casa › Corpo › Arte giapponese - Storia - Introduzione - Intrattenere il Giappone — LiveJournal. Il segreto della grandezza delle principali opere d'arte giapponese Arte giapponese

Arte giapponese - Storia - Introduzione - Intrattenere il Giappone — LiveJournal. Il segreto della grandezza delle principali opere d'arte giapponese Arte giapponese

La formazione della cerimonia del tè (chanoyu) come uno dei più grandi fenomeni della cultura giapponese è avvenuta in un periodo molto difficile e travagliato per il paese, quando guerre sanguinose interne e faide tra clan feudali rendevano insopportabile la vita delle persone. La cerimonia del tè è nata sotto l'influenza dell'estetica e della filosofia del buddismo zen e ha cercato di contrastare lo stato d'animo di disperazione con l'adorazione della bellezza.

A quei tempi, i governanti della classe militare e i ricchi mercanti, riuniti per discussioni politiche e commerciali, ne approfittavano spesso per servire il tè. Era considerato un piacere raffinato sedersi a proprio agio in una tranquilla sala da tè, distaccato dalle preoccupazioni e dalle preoccupazioni della vita, e ascoltare il suono dell'acqua che bolle su un braciere. Il grande maestro Sen-no-Rikyu fece del bere il tè un'arte. Ha potuto sviluppare l'arte della cerimonia del tè come ha fatto, in parte a causa del suddetto background sociale che esisteva.

La sala da tè costruita da Sen no Rikyu a prima vista sembrava molto semplice e persino troppo piccola. Ma è stato progettato nel modo più accurato, con una buona leggibilità, fin nei minimi dettagli. Era decorato con porte scorrevoli ricoperte di carta giapponese traslucida bianca come la neve. Il soffitto era rifinito con bambù o paglia e la trama aperta delle pareti era molto apprezzata. I supporti erano per lo più in legno, conservando la loro corteccia naturale. Per creare l'effetto di un eremo nel design della sala da tè, sono state eliminate tutte le decorazioni inutili e le decorazioni eccessive.

Oggi, la cerimonia del tè è la più caratteristica, arte unica. Ha svolto un ruolo importante nella vita spirituale e sociale dei giapponesi per diversi secoli. Nel tempo, il rituale della cerimonia del tè è stato canonizzato, la sequenza di azioni e comportamenti è stata data. Dopo essere già entrati nei semplici cancelli di legno, gli ospiti si sono tuffati in un mondo speciale, lasciandosi alle spalle tutto ciò che è banale e in silenziosa concentrazione obbedendo solo alle leggi dell'azione.

Il chanoyu classico è un rituale rigorosamente programmato a cui partecipano il maestro del tè (la persona che prepara e versa il tè) e gli altri partecipanti alla cerimonia. In sostanza, un maestro del tè è un prete che compie un atto del tè, il resto sono coloro che si uniscono a lui. Ognuno ha il proprio stile di comportamento specifico, compresa sia la postura quando si è seduti, sia ogni movimento, fino all'espressione facciale e al modo di parlare.

Mentre si beve il tè si fanno discorsi saggi, si leggono poesie, si considerano opere d'arte. Mazzi di fiori e utensili speciali per la preparazione della bevanda vengono selezionati con particolare cura per ogni occasione.

L'atmosfera stessa crea l'atmosfera appropriata, che è sorprendentemente semplice e modesta: una teiera di rame, tazze, un agitatore di bambù, una scatola per conservare il tè, ecc. Ai giapponesi non piacciono gli oggetti luminosi e lucenti, sono colpiti dall'ottusità. D. Tanizaki scrive al riguardo: “Gli europei usano stoviglie in argento, acciaio o nichel, le lucidano fino a ottenere una lucentezza abbagliante, ma non sopportiamo una tale lucentezza. Utilizziamo anche oggetti in argento... ma non li lucidiamo mai a specchio. Al contrario, ci rallegriamo quando questa lucentezza viene via dalla superficie degli oggetti, quando acquistano un tocco di prescrizione, quando si scuriscono con il tempo... Amiamo le cose che portano tracce di carne umana, fuliggine d'olio, agenti atmosferici e gonfiore di pioggia. Tutti gli oggetti per la cerimonia del tè portano l'impronta del tempo, ma sono tutti perfettamente puliti. Crepuscolo, silenzio, la teiera più semplice, un cucchiaio di legno per versare il tè, una ruvida tazza di ceramica: tutto questo affascina i presenti.

L'elemento più importante all'interno di una casa da tè è una nicchia: il tokonoma. Solitamente contiene un cartiglio con un dipinto o un'iscrizione calligrafica e un mazzo di fiori, un incensiere con incenso. Tokonoma si trova di fronte all'ingresso e attira immediatamente l'attenzione degli ospiti. Il rotolo tokonama è scelto con grande cura ed è un indispensabile argomento di discussione durante la cerimonia. È scritto in stile buddista zen e con una calligrafia così arcaica che pochi riescono a distinguere e comprendere il significato di ciò che è scritto, ad esempio: "Il bambù è verde e i fiori sono rossi", "Le cose sono cose, e questo è bello !" o "L'acqua è acqua". Ai presenti viene spiegato il significato di questi detti, apparentemente semplici, ma allo stesso tempo filosoficamente molto profondi. A volte questi pensieri sono espressi nella forma poetica dell'haiku, a volte si riflettono nella pittura del vecchio maestro, di regola, secondo il principio del "wabi".

In Giappone esistono molte forme della cerimonia del tè, ma solo alcune sono rigorosamente stabilite: tè notturno, tè dell'alba, tè mattutino, tè pomeridiano, tè serale, tè speciale.

Il tè notturno inizia con la luna. Gli ospiti arrivano verso le undici e mezza e partono verso le quattro del mattino. Solitamente viene preparato il tè in polvere, che viene preparato davanti agli ospiti: le foglie vengono liberate dalle venature e macinate in polvere in un mortaio. Questo tè è molto forte, non va servito a stomaco vuoto. Pertanto, all'inizio, gli ospiti vengono trattati con un cibo leggermente diverso. Il tè si beve all'alba verso le tre o le quattro del mattino. Gli ospiti rimangono alla stessa ora fino alle sei. Il tè del mattino viene praticato nella stagione calda, gli ospiti si riuniscono alle sei del mattino. Il tè pomeridiano viene solitamente servito solo con torte intorno alle 13:00. Il tè serale inizia intorno alle 18:00. Uno speciale tea party (rinjitya-noyu) viene organizzato in ogni occasione speciale: incontro con gli amici, vacanze, cambio di stagione, ecc.

Secondo i giapponesi, la cerimonia del tè evoca semplicità, naturalezza, pulizia. Questo è vero, ovviamente, ma c'è di più nella cerimonia del tè. Introducendo le persone a un rituale consolidato, le abitua all'ordine rigoroso e all'adempimento incondizionato delle regole sociali. La cerimonia del tè è una delle basi più importanti per la coltivazione dei sentimenti nazionali.

Il Giappone è un fantastico paese orientale situato sulle isole. Un altro nome per il Giappone è la Terra del Sol Levante. Il clima mite caldo umido, le catene montuose dei vulcani e le acque del mare creano paesaggi magnifici tra i quali crescono giovani giapponesi, che lasciano senza dubbio un'impronta nell'arte di questo piccolo stato. Qui le persone fin dalla tenera età si abituano alla bellezza e fiori freschi, piante ornamentali e piccoli giardini con un lago sono un attributo delle loro case. Ognuno sta cercando di organizzare per sé un pezzo di fauna selvatica. Come tutte le nazionalità orientali, i giapponesi hanno mantenuto un legame con la natura, che è onorato e rispettato nel corso dei secoli di esistenza della loro civiltà.

Umidificazione dell'aria: il depuratore d'aria WINIX WSC-500 genera particelle fini di acqua.. Modalità operative di un dissipatore di Winix WSC-500: Un dissipatore d'aria "WINIX WSC-500" ha una comoda modalità operativa automatica. Allo stesso tempo, viene mantenuta l'umidità ottimale e confortevole nella stanza - 50-60% e la modalità di purificazione e ionizzazione dell'aria al plasma ("Plasma Wave™") è abilitata per impostazione predefinita.

Architettura giapponese

Per molto tempo Il Giappone era considerato un paese chiuso, i contatti erano solo con Cina e Corea. Pertanto, il loro sviluppo è avvenuto lungo un proprio percorso speciale. Successivamente, quando varie innovazioni iniziarono a penetrare nel territorio delle isole, i giapponesi le adattarono rapidamente a se stesse e le rifecero a modo loro. Lo stile architettonico giapponese è costituito da case con massicci tetti curvi che ti consentono di proteggerti dalle continue forti piogge. La vera opera d'arte è palazzi imperiali con giardini e padiglioni.

Tra i luoghi di culto trovati in Giappone, si possono distinguere templi shintoisti in legno, pagode buddiste e complessi di templi buddisti sopravvissuti fino ad oggi, apparsi in un periodo storico successivo, quando il buddismo entrò nel paese dalla terraferma e fu dichiarato il religione di stato. Gli edifici in legno, come sapete, non sono durevoli e vulnerabili, ma in Giappone è consuetudine ricreare gli edifici nella loro forma originale, quindi anche dopo gli incendi vengono ricostruiti nella forma in cui sono stati costruiti una volta.

Scultura del Giappone

Il buddismo ha avuto una forte influenza sullo sviluppo dell'arte giapponese. Molte opere rappresentano l'immagine del Buddha, quindi nei templi sono state create numerose statue e sculture del Buddha. Erano fatti di metallo, legno e pietra. Solo qualche tempo dopo apparvero artigiani che iniziarono a realizzare ritratti scultorei secolari, ma nel tempo la necessità di essi scomparve, quindi sempre più spesso iniziarono ad essere utilizzati rilievi scultorei con profondi intagli per decorare gli edifici.

La scultura netsuke in miniatura è considerata la forma d'arte nazionale in Giappone. Inizialmente, tali figure svolgevano il ruolo di un portachiavi, che era attaccato alla cintura. Ogni figurina aveva un foro per una corda, su cui erano appesi gli oggetti necessari, poiché i vestiti a quel tempo non avevano tasche. Le statuette di Netsuke raffiguravano personaggi secolari, dei, demoni o vari oggetti indossa uno speciale significato segreto, ad esempio, un augurio di felicità familiare. I netsuke sono realizzati in legno, avorio, ceramica o metallo.

Arti e mestieri giapponesi

La fabbricazione di armi da taglio è stata elevata al rango di arte in Giappone, portando alla perfezione la fabbricazione della spada del samurai. Spade, pugnali, telai di spade, elementi di munizioni da combattimento servivano come una sorta di gioielli maschili, che denotavano l'appartenenza a una classe, quindi furono realizzati abili artigiani, decorato con pietre preziose e intagli. Anche tra i mestieri popolari del Giappone c'è la produzione di ceramiche, oggetti laccati, la tessitura e l'artigianato dell'intaglio del legno. I ceramisti giapponesi dipingono ceramiche tradizionali con vari motivi e smalti.

Pittura giapponese

All'inizio, la pittura giapponese era dominata da un tipo di pittura monocromatica, strettamente intrecciata con l'arte della calligrafia. Entrambi sono stati creati secondo gli stessi principi. L'arte di produrre pittura, inchiostro e carta arrivò in Giappone dalla terraferma. Di conseguenza, è iniziato nuovo giro sviluppo dell'arte della pittura. A quel tempo, uno dei tipi di pittura giapponese erano i lunghi rotoli orizzontali di emakinomo, che raffiguravano scene della vita del Buddha. La pittura di paesaggio in Giappone iniziò a svilupparsi molto più tardi, dopo di che apparvero artisti specializzati in scene da vita secolare, scrivendo ritratti e scene militari.

In Giappone di solito disegnavano su paraventi, shoji, muri di case e vestiti. Il paravento per i giapponesi non è solo un elemento funzionale della casa, ma anche un'opera d'arte da contemplare, che determina l'atmosfera generale della stanza. Anche l'abbigliamento kimono nazionale appartiene agli oggetti dell'arte giapponese, portando uno speciale sapore orientale. Anche i pannelli decorativi su lamina d'oro con colori vivaci possono essere attribuiti alle opere della pittura giapponese. I giapponesi raggiunsero una grande abilità nella creazione di ukiyo-e, la cosiddetta xilografia. La trama di tali dipinti erano episodi della vita di comuni cittadini, artisti e geishe, nonché magnifici paesaggi che divennero il risultato dello sviluppo dell'arte della pittura in Giappone.

