memberikan semua spiritual dan kekuatan fisik bekerja.

Orang tua Manet, orang yang berbudaya dan kaya, memimpikan karier administratif untuk putra mereka, tetapi harapan mereka tidak ditakdirkan untuk menjadi kenyataan. Melukis - itulah yang menarik minat pemuda itu, dan pada tahun 1850 dia masuk Sekolah seni rupa, ke bengkel Couture, di mana dia menerima pelatihan profesional yang baik. Di sinilah seniman pemula merasa muak dengan cap akademis dan salon dalam seni, yang tidak dapat sepenuhnya mencerminkan apa yang hanya tunduk pada master sejati dengan gaya penulisan individualnya.

Oleh karena itu, setelah belajar selama beberapa waktu di bengkel Couture dan mendapatkan pengalaman, Manet meninggalkannya pada tahun 1856 dan beralih ke kanvas pendahulunya yang hebat yang dipamerkan di Louvre, menyalin dan mempelajarinya dengan cermat. Karya master seperti Titian, D. Velazquez, F. Goya dan E. Delacroix memiliki pengaruh besar pada pandangan kreatifnya; artis muda membungkuk di depan yang terakhir. Pada tahun 1857, Manet mengunjungi maestro hebat dan meminta izin untuk membuat beberapa salinan "Dante's Barque" -nya, yang bertahan hingga hari ini di Museum Seni Metropolitan di Lyon.

paruh kedua tahun 1860-an. sang seniman mengabdikan dirinya untuk mempelajari museum di Spanyol, Inggris, Italia, dan Belanda, tempat ia menyalin lukisan karya Rembrandt, Titian, dan lain-lain.Pada tahun 1861, karyanya "Portrait of Parents" dan "Guitarist" mendapat pujian kritis dan dianugerahi penghargaan sebuah “Honorable Mention”.

Studi tentang karya master lama (terutama Venesia, Spanyol abad ke-17, dan kemudian F. Goya) dan pemikiran ulangnya mengarah pada fakta bahwa pada tahun 1860-an. ada kontradiksi dalam seni Manet, yang diwujudkan dalam pengenaan cetakan museum pada beberapa lukisan awalnya, antara lain: Penyanyi Spanyol (1860), sebagian Anak Laki-Laki dengan Anjing (1860), Musisi Tua (1862).

Adapun para pahlawan, sang seniman, seperti kaum realis di pertengahan abad ke-19, menemukan mereka di tengah kerumunan Paris yang mendidih, di antara mereka yang berjalan di taman Tuileries dan pengunjung kafe biasa. Pada dasarnya, ini adalah dunia bohemia yang cerah dan penuh warna - penyair, aktor, artis, model, peserta adu banteng Spanyol: "Musik di Tuileries" (1860), "Penyanyi Jalanan" (1862), "Lola dari Valencia" ( 1862), “Sarapan di rumput" (1863), "Pemain Suling" (1866), "Potret E. Zsl" (1868).

Di antara kanvas awal, tempat khusus ditempati oleh "Potret Orang Tua" (1861), yang merupakan sketsa realistik yang sangat akurat. penampilan dan temperamen pasangan lansia. Signifikansi estetika dari gambar tersebut tidak hanya terletak pada penetrasi mendetail ke dunia spiritual para karakter, tetapi juga pada seberapa akurat kombinasi pengamatan dan kekayaan perkembangan gambar disampaikan, yang menunjukkan pengetahuan tentang tradisi artistik E. Delacroix.

Kanvas lain yang merupakan karya terprogram pelukis dan, harus dikatakan, sangat khas dari karya awalnya, adalah "Breakfast on the Grass" (1863). Dalam gambar ini, Manet mengambil komposisi plot tertentu, sama sekali tidak memiliki arti.

Gambar tersebut dapat dianggap sebagai gambar sarapan dua seniman di pangkuan alam, dikelilingi oleh model wanita (sebenarnya, saudara artis Eugene Manet, F. Lenkof, dan satu model wanita, Quiz Meran, berpose untuk gambar, yang layanannya sering digunakan Manet). Salah satu dari mereka memasuki sungai, dan yang lainnya, telanjang, duduk ditemani dua pria berpakaian artistik. Seperti yang Anda tahu, motif membandingkan laki-laki berpakaian dan telanjang tubuh wanita tradisional dan kembali ke lukisan Giorgione "Country Concert", yang terletak di Louvre.

Penataan komposisi figur sebagian mereproduksi ukiran Renaisans yang terkenal oleh Marcantonio Raimondi dari lukisan karya Raphael. Kanvas ini, seolah-olah, secara polemik menegaskan dua posisi yang saling terkait. Salah satunya adalah kebutuhan untuk mengatasi klise seni salon, yang telah kehilangan hubungan sebenarnya dengan yang besar tradisi artistik, daya tarik langsung ke realisme Renaisans dan abad ke-17, yaitu asal mula sebenarnya dari seni realistik zaman baru. Ketentuan lain menegaskan hak dan kewajiban seniman untuk memerankan tokoh-tokoh di sekitarnya dari kehidupan sehari-hari. Saat itu, kombinasi ini membawa kontradiksi tertentu. Sebagian besar percaya bahwa tahap baru dalam perkembangan realisme tidak dapat dicapai dengan mengisi skema komposisi lama dengan tipe dan karakter baru. Namun Edouard Manet berhasil mengatasi dualitas prinsip melukis di masa awal kreativitasnya.

Namun, terlepas dari sifat tradisional plot dan komposisinya, serta keberadaan lukisan karya master salon yang menggambarkan keindahan mitos telanjang dalam pose menggoda yang jujur, lukisan Manet menimbulkan skandal besar di kalangan borjuis modern. Penonton dikejutkan dengan penjajaran tubuh wanita telanjang dengan pakaian pria modern yang biasa-biasa saja setiap hari.

Adapun norma bergambar, Luncheon on the Grass ditulis dalam kompromi, ciri khas tahun 1860-an. cara, ditandai dengan kecenderungan warna gelap, bayangan hitam, serta daya tarik yang tidak selalu konsisten untuk pencahayaan plein air dan warna terbuka. Jika kita beralih ke sketsa awal yang dibuat dengan cat air, maka di atasnya (lebih dari pada gambar itu sendiri) terlihat betapa besar minat master pada masalah gambar baru.

Lukisan "Olympia" (1863), di mana diberikan garis besar seorang wanita telanjang berbaring, tampaknya mengacu pada tradisi komposisi yang diterima secara umum - gambar serupa ditemukan di Giorgione, Titian, Rembrandt dan D. Velazquez. Namun, dalam ciptaannya, Manet mengikuti jalan yang berbeda, mengikuti F. Goya (“Naked Maha”) dan menolak motivasi mitologis dari plot tersebut, interpretasi gambar yang diperkenalkan oleh orang Venesia dan sebagian dipertahankan oleh D. Velasquez (“Venus dengan Cermin”).

"Olympia" sama sekali bukan gambar yang dipikirkan ulang secara puitis kecantikan wanita, tetapi potret yang ekspresif dan dieksekusi dengan ahli, akurat dan, bahkan bisa dikatakan, agak dingin menyampaikan kemiripan dengan Quiz Meran, model konstan Manet. Pelukis dengan andal menunjukkan pucat alami tubuh wanita modern takut matahari. Sementara para empu tua menekankan keindahan puitis dari tubuh telanjang, musikalitas dan harmoni ritmenya, Manet berfokus pada penyampaian motif kekhususan hidup, sepenuhnya berangkat dari idealisasi puitis yang melekat pada pendahulunya. Jadi, misalnya, gerakan Venus George dengan tangan kiri di Olympia memperoleh konotasi yang hampir vulgar dalam ketidakpeduliannya. Yang sangat khas adalah ketidakpedulian, tetapi pada saat yang sama dengan penuh perhatian memperbaiki pandangan pemirsa terhadap model tersebut, berlawanan dengan keegoisan Venus Giorgione dan mimpi sensitif dari Venus of Urbino karya Titian.

Pada gambar ini terlihat tanda-tanda peralihan ke tahap selanjutnya dalam perkembangan cara kreatif pelukis. Ada pemikiran ulang tentang skema komposisi yang biasa, yang terdiri dari pengamatan biasa dan visi dunia yang bergambar dan artistik. Penjajaran kontras tajam yang langsung disita berkontribusi pada penghancuran harmoni komposisi yang seimbang dari master lama. Jadi, statika model berpose dan dinamika dalam gambar wanita kulit hitam dan kucing hitam yang membungkukkan punggungnya bertabrakan. Perubahan tersebut juga mempengaruhi teknik melukis yang memberikan pemahaman baru tentang tugas kiasan bahasa artistik. Edouard Manet, seperti banyak impresionis lainnya, khususnya Claude Monet dan Camille Pissarro, meninggalkan sistem lukisan kuno yang berkembang pada abad ke-17. (underpainting, menulis, kaca). Sejak saat itu, kanvas mulai dilukis dengan teknik yang disebut "a la prima", yang dibedakan oleh kesegeraan, emosionalitas, dekat dengan etudes dan sketsa.

Masa transisi dari kreativitas awal hingga dewasa, yang menempati hampir seluruh paruh kedua tahun 1860-an untuk Manet, diwakili oleh lukisan-lukisan seperti Flutist (1866), Balcony (c. 1868-1869) dan lain-lain.

Di kanvas pertama, dengan latar belakang abu-abu zaitun yang netral, seorang musisi laki-laki digambarkan sedang mengangkat seruling ke bibirnya. Ekspresi dari gerakan yang nyaris tak terlihat, gema ritmis dari kancing emas warna-warni pada seragam biru dengan gerakan jari yang ringan dan cepat di sepanjang lubang seruling berbicara tentang seni bawaan dan kekuatan halus pengamatan sang master. Padahal gaya lukisan di sini cukup padat, warnanya berbobot, dan senimannya belum beralih ke alam terbuka, kanvas ini lebih dari yang lainnya, ia mengantisipasi periode matang dari karya Manet. Adapun Balkon, lebih dekat ke Olympia daripada karya tahun 1870-an.

Pada tahun 1870-1880. Manet menjadi pelukis terkemuka pada masanya. Dan meskipun kaum Impresionis menganggapnya sebagai pemimpin ideologis dan inspirator mereka, dan dia sendiri selalu setuju dengan mereka dalam menafsirkan pandangan fundamental tentang seni, karyanya jauh lebih luas dan tidak cocok dengan kerangka satu arah mana pun. Apa yang disebut impresionisme Manet sebenarnya lebih dekat dengan seni master Jepang. Dia menyederhanakan motif, menyeimbangkan dekoratif dan nyata, menciptakan gagasan umum tentang apa yang dilihatnya: kesan murni, tanpa detail yang mengganggu, ekspresi kegembiraan sensasi ("Di Pantai", 1873).

Selain itu, sebagai genre yang dominan, ia berupaya melestarikan gambaran yang utuh secara komposisi, di mana tempat utama diberikan pada citra seseorang. Seni Manet adalah tahap terakhir dalam perkembangan tradisi lukisan naratif realistik berusia berabad-abad, yang berasal dari zaman Renaisans.

Dalam karya Manet selanjutnya, ada kecenderungan untuk menjauh dari interpretasi mendetail tentang detail lingkungan di sekitar pahlawan yang digambarkan. Maka, dalam potret Mallarme yang penuh dengan dinamika kegugupan, sang seniman memusatkan perhatian pada gestur penyair, seolah-olah secara kebetulan, yang dengan cara melamun meletakkan tangannya dengan cerutu yang berasap di atas meja. Dengan semua sketsa, hal utama dalam karakter dan gudang mental Mallarme ditangkap dengan sangat akurat, dengan sangat persuasif. Karakterisasi mendalam dari dunia batin individu, karakteristik potret J. L. David dan J. O. D. Ingres, di sini diganti dengan karakterisasi yang lebih tajam dan langsung. Begitulah potret lembut puitis Berthe Morisot dengan kipas angin (1872) dan gambar pastel George Moore yang anggun (1879).

Karya pelukis meliputi karya yang berkaitan dengan tema sejarah dan peristiwa besar. kehidupan publik. Namun perlu dicatat bahwa kanvas-kanvas tersebut kurang berhasil, karena masalah semacam ini asing bagi bakat seninya, lingkaran gagasan dan gagasan tentang kehidupan.

Jadi, misalnya, himbauan atas peristiwa Perang Saudara antara Utara dan Selatan di Amerika Serikat menghasilkan gambaran tenggelamnya kapal corsair orang selatan oleh orang utara ("Battle of the Kirsezh" dengan " Alabama”, 1864), dan episode tersebut dapat lebih dikaitkan dengan lanskap, di mana kapal militer bertindak sebagai staf. The Execution of Maximilian (1867), pada dasarnya, memiliki karakter sketsa bergenre, tidak hanya tertarik pada konflik orang-orang Meksiko yang sedang berjuang, tetapi juga drama dari acara tersebut.

