Ensemble moderni di strumenti popolari. Lavora con un ensemble misto di strumenti popolari russi

Sviluppo metodico“Caratteristiche del lavoro di un insegnante-musicista con un ensemble di età diverse tipo misto

(strumenti popolari a pizzico e ad ancia, voci, strumenti ad arco) nell'istituto istruzione aggiuntiva»

Questo sviluppo può essere interessante e utile per gli insegnanti di istruzione aggiuntiva, leader di ensemble nell'organizzazione di gruppi artistici

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Istituto di istruzione non standard del bilancio statale

"Palazzo della creatività giovanile di San Pietroburgo"

Centro città per lo sviluppo dell'istruzione aggiuntiva

Corsi di aggiornamento

Sviluppo metodico

“Caratteristiche del lavoro di un insegnante-musicista con

Ensemble misto di età diverse

(strumenti popolari a pizzico e ad ancia,

voce, strumenti ad arco)

in un istituto di istruzione aggiuntiva "

Ekimova Elena Vladimirovna,

Vladimirova Valentina Alekseevna

insegnanti di educazione aggiuntiva

Bilancio dello Stato

istituti di istruzione aggiuntiva

Palazzo della creatività dei bambini

Distretto di Pietrogrado

Pietroburgo

San Pietroburgo

2015-2016

Nota esplicativa

Lo sviluppo secolare del mondo cultura musicale conferma che l'esecuzione, sia strumentale che vocale, è impensabile senza musica d'insieme.

Una forma efficace e popolare di introdurre i bambini a arte musicaleè la creazione di musica d'insieme, che offre a ogni studente l'opportunità di mostrare le proprie capacità nella co-creazione musicale collettiva in base alle proprie capacità e al livello di formazione. Lo studio della letteratura d'insieme e la padronanza delle capacità di suonare insieme sono parte integrante del sistema educativo giovani musicisti. La produzione di musica d'insieme ha acquisito una particolare richiesta e rilevanza nel periodo moderno. Ne è prova il gran numero di concorsi, festival, appositamente dedicati all'esecuzione d'insieme, pubblicazioni musicali, che comprendono un numero enorme degli arrangiamenti più diversi di opere popolari di repertorio classico e moderno per diverse composizioni d'insieme.

Questo sviluppo può essere interessante e utile per gli insegnanti di istruzione aggiuntiva, leader di ensemble nell'organizzazione di gruppi artistici.

Questo sviluppo metodologico presenta l'esperienza dell'organizzazione delle attività dell'ensemble misto disuguale "April" del Palazzo della creatività dei bambini del distretto di Petrogradsky. Il team è nato dall'idea di insegnanti di istruzione aggiuntiva -Collegare diversi gruppi strumenti che hanno un suono timbrico diverso da strumenti di orchestre folk e sinfoniche.

Il nostro team non è standard nella sua composizione, include studenti età diverse coinvolti nei seguenti programmi di istruzione generale aggiuntivi:

1. "Complesso strumenti popolari»;
2. "Ensemble di Bayan e fisarmonicisti";
3. "Imparare a suonare il violino";
4. "Ensemble vocale"

scopo organizzazioni di età mista Gruppo musicaleè lo sviluppo dell'attività sociale e creativa degli studenti attraverso la loro inclusione nel processo musicale congiunto.

Compiti:

• educativo:

Sviluppo delle capacità comunicative in un team di età diverse;

Promuovere un senso di collaborazione;

Educazione alla tolleranza per esecutori su altri tipi di strumenti musicali, generi e stili musicali;

Educazione alla cultura dell'esecuzione musicale;

Educazione a una cultura del comportamento scenico;

Educazione alla percezione emotiva e all'esecuzione di opere musicali;

• sviluppando:

Lo sviluppo delle capacità analitiche degli studenti (la capacità di ascoltare e analizzare propria prestazione, così come le esibizioni di altri gruppi);

Sviluppo dell'orecchio degli studenti per la musica, la memoria e il senso del ritmo;

Sviluppo di un approccio creativo all'esecuzione di opere musicali;

Sviluppo della coordinazione delle mani e del corpo.

• educativo:

Conoscenza di strumenti musicali ad arco, folk e ad ancia;

Formazione delle capacità degli studenti di esibizione d'insieme;

Formazione delle capacità di lettura da un foglio;

Formazione delle capacità di performance sul palco;

Lo studio dell'alfabetizzazione musicale e della teoria musicale elementare.

Ai team creativi programmi educativi Tutti i visitatori dai 6 ai 18 anni sono i benvenuti. Alle prime lezioni si tengono le audizioni, dove vengono rivelati i dati musicali dei bambini e, a seconda delle loro capacità, vengono divisi in gruppi di strumenti.

Condizioni per organizzare un ensemble misto e caratteristiche del lavoro di prova

La condizione principale per l'organizzazione di tale gruppo creativoè una comunità di insegnanti di formazione aggiuntiva volta a trovare nuove idee.

Un passo importante per un'attività di successo è la pianificazione del lavoro. Gli insegnanti riflettono sul piano di lavoro in ciascuno associazione dei bambini e cercando punti comuni contatto. È in fase di elaborazione un programma annuale di concerti e concorsi.

Punti di contatto:

• repertorio generale
• prove generali
• prestazioni congiunte.

Il lavoro sulle opere inizia all'interno di ogni associazione con l'apprendimento del materiale musicale lezioni individuali o alle prove in piccoli gruppi.

Un ruolo importante in questa fase è svolto dall'accompagnatore, che aiuta a ottenere un quadro completo del brano musicale. Gli studenti imparano immediatamente ad ascoltare la loro parte nell'intero suono del brano, così come ad ascoltare le parti di altre voci. Oltre allo studio del materiale musicale e dei tratti, inizia contemporaneamente il lavoro sull'immagine e sul carattere della musica. Le parti vengono per lo più apprese a un ritmo lento per padroneggiare le difficoltà tecniche.

Nelle lezioni senza accompagnatore si individuano anzitutto quei punti della parte che presentano la maggiore difficoltà - tecnica, melodica, ritmica, e si lavora separatamente sui punti difficili, ottenendo un'esecuzione chiara e corretta con colpi, diteggiatura, dinamica.

Dopo che i bambini padroneggiano liberamente il materiale musicale, iniziano le prove in ogni gruppo di strumenti. Qui appare la complessità dell'esecuzione simultanea di una o più voci, se c'è una divisione all'interno di un tipo di strumento. In questa fase sono in corso lavori su ritocchi generali, dinamiche, ricerca mezzi di espressione, oltre a lavorare sul contenuto figurativo ed emotivo delle opere.

E la fase successiva della preparazione per lo spettacolo sono le prove consolidate, in cui vengono combinati tutti i gruppi di strumenti d'insieme. usato approccio differenziato, la variabilità della connessione di diversi strumenti musicali:

• domra - balalaika - strumenti popolari di canna
• violino - voce
• violino - vocale - canna popolare e strumenti a pizzico e così via.

Quando si lavora con i bambini, a ciascun bambino viene applicato un approccio individuale, ognuno svolge un ruolo nell'insieme, a seconda del livello delle capacità di esecuzione raggiunte. Durante le prove, viene prestata particolare attenzione al lavoro sull'immagine artistica e sulla forma delle opere. Gli studenti devono affrontare un compito difficile per introdurre armoniosamente la loro parte nel suono generale di un ensemble multitimbrico, per ascoltare una melodia che si svolge in voci diverse.

Selezione del repertorio

A seconda dei requisiti per il programma del concerto e del concorso, gli insegnanti selezionano il repertorio appropriato per il loro programma di istruzione generale. Un repertorio concertistico unificato viene selezionato congiuntamente da tutti gli insegnanti in base alle capacità esecutive degli studenti.

Un repertorio solido e di alta qualità è la base attività creativa di qualsiasi gruppo artistico, stimola la crescita delle capacità esecutive e artistiche dei componenti dell'ensemble e allo stesso tempo contribuisce allo sviluppo dei gusti artistici degli esecutori, nonché del pubblico. Dovresti selezionare attentamente opere di valore artistico, combinando contenuti interessanti con la perfezione della forma, con mezzi espressivi originali e diversi che possono davvero affascinare il pubblico e rivelare i talenti artistici degli artisti.

Creazione di un punteggio

Una strumentazione ben fatta è uno dei fattori decisivi per la buona esecuzione di un ensemble. Per comporre correttamente la partitura, abbiamo studiato le caratteristiche di ciascun gruppo di strumenti: il loro raggio d'azione, le capacità dinamiche, le caratteristiche timbriche del suono, le capacità del tratto. A seconda della natura, della trama, del tempo, della dinamica dell'opera, dividiamo le funzioni, presentiamo il materiale in base alla qualità specifica degli strumenti, al modo di suonare ciascuno di essi.

Caratteristiche degli strumenti musicali

Il nostro ensemble combina i seguenti gruppi di strumenti musicali: domra, balalaika, fisarmonica, fisarmonica a bottoni, violino e voce.

Ogni gruppo, così come i singoli strumenti, ha una ricca tavolozza di colori luminosi e individuali che vengono utilizzati nell'esecuzione di melodie, echi, passaggi, in varie combinazioni con altri strumenti. Soffermiamoci sulle brevi caratteristiche dei principali strumenti musicali del nostro team.

La gamma operativa standard del violino va da "» ottava piccola a «» quarta ottava .

Timbro di violino - fitto nel registro grave, morbido e delicato– medio e leggero, lucido– in cima. A causa della vicinanza del suono alla voce umana e della capacità di produrre un suono forte impatto emotivo sugli ascoltatori, il violino è lo strumento più adatto per suonare la linea melodica. Anche nell'ensemble può svolgere una funzione di accompagnamento. Poiché il timbro del violino è molto brillante, di solito viene utilizzato un colpo pizzicato per accompagnare la parte solista del gruppo domra e balalaika, oppure la parte di accompagnamento viene eseguita con una dinamica più tranquilla rispetto a quella del gruppo solista. La somiglianza del timbro dello strumento con il timbro della voce crea la possibilità di un suono armonioso con la parte vocale. Data questa caratteristica, il violino può suonare le voci di accompagnamento o una delle voci in un'opera vocale polifonica.

Bambino voci cantanti all'età di 10-12 anni iniziano a dividersi in acuto (ha un'estensione dalla nota "a" la prima a "la" della seconda ottava, mobile, sonora) e contralto (una voce più bassa e meno mobile della acuti, la gamma dalla nota G piccolo a G seconda ottava).

Domra è piccola. La gamma della piccola domra va da "mi" della prima ottava a "la" della terza ottava. Costruisci - mi, la, re. Lo strumento non è traspositore. Registro basso: morbido, succoso. La tecnica di base per suonare il "tremolo". Il colpo "staccato" viene eseguito premendo "P" in basso o "V" in alto. Pizzicato (pizzicato) - ricezione del gioco con un pizzico (anulare o pollice). Domra small ha una sonorità morbida e brillante su tutta la gamma. Nei registri bassi e medi della piccola domra, melodie melodiose suonano in modo espressivo. La gamma della prima balalaika va da "mi" della prima ottava a "re" della terza ottava. Nel registro basso, lo strumento suona più ovattato che nel mezzo. La balalaika ha una grande capacità di eseguire melodie di natura melodiosa con note doppie e triple, utilizzando le seguenti tecniche: rattling, pizzicato, vibrato.

Nel nostro ensemble, la parte di domra e balalaika svolge sia una funzione melodica (le tecniche principali sono tempi su e giù, pizzicato, armonici), sia una funzione di accompagnamento. Dato che la domra e la balalaika hanno una sonorità inferiore ad altri gruppi di strumenti nel nostro ensemble, quando si suona una parte solista, è necessario evidenziarli dinamicamente.

L'alto balalaika, come l'alto domra, è trasposto in basso di un'ottava. L'estensione della balalaika va dalla nota "mi" di una piccola ottava a "do" della seconda ottava, e la domra dalla nota "mi" di una piccola ottava a "la" della seconda ottava. La viola Balalaika svolge principalmente la funzione di accompagnamento. I registri bassi e medi della balalaika contralto sono i più comuni. Alto domra ha un suono morbido e di petto nel timbro. Nelle nostre opere, diamo alle feste di balalaika contralto di natura sottovoce, l'esecuzione di vari tipi di figurazioni armoniche in una nota.

La fisarmonica e la fisarmonica a bottoni compensano la mancanza di strumenti popolari a fiato dell'orchestra sinfonica. Utilizziamo la tastiera della mano destra dello strumento, che va dal "sol" dell'ottava maggiore al "mi" della quarta ottava. Inoltre, questi strumenti sono spesso usati da noi come accompagnamento e svolgono la funzione di un pianoforte.

Conclusione

Questo sviluppo metodologico presenta l'esperienza dell'organizzazione delle attività dell'ensemble misto disuguale "April" del Palazzo della creatività dei bambini del distretto di Petrogradsky.

L'ensemble vocale-strumentale "April" esiste di recente nel Palazzo della creatività dei bambini (meno di 5 anni), ma i risultati del lavoro svolto da insegnanti e studenti sono già apparsi: certificati e primi posti alle competizioni (vedi Appendice 3). E anche la nostra esperienza ha interessato altri capi di gruppi artistici, che hanno espresso la loro disponibilità a una collaborazione congiunta con il nostro ensemble. Il risultato sono state esibizioni congiunte in concerti, concorsi e festival con vari ensemble e cori.

Nel processo di apprendimento, secondo ulteriori programmi di educazione generale, i bambini hanno acquisito in pratica abilità musicali ed esecutive, lettura a prima vista, imparato a suonare in squadra, ad ascoltarsi a vicenda in un insieme.

Il metodo di insegnamento del gioco in una squadra mista include un approccio individuale a ciascun bambino, tenendo conto delle sue capacità, carattere, salute fisica ed è presentato in una versione di gioco. Invitiamo i bambini a esprimere il loro punto di vista, a trovare immagine artistica e, di conseguenza, sviluppare il pensiero, la fantasia, la creatività, la memoria, l'attenzione, l'aumento non standard lessico termini musicali, sviluppare abilità musicali ed esecutive. I membri del collettivo sono cresciuti con la responsabilità dell'esecuzione di brani ad altri musicisti, è in corso lo sviluppo dell'orecchio musicale, è in corso una stretta conoscenza degli strumenti musicali. Nel lavorare con l'ensemble, l'insegnante deve tenere conto anche del processo educativo: insegnare ai bambini a rispettarsi a vicenda, instillare un senso di collettivismo, cameratismo, assistenza reciproca e contribuire così allo sviluppo della personalità di ogni bambino.

Oltre allo sviluppo delle capacità vocali e tecniche, il lavoro dell'ensemble su opere come V. Kosma "Toy" e R. Rogers "Song of Beautiful Things" contribuisce a instillare nei bambini l'amore per la musica, che, nel nostro parere, è molto importante per educare gli studenti. Il lavoro del collettivo su opere musicali, la cui esecuzione comprende varie strumenti musicali, porta a una colossale "crescita" della squadra.

Bibliografia

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3. Lebedev, S. N. Libro russo su FINALE // San Pietroburgo: "Compositore", 2003.
4. Raeva, OA Domande sulla formazione del repertorio per ensemble di strumenti popolari russi. Sviluppo metodico, Repubblica di Crimea, 2014.

Le prove generali dell'orchestra sono una delle principali forme di formazione e lavoro creativo squadra. Il posizionamento degli artisti è importante per il lavoro di successo della squadra. Le sedie e le consolle per la musica sono posizionate in modo tale che il direttore possa vedere chiaramente ciascuno dei membri dell'orchestra ed essere visibile a loro.
La prova inizia con un'attenta accordatura degli strumenti, eseguita sempre sullo stesso strumento (bayan o oboe). La durata delle prove va dalle due alle tre ore, dopo ogni 45-50 minuti di lavoro c'è una pausa.

Il ritmo delle prove è importante. Si raccomanda di evitare inutili fermate che smorzano e stancano l'orchestra e portano alla perdita di interesse creativo per il brano. Una sosta durante una prova deve sempre essere giustificata. Dopo aver fermato l'orchestra e atteso il silenzio, il direttore si rivolge agli esecutori, evitando spiegazioni prolisse, dicendo in un linguaggio semplice e abbastanza energico.
L'analisi di brani difficili, lo sviluppo di frammenti tecnicamente complessi viene solitamente effettuato nella prima metà delle prove. È meglio concludere la lezione con una ripetizione del materiale finito, brani particolarmente amati dall'orchestra. La preparazione di un'opera, dalla prima conoscenza alla sua esecuzione in pubblico, è un processo complesso e unitario. processo creativo, tutte le cui fasi sono strettamente interconnesse.
Il direttore inizia il suo lavoro molto prima dell'inizio delle prove. In primo luogo, studia la partitura dell'opera in dettaglio e in profondità, e la gamma di questioni da risolvere è molto ampia. Questo è lo studio della biografia creativa del compositore, del tempo in cui ha creato e della storia della creazione questo lavoro, tradizioni di spettacolo.

È estremamente importante percorrerlo nel suo insieme già alla prima conoscenza dell'opera: leggendo la partitura al pianoforte o intonandola mentalmente. Allo stesso tempo, viene creata un'idea generale sulle principali immagini musicali, la struttura e la drammaturgia dello sviluppo del materiale. Inoltre, un olistico analisi teorica elementi più essenziali linguaggio musicale, armonia, melodia, tempo, metroritmo, dinamica, fraseggio. Sulla base di uno studio completo e di un'attenta comprensione teorica della partitura, il direttore sviluppa gradualmente un'idea del piano di esecuzione.
Dopo aver studiato tutti i dettagli della partitura, il direttore procede nuovamente a coprire l'opera nel suo insieme, ma a un nuovo livello più alto, combinando tutti i dettagli in un'unica presentazione armoniosa. Solo dopo che è stato elaborato un piano artistico chiaro, quando è stato formato un certo piano di esecuzione, si può procedere alle prove con l'orchestra.
Prima di iniziare una prova, il direttore d'orchestra deve verificare la disponibilità di tutte le parti, confrontarle con la partitura, chiarire il corretto posizionamento dei riferimenti digitali e delle dinamiche. È necessario riflettere sui tocchi per ogni parte orchestrale e chiarirli in tutte le voci senza eccezioni, identificare tutte le difficoltà tecniche e delineare i modi per superarle, tenendo conto del livello di esecuzione dei musicisti. A volte nelle parti c'è una presentazione complessa di singoli passaggi, salti scomodi per gli esecutori, una tessitura troppo alta, ecc. In questo caso è necessario il montaggio editoriale. Naturalmente, tale modifica deve essere eseguita con molta attenzione, in nessun caso violando l'intenzione dell'autore.

L'esperienza dimostra che un lavoro fruttuoso durante le prove è impossibile senza un piano ben congegnato. Il risultato dell'auto-preparazione del direttore dovrebbe essere: un'interpretazione consolidata dell'opera, parti corrette, un piano di prove chiaro. IN in termini generali il piano del lavoro di prova su un brano si riduce alle seguenti fasi: esecuzione dell'intero brano (se il livello tecnico dell'orchestra lo consente), lavorazione dei dettagli, rifinitura finale del brano. La sequenza di queste fasi, come nel lavoro pre-prove del direttore sulla partitura, segue dal principio: dal generale al particolare, seguito da un ritorno al generale.

Durante l'esecuzione di un brano, il direttore ha l'opportunità di attirare l'attenzione degli esecutori su difficili episodi orchestrali, di far conoscere all'orchestra in termini generali il concetto di esecuzione. Durante la riproduzione, è utile richiamare i numeri, il che aiuta l'orchestra a navigare nelle proprie parti. Se il lavoro è calmo nel movimento, è possibile leggerlo al ritmo stabilito dall'autore. È necessario familiarizzare con brani tecnicamente complessi al rallentatore in modo che gli orchestrali possano comprendere meglio i singoli dettagli del brano. Allo stesso tempo, è necessario segnalare fin dall'inizio eventuali manifestazioni di falsa intonazione, distorsione del testo musicale. Un direttore che conosce bene la partitura non sfuggirà a un solo errore che potrebbe trovarsi nelle note o verificarsi accidentalmente per colpa dell'orchestra. Non è così difficile ascoltare la falsità, è più difficile determinare quale strumento abbia. Più chiaramente il direttore immagina tutte le voci della partitura, prima lo determinerà e, di conseguenza, meno tempo perderà per eliminare gli errori.

Se ci sono difficoltà orchestrali in un brano, allora è utile iniziare con loro le prove, chiedendo ai singoli gruppi di eseguire una parte difficile, e poi dare le istruzioni necessarie. Se il frammento non funziona, dovrebbe essere delineato per uno studio individuale. Durante una prova generale, è necessario che l'intera squadra sia impegnata e non lavori a lungo con un solo gruppo. Il direttore deve immaginare chiaramente cosa si può ottenere in questa fase del lavoro e cosa verrà eseguito solo dopo qualche tempo.

Già dalle prime prove, l'attenzione del direttore dovrebbe essere costantemente diretta dalla percezione lato tecnico performance ad artistico. Tutte le difficoltà tecniche possono essere superate più velocemente se l'esecutore capisce per cosa scopo artistico ha bisogno di superarli. Il lavoro di prova dovrebbe convincerlo che la soluzione dei problemi tecnici non è fine a se stessa, ma un mezzo per un'incarnazione vivida ed espressiva del contenuto dell'opera.
Un lavoro attento durante le prove dovrebbe toccare tutti i mezzi espressivi. Le sfumature dinamiche sono uno dei mezzi espressivi che aiutano a rivelare l'immagine musicale di un'opera. Sulla base di un'analisi approfondita dell'opera, tenendo conto delle esigenze di stile, il direttore trova le giuste sfumature derivanti dal contenuto della musica. Allo stesso tempo, è importante determinare il climax principale, a cui tende tutto lo sviluppo precedente, e i climax secondari, sottolineando i momenti di tensione dinamica nelle singole parti ed episodi.

Per un'orchestra, ad esempio, una difficoltà ben nota è l'esecuzione di lunghi saliscendi di sonorità. Gli orchestrali sono disposti a suonare il crescendo, che di solito raggiunge l'apice troppo presto, e nel diminuendo si trasforma in pianissimo troppo presto. Per evitare ciò, ad esempio, con il crescendo, puoi seguire la tecnica ben nota: inizia l'ascesa da un suono più tranquillo, quindi si ottiene la sua graduale amplificazione. Va ricordato che la natura e il grado di forza di ogni sfumatura derivano dalle peculiarità dello stile dell'opera. È auspicabile che eventuali cambiamenti di sfumatura si riflettano nel gesto del direttore d'orchestra. L'ampiezza e l'intensità del gesto devono essere adattate, chiare e comprensibili ai membri dell'orchestra fin dalle prime prove.
Il direttore è obbligato a riflettere in anticipo sull'intero fraseggio dell'opera per decifrare la struttura della frase musicale agli esecutori durante le prove. Anche i musicisti esperti sentono la musica in modi diversi, e il compito del direttore d'orchestra è unire personalità diverse, per subordinarle a un'unica idea.
Durante il lavoro di prova sul fraseggio, possono essere utilizzati vari metodi della sua assimilazione. Un solo gesto non basta. È molto utile analizzare la frase oralmente, definendola punti di ancoraggio. Molto spesso devi solfeggiare. Per fare questo, non è necessario avere una voce impostata e bella, ma è necessario cantare in modo chiaro, pulito, espressivo. Gli orchestratori garantiranno il suono flessibile dell'orchestra solo se tutti realizzeranno una comprensione comune della frase.

Risultato buon insieme l'esecuzione è uno dei compiti più difficili nel lavorare con un'orchestra. È noto che l'esecuzione congiunta richiede, prima di tutto, la stessa comprensione dell'intento artistico dell'opera - sia in termini di contenuto che caratteristiche di stile, e in tutto ciò che riguarda tempo, dinamica, tratti.
Sulla base della trama del brano, il direttore deve aiutare i membri dell'orchestra a immaginare chiaramente il ruolo e il significato della loro parte in ogni episodio. Spesso i musicisti alle prime armi dell'orchestra si sforzano di eseguire la loro parte nel modo più audace possibile, sporgendosi inutilmente, senza preoccuparsi di come ciò influisca sul suono generale. D'altra parte, sono frequenti i casi di prestazioni timide dovute a falsa paura. Per superare queste carenze, è necessario che i membri dell'orchestra comprendano chiaramente il ruolo della loro parte nel tutto struttura orchestrale punteggi. Un errore abbastanza comune è quello di sovraccaricare la sonorità del piano “secondario”, associato a una perdita di equilibrio tra voci principali e voci di accompagnamento. Tuttavia, non ci si può riconciliare con la comprensione primitiva della prospettiva sonora, che si riduce al fatto che il primo piano dovrebbe essere suonato ad alta voce e il secondo a bassa voce. Il suono di entrambi i piani è sempre interconnesso e un divario eccessivo nella forza sonora è indesiderabile. Il bilanciamento del suono dovrebbe essere controllato non solo dal direttore, ma anche dagli stessi artisti.

Per ottenere un insieme di prestazioni, la correttezza e la precisione dei tratti sono estremamente importanti. Nella scelta dei tratti, il direttore a volte sembra avere libertà: non tutti i tratti sono indicati nelle partiture. E suonare con tratti diversi, soprattutto sugli strumenti a corda, distorce la natura della scrittura musicale. Dal leader orchestra popolare dovrebbe essere esperto negli strumenti di base, sarebbe utile per lui provare diverse varianti di colpi lui stesso o insieme agli accompagnatori del gruppo, trovare quella più corretta e proporla all'orchestra. Nel periodo iniziale è utile che il conduttore lavori in lotti, ottenendo la stessa corsa. I tratti annotati nelle parti sono solitamente in grado di eseguire l'esecutore più ordinario dell'orchestra e il compito del direttore è raggiungere ostinatamente l'espressività del tratto.

In pratica, il direttore d'orchestra deve costantemente confrontarsi con un difetto molto comune nell'esecuzione: i cambiamenti nella dinamica incoraggiano gli esecutori inesperti a deviare dal tempo. Quando il suono sale, di regola, il tempo accelera, quando scende rallenta. Le stesse violazioni illegali del tempo possono essere osservate quando si alternano frasi che differiscono nettamente nella natura della musica e nella trama. Il direttore deve costantemente educare una corretta disciplina ritmica nell'orchestra. Nel lavoro di prova, dovrebbe essere prestata molta attenzione alla qualità del suono, poiché spesso gli orchestrali inesperti non sanno controllarsi. Il direttore d'orchestra deve monitorare attentamente la buona produzione del suono, che dipende dalla corretta angolazione del plettro rispetto alla corda. (Ad esempio, in un gruppo domra può apparire uno sgradevole suono "aperto".) Abbastanza spesso, si verifica anche un suono di scarsa qualità a causa di una debole pressione della corda sul tasto. Alcuni orchestrali che suonano male il tremolo difficilmente possono spostarsi da una corda all'altra nei luoghi della cantilena, e il compito del direttore è insegnare all'orchestra a distinguere il suono buono da quello cattivo.
Quando si lavora su un ensemble di performance, è necessario ricordare che se lo strumento che guida la melodia è scarsamente udibile, non è necessario forzarlo a suonare con la forza. Ciò porterà anche a una scarsa qualità del suono. È meglio evidenziare il timbro strumentale desiderato silenziando gli strumenti che si sovrappongono alla voce solista.

A volte capita che gli orchestrali non comprendano immediatamente le istruzioni del direttore o non possano soddisfare le sue esigenze a causa della complessità tecnica. Quindi il direttore, ricordando il compito dell'esecuzione, deve ripetere la frase musicale tutte le volte che è necessario. Altrimenti, i musicisti sentiranno che il direttore non risponde al fatto che la qualità dell'esecuzione è rimasta la stessa. Tuttavia, se la difficoltà non può essere superata ed è necessario uno studio autonomo della parte, il direttore, dopo aver dato le opportune istruzioni, continua a lavorare sulla sezione successiva del brano. Non è necessario interrompere la performance a causa di piccoli errori casuali dei singoli artisti. È possibile con un gesto o una parola attirare l'attenzione* dell'esecutore e correggere l'errore senza interrompere l'esecuzione dell'intera orchestra,
Nella pratica delle prove, ci sono momenti in cui, anche se ci sono delle carenze nell'esecuzione, non è consigliabile ricorrere agli arresti. Tali situazioni sorgono, ad esempio, se gli artisti sono già stanchi. Il direttore deve sentire lo stato dell'orchestra e, in questi casi, come suonare più musica: dare ai membri della squadra l'opportunità di godersi la musica o, al contrario, a volte vale la pena interrompere il gioco e intrattenere l'orchestra con un scherzo, una storia interessante sulla musica, un compositore, ecc.
La prova "dovrebbe essere strutturata in modo tale che tutti i gruppi dell'orchestra partecipino al lavoro senza lunghe pause, in modo che ogni esecutore sia pronto a unirsi in qualsiasi momento. Se il direttore rimane troppo a lungo al lavoro con le singole parti, questo scoraggiare il resto dei partecipanti.

Dopo aver analizzato lo spettacolo, un attento lavoro sui dettagli, inizia la fase finale. Consiste nel lucidare e riunire i singoli dettagli in un unico insieme, portando la composizione al tempo finale, sviluppando la necessaria facilità e libertà nell'esecuzione. Il successo delle prove dipende in gran parte dalla capacità del direttore di comunicare con la squadra. Lavorare con un'orchestra richiede aderenza ai principi, perseveranza, rigore e pazienza. Il comportamento del direttore d'orchestra durante le prove dovrebbe essere un esempio per gli artisti: dovresti essere intelligente, organizzato, raccolto. Non dovrebbe mostrare il suo fastidio, essere nervoso quando qualcosa non funziona per molto tempo nell'orchestra e, inoltre, insultare la vanità dei partecipanti. Il capo della squadra deve essere sempre corretto, esigente durante le prove e semplice, umano nella comunicazione al di fuori dell'orario scolastico. Qui è opportuno citare celebre direttore d'orchestra Bruno Walther, che ha così parlato di questo aspetto importante dell'aspetto del direttore d'orchestra: “. Il direttore d'orchestra non crea la musica, la fa con l'aiuto di altri, che deve essere in grado di guidare attraverso i gesti, le parole e l'influenza della sua personalità. Il risultato dipende esclusivamente dalla sua capacità di guidare le persone. Qui, il talento innato gioca un ruolo decisivo - noi stiamo parlando sulla capacità di affermare la propria volontà, l'influenza della propria individualità - e questo tratto dovrebbe essere sviluppato con un lavoro costante, utilizzando l'esperienza quotidiana. Una persona senza autorità, priva di un'aspirazione volitiva dinamica, non può assumere una posizione forte, anche se l'ha talento musicale, abilità e conoscenza. Con grande abilità saprà esprimere se stesso, i suoi sentimenti al pianoforte, al violino, ma non trasformerà mai l'orchestra in uno strumento che gli obbedisce.

Le tendenze moderne nel campo dell'esecuzione su strumenti popolari russi sono associate allo sviluppo intensivo della musica d'insieme, al funzionamento di vari tipi di ensemble nelle filarmoniche e nei palazzi della cultura, in varie istituzioni educative. Da qui la necessità di una formazione mirata dei dirigenti dei rispettivi ensemble nei dipartimenti e nelle facoltà di strumenti popolari delle scuole di musica e delle università del Paese.

Tuttavia, l'educazione di un musicista d'insieme in pratica educativa, di regola, è associato a limitazioni note. Gli insegnanti sono generalmente incaricati di dirigere ensemble omogenei: suonatori di bayan - ensemble di bayan, domristi o suonatori di balalaika - ensemble di strumenti popolari a corde pizzicate. Composizioni di questo tipo sono ampiamente utilizzate nelle prestazioni professionali. Basti ricordare ensemble famosi come il trio bayan A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, il duetto bayan A. Shalaev - N. Krylov, il trio Ural bayan, il quartetto filarmonico di Kiev, l'ensemble Skaz, ecc.

Indubbiamente, lavorare con ensemble omogenei - duetti, trii, quartetti bayan, trii, quartetti e quintetti domra, unisoni balalaika, ecc. - è molto importante. Tuttavia, i limiti descritti nelle attività degli insegnanti di scuole e università impediscono la piena formazione di giovani specialisti, perché, di fatto, i laureati scuole di musica molto spesso di fronte alla necessità di dirigere ensemble misti. Molto spesso, questi ultimi lo sono strumenti a corda e fisarmonica a bottoni. Le classi con tali squadre dovrebbero diventare parte integrante del processo educativo.

Arrivando al lavoro, un insegnante moderno deve affrontare inevitabili difficoltà: in primo luogo, con una grave carenza di letteratura metodica dedicato a ensemble misti di strumenti popolari russi; in secondo luogo, con un numero limitato di raccolte di repertorio, comprendenti interessanti composizioni originali, trascrizioni, trascrizioni, comprovate dalla pratica concertistica, e tenendo conto vari livelli preparazione e direzione creativa delle composizioni indicate. La maggior parte della letteratura metodologica pubblicata è rivolta a formazioni cameristiche di profilo accademico - con la partecipazione di strumenti per pianoforte ad arco. Il contenuto di tali pubblicazioni richiede un aggiustamento significativo, tenendo conto delle specificità della produzione di musica d'insieme popolare (vedi, ad esempio,).

Questo articolo caratterizza i principi di base del lavoro con un quintetto misto di strumenti popolari russi. In cui intera linea Consiglio pratico e le raccomandazioni seguenti si applicano ad altri tipi di ensemble misti.

Il problema principale risolto nel processo di lavoro con questi gruppi è determinare i rapporti ottimali di timbro, volume dinamico e corsa degli strumenti a corda e della fisarmonica a bottoni (basati sulla mancata corrispondenza di sorgenti sonore, metodi di produzione del suono e diversi ambienti acustici).

Timbri gli strumenti sono tra i mezzi espressivi più sorprendenti nell'arsenale di un ensemble misto. Dalle diverse relazioni timbriche che nascono nel processo dell'esecuzione, si possono individuare le caratteristiche autonome degli strumenti (timbri puri) e le combinazioni che si verificano quando suonano insieme (timbri misti). I timbri puliti vengono solitamente utilizzati quando a uno degli strumenti viene assegnato un assolo melodico.

Va sottolineato che il suono di qualsiasi strumento incorpora molti timbri "interni". Per gli archi occorre tenere conto della “tavolozza” timbrica di ogni corda, che cambia a seconda della tessitura (si intende la caratteristica sonora di una certa sezione della corda), della discrepanza del timbro nei vari punti di contatto con la corda (plettro o dito), le specifiche del materiale di cui è composto il plettro (kapron , pelle, plastica, ecc.), nonché il corrispondente potenziale delle varie tecniche di esecuzione. Bayan ha l'eterogeneità della tessitura dei timbri, la loro correlazione sulle tastiere destra e sinistra, variazione timbrica con l'aiuto di un certo livello di pressione nella camera del pelo e vari modi apertura della valvola, così come forti cambiamenti.

Per evidenziare il timbro di uno degli strumenti a corda - membri dell'ensemble - si consiglia di utilizzare le combinazioni di registri, disponibili in una moderna fisarmonica a bottoni multitimbro pronta per la selezione. La fusione timbrica della fisarmonica a bottoni con gli strumenti di accompagnamento è data dai registri a una ea due voci. "Enfatizzare" lo stesso timbro bayan, a seconda delle caratteristiche della trama, è facilitato da eventuali combinazioni polifoniche di registri, che, in combinazione con gli archi, forniscono il necessario rilievo timbrico.

L'ensemble è formato da studenti di 10-14 anni, per un totale di 15-20 persone. Sono ammessi anche i bambini delle classi elementari che stanno facendo progressi nella padronanza di uno strumento speciale e mostrano il desiderio di partecipare all'ensemble. Strumenti inclusi in questo ensemble: fisarmonica a bottoni, prima balalaika, basso domra; ocarina, flauto dolce, cugicole; cucchiai, cricchetto, rubel, triangolo, kokoshnik, ecc.
Il capo di questo gruppo deve padroneggiare le abilità di base per suonare tutti gli strumenti che compongono l'ensemble, nonché le abilità di scrittura e lettura di partiture orchestrali.
Quando si distribuiscono gli studenti per strumento, è necessario tenere conto delle loro capacità, desiderio e temperamento. Strumenti come fisarmonica a bottoni, prima balalaika, basso balalaika, basso domra, così come corno e zhaleyka sono migliori per i ragazzi da padroneggiare, e le ragazze sono più adatte per flauto, ocarina, flauto dolce e kugikly. Gli strumenti a percussione sono padroneggiati dagli studenti del dipartimento di estetica, poiché questo gruppo di strumenti è molto facile da imparare e non richiede lezioni extra. Diversità strumenti a percussione, una varietà di tecniche colorate per suonarle, suscita interesse nelle classi dell'ensemble, anche tra studenti con diversi abilità musicale. Queste lezioni in un team di orientamento professionale per gli studenti del dipartimento di estetica creano condizioni aggiuntive per lezioni, concerti, questo stimola il desiderio di fare musica, aumenta l'interesse per il folk creatività musicale.
Nella fase iniziale dell'apprendimento di un'opera si possono tenere lezioni in piccoli gruppi (da 2 a 6 persone), unendo gli studenti suonando strumenti omogenei (gruppi di balalaika, fisarmoniche a bottoni, zhaleika, flauti), è anche consentito un approfondito e analisi dettagliata delle parti lavoro individuale con uno studente. Nel corso di tale lezione, l'insegnante dovrebbe presentare agli studenti lo strumento, le basi dell'atterraggio, la formazione e le tecniche di base del gioco. È molto importante prestare particolare attenzione al gruppo di strumenti a percussione, poiché sono la base ritmica dell'ensemble. Per un gruppo di strumenti a percussione, è utile lavorare con esercizi per padroneggiare vari schemi ritmici.
Dopo aver tenuto le prove in piccoli gruppi, il leader organizza prove consolidate dell'intero ensemble, in cui tutti i partecipanti eseguono le loro parti. Alle prime prove consolidate con l'ensemble, si consiglia di iniziare a lavorare con semplici esercizi per la padronanza degli strumenti, ad esempio: esercizi disposti in grandi durate per lavorare su un suono morbido e l'equilibrio nell'ensemble, esercizi che non sono ritmicamente complessi usando vari colpi. Fin dalle prime prove si dovrebbe prestare attenzione alla corretta esecuzione dei colpi, elaborati in gruppo, raggiungendo l'unità di esecuzione. Gli esercizi dovrebbero anche essere selezionati separatamente per ogni strumento, finalizzati allo studio di una specifica tecnica di esecuzione. Per comodità, si consiglia di dividere le opere in piccole parti, molto spesso si tratta di periodi, e di designarle con numeri in modo che non ci sia confusione quando si lavora su una parte separata dell'opera studiata.
Nel processo di ogni prova, il leader deve fissare determinati obiettivi e utilizzare diversi metodi di lavoro, in base alla fase in cui il lavoro su pezzo di musica.
Il lavoro su un brano musicale deve essere suddiviso in più fasi: lettura a prima vista, analisi, lavoro su luoghi difficili, apprendimento ed esecuzione di un concerto. È inoltre necessario ricordare le peculiarità dell'esecuzione in ensemble: l'esatta esecuzione di tecniche e colpi, uniformità ritmica, cattura simultanea del suono, equilibrio tra strumenti o tra un solista e un ensemble.
Per costruire adeguatamente il processo educativo, è necessario affrontare con responsabilità la scelta del materiale educativo.
Nella scelta dei brani è necessario prestare attenzione alla loro accessibilità per gli studenti, contenuti interessanti e nuove tecniche di esecuzione, si consiglia inoltre di includere nel programma un brano con un solista, grazie al quale l'abilità di suonare insieme vocale e strumentale è sviluppato. È auspicabile utilizzare opere di generi diversi.
L'elenco del repertorio non è esaustivo. Il manager può aggiungere trattamenti popolari, opere di generi diversi nel loro arrangiamento.
SU l'anno scorsoè stato introdotto un breve corso teorico sulla storia dell'esecuzione su strumenti popolari russi, per il quale sono assegnate 0,25 ore (questa volta può essere modificata a discrezione dell'insegnante).
Una parte integrante dell'educazione di un musicista a tutti gli effetti è un concerto. Tali eventi uniscono ancora di più la squadra, instillano un senso di responsabilità nei bambini.
Questo tipo di produzione musicale è interessante per i bambini, permette loro di sentire lo spirito della cultura russa, amare e rispettare il loro paese.