La vasta regione, convenzionalmente chiamata Estremo Oriente, comprende Cina, Giappone, Corea, Mongolia e Tibet, paesi che presentano numerose somiglianze, ma allo stesso tempo significative differenze culturali.

Tutti i paesi dell'Estremo Oriente furono influenzati dalle antiche civiltà della Cina e dell'India, dove già nel I millennio a.C. sorsero insegnamenti filosofici e religiosi che gettarono le basi per il concetto di natura come Cosmo comprensivo - un vivente e spiritualizzato organismo che vive secondo le proprie leggi. La natura è stata al centro delle ricerche filosofiche e artistiche di tutto il periodo medievale, e le sue leggi erano considerate universali, determinando la vita e le relazioni delle persone. Con le diverse manifestazioni della natura è stato confrontato mondo interiore persona. Ciò ha influenzato lo sviluppo del metodo simbolico nelle arti visive, definendone il linguaggio poetico allegorico. In Cina, Giappone e Corea, sotto l'influenza di un tale atteggiamento nei confronti della natura, si formarono tipi e generi d'arte, furono costruiti complessi architettonici, strettamente legati al paesaggio circostante, arte del giardino e, infine, ci fu l'alba della pittura di paesaggio. Sotto l'influenza dell'antica civiltà indiana, il buddismo iniziò a diffondersi e anche l'induismo iniziò a diffondersi in Mongolia e Tibet. Questi sistemi religiosi hanno portato non solo nuove idee nei paesi dell'Estremo Oriente, ma hanno anche avuto un impatto diretto sullo sviluppo dell'arte. Grazie al buddismo, un nuovo linguaggio artistico di scultura e pittura precedentemente sconosciuto è apparso in tutti i paesi della regione, sono stati creati ensemble, la cui caratteristica era l'interazione tra architettura e belle arti.

Le caratteristiche dell'immagine delle divinità buddiste nella scultura e nella pittura si sono evolute nel corso di molti secoli come uno speciale linguaggio simbolico che esprimeva idee sull'universo, le leggi morali e il destino dell'uomo. Così, l'esperienza culturale e le tradizioni spirituali di molti popoli sono state consolidate e preservate. Le immagini dell'arte buddista incarnavano le idee del confronto tra il bene e il male, la misericordia, l'amore e la speranza. Tutte queste qualità hanno determinato l'originalità e il significato universale delle eccezionali creazioni della cultura artistica dell'Estremo Oriente.

Il Giappone si trova sulle isole l'oceano Pacifico che si estende lungo la costa orientale del continente asiatico da nord a sud. Le isole giapponesi si trovano in una zona soggetta a frequenti terremoti e tifoni. Gli abitanti delle isole sono abituati a stare costantemente in guardia, ad accontentarsi di una vita modesta, a ripristinare rapidamente le loro case e le loro famiglie dopo i disastri naturali. Nonostante gli elementi naturali che minacciano costantemente il benessere delle persone, la cultura giapponese riflette il desiderio di armonia con il mondo esterno, la capacità di vedere la bellezza della natura in grandi e piccoli.

Nella mitologia giapponese, gli sposi divini, Izanagi e Izanami, erano considerati gli antenati di tutto il mondo. Da loro proveniva una triade di grandi dei: Amaterasu - la dea del sole, Tsukiyomi - la dea della luna e Susanoo - il dio della tempesta e del vento. Secondo le idee degli antichi giapponesi, le divinità non avevano un aspetto visibile, ma erano incarnate nella natura stessa - non solo nel Sole e nella Luna, ma anche in montagne e rocce, fiumi e cascate, alberi ed erbe, che erano venerati come spiriti-kami (gli slovacchi nella traduzione dal giapponese significano vento divino). Questa divinizzazione della natura persistette per tutto il periodo del Medioevo e fu chiamata Shinto - la via degli dei, diventando la religione nazionale giapponese; Gli europei lo chiamano Shintoismo. Le origini della cultura giapponese sono radicate nell'antichità. Le prime opere d'arte risalgono al IV...II millennio a.C. Il periodo più lungo e fruttuoso per l'arte giapponese fu il Medioevo (VI...XIX secolo).

Il design di una casa tradizionale giapponese sviluppato dai secoli XVII-XVIII. Si tratta di un telaio in legno con tre pareti mobili e una fissa. Le pareti non svolgono le funzioni di supporto, quindi possono essere spostate o addirittura rimosse, fungendo contemporaneamente da finestra. Nella stagione calda le pareti erano una struttura reticolare, incollata con carta traslucida che lasciava passare la luce, e nella stagione fredda e piovosa venivano coperte o sostituite con pannelli di legno. Con un'elevata umidità nel clima giapponese, la casa deve essere ventilata dal basso. Pertanto, è sollevato dal livello del suolo di 60 cm Per proteggere i pilastri di sostegno dal degrado, sono stati installati su fondamenta in pietra.

Il telaio in legno leggero aveva la flessibilità necessaria, che riduceva la forza distruttiva della spinta durante i frequenti terremoti nel paese. Il tetto, di tegole o di canne, aveva grandi tettoie che proteggevano le pareti di carta della casa dalla pioggia e dal sole cocente estivo, ma non trattenevano la scarsa luce solare in inverno, all'inizio della primavera e nel tardo autunno. Sotto la tettoia del tetto c'era una veranda.

Il pavimento dei salotti era ricoperto di stuoie - tatami, su cui si sedevano per lo più, non in piedi. Pertanto, tutte le proporzioni della casa erano focalizzate su una persona seduta. Non essendoci mobili fissi in casa, dormivano per terra, su speciali materassi spessi, che durante il giorno venivano riposti negli armadi. Mangiavano, seduti su stuoie, a tavoli bassi, servivano anche per varie attività. Tramezzi interni scorrevoli, ricoperti di carta o seta, potrebbero dividere spazi interni a seconda delle esigenze, che consentivano di utilizzarla in modo più vario, tuttavia, era impossibile per ciascuno dei suoi abitanti ritirarsi completamente all'interno della casa, il che incideva sui rapporti intrafamiliari nella famiglia giapponese, e in senso più generale, sulle caratteristiche del carattere nazionale dei giapponesi. Un dettaglio importante della casa è una nicchia situata vicino al muro immobile - tokonama, dove potrebbe essere appesa un'immagine o una composizione di fiori - ikebana. Era il centro spirituale della casa. Nella decorazione della nicchia si manifestavano le qualità individuali degli abitanti della casa, i loro gusti e le inclinazioni artistiche.

Una continuazione della casa tradizionale giapponese era un giardino. Ha svolto il ruolo di recinto e allo stesso tempo ha collegato la casa con l'ambiente. Quando i muri esterni della casa sono stati spostati, il confine tra lo spazio interno della casa e il giardino è scomparso e si è creata una sensazione di vicinanza alla natura, di comunicazione diretta con essa. Questa era una caratteristica importante dell'atteggiamento nazionale. Tuttavia, le città giapponesi sono cresciute, la dimensione del giardino è diminuita, spesso è stata sostituita da una piccola composizione simbolica di fiori e piante, che ha svolto lo stesso ruolo di contatto tra l'abitazione e il mondo naturale. mitologia giapponese casa ikebana netsuke

L'arte di disporre i fiori nei vasi - ikebbna (la vita dei fiori) - risale all'antica usanza di deporre i fiori sull'altare di una divinità, diffusasi in Giappone con il Buddismo nel VI secolo. Molto spesso, la composizione nello stile di quel tempo - rikka (fiori piantati) - consisteva in un ramo di pino o cipresso e fiori di loto, rose, narcisi, installati in antichi vasi di bronzo.

Con lo sviluppo cultura laica nel X...XII secolo, le composizioni floreali furono installate nei palazzi e nei quartieri residenziali dei rappresentanti della classe aristocratica. Alla corte imperiale divennero popolari concorsi speciali per l'organizzazione di mazzi di fiori. Nella seconda metà del XV secolo apparve una nuova direzione nell'arte dell'ikebana, il cui fondatore fu il maestro Ikenobo Sen'ei. Le opere della scuola Ikenobo si distinguevano per la loro particolare bellezza e raffinatezza, venivano installate sugli altari domestici e presentate in dono. Nel XVI secolo, con la diffusione delle cerimonie del tè, si formò un particolare tipo di ikebana per decorare la nicchia del tokonoma nel padiglione del tè. Il requisito di semplicità, armonia, colori sobri, presentato a tutti gli oggetti del culto del tè, esteso al design dei fiori - tyabana (ikebana per la cerimonia del tè). Il famoso maestro del tè Senno Rikyu ha creato un nuovo stile più libero: nageire (fiori posizionati con noncuranza), sebbene fosse nell'apparente disordine che consisteva la speciale complessità e bellezza delle immagini di questo stile. Uno dei tipi di nageire era il cosiddetto tsuribana, quando le piante venivano poste in un vaso sospeso a forma di barca. Tali composizioni venivano offerte a una persona che entrava in carica o si diplomava, poiché simboleggiavano "l'uscita in mare aperto della vita". Nel XVII...XIX secolo l'arte dell'ikebana si diffuse e nacque l'usanza di addestrare obbligatoriamente le ragazze nell'arte di realizzare bouquet. Tuttavia, a causa della popolarità dell'ikebana, le composizioni furono semplificate e le rigide regole dello stylistikka dovettero essere abbandonate a favore del nageire, dal quale si distinse un altro. un nuovo stile seika o shoka (fiori vivi). Alla fine del XIX secolo, il maestro Ohara Usin creò lo stile moribana, la cui principale innovazione consisteva nel disporre i fiori in ampi vasi.

Nella composizione dell'ikebana, di regola, ci sono tre elementi obbligatori, che denotano i tre principi: Cielo, Terra e Uomo. Possono essere incarnati come un fiore, un ramo e un'erba. La loro correlazione tra loro e gli elementi aggiuntivi crea opere di diverso stile e contenuto. Il compito dell'artista non è solo quello di creare una bella composizione, ma anche di trasmettere in modo più completo i propri pensieri sulla vita di una persona e sul suo posto nel mondo. Le opere di eccezionali maestri di ikebana possono esprimere speranza e tristezza, armonia spirituale e tristezza.

Secondo la tradizione in ikebana, la stagione è necessariamente riprodotta e la combinazione di piante forma simbolici auguri ben noti in Giappone: pino e rosa - longevità; peonia e bambù: prosperità e pace; crisantemo e orchidea: gioia; magnolia - purezza spirituale, ecc.

Scultura in miniatura: il netsuke si diffuse nei secoli 18-19 come uno dei tipi di arti e mestieri. Il suo aspetto è dovuto al fatto che il costume nazionale giapponese - il kimono - non ha tasche e tutto il necessario piccoli oggetti(tubo, sacchetto, scatola dei medicinali) sono fissati alla cintura tramite un portachiavi a contrappeso. Netsuke, quindi, ha necessariamente un foro per un laccio, con l'aiuto del quale viene attaccato l'oggetto desiderato. Prima si usavano portachiavi a forma di bastoncini e bottoni, ma già dalla fine del XVIII secolo noti maestri hanno lavorato alla creazione di netsuke, apponendo la propria firma sulle opere.

Netsuke è l'arte della classe urbana, di massa e democratica. Secondo le trame di netsuke, si possono giudicare i bisogni spirituali, gli interessi quotidiani, i costumi e le usanze dei cittadini. Credevano negli spiriti e nei demoni, che erano spesso raffigurati in sculture in miniatura. Amavano le statuette dei "sette dei della felicità", tra cui i più popolari erano il dio della ricchezza Daikoku e il dio della felicità Fukuroku. Le trame costanti di netsuke erano le seguenti: una melanzana spezzata con molti semi all'interno - un augurio di una grande prole maschile, due anatre - un simbolo di felicità familiare. Un numero enorme di netsuke è dedicato ad argomenti quotidiani e Vita di ogni giorno città. Questi sono attori e maghi erranti, venditori ambulanti, donne che svolgono varie attività, monaci erranti, lottatori, persino gli olandesi nei loro vestiti esotici, dal punto di vista dei giapponesi: cappelli a tesa larga, canotte e pantaloni. Distinti dalla diversità tematica, i netsuke hanno mantenuto la loro funzione originaria di portachiavi, e questo scopo ha imposto agli artigiani una forma compatta senza fragili dettagli sporgenti, arrotondata, piacevole al tatto. Anche la scelta del materiale è legata a questo: poco pesante, resistente, costituito da un unico pezzo. I materiali più comuni erano diversi tipi di legno, avorio, ceramica, lacca e metallo.