Tema sejarah modern disinggung oleh Manet pada masa Komune Paris (Eksekusi Komunard, 1871). Sikap simpatik terhadap Communards memuji penulis gambar tersebut, yang tidak pernah tertarik dengan peristiwa semacam itu sebelumnya. Namun demikian, nilai artistiknya lebih rendah dari kanvas lain, karena sebenarnya skema komposisi "The Execution of Maximilian" diulangi di sini, dan penulis dibatasi hanya pada sketsa yang sama sekali tidak mencerminkan makna tabrakan yang kejam. dari dua dunia yang berlawanan.

Di masa berikutnya, Manet tidak lagi beralih ke genre sejarah yang asing baginya, lebih memilih untuk mengungkapkan permulaan artistik dan ekspresif dalam episode-episode, menemukannya dalam aliran kehidupan sehari-hari. Pada saat yang sama, ia dengan hati-hati memilih momen-momen yang khas, mencari sudut pandang yang paling ekspresif, dan kemudian mereproduksinya dengan sangat terampil dalam lukisannya.

Pesona sebagian besar ciptaan pada periode ini bukan karena pentingnya peristiwa yang digambarkan, melainkan karena dinamisme dan pengamatan cerdik dari pengarangnya.

Contoh luar biasa dari komposisi kelompok udara terbuka adalah lukisan "In a Boat" (1874), di mana kombinasi garis buritan perahu layar, energi yang terkendali dari gerakan juru mudi, keanggunan melamun dari seorang wanita yang duduk , transparansi udara, perasaan kesegaran angin sepoi-sepoi dan gerakan meluncur perahu menciptakan gambaran yang tak terlukiskan, penuh kegembiraan dan kesegaran ringan. .

Ceruk khusus dalam karya Manet ditempati oleh benda mati, ciri khas periode berbeda dari karyanya. Dengan demikian, kehidupan awal "Peony" (1864-1865) menggambarkan kuncup merah dan putih-merah muda yang mekar, serta bunga yang telah mekar dan mulai memudar, menjatuhkan kelopak di atas taplak meja yang menutupi meja. Karya-karya selanjutnya terkenal karena sketsanya yang mudah. Di dalamnya, pelukis mencoba menyampaikan pancaran bunga yang diselimuti atmosfer yang diliputi cahaya. Begitulah lukisan "Roses in a Crystal Glass" (1882-1883).

Di penghujung hidupnya, Manet rupanya tidak puas dengan apa yang telah diraihnya dan mencoba kembali menulis komposisi plot besar yang sudah selesai pada tingkat keahlian yang berbeda. Saat ini, ia mulai mengerjakan salah satu kanvas terpenting - "The Bar at the Folies Bergère" (1881-1882), di mana ia mendekati level baru, tahap baru dalam pengembangan seninya, disela oleh meninggal dunia (seperti diketahui, saat Manet sakit parah saat bekerja). Di tengah komposisi adalah sosok pramuniaga wanita muda, menghadap ke depan penonton. Seorang pirang yang sedikit lelah dan menarik, mengenakan gaun gelap dengan kerudung yang dalam, berdiri dengan latar belakang cermin besar yang menempati seluruh dinding, yang memantulkan pancaran cahaya yang berkedip-kedip dan garis-garis kabur dari publik yang duduk di depan. meja kafe. Wanita itu menghadap ke aula, di mana penonton itu sendiri berada. Teknik aneh ini memberikan gambaran tradisional, pada pandangan pertama, beberapa ketidakstabilan, menyarankan penjajaran dunia nyata dan yang dipantulkan. Pada saat yang sama, sumbu tengah gambar ternyata digeser ke sudut kanan, yang menurut tipikal tahun 1870-an. resepsi, bingkai foto sedikit menghalangi sosok pria bertopi tinggi, terpantul di cermin, berbicara dengan seorang pramuniaga muda.

Maka, dalam karya ini, prinsip klasik simetri dan stabilitas dipadukan dengan pergeseran dinamis ke samping, serta dengan fragmentasi, ketika suatu momen (fragmen) tertentu direnggut dari satu aliran kehidupan.

Salah jika berpikir bahwa plot The Bar at the Folies Bergère tidak memiliki konten esensial dan merupakan semacam monumentalisasi dari hal-hal yang tidak penting. Sosok seorang wanita muda, tetapi sudah lelah secara internal dan acuh tak acuh terhadap penyamaran seorang wanita di sekitarnya, tatapannya yang mengembara tidak mengarah ke mana pun, keterasingan dari kecemerlangan ilusi kehidupan di belakangnya, membawa keteduhan semantik yang signifikan pada karya tersebut, memukau penonton dengan ketidakterdugaannya.

Penonton mengagumi kesegaran unik dari dua mawar yang berdiri di atas palang dalam gelas kristal dengan pinggiran yang berkilau; dan kemudian tanpa sadar ada perbandingan antara bunga-bunga mewah ini dengan bunga mawar yang setengah layu di dekat aula, disematkan di garis leher gaun pramuniaga. Melihat gambarnya, Anda bisa melihat kontras unik antara kesegaran dadanya yang setengah terbuka dan tatapan acuh tak acuh yang berkeliaran di tengah keramaian. Pekerjaan ini dianggap sebagai program dalam karya seniman, karena mengandung unsur dari semua tema dan genre favoritnya: potret, benda mati, berbagai efek pencahayaan, pergerakan kerumunan.

Secara umum, warisan yang ditinggalkan Manet diwakili oleh dua aspek yang secara khusus diucapkan dalam dirinya pekerjaan terakhir. Pertama, dengan karyanya, ia melengkapi dan menghabiskan perkembangan tradisi realistik klasik seni Prancis abad ke-19, dan kedua, ia meletakkan dalam seni kecambah pertama dari tren yang akan diambil dan dikembangkan oleh para pencari realisme baru. di abad ke-20.

Pelukis menerima pengakuan penuh dan resmi di tahun-tahun terakhir hidup, yaitu pada tahun 1882, ketika ia dianugerahi Order of the Legion of Honor (penghargaan utama Perancis). Manet meninggal pada tahun 1883 di Paris.

Claude Monet

Claude Monet, seniman Prancis, salah satu pendiri Impresionisme, lahir pada tahun 1840 di Paris.

Sebagai putra seorang pedagang kelontong sederhana yang pindah dari Paris ke Rouen, Monet muda pada awalnya cara kreatif menggambar karikatur lucu, kemudian belajar dengan pelukis lanskap Rouen Eugene Boudin, salah satu pencipta lanskap realistis plein air. Boudin tidak hanya meyakinkan pelukis masa depan tentang perlunya bekerja di udara terbuka, tetapi juga berhasil menanamkan dalam dirinya kecintaan pada alam, pengamatan yang cermat, dan penyampaian yang jujur tentang apa yang dilihatnya.

Pada tahun 1859, Monet berangkat ke Paris dengan tujuan menjadi seniman sejati. Orang tuanya bermimpi bahwa dia akan masuk Sekolah Seni Rupa, tetapi pemuda itu tidak membenarkan harapan mereka dan langsung terjun ke kehidupan bohemian, memperoleh banyak kenalan di lingkungan artistik. Benar-benar kehilangan dukungan materi dari orang tuanya, dan karena itu tanpa mata pencaharian, Monet terpaksa bergabung dengan tentara. Namun, bahkan setelah kembali dari Aljazair, di mana dia harus menjalani pelayanan yang sulit, dia terus menjalani gaya hidup yang sama. Beberapa saat kemudian, dia bertemu dengan I. Ionkind, yang membuatnya terpesona dengan pekerjaan studi alam. Dan kemudian dia mengunjungi studio Suisse, untuk beberapa waktu dia belajar di studio pelukis terkenal dari arah akademik - M. Gleyre, dan juga menjadi dekat dengan sekelompok seniman muda (J.F. Basil, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O Renoir, A. Sisley, dan lainnya), yang, seperti Monet sendiri, sedang mencari cara baru untuk berkembang dalam seni.

Pengaruh terbesar pada pelukis pemula bukanlah sekolah M. Gleyre, tetapi persahabatan dengan orang-orang yang berpikiran sama, kritikus akademis salon yang bersemangat. Berkat persahabatan, saling mendukung, kesempatan untuk bertukar pengalaman dan berbagi prestasi, lahirlah sistem gambar baru, yang kemudian diberi nama "impresionisme".

Dasar reformasi adalah bahwa pekerjaan berlangsung di alam, di bawah langit terbuka. Pada saat yang sama, para seniman melukis di udara terbuka tidak hanya sketsa, tetapi gambaran keseluruhan. Bersentuhan langsung dengan alam, mereka semakin yakin bahwa warna objek terus berubah tergantung pada perubahan pencahayaan, keadaan atmosfer, kedekatan objek lain yang memancarkan pantulan warna, dan banyak faktor lainnya. Perubahan inilah yang ingin mereka sampaikan melalui karya-karya mereka.

Pada tahun 1865, Monet memutuskan untuk melukis kanvas besar "dalam semangat Manet, tetapi di udara terbuka". Itu adalah Luncheon on the Grass (1866) - yang pertama pekerjaan yang signifikan, menggambarkan orang Paris berpakaian rapi yang meninggalkan kota dan duduk di bawah naungan pohon di sekitar taplak meja yang diletakkan di tanah. Karya ini bercirikan karakter tradisional dari komposisinya yang tertutup dan berimbang. Namun, perhatian seniman diarahkan bukan pada kesempatan untuk menampilkan karakter manusia atau membuat komposisi plot yang ekspresif, tetapi untuk menyesuaikan sosok manusia dengan lanskap sekitarnya dan menyampaikan suasana kemudahan dan relaksasi yang ada di antara mereka. Untuk menciptakan efek ini, sang seniman menaruh perhatian besar pada transfer sinar matahari yang menembus dedaunan, bermain di atas taplak meja dan gaun wanita muda yang duduk di tengah. Monet secara akurat menangkap dan menyampaikan permainan pantulan warna pada taplak meja dan tembus cahaya gaun wanita. Dengan penemuan-penemuan ini, penghancuran sistem lukisan lama dimulai, yang menekankan bayangan gelap dan cara pelaksanaan material yang padat.

Sejak saat itu, pendekatan Monet terhadap dunia menjadi lanskap. Karakter manusia, hubungan orang kurang menarik baginya. Peristiwa 1870-1871 memaksa Monet untuk beremigrasi ke London, dari mana dia melakukan perjalanan ke Belanda. Sekembalinya, ia melukis beberapa lukisan yang menjadi terprogram dalam karyanya. Ini termasuk "Kesan. Sunrise" (1872), "Lilacs in the Sun" (1873), "Boulevard des Capucines" (1873), "Field of Poppies at Argenteuil" (1873), dll.

Pada tahun 1874, beberapa di antaranya dipamerkan di pameran terkenal yang diselenggarakan oleh "Masyarakat Pelukis, Seniman, dan Pengukir Anonim", yang dipimpin oleh Monet sendiri. Setelah pameran, Monet dan sekelompok orang yang berpikiran sama mulai disebut Impresionis (dari kesan - kesan Perancis). Saat ini, prinsip artistik Monet yang menjadi ciri khas tahap pertama karyanya akhirnya terbentuk menjadi sistem tertentu.

Dalam lanskap terbuka Lilacs in the Sun (1873), yang menggambarkan dua wanita duduk di bawah naungan semak-semak besar bunga lilac, sosok mereka diperlakukan dengan cara yang sama dan dengan niat yang sama seperti semak-semak itu sendiri dan rerumputan di mana mereka duduk. Sosok orang hanyalah sebagian dari pemandangan umum, sedangkan perasaan kehangatan lembut awal musim panas, kesegaran dedaunan muda, kabut hari yang cerah disampaikan dengan keaktifan yang luar biasa dan persuasif langsung, bukan ciri khas masa itu.

Gambar lain - "Boulevard des Capucines" - mencerminkan semua kontradiksi utama, kelebihan dan kekurangan metode Impresionis. Di sini, momen yang diambil dari arus kehidupan kota besar tersampaikan dengan sangat akurat: perasaan kebisingan lalu lintas yang tuli dan monoton, transparansi udara yang lembab, sinar matahari Februari meluncur di sepanjang dahan pohon yang gundul, a film awan keabu-abuan yang menutupi langit biru ... Gambarnya sekilas, namun demikian kurang waspada dan memperhatikan penampilan artisnya, dan artisnya sensitif, menanggapi semua fenomena kehidupan. Fakta bahwa pandangan itu benar-benar terlempar secara kebetulan ditekankan oleh komposisi yang bijaksana
penerimaan: bingkai gambar di sebelah kanan, seolah-olah memotong sosok laki-laki yang berdiri di balkon.

