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Quali compositori vivevano nell'era del romanticismo. Romanticismo in musica

Le tre fasi principali del romanticismo musicale europeo del XIX secolo - precoce, maturo e tardo - corrispondono alle fasi di sviluppo della musica romantica austriaca e tedesca. Ma questa periodizzazione deve essere concretizzata e in qualche modo affinata in relazione agli eventi più importanti dell'arte musicale di ciascun paese.
La prima fase del romanticismo musicale austro-tedesco risale agli anni '10 e '20, in coincidenza con il culmine della lotta contro il dominio napoleonico e la conseguente oscura reazione politica. L'inizio di questa fase fu segnato da fenomeni musicali come le opere Undine di Hoffmann (1913), Silvana (1810), Abu Gasan (1811) e il brano per pianoforte a programma Invitation to the Dance (1815) di Weber, il primo vero originale Le canzoni di Schubert - "Margarita at the Spinning Wheel" (1814) e "Forest Tsar" (1815). Negli anni '20 fiorì il primo romanticismo, quando il genio del primo estinto Schubert si dispiegò in pieno vigore, quando apparvero The Magic Shooter, Euryata e Oberon - le ultime tre opere più perfette di Beber, nell'anno della cui morte (1820) il l'orizzonte musicale, lampeggia un nuovo "luminario" - Mendelssohn - Bartholdy, che si è esibito con una meravigliosa ouverture da concerto - Dream in notte di mezza estate.
La fase intermedia cade principalmente negli anni 30-40, i suoi confini sono determinati dalla Rivoluzione di luglio in Francia, che ebbe un notevole impatto sugli ambienti avanzati dell'Austria e soprattutto della Germania, e dalla rivoluzione del 1848-1949, che travolse prepotentemente il terre austro-tedesche. In questo periodo fiorì in Germania l'opera di Mendelssohn (morto nel 1147) e Schumann, la cui attività compositiva solo per pochi anni oltrepassò il confine indicato; Le tradizioni di Weber sono portate avanti nelle sue opere da Marschner (la sua migliore opera, Taps Galish:r, fu scritta nel 1833); durante questo periodo, Wagner passa da compositore alle prime armi a creatore di tale opere luminose come "Tannhäuser" (1815) e "Lohengrin" (1848); tuttavia, i principali risultati creativi di Wagner devono ancora arrivare. In Austria, in questo momento, c'è una certa tregua nel campo dei generi seri, ma i creatori della musica dance quotidiana, Josef Liner e Johann Strauss-padre, stanno guadagnando fama.
Il tardo periodo post-rivoluzionario del romanticismo, che copre diversi decenni (dall'inizio degli anni '50 a circa la metà degli anni '90), era associato a una situazione socio-politica tesa (rivalità tra Austria e Prussia nell'unificazione delle terre tedesche , l'emergere di una Germania unita sotto il dominio della Prussia militarista e il definitivo isolamento politico dell'Austria). In questo momento, il problema di un'unica arte musicale tutta tedesca era acuto, le contraddizioni tra vari gruppi creativi e singoli compositori si rivelavano più chiaramente, sorse una lotta di direzioni, a volte riflessa in un acceso dibattito sulle pagine della stampa . I tentativi di unire le forze musicali progressiste del paese sono fatti da Liszt, trasferitosi in Germania, ma i suoi principi creativi, legati alle idee di innovazione radicale basata sul software, non sono condivisi da tutti i musicisti tedeschi. Una posizione speciale è occupata da Wagner, che ha assolutizzato il ruolo del dramma musicale come "l'arte del futuro". Allo stesso tempo, Brahms, che è riuscito nel suo lavoro a dimostrare il significato duraturo di molti classici tradizioni musicali nella loro combinazione con una nuova visione del mondo romantica, diventa il capo delle tendenze anti-lista e anti-Wagner a Vienna. L'anno 1876 è significativo a questo proposito: a Bayreuth viene presentato in anteprima Der Ring des Nibelungen di Wagner e Vienna conosce la prima sinfonia di Brahms, che apre il periodo di massima fioritura della sua opera.

La complessità della situazione storico-musicale di questi anni non si limita alla presenza di varie direzioni con i loro focolai: Lipsia, Weimar, Bayreuth. Vienna. Nella stessa Vienna, ad esempio, stanno creando artisti così diversi tra loro come Bruckner e Wolf, uniti da un comune atteggiamento entusiasta nei confronti di Wagner, ma allo stesso tempo non accettando il suo principio del dramma musicale.
A Vienna, il figlio di Johann Strauss, il capo più musicale del secolo, crea ”(Wagner). I suoi meravigliosi valzer, e successivamente le operette, fanno di Vienna un importante centro per l'intrattenimento musicale.
I decenni post-rivoluzionari sono ancora segnati da alcuni eccezionali fenomeni di romanticismo musicale, i segni della crisi interna di questa tendenza si stanno già facendo sentire. Così, il romantico in Brahms è sintetizzato con i principi del classicismo, e Hugo Wolf si realizza gradualmente come compositore antiromantico. In breve, i principi romantici perdono la loro importanza preminente, a volte combinati con alcune tendenze classiche nuove o rianimate.
Tuttavia, anche dopo la metà degli anni '80, quando il romanticismo iniziò chiaramente a sopravvivere a se stesso, in Austria e Germania compaiono ancora lampi luminosi separati. creatività romantica: le ultime composizioni per pianoforte di Brahms e le ultime sinfonie di Bruckner sono alimentate dal romanticismo; maggiori compositori fine del XIX e XX secolo - l'austriaco Mahler e il tedesco Richard Strauss - nelle opere degli anni 80-90 a volte si manifestano come tipici romantici. In generale, questi compositori diventano una sorta di anello di congiunzione tra l'Ottocento "romantico" e il Novecento "antiromantico".)
"La vicinanza della cultura musicale di Austria e Germania, dovuta a tradizioni culturali e storiche, non esclude, naturalmente, le ben note differenze nazionali. In un ambiente frammentato, ma unito composizione nazionale In Germania e nell'impero austriaco politicamente unificato, ma multinazionale ("monarchia patchwork"), le fonti che alimentavano la creatività musicale e i compiti che dovevano affrontare i musicisti erano talvolta diversi. Così, nella Germania arretrata, il superamento della stagnazione piccolo-borghese, il provincialismo ristretto era un compito particolarmente urgente, che a sua volta richiedeva attività educative di varie forme da parte dei rappresentanti progressisti dell'arte. In queste condizioni, l'eccezionale compositore tedesco non poteva limitarsi a comporre musica, ma doveva anche diventare un personaggio musicale e pubblico. E in effetti, i compositori romantici tedeschi hanno svolto energicamente compiti culturali ed educativi, hanno contribuito all'innalzamento generale del livello dell'intera cultura musicale nel loro paese natale: Weber - come direttore d'opera e critico musicale, Mendelssohn - come direttore di concerti e un importante insegnante, fondatore del primo conservatorio in Germania; Schumann come critico musicale innovativo e creatore di un nuovo tipo di rivista musicale. Più tardi, un raro nella sua versatilità musicale e attività sociale Wagner come direttore di teatro e sinfonia, critico, estetico, riformatore operistico, fondatore del nuovo teatro di Bayreuth.
In Austria, con la sua centralizzazione politica e culturale (l'egemonia reggimentale di Vienna come centro politico e culturale), con le illusioni del patriarcato, il benessere immaginario impiantato e con l'effettivo dominio della reazione più crudele, un'ampia attività sociale era impossibile1. A questo proposito, non può non attirare l'attenzione la contraddizione tra il pathos civico dell'opera di Beethoven e la forzata passività sociale del grande compositore. Che dire di Schubert, che si formò come artista nel periodo successivo al Congresso di Vienna del 1814-1815! Il famoso circolo di Schubert era l'unica forma possibile per unire i principali rappresentanti dell'intellighenzia artistica, ma un tale circolo nella Vienna di Metternich non poteva avere una vera risonanza pubblica. In altre parole, in Austria i più grandi compositori erano quasi esclusivamente creatori di opere musicali: non potevano esprimersi nel campo dell'attività musicale e sociale. Questo vale per Schubert, e per Bruckner, e per il figlio di Johann Strauss, e per alcuni altri.
Tuttavia, nella cultura austriaca, si dovrebbero notare anche tali fattori caratteristici che hanno influenzato positivamente l'arte musicale, conferendole allo stesso tempo un sapore specificamente austriaco, "viennese". Concentrato a Vienna, in una peculiare combinazione eterogenea, elementi di tedesco, ungherese, italiano e Culture slave ha creato quel ricco terreno musicale su cui è cresciuta l'opera democraticamente orientata di Schubert, Johann Strauss e molti altri compositori. La combinazione di tratti nazionali tedeschi con ungherese e slavo divenne in seguito caratteristica di Brahms, che si trasferì a Vienna.

Specifico della cultura musicale austriaca era la distribuzione eccezionalmente ampia di varie forme di musica di intrattenimento: serenate, cassazioni, divertissement, che occupavano un posto di rilievo nell'opera dei classici viennesi Haydn e Mozart. Nell'era del romanticismo, il significato della musica quotidiana e divertente non solo è stato preservato, ma anche più intensificato. È difficile immaginare, ad esempio, l'immagine creativa di Schubert senza il getto folk-domestico che permea la sua musica e che risale alle feste viennesi, ai picnic, alle vacanze nei parchi, alla musica di strada casuale. Ma già ai tempi di Schubert si cominciava a osservare una stratificazione all'interno della musica professionale viennese. E se lo stesso Schubert combinava ancora nel suo lavoro sinfonie e sonate con valzer e landler, che apparivano letteralmente a centinaia1, così come marce, ecossesse, polacche, allora i suoi contemporanei Liner e Strauss-padre fecero della musica da ballo la base della loro attività. In futuro, questa "polarizzazione" trova espressione nel rapporto tra il lavoro di due coetanei: la danza classica e la musica da operetta Johann Strauss figlio (1825-1899) e il sinfonista Bruckner (1824-1896).
Quando si confrontano la musica austriaca e quella tedesca propriamente detta del XIX secolo, sorge inevitabilmente la questione del teatro musicale. Nella Germania dell'era del romanticismo, a partire da Hoffmann, l'opera era di fondamentale importanza come genere capace di esprimere nel modo più completo i problemi urgenti della cultura nazionale. E non è un caso che il dramma musicale Wagnerad sia stata una grandiosa conquista del teatro tedesco: in Austria, i ripetuti tentativi di Schubert di raggiungere il successo in campo teatrale non sono stati coronati da successo, stimoli per una seria creatività operistica, non hanno contribuito alla creazione di opere teatrali del “grande stile”. 1801-1862) Di conseguenza, non il dramma musicale, ma l'operetta viennese nata negli anni '70 determinò i successi dell'austriaco teatro musicale su scala europea.
Nonostante tutte queste e altre differenze nello sviluppo della musica austriaca e tedesca, le caratteristiche comuni nell'arte romantica di entrambi i paesi sono molto più evidenti. Quali sono le specificità che hanno distinto l'opera di Schubert, Weber e dei loro più stretti successori - Mendelssohn e Schumann - dalla musica romantica di altri paesi europei?
Testi intimi, sinceri, alimentati dal sogno, sono particolarmente tipici di Schubert, Weber, Mendelssohn, Schumann. La loro musica è dominata da quella melodia di origine melodica, puramente vocale, che di solito è associata al concetto di "Lied" tedesco. Questo stile è ugualmente caratteristico delle canzoni e di molti dei melodiosi temi strumentali di Schubert, delle arie d'opera liriche di Weber, delle "Canzoni senza parole" di Mendelssohn, delle immagini "Ebzebian" di Schumann. La melodia insita in questo stile, tuttavia, differisce dalle cantilene operistiche specificamente italiane di Bellini, così come dalle svolte affettate-declamatorie caratteristiche dei romantici francesi (Berlioz, Menerbere).
Rispetto al progressivo romanticismo francese, caratterizzato da euforia ed efficacia, pieno di pathos civile, eroico-rivoluzionario, il romanticismo austriaco e tedesco appare nel complesso più contemplativo, introspettivo, soggettivo-lirico. Ma la sua forza principale sta nella rivelazione del mondo interiore di una persona, in quel profondo psicologismo, che si è rivelato con particolare completezza nella musica austriaca e tedesca, provocando l'irresistibile impatto artistico di molte opere musicali. Questo. tuttavia, non esclude singole vivide manifestazioni di eroismo, patriottismo nell'opera dei romantici di Austria e Germania. Tali sono la potente sinfonia eroico-epica in C-dur di Schubert e alcune delle sue canzoni ("To the Charioteer Kronos", "Group from Hell" e altre), il ciclo corale "Lyre and Sword" di Weber (basato su poesie dal poeta patriottico T. Kerner “Symphonic Etudes » Schumann, la sua canzone "Two Grenadiers"; infine, separato pagine eroiche in composizioni come la Sinfonia scozzese di Mendelssohn (l'apoteosi nel finale), il Carnevale di Schumann (finale, la sua terza sinfonia (primo movimento). drammi musicali di Wagner Nelle primissime fasi del romanticismo tedesco-austriaco, il principio attivo e attivo è molto più spesso espresso in immagini di patetico, agitato, ribelle, ma non riflettente, come in Beethoven, un processo di lotta mirato e vittorioso Tali sono le canzoni di Schubert "Shelter" e "Atlant", le immagini di Florestan di Schumann, la sua ouverture "Manfred", l'ouverture "Rune Blas" di Mendelssohn.

Le immagini della natura occupano un posto estremamente importante nell'opera dei compositori romantici austriaci e tedeschi. Il ruolo "empatico" delle immagini della natura è particolarmente grande nei cicli vocali di Schubert e nel ciclo "L'amore di un poeta" di Schumann. panorama musicale ampiamente sviluppato nelle opere sinfoniche di Mendelssohn; è associato principalmente agli elementi del mare ("Scottish Symphony", ouverture "Hebrides-", "Sea Quiet and Happy Sailing"). Ma una caratteristica caratteristica tedesca dell'immaginario paesaggistico era quel "romanzo della foresta" che è così poeticamente incarnato nelle introduzioni delle aperture di Weber a "The Magic Shooter" e "Oberon", in "Nocturne" dalla musica di Mendelssohn alla commedia di Shakespeare "A Midsummer Night's Sogno". Da qui si disegnano fili a sinfonie di Bruckner come la quarta ("Romantica") e la settima, al paesaggio sinfonico "Fruschio della foresta" nella tetralogia di Wagner, all'immagine della foresta nella prima sinfonia di Mahler.
Il desiderio romantico dell'ideale nella musica austro-tedesca trova un'espressione specifica, in particolare, nel tema del vagabondaggio, la ricerca della felicità in un'altra terra sconosciuta. Ciò è stato visto più chiaramente nel lavoro di Schubert ("The Wanderer", "The Beautiful Miller's Woman", "The Winter Road"), e successivamente - nelle immagini di Wagner L'Olandese volante, Wotan il viaggiatore, Sigfrido errante. Questa tradizione porta negli anni '80 al ciclo "Songs of the Traveling Apprentice" di Mahler.
Un grande spazio dedicato alle immagini fantastiche è anche una tipica caratteristica nazionale del romanticismo austro-tedesco (ha avuto un impatto diretto sul romanticista francese Berlioz). Questa è, in primo luogo, la fantasia del male, il demonismo, che ha trovato la sua incarnazione più vivida a Siena nella Wolf Valley dall'opera The Magic Shooter di Weber, in Marschner's Vampire, la cantata Walpurgis Night di Mendelssohn e una serie di altre opere. In secondo luogo, la fantasia è leggera, sottilmente poetica, che si fonde con immagini belle ed entusiaste della natura: scene nell'Oberon di Weber, l'ouverture Sogno di una notte di mezza estate di Mendelssohn, e poi l'immagine del Lohengrin di Wagner, il messaggero del Graal. Un posto intermedio qui appartiene a molte delle immagini di Schumann, dove la fantasia incarna un inizio meraviglioso e bizzarro, senza molta enfasi sul problema del male e del bene.
Nel campo del linguaggio musicale, il romanticismo austriaco e tedesco ha costituito un'intera epoca, estremamente importante dal punto di vista dell'evoluzione generale dei mezzi espressivi dell'arte. Senza soffermarci sull'originalità dello stile di ogni grande compositore separatamente, notiamo le caratteristiche e le tendenze più comuni.

Il principio ampiamente implementato della "canzone" - una tipica tendenza generale nel lavoro dei compositori romantici - si estende al loro musica strumentale. Raggiunge una maggiore individualizzazione della melodia attraverso una caratteristica combinazione di canto vero e proprio e turni declamatori, canto di fondazioni, cromatizzazione, ecc. Il linguaggio armonico si arricchisce: le formule armoniche tipiche dei classici sono sostituite da un'armonia più flessibile e diversificata, aumenta il ruolo della plagalità, passaggi laterali della modalità. Il suo lato colorato è di grande importanza in armonia. Caratteristica è anche la crescente compenetrazione di maggiore e minore. Quindi, da Schubert, in sostanza, deriva la tradizione delle giustapposizioni maggiori-minori con lo stesso nome (più spesso maggiore dopo minore), poiché questa è diventata una tecnica preferita nel suo lavoro. L'ambito di applicazione dell'armonico maggiore si sta espandendo (le sottodominanti minori sono particolarmente caratteristiche nelle cadenze delle opere maggiori). In connessione con l'enfasi sull'individuo, l'identificazione di sottili dettagli dell'immagine, ci sono anche conquiste nel campo dell'orchestrazione (l'importanza di un colore timbrico specifico, il ruolo crescente degli strumenti solisti, l'attenzione ai nuovi colpi esecutivi degli archi , eccetera.). Ma l'orchestra stessa sostanzialmente non cambia ancora la sua composizione classica.
I romantici tedeschi e austriaci furono in misura maggiore i fondatori della programmazione romantica (Berlioz poteva anche contare sui loro successi nella sua Sinfonia fantastica). E sebbene la programmazione in quanto tale, sembrerebbe, non sia caratteristica del romantico austriaco Schubert, ma la saturazione della parte pianistica delle sue canzoni con momenti pittorici, la presenza di elementi di programmazione nascosti presenti nella drammaturgia delle sue principali composizioni strumentali, determinato il contributo significativo del compositore allo sviluppo dei principi programmatici nella musica. Tra i romantici tedeschi c'è già un accentuato desiderio di musica programmatica sia nella musica per pianoforte (Invitation to Dance, Weber's Concertpiece, Schumann's suite cycles, Mendelssohn's Songs Without Words), sia nella musica sinfonica (ouverture d'opera di Weber, ouverture da concerto, Mendelssohn's , ouverture "Manfred" di Schumann).
Il ruolo dei romantici austriaci e tedeschi nella creazione di nuovi principi compositivi è eccezionale. I cicli sonata-sinfonici dei classici vengono sostituiti da miniature strumentali; la ciclizzazione delle miniature, chiaramente sviluppata nel campo dei testi vocali da Schubert, viene trasferita alla musica strumentale (Schumann). Ci sono anche grandi composizioni a movimento singolo che combinano i principi della sonata e della ciclicità (la fantasia pianistica di Schubert in do-dur, "Concertpiece" di Weber, la prima parte della fantasia di Schumann in do-dur). I cicli sonata-sinfonia, a loro volta, subiscono cambiamenti significativi tra i romantici, compaiono vari tipi di "sonata romantica", "sinfonia romantica". Tuttavia, il risultato principale è stata una nuova qualità del pensiero musicale, che ha portato alla creazione di miniature di pieno contenuto e potere espressivo - quella speciale concentrazione di espressione musicale che ha reso una singola canzone o un brano per pianoforte in un movimento il fulcro di idee ed esperienze profonde.

A capo del romanticismo austriaco e tedesco in rapido sviluppo nella prima metà del XIX secolo c'erano individui non solo brillantemente dotati, ma anche avanzati nelle loro opinioni e aspirazioni. Ciò ha determinato il significato duraturo della loro creatività musicale, il suo significato come " nuovi classici”, che divenne chiaro alla fine del secolo, quando i classici musicali dei paesi di lingua tedesca erano rappresentati, in sostanza, non solo dal grande compositori del XVIII secolo e Beethoven, ma anche i grandi romantici - Schubert, Schumann, Weber, Mendelssohn. Questi straordinari rappresentanti del romanticismo musicale, onorando profondamente i loro predecessori e sviluppando molti dei loro successi, sono stati in grado allo stesso tempo di scoprire un mondo completamente nuovo di immagini musicali e le corrispondenti forme compositive. Il tono personale prevalente nel loro lavoro si è rivelato in sintonia con gli umori e i pensieri delle masse democratiche. Hanno confermato nella musica quel carattere di espressività, che è giustamente descritto da B. V. Asafiev come “discorso comunicativo vivo, da cuore a cuore” e che rende Schubert e Schumann imparentati con Chopin, Grieg, Ciajkovskij e Verdi. Asafiev ha scritto sul valore umanistico della tendenza musicale romantica: “La coscienza personale non si manifesta nel suo isolato orgoglioso isolamento, ma in una sorta di riflesso artistico di tutto ciò con cui le persone sono vive e che le preoccupa sempre e inevitabilmente. In tale semplicità, risuonano invariabilmente pensieri e pensieri belli sulla vita: la concentrazione del meglio che c'è in una persona.

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Tardi romantici

Molti dei compositori di questo periodo hanno continuato a scrivere musica fino al XX secolo. Tuttavia, ne parliamo qui, e non nel prossimo capitolo, perché era proprio lo spirito del romanticismo che era forte nella loro musica.

Va notato che alcuni di loro mantennero stretti legami e persino amicizia con i compositori menzionati nelle sottosezioni "Primi romantici" e "Nazionalisti".

Inoltre, va tenuto presente che durante questo periodo hanno lavorato così tanti ottimi compositori in diversi paesi europei che qualsiasi loro divisione secondo qualsiasi principio sarebbe del tutto arbitraria. Se in varie pubblicazioni dedicate al periodo classico e al periodo barocco viene menzionato approssimativamente lo stesso periodo di tempo, allora il periodo romantico è definito in modo diverso ovunque. Sembra che il confine tra la fine del periodo romantico e l'inizio del XX secolo in musica sia molto sfumato.

Il principale compositore dell'Ottocento italiano è stato senza dubbio Giuseppe Verdi. Quest'uomo con folti baffi e sopracciglia, che ci guardava con occhi lucenti, era superiore a tutti gli altri compositori d'opera.

Tutte le composizioni di Verdi sono letteralmente traboccanti di melodie luminose e memorabili. In totale, ha scritto ventisei opere, la maggior parte delle quali sono regolarmente messe in scena fino ad oggi. Tra questi ci sono le opere più famose e straordinarie arte operistica di tutti i tempi.

La musica di Verdi era molto apprezzata anche durante la vita del compositore. alla prima Ade Il pubblico ha fatto una standing ovation così lunga che gli artisti hanno dovuto inchinarsi ben trentadue volte.

Verdi era un uomo ricco, ma i soldi non potevano salvare entrambe le mogli ei due figli del compositore dalla morte prematura, quindi ci furono momenti tragici nella sua vita. Lasciò la sua fortuna in un ricovero per vecchi musicisti costruito sotto la sua direzione a Milano. Lo stesso Verdi considerava la creazione di un rifugio, e non la musica, il suo più grande successo.

Nonostante il nome di Verdi sia principalmente associato alle opere, parlando di lui, è impossibile non menzionarlo Requiem, considerato uno dei migliori esempi musica corale. È pieno di drammaticità e alcune caratteristiche dell'opera lo sfuggono.

Il nostro prossimo compositore non è affatto la persona più affascinante. In generale, questa è la figura più scandalosa e controversa di tutte quelle menzionate nel nostro libro. Se dovessimo fare un elenco basato solo sui tratti della personalità, allora Riccardo Wagner non lo colpirebbe mai. Tuttavia, siamo guidati esclusivamente da criteri musicali e la storia della musica classica è inconcepibile senza quest'uomo.

Il talento di Wagner è innegabile. Da - sotto la sua penna sono usciti alcuni dei più significativi e impressionanti composizioni musicali per l'intero periodo del romanticismo, specialmente per l'opera. Allo stesso tempo, si parla di lui come un antisemita, razzista, burocratico, l'ultimo ingannatore e persino un ladro che non esita a prendere tutto ciò di cui ha bisogno e persone maleducate senza rimorsi. Wagner aveva un'autostima esagerata e credeva che il suo genio lo elevasse al di sopra di tutte le altre persone.

Wagner è ricordato per le sue opere. Questo compositore portò l'opera tedesca a un livello completamente nuovo e, sebbene fosse nato contemporaneamente a Verdi, la sua musica era molto diversa dalle composizioni italiane di quel periodo.

Una delle innovazioni di Wagner era che a ogni personaggio principale veniva assegnato il proprio tema musicale, che si ripeteva ogni volta che iniziava a recitare un ruolo significativo sul palco.

Oggi sembra scontato, ma a quel tempo questa idea fece una vera rivoluzione.

Il più grande risultato di Wagner è stato il ciclo Anello del Nibelungo, composto da quattro opere: Oro del Reno, Valchiria, Siegfried E Morte degli dei. Di solito vengono messi in scena quattro sere di fila e in totale durano circa quindici ore. Queste opere da sole basterebbero a glorificare il loro compositore. Nonostante tutta l'ambiguità di Wagner come persona, va riconosciuto che era un compositore eccezionale.

Una caratteristica distintiva delle opere di Wagner è la loro durata. La sua ultima opera parsifal dura più di quattro ore.

Il direttore d'orchestra David Randolph una volta disse di lei:

"Questo è il tipo di opera che inizia alle sei, e quando guardi il tuo orologio da polso dopo tre ore, si scopre che segna le 6:20."

Vita Anton Bruckner come compositore, questa è una lezione su come non arrendersi e insistere per conto proprio. Si esercitava dodici ore al giorno, dedicava tutto il suo tempo al lavoro (era organista) e imparava molto in musica da solo, finendo di padroneggiare le capacità di scrittura per corrispondenza in un'età abbastanza matura - a trentasette anni.

Oggi si ricordano più spesso le sinfonie di Bruckner, di cui ha scritto un totale di nove brani. A volte è stato colto da dubbi sulla sua fattibilità come musicista, ma ha comunque ottenuto riconoscimenti, anche se verso la fine della sua vita. Dopo averlo eseguito Sinfonie n. 1 i critici hanno finalmente elogiato il compositore, che a quel tempo aveva già compiuto quarantaquattro anni.

Giovanni Brahms non uno di quei compositori nati, per così dire, con una bacchetta d'argento in mano. Al momento della sua nascita, la famiglia aveva perso la sua precedente ricchezza e riusciva a malapena a sbarcare il lunario. Da adolescente si guadagnava da vivere suonando nei bordelli della sua città natale, Amburgo. Quando Brahms divenne adulto, senza dubbio conobbe i lati tutt'altro che attraenti della vita.

La musica di Brahms è stata promossa dal suo amico, Robert Schumann. Dopo la morte di Schumann, Brahms si avvicinò a Clara Schumann e alla fine si innamorò persino di lei. Non si sa esattamente che tipo di relazione avessero, anche se il sentimento per lei probabilmente ha avuto un ruolo nei suoi rapporti con altre donne: non ha dato il suo cuore a nessuna di loro.

Come persona, Brahms era piuttosto sfrenato e irritabile, ma i suoi amici affermavano che c'era morbidezza in lui, anche se non sempre lo dimostrava a coloro che lo circondavano. Un giorno, tornando a casa da una festa, disse:

"Se non ho offeso nessuno, allora chiedo loro perdono."

Brahms non avrebbe vinto il concorso per il compositore più alla moda ed elegantemente vestito. Detestava terribilmente comprare vestiti nuovi e spesso indossava gli stessi pantaloni larghi e rattoppati, quasi sempre troppo corti per lui. Durante un'esibizione, i suoi pantaloni sono quasi caduti. In un'altra occasione dovette togliersi la cravatta e usarla al posto della cintura.

Lo stile musicale di Brahms è stato fortemente influenzato da Haydn, Mozart e Beethoven, e alcuni storici della musica affermano addirittura che abbia scritto nello spirito del classicismo, a quel tempo già fuori moda. Allo stesso tempo, possiede anche diverse nuove idee. Ha avuto particolare successo nello sviluppare piccoli brani musicali e nel ripeterli per tutto il lavoro, quello che i compositori chiamano un "motivo ripetuto".

Opera Brahms non ha scritto, ma si è cimentato in quasi tutti gli altri generi di musica classica. Pertanto, può essere chiamato uno di i più grandi compositori menzionato nel nostro libro, un vero gigante della musica classica. Lui stesso ha detto questo del suo lavoro:

"Non è difficile da comporre, ma è sorprendentemente difficile gettare note extra sotto il tavolo."

Max Bruchè nato appena cinque anni dopo Brahms, e quest'ultimo lo avrebbe sicuramente messo in ombra, se non fosse stato per un'opera, Concerto per violino n. 1.

Lo stesso Bruch ha riconosciuto questo fatto, affermando con modestia insolita per molti compositori:

"Tra cinquant'anni, Brahms sarà definito uno dei più grandi compositori di tutti i tempi, e io sarò ricordato per aver scritto il Concerto per violino in sol minore".

E si è rivelato avere ragione. È vero, lo stesso Brujah ha qualcosa da ricordare! Ha composto molte altre opere - circa duecento in tutto - ha soprattutto molte opere per coro e opere, che oggi raramente vengono messe in scena. La sua musica è melodica, ma non ha contribuito con nulla di particolarmente nuovo al suo sviluppo. Contro il suo background, molti altri compositori dell'epoca sembrano essere dei veri innovatori.

Nel 1880, Bruch fu nominato direttore della Liverpool Royal Philharmonic Society, ma tornò a Berlino tre anni dopo. I musicisti dell'orchestra non erano contenti di lui.

Sulle pagine del nostro libro abbiamo già incontrato tanti prodigi musicali, e Camille Saint-Sans non occupa l'ultimo posto tra loro. All'età di due anni, Saint-Saens stava già raccogliendo melodie al pianoforte e ha imparato a leggere e scrivere musica allo stesso tempo. All'età di tre anni recitava in commedie propria composizione. All'età di dieci anni, ha eseguito perfettamente Mozart e Beethoven. Tuttavia, si interessò seriamente all'entomologia (farfalle e insetti) e successivamente ad altre scienze, tra cui la geologia, l'astronomia e la filosofia. Sembrava che un bambino così talentuoso semplicemente non potesse limitarsi a una cosa.

Dopo essersi diplomato al Conservatorio di Parigi, Saint-Saens ha lavorato per molti anni come organista. Con l'età, iniziò a influenzare la vita musicale della Francia, e fu grazie a lui che la musica di compositori come J. S. Bach, Mozart, Handel e Gluck iniziò ad essere eseguita più spesso.

La composizione più famosa di Saint-Saens - carnevale degli animali, che il compositore ha proibito di eseguire durante la sua vita. Era preoccupato che i critici musicali, avendo ascoltato questo lavoro, non lo considerassero troppo frivolo. Dopotutto, è divertente quando l'orchestra sul palco ritrae un leone, galline con un gallo, tartarughe, un elefante, un canguro, un acquario con pesci, uccelli, un asino e un cigno.

Saint-Saens ha scritto alcune delle sue altre composizioni per combinazioni di strumenti non così frequenti, comprese le famose "Organo" Sinfonia n. 3, suonava nel film "Babe".

La musica di Saint-Saens ha influenzato il lavoro di altri compositori francesi, tra cui Gabriele Faure. Questo giovane ereditò la carica di organista nella chiesa parigina di Santa Maddalena, precedentemente detenuta da Saint-Saens.

E sebbene il talento di Faure non possa essere paragonato al talento del suo insegnante, era un grande pianista.

Fauré era un uomo povero e quindi lavorava sodo, suonando l'organo, dirigendo il coro e dando lezioni. Scriveva nel tempo libero, che era pochissimo, ma, nonostante ciò, riuscì a pubblicare più di duecentocinquanta delle sue opere. Alcuni di loro sono stati composti per molto tempo: ad esempio, lavorare su Requiem durato oltre vent'anni.

Nel 1905 Fauré divenne il direttore del Conservatorio di Parigi, cioè l'uomo da cui dipendeva in gran parte lo sviluppo della musica francese di quel tempo. Quindici anni dopo Faure andò in pensione. Alla fine della sua vita soffriva di perdita dell'udito.

Oggi Faure è rispettato fuori dalla Francia, anche se lì è molto apprezzato.

Per i fan della musica inglese, l'aspetto di una figura come Edoardo Elgar, deve essere sembrato un vero miracolo. Molti storici della musica si riferiscono a lui come il primo significativo compositore inglese dopo Henry Purcell, che ha lavorato durante il periodo barocco, anche se poco prima abbiamo citato anche Arthur Sullivan.

Elgar amava molto l'Inghilterra, in particolare il suo nativo Worcestershire, dove trascorse la maggior parte della sua vita, trovando ispirazione nei campi delle colline di Malvern.

Da bambino era circondato dalla musica ovunque: suo padre possedeva un negozio di musica locale e insegnava al piccolo Elgar a suonare vari strumenti musicali. All'età di dodici anni, il ragazzo stava già sostituendo l'organista alle funzioni religiose.

Dopo aver lavorato nello studio di un avvocato, Elgar ha deciso di dedicarsi a un'occupazione molto meno sicura dal punto di vista finanziario. Per qualche tempo ha lavorato part-time, dando lezioni di violino e pianoforte, suonando in orchestre locali e dirigendo anche un po'.

A poco a poco, la fama di Elgar come compositore crebbe, anche se dovette lottare per uscire dalla sua contea natale. La fama lo ha portato Variazioni su un tema originale, che ora sono meglio conosciuti come Variazioni dell'enigma.

Ora la musica di Elgar è percepita come molto inglese e suona durante i più grandi eventi su scala nazionale. Al primo suono Concerto per violoncello appare subito la campagna inglese. Nimrod da Variazioni spesso suonato in cerimonie ufficiali, e Marcia solenne e cerimoniale n. 1, conosciuto come Terra di speranza e gloria eseguire su feste di laurea in tutto il Regno Unito.

Elgar era un padre di famiglia e amava una vita tranquilla e ordinata. Tuttavia, ha lasciato il segno nella storia. Questo compositore dai folti baffi lussureggianti si nota subito sulla banconota da venti sterline. Ovviamente, i progettisti di banconote hanno scoperto che tali peli sul viso sarebbero stati molto difficili da falsificare.

In Italia, il successore di Giuseppe Verdi nell'arte operistica fu Giacomo Puccini, considerato uno dei maestri mondiali riconosciuti di questa forma d'arte.

La famiglia Puccini è stata a lungo associata alla musica sacra, ma quando Giacomo ascoltò per la prima volta l'opera Aida Verdi, ha capito che quella era la sua vocazione.

Dopo aver studiato a Milano, Puccini compone un'opera Manon Lesko, che gli portò il suo primo grande successo nel 1893. Successivamente, una produzione di successo si è susseguita a un'altra: Boemia nel 1896, Desiderio nel 1900 e Madama Farfalla nel 1904.

In totale, Puccini compose dodici opere, l'ultima delle quali fu Turandot. Morì senza completare questa composizione e un altro compositore completò il lavoro. Alla prima dell'opera, il direttore d'orchestra Arturo Toscanini fermò l'orchestra esattamente dove aveva interrotto Puccini. Si rivolse al pubblico e disse:

Con la morte di Puccini finì il periodo di massimo splendore dell'arte operistica italiana. Il nostro libro non parlerà più di operisti italiani. Ma chissà cosa ci riserva il futuro?

Nella vita Gustav Mahler Era più conosciuto come direttore d'orchestra che come compositore. Dirigeva in inverno e in estate, di regola, preferiva scrivere.

Da bambino, si dice che Mahler abbia trovato un pianoforte nella soffitta della casa di sua nonna. Quattro anni dopo, all'età di dieci anni, ha già dato la sua prima esibizione.

Mahler ha studiato al Conservatorio di Vienna, dove ha iniziato a comporre musica. Nel 1897 divenne direttore dell'Opera di Stato di Vienna e nei successivi dieci anni acquisì una notevole fama in questo campo.

Lui stesso iniziò a scrivere tre opere, ma non le finì mai. Nel nostro tempo, è meglio conosciuto come compositore di sinfonie. In questo genere, possiede uno dei veri "successi" - Sinfonia n. 8, nella performance di cui sono coinvolti più di mille musicisti e cantanti.

Dopo la morte di Mahler, la sua musica passò di moda per cinquant'anni, ma nella seconda metà del XX secolo riacquistò popolarità, soprattutto in Gran Bretagna e negli Stati Uniti.

Riccardo Straussè nato in Germania e non apparteneva alla dinastia viennese degli Strauss. Nonostante questo compositore abbia vissuto quasi tutta la prima metà del XX secolo, è ancora considerato un rappresentante del romanticismo musicale tedesco.

La popolarità mondiale di Richard Strauss risentì in qualche modo del fatto che decise di rimanere in Germania dopo il 1939, e dopo la seconda guerra mondiale fu completamente accusato di collaborare con i nazisti.

Strauss era un eccellente direttore d'orchestra, grazie al quale capiva perfettamente come doveva suonare questo o quello strumento nell'orchestra. Ha spesso applicato questa conoscenza nella pratica. Ha anche dato vari consigli ad altri compositori, come:

"Non guardare mai i tromboni, li incoraggi solo."

“Non sudare mentre ti esibisci; solo gli ascoltatori dovrebbero scaldarsi.

Oggi Strauss è ricordato principalmente in relazione alla sua composizione Così parlò Zarathustra, l'intro utilizzato da Stanley Kubrick nel suo film 2001: Odissea nello spazio. Ma ha anche scritto alcune delle migliori opere tedesche, tra cui - Cavaliere Rosenkalier, Salomè E Arianna a Naxos. Un anno prima della sua morte, ha anche composto molto bello quattro ultime canzoni per voce e orchestra. In realtà, queste non erano le ultime canzoni di Strauss, ma sono diventate una sorta di finale della sua attività creativa.

Fino ad ora, tra i compositori citati in questo libro, c'era un solo rappresentante della Scandinavia: Edvard Grieg. Ma ora siamo di nuovo trasportati in questa terra aspra e fredda, questa volta in Finlandia, dove Jean Sibelius, grande genio musicale.

La musica di Sibelius ha assorbito i miti e le leggende della sua terra natale. Il suo opera più grande, Finlandia,è considerata l'incarnazione dello spirito nazionale dei finlandesi, proprio come nel Regno Unito le opere di Elgar sono riconosciute come tesoro nazionale. Inoltre, Sibelius, come Mahler, era un vero maestro delle sinfonie.

Quanto alle altre passioni del compositore, nella vita quotidiana amava eccessivamente bere e fumare, tanto che all'età di quarant'anni e passa si ammalò di cancro alla gola. Spesso gli mancavano anche i soldi e lo stato gli dava una pensione in modo che potesse continuare a scrivere musica senza preoccuparsi del suo benessere finanziario. Ma più di vent'anni prima della sua morte, Sibelius smise di comporre qualsiasi cosa. Ha vissuto il resto della sua vita in relativa solitudine. Era particolarmente duro con coloro che ricevevano denaro per le recensioni della sua musica:

“Non prestare attenzione a ciò che dicono i critici. Finora, a nessun critico è stata data una statua.

Anche l'ultimo della nostra lista di compositori romantici è vissuto fino a quasi la metà del XX secolo, sebbene abbia scritto la maggior parte delle sue opere più famose nel 1900. Eppure è classificato tra i romantici, e ci sembra che questo sia il compositore più romantico dell'intero gruppo.

Sergei Vasilievich Rahmaninov nacque in una famiglia nobile, che a quel tempo aveva speso molti soldi. Ha sviluppato un interesse per la musica già da allora prima infanzia, ei suoi genitori lo mandarono a studiare, prima a San Pietroburgo e poi a Mosca.

Rachmaninov era un pianista sorprendentemente talentuoso e si rivelò anche un meraviglioso compositore.

Mio Concerto per pianoforte n. 1 ha scritto a diciannove anni. Trovò anche il tempo per la sua prima opera, Aleko.

Ma questo grande musicista, di regola, non era particolarmente soddisfatto della vita. In molte delle fotografie vediamo un uomo arrabbiato e accigliato. Un altro compositore russo, Igor Stravinsky, una volta osservò:

“L'essenza immortale di Rachmaninov era il suo cipiglio. Aveva un metro e ottanta di cipiglio... era un uomo spaventoso".

Quando il giovane Rachmaninoff ha suonato per Čajkovskij, è stato così felice che ha messo un cinque con quattro più sul foglio della sua partitura, il punteggio più alto nella storia del Conservatorio di Mosca. Ben presto l'intera città iniziò a parlare del giovane talento.

Tuttavia, il destino è rimasto a lungo sfavorevole al musicista.

I critici sono stati molto duri con lui. Sinfonie n. 1, la cui prima si è conclusa con un fallimento. Ciò ha dato a Rachmaninov gravi esperienze emotive, ha perso la fiducia nelle proprie forze e non è riuscito a comporre nulla.

Alla fine, solo l'aiuto di uno psichiatra esperto Nikolai Dahl gli ha permesso di uscire dalla crisi. Nel 1901, Rachmaninoff aveva completato il concerto per pianoforte, che aveva lavorato duramente per molti anni e dedicato al Dr. Dahl. Questa volta, il pubblico ha accolto con gioia il lavoro del compositore. Da allora Concerto per pianoforte n. 2è diventato un pezzo classico amato eseguito da vari gruppi musicali in tutto il mondo.

Rachmaninoff iniziò a girare in Europa e negli Stati Uniti. Tornato in Russia, ha diretto e composto.

Dopo la rivoluzione del 1917, Rachmaninov e la sua famiglia andarono a concerti in Scandinavia. Non è mai tornato a casa. Si è invece trasferito in Svizzera, dove ha acquistato una casa sulle rive del Lago dei Quattro Cantoni. Ha sempre amato i corpi idrici e ora, quando è diventato un uomo abbastanza ricco, poteva permettersi di rilassarsi sulla riva e ammirare il paesaggio che si apriva.

Rachmaninoff era un eccellente direttore d'orchestra e dava sempre i seguenti consigli a chi voleva eccellere in questo campo:

“Un buon direttore d'orchestra deve essere un buon guidatore. Entrambi hanno bisogno delle stesse qualità: concentrazione, continua intensa attenzione e presenza mentale. Al direttore d'orchestra basta conoscere un po' la musica…”

Nel 1935 Rachmaninoff decise di stabilirsi negli Stati Uniti. Ha vissuto prima a New York e poi si è trasferito a Los Angeles. Lì iniziò a costruirsi una nuova casa, del tutto identica a quella che aveva lasciato a Mosca.

Turchin V S

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francese romanticismo

Un movimento artistico emerso tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo. prima nella letteratura (Germania, Gran Bretagna, altri paesi d'Europa e America), poi nella musica e in altre arti. Il concetto di "romanticismo" deriva dall'epiteto "romantico"; prima del 18° secolo ha sottolineato alcune caratteristiche delle opere letterarie scritte in Lingue romanze(cioè, non nelle lingue dell'antichità classica). Questi erano romanzi (romanzo spagnolo), così come poesie e romanzi sui cavalieri. In con. 18esimo secolo "romantico" è inteso in modo più ampio: non solo come avventuroso, divertente, ma anche come folk antico, originale, distante, ingenuo, fantastico, spiritualmente sublime, spettrale, oltre che sorprendente, spaventoso. "I romantici hanno romanticizzato tutto ciò che gli piaceva del passato recente e lontano", ha scritto F. Blume. Percepiscono l'opera di Dante e W. Shakespeare, P. Calderon e M. Cervantes, J. S. Bach e J. W. Goethe come "loro", molto nell'antichità; sono anche attratti dalla poesia del Dr. Menestrelli orientali e medievali. Sulla base delle caratteristiche sopra notate, F. Schiller ha definito la sua "Maid of Orleans" una "tragedia romantica", e nelle immagini di Mignon e Harper vede il romanticismo degli "Anni degli insegnamenti di Wilhelm Meister" di Goethe.

Romanticismo come termine letterario appare per la prima volta in Novalis, come termine musicale - in E. T. A. Hoffmann. Tuttavia, nel suo contenuto non è molto diverso dall'epiteto corrispondente. Il romanticismo non è mai stato un programma o uno stile chiaramente definito; si tratta di un'ampia gamma di tendenze ideologiche ed estetiche in cui la situazione storica, il paese, gli interessi dell'artista hanno creato determinati accenti, determinato vari obiettivi e mezzi. Tuttavia, anche l'arte romantica di diverse formazioni è importante caratteristiche comuni riguardante sia la posizione ideologica che lo stile.

Avendo ereditato molte delle sue caratteristiche progressiste dall'Illuminismo, il romanticismo è allo stesso tempo associato a una profonda delusione sia nell'illuminazione stessa che nei successi dell'intera nuova civiltà nel suo insieme. Per i primi romantici, che non conoscevano ancora i risultati della Rivoluzione francese, il processo generale di razionalizzazione della vita, la sua subordinazione a una "ragione" mediamente sobria ea una praticità senz'anima, fu deludente. In futuro, soprattutto durante gli anni dell'Impero e della Restaurazione, il significato sociale della posizione dei romantici - la loro antiborghesia - si delineava sempre più chiaramente. Secondo F. Engels, "le istituzioni pubbliche e politiche stabilite dalla vittoria della ragione si sono rivelate una caricatura malvagia e amaramente deludente delle brillanti promesse degli illuministi" (Marx K. ed Engels F., On Art, vol. 1, M., 1967, p.387).

Nell'opera dei romantici, il rinnovamento della personalità, l'affermazione della sua forza spirituale e della sua bellezza, si combina con l'esposizione del regno dei filistei; umano a tutti gli effetti, creativo si oppone a mediocre, insignificante, impantanato nella vanità, vanità, meschino calcolo. Al tempo di Hoffmann e J. Byron, V. Hugo e George Sand, H. Heine e R. Schumann, la critica sociale del mondo borghese era diventata uno degli elementi principali del romanticismo. Alla ricerca di fonti di rinnovamento spirituale, i romantici spesso idealizzavano il passato e cercavano di dare nuova vita ai miti religiosi. Nacque così una contraddizione tra l'orientamento progressista generale del romanticismo e le tendenze conservatrici sorte nel suo stesso canale. Nel lavoro dei musicisti romantici, queste tendenze non hanno avuto un ruolo notevole; si manifestavano principalmente nei motivi letterari e poetici di alcune opere, tuttavia, nell'interpretazione musicale di tali motivi, il principio vivente, reale-umano, di solito prevaleva.

Il romanticismo musicale, che si manifestò tangibilmente nel secondo decennio dell'Ottocento, fu un fenomeno storicamente nuovo e, allo stesso tempo, rivelò profondi legami successivi con i classici musicali. Il lavoro di eccezionali compositori del tempo precedente (compresi non solo i classici viennesi, ma anche la musica del XVI e XVII secolo) servì da supporto per la coltivazione di un alto rango artistico. Fu questo tipo di arte che divenne il modello per i romantici; secondo Schumann, “solo questa fonte pura può nutrire le forze della nuova arte” (“On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, p. 140). E questo è comprensibile: solo l'alto e il perfetto potrebbero opporsi con successo alle chiacchiere musicali di un salotto secolare, allo spettacolare virtuosismo del palcoscenico e del palcoscenico dell'opera, e all'indifferente tradizionalismo dei musicisti artigiani.

I classici musicali dell'era post-Bach sono serviti come base per il romanticismo musicale in relazione al loro contenuto. A partire da C. F. E. Bach, l'elemento del sentimento si è manifestato sempre più liberamente in esso, la musica ha padroneggiato nuovi mezzi che hanno permesso di esprimere sia la forza che la sottigliezza della vita emotiva, il lirismo nella sua versione individuale. Queste aspirazioni hanno messo in relazione molti musicisti della seconda metà del XVIII secolo. con il movimento letterario Sturm und Drang. L'atteggiamento di Hoffmann nei confronti di K. V. Gluck, W. A. Mozart e soprattutto di L. Beethoven, in quanto artisti di un magazzino romantico, era del tutto naturale. Tali valutazioni riflettevano non solo la predilezione per la percezione romantica, ma anche l'attenzione ai tratti del "preromanticismo" che erano effettivamente insiti nei maggiori compositori della seconda metà del XVIII e dell'inizio del XIX secolo.

Il romanticismo musicale è stato anche storicamente preparato dal movimento che lo ha preceduto per il romanticismo letterario in Germania tra i romantici "Jenian" e "Heidelberg" (W. G. Wackenroder, Novalis, fratelli F. e A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. Arnim, C. Brentano, e altri), dallo scrittore Jean Paul, che fu loro vicino, poi da Hoffmann, in Gran Bretagna, dai poeti dei cosiddetti. la "scuola del lago" (W. Wordsworth, S. T. Coleridge, ecc.) si è già completamente sviluppata principi generali romanticismo, che sono stati poi interpretati e sviluppati nella musica a modo loro. In futuro, il romanticismo musicale è stato significativamente influenzato da scrittori come Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz e altri.

A zone critiche Le opere di musicisti romantici includono testi, fantasia, folk e nazionali originali, naturali, caratteristici.

L'importanza fondamentale dei testi nel romantico. l'arte, specialmente nella musica, è stata fondamentalmente sostanziata da lui. R. teorici Per loro, "romantico" è principalmente "musicale" (nella gerarchia dell'arte, nella musica, il più posto d'onore), perché nella musica il sentimento regna sovrano, e quindi l'opera di un artista romantico trova in essa il suo fine più alto. Pertanto, la musica è il testo. Nell'aspetto filosofico astratto, secondo la teoria della lett. R., permette a una persona di fondersi con "l'anima del mondo", con "l'universo"; nell'aspetto della vita concreta, la musica è per sua natura agli antipodi della prosa. realtà, è la voce del cuore, capace di raccontare con la massima completezza una persona, la sua ricchezza spirituale, la sua vita e le sue aspirazioni. Ecco perché nel campo dei testi delle muse. R. appartiene alla parola più brillante. Il lirismo, l'immediatezza e l'espressione, l'individualizzazione del lirismo raggiunta dai musicisti romantici erano nuovi. dichiarazioni, il trasferimento di psicologico. lo sviluppo di un sentimento ricco di nuovi preziosi dettagli in tutte le sue fasi.

Narrativa in contrasto con la prosa. la realtà è affine alla lirica e spesso, soprattutto nella musica, si intreccia con quest'ultima. Di per sé, la fantasia rivela diverse sfaccettature che sono ugualmente essenziali per R. Agisce come libertà dell'immaginazione, libero gioco di pensiero e sentimento, e allo stesso tempo. come libertà di conoscenza, precipitandosi audacemente nel mondo dello "strano", meraviglioso, sconosciuto, come sfidando la praticità filistea, il miserabile "buon senso". La fantasia è anche una sorta di bellezza romantica. Allo stesso tempo, la fantascienza permette in forma indiretta (e, quindi, con la massima generalizzazione artistica) di scontrare il bello e il brutto, il buono e il cattivo. Negli arti. R. ha dato un grande contributo allo sviluppo di questo conflitto.

L'interesse dei romantici per la vita "fuori" è indissolubilmente legato al concetto generale di concetti come identità popolare e nazionale, naturale, caratteristica. Era il desiderio di ricreare l'autenticità, il primato, l'integrità perduti nella realtà circostante; da qui l'interesse per la storia, per il folklore, per il culto della natura, interpretata come primordiale, come l'incarnazione più completa e non distorta dell'"anima del mondo". Per un romantico, la natura è un rifugio dai guai della civiltà, consola e guarisce una persona irrequieta. I romantici hanno dato un enorme contributo alla conoscenza, all'arte. rinascita delle persone poesia e musica di epoche passate, così come paesi "lontani". Secondo T. Mann, R. è “una nostalgia per il passato e allo stesso tempo un riconoscimento realistico del diritto all'originalità per tutto ciò che è realmente esistito con il proprio colore e la propria atmosfera locale” (Coll. soch., v. . 10 , M., 1961, p. 322), iniziata nel Regno Unito nel XVIII secolo. raccolta nazionale il folklore è continuato nel 19 ° secolo. W.Scott; in Germania furono i romantici a raccogliere e rendere pubblici per primi i tesori dei letti a castello. creatività del suo paese (raccolta di L. Arnim e K. Brentano "The Magic Horn of a Boy", "Children's and Family Tales" del fratello Grimm), che fu di grande importanza per la musica. Il desiderio di una trasmissione fedele del nazional-nat. arti. stile ("colore locale") - caratteristica comune musicisti romantici di diversi paesi e scuole. Lo stesso si può dire della musica. paesaggio. Creato in quest'area dai compositori 18 - presto. XIX secolo di gran lunga superato dai romantici. Nella musica l'incarnazione della natura, R. ha raggiunto una concretezza figurativa precedentemente sconosciuta; questo è stato servito dagli espressi appena scoperti. mezzi musicali, principalmente armonici e orchestrali (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).

"Caratteristico" ha attratto i romantici in alcuni casi come originale, integrale, originale, in altri come strano, eccentrico, caricaturale. Notare la caratteristica, esporla significa sfondare il velo grigio livellante della percezione ordinaria e toccare la vita reale, stranamente colorata e ribollente. Nel perseguire questo obiettivo, un tipico per i romantici art-in lit. e musica. ritrattistica. Tale affermazione è stata spesso associata alla critica dell'artista e ha portato alla creazione di ritratti parodici e grotteschi. Da Jean Paul e Hoffmann, la tendenza a un caratteristico schizzo di ritratto viene trasmessa a Schumann e Wagner. In Russia, non senza l'influenza del romantico. tradizioni musicali. ritrattistica sviluppata tra i compositori nat. realistico. scuole - da A. S. Dargomyzhsky a M. P. Mussorgsky e N. A. Rimsky-Korsakov.

R. sviluppò elementi di dialettica nell'interpretazione e nella visualizzazione del mondo, e sotto questo aspetto fu vicino a lui contemporaneo. classico filosofia. Nella tuta viene migliorata la comprensione del rapporto tra l'individuo e il generale. Secondo F. Schlegel, romantico. la poesia è “universale”, essa “contiene tutto ciò che è poetico, dal più grande sistema delle arti, che ancora comprende interi sistemi, a un sospiro, a un bacio, come si esprimono nel canto ingenuo di un bambino” (“Fr. Schlegels Jugendschriften”, hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Varietà illimitata con estensione nascosta. unità: questo è ciò che i romantici apprezzano, per esempio. nel Don Chisciotte di Cervantes; F. Schlegel chiama il tessuto eterogeneo di questo romanzo "la musica della vita" (ibid., p. 316). Questo è un romanzo con "orizzonti aperti" - osserva A. Schlegel; secondo la sua osservazione, Cervantes ricorre a "infinite variazioni", "come se fosse un musicista sofisticato" (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Tale arte. posizione genera particolare attenzione per quanto riguarda l'otd. impressioni, e le loro connessioni, alla creazione di un concetto comune. In musica direttamente. lo sfogo del sentimento diventa filosofico, il paesaggio, la danza, la scena di genere, il ritratto sono intrisi di lirismo e portano a generalizzazioni. R. mostra un interesse speciale per il processo della vita, in quello che N. Ya Berkovsky chiama il "flusso diretto della vita" ("Romanticismo in Germania", Leningrado, 1973, p. 31); questo vale anche per la musica. È tipico per i musicisti romantici lottare per infinite trasformazioni del pensiero originale, per uno sviluppo "infinito".

Poiché R. vedeva in tutte le affermazioni un unico significato e un unico capitolo. l'obiettivo è fondersi con la misteriosa essenza della vita, l'idea di sintesi delle arti ha acquisito un nuovo significato. “L'estetica di un'arte è l'estetica di un'altra; solo il materiale è diverso”, osserva Schumann (“On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, p. 87). Ma la combinazione di "materiali diversi" aumenta la potenza impressionante dell'insieme artistico. Nella fusione profonda e organica della musica con la poesia, con il teatro, con la pittura, si aprono nuove possibilità per l'arte. Nel campo dell'istr. musica, il principio di programmabilità acquisisce un ruolo importante, ovvero l'inclusione sia nell'idea del compositore che nel processo di percezione della musica, lett. e altre associazioni.

R. è particolarmente ampiamente rappresentato nella musica di Germania e Austria. In una fase iniziale - il lavoro di F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner; inoltre dalla scuola di Lipsia, principalmente da F. Mendelssohn-Bartholdy e R. Schumann; al 2° piano. 19esimo secolo - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. In Francia, R. è apparso già nelle opere di A. Boildieu e F. Aubert, poi in una forma molto più sviluppata e originale di Berlioz. Romantico in Italia le tendenze si riflettevano notevolmente in G. Rossini e G. Verdi. Comune europeo il valore ha ricevuto il lavoro del computer polacco. F. Chopin, Hung. - F. Liszt, italiano. - N. Paganini (il lavoro di Liszt e Paganini fu anche l'apice della performance romantica), tedesco. - J. Meyerbeer.

Alle condizioni nazionali Le scuole di R. conservavano molto in comune e allo stesso tempo mostravano una notevole originalità nelle idee, nelle trame, nei generi preferiti e anche nello stile.

Negli anni '30. sono stati trovati degli esseri. disaccordo tra lui. e francese scuole. Ci sono idee diverse sulla misura ammissibile dello stile. innovazione; controversa era anche la questione dell'ammissibilità dell'estetica. compromessi dell'artista per accontentare i gusti della "folla". L'antagonista dell'innovazione di Berlioz era Mendelssohn, che difendeva fermamente le norme di uno stile moderato "classico-romantico". Schumann, che difese ardentemente Berlioz e Liszt, tuttavia non accettò quelli che gli sembravano gli estremi dei francesi. scuole; preferì il ben più equilibrato Chopin all'autore della Fantastica Sinfonia, Mendelssohn e A. Henselt, estremamente altolocati, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett e altri vicini a questo compositore.Schumann critica Meyerbeer con straordinaria acutezza, vedendo in la sua spettacolare teatralità, solo demagogia e ricerca del successo. Heine e Berlioz, al contrario, apprezzano la dinamica "ugonotta" dell'autore. musica drammaturgia. Wagner sviluppa critico Le motivazioni di Schumann, tuttavia, nel suo lavoro si allontanano dalle norme di un romantico moderato. stile; aderendo (a differenza di Meyerbeer) a rigidi criteri estetici. selezione, segue il percorso di audaci riforme. Tutto r. 19esimo secolo come opposizione alla scuola di Lipsia, la cosiddetta. Nuova scuola tedesca o di Weimar; Liszt ne divenne il centro nei suoi anni di Weimar (1849-61), R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff e altri ne furono aderenti, i Weimariani erano sostenitori della musica a programma, della musica. drammi di tipo wagneriano e altri tipi di nuova musica radicalmente riformati. causa. Dal 1859 le idee della nuova scuola tedesca sono rappresentate dal "General German Ferein" e dalla rivista creata già nel 1834 da Schumann. "Neue Zeitschrift für Musik", Krym dal 1844 è stato diretto da KF Brendel. Nel campo opposto, insieme al critico E. Hanslik, al violinista e compositore J. Joachim, e altri, c'era J. Brahms; quest'ultimo non si sforzò di polemiche e difese i suoi principi solo nella creatività (nel 1860 Brahms mise da solo la sua firma sotto un articolo polemico - un discorso collettivo contro certe idee dei "Weimariti", pubblicato sulla rivista berlinese "Echo" ). Ciò che i critici erano inclini a considerare conservatorismo nell'opera di Brahms, infatti, era un'arte viva e originale, dove il romantico. la tradizione è stata aggiornata, sperimentando una nuova potente influenza del classico. musica del passato. Le prospettive di questo percorso sono state mostrate dallo sviluppo dell'Europa. musica successiva. decenni (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev e altri). Nella stessa misura, le intuizioni dei "Weimariti" si sono rivelate promettenti. In futuro, le controversie tra le due scuole diventano storicamente obsolete.

Poiché nel mainstream di R. c'erano ricerche riuscite di nat. autenticità, sociale e psicologico. veridicità, gli ideali di questo movimento erano strettamente intrecciati con l'ideologia del realismo. Tali connessioni sono evidenti, ad esempio, nelle opere di Verdi e Bizet. Lo stesso complesso è tipico per un certo numero di nat. musica scuole nel XIX secolo In russo musica romantica. gli elementi sono già chiaramente rappresentati da M. I. Glinka e A. S. Dargomyzhsky, nella seconda metà. 19esimo secolo - dai compositori di The Mighty Handful e da P. I. Tchaikovsky, in seguito da S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner. Sotto la forte influenza di R. si svilupparono giovani muse. culture di Polonia, Repubblica Ceca, Ungheria, Norvegia, Danimarca, Finlandia (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius e altri), così come lo spagnolo. musica 2° piano. 19 - prego. 20 ° secolo (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla).

Muse. R. ha contribuito attivamente allo sviluppo dei testi vocali da camera e dell'opera. In accordo con gli ideali di R. nella riforma del lavoro. musica cap. ruolo è giocato dall'approfondimento della sintesi dell'art-in. Wok. la melodia risponde sensibilmente all'espressività del poetico. parole, diventa più dettagliato e individuale. Attrezzo la festa perde il carattere di neutrale "accompagnamento" e si satura sempre più di contenuti figurativi. Nell'opera di Schubert, Schumann, Franz, Wolf, si può tracciare un percorso da una canzone sviluppata dalla trama alla “musica. poesia." Tra wok. generi, aumenta il ruolo della ballata, del monologo, della scena, della poesia; canzoni al pl. i casi sono combinati in cicli. Nel romantico opera, che si sviluppò nel dic. direzioni, la connessione tra musica, parole, teatro è in costante aumento. Azioni. Questo scopo è servito da: il sistema delle muse. caratteristiche e leitmotiv, lo sviluppo delle intonazioni del discorso, la fusione della logica della musica. e palcoscenico sviluppo, l'uso di ricche opportunità sinfoniche. orchestra (le partiture di Wagner appartengono alle più alte conquiste della sinfonia operistica).

Nell'instr. musica compositori romantici particolarmente incline a fp. miniatura. Una breve commedia diventa una fissazione del momento, desiderabile per un artista romantico: uno schizzo superficiale di uno stato d'animo, un paesaggio, un'immagine caratteristica. Apprezza e si relaziona. semplicità, vicinanza alle fonti vitali della musica - al canto, alla danza, capacità di cogliere un sapore fresco e originale. Varietà popolari di romantico. brano breve: "canzone senza parole", notturno, preludio, valzer, mazurka, nonché brani con nomi di programma. Nell'instr. la miniatura raggiunge contenuti elevati, immagini in rilievo; dalla forma compatta, si distingue per un'espressione luminosa. Come nel wok. testi, qui c'è la tendenza a unire otd. suona in cicli (Chopin - Preludi, Schumann - "Scene per bambini", Liszt - "Anni di peregrinazioni", ecc.); in alcuni casi si tratta di cicli di una struttura "attraverso", dove tra i singoli sono relativamente indipendenti. le commedie sorgono diff. sorta di intonazione. comunicazioni (Schumann - "Farfalle", "Carnevale", "Kreisleriana"). Tali cicli "attraverso" danno già un'idea delle principali tendenze del romanticismo. interpretazione di un grande instr. forme. Da un lato, sottolinea il contrasto, la diversità dell'individuo. episodi invece si rafforza l'unità dell'insieme. Sotto il segno di queste tendenze si dà una nuova creatività. interpretazione del classico sonata e ciclo di sonate; le stesse aspirazioni determinano la logica delle forme "libere" a una voce, che di solito combinano le caratteristiche di una sonata allegra, un ciclo di sonate e una variazione. Le forme "libere" erano particolarmente convenienti per la musica del programma. Nel loro sviluppo, nella stabilizzazione del genere della “sinfonia. poesie" Il merito di Liszt è grande. Il principio costruttivo alla base delle poesie di Liszt - la libera trasformazione di un tema (monotematismo) - crea un'espressione. contrasti e allo stesso tempo assicura la massima unità dell'intera composizione (Preludi, Tasso, ecc.).

Nello stile della musica R. il ruolo più importante è svolto dai mezzi modali e armonici. La ricerca di nuove espressività è associata a due processi paralleli e spesso correlati: con il rafforzamento del funzionale e del dinamico. lati di armonie e con amplificazione dell'armonico. colorito. Il primo di questi processi era la crescente saturazione degli accordi con alterazioni e dissonanze, che aggravavano la loro instabilità, aumentavano la tensione che richiedeva risoluzione nelle armoniche future. movimento. Tali proprietà di armonia il modo migliore esprimeva il “languore” tipico di R., il flusso di sentimenti “infinitamente” in via di sviluppo, che si incarnava con particolare completezza nel “Tristano” di Wagner. Effetti colorati apparivano già nell'uso delle possibilità del sistema modale maggiore-minore (Schubert). Nuovi colori molto diversi. le sfumature sono state estratte dal cosiddetto. tasti naturali, con l'aiuto dei quali Nar è stato enfatizzato. o arcaico. la natura della musica; un ruolo importante - soprattutto nella fantascienza - è stato assegnato ai tasti con scale a toni interi e "tono-semitono". Proprietà colorate sono state trovate anche in un accordo cromaticamente complicato e dissonante, ed è stato a questo punto che i processi sopra menzionati si sono chiaramente toccati. Nuovi effetti sonori sono stati ottenuti anche dalla decomposizione. confronti di accordi o modi all'interno diatonico. scala.

Nel romantico melodico ha recitato il seguente cap. tendenze: nella struttura - il desiderio di ampiezza e continuità di sviluppo, e in parte di "apertura" della forma; nel ritmo - superando le tradizioni. metrica di regolarità. accenti e qualsiasi automatico ripetizione; in intonazione. composizione - dettagli, riempiendo di espressività non solo i motivi iniziali, ma anche l'intera melodia. disegno. L'ideale di Wagner della "melodia infinita" includeva tutte queste tendenze. A loro è collegata anche l'arte dei più grandi melodisti del XIX secolo. Chopin e Čajkovskij. Muse. R. ha notevolmente arricchito, individualizzato i mezzi di presentazione (trama), rendendoli uno degli elementi più importanti delle muse. immagini. Lo stesso vale per l'uso di instr. composizioni, soprattutto sinfoniche. orchestra. R. colore sviluppato. i mezzi dell'orchestra e la drammaturgia dell'orco. sviluppo a un'altezza che la musica delle epoche precedenti non conosceva.

Musica tarda. R. (fine XIX - inizio XX secolo) diede ancora "ricche piantine", e tra i suoi maggiori successori il romantico. la tradizione esprimeva ancora le idee del progressivo, umanistico. affermazioni (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin).

La nuova creatività è associata al rafforzamento e alla trasformazione qualitativa delle tendenze di R.. successi nella musica. Vengono coltivate nuove immagini dettagliate, sia nella sfera delle impressioni esterne (colori impressionistici) sia nella trasmissione squisitamente sottile dei sentimenti (Debussy, Ravel, Scriabin). Le possibilità della musica si stanno espandendo. figuratività (R. Strauss). La raffinatezza, da un lato, e la maggiore espressività, dall'altro, creano una scala più ampia di espressività emotiva della musica (Scriabin, Mahler). Allo stesso tempo, nel tardo R., che era strettamente intrecciato con le nuove tendenze a cavallo tra il XIX e il XX secolo. (impressionismo, espressionismo), i sintomi della crisi stavano crescendo. All'inizio. 20 ° secolo L'evoluzione di R. rivela un'ipertrofia del principio soggettivo, una graduale degenerazione della raffinatezza in amorfa e immobilità. Una reazione polemicamente acuta a queste caratteristiche di crisi è stata la musa ispiratrice. antiromanticismo degli anni 10-20 (I. F. Stravinsky, giovane S. S. Prokofiev, compositori dei "Sei" francesi, ecc.); il tardo R. si opponeva al desiderio di obiettività nei contenuti, di chiarezza nella forma; sorse una nuova ondata di "classicismo", il culto degli antichi maestri, cap. arr. epoca pre-Beethoveniana. Metà del XX secolo ha mostrato, tuttavia, la fattibilità delle tradizioni più preziose di R. Nonostante le tendenze distruttive intensificate nella musica occidentale, R. ha mantenuto le sue basi spirituali e, arricchite con nuove stilistiche. elementi, è stato sviluppato da molti. eccezionali compositori del XX secolo. (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok e altri).

Letteratura: Asmus V., Estetica musicale del romanticismo filosofico, "SM", 1934, n. 1; Nef K., Storia della musica dell'Europa occidentale, tradotto dal francese. A cura di B. V. Asafiev, Mosca, 1938. Sollertinsky I., Il romanticismo, la sua estetica generale e musicale, nel suo libro: Studi storici, L., 1956, vol.1, 1963; Zhitomirsky D., Note sul romanticismo musicale (Chopin e Schumann), "SM", 1960, n. 2; il suo, Schumann e il Romanticismo, nel suo libro: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., Canzone romantica del XIX secolo, M., 1966; Konen, V., Storia della musica straniera, vol. 3, M., 1972; Mazel L., Problemi dell'armonia classica, M., 1972 (cap. 9 - Sullo sviluppo storico dell'armonia classica nell'Ottocento e all'inizio del Novecento); Skrebkov S., Principi artistici degli stili musicali, M., 1973; Estetica musicale della Francia nel XIX secolo. comp. testi, introduzione. articolo e intro. saggi di E. F. Bronfin, M., 1974 (Monumenti del pensiero musicale ed estetico); Musica d'Austria e Germania XIX secolo, libro. 1, M., 1975; Druskin M., Storia della musica straniera, vol. 4, M., 1976.

DV Zhitomirsky

La direzione ideologica e artistica, che si è sviluppata in tutti i paesi dell'Europa e del Nord. L'America in truffa. 18 - 1° piano. XIX secolo R. ha espresso l'insoddisfazione della società borghese. cambia, opponendosi al classicismo e all'illuminismo. F. Engels ha osservato che "... le istituzioni sociali e politiche stabilite dalla 'vittoria della ragione' si sono rivelate una caricatura malvagia e amaramente deludente delle brillanti promesse degli illuministi". La critica al nuovo modo di vivere, delineato nella corrente principale dell'illuminismo tra i sentimentalisti, era ancora più evidente tra i romantici. Il mondo sembrava loro deliberatamente irragionevole, pieno di persone misteriose, incomprensibili e ostili. personalità. Per i romantici, le alte aspirazioni erano incompatibili con il mondo esterno e la discordia con la realtà si è rivelata quasi la principale. caratteristica R. Lowlands e volgarità del mondo reale R. opposto religione, natura, storia, fantastico. ed esotico. sfere, avv. creatività, ma soprattutto - vita interiore persona. Rappresentazioni sulla sua R. estremamente arricchite. Se l'antichità era l'ideale del classicismo, allora R. era guidato dall'arte del Medioevo e dei tempi moderni, considerando A. Dante, W. Shakespeare e J. W. Goethe come suoi predecessori. R. affermava l'arte, non prevista da modelli, ma creata dal libero arbitrio dell'artista, incarnando il suo mondo interiore. Non accettando la realtà circostante, R. in realtà la conosceva più profondamente e pienamente del classicismo. L'arte più alta per R. era la musica, come incarnazione dell'elemento libero della vita. Ha ottenuto un grande successo in quel periodo. R. fu anche un periodo di sviluppo insolitamente rapido e significativo del balletto. I primi passi di un romantico i balletti sono stati realizzati in Inghilterra, Italia, Russia (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky e altri). Tuttavia, R. ha preso forma in modo più completo e coerente in francese. teatro di balletto, la cui influenza ha colpito altri paesi. Uno dei prerequisiti per questo era l'elevato sviluppo della tecnologia classica in Francia in quel momento. danza, soprattutto femminile. Più chiaramente romantico. le tendenze si manifestarono nei balletti di F. Taglioni ("La Sylphide", 1832, ecc.), dove l'azione si svolgeva solitamente in parallelo nel mondo reale e in quello fantastico. La fantasia ha liberato la danza dalla necessità di giustificazioni quotidiane private, ha aperto la possibilità di utilizzare la tecnica accumulata e il suo ulteriore sviluppo al fine di rivelare le proprietà essenziali dei personaggi raffigurati nella danza. Nella danza femminile, che è venuta alla ribalta nel balletto di R., i salti sono stati introdotti sempre più ampiamente, è nata una danza sulle scarpe da punta, ecc., Che corrispondeva perfettamente all'aspetto di creature ultraterrene: le jeep, le silfidi . Nel balletto R. dominava la danza. Nuove forme compositive del classico danza, il ruolo della danza femminile all'unisono del corpo di ballo è notevolmente aumentato. Si svilupparono danze d'insieme, duetti e solisti. Cresce il ruolo della prima ballerina, a partire da M. Taglioni. Una tunica è apparsa come costume permanente per un ballerino. È aumentato il ruolo della musica, spesso prima di quello della Nazionale. La sinfonia dei balli è iniziata. Azioni. L'apice del romanticismo. balletto - "Giselle" (1841), messo in scena da J. Coralli e J. Perrot. Creatività Perrault segnato nuovo stadio balletto R. La performance ora faceva molto affidamento su lit. la fonte originale ("Esmeralda" secondo Hugo, "Corsair" secondo Byron, ecc.), e di conseguenza, la danza era più drammatizzata, il ruolo delle composizioni efficaci (pas d "action" aumentato), il folklore della danza era usato di più Aspirazioni simili si sono manifestate nel lavoro delle date più importanti Ballerino di balletto in agosto I ballerini di Bournonville F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya si sono fatti avanti.

Tipo romantico. spettacolo, stabilito nei balletti di Taglioni, Perrot, Bournonville, ha continuato ad esistere fino alla fine. 19esimo secolo Tuttavia, la struttura interna di queste esibizioni, principalmente nel lavoro dei balletti. MI Petipa, trasformato.

Il desiderio di un revival romantico. il balletto nella sua veste originale si è manifestato nell'opera di alcuni maestri di ballo del XX secolo. M. M. Fokin ha dato a R. nel balletto nuove caratteristiche dell'impressionismo.

Balletto. Enciclopedia, SE, 1981

La visione del mondo romantica è caratterizzata da un forte conflitto tra realtà e sogni. La realtà è bassa e senz'anima, è permeata dallo spirito del filisteismo, del filisteismo ed è degna solo di negazione. Un sogno è qualcosa di bello, perfetto, ma irraggiungibile e incomprensibile per la mente.

Il romanticismo contrapponeva la prosa della vita al meraviglioso regno dello spirito, "la vita del cuore". I romantici credevano che i sentimenti costituissero uno strato più profondo dell'anima rispetto alla mente. Secondo Wagner, "l'artista fa appello al sentimento, non alla ragione". E Schumann ha detto: "la mente è sbagliata, i sentimenti - mai". Non è un caso che la musica sia stata dichiarata la forma d'arte ideale che, per la sua specificità, esprime nel modo più completo i movimenti dell'anima. È stata la musica nell'era del romanticismo a prendere un posto di primo piano nel sistema delle arti.
Se nella letteratura e nella pittura la direzione romantica completa sostanzialmente il suo sviluppo entro la metà del XIX secolo, allora la vita del romanticismo musicale in Europa è molto più lunga. Il romanticismo musicale come tendenza sviluppata in inizio XIX secolo e sviluppato in stretta connessione con varie tendenze della letteratura, della pittura e del teatro. La fase iniziale del romanticismo musicale è rappresentata dal lavoro di F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini; la fase successiva (1830-50) - il lavoro di F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi.

L'ultima fase del romanticismo si estende fino alla fine del XIX secolo.

Il problema della personalità viene presentato come il problema principale della musica romantica, e sotto una nuova luce - nel suo conflitto con il mondo esterno. L'eroe romantico è sempre solo. Il tema della solitudine è forse il più popolare in tutta l'arte romantica. Molto spesso ad essa è associata l'idea di una persona creativa: una persona è sola quando è proprio una persona eccezionale e dotata. Artista, poeta, musicista - eroi preferiti nelle opere dei romantici ("L'amore di un poeta" di Schumann, "Fantastica sinfonia" di Berlioz con il suo sottotitolo - "Un episodio della vita di un artista", poema sinfonico Listzt "Tasso").
Inerente alla musica romantica è un profondo interesse per personalità umana espresso nella predominanza di un tono personale in esso. La rivelazione di un dramma personale ha spesso acquisito un tocco di autobiografia tra i romantici, che ha portato una sincerità speciale nella musica. Quindi, ad esempio, molte delle opere per pianoforte di Schumann sono collegate alla storia del suo amore per Clara Wieck. La natura autobiografica delle sue opere è stata fortemente sottolineata da Wagner.

L'attenzione ai sentimenti porta a un cambiamento di genere: i testi acquisiscono una posizione dominante, in cui predominano le immagini dell'amore.
Il tema della natura è molto spesso intrecciato con il tema della "confessione lirica". Risuonando con lo stato d'animo di una persona, di solito è colorato da un senso di disarmonia. Lo sviluppo del genere e del sinfonismo lirico-epico è strettamente connesso con le immagini della natura (una delle prime opere è la "grande" sinfonia in do-dur di Schubert).
La vera scoperta dei compositori romantici è stata il tema della fantasia. Per la prima volta, la musica ha imparato a incarnare immagini favolose-fantastiche in modo puro mezzi musicali. Nelle opere del XVII e XVIII secolo, personaggi "ultraterreni" (come la Regina della notte dal "Flauto magico" di Mozart) parlavano il linguaggio musicale "comune", distinguendosi poco dalle persone reali. I compositori romantici hanno imparato a trasmettere il mondo fantastico come qualcosa di completamente specifico (con l'aiuto di insoliti colori orchestrali e armonici).
L'interesse per l'arte popolare è altamente caratteristico del romanticismo musicale. Come i poeti romantici che, a scapito del folklore, arricchirono e aggiornarono lingua letteraria, i musicisti si sono ampiamente rivolti al folklore nazionale: canzoni popolari, ballate, poemi epici. Sotto l'influenza del folklore, il contenuto della musica europea è cambiato radicalmente.
Il punto più importante L'estetica del romanticismo musicale era l'idea di una sintesi delle arti, che trovò la sua espressione più vivida nell'opera operistica di Wagner e nella musica a programma di Berlioz, Schumann e Liszt.

Ettore Berlioz. "Fantastica sinfonia" - 1. Sogni, passioni...

Robert Schumann - "Nello splendore ...", "Incontro lo sguardo .."

Dal ciclo vocale "Poet's Love"
Robert Schumann Heinrich Heine "Nello splendore delle calde giornate di maggio"
Robert Schumann - Heinrich "Incontro lo sguardo dei tuoi occhi"

Roberto Schumann. "Giochi fantastici".

Schumann Fantasiestucke, op. 12 parte 1: n. 1 Des Abend e n. 2 Aufschwung

Foglio. Poema sinfonico "Orfeo"

Frederic Chopin - Preludio n. 4 in mi minore

Frederic Chopin - Notturno n. 20 in do diesis minore

Schubert ha aperto la strada a molti nuovi generi musicali: improvvisati, momenti musicali, cicli di canzoni, sinfonia lirico-drammatica. Ma in qualunque genere abbia scritto Schubert - in tradizionale o creato da lui - ovunque agisce come compositore nuova era epoca del romanticismo.

Molte caratteristiche del nuovo stile romantico furono poi sviluppate nelle opere di Schumann, Chopin, Liszt, compositori russi della seconda metà del XIX secolo.

FranzSchubert. Sinfonia do maggiore

Franz Listz. "Sogni d'amore"

Webber. Coro di cacciatori dall'opera "Free Shooter"

FranzSchubert. Improvvisato #3

Il testo è compilato da diversi siti. Compilato da:Ninel Nick

Con il suo culto della ragione. Il suo verificarsi era dovuto a vari motivi. Il più importante di loro - delusione per i risultati della Rivoluzione francese che non giustificava le speranze riposte in esso.

Per un romantico visione del mondo caratterizzato da un netto contrasto tra realtà e sogno. La realtà è bassa e non spirituale, è permeata dallo spirito del filisteismo, del filisteismo ed è degna solo di negazione. Un sogno è qualcosa di bello, perfetto, ma irraggiungibile e incomprensibile per la mente.

Se nella letteratura e nella pittura la direzione romantica completa sostanzialmente il suo sviluppo entro la metà del XIX secolo, allora la vita del romanticismo musicale in Europa è molto più lunga. Il romanticismo musicale come tendenza è emerso all'inizio del XIX secolo e si è sviluppato in stretta connessione con varie tendenze della letteratura, della pittura e del teatro. La fase iniziale del romanticismo musicale è rappresentata dal lavoro di E. T. A. Hoffmann, N. Paganini,; la fase successiva (1830-50) - creatività,. L'ultima fase del romanticismo si estende fino alla fine del XIX secolo.

Come ha avanzato il problema principale della musica romantica problema di personalità, e sotto una nuova luce - nel suo conflitto con il mondo esterno. L'eroe romantico è sempre solo. Il tema della solitudine è forse il più popolare in tutta l'arte romantica. Molto spesso ad essa è associata l'idea di una persona creativa: una persona è sola quando è proprio una persona eccezionale e dotata. L'artista, il poeta, il musicista sono i personaggi preferiti nelle opere dei romantici ("L'amore del poeta" di Schumann, con il sottotitolo "Un episodio della vita di un artista", il poema sinfonico di Liszt "Tasso").

Il profondo interesse per la personalità umana insito nella musica romantica è stato espresso nella predominanza di tono personale. La divulgazione del dramma personale spesso acquisita dai romantici accenno di autobiografia che ha portato una sincerità speciale alla musica. Quindi, ad esempio, molti sono collegati alla storia del suo amore per Clara Wieck. La natura autobiografica delle sue opere è stata fortemente sottolineata da Wagner.

L'attenzione ai sentimenti porta a un cambiamento nei generi: il dominante posizione acquisisce testi in cui predominano le immagini dell'amore.

Molto spesso intrecciato con il tema della "confessione lirica" tema della natura. Risuonando con lo stato d'animo di una persona, di solito è colorato da un senso di disarmonia. Lo sviluppo del genere e del sinfonismo lirico-epico è strettamente connesso con le immagini della natura (una delle prime opere è la "grande" sinfonia in do-dur di Schubert).

La vera scoperta dei compositori romantici fu tema di fantasia. La musica per la prima volta ha imparato a incarnare immagini favolose e fantastiche con mezzi puramente musicali. Nelle opere del XVII-XVIII secolo, i personaggi "ultraterreni" (come, ad esempio, la Regina della notte di) parlavano il linguaggio musicale "generalmente accettato", distinguendosi poco dalle persone reali. I compositori romantici hanno imparato a trasmettere il mondo fantastico come qualcosa di completamente specifico (con l'aiuto di insoliti colori orchestrali e armonici). Un esempio notevole è la "scena di Wolf Gulch" in The Magic Shooter.

Altamente caratteristico del romanticismo musicale è l'interesse per arte popolare. Come i poeti romantici, che hanno arricchito e aggiornato il linguaggio letterario a scapito del folklore, i musicisti si sono ampiamente rivolti al folklore nazionale: canti popolari, ballate, poemi epici (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin e altri). Incarnando le immagini della letteratura nazionale, della storia, della natura nativa, si sono affidati alle intonazioni e ai ritmi del folklore nazionale, facendo rivivere le vecchie modalità diatoniche. Sotto l'influenza del folklore, il contenuto della musica europea è cambiato radicalmente.

Nuovi temi e immagini hanno richiesto lo sviluppo di romantici nuovi mezzi del linguaggio musicale e i principi di modellatura, individualizzazione della melodia e introduzione di intonazioni del parlato, espansione del timbro e tavolozza armonica della musica ( tasti naturali, colorate giustapposizioni di maggiore e minore, ecc.).

Dal momento che il focus dei romantici non è più l'umanità nel suo insieme, ma persona speciale con la sua sensazione unica, rispettivamente e nei mezzi di espressione, il generale sta sempre più cedendo il passo all'individuo, individualmente unico. La proporzione di intonazioni generalizzate nella melodia, progressioni di accordi comunemente usate in armonia e modelli tipici nella trama stanno diminuendo: tutti questi mezzi vengono individualizzati. Nell'orchestrazione, il principio dei gruppi d'insieme ha lasciato il posto all'assolo di quasi tutte le voci orchestrali.

Il punto più importante estetica il romanticismo musicale era l'idea di sintesi artistica, che ha trovato la sua espressione più vivida in e in musica del programma Berlioz, Schumann, Liszt.

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