La pittura giapponese è molto varia non solo nel contenuto, ma anche nella forma: si tratta di pitture murali, pitture su schermo, volute verticali e orizzontali, eseguite su seta e carta, fogli di album e ventagli.

DI pittura antica può essere giudicato solo da riferimenti in documenti scritti. Le prime opere eccezionali sopravvissute risalgono al periodo Heian (794-1185). Queste sono illustrazioni del famoso "The Tale of Prince Genji" dello scrittore Murasaki Shikibu. Le illustrazioni sono state realizzate su più rotoli orizzontali e integrate con testo. Sono attribuiti al pennello dell'artista Fujiwara Takayoshi (prima metà del XII secolo).

Un tratto caratteristico della cultura di quell'epoca, creata da una cerchia piuttosto ristretta della classe aristocratica, era il culto della bellezza, il desiderio di trovare in tutte le manifestazioni della vita materiale e spirituale il proprio fascino intrinseco, a volte sfuggente e sfuggente. La pittura di quel tempo, in seguito chiamata yamato-e (letteralmente pittura giapponese), non trasmetteva un'azione, ma uno stato d'animo. Quando i duri e coraggiosi rappresentanti della classe militare salirono al potere, la cultura dell'era Heian iniziò a declinare. Nel dipinto sui rotoli è stato stabilito il principio narrativo: si tratta di leggende sui miracoli piene di episodi drammatici, biografie di predicatori di fede buddista, scene di battaglie di guerrieri. Nei secoli XIV-XV, sotto l'influenza degli insegnamenti della setta Zen, con la sua particolare attenzione alla natura, iniziò a svilupparsi la pittura di paesaggio (inizialmente sotto l'influenza di modelli cinesi).

Per un secolo e mezzo, gli artisti giapponesi hanno dominato il sistema artistico cinese, facendo della pittura paesaggistica monocromatica un patrimonio. arte nazionale. La sua più alta fioritura è associata al nome di un eccezionale Maestri Toyo Oda (1420...1506), meglio conosciuto con lo pseudonimo di Sesshu. Nei suoi paesaggi, utilizzando solo le migliori sfumature di inchiostro nero, è riuscito a riflettere l'intera natura multicolore del mondo naturale e dei suoi innumerevoli stati: un'atmosfera satura di umidità inizio primavera, il vento invisibile ma sentito e la fredda pioggia autunnale, l'immobilità immobile dell'inverno.

Il XVI secolo apre l'era del cosiddetto tardo medioevo, che durò tre secoli e mezzo. In questo periodo si diffusero le pitture murali che decoravano i palazzi dei sovrani del paese e dei grandi feudatari. Uno dei fondatori della nuova direzione della pittura fu il famoso maestro Kano Eitoku, vissuto nella seconda metà del XVI secolo. L'incisione su legno (xilografia), che fiorì nei secoli 18-19, divenne un altro tipo di belle arti del Medioevo. L'incisione, come la pittura di genere, era chiamata ukiyo-e (immagini del mondo quotidiano). Nel creare un'incisione, oltre all'artista che ha creato il disegno e su cui ha scritto il suo nome foglio finito, ha coinvolto un intagliatore e una stampante. Inizialmente l'incisione era monofonica, veniva dipinta a mano dall'artista stesso o dall'acquirente. Quindi fu inventata la stampa a due colori e nel 1765 l'artista Suzuki Harunobu (1725-1770) utilizzò per la prima volta la stampa multicolore. Per fare ciò, l'intagliatore ha posizionato una carta da lucido con un motivo su una tavola segata longitudinale appositamente preparata (da pero, ciliegio o bosso giapponese) e ha ritagliato il numero richiesto di tavole stampate, a seconda della combinazione di colori dell'incisione. A volte ce n'erano più di 30. Successivamente, lo stampatore, scegliendo le tonalità giuste, ha realizzato stampe su carta speciale. La sua abilità consisteva nell'ottenere un'esatta corrispondenza dei contorni di ciascun colore, ottenuti da diverse tavole di legno. Tutte le incisioni erano divise in due gruppi: teatrale, che raffigurava gli attori del teatro Kabuki classico giapponese in vari ruoli, e scrittura quotidiana, dedicata alla rappresentazione di bellezze e scene della loro vita. Il maestro più famoso dell'incisione teatrale è stato Toshyushay Syaraku, che ha raffigurato in primo piano i volti degli attori, sottolineando i tratti del ruolo che interpretavano, i tratti caratteristici della persona reincarnata come personaggio della commedia: rabbia, paura, crudeltà, inganno.

Artisti eccezionali come Suzuki Harunobu e Kitagawa Utamaro sono diventati famosi nell'incisione della vita di tutti i giorni. Utamaro è stato il creatore immagini femminili incarnando l'ideale nazionale di bellezza. Le sue eroine sembrano essersi congelate per un momento e ora continueranno il loro movimento fluido e aggraziato. Ma questa pausa è il momento più espressivo in cui l'inclinazione della testa, il gesto della mano, la sagoma della figura trasmettono i sentimenti in cui vivono.

al massimo famoso maestro incisioni era geniale artista Katsushika Hokusai (1776-1849). Il lavoro di Hokusai si basa sulla secolare cultura pittorica del Giappone. Hokusai ha realizzato oltre 30.000 disegni e illustrato circa 500 libri. Già settantenne, Hokusai ha creato una delle opere più significative: una serie di "36 vedute del Fuji", che gli consente di essere messo alla pari con gli artisti più importanti dell'arte mondiale. Mostrando il Monte Fuji - il simbolo nazionale del Giappone - da luoghi diversi, Hokusai rivela per la prima volta l'immagine della madrepatria e l'immagine del popolo nella sua unità. L'artista vedeva la vita come un unico processo in tutta la diversità delle sue manifestazioni, che vanno dai semplici sentimenti di una persona, alle sue attività quotidiane e termina con la natura circostante con i suoi elementi e la sua bellezza. L'opera di Hokusai, che ha assorbito la secolare esperienza dell'arte del suo popolo, è l'ultimo picco in cultura artistica Giappone medievale, il suo notevole risultato.

Ciao, cari lettori cercatori di conoscenza e verità!

Gli artisti giapponesi si distinguono per il loro stile unico, affinato da generazioni di maestri. Oggi parleremo dei rappresentanti più brillanti della pittura giapponese e dei loro dipinti, dai tempi antichi ai tempi moderni.

Bene, tuffiamoci nell'arte del Paese del Sol Levante.

La nascita dell'arte

L'antica arte della pittura in Giappone è principalmente associata alle peculiarità della scrittura e quindi si basa sulle basi della calligrafia. I primi esempi includono frammenti di campane di bronzo, piatti e oggetti domestici trovati durante gli scavi. Molti di loro sono stati dipinti vernici naturali e gli studi danno motivo di ritenere che i prodotti siano stati realizzati prima del 300 a.C.

Una nuova fase nello sviluppo dell'arte è iniziata con l'arrivo in Giappone. Su emakimono - speciali rotoli di carta - sono state applicate immagini delle divinità del pantheon buddista, scene della vita del Maestro e dei suoi seguaci.

La predominanza dei temi religiosi nella pittura può essere rintracciata nel Giappone medievale, precisamente dal X al XV secolo. I nomi degli artisti di quell'epoca fino ad oggi, purtroppo, non sono stati conservati.

Nel periodo di 15-18 secoli inizia un nuovo tempo, caratterizzato dall'apparizione di artisti con uno stile individuale sviluppato. Hanno segnato il vettore per l'ulteriore sviluppo delle belle arti.

Brillanti rappresentanti del passato

Tense Shubun (inizio XV secolo)

Per diventare un maestro eccezionale, Xubong ha studiato le tecniche di scrittura degli artisti Sung cinesi e il loro lavoro. Successivamente, divenne uno dei fondatori della pittura in Giappone e il creatore del sumi-e.

Sumi-e è uno stile artistico basato sul disegno a inchiostro, che significa un colore.

Shubun ha fatto molto per far radicare il nuovo stile nei circoli artistici, insegnando l'arte ad altri talenti, tra cui il futuro pittori famosi come Sesshu.

Il dipinto più popolare di Shubun si chiama "Lettura nel boschetto di bambù".

"Leggere nel boschetto di bambù" di Tense Shubun

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

È diventato il creatore della scuola, dal nome di se stesso - Hasegawa. All'inizio cercò di seguire i canoni della scuola di Kano, ma gradualmente la sua "calligrafia" individuale iniziò a essere rintracciata nelle sue opere. Tohaku è stato guidato dalla grafica di Sesshu.

La base del lavoro erano paesaggi semplici, concisi ma realistici con nomi semplici:

"Pini";
"Acero";
Pini e piante fiorite.

Pini, Hasegawa Tohaku

Fratelli Ogata Korin (1658-1716) e Ogata Kenzan (1663-1743)

I fratelli erano eccellenti artigiani del XVIII secolo. Il maggiore, Ogata Korin, si dedicò interamente alla pittura e fondò il genere rimpa. Ha evitato le immagini stereotipate, preferendo il genere impressionista.

Ogata Korin ha dipinto la natura in generale e i fiori sotto forma di luminose astrazioni in particolare. I suoi pennelli appartengono al dipinto:

"Fiore di susino rosso e bianco";
"Onde di Matsushima";
"Crisantemi".

Onde di Matsushima di Korin Ogata

Il fratello minore - Ogata Kenzan - aveva molti pseudonimi. Almeno era impegnato nella pittura, ma era più famoso come meraviglioso ceramista.

Ogata Kenzan padroneggiava molte tecniche della ceramica. Si è distinto per un approccio non standard, ad esempio, ha creato piatti a forma di quadrato.

La propria pittura non si distingueva per lo splendore: questa era anche la sua particolarità. Gli piaceva mettere la calligrafia su prodotti come una pergamena o estratti di poesie. A volte hanno lavorato insieme al fratello.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Ha lavorato nello stile di ukiyo-e, una specie di xilografia, in altre parole, pittura per incisione. Per tutto il tempo della creatività, ha cambiato circa 30 nomi. L'opera più famosa è The Great Wave off Kanagawa, grazie alla quale è diventato famoso fuori dalla sua terra natale.

"La grande onda di Kanagawa" di Hokusai Katsushika

Hokusai ha iniziato a lavorare particolarmente duramente dopo 60 anni, il che ha portato buoni risultati. Van Gogh, Monet, Renoir conoscevano il suo lavoro e in una certa misura ha influenzato il lavoro dei maestri europei.

Andō Hiroshige (1791-1858)

Uno di i più grandi artisti 19esimo secolo. Nato, vissuto, lavorato a Edo, ha continuato il lavoro di Hokusai, è stato ispirato dal suo lavoro. Il modo in cui ha ritratto la natura è sorprendente quasi quanto il numero delle opere stesse.

Edo è l'antico nome di Tokyo.

Ecco alcuni dati sulla sua opera, che sono rappresentati da un ciclo di dipinti:

5,5 mila - il numero di tutte le incisioni;
“100 vedute di Edo;
"36 vedute del Fuji";
"69 Stazioni Kisokaido";
"53 stazioni Tokaido".

Dipinto di Ando Hiroshige

È interessante notare che l'eccezionale Van Gogh ha scritto un paio di copie delle sue incisioni.

Modernità

Takashi Murakami

Pittore, scultore, stilista, si è fatto un nome già alla fine del '900. Nel suo lavoro aderisce alle tendenze della moda con elementi dei classici e trae ispirazione dai cartoni animati di anime e manga.

Dipinto di Takashi Murakami

Le opere di Takashi Murakami sono classificate come una sottocultura, ma allo stesso tempo sono incredibilmente popolari. Ad esempio, nel 2008, una delle sue opere è stata acquistata all'asta per oltre 15 milioni di dollari. Un tempo, il creatore moderno ha collaborato con le case di moda "Marc Jacobs" e "Louis Vuitton".

Tycho Asima

Associata di un artista precedente, crea dipinti surreali contemporanei. Rappresentano vedute di città, strade di megalopoli e creature come se provenissero da un altro universo: fantasmi, spiriti maligni, ragazze aliene. Sullo sfondo dei dipinti è spesso possibile vedere la natura incontaminata, a volte persino spaventosa.

I suoi dipinti raggiungono grandi dimensioni e raramente si limitano alla carta. Vengono trasferiti su pelle, materiali plastici.

Nel 2006, nell'ambito di una mostra nella capitale britannica, una donna ha creato circa 20 strutture ad arco che riflettevano la bellezza della natura del villaggio e della città, di giorno e di notte. Uno di loro ha decorato la stazione della metropolitana.

Ciao Arakawa

Il giovane non può essere definito solo un artista nel senso classico del termine: crea installazioni così popolari nell'arte del 21 ° secolo. I temi delle sue mostre sono veramente giapponesi e toccano relazioni amichevoli, così come il lavoro di tutto il team.

Ei Arakawa partecipa spesso a varie biennali, ad esempio a Venezia, è esposto al Museo d'Arte Moderna della sua terra natale e riceve meritatamente vari premi.

Ikenaga Yasunari

Il pittore moderno Ikenaga Yasunari è riuscito a combinare due cose apparentemente incompatibili: la vita delle ragazze di oggi in forma di ritratto e le tecniche tradizionali del Giappone provengono dall'antichità. Nel suo lavoro, il pittore utilizza pennelli speciali, vernici pigmentate naturali, inchiostro e carboncino. Invece del solito tessuto di lino - lino.

Dipinto di Ikenaga Yasunari

Questa tecnica di contrasto tra l'era raffigurata e l'aspetto delle eroine crea l'impressione che ci siano tornate dal passato.

Una serie di dipinti sulla complessità della vita di un coccodrillo, recentemente diventata popolare nella comunità di Internet, è stata creata anche dal fumettista giapponese Keigo.

Conclusione

Quindi, la pittura giapponese ha avuto origine intorno al III secolo aC e da allora è cambiata molto. Le prime immagini furono applicate alla ceramica, poi i motivi buddisti iniziarono a prevalere nelle arti, ma i nomi degli autori non sono sopravvissuti fino ad oggi.

Nell'era della New Age, i maestri del pennello acquisirono sempre più individualità, crearono diverse direzioni, scuole. Le arti visive di oggi non si limitano alla pittura tradizionale: vengono utilizzate installazioni, caricature, sculture artistiche, strutture speciali.

Grazie mille per l'attenzione, cari lettori! Speriamo che tu abbia trovato utile il nostro articolo e le storie sulla vita e sul lavoro i rappresentanti più brillanti le arti hanno permesso di conoscerli meglio.

Certo, è difficile raccontare in un articolo tutti gli artisti dall'antichità ai giorni nostri. Sia dunque questo il primo passo verso la conoscenza della pittura giapponese.

E unisciti a noi - iscriviti al blog - studieremo insieme il buddismo e la cultura d'Oriente!

Sin dai tempi antichi, l'arte giapponese è stata caratterizzata da attività creatività. Nonostante la dipendenza dalla Cina, dove emergevano costantemente nuove tendenze artistiche ed estetiche, gli artisti giapponesi introdussero sempre nuove caratteristiche e cambiarono l'arte dei loro insegnanti, conferendole un aspetto giapponese.

La storia del Giappone in quanto tale inizia ad assumere forme definite solo alla fine del V secolo. Sono stati rinvenuti relativamente pochi oggetti risalenti ai secoli precedenti (periodo arcaico), anche se alcuni ritrovamenti effettuati durante gli scavi o durante i lavori di costruzione parlano di notevole talento artistico.

periodo arcaico.

Le più antiche opere d'arte giapponese sono vasi di terracotta del tipo Jomon (impressione di corda). Il nome deriva dalla decorazione della superficie con impressioni a spirale di una corda avvolta attorno ai bastoncini che il maestro utilizzava per realizzare il vaso. Forse, all'inizio, i maestri hanno scoperto per caso stampe di vimini, ma poi hanno iniziato a usarle consapevolmente. A volte riccioli di argilla simili a cordoni venivano incollati sulla superficie, creando un effetto decorativo più complesso, quasi un rilievo. La prima scultura giapponese ha avuto origine nella cultura Jomon. Dogu (letteralmente "immagine di argilla") di una persona o di un animale aveva probabilmente un qualche tipo di significato religioso. Le immagini di persone, per lo più donne, sono molto simili alle dee dell'argilla di altre culture primitive.

L'analisi al radiocarbonio mostra che alcuni reperti della cultura Jomon potrebbero risalire al 6-5 mila aC, ma una datazione così precoce non è generalmente accettata. Naturalmente, tali piatti sono stati preparati per molto tempo e, sebbene non sia ancora possibile stabilire date esatte, si distinguono tre periodi. Gli esemplari più antichi hanno una base appuntita e sono quasi privi di ornamenti, ad eccezione delle tracce di un attrezzo da vasaio. I vasi del periodo medio sono più riccamente decorati, a volte con elementi modellati che creano l'impressione di volume. Le forme dei vasi del terzo periodo sono molto diverse, ma il decoro si appiattisce nuovamente e si fa più sobrio.

Circa nel 2 ° secolo. AVANTI CRISTO. La ceramica Jōmon ha lasciato il posto alla ceramica Yayoi, caratterizzata da eleganza delle forme, semplicità del design e alta qualità tecnica. Il frammento del vaso divenne più sottile, l'ornamento meno stravagante. Questo tipo prevalse fino al III sec. ANNO DOMINI

Da un punto di vista artistico, forse le migliori opere del primo periodo sono i khaniwa, cilindri di argilla risalenti al III-V secolo. ANNO DOMINI I monumenti caratteristici di quest'epoca sono enormi colline, o tumuli funerari, strutture funerarie di imperatori e potenti nobiltà. Spesso molto grandi, sono testimonianza del potere e della ricchezza della famiglia imperiale e dei cortigiani. La costruzione di una tale struttura per l'imperatore Nintoku-tenno (c. 395-427 dC) richiese 40 anni. La caratteristica più notevole di questi tumuli erano i cilindri di argilla che li circondavano come un recinto, khaniva. Di solito questi cilindri erano abbastanza semplici, ma a volte erano decorati con figure umane, meno spesso con figure di cavalli, case o galli. Il loro scopo era duplice: prevenire l'erosione di enormi masse di terra e fornire al defunto tutto ciò di cui aveva bisogno nella vita terrena. Naturalmente i cilindri furono realizzati subito in grandi quantità. La varietà di temi, espressioni facciali e gesti delle figure che le decorano è in gran parte il risultato dell'improvvisazione del maestro. Nonostante si tratti più di opere di artigiani, piuttosto che di artisti e scultori, sono di grande importanza come vero e proprio giapponese forma d'arte. Rappresentano edifici, cavalli avvolti in coperte, dame prim e guerrieri immagine interessante vita militare del primo Giappone feudale. È possibile che i prototipi di questi cilindri siano apparsi in Cina, dove vari oggetti venivano deposti direttamente nelle sepolture, ma l'esecuzione e l'uso dell'haniwa appartengono alla tradizione locale.

Il periodo arcaico è spesso visto come un tempo privo di opere di alto livello artistico, un tempo di predominio di cose che hanno valore prevalentemente archeologico ed etnologico. Tuttavia, va ricordato che le opere di questa cultura primitiva nel loro insieme ebbero una grande vitalità, poiché le loro forme sopravvissero e continuarono ad esistere come specifiche caratteristiche nazionali Arte giapponese in periodi successivi.

Periodo Asuka

(552-710 d.C.). Introduzione del buddismo a metà del VI sec. apportò cambiamenti significativi nel modo di vivere e nel pensiero dei giapponesi e divenne l'impulso per lo sviluppo dell'arte di questo periodo e di quelli successivi. L'arrivo del buddismo dalla Cina attraverso la Corea è tradizionalmente datato al 552 d.C., ma probabilmente era noto prima. Nei primi anni, il buddismo ha affrontato l'opposizione politica, l'opposizione alla religione nazionale dello shintoismo, ma dopo solo pochi decenni, la nuova fede ha ricevuto l'approvazione ufficiale ed è stata finalmente stabilita. Nei primi anni della sua penetrazione in Giappone, il buddismo era una religione relativamente semplice con un piccolo numero di divinità che necessitavano di immagini, ma dopo circa cento anni guadagnò forza e il pantheon crebbe enormemente.
Durante questo periodo furono fondati templi che servivano non solo allo scopo di promuovere la fede, ma erano centri d'arte e di educazione. Il monastero-tempio di Horyu-ji è uno dei più importanti per lo studio della prima arte buddista. Tra gli altri tesori, c'è una statua della grande triade Syaka-Nerai (623 dC). Quest'opera di Tori Busshi, il primo grande scultore giapponese a noi noto, è un'immagine stilizzata in bronzo, simile a gruppi simili nei grandi templi rupestri della Cina. La rigorosa frontalità si osserva nella posa dello Shaki seduto (trascrizione giapponese della parola "shakyamuni", il Buddha storico) e di due figure in piedi ai suoi lati. Forme figura umana nascosto da pesanti pieghe simmetriche di abiti resi schematicamente, e nei volti lisci e allungati si può sentire un sognante assorbimento di sé e contemplazione. La scultura di questo primo periodo buddista si basa sullo stile e sui prototipi della terraferma di cinquant'anni fa; segue fedelmente la tradizione cinese arrivata in Giappone attraverso la Corea.

Alcune delle sculture più importanti di questo periodo erano realizzate in bronzo, ma veniva utilizzato anche il legno. Le due sculture in legno più famose sono le statue della dea Kannon: Yumedono Kannon e Kudara Kannon, entrambe a Horyuji. Sono un oggetto di culto più attraente della triade Shaki, con i loro sorrisi arcaici e le loro espressioni sognanti. Sebbene la disposizione delle pieghe delle vesti nelle figure di Kannon sia anch'essa schematica e simmetrica, esse sono più leggere e piene di movimento. Alto figure snelle sottolineare la spiritualità dei volti, la loro gentilezza astratta, lontana da ogni preoccupazione mondana, ma sensibile alle suppliche del sofferente. Lo scultore ha prestato una certa attenzione ai contorni della figura di Kudara Kannon, nascosti dalle pieghe dei vestiti, e in contrasto con la sagoma frastagliata di Yumedono, il movimento sia della figura che del tessuto è diretto in profondità. Nel profilo di Kudar, Kannon ha una graziosa forma a S.

L'unico esempio superstite di pittura che dà un'idea dello stile dell'inizio del VII secolo è Tamamushi Zushi, il "santuario alato". Questo santuario in miniatura prende il nome dalle iridescenti ali di scarabeo incastonate in una struttura metallica traforata; in seguito fu decorato con composizioni religiose e figure di singoli personaggi, realizzate con lacche colorate. Come la scultura di questo periodo, alcune delle immagini mostrano una grande libertà di progettazione.

Periodo Nara

(710-784). Nel 710 la capitale fu trasferita a Nara, una nuova città modellata sulla capitale cinese Chang'an. C'erano strade larghe, grandi palazzi, numerosi templi buddisti. Non solo il buddismo in tutti i suoi aspetti, ma l'intera vita culturale e politica cinese era vista come un modello. Nessun altro Paese, forse, ha sentito a tal punto l'insufficienza della propria cultura e non è stato così suscettibile alle influenze esterne. Studiosi e pellegrini si spostavano liberamente tra il Giappone e la terraferma, e l'amministrazione e la vita di palazzo erano modellate sulla Cina durante la dinastia Tang. Va però ricordato che, pur imitando i modelli della Cina Tang, soprattutto nell'arte, percependone l'influenza e lo stile, i giapponesi adattarono quasi sempre forme straniere alle proprie.

Nella scultura, la rigorosa frontalità e simmetria del precedente periodo Asuka lascia il posto a forme più libere. Lo sviluppo di idee sugli dei, la maggiore abilità tecnica e la libertà di proprietà del materiale hanno permesso agli artisti di creare immagini iconiche più vicine e accessibili. La fondazione di nuove sette buddiste ha ampliato il pantheon fino a includere anche i santi e i fondatori del buddismo. Oltre alla scultura in bronzo, sono note numerose opere in legno, argilla e lacca. La pietra era rara e quasi mai utilizzata per la scultura. La lacca secca era particolarmente apprezzata, forse perché, nonostante la complessità del processo di preparazione della composizione, le opere realizzate con essa sembravano più spettacolari del legno ed erano più resistenti dei prodotti in argilla che erano più facili da fabbricare. Le figure in lacca venivano formate su una base di legno o di argilla, che veniva poi asportata, oppure su infissi di legno o di fil di ferro; erano leggeri e forti. Sebbene questa tecnica imponesse una certa rigidità nelle pose, nella raffigurazione dei volti era concessa una grande libertà, che in parte contribuì allo sviluppo di quella che può essere definita una vera e propria scultura di ritratto. L'immagine del volto della divinità è stata eseguita secondo le rigide prescrizioni dei canoni buddisti, ma la popolarità e persino la divinizzazione di alcuni dei fondatori e predicatori della fede hanno fornito eccellenti opportunità per trasmettere la somiglianza del ritratto. Tale somiglianza può essere rintracciata nella scultura in lacca secca del patriarca cinese Genjin, venerato in Giappone, situata nel tempio Toshodaiji. Genjin era cieco quando arrivò in Giappone nel 753, e i suoi occhi ciechi e lo stato illuminato di contemplazione interiore sono magnificamente resi da uno scultore sconosciuto. Questa tendenza realistica è stata espressa più chiaramente nella scultura lignea del predicatore Kui, creata dallo scultore Kosho nei secoli XIII-XIV. Il predicatore è vestito da mendicante errante con bastone, gong e mazza, e dalla sua bocca semiaperta escono piccole figure del Buddha. Non soddisfatto dell'immagine del monaco che canta, lo scultore ha cercato di esprimere il significato più intimo delle sue parole.
Le immagini del Buddha del periodo Nara si distinguono anche per il grande realismo. Creati per un numero sempre crescente di templi, non sono così imperturbabilmente freddi e riservati come i loro predecessori, hanno una bellezza e una nobiltà più aggraziate e si rivolgono alle persone che li adorano con più favore.

Sono sopravvissuti pochissimi dipinti di questo periodo. Il disegno multicolore su carta raffigura le vite passate e presenti del Buddha. Questo è uno dei pochi esempi antichi di emakimono, o pittura su rotolo. Le pergamene venivano srotolate lentamente da destra a sinistra, e lo spettatore poteva godersi solo la parte del quadro che si trovava tra le mani che svolgevano la pergamena. Le illustrazioni erano direttamente sopra il testo, a differenza dei rotoli successivi, dove una sezione di testo si alternava a un'immagine esplicativa. In questi più antichi esempi superstiti di pittura su rotolo, le figure tratteggiate sono poste sullo sfondo di un paesaggio appena delineato, e il personaggio centrale, in questo caso Syaka appare in vari episodi.

Il primo Heian

(784-897). Nel 784 la capitale fu temporaneamente trasferita a Nagaoka, in parte per evitare il predominio del clero buddista di Nara. Nel 794 si trasferì a Heian (ora Kyoto) per un periodo più lungo. Fine VIII e IX secolo furono un periodo in cui il Giappone assimilò con successo, adattandosi alle proprie caratteristiche, molte innovazioni straniere. Anche la religione buddista ha vissuto un periodo di cambiamento, l'emergere di nuove sette del buddismo esoterico, con il suo rituale e l'etichetta sviluppati. Di queste, le più influenti furono le sette Tendai e Shingon, che originarie dell'India raggiunsero la Cina, e da lì furono portate in Giappone da due studiosi che tornarono in patria dopo un lungo apprendistato. La setta Shingon ("Parole vere") era particolarmente apprezzata a corte e occupò rapidamente una posizione dominante. I suoi principali monasteri erano situati sul monte Koya vicino a Kyoto; come altri importanti centri buddisti, sono diventati un deposito enormi collezioni monumenti d'arte.

Scultura IX sec. era principalmente di legno. Le immagini delle divinità si distinguevano per severità e grandezza inaccessibile, sottolineata dalla solennità del loro aspetto e imponenza. I tendaggi erano abilmente tagliati secondo schemi standard, le sciarpe giacevano a onde. La figura di Shaki in piedi dal tempio di Muroji è un esempio di questo stile. Per questa e simili immagini del IX secolo. caratterizzato da un intaglio rigido con pieghe più profonde e chiare e altri dettagli.

L'aumento del numero degli dei ha creato grandi difficoltà per gli artisti. In complessi mandala simili a mappe (un disegno geometrico con significato magico), le divinità erano disposte gerarchicamente attorno a un Buddha posto centralmente, che era lui stesso solo una manifestazione dell'assoluto. In questo momento apparve un nuovo modo di rappresentare le figure delle divinità guardiane circondate dalle fiamme, dall'aspetto terribile, ma di natura benefica. Queste divinità erano disposte in modo asimmetrico e raffigurate in pose commoventi, con tratti del viso formidabili, proteggendo ferocemente la fede da possibili pericoli.

Periodo medio e tardo Heian, o Fujiwara

(898-1185). Il trasferimento della capitale a Heian, che doveva eludere le difficili richieste del clero, provocò dei mutamenti sistema politico. La nobiltà era la forza dominante e la famiglia Fujiwara ne divenne i rappresentanti più caratteristici. Periodo 10-12 secoli. spesso associato a questo nome. Iniziò un periodo di potere speciale, quando ai veri imperatori fu "fortemente consigliato" di lasciare da parte gli affari di stato per il bene di occupazioni più piacevoli della poesia e della pittura. Fino al raggiungimento dell'età adulta, l'imperatore era guidato da un severo reggente, di solito dalla famiglia Fujiwara. Era un'epoca di lusso e di notevoli risultati in letteratura, calligrafia e arte; tutto sembrava languido ed emotivo, che raramente raggiungeva la profondità, ma nel complesso era affascinante. L'elegante raffinatezza e l'evasione si riflettevano nell'arte di questo periodo. Anche gli aderenti al buddismo cercavano modi più facili e l'adorazione del Buddha celeste, Amida, divenne particolarmente popolare. Le nozioni di compassione e grazia salvifica del Buddha Amida si riflettevano profondamente nella pittura e nella scultura di questo periodo. La massività e la sobrietà delle statue del IX sec. nei secoli 10-11. ha lasciato il posto alla beatitudine e al fascino. Le divinità sono raffigurate come sognanti, pensosamente calme, l'intaglio diventa meno profondo, la superficie diventa più colorata, con una trama riccamente sviluppata. I monumenti più importanti di questo periodo appartengono allo scultore Jocho.
Anche le opere degli artisti acquisirono tratti più morbidi, che ricordano i disegni su tessuto, e persino le terribili divinità: i difensori della fede divennero meno intimidatori. I sutra (testi buddisti) erano scritti in oro e argento su carta dai toni blu intenso, la fine calligrafia del testo spesso preceduta da una piccola illustrazione. Maggior parte destinazioni popolari Il buddismo e le divinità associate riflettono le preferenze dell'aristocrazia e il graduale allontanamento dai duri ideali del primo buddismo.

L'atmosfera di questo periodo e le sue opere sono in parte legate alla cessazione delle relazioni formali con la Cina nell'894. Il buddismo in Cina a quel tempo era perseguitato e la corrotta corte Tang era in uno stato di declino. L'esistenza isolata dell'isola che seguì questa disconnessione spinse i giapponesi a rivolgersi alla propria cultura e sviluppare un nuovo stile giapponese più puro. Anzi, pittura secolare del X-XII secolo. era quasi interamente giapponese, sia nella tecnica che nella composizione e nelle trame. Una caratteristica distintiva di questi rotoli giapponesi, chiamati yamato-e, era la predominanza delle trame engi (origine, storia). Mentre le pergamene cinesi spesso raffiguravano una vasta natura straordinaria, panorami di montagne, ruscelli, rocce e alberi e le persone sembravano relativamente insignificanti, nelle pergamene narrative dei giapponesi nel disegno e nel testo, la persona era la cosa principale. Il paesaggio svolgeva solo il ruolo di sfondo della storia raccontata, subordinato al personaggio o alle persone principali. Molti dei rotoli erano dipinti cronache della vita di famosi predicatori buddisti o figure storiche, i loro viaggi e le campagne militari. Altri hanno raccontato di episodi romantici della vita della nobiltà e dei cortigiani.

Lo stile apparentemente idiosincratico dei primi rotoli proveniva da semplici schizzi a inchiostro sulle pagine dei quaderni buddisti. Si tratta di disegni sapienti che caricaturano il comportamento umano attraverso immagini di animali: una scimmia in abiti monacali che adora una rana gonfia, gare tra lepri, scimmie e rane. Questi e altri rotoli del tardo Heian hanno fornito la base per i rotoli narrativi più complessi dello stile sviluppato del XIII e XIV secolo.

Periodo Kamakura

(1185-1392). Fine del XII secolo ha apportato seri cambiamenti alla vita politica e religiosa del Giappone e, naturalmente, alla sua arte. L'eleganza e l'estetismo della corte di Kyoto furono sostituiti o, nella tradizione della regola "speciale", "ricevettero un'aggiunta" sotto forma di una nuova regola dura e coraggiosa: lo shogunato di Kamakura. Sebbene Kyoto rimase nominalmente la capitale, lo shogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) stabilì il suo quartier generale nella città di Kamakura e in soli 25 anni stabilì un rigido sistema di dittatura militare e feudalesimo. Anche il buddismo, che era diventato così complesso e ritualizzato da risultare incomprensibile ai comuni laici, subì un cambiamento importante che non prometteva il patrocinio delle arti. La setta Yodo ("Terra Pura"), una forma di culto del Buddha Amida, sotto la guida di Honen Shonin (1133-1212) riformò la gerarchia dei buddha e delle divinità e diede speranza di salvezza a tutti coloro che semplicemente credevano in Amida. Questa dottrina di un paradiso facilmente raggiungibile fu poi semplificata da un altro monaco, Shinran (1173-1262), fondatore della setta Shin, il quale riconobbe che l'indulgenza di Amida è così grande che non c'è bisogno di compiere atti religiosi, basta solo ripetere l'incantesimo "Namu Amida Butsu" (la prima parola significa "sottomettersi"; le seconde due sono "Buddha Amida"). Un modo così semplice per salvare un'anima era estremamente attraente, e ora milioni lo usano. Una generazione dopo, il predicatore militante Nichiren (1222-1282), da cui prende il nome la setta, abbandonò questa forma semplificata di religione. I suoi seguaci veneravano il Sutra del Loto, che non prometteva la salvezza immediata e incondizionata. I suoi sermoni toccavano spesso argomenti politici, e le sue convinzioni e proposte di riforma della chiesa e dello stato facevano appello alla nuova classe guerriera di Kamakura. Infine, la filosofia dello Zen, nata già nell'VIII secolo, iniziò a svolgere un ruolo sempre più importante nel pensiero buddista di quel periodo. Lo Zen ha sottolineato l'importanza della meditazione e il disprezzo per tutte le immagini che potrebbero ostacolare l'uomo nella sua ricerca di connettersi con Dio.

Quindi, era un tempo in cui il pensiero religioso limitava il numero di dipinti e sculture precedentemente necessari per il culto. Tuttavia, durante il periodo Kamakura, alcuni dei le opere più belle Arte giapponese. Lo stimolo è stato l'intrinseco amore giapponese per l'arte, ma la chiave del puzzle è l'atteggiamento della gente verso i nuovi credi, e non il dogma in quanto tale. In effetti, le opere stesse suggeriscono il motivo della loro creazione, perché molte di queste sculture e dipinti pieni di vita ed energia sono ritratti. Sebbene la filosofia Zen possa aver considerato gli oggetti ordinari di culto religioso come una barriera all'illuminazione, la tradizione di riverire gli insegnanti era abbastanza accettabile. Il ritratto in sé non poteva essere oggetto di culto. Questo atteggiamento nei confronti del ritratto non era esclusivo del buddismo zen: molti ministri della setta della Terra Pura erano venerati quasi come divinità buddiste. Grazie al ritratto è apparsa anche una nuova forma architettonica: il mieido, o cappella del ritratto. Il rapido sviluppo del realismo era interamente nello spirito dei tempi.
Sebbene i ritratti pittoreschi dei sacerdoti fossero ovviamente immagini di persone specifiche, spesso erano rielaborazioni di dipinti raffiguranti i fondatori cinesi del buddismo. Erano dipinti mentre predicavano, bocche aperte, mani gesticolanti; a volte venivano raffigurati monaci mendicanti che compivano un difficile viaggio per la gloria della fede.

Una delle trame più popolari era raigo (arrivo desiderato), che raffigurava il Buddha Amida con i suoi compagni, che scende su una nuvola per salvare l'anima di un credente sul letto di morte e trasferirla in paradiso. I colori di tali immagini erano spesso esaltati dall'oro applicato e linee ondulate, mantelli svolazzanti, nuvole vorticose davano un senso di movimento alla discesa del Buddha.

Unkei, attivo tra la seconda metà del XII e l'inizio del XIII secolo, fu l'autore di un'innovazione che rese più facile intagliare il legno, che rimase il materiale preferito dagli scultori durante il periodo Kamakura. In precedenza, il maestro era limitato dalle dimensioni e dalla forma del mazzo o del tronco da cui veniva tagliata la figura. Le braccia e gli elementi di abbigliamento erano sovrapposti separatamente, ma il pezzo finito spesso assomigliava alla forma cilindrica originale. Nella nuova tecnica, dozzine di piccoli pezzi venivano accuratamente montati l'uno sull'altro, formando una piramide cava, da cui gli apprendisti potevano poi ritagliare la figura. Lo scultore aveva a disposizione un materiale più malleabile e la capacità di creare forme più complesse. Guardie del tempio muscolose e divinità in mantelli e vesti svolazzanti sembravano più vive anche perché nelle loro orbite cominciavano ad essere inseriti cristalli o vetri; le statue iniziarono ad essere decorate con bronzo dorato. Sono diventati più leggeri e meno propensi a rompersi quando il legno si è asciugato. La citata statua lignea di Kuya Shonin, opera del figlio di Unkei, Kosho, dimostra il più alto raggiungimento del realismo dell'era Kamakura nella scultura di ritratti. In effetti, la scultura a quel tempo raggiunse il suo apogeo nel suo sviluppo, e successivamente non occupò più un posto così importante nell'arte.

Anche la pittura secolare rifletteva lo spirito del tempo. I rotoli narrativi del tardo periodo Heian, con colori sobri e linee aggraziate, raccontavano le scappatelle romantiche del principe Genji o gli intrattenimenti delle solitarie dame di corte. Ora, con colori vivaci e tratti energici, gli artisti dell'era Kamakura hanno raffigurato le battaglie di clan in guerra, palazzi avvolti dalle fiamme e persone spaventate in fuga dalle truppe attaccanti. Anche quando sul rotolo si svolgeva una storia religiosa, l'immagine non era tanto un'icona quanto una testimonianza storica dei viaggi dei santi e dei miracoli che compivano. Nella progettazione di queste trame si può trovare un crescente amore per la natura e ammirazione per i paesaggi nativi.

Periodo Muromachi, o Ashikaga

(1392-1568). Nel 1392, dopo più di 50 anni di conflitto, il terzo shogun della famiglia Ashikaga, Yoshimitsu (1358-1408), riunì il paese. La sede del governo divenne nuovamente la capitale nominale di Kyoto, dove gli shogun Ashikaga costruirono i loro palazzi nel quartiere Muromachi. (Questo periodo è talvolta chiamato Muromachi, talvolta Ashikaga.) Tempo di guerra non ha risparmiato molti templi - depositi di arte giapponese, che sono stati bruciati insieme ai tesori che c'erano. Il paese fu gravemente devastato e persino la pace portò scarso sollievo, poiché i clan in guerra, nel loro successo, distribuivano favori a loro capriccio. Sembrerebbe che la situazione fosse estremamente sfavorevole per lo sviluppo dell'arte, ma in realtà gli shogun Ashikaga la patrocinarono, soprattutto nel XV e XVI secolo, quando fiorì la pittura.

L'arte più significativa di questo periodo erano i disegni a inchiostro poetici monocromatici incoraggiati dal buddismo zen e influenzati dai disegni cinesi delle dinastie Song e Yuan. Durante la dinastia Ming (1368-1644) si rinnovarono i contatti con la Cina e Yoshimitsu, collezionista e mecenate d'arte, incoraggiò il collezionismo e lo studio pittura cinese. Divenne modello e punto di partenza per artisti dotati che dipingevano paesaggi, uccelli, fiori, immagini di sacerdoti e saggi con pennellate leggere e fluide. La pittura giapponese di questo periodo è caratterizzata dall'economia delle linee; l'artista sembra estrarre la quintessenza della trama rappresentata, lasciando che lo sguardo dello spettatore la riempia di dettagli. Le transizioni di inchiostro grigio e nero lucido in questi dipinti sono molto vicine alla filosofia Zen, che, ovviamente, ha ispirato i loro autori. Anche se questo credo raggiunse una notevole influenza anche sotto il potere militare di Kamakura, continuò a diffondersi rapidamente nel XV e XVI secolo, quando sorsero numerosi monasteri Zen. Predicando principalmente l'idea di "autosalvezza", non associava la salvezza al Buddha, ma si affidava piuttosto alla severa autodisciplina dell'uomo per raggiungere un'improvvisa "illuminazione" intuitiva che lo unisse all'assoluto. L'uso parsimonioso ma audace dell'inchiostro e la composizione asimmetrica, in cui le parti non dipinte della carta giocavano un ruolo significativo nel rappresentare paesaggi idealizzati, saggi e scienziati, erano in linea con questa filosofia.

Uno dei più famosi esponenti del sumi-e, uno stile di pittura monocromatica a inchiostro, fu Sesshu (1420-1506), un sacerdote zen la cui vita lunga e prolifica gli assicurò una continua venerazione. Alla fine della sua vita, iniziò a utilizzare lo stile haboku (inchiostro rapido), che, in contrasto con lo stile maturo, che richiedeva tratti chiari ed economici, portava la tradizione della pittura monocromatica quasi all'astrazione.
L'attività della famiglia di artisti Kano e lo sviluppo del loro stile cadono nello stesso periodo. Per quanto riguarda la scelta dei soggetti e l'uso dell'inchiostro, era vicino al cinese, ma rimase giapponese in termini di mezzi espressivi. Kano, con il sostegno dello shogunato, divenne la scuola "ufficiale" o stile artistico pittura e fiorì anche nel XIX secolo.

La tradizione ingenua di yamato-e ha continuato a vivere nelle opere della scuola Tosa, la seconda importante direzione della pittura giapponese. Infatti, a quel tempo, entrambe le scuole, Kano e Tosa, erano strettamente collegate, erano accomunate da un interesse per vita moderna. Motonobu Kano (1476-1559), uno dei artisti eccezionali di questo periodo, non solo sposò sua figlia con il famoso artista Tosa, ma dipinse anche alla sua maniera.

Nei secoli 15-16. c'erano solo poche opere di scultura degne di nota. Va notato, tuttavia, che lo sviluppo del dramma noo, con la sua varietà di stati d'animo ed emozioni, ha aperto un nuovo campo di attività per gli scultori: hanno scolpito maschere per attori. Nel dramma classico giapponese eseguito da e per l'aristocrazia, gli attori (uno o più) indossavano maschere. Hanno trasmesso una gamma di sentimenti dalla paura, ansia e confusione alla gioia contenuta. Alcune delle maschere erano scolpite in modo così superbo che il minimo movimento della testa dell'attore provocava sottili cambiamenti di espressione. Notevoli esemplari di queste maschere sono stati conservati per anni dalle famiglie per i cui membri erano state realizzate.

Periodo Momoyama

(1568-1615). Nel 1593, il grande dittatore militare Hideyoshi costruì il suo castello su Momoyama, "Peach Hill", e con questo nome è consuetudine designare il periodo di 47 anni dalla caduta dello shogunato Ashikaga all'istituzione del Tokugawa, o periodo Edo , nel 1615. Era questo il tempo del predominio di una classe militare completamente nuova, la cui grande ricchezza contribuì al fiorire delle arti. Alla fine del XVI secolo entrarono in voga imponenti castelli con grandi sale delle udienze e lunghi corridoi. ed esigevano ornamenti adeguati alla loro grandezza. Era un'epoca di persone severe e coraggiose, ei nuovi mecenati, a differenza dell'antica aristocrazia, non erano particolarmente interessati alle attività intellettuali o alle sottigliezze dell'artigianato. Fortunatamente, la nuova generazione di artisti è stata all'altezza dei propri mecenati. Durante questo periodo, meravigliosi schermi e pannelli mobili di cremisi brillante, smeraldo, verde, viola e fiori blu. Tali colori esuberanti e forme decorative, spesso su uno sfondo d'oro o d'argento, furono molto popolari per cento anni, ei loro creatori furono giustamente chiamati "grandi decoratori". Grazie al sottile gusto giapponese, lo stile pomposo non degenerò in volgarità, e anche quando la sobrietà e l'understatement lasciarono il posto al lusso e agli eccessi decorativi, i giapponesi riuscirono a mantenere l'eleganza.

Eitoku Kano (1543-1590), uno dei primi grandi artisti di questo periodo, lavorò nello stile di Kano e Tosa, ampliando il concetto di disegno del primo e unendoli alla ricchezza di colori del secondo. Sebbene siano sopravvissute solo poche opere di cui Eitoku può essere identificato con sicurezza come autore, è considerato uno dei fondatori dello stile Momoyama e la maggior parte degli artisti di questo periodo furono suoi studenti o furono da lui influenzati.

Periodo Edo o Tokugawa

(1615-1867). Il lungo periodo di pace che arrivò al Giappone appena unificato è chiamato il tempo di Tokugawa, dal nome del sovrano, o Edo (l'odierna Tokyo), poiché nel 1603 questa città divenne il nuovo centro del potere. Due famosi generali del breve periodo Momoyama, Oda Nobunaga (1534-1582) e Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), attraverso l'azione militare e la diplomazia, riuscirono finalmente a riconciliare clan potenti e clero militante. Con la morte di Hideyoshi nel 1598, il potere passò a Ieyasu Tokugawa (1542-1616), che completò le misure avviate congiuntamente. La decisiva battaglia di Sekigahara nel 1600 rafforzò la posizione di Ieyasu, la caduta del castello di Oska nel 1615 fu accompagnata dal crollo definitivo della casa di Hideyoshi e dall'istituzione del dominio indiviso dello shogunato Tokugawa.

Il dominio pacifico dei Tokugawa durò 15 generazioni e terminò solo nel XIX secolo. Era fondamentalmente un periodo di politica delle "porte chiuse". Con un decreto del 1640, agli stranieri era proibito l'accesso in Giappone, ei giapponesi non potevano viaggiare all'estero. L'unico collegamento commerciale e culturale era con olandesi e cinesi attraverso il porto di Nagasaki. Come in altri periodi di isolamento, ci fu un'impennata dei sentimenti nazionali e l'emergere alla fine del XVII secolo. la cosiddetta scuola di pittura e incisione di genere.
La capitale in rapida crescita di Edo divenne il centro non solo della vita politica e commerciale dell'impero dell'isola, ma anche del centro delle arti e dei mestieri. Il requisito che i daimyo, i signori feudali provinciali, fossero nella capitale per una certa parte di ogni anno creava la necessità di nuovi edifici, compresi gli edifici del palazzo, e quindi di artisti per decorarli. Una classe emergente contemporaneamente di mercanti ricchi ma non aristocratici fornì agli artisti un mecenatismo nuovo e spesso non professionale.

L'arte del primo periodo Edo in parte continua e sviluppa lo stile Momoyama, intensificandone le tendenze al lusso e allo splendore. La ricchezza di immagini bizzarre e policromie ereditate dal periodo precedente continua a svilupparsi. Questo stile decorativo raggiunse il suo apice nell'ultimo quarto del XVII secolo. nel cosiddetto. l'era Genroku del periodo Tokugawa (1688-1703). Nell'arte decorativa giapponese, non ha paralleli in stravaganza e ricchezza di colori e motivi decorativi nella pittura, nei tessuti, nella lacca, nelle sciocchezze artistiche - attributi di uno stile di vita lussuoso.

Dal momento che stiamo parlando relativamente periodo tardo storia, non sorprende che i nomi di molti artisti e le loro opere siano stati conservati; qui è possibile citare solo alcuni dei più importanti. Tra i rappresentanti della scuola decorativa che vissero e lavorarono durante i periodi Momoyama ed Edo ci sono Honnami Koetsu (1558-1637) e Nonomura Sotatsu († 1643). Il loro lavoro dimostra un notevole senso del disegno, della composizione e del colore. Koetsu, un talentuoso ceramista e artista della lacca, era noto per la bellezza della sua calligrafia. Insieme a Sotatsu, hanno creato poesie su pergamena che erano di moda all'epoca. In questa combinazione di letteratura, calligrafia e pittura, le immagini non erano semplici illustrazioni: creavano o suggerivano uno stato d'animo adeguato alla percezione del testo. Ogata Korin (1658-1716) fu uno degli eredi dello stile decorativo e, insieme al fratello minore Ogata Kenzan (1663-1743), ne perfezionò la tecnica. Kenzan, meglio conosciuto come ceramista che come artista, cuoceva vasi incisi con i disegni del suo famoso fratello maggiore. La rinascita di questa scuola all'inizio del XIX secolo. del poeta e pittore Sakai Hoitsu (1761-1828) fu l'ultimo impulso nello stile decorativo. Le bellissime volute e gli schermi di Horitsu combinavano il senso del disegno di Korin con l'interesse per la natura del naturalismo di Maruyama, risultando nella ricchezza di colori e motivi decorativi del periodo precedente, temperati dallo splendore e dalla finezza della pennellata.

Insieme allo stile decorativo policromo, il tradizionale disegno a inchiostro della scuola di Kano ha continuato ad essere popolare. Nel 1622 Kanō Tanyu (1602-1674) fu nominato pittore di corte dello shogun e chiamato a Edo. Con la sua nomina a questa posizione e l'istituzione della scuola Edo di pittura di Kano a Kobikito, iniziò un periodo di mezzo secolo di guida artistica di questa tradizione, che ripristinò la preminenza della famiglia Kano e rese le opere del periodo Edo le più significativo nella pittura di Kano. Nonostante la popolarità dei paraventi dipinti con oro e colori vivaci, creati da "grandi decoratori" e rivali, Tangyu, grazie alla forza del suo talento e alla sua posizione ufficiale, riuscì a rendere popolare tra la nobiltà la pittura della rinnovata scuola di Kano. Tanyu ha aggiunto potenza e semplicità alle caratteristiche tradizionali della scuola Kano, basate su una rigida linea spezzata e una disposizione ben ponderata degli elementi compositivi su un'ampia superficie libera.

Una nuova direzione in cui caratteristica principale c'era un interesse per la natura, iniziò a prevalere alla fine del XVIII secolo. Maruyama Okyo (1733-1795), capo nuova scuola, fu contadino, poi sacerdote e infine artista. Le prime due classi non gli hanno portato felicità o successo, ma come artista ha raggiunto grandi vette ed è considerato il fondatore della scuola realistica di Maruyama. Studiò con il maestro della scuola di Kano, Ishida Yutei (morto nel 1785); sulla base di incisioni olandesi importate, comprendeva la tecnica occidentale della rappresentazione prospettica e talvolta copiava semplicemente queste incisioni. Ha anche studiato gli stili cinesi delle dinastie Song e Yuan, compreso lo stile sottile e realistico di Chen Xuan (1235-1290) e Shen Nanping; quest'ultimo visse a Nagasaki all'inizio del XVIII secolo. Okyo ha realizzato molte opere dalla natura e le sue osservazioni scientifiche hanno costituito la base per la percezione della natura, su cui si basava la scuola Maruyama.

Oltre all'interesse per il naturalismo nel XVIII secolo. rinnovata influenza della tradizione artistica cinese. I rappresentanti di questa tendenza gravitavano verso la scuola pittorica dei pittori-scienziati Ming (1368-1644) e Qing (1644-1912), sebbene la loro comprensione dell'attuale stato dell'arte in Cina fosse probabilmente limitata. L'arte di questa scuola giapponese era chiamata bujinga (l'arte delle persone istruite). Uno dei maestri più influenti dello stile bujinga fu Ikeno Taiga (1723-1776), famoso pittore e calligrafo. Il suo stile maturo è caratterizzato da spesse linee di contorno piene di leggeri tratti piumati in toni chiari e inchiostro; dipinse anche con tratti ampi e liberi di inchiostro nero, raffiguranti tronchi di bambù piegati dal vento e dalla pioggia. Con linee corte e curve, ha ottenuto un effetto che ricorda le incisioni nell'immagine delle montagne nebbiose sopra un lago circondato dalla foresta.
XVII secolo ha generato un'altra notevole direzione artistica del periodo Edo. Questo è il cosiddetto ukiyo-e (immagini del mondo che cambia) - scene di genere create da e per la gente comune. I primi ukiyo-e ebbero origine nella vecchia capitale di Kyoto ed erano per lo più pittoreschi. Ma il centro della loro produzione si spostò presto a Edo, e l'attenzione dei maestri si concentrò sulle xilografie. La stretta associazione della xilografia con l'ukiyo-e ha portato all'idea sbagliata che la xilografia fosse la scoperta di questo periodo; infatti, ebbe origine nell'XI secolo. Tali prime immagini erano di natura votiva, raffiguranti i fondatori del buddismo e le divinità, e durante il periodo Kamakura, alcuni rotoli narrativi furono riprodotti da blocchi scolpiti. Tuttavia, l'arte dell'incisione divenne particolarmente popolare nel periodo che va dalla metà del XVII al XIX secolo.

I soggetti delle incisioni ukiyo-e erano le bellissime cortigiane dei quartieri gay, attori preferiti e scene di drammi. Precoce, cosiddetto. le incisioni primitive erano eseguite in nero, con forti linee ondulate ritmiche, e si distinguevano schema semplice. A volte erano dipinti a mano in un colore rosso-arancio chiamato tan-e (dipinti rosso vivo), con segni giallo senape e verde. Alcuni degli artisti "primitivi" usavano la pittura a mano chiamata urushu-e (pittura a lacca), in cui le aree scure venivano esaltate e rese più luminose dall'aggiunta di colla. Una prima stampa policroma, apparsa nel 1741 o 1742, era chiamata benizuri-e (stampa cremisi) e di solito usava tre colori: rosa rossa, verde e talvolta giallo. Le incisioni veramente multicolori, utilizzando l'intera tavolozza e chiamate nishiki-e (immagini di broccato), apparvero nel 1765.

Oltre a creare stampe individuali, molti degli incisori illustravano libri e guadagnavano denaro realizzando illustrazioni erotiche su libri e pergamene. Va tenuto presente che l'incisione ukiyo-e consisteva in tre tipi di attività: era il lavoro di un disegnatore, il cui nome portava la stampa, un intagliatore e uno stampatore.

Hishikawa Moronobu (c. 1625-1694) è considerato il fondatore della tradizione di creare stampe ukiyo-e. Altri artisti "primitivi" di questa tendenza sono Kiyomasu (1694-1716) e il gruppo Kaigetsudo (una strana comunità di artisti la cui esistenza rimane poco chiara), nonché Okumura Masanobu (1686-1764).

Gli artisti di transizione che crearono stampe benizuri-e furono Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (attivo intorno al 1751-1760) e Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Le opere di Suzuki Harunobu (1725-1770) aprono l'era dell'incisione policroma. Piene di colori tenui, quasi neutri, popolate da graziose signore e amanti galanti, le stampe Harunobu hanno riscosso un grande successo. Più o meno nello stesso periodo, Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) e Kitagawa Utamaro (1753-1806) lavorarono con lui. Ognuno di loro ha contribuito allo sviluppo di questo genere; i maestri hanno portato incisioni raffiguranti bellezze aggraziate e attori famosi alla perfezione. In pochi mesi nel 1794-1795, il misterioso Tosusai Saraku creò ritratti incredibilmente forti e francamente crudeli degli attori di quei giorni.

Nei primi decenni del XIX sec questo genere ha raggiunto la maturità e ha cominciato a declinare. Katsushika Hokusai (1760-1849) e Ando Hiroshige (1797-1858) sono i più grandi maestri dell'epoca, il cui lavoro collega il declino dell'arte dell'incisione nel XIX secolo. e la sua nuova rinascita all'inizio del XX secolo. Entrambi erano principalmente pittori di paesaggi, fissando gli eventi della vita moderna nelle loro incisioni. La brillante padronanza della tecnica di intagliatori e stampatori ha permesso di trasmettere nell'incisione linee stravaganti e le minime sfumature del sole al tramonto o della nebbia che sorge all'alba.

La Restaurazione Meiji e il Periodo Moderno.

Accade spesso che l'arte antica di uno o di un altro popolo sia povera di nomi, date e opere sopravvissute, quindi eventuali giudizi possono essere espressi solo con grande cautela e convenzione. Tuttavia, non è meno difficile giudicare l'arte contemporanea, poiché siamo privati \u200b\u200bdi una prospettiva storica per valutare correttamente la scala di qualsiasi movimento o artista e il suo lavoro. Lo studio dell'arte giapponese non fa eccezione, e il massimo che si può fare è presentare un panorama dell'arte contemporanea e trarre alcune provvisorie conclusioni preliminari.

Nella seconda metà del XIX secolo I porti giapponesi furono riaperti al commercio, si verificarono importanti cambiamenti sulla scena politica. Nel 1868 lo shogunato fu abolito e il regno dell'imperatore Meiji fu restaurato. La capitale ufficiale e la residenza dell'imperatore furono trasferite a Edo e la città stessa divenne nota come Tokyo (capitale orientale).

Come è successo in passato, la fine dell'isolamento nazionale ha creato un grande interesse per le conquiste di altre nazioni. In questo momento, i giapponesi hanno fatto un enorme salto nella scienza e nella tecnologia. Artisticamente, l'inizio dell'era Meiji (1868-1912) dimostra l'accettazione di tutto ciò che è occidentale, inclusa la tecnologia. Tuttavia, questo zelo non durò a lungo, e fu seguito da un periodo di assimilazione, l'emergere di nuove forme, combinando un ritorno alle proprie tradizioni e nuove tendenze occidentali.

Tra gli artisti, Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) e Tomioka Tessai (1836-1942) divennero famosi. I primi tre hanno aderito allo stile e ai soggetti tradizionali giapponesi, sebbene abbiano cercato di mostrare originalità nell'umore e nella tecnica. Seihō, ad esempio, ha lavorato nell'atmosfera calma e conservatrice di Kyoto. I suoi primi lavori furono eseguiti alla maniera naturalistica di Maruyama, ma in seguito viaggiò molto in Cina e fu profondamente influenzato dalla pittura a inchiostro cinese. Anche i suoi viaggi nei musei e nei centri d'arte più importanti d'Europa hanno lasciato un segno nel suo lavoro. Di tutti gli artisti di spicco di questo periodo, solo Tomioka Tessai si avvicinò allo sviluppo di un nuovo stile. Nelle sue opere energiche e piene di forza, linee ruvide, contorte, frastagliate e macchie di inchiostro nero si combinano con macchie di colore finemente scritte. Negli anni successivi, alcuni giovani pittori ad olio riuscirono dove i loro nonni avevano fallito. I primi tentativi di lavorare con questo materiale insolito ricordavano le tele parigine e non si distinguevano per valore speciale o specificità. Caratteristiche giapponesi. Tuttavia, ora vengono create opere di eccezionale fascino, in cui un caratteristico senso giapponese del colore e dell'equilibrio traspare attraverso temi astratti. Altri artisti, lavorando con inchiostri più naturali e tradizionali e talvolta utilizzando la calligrafia come punto di partenza, creano energici pezzi astratti in neri brillanti con sfumature di grigio.

Come nel periodo Edo, nel XIX e XX secolo. la scultura non era popolare. Ma anche in quest'area, i rappresentanti della generazione moderna, che hanno studiato in America e in Europa, hanno sperimentato con molto successo. piccolo sculture in bronzo, astratti nella forma e dal nome strano, mettono in mostra il senso giapponese della linea e del colore, che si manifesta nell'uso della patina verde tenue o marrone caldo; l'intaglio del legno testimonia l'amore dei giapponesi per la trama del materiale.

Sosaku hanga, la "stampa creativa" giapponese, apparve solo nel primo decennio del XX secolo, ma come direzione artistica speciale eclissò tutte le altre aree dell'arte moderna. Questa stampa moderna non è, in senso stretto, un successore della più antica xilografia ukiyo-e; differiscono per stile, trame e metodi di creazione. Gli artisti, molti dei quali sono stati fortemente influenzati dalla pittura occidentale, si sono resi conto dell'importanza del proprio patrimonio artistico e hanno trovato nel legno il materiale giusto per esprimere i propri ideali creativi. I maestri Hanga non solo dipingono, ma scolpiscono anche immagini su blocchi di legno e le stampano da soli. Sebbene la lavorazione del legno sia al suo massimo in questa forma d'arte, vengono utilizzate tutte le moderne tecniche di incisione occidentali. Sperimentare con foglie, spago e "oggetti trovati" in alcuni casi consente di creare effetti di texture superficiali unici. All'inizio, i maestri di questa tendenza furono costretti a cercare riconoscimento: dopotutto, anche i migliori risultati della scuola ukiyo-e erano associati da artisti intellettuali a una folla analfabeta e considerati arte plebea. Artisti come Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi e Maekawa Senpan hanno fatto molto per ripristinare il rispetto per l'incisione e stabilire questa direzione come un degno ramo. belle arti. Hanno attirato molti giovani artisti nel loro gruppo e gli incisori ora sono centinaia. Tra i maestri di questa generazione che hanno ottenuto riconoscimenti in Giappone e in Occidente ci sono Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen e Saito Kiyoshi. Questi sono maestri la cui innovazione e innegabile talento hanno permesso loro di occupare una posizione degna tra i principali artisti del Giappone. Anche molti dei loro coetanei e altri giovani artisti di hanga hanno prodotto notevoli incisioni; il fatto che qui non menzioniamo i loro nomi non significa una bassa valutazione del loro lavoro.

ARTI E ARTI APPLICATE, ARCHITETTURA E GIARDINI

Nelle sezioni precedenti si trattava principalmente di pittura e scultura, che nella maggior parte dei paesi sono considerate i principali tipi di belle arti. Forse non è giusto includere alla fine dell'articolo le arti decorative e l'artigianato popolare, l'arte dei giardini e l'architettura, forme che erano una parte importante e integrante dell'arte giapponese. Tuttavia, forse, ad eccezione dell'architettura, richiedono una considerazione speciale a parte periodizzazione generale Arte giapponese e con cambiamenti di stile.

Ceramica e porcellana.

Le arti e i mestieri più importanti in Giappone sono la ceramica e la porcellana. L'arte della ceramica rientra naturalmente in due categorie. La pregiata porcellana policroma Imari, Nabeshima e Kakiemon prendeva il nome dai luoghi di produzione e la sua ricca pittura su una superficie color crema o bianco-azzurra era destinata alla nobiltà e agli ambienti di corte. Il processo di produzione della vera porcellana divenne noto in Giappone alla fine del XVI o all'inizio del XVII secolo; piatti e ciotole con smalto liscio, con motivo asimmetrico o simile al broccato, sono apprezzati sia in patria che in Occidente.

In contrasto con la porcellana in ceramica grezza fatta di argilla o massa di pietra di bassa qualità, tipica di Shino, Oribe e Bizen, l'attenzione è focalizzata sulla disposizione materiale, apparentemente trascurata, ma premurosa degli elementi decorativi. Influenzati dai concetti del buddismo zen, tali vasi erano molto popolari nei circoli intellettuali ed erano ampiamente usati, specialmente nelle cerimonie del tè. In molte tazze, teiere e barattoli, attributi dell'arte della cerimonia del tè, era incarnata l'essenza stessa del buddismo zen: dura autodisciplina e rigorosa semplicità. Durante il periodo di massimo splendore delle arti decorative giapponesi artisti di talento Korin e Kenzan erano impegnati nella decorazione di prodotti ceramici. Va ricordato che la fama di Kenzan è associata più al suo talento di ceramista, che non di pittore. Alcuni dei tipi e delle tecniche più semplici per realizzare vasi provengono dalle tradizioni artigianali popolari. I laboratori moderni, continuando le antiche tradizioni, producono bellissimi prodotti che deliziano con la loro elegante semplicità.

Prodotti laccati.

Già nei secoli 7-8. la vernice era conosciuta in Giappone. Di questo periodo si sono conservati i coperchi degli scrigni, decorati con immagini di persone e motivi geometrici, applicati con sottili linee dorate. Abbiamo già parlato dell'importanza della tecnica della laccatura a secco per la scultura nei secoli VIII e IX; contemporaneamente e in seguito furono realizzati oggetti decorativi come cassette delle lettere o portaprofumi. Durante il periodo Edo, questi prodotti venivano realizzati in grandi quantità e con le decorazioni più magnifiche. Scatole lussuosamente decorate per la colazione, per i dolci, per l'incenso e le medicine, chiamate inro, riflettevano la ricchezza e l'amore per il lusso insiti in questo periodo. La superficie degli oggetti era decorata con motivi di polvere d'oro e d'argento, pezzi di lamina d'oro, da soli o in combinazione con intarsi di conchiglie, madreperla, una lega di stagno e piombo, ecc.; questi motivi contrastavano con la superficie laccata rossa, nera o marrone. A volte artisti come Korin e Koetsu hanno realizzato progetti di lacca, ma è improbabile che abbiano partecipato personalmente a questi lavori.

Spade.

I giapponesi, come si è già detto, sono stati un popolo di guerrieri per un considerevole periodo della loro storia; armi e armature erano considerate oggetti essenziali per gran parte della popolazione. La spada era l'orgoglio di un uomo; sia la lama stessa che tutte le altre parti della spada, in particolare l'impugnatura (tsuba), erano decorate con varie tecniche. Gli tsuba in ferro o bronzo erano decorati con intarsi in oro e argento, scolpiti o rifiniti con entrambi. Raffiguravano paesaggi o figure di persone, fiori o stemmi di famiglia (mon). Tutto ciò ha completato il lavoro dei fabbricanti di spade.

Tessuti.

Sete riccamente modellate e altri tessuti, favoriti dalla corte e dal clero in tempi di opulenza e abbondanza, così come tessuti semplici con un disegno quasi primitivo caratteristico dell'arte popolare, sono anch'essi espressioni del talento nazionale giapponese. Avendo raggiunto il suo apice durante la ricca era del Genroku, l'arte dei tessuti è rifiorita nel Giappone moderno. Combina idee e fibre artificiali dall'Occidente con colori tradizionali e motivi decorativi.

Giardini.

Negli ultimi decenni, l'interesse per i giardini e l'architettura giapponesi è aumentato a causa della maggiore esposizione del pubblico occidentale a queste forme d'arte. I giardini in Giappone hanno un posto speciale; sono l'espressione e il simbolo di alte verità religiose e filosofiche, e queste oscure sfumature simboliche, unite all'apparente bellezza dei giardini, suscitano l'interesse del mondo occidentale. Non si può dire che lo fossero idee religiose o filosofiche motivo principale creando giardini, ma durante la progettazione e la creazione di un giardino, il progettista ha considerato tali elementi, la cui contemplazione avrebbe portato lo spettatore a riflettere su varie verità filosofiche. Qui, l'aspetto contemplativo del buddismo zen è incarnato in un gruppo di pietre insolite, onde di sabbia rastrellata e ghiaia, combinate con erba, o piante disposte in modo che il ruscello dietro di loro scompaia e riappaia, che incoraggiano lo spettatore a completare autonomamente le idee stabilite durante la costruzione del giardino. La preferenza per accenni vaghi rispetto a spiegazioni intelligibili è caratteristica della filosofia Zen. Alberi nani bonsai e minuscoli giardini in vaso, ora popolari in Occidente, sono diventati una continuazione di queste idee.

Architettura.

Principale monumenti architettonici Il Giappone è templi, complessi monastici, castelli e palazzi feudali. Dall'antichità fino ai giorni nostri, il legno è stato il principale materiale da costruzione e determina in larga misura le caratteristiche del design. Gli edifici religiosi più antichi sono i santuari della religione nazionale giapponese dello shintoismo; a giudicare dai testi e dai disegni, si trattava di edifici relativamente semplici con il tetto di paglia, come le antiche abitazioni. Gli edifici del tempio eretti dopo la diffusione del buddismo e ad esso associati erano basati su prototipi cinesi nello stile e nella disposizione. L'architettura del tempio buddista è cambiata nel tempo e l'arredamento e la disposizione degli edifici sono variati nelle diverse sette. Gli edifici giapponesi sono caratterizzati da ampi saloni con tetti alti e un complesso sistema di console, e il loro arredamento riflette il gusto del loro tempo. L'architettura semplice e maestosa del complesso Horyu-ji, costruito nei pressi di Nara all'inizio del VII secolo, è tanto caratteristica del periodo Asuka quanto la bellezza e l'eleganza delle proporzioni dell'Hodoo, la "Sala della Fenice" di Uji riflessa nel Lago del Loto , è del periodo Heian. Le strutture più elaborate del periodo Edo ricevettero ulteriori abbellimenti sotto forma di porte scorrevoli riccamente dipinte e paraventi realizzati dagli stessi "grandi decoratori" che decoravano gli interni dei castelli con fossato e dei palazzi feudali.

L'architettura e i giardini del Giappone sono così strettamente correlati che possono essere considerati parti l'uno dell'altro. Ciò è particolarmente vero per gli edifici e le casette da giardino per la cerimonia del tè. La loro apertura, semplicità e connessione accuratamente realizzata con il paesaggio e la prospettiva hanno una grande influenza su architettura moderna Ovest.

IMPATTO DELL'ARTE GIAPPONESE IN OCCIDENTE

Nel giro di un solo secolo, l'arte del Giappone divenne nota in Occidente e ebbe un impatto significativo su di essa. C'erano anche contatti precedenti (ad esempio, gli olandesi commerciavano con il Giappone attraverso il porto di Nagasaki), ma gli oggetti che raggiunsero l'Europa nel XVII secolo erano principalmente opere d'arte applicata: porcellane e lacche. Furono raccolti con entusiasmo come curiosità e copiati in vari modi, ma queste esportazioni decorative non riflettevano l'essenza e la qualità dell'arte giapponese e davano persino ai giapponesi un'idea poco lusinghiera del gusto occidentale.

Per la prima volta, la pittura occidentale ha sperimentato l'influenza diretta dell'arte giapponese in Europa nel 1862 durante un enorme Esposizione Internazionale a Londra. Presentate all'Esposizione di Parigi cinque anni dopo, le xilografie giapponesi suscitarono un rinnovato interesse. Sorsero subito diverse raccolte private di incisioni. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh e altri hanno preso le stampe a colori giapponesi come una rivelazione; si nota spesso una leggera ma sempre riconoscibile influenza dell'incisione giapponese sugli impressionisti. Gli americani Whistler e Mary Cassatt sono stati attratti dalla sobrietà della linea e dai colori vivaci delle stampe e dei dipinti ukiyo-e.

L'apertura del Giappone agli stranieri nel 1868 ha creato un fascino per tutto ciò che è occidentale e ha fatto allontanare i giapponesi dalla loro ricca cultura e patrimonio artistico. A quel tempo, molti bellissimi dipinti e sculture furono venduti e finirono nei musei occidentali e nelle collezioni private. Le mostre di questi oggetti introdussero l'Occidente in Giappone e stimolarono l'interesse per i viaggi in Estremo Oriente. Indubbiamente, l'occupazione del Giappone da parte delle truppe americane alla fine della seconda guerra mondiale ha aperto più opportunità di prima per la conoscenza e lo studio più approfondito dei templi giapponesi e dei loro tesori. Questo interesse si è riflesso nella frequentazione dei musei americani. L'interesse per l'Oriente in generale è stato causato dall'organizzazione di mostre d'arte giapponese selezionate da collezioni pubbliche e private giapponesi e portate in America e in Europa.

La ricerca scientifica negli ultimi decenni ha fatto molto per confutare l'idea che l'arte giapponese sia solo un riflesso dell'arte cinese, e numerose pubblicazioni giapponesi in inglese hanno introdotto l'Occidente agli ideali dell'Oriente.

Popolare nella categoria: