Conduttori sovietici. Direttori famosi del mondo I direttori più famosi

G. Lomakin(1811-1885). La fama di un insegnante di canto di talento arrivò presto a Lomakin e si diffuse rapidamente in tutta la capitale settentrionale. Fu invitato a insegnare in molte istituzioni educative: il corpo dei cadetti, della marina e dei paggi, il liceo, la scuola di teatro, la facoltà di giurisprudenza (dove all'epoca studiava P.I. Ciajkovskij). In questa scuola, G.Ya. Lomakin con il critico d'arte V.V. Stasov. L'eccezionale critico russo ha più volte notato la "scuola eccellente", "la giusta via di apprendimento", il "talento innato", "l'importanza e l'abilità nella guida del coro" di Lomakin, che hanno avuto un ruolo significativo nella carriera del nostro connazionale. Nel 1862, insieme a famoso compositore MA Balakirev Lomakin ha organizzato un libero scuola di Musica- illuminare ed educare il popolo. A scuola G.Ya. Lomakin non solo ha creato un meraviglioso nuovo coro, ma è anche riuscito a organizzare l'educazione dei futuri insegnanti di musica. Molti dei suoi allievi sono diventati musicisti famosi: cantanti, direttori di coro, insegnanti. Gavriil Yakimovich ha dedicato gli ultimi anni della sua vita al lavoro di composizione: prima poteva comporre musica solo a singhiozzo, durante le brevi ore di pausa tra le lezioni con i cori. Durante quel periodo ha creato intera linea composizioni per il coro, ha scritto diversi romanzi. E nel 1883, quando M.A. Balakirev, Lomakin ha anche ricevuto una rara opportunità di pubblicare le sue opere. Li ha affidati alla loro revisione e revisione dei fogli di prova Gli ultimi giorni Propria vita.

A. Arcangelo (1846-1924)

Cappella di corte.

Coro indipendente (1880).

Cappella del conte Sheremetyev.

CV. Smolenskij (1848-1909)

Direttore della Scuola sinodale (1889-1901).

Direttore del coro di corte (1901-1903).

Direttore di corsi privati ​​di reggenza (San Pietroburgo)

V.S. Orlov (1856-1907).

Coro della Società Corale Russa (1878-1886).

Cappella della Società Corale Russa (1882-1888).

Reggente del Coro sinodale (1886-1907).

Alexander Dmitrievich Kastalsky (1856-1926).

Coro sinodale (reggente dal 1901).

Pavel Grigorievich Chesnokov (1877-1944).

Coro spirituale privato A.P. Kayutova.

Coro della Società Corale Russa (1916-1917).

Reggente delle chiese di Mosca.

Nikolai Mikhailovich Danilin (1856-1945).

Coro sinodale (1910-1918).

Coro privato Kayutov (1915-1917).

Cappella accademica di Leningrado.

Coro di Stato L'URSS.

Sveshnikov Alexander Vasilievich(1890-1980), direttore di coro, artista popolare dell'URSS (1956), eroe del lavoro socialista (1970). Nel 1936-37 fu direttore artistico del Coro di Stato dell'URSS, organizzato sulla base dell'All-Union Radio Vocal Ensemble da lui creato nel 1928; nel 1937-1941 - Leningrado. cappelle; dal 1941 - lo State Russian Song Choir (in seguito State Academic Russian Choir of the USSR). Organizzatore (1944) e direttore del Moscow. scuola corale (dal 1991 Accademia d'Arte Corale intitolata a S.). Professore (dal 1946), rettore (1948-74) Mosca. conservatorio. Premio di Stato dell'URSS (1946).

YURLOV Aleksandr Aleksandrovich (1927-73), direttore di coro, People's Artist of the RSFSR (1970), Azerbaigian. RSS (1972). Allievo A.V. Sveshnikov. Dal 1958 direttore artistico e direttore principale della Rep. russo cappella del coro (dal 1973 a lui intitolata). Professore di Pedagogia Musicale. istituto. Gnesins (dal 1970). Premio di Stato dell'URSS (1967).

Tevlin Direttore del coro Boris Grigorievich, professore (1981), capo del dipartimento direzione corale Conservatorio statale di Mosca intitolato a P. I. Tchaikovsky (1993-2007). Artista nazionale Federazione Russa (1995).

Kazachkov Semyon Abramovich (1909-2005) - insegnante, professore, capo del dipartimento di direzione corale al Conservatorio statale di Kazan.

Minin Vladimir Nikolayevich (nato nel 1929), direttore di coro, artista popolare dell'URSS (1988). Studente V.G. Sokolov, A.V. Sveshnikov. Dal 1972 mani. fondata da lui Mosca. coro da camera, dal 1987 (contemporaneamente) direttore artistico dello Stato. russo coro. Dal 1978 professore (nel 1971-79 rettore) Musical-ped. istituto. Gnesins. Premio di Stato dell'URSS (1982).

Dmitryak Gennady Alexandrovich - direttore di coro, opera e sinfonia, lavoratore artistico onorato della Russia, direttore artistico e direttore principale Coro Accademico di Stato della Russia intitolato ad A.A. Yurlov e Capella "Cremlino di Mosca", professore associato del Dipartimento di direzione corale Accademia Russa musica per loro. Gnesinik.

Requisiti per un direttore di coro

Ottima padronanza della tecnica di direzione;

Essere in grado di posizionare correttamente i membri del coro in parti secondo la loro voce cantata e portata;

Naviga facilmente attraverso tutta la diversità opere musicali diversi stili, epoche, direzioni, conoscere i fondamenti teorici della registrazione e della lettura di partiture corali;

Avere un buon orecchio per la musica, un senso del ritmo e un gusto artistico sviluppato.

Generi musica corale

VILLANELLA(Canzone paesana italiana) - Canzone italiana dei secoli XV-XVI, prevalentemente a 3 voci, con par al. movimento di voci, carattere vivace, contenuto lirico o umoristico.

CANONE(Norma greca, regola) - polifonico. musicale. basato sulla forma. su un rigoroso continuo, imitazione, sotto il quale. le voci ripetono la melodia della voce principale, entrando prima che termini con quella precedente. Il canone si distingue per il numero di voci, gli intervalli tra loro (Canone in prima, quinta, ottava, ecc.), Il numero di temi imitati simultaneamente (canone semplice; doppio, ad esempio, nel n. 4 del Requiem di Mozart, ecc.), la forma dell'imitazione (Canone in aumento, in diminuzione). Nel cosiddetto canone infinito, la fine della melodia passa nel suo inizio, quindi le voci possono rientrare un numero qualsiasi di volte. Nel canone con un "indicatore variabile" (Vl. Protopopov), durante l'imitazione, lo schema melodico e il ritmo vengono preservati, ma l'intervallo cambia. L'imitazione canonica, in una forma o nell'altra, è spesso usata nel coro. operazione.; ci sono commedie scritte sotto forma di K. ("Echo" di O. Lasso, "Song of the Lark" di F. Mendelssohn, arr. N.A. Rimsky-Korsakov "I Walk with a Loafer", ecc.).

KANT(dal lat, cantus - canto, canzone) - una specie di vecchia canzone corale o d'insieme un berretto. Originato nel 16 ° secolo. in Polonia, più tardi - in Ucraina, dal 2 ° sesso. XVII secolo - in Russia, essendosi diffuso come primo tipo di canto urbano; all'inizio XVIII secolo: un genere preferito di musica domestica e quotidiana. Dapprima il canto è un inno di contenuto religioso, poi è intriso di temi secolari; appaiono i bordi. lirico, pastorale, alcolico, comico, in marcia, ecc. Nell'era di Pietro il Grande, canti panegirici, i cosiddetti. Viva; eseguita da cori di cantanti durante le feste e le processioni trionfali, accompagnata da colpi di cannone, fanfare e campane. I tratti stilistici di Kant: forma distico, subordinazione ritmo musicale poetico; chiarezza ritmica e morbidezza della melodia; principalmente un magazzino a 3 voci con un movimento parallelo delle 2 voci superiori, il basso è spesso sviluppato melodicamente; c'è anche l'imitazione. Nella canta c'è una naturale correlazione di melodia e armonia, equilibrio di funzioni armoniche - sottodominanti, dominanti, toniche. B. Asafiev sottolinea che “nell'evoluzione della musica nella seconda metà del XVIII e all'inizio del XIX secolo. il bordo diventa una specie breve enciclopedia stile omofonico trionfante” (“Musical Form as a Process”, L., 1963, p. 288). I kants venivano distribuiti in raccolte manoscritte, senza indicare gli autori del testo e della musica, sebbene fosse spesso usata la poesia. poeti contemporanei Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov e altri Il primo arr. nar. canzoni. A poco a poco, il bordo è diventato più complicato, acquisendo le caratteristiche di una storia d'amore. Successivamente (nel XIX secolo), sulla base del cant., furono create canzoni di soldati, alcolisti, studenti e in parte rivoluzionarie. L'influenza di Kant si trova anche in russo. musica classica, con Glinka ("Gloria" dall'opera "Ivan Susanin"), ecc.

CANTATA(Italiano cantare - cantare) - un'opera per cantanti-solisti, coro e orchestra, personaggio solenne o lirico-epico. Le cantate possono essere corali (senza solisti), da camera (senza coro), con o senza accompagnamento di pianoforte, in un movimento o composte da più brani completati. Dall'oratorio (simile ad esso in termini di mezzi espressivi), la cantata di solito differisce per dimensioni ridotte, uniformità di contenuto e trama meno sviluppata. La cantata è nata in Italia (XVII secolo), prima come pezzo per cantare (in contrasto con la sonata). Ciò significa che la cantata prende il suo posto nell'opera di J. S. Bach, che ha scritto cantate su argomenti spirituali, mitologici e quotidiani. In Russia, la cantata si è manifestata nel XVIII secolo e ha raggiunto il suo sviluppo nel XIX e XX secolo: cantata teatrale solista ("The Black Shawl" di Verstovsky), saluto, anniversario, cantate liriche, lirico-filosofiche ("Farewell Songs degli Alunni degli Istituti Caterina e Smolny" di Glinka ; "Mosca", "Alla gioia" di Tchaikovsky; "La Svitezyanka" di Rimsky-Korsakov; "Giovanni di Damasco", "Dopo aver letto il Salmo" di Taneyev; "Primavera ", "Le campane" di Rachmaninov; "Cantata per l'apertura del monumento a Glinka" di Balakirev, ecc. d.).

Il genere della cantata è stato sviluppato nella creatività compositori sovietici, soprattutto nelle opere su argomenti storici, patriottici e moderni (Alexander Nevsky di Prokofiev, Cantata sinfonica "Sul campo di Kulikovo" di Shaporin, "Cantata sulla patria" di Arutyunyan, ecc.). Moderno compositore tedesco K. Orff ha scritto cantate teatrali (Carmina Burana e altri).

MADRIGALE(Italiano) - canzone lirica nella lingua madre. (a differenza dei canti in lat, lang.), originariamente monofonici. Nel primo Rinascimento (XIV secolo) veniva eseguita a 2-3 voci. Nell'era tardo rinascimentale(XVI secolo) occupava il centro, posto nella musica profana, rappresentando una composizione vocale a una o più voci di un magazzino polifonico a 4-5 voci; è stato distribuito fuori dall'Italia. Il genere madrigale è prevalentemente lirico, strettamente associato a testo poetico(fino all'illustrazione delle singole parole). Sviluppatosi in ambienti aristocratici, il madrigale in termini di melodia (a differenza di frotolla, villanella, chanson, ecc.) è tutt'altro che musica folk, spesso troppo sofisticato; allo stesso tempo, aveva anche un significato progressivo, ampliando la gamma di immagini e mezzi espressivi. Più semplice, associato al folklore, madrigale inglese emotivo dei secoli XVI-XVII. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). Entro il 17 ° secolo il madrigale si discosta dallo stile vocalmente polifonico, enfatizzando la voce solista con l'accompagnamento strumentale. Maestri eccezionali del madrigale (in diverse fasi del suo sviluppo) furono Arkadelt, Villart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.

MOTTETTO(dal mot francese - parola) - un genere vocale. polifonico. musica. Inizialmente, in Francia (12-14 secoli), molti furono combinati in un mottetto. (il più delle volte 3) melodie indipendenti con testi diversi: nella voce più bassa (tenore) - chiesa. canto in testo latino, al centro (mottetto) e superiore (triplum) - canzoni d'amore o comiche in francese colloquiale. La Chiesa cattolica ha combattuto contro tali "mottetti volgari" contrapponendoli (dal XV secolo) con inni polifonici a un unico testo latino. I madrigali sono stati scritti per il coro un berretto. (dalla fine del XVI secolo e con accompagnamento), era costituito da più (2, 3 o più) sezioni, in un magazzino polifonico, spesso in un magazzino cordale. Nel 17 ° secolo c'erano mottetti per cantanti solisti con accompagnamento strumentale.

CORO DELL'OPERA- uno dei componenti principali della moderna rappresentazione dell'opera. In connessione con l'epoca, il genere, l'individualità del compositore, il coro nell'opera suona ruolo diverso dalla creazione di uno sfondo domestico, un elemento decorativo, un partecipante al prologo, intermezzi a Ch. persona che agisce. Nell'opera seria ("opera seria", 17-18 secolo), il coro era quasi assente, nell'opera buffa ("opera comica", 18 secolo) appariva sporadicamente (ad esempio, nelle finali). Il ruolo del coro come portatore dell'immagine del popolo nelle opere di Gluck e Cherubini è stato rafforzato, anche se spesso lo è il coro. le scene in esse hanno un carattere oratorio-statico. Maggiore significato drammatico è stato attribuito al coro nelle opere dell'Europa occidentale del primo terzo dell'Ottocento, di Rossini (Guglielmo Tell), Verdi (Nabucco, Battaglia di Legnano), con le loro immagini del popolo eroico; nell'opera di Meyerbeer, la partecipazione del coro sottolinea climax drammatici, opera lirica 19esimo secolo il coro contribuisce alla creazione di un'atmosfera appropriata, colore nazionale, stato d'animo (op. Bizet, Verdi, Gounod); nell'opera popolare-domestica, i cori sono di genere, vicini al canto popolare, alla danza (op. Monyushko, Smetana). Russia. l'arte corale secolare fu rappresentata per la prima volta dai cori d'opera (XVIII secolo, op. Fomin, Pashkevich e altri); e in futuro i cori occupano un posto importante in russo. opere, essendo "il dogma fondamentale e l'affermazione della nazionalità e della democrazia" (B. Asafiev). Opera e creatività corale Rus. compositori è eccezionalmente diversificato.

Nelle opere storico-patriottiche (Ivan Susanin di Glinka, Il principe Igor di Borodin, La fanciulla di Pskov di Rimsky-Korsakov, ecc.), il coro diventa il protagonista, insieme ai personaggi. Particolarmente ( Grande importanza ha acquisito il coro nei drammi musicali popolari di Mussorgsky ("Boris Godunov", "Khovanshchina"), dove l'immagine del popolo è presentata in molti modi, in fase di sviluppo. Nelle opere quotidiane russe di Verstovsky ("Askold's Grave"), Dargomyzhsky ("Mermaid"), Serov ("Enemy Force"), Tchaikovsky ("Cherevichki", "The Enchantress"), ecc., C'è una stretta connessione con folk canzone. L'originalità nazionale si riflette nelle scene corali di opere legate a temi orientali (Ruslan e Lyudmila di Glinka, Il demone di Rubinstein, Il principe Igor di Borodin, ecc.). Mezzi corali trova applicazione nella rappresentazione di trame favolose e fantastiche (op. Glinka, Verstovsky, Rimsky-Korsakov). Il coro è utilizzato anche nel piano oratorio, di solito nel prologo, epilogo (opere di Glinka, Serov, Rubinstein, Borodin, ecc., Nell'esecuzione di inni, ecc. ("The Maid of Orleans" di Tchaikovsky, "Khovanshchina " di Mussorgsky, ecc.). Tradizioni La partecipazione attiva del coro all'opera classica russa continua nella creatività musicale sovietica: le opere dei compositori sovietici russi "Guerra e pace", "Semyon Kotko" di Prokofiev, "I Decabristi" di Shaporin, "Katerina Izmailova" di Shostakovich, "Emelyan Pugachev" di Koval, "Quiet Don" " e "Virgin Soil Upturned" di Dzerzhinsky, "October" di Muradeli, "Virineya" di Slonimsky e altri, molti opere nazionali contengono cori separati e scene corali sviluppate. Operistico coro ha le sue specificità di esecuzione: è, prima di tutto, grande luminosità, convessità di sfumature (simile al disegno decorativo), enfasi sul testo, la sua capacità di "volare attraverso l'orchestra" in auditorium. Perché il coro d'operaè spesso in movimento, è necessaria una fiducia speciale, l'indipendenza di ciascuno dei suoi partecipanti. Per sviluppare queste qualità, in alcuni gruppi, i cantanti imparano il tempismo quando studiano le loro parti. La presenza di mise-en-scene, in cui il coro non vede il direttore, necessita del cosiddetto. trasmissioni (ritmo del direttore) condotte da dietro le quinte da maestri di coro; allo stesso tempo, per ottenere la sincronizzazione dell'esecuzione, si fa un po' di anticipo sui "punti" del direttore (più o meno, a seconda della profondità del coro).

ORATORIO(dal lat, wow - dico, prego) - un importante brano musicale per coro, solisti, orchi .; comp. da complessi vocali, arie, recitativi, numeri orchestrali completati., l'oratorio ha avuto origine in Italia, a cavallo tra il XVI e il XVII secolo, quasi contemporaneamente alla cantata e all'opera ed è vicino a loro nella struttura. Si differenzia dalla cantata per le dimensioni maggiori, la trama dettagliata, il carattere epico-drammatico e dall'opera per il predominio dell'elemento narrativo sul drammatico, sviluppo. L'oratorio si è sviluppato da lodi drammatizzate (inni elogiativi spirituali) eseguite in apposite stanze della chiesa - oratori. tipo speciale oratorio - Passione; in termini di struttura e tipo, l'oratorio comprende anche la messa, il requiem, lo Stabat Mater e altri.Il genere dell'oratorio raggiunge il suo apice nelle opere di Bach e soprattutto Handel, che ha creato il tipo di oratorio eroico-epico; Gli oratori di Haydn sono caratterizzati da caratteristiche di genere domestico e lirico-filosofiche. Nel 19 ° secolo prod. Il genere dell'oratorio è stato creato da Mendelssohn, Schumann, Berlioz, Brahms, Dvorak, Liszt, Verdi e altri; nel XX secolo. - Honegger, Britten e altri Il primo significa l'oratorio russo "Minin e Pozharsky" di Degtyarev; numerosi oratori furono creati da A. Rubinstein ("Pandemonio babilonese", "Paradiso perduto", ecc.). Nelle opere dei classici russi, le tecniche in stile oratorio sono ampiamente utilizzate sotto forma di grandi scene corali (Ivan Susanin, Ruslan e Lyudmila di Glinka, Judith di Serov, Prince Igor di Borodin, Sadko di Rimsky-Korsakov, ecc.). Il genere dell'oratorio è ampiamente utilizzato dai compositori sovietici quando incarnano temi storici e contemporanei ("Emelyan Pugachev" di Koval, "La leggenda della battaglia per la terra russa" di Shaporin, "Song of the Forests" di Shostakovich, "On Guard for Peace” di Prokofiev, “Requiem” di Kabalevsky, “ Mogano "Zarina e altri).

CANZONE- la forma più semplice e più comune musica vocale, che unisce l'immagine poetica a quella musicale. Caratteristico per la canzone è la presenza di una melodia completa, indipendente, melodiosa, semplicità di struttura (di solito un periodo o una forma a 2, 3 parti). La musica della canzone corrisponde al contenuto generale del testo, senza dettagliarlo (ad esempio, in una canzone distico molto comune). Ci sono canzoni popolari e professionali (prodotte da compositori) che differiscono per genere, origine, struttura, ecc. Il genere della canzone corale è comune: canzone folk(contadino e urbano), canto di massa sovietico, dep. cori di compositori russi e sovietici. Nella musica dell'Europa occidentale, il canto corale era coltivato compositori romantici(Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). In senso figurato, il termine canzone. o una canzone (per sottolineare la sublimità epica, solenne, poetica di un'opera) sono usati nel titolo di grandi opere musicali, cantate (ad esempio, Song of Fate, Song of Triumph di Brahms).

CORALE- canto religioso in cattolico e Chiesa protestante. Il canto polifonico protestante (introdotto nel XVI secolo dai capi della Riforma) era cantato dall'intera comunità in tedesco (in contrasto con il canto gregoriano all'unisono, che veniva cantato in latino da speciali cantori maschi). Le melodie del corale si distinguono per un ritmo sedentario. Il magazzino corale (o semplicemente corale) è solitamente chiamato. presentazione degli accordi con durate uniformi in movimento lento.

Italia Talgam

Famoso direttore d'orchestra e consulente israeliano che aiuta i leader del mondo degli affari, dell'istruzione, del governo, della medicina e di altri campi a diventare "conduttori" dei loro team e raggiungere l'armonia attraverso la collaborazione.

Itay Talgam sostiene che le capacità di leadership sono universali e gli stili di comunicazione di un direttore con un'orchestra sono per molti versi simili al rapporto di un capo con i dipendenti di un'azienda. Ma non esiste un principio universale per organizzare tali relazioni. L'autore condivide le sue osservazioni sui metodi di gestione dell'orchestra osservati dai grandi direttori e li divide in sei categorie condizionali.

1. Dominio e controllo: Ricardo Mutti

Il direttore d'orchestra italiano Ricardo Mutti è attento ai dettagli e molto meticoloso nella gestione dell'orchestra sia nelle prove che nelle esibizioni. Tutte le sfumature del gioco sono concentrate nei suoi gesti: avvisa i musicisti del cambio di tono molto prima che debbano ricostruire. Mutti controlla ogni passo dei suoi subordinati, nessuno e niente viene lasciato senza la sua attenzione.

Il controllo totale è dovuto al fatto che il direttore stesso sente la pressione dei vertici: il consiglio di amministrazione o lo spirito costantemente presente del grande compositore. Un tale leader è sempre soggetto alla condanna dello spietato Super-ego.

Il leader dominante è infelice. I suoi subordinati lo rispettano, ma non gli piace. Ciò è stato particolarmente chiaramente dimostrato dall'esempio di Mutti. Tra lui e la massima dirigenza milanese Teatro dell'opera"La Scala" c'è stato un conflitto. Il conduttore ha delineato le sue richieste alle autorità, se non fossero state accolte, ha minacciato di lasciare il teatro. Sperava che l'orchestra si schierasse dalla sua parte, ma i musicisti dissero di aver perso fiducia nel leader. Mutti ha dovuto ritirarsi.

Pensi che la tribuna di questo direttore d'orchestra sia un trono? Per me questa è un'isola deserta dove regna la solitudine.

Ricardo Mutti

Nonostante questo, Ricardo Mutti è considerato uno dei i più grandi conduttori XX secolo. Itay Talgam afferma che ai seminari sulla gestione del personale, la maggior parte degli studenti ha affermato che non vorrebbe un leader del genere. Ma alla domanda: “La sua leadership è efficace? Può costringere i subordinati a fare il loro lavoro?" Quasi tutti hanno risposto affermativamente.

Il leader dominante non crede nella capacità dei dipendenti di organizzarsi. Si assume la piena responsabilità del risultato, ma richiede un'obbedienza incondizionata.

Quando funziona

Questa tattica è giustificata in presenza di problemi di disciplina nella squadra. L'autore fa un esempio tratto dalla biografia di Mutti e racconta la sua esperienza con la Israel Philharmonic Orchestra. Questa è una squadra meravigliosa, ma lo stile del suo lavoro si è formato all'incrocio di culture europee, mediterranee e mediorientali. La diversità delle tradizioni ha portato a una mancanza di disciplina formale all'interno dell'orchestra.

In quel momento, quando la bacchetta di Mutti era congelata nell'aria in attesa delle prime note, uno dei musicisti decise di spostare la sedia. Ci fu uno scricchiolio. Il direttore d'orchestra si fermò e disse: "Signori, non vedo le parole "scricchiolio della sedia" nella mia partitura". Da quel momento in poi, nella sala risuonò solo musica.

Quando non funziona

In tutti gli altri casi, e soprattutto quando è correlato al lavoro dei dipendenti. Lo stile gestionale di Mutti esclude la presenza di errori, che infatti spesso portano a nuove scoperte.

2 Padrino: Arturo Toscanini

Il direttore d'orchestra Arturo Toscanini ha mostrato la massima partecipazione alla vita dell'orchestra durante le prove e sul palco. Non era timido nelle espressioni e rimproverava i musicisti per i loro errori. Toscanini divenne famoso non solo per il suo talento come direttore d'orchestra, ma anche per il suo temperamento professionale.

Toscanini prendeva a cuore ogni fallimento dei suoi sottoposti, perché l'errore di uno è l'errore di tutti, soprattutto del direttore d'orchestra. Era esigente con gli altri, ma non più che con se stesso: veniva alle prove in anticipo e non chiedeva privilegi. Ogni musicista ha capito che il direttore era sinceramente preoccupato per il risultato e non era offeso dagli insulti per un'esecuzione imprecisa.

Toscanini ha chiesto piena dedizione ai musicisti e si aspettava una performance impeccabile. Credeva nel loro talento ed è stato raccolto ai concerti. Era evidente quanto fosse orgoglioso della sua "famiglia" dopo una performance di successo.

Un importante motivatore dei dipendenti di un tale team è il desiderio di lavorare bene "per il padre". Tali leader sono amati e rispettati.

Quando funziona

Nei casi in cui il team è pronto ad accettare i tre principi fondamentali della cultura familiare: stabilità, empatia e sostegno reciproco. È anche importante che il manager abbia autorità, sia competente nel suo campo, abbia successi professionali. Un tale leader dovrebbe essere trattato come un padre, quindi dovrebbe essere più intelligente ed esperto dei suoi subordinati.

Questo principio di gestione viene spesso utilizzato quando la squadra sta vivendo tempi duri. Durante il periodo di rafforzamento dei sindacati, le grandi aziende introducono slogan della categoria "Siamo una famiglia!" La direzione cerca di migliorare le condizioni di lavoro, offre ai dipendenti l'opportunità di ricevere istruzione aggiuntiva, conduce eventi aziendali e fornisce ai subordinati un pacchetto sociale. Tutto ciò ha lo scopo di motivare i dipendenti a lavorare per il bene delle autorità che si prendono cura di loro.

Quando non funziona

In alcune organizzazioni moderne, dove le relazioni tra le persone a volte sono più importanti della gerarchia formale. In tali gruppi non è implicito un profondo coinvolgimento emotivo.

Un tale principio di gestione richiede non solo l'autorità e la competenza del leader, ma anche la capacità dei subordinati di giustificare le aspettative riposte su di loro. Itay Talgam racconta la sua esperienza di studio con il direttore d'orchestra Mendy Rodan. Ha preteso molto dallo studente e ha percepito ogni suo fallimento come una sconfitta personale. Questa pressione, unita alle imprecazioni, opprimeva l'autore. Si rese conto che un tale insegnante lo avrebbe aiutato a ottenere un diploma, ma non avrebbe allevato in lui una persona creativa.

3. Secondo le istruzioni: Richard Strauss

L'autore afferma che molti dei manager presenti ai suoi seminari erano solo divertiti dal comportamento di Strauss sul palco. I visitatori lo hanno scelto come potenziale leader solo sulla base del fatto che con un tale capo non puoi davvero preoccuparti del lavoro. Le palpebre del direttore sono abbassate, lui stesso sembra distante e solo occasionalmente lancia sguardi all'una o all'altra sezione dell'orchestra.

Questo direttore non mira a ispirare, limita solo l'orchestra. Ma se guardi da vicino, diventa chiaro qual è la base di un tale principio di gestione: seguire le istruzioni. Strauss non si concentra sui musicisti, ma sulle note, anche se l'orchestra suona il suo lavoro. Con ciò mostra quanto sia importante seguire rigorosamente le regole ed eseguire chiaramente il lavoro, non consentendo le proprie interpretazioni.

Dovrebbe essere chiaro che la mancanza di interpretazione e scoperta nella musica non è affatto male. Questo approccio ti consente di esporre la struttura dell'opera, di interpretarla come intendeva l'autore.

Un tale leader si fida dei subordinati, richiede loro di seguire le istruzioni e crede che saranno in grado di rispettarle. Questo atteggiamento lusinga e motiva i dipendenti, acquisiscono fiducia in se stessi. Il principale svantaggio dell'approccio è che nessuno sa cosa accadrà se si verifica una situazione non specificata nelle istruzioni.

Quando funziona

Questo principio di controllo funziona in diversi casi. A volte è il più comodo per i professionisti calmi che sono abituati a lavorare secondo la lettera della legge. A volte è semplicemente necessario fornire ai dipendenti istruzioni obbligatorie, ad esempio durante l'interazione diversi gruppi subordinati.

L'autore fornisce un esempio della sua esperienza con l'orchestra e il gruppo rock Natasha's Friends. Il problema è sorto a causa del fatto che i musicisti del gruppo sono arrivati ​​\u200b\u200balla fine della seconda ora di una prova di tre ore. Erano sicuri che nulla avrebbe impedito loro di dedicare il resto della giornata alla musica, senza pensare al fatto che le prove d'orchestra fossero soggette a tempistiche più stringenti.

Quando non funziona

Il principio della gestione basata sulle seguenti istruzioni non funziona dove dovrebbe essere incoraggiata la capacità di creare e creare nuove idee. Come l'assoluta obbedienza al leader, seguire le istruzioni implica l'assenza di errori che portano a nuove scoperte. Può anche privare i dipendenti dell'entusiasmo professionale.

L'autore fornisce un esempio tratto dalla biografia del direttore d'orchestra Leonard Bernstein. israeliano orchestra filarmonica sotto la sua direzione ha provato il finale della sinfonia di Mahler. Quando il capotreno diede il segnale per l'ingresso degli ottoni, in risposta ci fu silenzio. Bernstein alzò lo sguardo: alcuni dei musicisti se n'erano andati. Il fatto è che la fine delle prove era prevista per le 13:00. L'orologio segnava le 13:04.

4. Guru: Herbert von Karajan

Il maestro Herbert von Karajan apre appena gli occhi sul palco e non guarda i musicisti. Si aspetta solo che i suoi subordinati sembrino considerare magicamente i suoi desideri. Questo è stato preceduto da un lavoro preliminare: il direttore ha spiegato con cura le sfumature del gioco durante le prove.

Il guru non ha dato ai musicisti un lasso di tempo né ha stabilito il ritmo, ha solo ascoltato attentamente e trasmesso all'orchestra la morbidezza e la profondità del suono. I musicisti erano perfetti l'uno per l'altro. Loro stessi sono diventati direttori interdipendenti e hanno migliorato le loro capacità di suonare insieme più e più volte.

Un simile approccio parla dell'arroganza del leader: agisce aggirando i postulati accettati ed è sempre sicuro del successo. Allo stesso tempo, i membri del team dipendono molto più l'uno dall'altro che dalle istruzioni della leadership. Hanno il potere di influenzare direttamente i risultati del lavoro. Hanno una responsabilità aggiuntiva, quindi essere in una squadra del genere per alcuni può essere un test psicologicamente difficile. Questo stile di gestione è simile al dominio di Mutti in quanto anche il leader non è disponibile al dialogo e impone la sua visione dell'organizzazione ai subordinati.

Quando funziona

Quando il lavoro del team è connesso alla creatività dei dipendenti, ad esempio nel campo dell'arte. Artista americano Saul Levitt ha assunto giovani artisti (diverse migliaia in totale), ha spiegato i concetti e ha dato alcune indicazioni. Successivamente, i subordinati sono andati a creare senza il controllo di Levitt. Era interessato al risultato, non alla sottomissione al processo. Un leader ragionevole e saggio, lo capiva creatività congiunta arricchisce solo il progetto. Questo è ciò che lo ha reso l'artista più esposto al mondo: in tutta la sua vita ha tenuto più di 500 mostre personali.

Quando non funziona

In ogni squadra, l'adeguatezza di questo principio di gestione dipende da molti fattori individuali. Questo approccio porta spesso al fallimento, motivo per cui, ad esempio, Cadbury & Schweppes ha creato il Cadbury Corporate Governance Code, che descrive le procedure progettate per proteggere l'azienda dall'eccessivo ego del leader e trasmettere informazioni importanti a tutti i partecipanti al processo.

L'autore racconta anche ammonimento dalla mia esperienza. Voleva iniziare il suo lavoro con la Tel Aviv Symphony Orchestra con un'innovazione di alto profilo. Itai Talgam ha diviso la sezione degli archi in quartetti e ha inserito gli strumenti a fiato tra di loro. Ha suggerito che in questo modo ciascuno dei musicisti potesse sentirsi un solista. L'esperimento è fallito: i partecipanti non erano in grado di comunicare, essendo lontani l'uno dall'altro, quindi hanno giocato molto male.

5 Danza principale: Carlos Kleiber

Carlos Klaiber balla sul palco: allungando le braccia, saltando su e giù, piegandosi e ondeggiando da una parte all'altra. Altre volte dirige l'orchestra solo con la punta delle dita, altre volte si limita ad ascoltare i musicisti. Sul palco, il direttore condivide la sua gioia e la moltiplica. Ha una visione chiara della forma e guida i musicisti, ma non lo fa come leader, ma come ballerino solista. Richiede costantemente ai subordinati di partecipare alle interpretazioni e non carica le sue istruzioni di dettagli.

Un tale leader non gestisce le persone, ma i processi. Offre ai subordinati spazio per l'innovazione, li stimola a creare da soli. I dipendenti condividono potere e responsabilità con il leader. In una squadra del genere è facile correggere un errore e persino trasformarlo in qualcosa di nuovo. I manager "danzanti" apprezzano i dipendenti ambiziosi, preferendoli a coloro che sono in grado di svolgere coscienziosamente il proprio lavoro secondo le istruzioni.

Quando funziona

Un principio simile si applica quando un dipendente ordinario può avere informazioni più rilevanti rispetto al capo. Ad esempio, l'autore cita la sua esperienza di lavoro con le agenzie per combattere il terrorismo. Un agente sul campo deve essere in grado di prendere decisioni da solo, a volte violando gli ordini diretti del comando, perché ha la conoscenza più completa e aggiornata della situazione.

Quando non funziona

Quando i dipendenti non sono interessati al destino dell'azienda. L'autore afferma inoltre che un tale approccio non può essere imposto artificialmente. Funzionerà solo se sarai in grado di rallegrarti sinceramente del successo dei dipendenti e del risultato del lavoro.

6. Alla ricerca del significato: Leonard Bernstein

Il segreto dell'interazione di Leonard Bernstein con l'orchestra non viene rivelato sul palco, ma fuori di esso. Il conduttore non ha voluto separare le emozioni, esperienza di vita e aspirazioni dalla musica. Per ciascuno dei musicisti, Bernstein non era solo un leader, ma anche un amico. Ha invitato a lavorare non un professionista, ma una persona: nelle sue orchestre, prima di tutto, le persone eseguono, ascoltano e compongono musica, e solo successivamente subordinati.

Bernstein ha messo davanti ai musicisti questione principale: "Per quello?" Questo era: non lo costringeva a giocare, ma faceva desiderare di giocare alla persona stessa. Ognuno aveva la propria risposta alla domanda di Bernstein, ma tutti sentivano ugualmente il proprio coinvolgimento nella causa comune.

Quando funziona

Il dialogo del management con i dipendenti e l'attribuzione di significato alle loro attività andranno a vantaggio di qualsiasi organizzazione in cui il lavoro dei membri del team non è portato a una serie di azioni simili. Una condizione importante per questo è che i dipendenti rispettino il leader e lo considerino competente.

Quando non funziona

Itay Talgam parla di una situazione in cui ha cercato di applicare il metodo Bernstein, ma ha incontrato solo incomprensioni da parte dei suoi subordinati. Il motivo era che molti dei musicisti della Tel Aviv Symphony Orchestra erano molto più anziani e non lo conoscevano affatto. La prima prova non è andata bene. "Qualcosa non va", disse Talgam all'orchestra. - Non so proprio cosa. Tempo, intonazione, qualcos'altro? Cosa ne pensi? Cosa può essere risolto? Uno dei musicisti più anziani si alzò e disse: “Da dove veniamo, il direttore non ci ha chiesto cosa fare. Sapeva cosa fare".

Nel libro “The Ignorant Maestro”, Itay Talgam non solo parla dei principi di gestione dei grandi direttori, ma rivela anche tre qualità importanti leader efficace: ignoranza, dare senso ai vuoti e ascolto motivazionale. L'autore parla non solo di come dovrebbe essere un leader, ma anche del ruolo dei subordinati nelle comunicazioni di lavoro. principio universale la gestione non esiste, ogni manager effettivo la sviluppa autonomamente. E puoi imparare qualcosa e adottare alcune tecniche dai sei grandi direttori di cui si parla in questo libro.

10 dicembre 2014

La cultura musicale non può esistere senza direttori, così come l'industria cinematografica senza registi, l'industria letteraria ed editoriale senza editori, i progetti di moda senza designer. Il direttore d'orchestra garantisce l'interazione organica di tutti gli strumenti durante la performance. Il direttore d'orchestra è il protagonista sul palcoscenico della Filarmonica, sala concerti o qualsiasi altra piattaforma musicale.

Virtuosi

La coerenza di un'orchestra sinfonica, il suono armonioso di numerosi strumenti musicali raggiunto grazie all'abilità del conduttore. Non c'è da stupirsi che ai più talentuosi vengano assegnati vari titoli e titoli elevati, e tra le persone vengono chiamati "virtuosi". E in effetti, l'impeccabile possesso della bacchetta del direttore d'orchestra ti permette di portare a tutti i musicisti seduti buca dell'orchestra, tutte le sfumature di un impulso creativo. Un'enorme orchestra sinfonica inizia improvvisamente a suonare come un tutt'uno, e composizione musicale allo stesso tempo si rivela in tutto il suo splendore.

Famosi direttori d'orchestra si uniscono sulla base dell'abilità, hanno frequentato tutti la scuola alta arte, non è arrivato immediatamente a loro popolarità e riconoscimento del pubblico in generale. La popolarità è guadagnata nel corso degli anni. Per la maggior parte, noti direttori d'orchestra, oltre all'attività concertistica, sono impegnati nell'insegnamento, conducono corsi di formazione per giovani musicisti e corsi di perfezionamento.

sacrificio di sé

L'arte di dirigere un'orchestra richiede molti anni di pratica, miglioramento continuo, che si traduce in infinite prove. Alcuni noti direttori d'orchestra si distinguono per la loro speciale perseveranza creativa, al limite del sacrificio di sé, quando la vita personale è relegata in secondo piano e rimane solo la musica. Tuttavia, questa situazione è positiva per l'arte.

I direttori d'orchestra più famosi sono vincolati da contratti con alcuni gruppi musicali e questo consente loro di raggiungere alto livello esecuzione di opere musicali. Allo stesso tempo, è necessaria la comprensione reciproca, che servirà successivamente come garanzia di un'attività concertistica di successo.

Notevoli direttori d'opera

Ci sono nomi nella gerarchia musicale mondiale che tutti conoscono. I nomi di famosi direttori d'opera si trovano su manifesti, cartelloni pubblicitari, navi da crociera prendono il nome da loro. Questa popolarità è meritata, dal momento che poche persone sono ancora in grado di dedicare tutta la loro vita, senza lasciare traccia, alla musica. I più famosi direttori d'orchestra viaggiano in tutto il mondo, fanno tournée con vari gruppi musicali o conducono orchestre in major centri musicali. Gli spettacoli operistici richiedono una particolare coerenza dell'orchestra, accompagnata da parti vocali, arie e cavatina. In tutte le agenzie musicali puoi trovare i nomi di famosi direttori d'opera che possono essere invitati per una stagione o una serie di spettacoli. Gli impresari esperti conoscono lo stile di lavoro e i tratti caratteriali di ciascuno. Questo li aiuta a fare la scelta giusta.

Famosi direttori d'orchestra della Russia

La musica, in particolare l'opera, ha molte componenti. Ecco l'orchestra, che comprende una varietà di strumenti: fiati, archi, archi, percussioni. Solisti, interpreti di parti vocali, coro e altri partecipanti alla performance. Frammenti disparati di uno spettacolo operistico sono uniti in un tutt'uno dal direttore dello spettacolo e dal direttore d'orchestra. Inoltre, quest'ultimo partecipa attivamente all'azione dall'inizio alla fine. Ci sono direttori d'orchestra in Russia che, con la loro musica, dirigono l'opera lungo l'unico vero percorso che conduce lo spettatore alla vera arte.

Famosi direttori d'orchestra della Russia (elenco):

• Alexandrov Alexander Vasilievich.
• Bashmet Yuri Abramovich.
• Bezrodnaya Svetlana Borisovna.
• Bogoslovsky Nikita Vladimirovich.
• Bronevitsky Alexander Alexandrovich.
• Vasilenko Sergey Nikiforovich.
• Garanyan Georgy Abramovich.
• Gergiev Valery Abisalovich.
• Gorenstein Mark Borisovich.
• Diaghilev Sergei Alexandrovich.
• Evtushenko Alexei Mikhailovich
• Ermakova Ludmila Vladimirovna
• Kabalevsky Dmitry Borisovich.
• Kazhlev Murad Magomedovich.
• Kogan Pavel Leonidovich.
• Lundstrem Oleg Leonidovich
• Mravinsky Evgeny Alexandrovich.
• Svetlanov Evgeny Fyodorovich.
• Spivakov Vladimir Teodorovich

Ogni noto direttore d'orchestra russo può dirigere con successo qualsiasi orchestra sinfonica straniera, per questo bastano poche prove. La professionalità dei musicisti aiuta a superare sia la barriera linguistica che la differenza di stili.

Celebrità mondiali

Famosi direttori d'orchestra del mondo sono musicisti di talento riconosciuto dal grande pubblico.

Pavel Kogan

Il più famoso direttore d'orchestra russo che da più di quarant'anni dona al mondo la sua arte. La sua popolarità non ha precedenti. Il nome del maestro è nella lista dei dieci più grandi direttori contemporanei. Il musicista è nato nella famiglia di famosi violinisti, Leonid Kogan ed Elizaveta Gilels. Dal 1989 è direttore artistico permanente, nonché direttore principale della MGASO (Moscow State Symphony Orchestra). Allo stesso tempo rappresenta la Russia nei maggiori centri musicali d'America.

Pavel Kogan si esibisce in tutto il mondo con le migliori orchestre sinfoniche, la sua arte è considerata insuperabile. Il maestro è un vincitore del Premio di Stato della Russia, ha il titolo di "Artista popolare della Russia". Pavel Kogan ha anche molti premi, tra cui l'Ordine al merito per la patria e l'Ordine delle arti.

Herbert von Karajan

Il famoso direttore d'orchestra di origine austriaca Herbert von Karajan (1908-1989) è nato in una famiglia di immigrati greci. All'età di otto anni è entrato al Conservatorio Mozarteum di Salisburgo, dove ha studiato per 10 anni e ha acquisito le competenze di direzione di base. Allo stesso tempo, il giovane Karajan stava imparando a suonare il pianoforte.

Il debutto avvenne nel 1929 al Teatro del Festival di Salburg. Herbert ha diretto l'opera Salome di Richard Strauss. Nel periodo dal 1929 al 1934 fu capo maestro di cappella al teatro della città tedesca di Ulm. Poi Karayan per molto tempo era allo stand del direttore dell'Orchestra Filarmonica di Vienna. Poi si è esibito con l'opera "Walpurgis Night" di Charles Gounod.

L'ora più bella per il direttore arrivò nel 1938, quando l'opera di Richard Wagner "Tristano e Isotta" da lui eseguita ebbe un enorme successo, dopo di che Herbert fu chiamato "Miracle Karajan".

Leonardo Bernstein

Direttore d'orchestra americano Leonard Bernstein (1918-1990), nato da genitori immigrati ebrei. Educazione musicale iniziò per Leonard da bambino, imparò a suonare il pianoforte. Tuttavia, il ragazzo fu gradualmente coinvolto nella direzione d'orchestra e nel 1939 fece il suo debutto: il giovane Bernstein eseguì con una piccola orchestra una composizione di sua composizione sotto intitolato Il uccelli.

Grazie a alta professionalità Leonard Bernstein guadagnò rapidamente popolarità e in giovane età guidò la New York Philharmonic Orchestra. Essere comprensivi persona creativa, il conduttore era impegnato nella letteratura. Ha scritto circa una dozzina di libri sulla musica.

Valery Gergiev

Il famoso direttore d'orchestra Valery Abisalovich Gergiev è nato il 2 maggio 1953 a Mosca. All'età di diciannove anni entrò al Conservatorio di Leningrado. Ha partecipato come studente a concorrenza internazionale direttori d'orchestra a Berlino, dove si è classificato secondo.

Dopo essersi diplomato al conservatorio nel 1977, il giovane direttore d'orchestra fu accettato come assistente al Teatro Kirov. Yuri Temirkanov divenne il suo mentore e già nel 1978 Valery Gergiev salì sul podio e suonò l'opera Guerra e pace di Prokofiev. Nel 1988, ha sostituito Yuri Temirkanov dopo essere partito per la Filarmonica di Leningrado.

L'anno 1992 è stato segnato dal ritorno al Teatro Kirov del suo nome storico "Teatro Mariinsky". Il pubblico teatrale di San Pietroburgo, per arrivare agli spettacoli d'opera, viene registrato in anticipo, con mesi di anticipo. Oggi Valery Gergiev è il direttore principale del teatro e il suo direttore artistico.

Evgenij Svetlanov

Il famoso direttore d'orchestra, russo e mondiale, Evgeny Fedorovich Svetlanov (1928-2002) ha lasciato un segno notevole nella eredità culturale Russia. Ha i titoli di "Eroe del lavoro socialista" e "Artista popolare dell'URSS". È un vincitore dei premi Lenin e di Stato dell'URSS.

La carriera creativa di Svetlanov iniziò subito dopo essersi diplomato al Gnessin Institute nel 1951. Ha continuato i suoi studi al Conservatorio di Mosca nella classe di direzione d'opera e sinfonica e composizione.

Il debutto avvenne nel 1954 sul palco Teatro Bolshoj in una produzione dell'opera di Rimsky-Korsakov The Maid of Pskov. Dal 1963 al 1965 è stato direttore principale del Teatro Bolshoi. Durante il suo lavoro, il livello delle esibizioni d'opera è notevolmente aumentato.

Nel 1965-2000 lavoro combinato in ufficio direttore artistico e direttore principale dell'Orchestra Sinfonica di Stato dell'URSS (poi Russia).

Vladimir Spivakov

Il direttore d'orchestra russo Spivakov Vladimir Teodorovich è nato nel 1944 nella città di Ufa. Nel 1968 si è diplomato al Conservatorio di Mosca, nel 1970 ha completato gli studi post-laurea.

Maestria Vladimir Spivakov ha studiato al Conservatorio Gorky con il professor Israel Gusman. Successivamente segue un corso speciale negli Stati Uniti, con Leonard Bernstein e Lorin Maazel.

Attualmente è leader e direttore permanente dell'orchestra sinfonica da camera dei Virtuosi di Mosca, che ha organizzato personalmente nel 1979. Si è esibito con orchestre europee e gruppi musicali statunitensi. Condotto presso il Teatro alla Scala, l'Accademia Cecilia, la Filarmonica della città tedesca di Colonia e la Radio francese. È il presidente della Casa Internazionale della Musica di Mosca.

Yuri Basmet

Il direttore d'orchestra russo Bashmet Yuri Abramovich è nato il 24 gennaio 1953 a Rostov sul Don. Artista popolare dell'URSS. quattro Premi di Stato Federazione Russa.

Nel 1976 si è diplomato al Conservatorio di Mosca. Nel 1972, ancora studente, acquista un violino-viola maestro italiano Paolo Testore, realizzato nel 1758. Su questo strumento unico Bashmet gioca ancora oggi.

Ha iniziato l'attività concertistica attiva nel 1976 e due anni dopo ha ricevuto un posto di insegnante al Conservatorio di Mosca. Nel 1996, Yuri Bashmet ha creato il "Dipartimento sperimentale di viola", dove lo studio delle parti di viola nella sinfonia, nell'opera e musica da camera. Quindi ha ricevuto il titolo di professore al Conservatorio di Mosca. Attualmente impegnato in attività benefiche e sociali attive.

Ciclo programmi dei concerti (Russia, 2010). 10 numeri.

Non ci sono più figure autorevoli nel moderno cultura musicale rispetto ai rappresentanti dell'élite mondiale del direttore d'orchestra. I creatori del ciclo hanno scelto dieci nomi significativi di significato: Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons, così come i loro famosi colleghi russi. Oggi sono maestri universalmente riconosciuti e leader delle più grandi orchestre.

Ogni programma si basa sull'esecuzione di uno dei maestri nominati con la sua orchestra.

Solisti: i violinisti Vadim Repin e Sergei Krylov, l'oboista Alexei Utkin, il pianista Denis Matsuev e altri.

Il programma è il più vario - da I.S. Bach ad A. Schoenberg e A. Pärt. Tutte le opere sono tra i capolavori della world music.

L'ospite del ciclo è il pianista Denis Matsuev.

1a uscita. .
Solista Vadim Repin.
Programma: I. Stravinskij. Sinfonia in tre movimenti; M. Bruch. Concerto per violino n. 1 in sol minore; L. Beethoven. Sinfonia n. 7.

2a edizione. Vladimir Fedoseev e l'Orchestra Sinfonica del Bolshoi. PI. Čajkovskij.
Programma: L. Beethoven. Sinfonia n. 4.
Registrato presso la Golden Hall del Musikverein di Vienna.

3a edizione. "Maris Jansons e l'Orchestra Sinfonica della Radio Bavarese".
Programma: R.Wagner. Introduzione e "Morte di Isotta" dall'opera "Tristano e Isotta"; R. Strauss. Suite di valzer dall'opera "Der Rosenkavalier".

4a edizione. "Daniel Barenboim e la West-Eastern Divan Orchestra".
Programma: VA Mozart. Concerto n. 7 in fa maggiore per tre pianoforti e orchestra. Solisti: Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schönberg. Variazioni per orchestra. G. Verdi. Ouverture dell'opera "Forza del destino".

5a edizione. "Vladimir Spivakov e l'Orchestra Filarmonica Nazionale della Russia.
Sergej Prokof'ev. Concerto n. 3 per pianoforte e orchestra. Sinfonia n. 1 "Classica". Solista Denis Matsuev. Registrazione in Sala Grande Conservatorio di Mosca nel 2008.

6a edizione. "Lauryn Maazel e l'Orchestra Sinfonica Arturo Toscanini"
Programma: Giacchino Rossini. Ouverture dell'opera "Italiano ad Algeri"; Giovanni Brahms. Sinfonia n. 2.
Registrato nella Sala Grande del Conservatorio di Mosca.

7a edizione. Yuri Temirkanov e l'Academic Symphony Orchestra della Filarmonica di San Pietroburgo. D.D. Shostakovich.

8a edizione. Yuri Bashmet e il Moscow Soloists Chamber Ensemble.
In un programma: Giuseppe Haydn- Concerto per violoncello e orchestra. Solista Steven Isserlis (Gran Bretagna), Niccolò Paganini - 5 capricci (arrangiati da E. Denisov per violino e orchestra da camera). Solista Sergey Krylov (Italia); VA Mozart - Divertimento n. 1.
Registrazione nel BZK.

9a edizione. Mikhail Pletnev e l'Orchestra Nazionale Russa
Eseguito dal russo orchestra nazionale una suite dal balletto di P.I. Čajkovskij" Il lago dei cigni", compilato da Mikhail Pletnev. Registrazione allo State Academic Bolshoi Theatre of Russia come parte del Great RNO Festival, 2009.

10a edizione. Valery Gergiev e Orchestra Sinfonica Teatro Mariinskij
In esecuzione Orchestra Sinfonica Il Teatro Mariinsky diretto da Valery Gergiev esegue successi orchestrali - ouverture di opere di Rossini, Verdi, Wagner, valzer dei balletti di Čajkovskij, frammenti di Romeo e Giulietta di Prokofiev.