Kanvas-kanvas periode ini membuat penonton merasa bahwa dirinya sendiri aktor perayaan kehidupan ini, dipenuhi dengan sinar matahari dan keriuhan tak henti-hentinya dari kerumunan yang anggun.

Setelah menetap di Argenteuil, Monet menulis dengan penuh minat tentang Seine, jembatan, perahu layar ringan yang meluncur di permukaan air ...

Pemandangannya sangat memikatnya sehingga, menyerah pada daya tarik yang tak tertahankan, dia membangun sendiri sebuah perahu kecil dan pergi ke Rouen asalnya di dalamnya, dan di sana, kagum dengan gambar yang dilihatnya, menuangkan perasaannya dalam sketsa, yang menggambarkan lingkungan sekitar. kota dan perairan laut besar yang memasuki muara sungai kapal ("Argenteuil", 1872; "Sailboat in Argenteuil", 1873-1874).

Tahun 1877 ditandai dengan terciptanya rangkaian lukisan yang menggambarkan stasiun kereta api Saint-Lazare. Mereka memetakan tahap baru dalam karya Monet.

Sejak saat itu, sketsa-sketsa yang dibedakan dari kelengkapannya telah digantikan oleh karya-karya yang hal utamanya adalah pendekatan analitis terhadap yang digambarkan (“Gare Saint-Lazare”, 1877). Perubahan gaya melukis dikaitkan dengan perubahan kehidupan pribadi seniman: istrinya Camilla jatuh sakit parah, kemiskinan menimpa keluarga, yang disebabkan oleh kelahiran anak kedua.

Setelah kematian istrinya, Alice Goshede mengasuh anak-anak, yang keluarganya menyewa rumah yang sama di Vetheuil dengan Monet. Wanita ini kemudian menjadi istri keduanya. Setelah beberapa waktu, situasi keuangan Monet meningkat pesat sehingga dia dapat membeli rumahnya sendiri di Giverny, tempat dia bekerja selama sisa waktunya.

Pelukis secara halus merasakan tren baru, yang memungkinkannya mengantisipasi banyak hal dengan wawasan yang luar biasa.
dari apa yang akan dicapai oleh seniman akhir XIX - awal abad XX. Itu mengubah sikap terhadap warna dan plot
lukisan. Sekarang perhatiannya terfokus pada ekspresi skema warna sapuan kuas dalam isolasi dari korelasi subjeknya, meningkatkan efek dekoratif. Akhirnya, ia menciptakan lukisan panel. Plot sederhana 1860-1870 memberi jalan pada motif kompleks yang dipenuhi dengan berbagai tautan asosiatif: gambar epik bebatuan, deretan poplar elegi ("Rocks in Belle-Ile", 1866; "Poplar", 1891).

Periode ini ditandai dengan banyak karya serial: komposisi "Hacks" ("Tumpukan Jerami di salju. Hari yang suram", 1891; "Hacks. Akhir hari. Musim gugur", 1891), gambar Katedral Rouen (" Katedral Rouen pada siang hari", 1894, dll.), pemandangan London ("Kabut di London", 1903, dll.). Masih bekerja dengan cara impresionistik dan menggunakan variasi nada paletnya, sang master bertujuan untuk menyampaikan dengan sangat akurat dan andal bagaimana iluminasi objek yang sama dapat berubah dalam cuaca yang berbeda di siang hari.

Jika mencermati rangkaian lukisan tentang Katedral Rouen, terlihat jelas bahwa katedral di sini bukanlah perwujudan dari dunia yang kompleks pikiran, perasaan, dan cita-cita orang-orang Prancis abad pertengahan dan bahkan bukan monumen seni dan arsitektur, tetapi semacam latar belakang, mulai dari mana pengarang menyampaikan keadaan kehidupan cahaya dan atmosfer. Penonton merasakan kesegaran angin pagi, panasnya tengah hari, bayang-bayang lembut malam yang akan datang, yang merupakan pahlawan sejati dari serial ini.

Namun, selain itu, lukisan semacam itu adalah komposisi dekoratif yang tidak biasa, yang, berkat koneksi asosiatif yang muncul tanpa disengaja, memberikan kesan kepada penonton tentang dinamika ruang dan waktu.

Setelah pindah bersama keluarganya ke Giverny, Monet menghabiskan banyak waktu di taman, mengerjakan organisasi lukisannya. Pekerjaan ini sangat memengaruhi pandangan seniman sehingga alih-alih dunia biasa yang dihuni oleh orang-orang, ia mulai menggambarkan di kanvasnya dunia dekoratif air dan tumbuhan yang misterius ("Irises at Giverny", 1923; "Weeping Willows", 1923 ). Oleh karena itu pemandangan kolam dengan bunga lili air yang mengapung di dalamnya, ditampilkan dalam seri paling terkenal dari panel selanjutnya ("Bunga Lili Air Putih. Harmoni Biru", 1918-1921).

Giverny menjadi tempat perlindungan terakhir artis, di mana dia meninggal pada tahun 1926.

Perlu dicatat bahwa cara menulis kaum Impresionis sangat berbeda dengan cara para Akademisi. Impresionis, khususnya Monet dan orang-orang yang berpikiran sama, tertarik pada ekspresi skema warna sapuan kuas dalam isolasi dari korelasi subjeknya. Artinya, mereka menulis dengan sapuan terpisah, hanya menggunakan cat murni yang tidak dicampur pada palet, sedangkan nada yang diinginkan sudah terbentuk dalam persepsi penonton. Jadi, untuk dedaunan pohon dan rerumputan, bersama dengan warna hijau, biru dan kuning digunakan, memberikan warna hijau yang tepat di kejauhan. Metode ini memberikan kemurnian dan kesegaran khusus pada karya para master Impresionis, yang hanya melekat pada mereka. Sapuan yang diletakkan secara terpisah menciptakan kesan lega dan, seolah-olah, permukaan yang bergetar.

Pierre Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir, pelukis Prancis, seniman grafis dan pematung, salah satu pemimpin kelompok Impresionis, lahir pada tanggal 25 Februari 1841 di Limoges, dalam keluarga miskin seorang penjahit provinsi, yang pindah ke Paris pada tahun 1845. Bakat Renoir muda diperhatikan oleh orang tuanya cukup awal, dan pada tahun 1854 mereka menugaskannya ke bengkel lukisan porselen. Saat mengunjungi bengkel, Renoir secara bersamaan belajar di sekolah menggambar dan seni terapan, dan pada tahun 1862, setelah menabung (menghasilkan uang dengan melukis lambang, gorden, dan kipas), seniman muda itu masuk ke Sekolah Seni Rupa. Beberapa saat kemudian, dia mulai mengunjungi bengkel C. Gleyre, di mana dia berteman dekat dengan A. Sisley, F. Basil dan C. Monet. Dia sering mengunjungi Louvre, mempelajari karya master seperti A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard.

Komunikasi dengan sekelompok impresionis membuat Renoir mengembangkan gaya penglihatannya sendiri. Jadi, misalnya, berbeda dengan mereka, di seluruh karyanya ia beralih ke citra seseorang sebagai motif utama lukisannya. Selain itu, karyanya, meski bersifat plein air, tidak pernah bubar
berat plastik dari dunia material dalam media cahaya yang berkilauan.

Penggunaan chiaroscuro oleh pelukis, memberikan gambaran yang hampir seperti pahatan, membuat karya awalnya terlihat seperti karya beberapa seniman realis, khususnya G. Courbet. Namun, skema warna yang lebih terang dan lebih terang, yang hanya melekat pada Renoir, membedakan master ini dari pendahulunya ("Mother Anthony's Tavern", 1866). Upaya untuk menyampaikan plastisitas alami dari pergerakan sosok manusia di udara terbuka terlihat pada banyak karya senimannya. Dalam "Potret Alfred Sisley dengan istrinya" (1868), Renoir mencoba menunjukkan perasaan yang menghubungkan pasangan yang berjalan bergandengan tangan: Sisley berhenti sejenak dan dengan lembut mencondongkan tubuh ke arah istrinya. Pada gambar ini, dengan komposisi yang menyerupai bingkai fotografi, motif geraknya masih bersifat aksidental dan praktis tidak disadari. Namun, dibandingkan dengan "Kedai", sosok dalam "Potret Alfred Sisley bersama istrinya" tampak lebih santai dan hidup. Poin penting lainnya yang penting: pasangan digambarkan di alam (di taman), tetapi Renoir masih belum memiliki pengalaman dalam menggambarkan sosok manusia di udara terbuka.

"Potret Alfred Sisley dengan istrinya" - langkah pertama seniman menuju seni baru. Tahap selanjutnya dalam karya seniman adalah lukisan Bathing in the Seine (c. 1869), di mana sosok orang yang berjalan di sepanjang pantai, perenang, serta perahu dan rumpun pohon disatukan oleh suasana udara ringan. hari musim panas yang indah. Pelukis sudah bebas menggunakan bayangan berwarna dan pantulan warna terang. Apusannya menjadi hidup dan energik.

Seperti C. Monet, Renoir menyukai masalah memasukkan sosok manusia ke dalam dunia lingkungan. Sang seniman memecahkan masalah ini dalam lukisan "Swing" (1876), namun dengan cara yang sedikit berbeda dari C. Monet, di mana sosok orang tampak larut dalam lanskap. Renoir memperkenalkan beberapa tokoh kunci ke dalam komposisinya. Cara melukis kanvas ini dibuat dengan sangat alami menyampaikan suasana hari musim panas yang terik yang dilunakkan oleh bayangan. Gambar itu diresapi dengan perasaan bahagia dan gembira.

Pada pertengahan tahun 1870-an. Renoir melukis karya-karya seperti lanskap bermandikan sinar matahari "Path in the Meadows" (1875), diisi dengan gerakan cahaya yang hidup dan permainan pantulan cahaya terang yang sulit dipahami "Moulin de la Galette" (1876), serta "Umbrellas" ( 1883), "Lodge" (1874) dan The End of Breakfast (1879). Kanvas-kanvas indah ini diciptakan terlepas dari kenyataan bahwa sang seniman harus bekerja di lingkungan yang sulit, karena setelah pameran Impresionis yang memalukan (1874), karya Renoir (serta karya orang-orang yang berpikiran sama) menjadi sasaran tajam. serangan dari apa yang disebut penikmat seni. Namun, di masa sulit ini, Renoir merasakan dukungan dari dua orang yang dekat dengannya: saudara Edmond (penerbit majalah La Vie Moderne) dan Georges Charpentier (pemilik mingguan). Mereka membantu artis mendapatkan sedikit uang dan menyewa bengkel.

Perlu diperhatikan bahwa dari segi komposisi, lanskap "Path in the Meadows" sangat mirip dengan "Poppies" (1873) karya C. Monet, namun tekstur gambar lukisan Renoir lebih padat dan material. Perbedaan lain mengenai solusi komposisi adalah langit. Di Renoir, yang penting bagi materialitas alam, langit hanya menempati sebagian kecil dari gambar, sedangkan di Monet, yang menggambarkan langit dengan awan abu-abu perak atau seputih salju yang melintasinya, itu menjulang di atas lereng yang dihiasi bunga poppy berbunga, meningkatkan perasaan hari musim panas yang bermandikan sinar matahari.

Dalam komposisi "Moulin de la Galette" (dengan itu kesuksesan nyata datang ke artis), "Umbrellas", "Lodge" dan "The End of Breakfast" dengan jelas menunjukkan (seperti dalam Manet dan Degas) ketertarikan pada sesuatu yang tampaknya tidak sengaja mengintip situasi kehidupan; Yang juga menjadi ciri khas adalah daya tarik pada metode pemotongan kerangka ruang komposisi, yang juga menjadi ciri khas E. Degas dan sebagian E. Manet. Namun, berbeda dengan karya yang terakhir, lukisan Renoir dibedakan oleh ketenangan dan kontemplasi yang luar biasa.

Kanvas "The Lodge", di mana, seolah-olah melihat melalui teropong deretan kursi, penulis secara tidak sengaja menemukan sebuah kotak di mana terdapat keindahan dengan tampilan acuh tak acuh. Rekannya, sebaliknya, menatap penonton dengan penuh minat. Sebagian sosoknya terpotong oleh bingkai foto.

Karya "The End of Breakfast" menampilkan episode yang belum sempurna: dua wanita berpakaian putih dan hitam, serta pria mereka, menyelesaikan sarapan di sudut taman yang teduh. Meja sudah disiapkan untuk kopi, yang disajikan dalam cangkir yang terbuat dari porselen halus berwarna biru pucat. Para wanita sedang menunggu kelanjutan cerita yang disela oleh sang pria untuk menyalakan rokok. Gambar ini bukanlah psikologi yang dramatis atau mendalam, ini menarik perhatian pemirsa dengan transfer halus dari nuansa suasana hati yang paling halus.

Perasaan ceria yang tenang serupa meresapi "Breakfast of the Rowers" (1881), penuh dengan gerakan yang ringan dan lincah. Antusiasme dan pesona terpancar dari sosok wanita muda cantik yang duduk dengan seekor anjing di pelukannya. Seniman itu menggambarkannya calon istri. Kanvas "Nude" (1876) diisi dengan suasana gembira yang sama, hanya dalam refraksi yang sedikit berbeda. Kesegaran dan kehangatan tubuh seorang wanita muda kontras dengan kain seprei dan linen yang dingin kebiruan, yang membentuk semacam latar belakang.

Ciri khas dari karya Renoir adalah bahwa seseorang kehilangan kepenuhan psikologis dan moralnya yang kompleks, yang merupakan ciri khas lukisan hampir semua seniman realis. Ciri ini melekat tidak hanya pada karya seperti "Nude" (di mana sifat motif plot memungkinkan tidak adanya kualitas seperti itu), tetapi juga pada potret Renoir. Namun, hal tersebut tidak menghilangkan pesona kanvasnya yang terletak pada keceriaan para karakternya.

Sebagian besar, kualitas-kualitas ini dirasakan dalam potret terkenal Renoir "Girl with a Fan" (c. 1881). Kanvas adalah tautan yang mengikat pekerjaan awal Renoir dengan terlambat, ditandai dengan lebih dingin dan lebih halus warna. Selama periode ini, seniman, lebih dari sebelumnya, memiliki minat pada garis yang jelas, pada gambar yang jelas, serta pada lokalitas warna. Artis memberikan peran besar pada pengulangan ritmis (setengah lingkaran kipas - bagian belakang setengah lingkaran dari kursi merah - bahu anak perempuan yang miring).

Namun, semua tren dalam lukisan Renoir ini terwujud sepenuhnya pada paruh kedua tahun 1880-an, ketika kekecewaan muncul dalam karyanya dan impresionisme secara umum. Setelah menghancurkan beberapa karyanya yang dianggap “kering” oleh senimannya, ia mulai mempelajari karya N. Poussin, beralih ke gambar J. O. D. Ingres. Hasilnya, paletnya memperoleh kilau khusus. Disebut. "Periode mutiara", yang kita kenal dari karya-karya seperti "Girls at the Piano" (1892), "The Sleeping Bather" (1897), serta potret putra - Pierre, Jean dan Claude - "Gabriel dan Jean" ( 1895), "Koko" (1901).

Selain itu, dari tahun 1884 hingga 1887, Renoir mengerjakan serangkaian varian gambar besar"Pemandian". Di dalamnya, ia berhasil mencapai kelengkapan komposisi yang jelas. Namun, semua upaya untuk menghidupkan kembali dan memikirkan kembali tradisi para pendahulu yang hebat, sambil beralih ke plot yang jauh dari masalah besar di zaman kita, berakhir dengan kegagalan. "Bathers" hanya mengasingkan artis dari persepsi hidupnya yang langsung dan segar sebelumnya. Semua ini sebagian besar menjelaskan fakta bahwa sejak tahun 1890-an. Karya Renoir menjadi lebih lemah: nada oranye-merah mulai mendominasi warna karyanya, dan latar belakang, tanpa kedalaman yang lapang, menjadi dekoratif dan datar.

Sejak 1903, Renoir menetap rumah sendiri di Cagnes-sur-Mer, di mana dia terus mengerjakan lanskap, komposisi dengan sosok manusia dan benda mati, yang sebagian besar didominasi oleh warna kemerahan yang telah disebutkan di atas. Karena sakit parah, artis tidak dapat lagi memegang kuasnya sendiri, dan kuas itu diikat ke tangannya. Namun, setelah beberapa lama, lukisan harus ditinggalkan sama sekali. Kemudian sang master beralih ke seni pahat. Bersama dengan asisten Guino, dia menciptakan beberapa patung yang menakjubkan, dibedakan oleh keindahan dan harmoni siluet, kegembiraan dan kekuatan yang menguatkan kehidupan (Venus, 1913; The Great Laundress, 1917; Motherhood, 1916). Renoir meninggal pada tahun 1919 di tanah miliknya di Alpes-Maritimes.

Edgar Degas

Edgar Hilaire Germain Degas, pelukis Prancis, seniman grafis dan pematung, perwakilan impresionisme terbesar, lahir pada tahun 1834 di Paris dalam keluarga seorang bankir kaya. Menjadi kaya, ia menerima pendidikan yang sangat baik di Lyceum bergengsi yang dinamai Louis the Great (1845-1852). Untuk beberapa waktu ia menjadi mahasiswa di Fakultas Hukum di Universitas Paris (1853), tetapi karena merasakan keinginan untuk seni, ia meninggalkan universitas dan mulai menghadiri studio artis L. Lamotte (seorang mahasiswa dan pengikut dari Ingres) dan pada saat yang sama (sejak 1855) Sekolah
seni rupa. Namun, pada tahun 1856, secara tak terduga untuk semua orang, Degas meninggalkan Paris dan pergi ke Italia selama dua tahun, di mana dia belajar dengan penuh minat dan, seperti banyak pelukis, menyalin karya-karya master besar Renaisans. Perhatian terbesarnya diberikan pada karya A. Mantegna dan P. Veronese, yang lukisannya yang penuh inspirasi dan penuh warna sangat dihargai oleh seniman muda itu.

Karya-karya awal Degas (terutama potret) dicirikan oleh gambar yang jelas dan tepat serta pengamatan yang halus, dikombinasikan dengan cara penulisan yang sangat terkendali (sketsa oleh saudaranya, 1856-1857; gambar kepala Baroness Belleli, 1859) atau dengan gambar yang menakjubkan kejujuran eksekusi (potret seorang pengemis Italia, 1857).

Sekembalinya ke tanah air, Degas beralih ke tema sejarah, namun memberikan interpretasi yang tidak seperti biasanya pada masa itu. Jadi, dalam komposisi "Spartan Girls Challenge Young Men to a Competition" (1860), sang master, mengabaikan idealisasi bersyarat dari plot kuno, berusaha untuk mewujudkannya sebagaimana adanya dalam kenyataan. Zaman kuno di sini, seperti dalam kanvasnya yang lain dengan tema sejarah, seolah-olah melewati prisma modernitas: gambar gadis dan pemuda Sparta Kuno dengan bentuk sudut, tubuh kurus, dan gerakan tajam, digambarkan dengan latar belakang dari lanskap prosa sehari-hari, jauh dari ide klasik dan lebih menyerupai remaja biasa di pinggiran kota Paris daripada Spartan yang diidealkan.

Selama tahun 1860-an, ada pembentukan bertahap dari metode kreatif pelukis pemula. Dalam dekade ini, bersama dengan kanvas sejarah yang kurang signifikan ("Semiramide Watching the Construction of Babylon", 1861), seniman menciptakan beberapa karya potret, di mana pengamatan dan keterampilan realistis diasah. Dalam hal ini, yang paling indikatif adalah lukisan "Kepala Wanita Muda", yang dibuat oleh
pada tahun 1867

Pada tahun 1861, Degas bertemu E. Manet dan segera menjadi pengunjung tetap di kafe Gerbois, tempat para inovator muda saat itu berkumpul: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley, dan lainnya. di udara terbuka , maka Degas lebih fokus pada tema kota, tipe Paris. Dia tertarik pada segala sesuatu yang bergerak; statis membuatnya acuh tak acuh.

Degas adalah seorang pengamat yang sangat perhatian, secara halus menangkap segala sesuatu yang ekspresif dalam fenomena kehidupan yang berubah tanpa akhir. Dengan demikian, menyampaikan ritme gila kota besar, ia sampai pada penciptaan salah satu varian genre keseharian yang didedikasikan untuk kota kapitalis.

Dalam karya periode ini, potret menonjol, di antaranya banyak yang digolongkan sebagai mutiara seni lukis dunia. Diantaranya adalah potret keluarga Belleli (c. 1860-1862), potret wanita (1867), potret ayah artis yang mendengarkan gitaris Pagan (c. 1872).

Beberapa lukisan dari periode tahun 1870-an dicirikan oleh ketidakpasifan fotografis dalam penggambaran karakter. Contohnya adalah kanvas yang disebut "Dancing Lesson" (c. 1874), dibuat dengan warna kebiruan yang dingin. Dengan akurasi yang luar biasa, penulis menangkap gerakan balerina yang mengambil pelajaran dari seorang guru tari tua. Namun, ada lukisan yang sifatnya berbeda, seperti, misalnya, potret Viscount Lepic dengan putri-putrinya di Place de la Concorde, yang berasal dari tahun 1873. Di sini, fiksasi biasa yang tenang diatasi karena dinamika yang diucapkan dari komposisi dan ketajaman luar biasa dari transfer karakter Lepic; Singkatnya, ini terjadi karena pengungkapan yang tajam dan tajam secara artistik dari awal kehidupan yang ekspresif.

Perlu dicatat bahwa karya-karya periode ini mencerminkan pandangan seniman terhadap peristiwa yang digambarkan olehnya. Lukisannya menghancurkan aturan akademis yang biasa. Lukisan Degas The Musicians of the Orchestra (1872) dibangun di atas kontras tajam yang tercipta dengan membandingkan kepala para musisi (dilukis secara close-up) dan sosok kecil seorang penari yang membungkuk kepada penonton. Ketertarikan pada gerakan ekspresif dan penyalinan persisnya di atas kanvas juga terlihat pada banyak patung sketsa penari (kita tidak boleh lupa bahwa Degas juga seorang pematung), yang diciptakan oleh sang master untuk menangkap esensi gerakan, logikanya secara akurat. mungkin.

Seniman itu tertarik pada kekhususan profesional dari gerakan, postur, dan gerak tubuh, tanpa puitis apa pun. Hal ini terutama terlihat dalam karya-karya yang dikhususkan untuk pacuan kuda ("Joki Muda", 1866-1868; "Pacuan Kuda di Provinsi. Kru di Balapan", ca. 1872; "Joki di depan tribun", ca. 1879, dll.). Dalam The Ride of Racehorses (1870-an), analisis dari sisi profesional masalah ini diberikan hampir dengan akurasi reporter. Jika kita membandingkan kanvas ini dengan lukisan T. Géricault "The Races at Epsom", maka segera menjadi jelas bahwa, karena analitiknya yang jelas, karya Degas kehilangan banyak komposisi emosional T. Géricault. Kualitas yang sama melekat pada pastel Degas "Ballerina on Stage" (1876-1878), yang tidak termasuk dalam jumlah mahakaryanya.

Namun, meskipun sepihak, dan bahkan mungkin berkat itu, seni Degas dibedakan oleh persuasif dan konten. Dalam karya terprogramnya, ia dengan sangat akurat dan terampil mengungkapkan kedalaman dan kompleksitas keadaan batin orang yang digambarkan, serta suasana keterasingan dan kesepian di mana masyarakat kontemporer hidup, termasuk pengarangnya sendiri.

Untuk pertama kalinya, suasana hati ini terekam dalam kanvas kecil "Penari di depan fotografer" (1870-an), di mana sang seniman melukis sosok penari yang kesepian, membeku dalam suasana suram dan suram dalam pose terpelajar di depan. peralatan fotografi yang besar. Ke depan, rasa pahit dan kesepian merasuk ke dalam kanvas seperti "Absinthe" (1876), "Singer from the Cafe" (1878), "Ironers" (1884) dan masih banyak lagi. seorang wanita, kesepian dan acuh tak acuh satu sama lain dan ke seluruh dunia. Kedipan redup kehijauan dari gelas berisi absinth menekankan kesedihan dan keputusasaan yang terlihat di mata dan postur tubuh wanita itu. Seorang pria berjanggut pucat dengan wajah bengkak terlihat murung dan bijaksana.

Kreativitas Degas melekat minat yang tulus pada karakter orang, pada ciri khas perilaku mereka, serta komposisi dinamis yang dibangun dengan baik yang menggantikan komposisi tradisional. Prinsip utamanya adalah menemukan sudut paling ekspresif dalam realitas itu sendiri. Ini membedakan karya Degas dari seni impresionis lain (khususnya, C. Monet, A. Sisley dan, sebagian, O. Renoir) dengan pendekatan kontemplatif mereka terhadap dunia di sekitar mereka. Seniman sudah menggunakan prinsip ini dalam karya awalnya The Cotton Receiving Office di New Orleans (1873), yang membangkitkan kekaguman E. Goncourt atas ketulusan dan realismenya. Seperti karya-karyanya selanjutnya "Miss Lala in the Fernando Circus" (1879) dan "Dancers in the Foyer" (1879), di mana dalam motif yang sama diberikan analisis halus tentang perubahan berbagai gerakan.

Kadang-kadang teknik ini beberapa peneliti menggunakannya untuk menunjukkan kedekatan Degas dengan A. Watteau. Meski kedua seniman ini memang mirip dalam beberapa hal (A. Watteau juga berfokus pada berbagai corak gerakan yang sama), cukup membandingkan gambar A. Watteau dengan gambar gerakan pemain biola dari komposisi Degas tersebut di atas. , karena kebalikan dari teknik artistik mereka langsung terasa.

Jika A. Watteau mencoba menyampaikan transisi yang sulit dipahami dari satu gerakan ke gerakan lain, bisa dikatakan, seminada, maka untuk Degas, sebaliknya, perubahan motif gerakan yang energik dan kontras adalah karakteristiknya. Dia berusaha lebih keras untuk perbandingan dan benturan tajam mereka, sering kali membuat sosok itu bersudut. Dengan cara demikian, sang seniman mencoba menangkap dinamika perkembangan kehidupan kontemporer.

Pada akhir 1880-an - awal 1890-an. dalam karya Degas, terdapat dominasi motif hias, yang kemungkinan disebabkan oleh kewaspadaannya yang tumpul. persepsi artistik. Jika di kanvas awal tahun 1880-an yang dikhususkan untuk telanjang ("Wanita meninggalkan kamar mandi", 1883), ada minat yang lebih besar pada ekspresi gerakan yang jelas, maka pada akhir dekade minat seniman secara nyata bergeser ke penggambaran. dari kecantikan wanita. Hal ini terutama terlihat dalam lukisan "Bathing" (1886), di mana pelukis dengan keahlian tinggi menyampaikan pesona tubuh wanita muda yang lentur dan anggun yang bersandar di atas panggulnya.

Seniman telah melukis lukisan serupa sebelumnya, tetapi Degas mengambil jalan yang sedikit berbeda. Jika pahlawan wanita dari master lain selalu merasakan kehadiran penonton, maka di sini pelukis menggambarkan seorang wanita, seolah-olah sama sekali tidak peduli dengan penampilannya dari luar. Dan meskipun situasi seperti itu terlihat indah dan cukup alami, bagaimanapun, gambarnya masuk karya serupa sering mendekati aneh. Lagipula, pose dan gerak tubuh apa pun, bahkan yang paling intim sekalipun, cukup tepat di sini, semuanya dibenarkan sepenuhnya oleh kebutuhan fungsional: saat mencuci, menjangkau ke tempat yang tepat, membuka jepitan di bagian belakang, terpeleset, berpegangan pada sesuatu.

Di tahun-tahun terakhir hidupnya, Degas lebih banyak terlibat dalam seni pahat daripada melukis. Ini sebagian karena penyakit mata dan gangguan penglihatan. Dia menciptakan gambar yang sama yang ada dalam lukisannya: dia memahat patung balerina, penari, kuda. Pada saat yang sama, sang seniman berusaha menyampaikan dinamika gerakan seakurat mungkin. Degas tidak meninggalkan lukisan yang meski memudar menjadi latar belakang, tidak sepenuhnya hilang dari karyanya.

Karena konstruksi komposisi yang ekspresif dan ritmis secara formal, keinginan untuk interpretasi dekoratif-planar dari gambar lukisan Degas, dibuat pada akhir tahun 1880-an dan selama tahun 1890-an. ternyata tidak memiliki kredibilitas realistis dan menjadi seperti panel dekoratif.

Degas menghabiskan sisa hidupnya di kampung halamannya di Paris, di mana dia meninggal pada tahun 1917.

Camille Pissarro

Camille Pissarro, pelukis dan seniman grafis Prancis, lahir pada tahun 1830 sekitar. St Thomas (Antilles) dalam keluarga seorang pedagang. Ia dididik di Paris, tempat ia belajar dari tahun 1842 hingga 1847. Setelah menyelesaikan studinya, Pissarro kembali ke St. Thomas dan mulai membantu ayahnya di toko. Namun, ini sama sekali bukan yang diimpikan pemuda itu. Minatnya terletak jauh di luar meja. Melukis adalah hal terpenting baginya, tetapi ayahnya tidak mendukung minat putranya dan menentangnya meninggalkan bisnis keluarga. Kesalahpahaman total dan keengganan keluarga untuk bertemu di tengah jalan menyebabkan fakta bahwa pemuda yang putus asa itu melarikan diri ke Venezuela (1853). Tindakan ini masih memengaruhi orang tua yang bersikeras, dan dia mengizinkan putranya pergi ke Paris untuk belajar melukis.

Di Paris, Pissarro memasuki studio Suisse, tempat dia belajar selama enam tahun (dari 1855 hingga 1861). Di Pameran Seni Lukis Dunia tahun 1855, seniman masa depan menemukan J. O. D. Ingres, G. Courbet, tetapi karya C. Corot memberikan kesan terbesar padanya. Atas saran yang terakhir, sambil terus mengunjungi studio Suisse, pelukis muda itu masuk Sekolah Seni Rupa ke A. Melby. Saat ini, dia bertemu C. Monet, yang dengannya dia melukis pemandangan pinggiran kota Paris.

Pada tahun 1859, Pissarro pertama kali memamerkan lukisannya di Salon. Karya awalnya ditulis di bawah pengaruh C. Corot dan G. Courbet, tetapi lambat laun Pissarro mengembangkan gayanya sendiri. Seorang pelukis pemula mencurahkan banyak waktu untuk bekerja di udara terbuka. Dia, seperti impresionis lainnya, tertarik pada kehidupan alam yang bergerak. Pissarro sangat memperhatikan warna, yang tidak hanya dapat menyampaikan bentuk, tetapi juga esensi material dari suatu objek. Untuk mengungkap pesona unik dan keindahan alam, ia menggunakan sapuan warna murni yang ringan, yang berinteraksi satu sama lain, menciptakan rentang nada yang bergetar. Digambar dalam garis-garis berbentuk salib, paralel dan diagonal, mereka memberikan keseluruhan gambar rasa kedalaman dan suara ritmis yang menakjubkan ("The Seine at Marly", 1871).

Lukisan tidak membawa Pissarro uang besar dan dia hampir tidak memenuhi kebutuhan. Di saat-saat putus asa, sang seniman berusaha untuk memutuskan hubungan dengan seni selamanya, tetapi segera kembali ke kreativitas lagi.

Di tahun-tahun Perang Prancis-Prusia Pissarro tinggal di London. Bersama C. Monet, dia melukis pemandangan London dari alam. Rumah artis di Louveciennes saat itu dijarah oleh penjajah Prusia. Sebagian besar lukisan yang tersisa di rumah itu hancur. Para prajurit menyebarkan kanvas di halaman di bawah kaki mereka saat hujan.

Kembali ke Paris, Pissarro masih mengalami kesulitan keuangan. Republik yang datang untuk menggantikan
kekaisaran, hampir tidak mengubah apa pun di Prancis. Kaum borjuasi, yang menjadi miskin setelah peristiwa-peristiwa yang berhubungan dengan Komune, tidak dapat membeli lukisan. Pada saat ini, Pissarro mengambil perlindungan artis muda P. Cezanne. Bersama-sama mereka bekerja di Pontoise, di mana Pissarro membuat kanvas yang menggambarkan lingkungan sekitar Pontoise, tempat sang seniman tinggal hingga tahun 1884 (“Oise in Pontoise”, 1873); desa-desa sepi, jalan-jalan membentang ke kejauhan ("Jalan dari Gisors ke Pontoise di bawah salju", 1873; "Atap Merah", 1877; "Pemandangan di Pontoise", 1877).

Pissarro mengambil bagian aktif dalam delapan pameran Impresionis, yang diselenggarakan dari tahun 1874 hingga 1886. Memiliki bakat pedagogis, pelukis dapat menemukan bahasa timbal balik dengan hampir semua artis pemula, membantu mereka dengan nasihat. Orang-orang sezaman berkata tentang dia bahwa "dia bahkan bisa mengajari cara menggambar batu." Bakat sang master begitu hebat sehingga dia dapat membedakan bahkan corak warna yang paling halus di mana orang lain hanya melihat abu-abu, kecoklatan, dan hijau.

Tempat khusus dalam karya Pissarro ditempati oleh kanvas yang didedikasikan untuk kota, ditampilkan sebagai organisme hidup, yang terus berubah tergantung pada cahaya dan musim. Artis itu memiliki kemampuan luar biasa untuk melihat banyak dan menangkap apa yang tidak diperhatikan orang lain. Jadi, misalnya, sambil melihat ke luar jendela yang sama, ia menulis 30 karya yang menggambarkan Montmartre ("Montmartre Boulevard in Paris", 1897). Sang master sangat mencintai Paris, jadi dia mendedikasikan sebagian besar lukisan untuknya. Sang seniman berhasil menyampaikan dalam karyanya keajaiban unik yang menjadikan Paris salah satu kota terbesar di dunia. Untuk bekerja, pelukis menyewa kamar di Jalan Saint-Lazare, Grands Boulevards, dll. Dia memindahkan semua yang dia lihat ke kanvasnya ("Bulevar Italia di pagi hari, diterangi matahari", 1897; "Tempat Teater Prancis di Paris , musim semi”, 1898; “ Bagian opera di Paris).

Di antara lanskap kotanya adalah karya yang menggambarkan kota lain. Jadi, pada tahun 1890-an. tuannya tinggal lama di Dieppe, lalu di Rouen. Dalam lukisan yang didedikasikan untuk berbagai bagian Prancis, ia mengungkapkan keindahan alun-alun kuno, puisi jalur dan bangunan kuno, yang darinya semangat masa lampau berhembus ("Jembatan Besar di Rouen", 1896; "Jembatan Boildieu di Rouen saat Matahari Terbenam”, 1896; “Pemandangan Rouen", 1898; "Gereja Saint-Jacques di Dieppe", 1901).

Meskipun lanskap Pissarro tidak berwarna-warni cerah, tekstur gambarnya sangat kaya dalam berbagai corak: misalnya, nada abu-abu dari trotoar berbatu terbentuk dari guratan merah muda murni, biru, biru, oker emas, merah Inggris, dll. hasilnya, abu-abu tampak seperti mutiara, berkilau dan bersinar, membuat lukisan tampak seperti permata.

Pissarro tidak hanya menciptakan lanskap. Dalam karyanya ada lukisan bergenre di mana minat pada seseorang diwujudkan.

Di antara yang paling signifikan, perlu dicatat "Kopi dengan Susu" (1881), "Gadis dengan Cabang" (1881), "Wanita dengan Anak di Sumur" (1882), "Pasar: Pedagang Daging" (1883 ). Mengerjakan karya-karya tersebut, pelukis berusaha merampingkan guratan dan memasukkan unsur-unsur monumentalitas ke dalam komposisi.

Pada pertengahan 1880-an, Pissarro, yang sudah menjadi seniman dewasa, di bawah pengaruh Seurat dan Signac, tertarik pada pembagian dan mulai melukis dengan titik-titik kecil berwarna. Dengan cara ini, karyanya seperti “Pulau Lacroix, Rouen. Kabut" (1888). Namun, hobi tersebut tidak bertahan lama, dan segera (1890) sang master kembali ke gaya lamanya.

Selain melukis, Pissarro mengerjakan cat air, membuat etsa, litograf, dan gambar.
Artis itu meninggal di Paris pada tahun 1903.

Seni Eropa pada akhir abad ke-19 diperkaya dengan munculnya seni modernis, kemudian pengaruhnya meluas ke musik dan sastra. Itu disebut "impresionisme" karena didasarkan pada kesan paling halus dari artis, gambar, dan suasana hati.

Asal-usul dan sejarah terjadinya

Beberapa seniman muda membentuk grup pada paruh kedua abad ke-19. Mereka memiliki tujuan yang sama dan minat yang sama. Hal utama perusahaan ini adalah bekerja di alam, tanpa dinding bengkel dan berbagai faktor penghambat. Dalam lukisannya, mereka berusaha menyampaikan semua sensualitas, kesan permainan cahaya dan bayangan. Bentang alam dan potret mencerminkan kesatuan jiwa dengan alam semesta, dengan dunia sekitarnya. Lukisan mereka adalah puisi warna yang sesungguhnya.

Pada tahun 1874 ada pameran kelompok seniman ini. Pemandangan oleh Claude Monet “Kesan. Matahari terbit" menarik perhatian kritikus, yang dalam ulasannya untuk pertama kalinya menyebut pencipta ini Impresionis (dari kesan Prancis - "kesan").

Prasyarat lahirnya gaya impresionisme, lukisan-lukisan yang perwakilannya akan segera menemukan kesuksesan luar biasa, adalah karya-karya Renaisans. Karya orang Spanyol Velazquez, El Greco, Turner Inggris, Polisi tanpa syarat memengaruhi orang Prancis, yang merupakan pendiri impresionisme.

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir, dan lainnya menjadi perwakilan gaya yang menonjol di Prancis.

Filosofi impresionisme dalam seni lukis

Seniman yang melukis dengan gaya ini tidak menetapkan tugas untuk menarik perhatian publik pada masalah. Dalam karya mereka, seseorang tidak dapat menemukan plot tentang topik hari itu, seseorang tidak dapat menerima moralisasi atau memperhatikan kontradiksi manusia.

Lukisan dengan gaya impresionisme ditujukan untuk menyampaikan suasana sesaat, mengembangkan skema warna yang bersifat misterius. Dalam karya hanya ada tempat untuk permulaan yang positif, kesuraman melewati kaum Impresionis.

Nyatanya, kaum Impresionis tidak mau repot memikirkan plot dan detailnya. Faktor utamanya bukanlah apa yang digambar, tetapi bagaimana menggambarkan dan menyampaikan suasana hati Anda.

Teknik melukis

Ada perbedaan besar antara gaya menggambar akademis dan teknik impresionis. Mereka hanya meninggalkan banyak metode, beberapa diubah tanpa bisa dikenali. Berikut inovasi yang mereka buat:

Kontur yang terbengkalai. Itu diganti dengan guratan - kecil dan kontras.
Kami berhenti menggunakan palet untuk Kami memilih warna yang saling melengkapi dan tidak memerlukan penggabungan untuk mendapatkan efek tertentu. Misalnya, kuning adalah ungu.
Berhenti melukis dengan warna hitam.
Pekerjaan yang benar-benar ditinggalkan di bengkel. Mereka menulis secara eksklusif tentang alam, agar lebih mudah menangkap momen, gambar, perasaan.
Hanya cat dengan opasitas bagus yang digunakan.
Jangan menunggu lapisan berikutnya mengering. Apusan segar segera dioleskan.
Mereka menciptakan siklus karya untuk mengikuti perubahan cahaya dan bayangan. Misalnya, "Tumpukan Jerami" oleh Claude Monet.

Tentu saja, tidak semua seniman menampilkan ciri-ciri gaya impresionisme dengan tepat. Lukisan karya Edouard Manet, misalnya, tidak pernah mengikuti pameran bersama, dan ia sendiri memposisikan dirinya sebagai seniman tersendiri. Edgar Degas hanya bekerja di bengkel, namun hal tersebut tidak merusak kualitas karyanya.

Perwakilan Impresionisme Prancis

Pameran pertama karya Impresionis bertanggal 1874. Setelah 12 tahun, eksposisi terakhir mereka berlangsung. Karya pertama dengan gaya ini bisa disebut "Breakfast on the Grass" oleh E. Manet. Gambar ini dipresentasikan di Salon of the Rejected. Itu ditanggapi dengan permusuhan, karena sangat berbeda dengan aturan akademis. Itulah mengapa Manet menjadi sosok yang dikelilingi oleh lingkaran pengikut arah gaya ini.

Sayangnya, orang-orang sezaman tidak menghargai gaya impresionisme. Lukisan dan seniman ada dalam perselisihan dengan seni resmi.

Lambat laun, Claude Monet tampil ke depan dalam tim pelukis, yang kemudian menjadi pemimpin mereka dan ahli ideologi utama impresionisme.

Claude Monet (1840-1926)

Karya seniman ini bisa digambarkan sebagai himne impresionisme. Dialah yang pertama kali menolak menggunakan warna hitam dalam lukisannya, dengan alasan bahwa bayangan dan malam pun memiliki corak yang berbeda.

Dunia dalam lukisan Monet adalah garis besar yang tidak jelas, guratan tebal, yang terlihat di mana Anda dapat merasakan seluruh spektrum permainan warna siang dan malam, musim, harmoni dunia sublunar. Hanya momen yang direnggut dari arus kehidupan, dalam pemahaman Monet, adalah impresionisme. Lukisannya sepertinya tidak memiliki materialitas, semuanya jenuh dengan sinar cahaya dan arus udara.

Claude Monet menciptakan karya luar biasa: "Station Saint-Lazare", "Katedral Rouen", siklus "Charing Cross Bridge" dan banyak lainnya.

Auguste Renoir (1841-1919)

Kreasi Renoir memberikan kesan ringan, sejuk, dan halus yang luar biasa. Plotnya lahir seolah-olah secara tidak sengaja, namun diketahui bahwa sang seniman dengan hati-hati memikirkan semua tahapan karyanya dan bekerja dari pagi hingga malam.

Ciri khas karya O. Renoir adalah penggunaan kaca, yang hanya mungkin terjadi jika tulisan Impresionisme dalam karya seniman diwujudkan dalam setiap guratan. Ia memandang seseorang sebagai partikel alam itu sendiri, itulah sebabnya begitu banyak lukisan telanjang.

Hobi favorit Renoir adalah citra seorang wanita dengan segala kecantikannya yang menarik dan menarik. Potret menempati tempat khusus dalam kehidupan kreatif seniman. "Umbrellas", "Girl with a Fan", "Breakfast of the Rowers" hanyalah sebagian kecil dari koleksi lukisan Auguste Renoir yang menakjubkan.

Georges Seurat (1859-1891)

Seurat mengaitkan proses pembuatan lukisan dengan pembuktian ilmiah teori warna. Lingkungan cahaya-udara digambar berdasarkan ketergantungan nada utama dan tambahan.

Terlepas dari kenyataan bahwa J. Seurat adalah perwakilan dari tahap akhir Impresionisme, dan tekniknya dalam banyak hal berbeda dari para pendirinya, ia dengan cara yang sama menciptakan representasi ilusi dari bentuk objektif dengan bantuan sapuan, yang dapat dilihat dan dilihat hanya dari kejauhan.

Mahakarya kreativitas bisa disebut lukisan "Minggu", "Cancan", "Model".

Perwakilan impresionisme Rusia

Impresionisme Rusia muncul hampir secara spontan, memadukan banyak fenomena dan metode. Namun, dasarnya, seperti Prancis, adalah visi skala penuh dari proses tersebut.

Dalam impresionisme Rusia, meskipun ciri-ciri bahasa Prancis dipertahankan, ciri-ciri sifat nasional dan pola pikir membuat perubahan yang signifikan. Misalnya, penglihatan salju atau lanskap utara diekspresikan dengan teknik yang tidak biasa.

Di Rusia, hanya sedikit seniman yang bekerja dengan gaya impresionisme, lukisan mereka menarik perhatian hingga saat ini.

Periode impresionistik dapat dibedakan dalam karya Valentin Serov. "Girl with Peaches" -nya adalah contoh dan standar paling jelas dari gaya ini di Rusia.

Lukisan-lukisan itu menaklukkan dengan kesegaran dan kesesuaian warna-warna murni. Tema utama karya seniman ini adalah citra seseorang di alam. "Northern Idyll", "In the Boat", "Fyodor Chaliapin" adalah tonggak penting dalam aktivitas K. Korovin.

Impresionisme di zaman modern

Saat ini, arah seni ini telah diterima kehidupan baru. Dengan gaya ini, beberapa seniman melukis lukisan mereka. Impresionisme modern ada di Rusia (André Cohn), di Prancis (Laurent Parcelier), di Amerika (Diana Leonard).

Andre Cohn adalah yang paling perwakilan terkemuka impresionisme baru. Lukisan cat minyaknya mencolok dalam kesederhanaannya. Artis melihat keindahan dalam hal-hal biasa. Sang Pencipta menafsirkan banyak objek melalui prisma gerak.

Karya cat air Laurent Parcelier dikenal di seluruh dunia. Serial karyanya "Strange World" dirilis dalam bentuk kartu pos. Cantik, bersemangat, dan sensual, mereka menakjubkan.

Seperti pada abad ke-19, lukisan plein air tetap menjadi milik para seniman hingga saat ini. Berkat dia, impresionisme akan hidup selamanya. seniman terus menginspirasi, mengesankan, dan menginspirasi.

Impresionisme adalah gerakan seni yang muncul pada tahun 70-an. Abad XIX di lukisan perancis, dan kemudian diwujudkan dalam musik, sastra, teater.

Impresionisme dalam seni lukis mulai terbentuk jauh sebelum pameran terkenal tahun 1874. Edouard Manet secara tradisional dianggap sebagai pendiri Impresionis. Dia sangat terinspirasi oleh karya klasik Titian, Rembrandt, Rubens, Velazquez. Manet mengungkapkan visinya tentang gambar di kanvasnya, menambahkan guratan "bergetar" yang menciptakan efek ketidaklengkapan. Pada tahun 1863, Manet menciptakan "Olympia", yang menimbulkan skandal besar di komunitas budaya.

Sepintas, gambar tersebut dibuat sejalan dengan kanon tradisional, namun pada saat yang sama sudah mengusung tren inovatif. Sekitar 87 ulasan ditulis tentang Olympia di berbagai publikasi Paris. Banyak kritik negatif menimpanya - artis itu dituduh vulgar. Dan hanya beberapa artikel yang bisa disebut baik hati.

Manet dalam karyanya menggunakan teknik overlay satu lapis cat yang menciptakan efek bintik-bintik. Selanjutnya, metode pelapisan cat ini diadopsi oleh seniman impresionis sebagai dasar gambar pada lukisan.

Ciri khas impresionisme adalah fiksasi paling halus dari kesan sekilas, dengan cara khusus mereproduksi lingkungan terang dengan bantuan mosaik kompleks warna murni, sapuan dekoratif sepintas.

Anehnya, di awal pencariannya, para seniman menggunakan cyanometer - alat untuk menentukan kebiruan langit. Warna hitam dikeluarkan dari palet, digantikan oleh corak warna lain, yang memungkinkan untuk tidak merusak suasana lukisan yang cerah.

Impresionis berfokus pada yang terbaru penemuan ilmiah waktunya. Teori warna Chevrel dan Helmholtz bermuara sebagai berikut: sinar matahari dipecah menjadi warna penyusunnya, dan, karenanya, dua cat yang ditempatkan di kanvas meningkatkan efek gambar, dan ketika cat dicampur, mereka kehilangan intensitasnya.

Estetika impresionisme terbentuk, sebagian, sebagai upaya untuk secara tegas membebaskan diri dari konvensi klasisisme dalam seni, serta dari simbolisme dan perhatian yang terus-menerus dari lukisan romantis akhir, yang mengundang semua orang untuk melihat ide-ide terenkripsi yang membutuhkan interpretasi yang cermat. . Impresionisme mengklaim bukan hanya keindahan realitas sehari-hari, tetapi fiksasi suasana warna-warni, tanpa merinci atau menafsirkan, menggambarkan dunia sebagai fenomena optik yang selalu berubah.

Seniman impresionis mengembangkan sistem plein air yang lengkap. Pelopor fitur gaya ini adalah pelukis lanskap yang berasal dari sekolah Barbizon, perwakilan utamanya adalah Camille Corot dan John Constable.

Mengerjakan ruang terbuka memungkinkan untuk menangkap perubahan warna sekecil apa pun waktu yang berbeda hari.

Claude Monet membuat beberapa seri lukisan dengan subjek yang sama, misalnya, "Katedral Rouen" (serangkaian 50 lukisan), "Hacks" (serangkaian 15 lukisan), "Kolam dengan bunga lili air", dll. Indikator utama dari rangkaian ini terjadi perubahan cahaya dan warna pada gambar objek yang sama, ditulis pada waktu yang berbeda dalam satu hari.

Pencapaian lain dari Impresionisme adalah pengembangan sistem lukisan orisinal, di mana nada kompleks diuraikan menjadi warna murni yang ditransmisikan oleh sapuan terpisah. Para seniman tidak mencampurkan warna pada palet, tetapi lebih suka menerapkan sapuan langsung ke kanvas. Teknik ini memberi lukisan itu rasa gentar, variabilitas, dan kelegaan khusus. Karya seniman dipenuhi dengan warna dan cahaya.

Pameran pada tanggal 15 April 1874 di Paris merupakan hasil dari periode pembentukan dan penyajian tren baru kepada masyarakat umum. Eksposisi ditempatkan di studio fotografer Felix Nadar di Boulevard des Capucines.

Nama "Impresionisme" muncul setelah pameran yang menampilkan lukisan Monet "Impression. Matahari terbit". Kritikus L. Leroy, dalam ulasannya di Sharivari, memberikan gambaran lucu tentang pameran tahun 1874 tersebut, dengan mengutip karya Monet sebagai contoh. Kritikus lain, Maurice Denis, mencela kaum Impresionis karena kurangnya individualitas, perasaan, dan puisi mereka.

Sekitar 30 seniman memamerkan karyanya pada pameran pertama. Ini adalah jumlah terbesar dibandingkan dengan pameran berikutnya hingga tahun 1886.

Itu tidak bisa dikatakan tentang kritik yang baik dari masyarakat Rusia. Seniman Rusia dan kritikus demokrasi, selalu sangat tertarik kehidupan artistik Prancis - I. V. Kramskoy, I. E. Repin dan V. V. Stasov - sangat menghargai pencapaian kaum Impresionis sejak pameran pertama.

Tahap baru dalam sejarah seni rupa, yang dimulai dengan pameran tahun 1874, bukanlah ledakan kecenderungan revolusioner yang tiba-tiba - itu adalah puncak dari perkembangan yang lambat dan konsisten.

Terlepas dari kenyataan bahwa semua guru besar di masa lalu telah berkontribusi pada pengembangan prinsip-prinsip impresionisme, akar langsung dari arus dapat dengan mudah ditemukan dalam dua puluh tahun sebelum pameran sejarah.

Sejalan dengan pameran di Salon, pameran kaum Impresionis mendapatkan momentumnya. Karya-karya mereka menunjukkan tren baru dalam seni lukis. Ini mencela budaya salon dan tradisi pameran. Di masa depan, seniman impresionis berhasil menarik pengagum tren baru dalam seni ke pihak mereka.

Pengetahuan teoretis dan formulasi impresionisme mulai terbentuk agak terlambat. Para seniman lebih menyukai latihan dan eksperimen mereka sendiri dengan cahaya dan warna. Impresionisme, terutama bergambar, menelusuri warisan realisme, dengan jelas mengungkapkan orientasi anti-akademis, anti-salon, dan pemasangan citra realitas sekitar saat itu. Beberapa peneliti mencatat bahwa impresionisme telah menjadi cabang khusus dari realisme.

Tidak diragukan lagi, dalam seni impresionis, seperti dalam setiap gerakan artistik yang muncul selama periode titik balik dan krisis tradisi lama, berbagai kecenderungan bahkan kontradiktif terjalin, dengan segala integritas lahiriahnya.

Ciri-ciri utamanya ada pada tema karya seniman, dalam sarana ekspresi artistik. Buku Irina Vladimirova tentang Impresionis mencakup beberapa bab: "Pemandangan, alam, kesan", "Kota, tempat pertemuan dan perpisahan", "Hobi sebagai cara hidup", "Orang dan karakter", "Potret dan potret diri" , "Masih hidup". Ini juga menjelaskan sejarah penciptaan dan lokasi masing-masing karya.

Selama masa kejayaan impresionisme, seniman menemukan keseimbangan yang harmonis antara realitas objektif dan persepsinya. Seniman mencoba menangkap setiap sinar cahaya, pergerakan angin sepoi-sepoi, perubahan alam. Untuk menjaga kesegaran lukisan, kaum Impresionis menciptakan sistem gambar orisinal, yang kemudian ternyata sangat penting bagi perkembangan seni rupa di masa depan. Terlepas dari tren umum dalam seni lukis, setiap seniman telah menemukan jalur kreatifnya sendiri dan genre utama dalam seni lukis.

Impresionisme Klasik diwakili oleh seniman seperti Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Basil, Berthe Morisot, Edgar Degas.

Pertimbangkan kontribusi beberapa seniman terhadap pembentukan impresionisme.

Edouard Manat (1832-1883)

Manet menerima pelajaran melukis pertamanya dari T. Couture, berkat artis masa depan memperoleh banyak keterampilan profesional yang diperlukan. Karena kurangnya perhatian guru kepada murid-muridnya, Manet meninggalkan studio master dan terlibat dalam pendidikan mandiri. Ia mengunjungi pameran di museum, formasi kreatifnya sangat dipengaruhi oleh para empu tua, terutama yang Spanyol.

Pada tahun 1860-an, Manet menulis dua karya yang menunjukkan prinsip dasar gaya artistiknya. Lola dari Valencia (1862) dan The Flutist (1866) menampilkan Manet sebagai seorang seniman yang mengungkapkan karakter model melalui rendering warna.

Idenya tentang teknik sapuan kuas dan sikap terhadap warna diadopsi oleh pelukis Impresionis lainnya. Pada tahun 1870-an, Manet menjadi dekat dengan para pengikutnya dan bekerja en plein air tanpa warna hitam di palet. Munculnya impresionisme adalah hasil dari evolusi kreatif Manet sendiri. Lukisan Manet yang paling impresionistik adalah In a Boat (1874) dan Claude Monet in a Boat (1874).

Manet juga melukis banyak potret berbagai wanita sekuler, aktris, model, wanita cantik. Di setiap potret, keunikan dan individualitas model tersampaikan.

Sesaat sebelum kematiannya, Manet menulis salah satu mahakaryanya - "Bar Folies-Bergere" (1881-1882). Gambar ini menggabungkan beberapa genre sekaligus: potret, benda mati, pemandangan rumah tangga.

N. N. Kalitina menulis: “Keajaiban seni Manet sedemikian rupa sehingga gadis itu menolak lingkungan, berkat itu suasana hatinya terungkap dengan sangat jelas, dan pada saat yang sama menjadi bagian, karena seluruh latar belakang, ditebak secara samar, tidak pasti, gelisah, juga diselesaikan dengan warna biru-hitam , putih kebiruan, kuning.

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet adalah pemimpin dan pendiri impresionisme klasik yang tak terbantahkan. Genre utama lukisannya adalah lanskap.

Di masa mudanya, Monet gemar karikatur dan karikatur. Model pertama untuk karyanya adalah gurunya, kawan-kawan. Sebagai contoh, dia menggunakan kartun di koran dan majalah. Dia menyalin gambar di Golois oleh E. Karzh, seorang penyair dan karikatur, teman Gustave Coubret.

Di perguruan tinggi, Monet diajar oleh Jacques-Francois Hauchard. Tapi wajar untuk mencatat pengaruh Monet of Boudin, yang mendukung artis, memberinya nasihat, memotivasi dia untuk melanjutkan karyanya.

Pada November 1862 di Paris, Monet melanjutkan studinya di Paris bersama Gleyre. Berkat ini, Monet bertemu Basil, Renoir, Sisley di studionya. Seniman muda sedang bersiap untuk masuk Sekolah Seni Rupa, menghormati guru mereka, yang mengambil sedikit untuk pelajarannya dan memberikan nasihat yang lembut.

Monet membuat lukisannya bukan sebagai cerita, bukan sebagai ilustrasi ide atau tema. Lukisannya, seperti kehidupan, tidak memiliki tujuan yang jelas. Dia melihat dunia tanpa berfokus pada detail, pada beberapa prinsip, dia beralih ke "visi lanskap" (istilah sejarawan seni A. A. Fedorov-Davydov). Monet berjuang untuk tanpa plot, perpaduan genre di atas kanvas. Sarana penerapan inovasinya adalah sketsa, yang seharusnya menjadi lukisan jadi. Semua sketsa diambil dari alam.

Dia melukis padang rumput, bukit, bunga, bebatuan, taman, jalan desa, laut, pantai, dan banyak lagi, dia beralih ke citra alam pada waktu yang berbeda dalam sehari. Seringkali dia melukis tempat yang sama pada waktu yang berbeda, sehingga menciptakan seluruh siklus dari karyanya. Prinsip karyanya bukanlah citra objek dalam gambar, tetapi transmisi cahaya yang tepat.

Berikut adalah beberapa contoh karya seniman - "Field of poppies at Argenteuil" (1873), "Frog" (1869), "Pond with water lilies" (1899), "Wheat stacks" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir adalah salah satu ahli potret sekuler yang luar biasa, selain itu, ia bekerja dalam genre lanskap, pemandangan rumah tangga, benda mati.

Keunikan karyanya adalah ketertarikan pada kepribadian seseorang, pengungkapan karakter dan jiwanya. Dalam kanvasnya, Renoir mencoba menekankan perasaan kepenuhan keberadaan. Seniman tertarik dengan hiburan dan liburan, dia melukis bola, berjalan dengan gerakannya dan berbagai karakter, menari.

Karya seniman yang paling terkenal adalah "Potret aktris Jeanne Samary", "Umbrellas", "Bathing in the Seine", dll.

Sangat menarik bahwa Renoir dibedakan oleh musikalitasnya dan sebagai seorang anak ia bernyanyi di paduan suara gereja di bawah bimbingan komposer dan guru terkemuka Charles Gounod di Paris di Katedral Saint-Eustache. C. Gounod sangat menganjurkan agar anak laki-laki itu belajar musik. Tetapi pada saat yang sama, Renoir menemukan bakat seninya - sejak usia 13 tahun dia sudah belajar cara melukis piring porselen.

Pelajaran musik mempengaruhi pembentukan kepribadian artis. Sejumlah karyanya terkait dengan tema musik. Mereka mencerminkan bermain piano, gitar, mandolin. Ini adalah lukisan "Pelajaran Gitar", "Wanita Muda Spanyol dengan Gitar", "Wanita Muda di Piano", "Wanita Memainkan Gitar", "Pelajaran Piano", dll.

Jean Frederick Basile (1841-1870)

Menurut teman artisnya, Basil adalah impresionis yang paling menjanjikan dan menonjol.

Karya-karyanya dibedakan oleh warna-warna cerah dan spiritualitas gambar. Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, dan Claude Monet memiliki pengaruh besar dalam jalur kreatifnya. Apartemen Jean Frederic untuk pelukis pemula adalah semacam studio dan perumahan.

Kemangi kebanyakan dicat en plein air. Gagasan utama karyanya adalah citra manusia dengan latar belakang alam. Pahlawan pertamanya dalam lukisan adalah teman artisnya; banyak impresionis sangat suka melukis satu sama lain dalam karya mereka.

Frédéric Bazille menandai jalannya impresionisme realistis dalam karyanya. Lukisannya yang paling terkenal, Reuni Keluarga (1867), bersifat otobiografi. Artis menggambarkan anggota keluarganya di atasnya. Karya ini dipresentasikan di Salon dan mendapat persetujuan dari publik.

Pada tahun 1870, artis tersebut meninggal dalam perang Prusia-Prancis. Sepeninggal artis, teman-teman artisnya menyelenggarakan pameran ketiga Impresionis, di mana kanvasnya juga dipamerkan.

Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro adalah salah satu perwakilan pelukis lanskap terbesar setelah C. Monet. Karyanya terus-menerus dipamerkan dalam eksposisi kaum Impresionis. Dalam karya-karyanya, Pissarro lebih suka menggambarkan ladang yang dibajak, kehidupan dan pekerjaan petani. Lukisannya dibedakan dari struktur bentuk dan kejelasan komposisi.

Belakangan, sang seniman mulai melukis dan melukis dengan tema urban. N. N. Kalitina mencatat dalam bukunya: "Dia melihat jalan-jalan kota dari jendela lantai atas atau dari balkon, tanpa memasukkannya ke dalam komposisi."

Di bawah pengaruh Georges-Pierre Seurat, sang seniman mengambil pointilisme. Teknik ini melibatkan pengenaan setiap pukulan secara terpisah, seolah-olah meletakkan titik-titik. Namun prospek kreatif di bidang ini tidak terwujud, dan Pissarro kembali ke impresionisme.

Lukisan Pissarro yang paling terkenal adalah Boulevard Montmartre. Sore, cerah", "bagian Opera di Paris", "Tempat teater Prancis di Paris", "Taman di Pontoise", "Panen", "Pembuatan jerami", dll.

Alfred Sisley (1839-1899)

Genre utama lukisan Alfred Sisley adalah lanskap. Pada karya awalnya, terlihat terutama pengaruh K. Corot. Lambat laun, dalam proses kerja sama dengan C. Monet, J. F. Basil, P. O. Renoir, warna-warna cerah mulai muncul dalam karya-karyanya.

Seniman tertarik dengan permainan cahaya, perubahan keadaan atmosfer. Sisley membahas lanskap yang sama beberapa kali, mengabadikannya pada waktu yang berbeda dalam satu hari. Dalam karyanya, seniman mengutamakan citra air dan langit yang berubah setiap detik. Seniman berhasil mencapai kesempurnaan dengan bantuan warna, setiap corak dalam karyanya mengusung semacam simbolisme.

Karya-karyanya yang paling terkenal: "Country Alley" (1864), "Frost in Louveciennes" (1873), "View of Montmartre from the Flower Island" (1869), "Early Snow in Louveciennes" (1872), "The Bridge di Argenteuil" (1872 ).

Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas adalah seorang seniman yang memulai karir kreatifnya dengan belajar di School of Fine Arts. Ia terinspirasi oleh seniman Renaisans Italia, yang memengaruhi karyanya secara umum. Pada awalnya, Degas melukis lukisan sejarah, misalnya, “Gadis Sparta menantang pemuda Sparta untuk berkompetisi. (1860). Genre utama lukisannya adalah potret. Dalam karyanya, seniman mengandalkan tradisi klasik. Dia menciptakan karya-karya yang ditandai dengan rasa tajam pada masanya.

Tidak seperti rekan-rekannya, Degas tidak berbagi pandangan hidup yang ceria dan terbuka dan hal-hal yang melekat dalam Impresionisme. Seniman lebih dekat dengan tradisi seni kritis: belas kasih atas nasib orang biasa, kemampuan untuk melihat jiwa orang, mereka dunia batin, inkonsistensi, tragedi.

Bagi Degas, objek dan interior yang mengelilingi seseorang memainkan peran penting dalam menciptakan sebuah potret. Berikut adalah beberapa karya sebagai contoh: "Desiree Dio dengan orkestra" (1868-1869), " Potret wanita"(1868)," The Morbilly Couple "(1867) dan lainnya.

Prinsip potret dalam karya Degas dapat ditelusuri sepanjang kariernya. Pada tahun 1870-an, sang seniman menggambarkan masyarakat Prancis, khususnya Paris, dalam karya-karyanya dengan penuh kemuliaan. Demi kepentingan artis - kehidupan kota sedang bergerak. “Gerakan baginya adalah salah satu perwujudan kehidupan terpenting, dan kemampuan seni untuk menyampaikannya merupakan pencapaian terpenting seni lukis modern,” tulis N.N. Kalitina.

Selama periode waktu ini, lukisan seperti "Bintang" (1878), "Nona Lola di Sirkus Fernando", "Balapan Epsom", dan lainnya telah dibuat.

Babak baru kreativitas Degas adalah minatnya pada balet. Ini menunjukkan kehidupan balerina di belakang panggung, berbicara tentang kerja keras dan latihan keras mereka. Namun, meskipun demikian, sang seniman berhasil menemukan kesan lapang dan ringan dalam transfer gambar mereka.

Dalam rangkaian lukisan balet karya Degas, terlihat pencapaian di bidang transmisi cahaya buatan dari footlight, mereka berbicara tentang bakat pewarnaan artis. Lukisan paling terkenal adalah "Penari Biru" (1897), "Kelas Tari" (1874), "Penari dengan Karangan Bunga" (1877), "Penari dalam Warna Merah Muda" (1885) dan lainnya.

Di akhir hidupnya, karena penglihatannya yang memburuk, Degas mencoba membuat patung. Balerina, wanita, kuda yang sama menjadi objeknya. Dalam seni pahat, Degas mencoba menyampaikan gerakan, dan untuk mengapresiasi pahatan, Anda perlu mempertimbangkannya dari berbagai sudut.

fr. kesan - kesan) - arah dalam seni sepertiga terakhir dari sembilan belas - awal. abad ke-20, yang perwakilannya mulai melukis lanskap dan pemandangan bergenre langsung dari kehidupan, mencoba menyampaikan sinar matahari, embusan angin, gemerisik rerumputan, pergerakan keramaian kota dengan warna yang sangat bersih dan intens. Kaum Impresionis berusaha menangkap dunia nyata dalam mobilitas dan variabilitasnya dengan cara yang paling alami dan tidak memihak, untuk menyampaikan kesan sekilas mereka.

Definisi Hebat

Definisi tidak lengkap ↓

IMPRESIONISME

Perancis impressionnisme, dari kesan - kesan), arah dalam seni penipuan. 1860 - awal. 1880-an Paling jelas terwujud dalam lukisan. Perwakilan terkemuka: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte dan J. F. Basil. Bersama mereka, E. Manet dan E. Degas memamerkan lukisannya, meski gaya karyanya tidak bisa disebut impresionistik sepenuhnya. Nama "Impresionis" diberikan kepada sekelompok seniman muda setelah pameran bersama pertama mereka di Paris (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley, dll.), Yang menyebabkan kemarahan publik dan kritikus. Salah satu lukisan yang dipersembahkan oleh C. Monet (1872) berjudul “Impression. Sunrise ”(“ L'impression. Soleil levant ”), dan pengulas dengan mengejek menyebut para seniman "impresionis" - "impresionis". Para pelukis tampil dengan nama ini pada pameran bersama ketiga (1877). Pada saat yang sama, mereka mulai menerbitkan majalah Impresionis, yang setiap terbitannya didedikasikan untuk karya salah satu anggota grup.

Impresionis berusaha untuk menangkap Dunia dalam variabilitasnya yang konstan, fluiditasnya, secara tidak memihak mengungkapkan kesan langsung mereka. Impresionisme didasarkan pada penemuan terbaru dalam teori optik dan warna (dekomposisi spektral sinar matahari menjadi tujuh warna pelangi); dalam hal ini dia selaras dengan roh analisis ilmiah, karakteristik con. abad ke-19 Namun, kaum Impresionis sendiri tidak berusaha untuk mendefinisikannya landasan teori seninya, menekankan pada spontanitas, intuisi kreativitas seniman. Prinsip artistik kaum Impresionis tidak seragam. Pemandangan yang dilukis Monet hanya bersentuhan langsung dengan alam, di udara terbuka (en plein air) bahkan membangun bengkel di atas kapal. Degas bekerja di bengkel dari ingatan atau menggunakan foto. Tidak seperti perwakilan dari gerakan radikal kemudian, para seniman tidak melampaui sistem spasial ilusi Renaisans berdasarkan penggunaan perspektif langsung. Mereka berpegang teguh pada metode bekerja dari alam, yang mereka dirikan prinsip utama kreativitas. Seniman berusaha keras untuk "melukis apa yang Anda lihat" dan "seperti yang Anda lihat". Penerapan yang konsisten dari metode ini mensyaratkan transformasi semua fondasi sistem gambar yang ada: warna, komposisi, konstruksi spasial. Warna-warna murni diaplikasikan pada kanvas dengan sapuan kecil terpisah: "titik-titik" multi-warna diletakkan berdampingan, bercampur menjadi tontonan warna-warni bukan di palet dan bukan di kanvas, tetapi di mata pemirsa. Kaum Impresionis mencapai kemerduan warna yang belum pernah terjadi sebelumnya, kekayaan corak yang belum pernah terjadi sebelumnya. Sapuan kuas menjadi alat ekspresi independen, mengisi permukaan gambar dengan getaran partikel warna yang berkilauan. Kanvas itu diibaratkan sebagai mozaik yang berkilauan dengan warna-warna berharga. Nuansa hitam, abu-abu, coklat mendominasi lukisan sebelumnya; di kanvas kaum Impresionis, warnanya bersinar terang. Kaum Impresionis tidak menggunakan chiaroscuro untuk menyampaikan volume, mereka meninggalkan bayangan gelap, bayangan dalam lukisan mereka juga diwarnai. Artis banyak menggunakan nada tambahan (merah dan hijau, kuning dan ungu), yang kontrasnya meningkatkan intensitas warna. Dalam lukisan Monet, warna-warna cerah dan larut dalam pancaran sinar matahari, warna-warna lokal memperoleh banyak corak.

Kaum Impresionis menggambarkan dunia sekitarnya dalam gerakan terus-menerus, transisi dari satu keadaan ke keadaan lain. Mereka mulai melukis serangkaian lukisan, ingin menunjukkan bagaimana motif yang sama berubah tergantung pada waktu, pencahayaan, kondisi cuaca, dll. (cycles Boulevard Montmartre oleh C. Pissarro, 1897; Rouen Cathedral, 1893– 95, dan "Parlemen London", 1903-04, C. Monet). Seniman telah menemukan cara untuk merefleksikan dalam lukisan pergerakan awan (A. Sisley. "Louan in Saint-Mamme", 1882), permainan silau sinar matahari (O. Renoir. "Swing", 1876), hembusan angin (C. Monet. "Terrace in Sainte-Adresse", 1866), pancaran hujan (G. Caillebotte. "Jer. Efek hujan", 1875), salju yang turun (C. Pissarro. "Jalan opera. Efek salju", 1898), lari cepat kuda (E. Manet "Races at Longchamp", 1865).

Kaum Impresionis mengembangkan prinsip-prinsip baru untuk membangun komposisi. Dulu ruang gambar diibaratkan sebagai panggung, kini pemandangan yang ditangkap menyerupai snapshot, bingkai foto. Diciptakan pada abad ke-19 fotografi berdampak signifikan pada komposisi lukisan impresionis, terutama pada karya E. Degas, yang merupakan seorang fotografer yang bersemangat dan, dengan kata-katanya sendiri, berusaha membuat balerina yang digambarkan secara mengejutkan, untuk melihatnya “seolah-olah through a keyhole”, ketika pose, garis tubuh mereka alami, ekspresif dan otentik. Membuat lukisan di luar ruangan, keinginan untuk menangkap pencahayaan yang berubah dengan cepat memaksa seniman untuk mempercepat pekerjaan, menulis "alla prima" (dalam satu langkah), tanpa sketsa awal. Fragmentasi, "keacakan" komposisi, dan cara bergambar yang dinamis menciptakan rasa kesegaran tersendiri pada lukisan-lukisan kaum Impresionis.

Genre impresionis favorit adalah lanskap; potret itu juga semacam "pemandangan wajah" (O. Renoir, "Potret Aktris J. Samary", 1877). Selain itu, para seniman secara signifikan memperluas cakupan subjek lukisan, beralih ke topik yang sebelumnya dianggap tidak layak untuk diperhatikan: festival rakyat, pacuan kuda, piknik bohemia artistik, kehidupan di belakang panggung teater, dll. Namun, lukisan mereka tidak memiliki plot terperinci, narasi terperinci; kehidupan manusia larut dalam alam atau dalam suasana kota. Kaum Impresionis tidak menulis peristiwa, melainkan suasana hati, nuansa perasaan. Seniman pada dasarnya menolak sejarah dan tema sastra, menghindari penggambaran sisi gelap kehidupan yang dramatis (perang, bencana, dll.). Mereka berusaha membebaskan seni dari pemenuhan tugas sosial, politik dan moral, dari kewajiban menilai fenomena yang digambarkan. Seniman menyanyikan keindahan dunia, mampu mengubah motif paling sehari-hari (renovasi ruangan, kabut abu-abu London, asap lokomotif uap, dll.) Menjadi tontonan yang mempesona (G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C . Monet "Stasiun Saint-Lazare", 1877).

Pada tahun 1886, pameran terakhir kaum Impresionis berlangsung (O. Renoir dan K. Monet tidak berpartisipasi di dalamnya). Pada saat ini, ketidaksepakatan yang signifikan antara anggota grup terungkap. Kemungkinan metode Impresionis habis, dan masing-masing seniman mulai mencari jalannya sendiri dalam seni.

Impresionisme sebagai metode kreatif holistik merupakan fenomena yang didominasi seni Prancis, tetapi karya Impresionis berdampak pada semua lukisan Eropa. Keinginan untuk memperbarui bahasa artistik, menonjolkan palet warna-warni, paparan teknik melukis sekarang dengan kuat memasuki gudang seniman. Di negara lain, J. Whistler (Inggris dan AS), M. Lieberman, L. Corinth (Jerman), J. Sorolla (Spanyol) dekat dengan impresionisme. Pengaruh impresionisme dialami oleh banyak seniman Rusia (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar dan lain-lain).

Selain melukis, impresionisme diwujudkan dalam karya beberapa pematung (E. Degas dan O. Rodin di Prancis, M. Rosso di Italia, P. P. Trubetskoy di Rusia) dalam pemodelan cairan bebas yang hidup bentuk lunak, yang menciptakan permainan yang sulit cahaya pada permukaan material dan perasaan ketidaklengkapan pekerjaan; dalam pose saat gerakan, perkembangan ditangkap. Dalam musik, kedekatan dengan impresionisme ditemukan dalam karya C. Debussy ("Layar", "Kabut", "Refleksi di Air", dll.).

Definisi Hebat

Definisi tidak lengkap ↓

Populer dalam kategori: