Il ruolo di Ostrovsky nella storia della letteratura russa. Qual è il significato della creatività A

Qual è il significato del lavoro di A. N. Ostrovsky nel dramma mondiale.

1. Il significato di A. N. Ostrovsky per lo sviluppo del dramma domestico e del palcoscenico, il suo ruolo nelle conquiste di tutta la cultura russa sono innegabili ed enormi. Ha fatto tanto per la Russia quanto Shakespeare ha fatto per l'Inghilterra o Molière per la Francia.
   Ostrovsky ha scritto 47 commedie originali (senza contare le seconde edizioni di Kozma Minin e Voevoda e sette commedie in collaborazione con S. A. Gedeonov (Vasilisa Melentyeva), N. Ya. Solovyov (Happy Day, Belugin's Marriage, Savage, Shines, but not warm) e P. M. Nevezhin (Bliss, the Old in a New Way)... Nelle parole dello stesso Ostrovsky, questo è un intero teatro popolare.
   Ma la drammaturgia di Ostrovsky è un fenomeno puramente russo, sebbene il suo lavoro,
   senza dubbio influenzò la drammaturgia e il teatro dei popoli fraterni,
   appartenenti all'URSS. Le sue opere sono state tradotte e messe in scena
   tappe di Ucraina, Bielorussia, Armenia, Georgia, ecc.

   Le opere di Ostrovsky hanno guadagnato ammiratori all'estero. Le sue opere sono messe in scena
   nei teatri degli ex paesi democratici popolari, soprattutto sui palcoscenici
   Stati slavi(Bulgaria, Cecoslovacchia).
   Dopo la seconda guerra mondiale, le commedie del drammaturgo hanno attirato sempre più l'attenzione di editori e teatri nei paesi capitalisti.
   Qui, prima di tutto, si sono interessati alle commedie Temporale, Per ogni uomo saggio c'è abbastanza semplicità, Foresta, Fanciulla di neve, Lupi e pecore, Dote.
   Ma tale popolarità e tale riconoscimento come Shakespeare o Molière, russo
   il drammaturgo nella cultura mondiale non ha vinto.

2. Tutto ciò che il grande drammaturgo ha descritto non è stato sradicato fino ad oggi.

Composizione

Il drammaturgo quasi non ha messo nel suo lavoro politico e problemi filosofici, espressioni facciali e gesti, giocando con i dettagli dei loro costumi e arredi domestici. Per aumentare gli effetti comici, il drammaturgo di solito introduceva nella trama persone minori - parenti, servi, clienti, passanti casuali - e circostanze secondarie della vita quotidiana. Tali, ad esempio, sono il seguito di Khlynov e il gentiluomo con i baffi in The Hot Heart, o Apollo Murzavetsky con il suo Tamerlano nella commedia Wolves and Sheep, o l'attore Schastlivtsev sotto Neschastlivtsev e Paratov in The Forest and The Dowry, ecc. il drammaturgo, come prima, ha cercato di rivelare i caratteri dei personaggi non solo nel corso degli eventi, ma non meno attraverso le peculiarità dei loro dialoghi quotidiani - dialoghi "caratterologici", da lui padroneggiati esteticamente in "His People .. .".

Così, nel nuovo periodo di creatività, Ostrovsky agisce come un maestro affermato con un sistema completo di arte drammatica. La sua fama, i suoi legami sociali e teatrali continuano a crescere ea diventare più complessi. L'abbondanza di opere teatrali create nel nuovo periodo è stata il risultato di una domanda sempre crescente di opere di Ostrovsky da parte di riviste e teatri. Durante questi anni, il drammaturgo non solo ha lavorato instancabilmente se stesso, ma ha trovato la forza per aiutare scrittori meno dotati e alle prime armi, e talvolta partecipare attivamente con loro al loro lavoro. Così, in collaborazione creativa con Ostrovsky, sono state scritte numerose commedie di N. Solovyov (le migliori sono "Le nozze di Belugin" e "Wild Woman"), così come P. Nevezhin.

Contribuendo costantemente alla messa in scena delle sue opere teatrali sui palcoscenici di Mosca Maly e San Pietroburgo Teatri di Alessandria, Ostrovsky conosceva bene lo stato delle cose teatrali, che sono principalmente sotto la giurisdizione dell'apparato statale burocratico, ed era amaramente consapevole delle loro evidenti carenze. Vide che non ritraeva l'intellighenzia raznochintsy nobile e borghese nella sua ricerca ideologica, così come Herzen, Turgenev e in parte Goncharov. Nelle sue commedie mostrava la vita sociale quotidiana dei normali rappresentanti della classe mercantile, della burocrazia, della nobiltà, una vita in cui si manifestavano conflitti personali, in particolare amorosi, scontri di interessi familiari, monetari e patrimoniali.

Ma la consapevolezza ideologica e artistica di Ostrovsky di questi aspetti della vita russa aveva un profondo significato nazionale e storico. Attraverso le relazioni quotidiane di quelle persone che erano le padrone e le padrone della vita, si rivelava la loro condizione sociale generale. Proprio come, secondo l'appropriata osservazione di Chernyshevsky, il comportamento codardo del giovane liberale, l'eroe della storia di Turgenev "Asya", ad un appuntamento con una ragazza era un "sintomo della malattia" di tutto il nobile liberalismo, la sua debolezza politica, così la tirannia quotidiana e il comportamento predatorio di mercanti, funzionari e nobili rappresentavano un sintomo di una malattia più terribile della loro completa incapacità di conferire almeno in una certa misura alle loro attività un significato progressista a livello nazionale.

Questo era abbastanza naturale e naturale nel periodo pre-riforma. Quindi la tirannia, l'arroganza, la predazione dei Voltov, Vyshnevsky, Ulanbekov era una manifestazione del "regno oscuro" della servitù, già destinato a essere demolito. E Dobrolyubov ha correttamente sottolineato che sebbene la commedia di Ostrovsky "non possa fornire una chiave per spiegare molti degli amari fenomeni in essa rappresentati", tuttavia "può facilmente portare a molte considerazioni analoghe relative a quella vita, che non riguarda direttamente". E il critico lo ha spiegato con il fatto che i "tipi" di piccoli tiranni, allevati da Ostrovsky, "non di rado contengono caratteristiche non solo esclusivamente mercantili o burocratiche, ma anche nazionali (cioè nazionali)". In altre parole, le commedie di Ostrovsky del 1840-1860. indirettamente esposto tutti i "regni oscuri" del sistema autocratico-feudale.

Nei decenni successivi alla riforma la situazione è cambiata. Poi "tutto è stato capovolto" e il nuovo sistema borghese della vita russa ha iniziato gradualmente ad "adattarsi" a prendere parte alla lotta per la distruzione dei resti del "regno oscuro" della servitù e dell'intero proprietario terriero autocratico sistema.

Quasi venti nuove commedie di Ostrovsky su temi contemporanei ha dato una chiara risposta negativa a questa domanda fatale. Il drammaturgo, come prima, ha rappresentato il mondo delle relazioni private sociali, domestiche, familiari e patrimoniali. Non tutto gli era chiaro nelle tendenze generali del loro sviluppo, e la sua "lira" a volte emetteva "suoni corretti" a questo riguardo. Ma nel complesso, le opere di Ostrovsky contenevano un certo orientamento oggettivo. Hanno esposto sia i resti del vecchio "regno oscuro" del dispotismo sia il "regno oscuro" emergente della predazione borghese, della campagna pubblicitaria del denaro, della distruzione di tutti i valori morali in un'atmosfera di compravendita generale. Hanno dimostrato che gli uomini d'affari e gli industriali russi non sono in grado di raggiungere la realizzazione degli interessi dello sviluppo nazionale, che alcuni di loro, come Khlynov e Akhov, sono capaci solo di indulgere in piaceri grossolani, altri, come Knurov e Berkutov, possono subordinare solo tutto ciò che li circonda ai loro interessi predatori, "da lupo", e per terze parti, come Vasilkov o Frol Pribytkov, gli interessi del profitto sono coperti solo dalla decenza esteriore e da richieste culturali molto ristrette. Le commedie di Ostrovsky, oltre ai piani e alle intenzioni del loro autore, delineavano oggettivamente una certa prospettiva di sviluppo nazionale - la prospettiva dell'inevitabile distruzione di tutti i resti del vecchio "regno oscuro" del dispotismo autocratico della gleba, non solo senza la partecipazione di la borghesia, non solo sopra la sua testa, ma insieme alla distruzione del suo stesso "regno oscuro" predatore

La realtà rappresentata nelle commedie quotidiane di Ostrovsky era una forma di vita priva di un contenuto progressista nazionale, e quindi rivelava facilmente un'incoerenza comica interna. Ostrovsky ha dedicato il suo eccezionale talento drammatico alla sua divulgazione. Basandosi sulla tradizione delle commedie e delle storie realistiche di Gogol, ricostruendola secondo le nuove esigenze estetiche avanzate dalla "scuola naturale" degli anni Quaranta dell'Ottocento e formulate da Belinsky e Herzen, Ostrovsky ha tracciato l'incoerenza comica della vita sociale e quotidiana di gli strati dirigenti della società russa, approfondendo i "dettagli del mondo", guardando filo dopo filo la "rete delle relazioni quotidiane". Questo è stato il risultato principale del nuovo stile drammatico creato da Ostrovsky.

Alexander Nikolayevich Ostrovsky (1823-1886) occupa giustamente un posto degno tra i maggiori rappresentanti del dramma mondiale.

Il significato delle attività di Ostrovsky, che per più di quarant'anni ogni anno ha pubblicato sulle migliori riviste in Russia e ha messo in scena spettacoli sui palcoscenici dei teatri imperiali di San Goncharov, si è rivolto allo stesso drammaturgo.

“Hai portato in dono alla letteratura un'intera biblioteca opere d'arte, hanno creato il loro mondo speciale per il palcoscenico. Tu solo hai completato l'edificio, alla base del quale hai posto le pietre angolari di Fonvizin, Griboedov, Gogol. Ma solo dopo di te siamo russi, possiamo dire con orgoglio: "Abbiamo il nostro russo, teatro nazionale“. In tutta onestà, dovrebbe essere chiamato il teatro di Ostrovsky.

Ostrovsky iniziò il suo modo creativo negli anni '40, durante la vita di Gogol e Belinsky, e lo completò nella seconda metà degli anni '80, in un momento in cui A.P. Cechov era già saldamente radicato nella letteratura.

La convinzione che il lavoro di un drammaturgo, creando un repertorio teatrale, sia un alto servizio pubblico ha permeato e diretto l'attività di Ostrovsky. Era organicamente connesso con la vita della letteratura.

Nella sua giovinezza, il drammaturgo ha scritto articoli critici e ha partecipato agli affari editoriali di Moskvityanin, cercando di cambiare la direzione di questa rivista conservatrice, poi pubblicando su Sovremennik e " Note domestiche”, divenne amico di N. A. Nekrasov, L. N. Tolstoy, I. S. Turgenev, I. A. Goncharov e altri scrittori. Ha seguito il loro lavoro, ha discusso con loro delle loro opere e ha ascoltato la loro opinione sulle sue opere.

In un'epoca in cui teatri di stato erano ufficialmente considerati "imperial" ed erano sotto il controllo del Ministero della Corte, e le istituzioni di intrattenimento provinciali erano a completa disposizione degli imprenditori, Ostrovsky avanzò l'idea di una completa ristrutturazione dell'attività teatrale in Russia. Ha sostenuto la necessità di sostituire il teatro di corte e commerciale con uno popolare.

Non limitato allo sviluppo teorico di questa idea in articoli e note speciali, il drammaturgo durante per lunghi anni praticamente combattuto per la sua attuazione. Le aree principali in cui ha realizzato le sue opinioni sul teatro sono state il suo lavoro e il lavoro con gli attori.

drammaturgia, base letteraria Ostrovsky considerava la performance il suo elemento determinante. Il repertorio del teatro, che offre allo spettatore l'opportunità di "vedere la vita russa e la storia russa sul palcoscenico", secondo i suoi concetti, era rivolto principalmente al pubblico democratico, "per il quale gli scrittori popolari vogliono scrivere e sono obbligati a scrivere. " Ostrovsky ha difeso i principi del teatro dell'autore.

Considerava i teatri di Shakespeare, Molière e Goethe esperimenti esemplari di questo tipo. La combinazione in una persona dell'autore di opere drammatiche e del loro interprete sul palco - l'insegnante di attori, il regista - sembrava a Ostrovsky una garanzia di integrità artistica, l'attività organica del teatro.

Questa idea, in assenza di regia, con il tradizionale orientamento dello spettacolo teatrale alla performance di singoli attori "solisti", è stata innovativa e fruttuosa. Il suo significato non si è esaurito nemmeno oggi, quando il regista è diventato la figura principale del teatro. Basta ricordare il teatro "Berliner Ensemble" di B. Brecht per esserne convinti.

Superando l'inerzia dell'amministrazione burocratica, gli intrighi letterari e teatrali, Ostrovsky ha lavorato con attori, dirigendo costantemente le produzioni delle sue nuove opere nei teatri Maly Moscow e Alexandrinsky Petersburg.

L'essenza della sua idea era quella di implementare e consolidare l'influenza della letteratura sul teatro. Fondamentalmente e categoricamente, ha condannato il sempre più sentito degli anni '70. subordinazione degli scrittori drammatici ai gusti degli attori: i favoriti del palcoscenico, i loro pregiudizi e capricci. Allo stesso tempo, Ostrovsky non concepiva la drammaturgia senza il teatro.

Le sue opere sono state scritte con l'aspettativa diretta di veri artisti, artisti. Ha sottolineato: per scrivere buon gioco, l'autore deve avere piena conoscenza delle leggi del palcoscenico, il lato puramente plastico del teatro.

Lontano da ogni drammaturgo, era pronto a cedere il potere sugli artisti di scena. Era sicuro che solo uno scrittore che ha creato la sua drammaturgia unica, il suo mondo speciale sul palcoscenico, ha qualcosa da dire agli artisti, ha qualcosa da insegnare loro. L'atteggiamento di Ostrovsky nei confronti del teatro moderno era determinato dal suo sistema artistico. L'eroe della drammaturgia di Ostrovsky era il popolo.

L'intera società e, inoltre, la vita socio-storica delle persone apparivano nelle sue opere. Non senza ragione, i critici N. Dobrolyubov e A. Grigoriev, che si sono avvicinati al lavoro di Ostrovsky da posizioni reciprocamente opposte, hanno visto nelle sue opere un quadro completo della vita delle persone, sebbene abbiano valutato diversamente la vita rappresentata dallo scrittore.

Questo orientamento dello scrittore ai fenomeni di massa della vita corrispondeva al principio del gioco d'insieme, che difendeva, la coscienza insita nel drammaturgo dell'importanza dell'unità, l'integrità delle aspirazioni creative della squadra di attori che partecipavano allo spettacolo .

Nelle sue commedie, Ostrovsky ha ritratto fenomeni sociali che avevano radici profonde: conflitti, le cui origini e cause spesso risalgono a epoche storiche lontane.

Vide e mostrò le fruttuose aspirazioni che sorgono nella società e il nuovo male che sorge in essa. I portatori di nuove aspirazioni e idee nelle sue opere sono costretti a condurre una dura lotta contro il vecchio, consacrato dalla tradizione, dai costumi e dalle visioni conservatrici, e il nuovo male si scontra in loro con il secolare ideale etico del popolo, con un forte tradizioni di resistenza. ingiustizia sociale e morale sbagliato.

Ogni personaggio delle opere di Ostrovsky è organicamente connesso con il suo ambiente, la sua epoca, la storia del suo popolo. Allo stesso tempo, una persona comune, nei cui concetti, abitudini e parole stesse, la sua parentela con il sociale e pace nazionale, è al centro dell'interesse per le opere di Ostrovsky.

Il destino individuale di una persona, la felicità e l'infelicità di un individuo, una persona comune, i suoi bisogni, la sua lotta per il suo benessere personale eccitano lo spettatore dei drammi e delle commedie di questo drammaturgo. La posizione di una persona serve in loro come misura dello stato della società.

Inoltre, la personalità tipica, l'energia con cui la vita delle persone "incide" nelle caratteristiche individuali di una persona, nella drammaturgia di Ostrovsky ha un importante significato etico ed estetico. La caratterizzazione è meravigliosa.

Proprio come i drammaturghi di Shakespeare eroe tragico, bello o terribile in termini di valutazione etica, appartiene alla sfera della bellezza, nelle commedie di Ostrovsky l'eroe caratteristico, nella misura della sua tipicità, è l'incarnazione dell'estetica e, in un certo numero di casi, della ricchezza spirituale , vita storica e cultura del popolo.

Questa caratteristica della drammaturgia di Ostrovsky ha predeterminato la sua attenzione al gioco di ogni attore, alla capacità dell'attore di presentare un tipo sul palco, di ricreare in modo vivido e accattivante un personaggio sociale individuale e originale.

Ostrovsky apprezzava particolarmente questa capacità nei migliori artisti del suo tempo, incoraggiandola e aiutandola a svilupparla. Rivolgendosi ad A. E. Martynov, ha detto: “... da diversi tratti abbozzati da una mano inesperta, hai creato i tipi finali, pieni di verità artistica. Ecco perché sei caro agli autori.

Ostrovsky ha concluso la sua discussione sulla nazionalità del teatro, sul fatto che i drammi e le commedie sono scritti per tutto il popolo: "... gli scrittori drammatici devono sempre ricordarlo, devono essere chiari e forti".

La chiarezza e la forza della creatività dell'autore, oltre ai tipi creati nelle sue opere teatrali, trova espressione nei conflitti delle sue opere, costruite su semplici incidenti di vita, che riflettono però le principali collisioni della vita sociale moderna.

Nel suo primo articolo, valutando positivamente la storia di A.F. Pisemsky “The Mattress”, Ostrovsky ha scritto: “L'intrigo della storia è semplice e istruttivo, come la vita. A causa dei personaggi originali, a causa del naturale e in il grado più alto Il drammatico corso degli eventi si manifesta attraverso un pensiero nobile, ottenuto dall'esperienza mondana.

Questa storia è davvero un'opera d'arte". Il naturale corso drammatico degli eventi, i personaggi originali, la rappresentazione della vita della gente comune - elencando questi segni di vera abilità artistica nella storia di Pisemsky, il giovane Ostrovsky è senza dubbio partito dalle sue riflessioni sui compiti del dramma come arte.

È caratteristico che Ostrovsky attribuisca grande importanza all'istruzione opera letteraria. L'istruttività dell'arte gli dà un motivo per confrontare e avvicinare l'arte alla vita.

Ostrovsky riteneva che il teatro, raccogliendo tra le sue mura un pubblico vasto e diversificato, unendolo a un senso di piacere estetico, dovesse educare la società, aiutare gli spettatori semplici e impreparati "a comprendere la vita per la prima volta" e dare a quelli istruiti "un intera prospettiva di pensieri di cui non ci si può sbarazzare” (ibid.).

Allo stesso tempo, la didattica astratta era estranea a Ostrovsky. "Avere buoni pensieri chiunque può, ma solo gli eletti possono controllare menti e cuori”, ha ricordato, ironizzando sugli scrittori che sostituiscono i seri problemi artistici con tirate edificanti e tendenze nude. La conoscenza della vita, la sua veritiera rappresentazione realistica, la riflessione sui temi più urgenti e complessi per la società: questo è ciò che il teatro dovrebbe presentare al pubblico, questo è ciò che rende il palcoscenico una scuola di vita.

L'artista insegna allo spettatore a pensare e sentire, ma non gli dà soluzioni già pronte. La drammaturgia didattica, che non rivela la saggezza e l'istruttività della vita, ma la sostituisce con verità comuni espresse in modo dichiarativo, è disonesta, poiché non è artistica, mentre è proprio per amore delle impressioni estetiche che le persone vengono a teatro.

Queste idee di Ostrovsky trovarono una peculiare rifrazione nel suo atteggiamento nei confronti della drammaturgia storica. Il drammaturgo ha sostenuto che "drammi storici e cronache<...>sviluppare la conoscenza di sé delle persone ed educare a un consapevole amore per la patria.

Allo stesso tempo, ha sottolineato che non la distorsione del passato per amore dell'una o dell'altra idea tendenziosa, non calcolata sull'effetto scenico esterno del melodramma su trame storiche e non la trascrizione di monografie scientifiche in una forma dialogica, ma un la ricreazione veramente artistica della realtà vivente dei secoli passati sul palcoscenico può essere la base di una performance patriottica.

Una tale performance aiuta la società a conoscere se stessa, incoraggia la riflessione, dando un carattere consapevole all'immediato sentimento di amore per la madrepatria. Ostrovsky ha capito che le opere teatrali che crea ogni anno costituiscono la base del repertorio teatrale moderno.

Definendo i tipi di opere drammatiche, senza le quali non può esistere un repertorio esemplare, lui, oltre a drammi e commedie che descrivono la vita russa moderna e cronache storiche, ha chiamato stravaganze, spettacoli fiabeschi per spettacoli festivi, accompagnati da musica e danze, progettato come uno spettacolo popolare colorato.

Il drammaturgo ha creato un capolavoro di questo tipo: la fiaba primaverile "La fanciulla di neve", in cui la fantasia poetica e l'ambientazione pittoresca si combinano con un profondo contenuto lirico e filosofico.

Storia della letteratura russa: in 4 volumi / A cura di N.I. Prutskov e altri - L., 1980-1983

(1843 – 1886).

Alexander Nikolaevich "Ostrovsky -" un gigante della letteratura teatrale "(Lunacharsky), ha creato il teatro russo, un intero repertorio su cui sono state allevate molte generazioni di attori, le tradizioni sono state rafforzate e sviluppate arti dello spettacolo. Il suo ruolo nella storia dello sviluppo della drammaturgia russa e dell'intera cultura nazionale difficilmente può essere sopravvalutato. Ha fatto tanto per lo sviluppo della drammaturgia russa quanto Shakespeare in Inghilterra, Lope de Vega in Spagna, Molière in Francia, Goldoni in Italia e Schiller in Germania.

"La storia ha lasciato il nome del grande e del geniale solo per quegli scrittori che hanno saputo scrivere per tutto il popolo, e solo quelle opere sono sopravvissute ai secoli che erano veramente popolari in patria; tali opere alla fine diventano comprensibili e preziose per altri popoli, e finalmente, e per il mondo intero". Queste parole del grande drammaturgo Alexander Nikolayevich Ostrovsky possono essere attribuite al suo stesso lavoro.

Nonostante le vessazioni inflitte dalla censura, dal comitato teatrale e letterario e dalla direzione dei teatri imperiali, nonostante le critiche dei circoli reazionari, la drammaturgia di Ostrovsky guadagnava ogni anno sempre più simpatia sia tra gli spettatori democratici che tra gli artisti.

Sviluppare le migliori tradizioni dell'arte drammatica russa, utilizzando l'esperienza della drammaturgia straniera progressista, imparando instancabilmente sulla vita Paese d'origine, in costante comunicazione con la gente, a stretto contatto con il pubblico contemporaneo più progressista, Ostrovsky divenne un'eccezionale rappresentazione della vita del suo tempo, che incarnava i sogni di Gogol, Belinsky e altre figure letterarie progressiste sull'apparizione e il trionfo dei personaggi russi sul palcoscenico nazionale.

L'attività creativa di Ostrovsky ha avuto una grande influenza sull'intero ulteriore sviluppo del dramma progressista russo. È stato da lui che hanno studiato i nostri migliori drammaturghi, ha insegnato. Fu a lui che gli aspiranti scrittori drammatici furono attratti ai loro tempi.

La forza dell'influenza di Ostrovsky sugli scrittori del suo tempo può essere evidenziata da una lettera alla poetessa drammaturga A. D. Mysovskaya. “Sai quanto è stata grande la tua influenza su di me? Non è stato l'amore per l'arte a farmi capire e apprezzare: al contrario, mi hai insegnato ad amare e rispettare l'arte. Sono in debito solo con te per il fatto che ho resistito alla tentazione di cadere nell'arena della miserabile mediocrità letteraria, non ho inseguito allori da quattro soldi lanciati dalle mani di semicolti in agrodolce. Tu e Nekrasov mi avete fatto innamorare del pensiero e del lavoro, ma Nekrasov mi ha dato solo il primo impulso, tu sei la direzione. Leggendo le tue opere, mi sono reso conto che la rima non è poesia, e un insieme di frasi non è letteratura, e che solo elaborando la mente e la tecnica, l'artista sarà un vero artista.

Ostrovsky ha avuto un forte impatto non solo sullo sviluppo del dramma domestico, ma anche sullo sviluppo del teatro russo. La colossale importanza di Ostrovsky nello sviluppo del teatro russo è ben sottolineata in una poesia dedicata a Ostrovsky e letta nel 1903 da M. N. Yermolova dal palcoscenico del Teatro Maly:

Sul palco, la vita stessa, dal palco soffia la verità,

E il sole splendente ci accarezza e ci riscalda...

Suona il discorso dal vivo di persone comuni e viventi,

Sul palco, non un "eroe", non un angelo, non un cattivo,

Ma solo un uomo ... Attore felice

In fretta per rompere rapidamente le pesanti catene

Condizioni e bugie. Parole e sentimenti sono nuovi

Ma nei segreti dell'anima, la risposta suona loro, -

E tutte le bocche sussurrano: beato il poeta,

Ho strappato le squallide copertine di orpelli

E getta una luce brillante nel regno delle tenebre

La famosa attrice ha scritto più o meno lo stesso nel 1924 nelle sue memorie: “Insieme a Ostrovsky, la verità stessa e la vita stessa sono apparse sul palco ... È iniziata la crescita del dramma originale, pieno di risposte alla modernità ... Hanno iniziato a parlare del poveri, gli umiliati e gli insultati”.

La direzione realistica, attutita dalla politica teatrale dell'autocrazia, continuata e approfondita da Ostrovsky, ha trasformato il teatro sulla via dello stretto legame con la realtà. Solo che ha dato vita al teatro come teatro popolare nazionale, russo.

“Hai portato in dono alla letteratura un'intera biblioteca di opere d'arte, hai creato il tuo mondo speciale per il palcoscenico. Tu solo hai completato l'edificio, alla base del quale sono state poste le pietre angolari di Fonvizin, Griboedov, Gogol. Questa meravigliosa lettera è stata ricevuta tra le altre congratulazioni nell'anno del trentacinquesimo anniversario dell'attività letteraria e teatrale, Alexander Nikolaevich Ostrovsky da un altro grande scrittore russo - Goncharov.

Ma molto prima, sulla primissima opera dell'ancora giovane Ostrovsky, pubblicata su Moskvityanin, un sottile conoscitore dell'eleganza e un sensibile osservatore V. F. Odoevsky scriveva: quest'uomo è un grande talento. Considero tre tragedie in Rus': "Undergrowth", "Woe from Wit", "Inspector". Ho messo il numero quattro su Bankrupt.

Da una prima valutazione così promettente alla lettera per l'anniversario di Goncharov: una vita piena e impegnata; lavoro, e ha portato a un rapporto così logico di valutazioni, perché il talento richiede, prima di tutto, un grande lavoro su se stesso, e il drammaturgo non ha peccato davanti a Dio - non ha seppellito il suo talento nel terreno. Dopo aver pubblicato la prima opera nel 1847, Ostrovsky da allora ha scritto 47 commedie e tradotto più di venti commedie da lingue europee. E tutto nel creato da lui teatro popolare- circa un migliaio di attori.

Poco prima della sua morte, nel 1886, Alexander Nikolayevich ricevette una lettera da L. N. Tolstoy, in cui il brillante scrittore di prosa ammetteva: “So per esperienza come le persone leggono, ascoltano e ricordano le tue cose, e quindi vorrei aiutarti ad avere ora diventa rapidamente in realtà quello che sei, senza dubbio, uno scrittore di tutto il popolo nel senso più ampio.

Anche prima di Ostrovsky, la drammaturgia russa progressista aveva opere magnifiche. Ricordiamo "Undergrowth" di Fonvizin, "Woe from Wit" di Griboedov, "Boris Godunov" di Pushkin, "Inspector General" di Gogol e "Masquerade" di Lermontov. Ognuna di queste commedie potrebbe arricchire e abbellire, come ha giustamente scritto Belinsky, la letteratura di qualsiasi paese dell'Europa occidentale.

Ma queste commedie erano troppo poche. E non hanno determinato lo stato del repertorio teatrale. In senso figurato, torreggiavano al di sopra del livello della drammaturgia di massa come montagne solitarie e rare in un'infinita pianura desertica. La stragrande maggioranza delle opere teatrali che riempivano l'allora scena teatrale erano traduzioni di vaudeville vuote e frivole e melodrammi sentimentali intessuti di orrori e crimini. Sia il vaudeville che il melodramma, terribilmente lontani dalla vita, non ne erano nemmeno l'ombra.

Nello sviluppo della drammaturgia russa e del teatro domestico, l'apparizione delle commedie di AN Ostrovsky costituì un'intera era. Hanno riportato bruscamente la drammaturgia e il teatro alla vita, alla sua verità, a ciò che ha veramente toccato ed emozionato le persone dello strato non privilegiato della popolazione, i lavoratori. Creando "drammi della vita", come li chiamava Dobrolyubov, Ostrovsky ha agito come un impavido cavaliere della verità, un instancabile combattente contro l'oscuro regno dell'autocrazia, uno spietato esponente delle classi dominanti: la nobiltà, la borghesia e i funzionari che servivano fedelmente loro.

Ma Ostrovsky non si limitava al ruolo di accusatore satirico. Ha raffigurato in modo vivido e comprensivo le vittime del dispotismo socio-politico e domestico, lavoratori, cercatori di verità, illuminanti, protestanti affettuosi contro l'arbitrarietà e la violenza.

Il drammaturgo non solo ha fatto chicche le sue commedie di persone del lavoro e del progresso, portatrici della verità e della saggezza del popolo, ma scrivevano anche a nome del popolo e per il popolo.

Ostrovsky ha interpretato nelle sue commedie la prosa della vita, la gente comune nelle circostanze quotidiane. Prendendo i problemi universali del male e del bene, della verità e dell'ingiustizia, della bellezza e della bruttezza come contenuto delle sue opere, Ostrovsky è sopravvissuto al suo tempo ed è entrato nella nostra epoca come suo contemporaneo.

Il percorso creativo di AN Ostrovsky è durato quattro decenni. Scrisse le sue prime opere nel 1846 e le ultime nel 1886.

Durante questo periodo, ha scritto 47 commedie originali e diverse commedie in collaborazione con Solovyov ("Il matrimonio di Balzaminov", "Savage", "Brilla ma non si scalda", ecc.); ha fatto molte traduzioni dall'italiano, spagnolo, francese, inglese, indiano (Shakespeare, Goldoni, Lope de Vega - 22 drammi). Ci sono 728 ruoli, 180 atti nelle sue commedie; tutta la Rus' è rappresentata. Varietà di generi: commedie, drammi, cronache drammatiche, scene familiari, tragedie, schizzi drammatici sono presentati nella sua drammaturgia. Agisce nel suo lavoro come romantico, capofamiglia, tragico e comico.

Naturalmente, qualsiasi periodizzazione è in una certa misura condizionata, ma per navigare meglio nella diversità del lavoro di Ostrovsky, divideremo il suo lavoro in più fasi.

1846 - 1852 - la fase iniziale della creatività. Le opere più importanti scritte in questo periodo: "Note di un residente di Zamoskvoretsky", la commedia "Pittura felicità familiare”, “La nostra gente - conteremo”, “Povera sposa”.

1853 - 1856 - il cosiddetto periodo "slavofilo": "Non salire sulla tua slitta". "La povertà non è un vizio", "Non vivere come vuoi".

1856 - 1859 - riavvicinamento alla cerchia di Sovremennik, ritorno a posizioni realistiche. Le commedie più importanti di questo periodo: "Un posto redditizio", "L'allievo", "Una sbornia al banchetto di qualcun altro", "La trilogia di Balzaminov" e, infine, creata durante il periodo della situazione rivoluzionaria, "Temporale" .

1861 - 1867 - approfondendo lo studio della storia nazionale, il risultato sono le cronache drammatiche di Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk, Dmitry the Pretender e Vasily Shuisky, Tushino, il dramma Vasilisa Melentievna, la commedia Voyevoda o Dream on the Volga.

1869 - 1884 - le commedie create durante questo periodo di creatività sono dedicate alle relazioni sociali e domestiche che si sono sviluppate nella vita russa dopo la riforma del 1861. Le commedie più importanti di questo periodo: "Basta semplicità per ogni uomo saggio", "Hot Heart", "Mad Money", "Forest", "Wolves and Sheep", "Last Victim", "Late Love", "Talents and Ammiratori”, “ Colpevole senza colpa”.

Le commedie di Ostrovsky non sono apparse dal nulla. Il loro aspetto è direttamente collegato alle commedie di Griboedov e Gogol, che hanno assorbito tutto ciò di prezioso che la commedia russa che li ha preceduti ha ottenuto. Ostrovsky conosceva bene l'antica commedia russa del XVIII secolo, studiò in particolare le opere di Kapnist, Fonvizin, Plavilshchikov. D'altra parte - l'influenza della prosa della "scuola naturale".

Ostrovsky arrivò alla letteratura alla fine degli anni Quaranta, quando la drammaturgia di Gogol fu riconosciuta come il più grande fenomeno letterario e sociale. Turgenev ha scritto: "Gogol ha mostrato come andrà la nostra letteratura drammatica con il tempo". Ostrovsky, fin dai primi passi della sua attività, si è realizzato come successore delle tradizioni di Gogol ", scuola naturale”, si considerava tra gli autori di una “nuova tendenza della nostra letteratura”.

Gli anni 1846-1859, quando Ostrovsky lavorò alla sua prima grande commedia "Our People - Let's Settle", furono gli anni della sua formazione come scrittore realista.

Il programma ideologico e artistico di Ostrovsky, il drammaturgo, è chiaramente esposto nei suoi articoli e recensioni critici. L'articolo "Mistake", la storia di Madame Tour" ("Moskvityanin", 1850), un articolo incompiuto sul romanzo di Dickens "Dombey and Son" (1848), una recensione della commedia di Menshikov "Fads", ("Moskvityanin" 1850 ), "Nota sulla situazione dell'arte drammatica in Russia al tempo presente" (1881), "Una parola da tavola su Pushkin" (1880).

Le opinioni socio-letterarie di Ostrovsky sono caratterizzate dalle seguenti disposizioni principali:

In primo luogo, crede che il dramma dovrebbe essere un riflesso della vita delle persone, della coscienza delle persone.

Le persone per Ostrovsky sono, prima di tutto, la massa democratica, le classi inferiori, la gente comune.

Ostrovsky ha chiesto allo scrittore di studiare la vita delle persone, quei problemi che riguardano le persone.

“Per essere uno scrittore popolare”, scrive, “non basta l'amore per la propria terra… bisogna conoscere bene la propria gente, andare d'accordo con loro, imparentarsi. La migliore scuola per talenti è lo studio della propria nazionalità.

In secondo luogo, Ostrovsky parla della necessità dell'identità nazionale per la drammaturgia.

La nazionalità della letteratura e dell'arte è intesa da Ostrovsky come una conseguenza integrale della loro nazionalità e democrazia. "Solo quell'arte è nazionale, che è popolare, perché il vero portatore di nazionalità è la massa popolare e democratica".

Nella "Parola da tavolo su Pushkin" - un esempio di tale poeta è Pushkin. Pushkin è un poeta popolare, Pushkin è un poeta nazionale. Pushkin ha svolto un ruolo enorme nello sviluppo della letteratura russa perché "ha dato allo scrittore russo il coraggio di essere russo".

E, infine, la terza disposizione riguarda la natura socialmente accusatoria della letteratura. “Più popolare è l'opera, più elemento accusatorio in essa, perché la “caratteristica distintiva del popolo russo” è “l'avversione per tutto ciò che è nettamente definito”, la riluttanza a tornare alle “vecchie forme di vita già condannate”, il desiderio di “cercare il meglio”.

Il pubblico si aspetta che l'arte denunci i vizi e le mancanze della società, che giudichi la vita.

Condannando questi vizi nella loro immagini artistiche lo scrittore suscita loro avversione nel pubblico, li costringe a essere migliori, più morali. Pertanto, "la direzione sociale e denunciatrice può essere definita morale e pubblica", sottolinea Ostrovsky. Parlando della direzione sociale accusatoria o morale-pubblica, intende:

critica accusatoria del modo di vivere dominante; protezione dei principi morali positivi, ad es. proteggere le aspirazioni della gente comune e il loro perseguimento della giustizia sociale.

Pertanto, il termine "direzione morale accusatoria" nel suo significato oggettivo si avvicina al concetto di realismo critico.

Le opere di Ostrovsky, scritte da lui tra la fine degli anni '40 e l'inizio degli anni '50, "A Picture of Family Happiness", "Notes of a Zamoskvoretsky Resident", "Our People - Let's Settle", "The Poor Bride - sono organicamente connesse con il letteratura della scuola naturale.

"L'immagine della felicità familiare" ha in gran parte la natura di un saggio drammatizzato: non è diviso in fenomeni, non c'è completamento della trama. Ostrovsky si è posto il compito di rappresentare la vita dei mercanti. L'eroe interessa Ostrovsky esclusivamente come rappresentante del suo patrimonio, del suo modo di vivere, del suo modo di pensare. Va oltre la scuola naturale. Ostrovsky rivela lo stretto legame tra la moralità dei suoi personaggi e la loro esistenza sociale.

Mette la vita familiare dei mercanti in diretta connessione con le relazioni monetarie e materiali di questo ambiente.

Ostrovsky condanna completamente i suoi eroi. I suoi eroi esprimono le loro opinioni sulla famiglia, il matrimonio, l'educazione, come se dimostrassero la natura selvaggia di queste opinioni.

Questa tecnica era comune nella letteratura satirica degli anni '40: il metodo dell'autoesposizione.

L'opera più significativa di Ostrovsky 40-ies. - arrivò la commedia "La nostra gente - sistemiamoci" (1849), percepita dai contemporanei come una grande conquista della scuola naturale nel teatro.

"Ha iniziato in modo straordinario", scrive Turgenev di Ostrovsky.

La commedia attirò immediatamente l'attenzione delle autorità. Quando la censura ha sottoposto l'opera allo zar per esame, Nicola I ha scritto: “Stampato invano! Per giocare lo stesso divieto, in ogni caso.

Il nome di Ostrovsky è stato inserito nell'elenco delle persone inaffidabili e il drammaturgo è stato posto sotto sorveglianza segreta della polizia per cinque anni. Il "caso dello scrittore Ostrovsky" è stato aperto.

Ostrovsky, come Gogol, critica i fondamenti stessi delle relazioni che dominano la società. È critico nei confronti della vita sociale contemporanea e in questo senso è un seguace di Gogol. E allo stesso tempo, Ostrovsky si è subito definito uno scrittore, un innovatore. Confrontando le opere della prima fase del suo lavoro (1846-1852) con le tradizioni di Gogol, vediamo quali novità ha portato Ostrovsky alla letteratura.

L'azione della "commedia alta" di Gogol si svolge come in un mondo di realtà irragionevole: "L'ispettore del governo".

Gogol ha messo alla prova una persona nel suo atteggiamento nei confronti della società, del dovere civico - e ha dimostrato - ecco come sono queste persone. Questo è il centro dei vizi. Non si preoccupano affatto della società. Sono guidati nel loro comportamento da calcoli strettamente egoistici, interessi egoistici.

Gogol non si concentra sulla vita di tutti i giorni: risate tra le lacrime. La burocrazia per lui non agisce come uno strato sociale, ma come una forza politica che determina la vita della società nel suo insieme.

Ostrovsky ha qualcosa di completamente diverso: un'analisi approfondita della vita sociale.

Come gli eroi dei saggi della scuola naturale, gli eroi di Ostrovsky sono ordinari, rappresentanti tipici il loro ambiente sociale, che è condiviso dal loro solito vita di ogni giorno, tutti i suoi pregiudizi.

a) Nella commedia "La nostra gente - ci sistemeremo" Ostrovsky crea una tipica biografia di un commerciante, parla di come si accumula il capitale.

Bolshov vendeva torte da una bancarella da bambino e poi divenne uno dei primi uomini ricchi di Zamoskvorechye.

Podkhalyuzin ha costituito la sua capitale derubando il proprietario e, infine, Tishka è un fattorino, ma sa già come accontentare il nuovo proprietario.

Qui sono date, per così dire, tre fasi della carriera di un commerciante. Attraverso il loro destino, Ostrovsky ha mostrato come è composto il capitale.

b) La particolarità della drammaturgia di Ostrovsky era che ha mostrato questa domanda - come si compone il capitale in un ambiente mercantile - attraverso la considerazione delle relazioni intrafamiliari, quotidiane, ordinarie.

È stato Ostrovsky il primo nel dramma russo a considerare filo per filo la rete delle relazioni quotidiane e quotidiane. Fu il primo a introdurre nella sfera dell'arte tutte queste sciocchezze della vita, segreti di famiglia, meschini affari economici. Un posto enorme è occupato da scene quotidiane apparentemente prive di significato. Molta attenzione è prestata alle pose, ai gesti dei personaggi, ai loro modi di parlare, al loro stesso modo di parlare.

Le prime commedie di Ostrovsky sembravano al lettore insolite, non per il palcoscenico, più simili a opere narrative piuttosto che drammatiche.

Il cerchio delle opere di Ostrovsky, direttamente legate alla scuola naturale degli anni '40, si chiude con la commedia La povera sposa (1852).

In esso, Ostrovsky mostra la stessa dipendenza di una persona dalle relazioni economiche e monetarie. Diversi pretendenti cercano la mano di Marya Andreevna, ma chi la ottiene non ha bisogno di fare alcuno sforzo per raggiungere l'obiettivo. Per lui funziona la ben nota legge economica di una società capitalista, dove tutto è deciso dal denaro. L'immagine di Marya Andreevna inizia nell'opera di Ostrovsky, un nuovo argomento per lui, la posizione di una povera ragazza in una società dove tutto è determinato dal calcolo commerciale. ("Foresta", "Alunno", "Dote").

Quindi, per la prima volta in Ostrovsky (a differenza di Gogol) non appare solo il vizio, ma anche vittima del vizio. Oltre ai padroni della società moderna, c'è chi si oppone a loro, aspirazioni le cui esigenze sono in conflitto con le leggi e le usanze di questo ambiente. Ciò ha comportato nuovi colori. Ostrovsky ha scoperto nuovi aspetti del suo talento: il drammatico satirismo. "Proprie persone - conteremo" - satira.

Il modo artistico di Ostrovsky in questa commedia è ancora più diverso dalla drammaturgia di Gogol. La trama perde qui il suo vantaggio. Si basa su un caso ordinario. Il tema che è stato espresso in "Matrimonio" di Gogol e ha ricevuto copertura satirica - la trasformazione del matrimonio in acquisto e vendita, qui ha acquisito un suono tragico.

Ma allo stesso tempo, questa è una commedia in termini di caratterizzazione, in termini di posizioni. Ma se gli eroi di Gogol provocano risate e condanne del pubblico, allora in Ostrovsky lo spettatore ha visto la sua vita quotidiana, ha provato una profonda simpatia per alcuni - ha condannato altri.

La seconda tappa delle attività di Ostrovsky (1853 - 1855) è segnata dal sigillo delle influenze slavofile.

Innanzitutto, questo passaggio di Ostrovsky a posizioni slavofile va spiegato con l'intensificarsi dell'atmosfera, la reazione che si instaura nei "cupi sette anni" del 1848-1855.

In che modo specifico è apparsa questa influenza, quali idee degli slavofili si sono rivelate vicine a Ostrovsky? Prima di tutto, il riavvicinamento di Ostrovsky con i cosiddetti "giovani redattori" di The Moskvityanin, il cui comportamento dovrebbe essere spiegato dal loro caratteristico interesse per la vita nazionale russa, arte popolare, il passato storico del popolo, che era molto vicino a Ostrovsky.

Ma Ostrovsky non ha saputo distinguere in questo interesse il principale principio conservatore, che si è manifestato nelle contraddizioni sociali prevalenti, in un atteggiamento ostile nei confronti del concetto di progresso storico, nell'ammirazione per tutto ciò che è patriarcale.

Gli slavofili, infatti, agivano come ideologi degli elementi socialmente arretrati della piccola e media borghesia.

Uno degli ideologi più importanti della "Young Edition" di "Moskvityanin" Apollon Grigoriev ha sostenuto che esiste un unico "spirito nazionale" che costituisce la base organica della vita delle persone. Catturare questo spirito nazionale è la cosa più importante per uno scrittore.

Contraddizioni sociali, lotta di classe: sono stratificazioni storiche che saranno superate e che non violano l'unità della nazione.

Lo scrittore deve mostrare gli eterni principi morali del carattere delle persone. Il portatore di questi eterni principi morali, lo spirito del popolo, è la classe "media, industriale, mercantile", perché è stata questa classe a preservare il patriarcato delle tradizioni dell'antica Rus', a conservare la fede, i costumi e la lingua dei padri. Questa classe non è stata toccata dalla falsità della civiltà.

Il riconoscimento ufficiale di questa dottrina da parte di Ostrovsky è la sua lettera del settembre 1853 a Pogodin (l'editore di Moskvityanin), in cui Ostrovsky scrive di essere ora diventato un sostenitore della "nuova direzione", la cui essenza è fare appello ai principi positivi di vita quotidiana e di carattere popolare.

La precedente visione delle cose ora gli sembra "giovane e troppo crudele". La denuncia dei vizi sociali non sembra essere il compito principale.

“I correttori si troveranno anche senza di noi. Per avere il diritto di correggere le persone senza offenderle, bisogna mostrare loro che si conosce il bene che c'è dietro di loro” (settembre 1853), scrive Ostrovsky.

Una caratteristica distintiva del popolo russo di Ostrovsky in questa fase non è la sua disponibilità a rinunciare alle norme di vita obsolete, ma il patriarcato, l'adesione alle condizioni di vita immutate e fondamentali. Ostrovsky ora vuole combinare "l'alto con il fumetto" nelle sue opere teatrali, comprendendo dall'alto le caratteristiche positive della vita mercantile e dal "comico" - tutto ciò che si trova al di fuori del circolo mercantile, ma esercitando la sua influenza su di esso.

Queste nuove visioni di Ostrovsky hanno trovato la loro espressione in tre cosiddette commedie "slavofile" di Ostrovsky: "Non sederti sulla tua slitta", "La povertà non è un vizio", "Non vivere come vuoi".

Tutte e tre le opere slavofile di Ostrovsky hanno un inizio determinante: un tentativo di idealizzare le basi patriarcali della vita e la moralità familiare della classe mercantile.

E in queste commedie, Ostrovsky si rivolge a soggetti familiari e quotidiani. Ma dietro di loro non ci sono più rapporti economici, sociali.

La famiglia, le relazioni domestiche sono interpretate in termini puramente morali: tutto dipende dalle qualità morali delle persone, dietro questo non ci sono interessi materiali e monetari. Ostrovsky cerca di trovare un modo per risolvere le contraddizioni in termini morali, nella rinascita morale dei personaggi. (L'illuminazione morale di Gordey Tortsov, la nobiltà dell'anima di Borodkin e Rusakov). La tirannia è giustificata non tanto dall'esistenza del capitale, delle relazioni economiche, ma dalle proprietà personali di una persona.

Ostrovsky raffigura quegli aspetti della vita mercantile, in cui, come gli sembra, si concentra il nazionale, il cosiddetto "spirito nazionale". Si concentra quindi sui lati poetici e luminosi della vita mercantile, introduce motivi rituali, folcloristici, mostrando l'inizio "folk-epico" della vita degli eroi a scapito della loro certezza sociale.

Ostrovsky ha sottolineato nelle commedie di questo periodo la vicinanza dei suoi eroi-mercanti al popolo, i loro legami sociali e domestici con i contadini. Dicono di se stessi che sono persone "semplici", "maleducate", che i loro padri erano contadini.

Dal punto di vista artistico, queste opere sono chiaramente più deboli delle precedenti. La loro composizione è deliberatamente semplificata, i personaggi si sono rivelati meno chiari e l'epilogo meno giustificato.

Le commedie di questo periodo sono caratterizzate dal didatticismo, contrastano apertamente principi chiari e oscuri, i personaggi sono nettamente divisi in “buoni” e “cattivi”, il vizio viene punito all'epilogo. Le commedie del "periodo slavofilo" sono caratterizzate da aperta moralità, sentimentalismo ed edificazione.

Allo stesso tempo, va detto che durante questo periodo Ostrovsky, in generale, rimase su una posizione realistica. Secondo Dobrolyubov, "anche qui il potere del sentimento artistico diretto non poteva lasciare l'autore, e quindi le posizioni private e i personaggi individuali si distinguono per la verità genuina".

Il significato delle commedie di Ostrovsky scritte in questo periodo risiede, prima di tutto, nel fatto che continuano a ridicolizzare e condannare la tirannia in qualunque forma si manifesti /Lubim Tortsov/. (Se Bolshov - in modo sgarbato e schietto - è un tipo di tiranno, allora Rusakov è ammorbidito e mansueto).

Dobrolyubov: "In Bolshov abbiamo visto una natura vigorosa, influenzata dalla vita mercantile, in Rusakov ci sembra: ma è così che escono con lui anche nature oneste e gentili".

Bolshov: "Cosa dobbiamo fare io e mio padre se non do ordini?"

Rusakov: "Non darò per colui che ama, ma per colui che amo".

La glorificazione della vita patriarcale in queste commedie è contraddittoria unita alla formulazione di acute questioni sociali e al desiderio di creare immagini che incarnino ideali nazionali (Rusakov, Borodkin), con simpatia per i giovani che portano nuove aspirazioni, opposizione a tutto patriarcale, antico. (Mitya, Lyubov Gordeevna).

In queste commedie si esprimeva il desiderio di Ostrovsky di trovare un inizio luminoso e positivo nella gente comune.

Nasce così il tema dell'umanesimo popolare, l'ampiezza della natura di una persona semplice, che si esprime nella capacità di guardare con coraggio e autonomia all'ambiente e nella capacità di sacrificare talvolta i propri interessi per il bene degli altri.

Questo tema è stato poi suonato in opere centrali di Ostrovsky come "Thunderstorm", "Forest", "Dowry".

L'idea di creare uno spettacolo popolare - uno spettacolo didattico - non era estranea a Ostrovsky quando creò "La povertà non è un vizio" e "Non vivere come vuoi".

Ostrovsky ha cercato di trasmettere i principi etici del popolo, la base estetica della sua vita, per evocare una risposta da parte dello spettatore democratico alla poesia della sua vita nativa, l'antichità nazionale.

Ostrovsky è stato guidato in questo dal nobile desiderio di "dare allo spettatore democratico una prima vaccinazione culturale". Un'altra cosa è l'idealizzazione dell'umiltà, dell'umiltà, del conservatorismo.

La valutazione delle commedie slavofile negli articoli di Chernyshevsky "La povertà non è un vizio" e "Dark Kingdom" di Dobrolyubov è curiosa.

Chernyshevsky pubblicò il suo articolo nel 1854, quando Ostrovsky era vicino agli slavofili e c'era il pericolo che Ostrovsky si allontanasse da posizioni realistiche. Chernyshevsky definisce "false" le commedie di Ostrovsky "La povertà non è un vizio" e "Non sederti sulla tua slitta", ma continua: "Ostrovsky non ha ancora rovinato il suo meraviglioso talento, ha bisogno di tornare a una direzione realistica". "In verità, il potere del talento, una direzione errata distrugge anche il talento più forte", conclude Chernyshevsky.

L'articolo di Dobrolyubov fu scritto nel 1859, quando Ostrovsky si liberò dalle influenze slavofile. Era inutile ricordare precedenti idee sbagliate e Dobrolyubov, limitandosi a un noioso accenno a questa partitura, si concentra sul rivelare l'inizio realistico di queste stesse commedie.

Le valutazioni di Chernyshevsky e Dobrolyubov si completano a vicenda e sono un esempio dei principi della critica democratica rivoluzionaria.

All'inizio del 1856 inizia nuovo stadio nell'opera di Ostrovsky.

Il drammaturgo si avvicina agli editori di Sovremennik. Questo riavvicinamento coincide con il periodo dell'ascesa delle forze sociali progressiste, con la maturazione di una situazione rivoluzionaria.

Lui, come se seguisse il consiglio di Nekrasov, ritorna sul percorso dello studio della realtà sociale, il percorso della creazione di giochi analitici in cui vengono fornite immagini della vita moderna.

(In una recensione dell'opera teatrale "Non vivere come vuoi", Nekrasov gli consigliò, abbandonando tutte le idee preconcette, di seguire il percorso che avrebbe portato il suo talento: "dai libero sviluppo al tuo talento" - il percorso di raffigurante la vita reale).

Chernyshevsky sottolinea il "talento meraviglioso, il forte talento di Ostrovsky. Dobrolyubov - "il potere dell'estro artistico" del drammaturgo.

Durante questo periodo, Ostrovsky ha creato commedie significative come "The Pupil", "Profitable Place", la trilogia su Balzaminov e, infine, durante il periodo della situazione rivoluzionaria - "Thunderstorm".

Questo periodo del lavoro di Ostrovsky è caratterizzato, prima di tutto, dall'espansione della portata dei fenomeni della vita, dall'espansione degli argomenti.

In primo luogo, nel campo della sua ricerca, che comprende il padrone di casa, l'ambiente della gleba, Ostrovsky ha dimostrato che la proprietaria terriera Ulanbekova ("L'allieva") prende in giro le sue vittime con la stessa crudeltà dei mercanti analfabeti e ignoranti.

Ostrovsky mostra che la stessa lotta tra ricchi e poveri, anziani e giovani, è in corso nell'ambiente del proprietario terriero-nobile, così come in quello mercantile.

Inoltre, nello stesso periodo, Ostrovsky solleva il tema del filisteismo. Ostrovsky è stato il primo scrittore russo a notare e scoprire artisticamente il filisteismo come gruppo sociale.

Il drammaturgo ha scoperto nel filisteismo un interesse predominante e che mette in ombra tutti gli altri interessi per il materiale, quello che Gorky in seguito definì "un brutto senso di proprietà sviluppato".

Nella trilogia su Balzaminov ("Sonno festivo - prima di cena", "I tuoi cani mordono, non infastidire qualcun altro", "Quello che cerchi, lo troverai") / 1857-1861 /, Ostrovsky denuncia il meschino- modo di esistere borghese, con la sua mentalità, limiti, volgarità, avidità, sogni ridicoli.

Nella trilogia su Balzaminov non viene rivelata solo l'ignoranza o la ristrettezza mentale, ma una sorta di miseria intellettuale, l'inferiorità di un commerciante. L'immagine è costruita sull'opposizione di questa inferiorità mentale, insignificanza morale - e compiacenza, fiducia nei propri diritti.

In questa trilogia ci sono elementi di vaudeville, buffonate, tratti di commedia esterna. Ma in essa prevale la commedia interna, poiché la figura di Balzaminov è internamente comica.

Ostrovsky ha mostrato che il regno dei filistei è lo stesso regno oscuro di impenetrabile volgarità, ferocia, che è diretto verso un obiettivo: il profitto.

La commedia successiva - "Profitable Place" - testimonia il ritorno di Ostrovsky sulla via della drammaturgia "morale e accusatoria". Nello stesso periodo, Ostrovsky fu lo scopritore di un altro regno oscuro: il regno dei funzionari, la burocrazia reale.

Durante gli anni dell'abolizione della servitù, la denuncia degli ordini burocratici aveva uno speciale significato politico. La burocrazia era l'espressione più compiuta del sistema autocratico-feudale. Incarnava l'essenza di sfruttamento-predatore dell'autocrazia. Non era più solo arbitrarietà domestica, ma violazione di interessi comuni in nome della legge. È in connessione con questa commedia che Dobrolyubov amplia il concetto di "tirannia", intendendolo come autocrazia in generale.

"Profitable Place" ricorda la commedia di N. Gogol "Inspector General" in termini di problemi. Ma se ne L'ispettore generale i funzionari che commettono illegalità si sentono in colpa e temono ritorsioni, i funzionari di Ostrovsky sono intrisi della consapevolezza della loro correttezza e impunità. La corruzione, l'abuso, sembrano loro e altri la norma.

Ostrovsky ha sottolineato che la distorsione di tutte le norme morali nella società è la legge e la legge stessa è qualcosa di illusorio. Sia i funzionari che le persone da loro dipendenti sanno che le leggi sono sempre dalla parte di chi ha il potere.

Pertanto, i funzionari - per la prima volta in letteratura - Ostrovsky vengono mostrati come una specie di spacciatori della legge. (Il funzionario può trasformare la legge come vuole).

Nella commedia di Ostrovsky è arrivato anche un nuovo eroe: un giovane funzionario Zhadov, che si era appena laureato all'università. Il conflitto tra i rappresentanti della vecchia formazione e Zhadov acquista la forza di una contraddizione inconciliabile:

a / Ostrovsky è riuscito a mostrare il fallimento delle illusioni su un funzionario onesto come forza capace di fermare gli abusi dell'amministrazione.

b/ lotta contro lo "yusovismo" o compromesso, tradimento degli ideali - Zhadov non ha altra scelta.

Ostrovsky ha denunciato quel sistema, quelle condizioni di vita che danno origine a tangenti. Il significato progressivo della commedia sta nel fatto che in essa l'inconciliabile negazione del vecchio mondo e dello "yusovismo" si fondeva con la ricerca di una nuova moralità.

Zhadov è una persona debole, non sopporta la lotta, va anche a chiedere " luogo redditizio».

Chernyshevsky credeva che lo spettacolo sarebbe stato ancora più forte se si fosse concluso con il quarto atto, cioè con il grido di disperazione di Zhadov: "Andiamo dallo zio a chiedere un lavoro redditizio!" Nel quinto, Zhadov si confronta con l'abisso che lo ha quasi rovinato moralmente. E, sebbene la fine di Vyshimirsky non sia tipica, c'è un elemento di fortuna nella salvezza di Zhadov, nelle sue parole, nella sua convinzione che "da qualche parte ci sono altre persone più persistenti e degne" che non scenderanno a compromessi, non si riconcilieranno, non arrendersi, parlare della prospettiva di un ulteriore sviluppo di nuove relazioni sociali. Ostrovsky prevedeva l'imminente impennata sociale.

Il rapido sviluppo del realismo psicologico, che osserviamo nella seconda metà del XIX secolo, si è manifestato anche nella drammaturgia. Il segreto della scrittura drammatica di Ostrovsky non risiede nelle caratteristiche unidimensionali tipi umani, ma nel desiderio di creare personaggi umani purosangue, le cui contraddizioni e lotte interne servono da potente impulso per il movimento drammatico. GA Tovstonogov ha parlato bene di questa caratteristica del modo creativo di Ostrovsky, riferendosi, in particolare, a Glumov della commedia Enough Simplicity for Every Wise Man, un personaggio tutt'altro che ideale: “Perché Glumov è affascinante, sebbene commetta una serie di azioni vili? è antipatico con noi, quindi non c'è spettacolo.Ciò che lo rende affascinante è l'odio per questo mondo, e noi giustifichiamo interiormente il suo modo di vendicarsi con lui.

L'interesse per la personalità umana in tutti i suoi stati ha costretto gli scrittori a cercare mezzi per esprimerli. Nel dramma, il principale mezzo di questo tipo era l'individualizzazione stilistica del linguaggio dei personaggi, ed è stato Ostrovsky a svolgere il ruolo principale nello sviluppo di questo metodo. Inoltre, Ostrovsky, nello psicologismo, ha tentato di andare oltre, lungo il percorso di fornire ai suoi eroi la massima libertà possibile nell'ambito di intenzione dell'autore- il risultato di un simile esperimento è stata l'immagine di Katerina in The Thunderstorm.

In "Thunderstorm" Ostrovsky è salito all'immagine di una tragica collisione di sentimenti umani viventi con la vita mortale della costruzione di case.

Nonostante la varietà di tipi di conflitti drammatici presentati nelle prime opere di Ostrovsky, la loro poetica e la loro atmosfera generale erano determinate, prima di tutto, dal fatto che la tirannia era data in esse come un fenomeno naturale e inevitabile della vita. Anche le cosiddette commedie "slavofile", con la loro ricerca di principi luminosi e buoni, non hanno distrutto e non hanno violato l'atmosfera opprimente della tirannia. Anche la commedia "The Thunderstorm" è caratterizzata da questa colorazione generale. E allo stesso tempo, c'è una forza in lei che si oppone risolutamente alla routine terribile e mortale: questo è l'elemento popolare, espresso sia nei personaggi popolari (Katerina, prima di tutto, Kuligin e persino Kudryash), sia nella natura russa, che diventa un elemento essenziale dell'azione drammatica. .

L'opera teatrale "Temporale", che ha sollevato le complesse questioni della vita moderna ed è apparsa sulla stampa e sul palco proprio alla vigilia della cosiddetta "liberazione" dei contadini, ha testimoniato che Ostrovsky era libero da ogni illusione sui modi del sociale sviluppo in Russia.

Anche prima che la pubblicazione di "Thunderstorm" apparisse sulla scena russa. La prima ebbe luogo il 16 novembre 1859 al Maly Theatre. Magnifici attori sono stati coinvolti nello spettacolo: S. Vasiliev (Tikhon), P. Sadovsky (Wild), N. Rykalova (Kabanova), L. Nikulina-Kositskaya (Katerina), V. Lensky (Kudryash) e altri. La produzione è stata diretta dallo stesso N. Ostrovsky. La prima è stata un enorme successo e le esibizioni successive sono state trionfanti. Un anno dopo la brillante prima di The Thunderstorm, lo spettacolo ha ricevuto il più alto riconoscimento accademico: il Great Uvarov Prize.

In The Thunderstorm, il sistema sociale della Russia viene duramente denunciato e la morte personaggio principale mostrato dalla drammaturga come diretta conseguenza della sua situazione senza speranza nel "regno oscuro". Il conflitto a Groz si basa su uno scontro inconciliabile tra l'amante della libertà Katerina e mondo spaventoso selvaggio e cinghiale, con leggi bestiali basate su "crudeltà, bugie, scherno, umiliazione della persona umana. Katerina è andata contro la tirannia e l'oscurantismo, armata solo del potere dei suoi sentimenti, della coscienza del diritto alla vita, alla felicità e all'amore. Secondo la giusta osservazione di Dobrolyubov, "sente l'opportunità di soddisfare la sete naturale della sua anima e non può più rimanere immobile: è desiderosa di una nuova vita, anche se dovesse morire in questo impulso".

Fin dall'infanzia, Katerina è cresciuta in un ambiente particolare che si è sviluppato nel suo sogno romantico, religiosità e sete di libertà. Questi tratti caratteriali determinarono ulteriormente la tragedia della sua posizione. Cresciuta in uno spirito religioso, comprende tutta la "peccaminosità" dei suoi sentimenti per Boris, ma non può resistere all'attrazione naturale e si arrende completamente a questo impulso.

Katerina si oppone non solo ai "concetti di moralità di Kabanov". Protesta apertamente contro gli immutabili dogmi religiosi che affermavano l'inviolabilità categorica del matrimonio in chiesa e condannavano il suicidio come contrario all'insegnamento cristiano. Tenendo presente questa pienezza della protesta di Katerina, Dobrolyubov ha scritto: “Ecco vero potere carattere, su cui in ogni caso puoi contare! Questa è l'altezza a cui raggiunge la nostra vita popolare nel suo sviluppo, ma a cui pochissimi nella nostra letteratura sono riusciti a salire, e nessuno è stato in grado di trattenerla come Ostrovsky.

Katerina non vuole sopportare la situazione mortale circostante. "Non voglio vivere qui, quindi non lo farò, anche se mi tagli!", dice a Varvara. E si suicida. Il carattere di Katerina è complesso e sfaccettato.Questa complessità è evidenziata in modo più eloquente, forse, da il fatto che molti interpreti eccezionali, partendo da dominanti apparentemente completamente opposte del personaggio del personaggio principale, non sono stati in grado di esaurirlo fino alla fine. varie interpretazioni non hanno rivelato appieno la cosa principale nel carattere di Katerina: il suo amore, a cui si dona con tutta l'immediatezza di una giovane natura. Suo esperienza di vita insignificante, soprattutto nella sua natura si sviluppa un senso di bellezza, una percezione poetica della natura. Tuttavia, il suo carattere è dato in movimento, in fase di sviluppo. Una contemplazione della natura, come sappiamo dalla commedia, non le basta. Sono necessarie altre sfere di applicazione delle forze spirituali. La preghiera, il servizio, i miti sono anche mezzi per soddisfare i sentimenti poetici del protagonista.

Dobrolyubov ha scritto: “Non sono i rituali che la occupano nella chiesa: non sente affatto quello che cantano e leggono lì; ha altra musica nell'anima, altre visioni, per lei il servizio finisce impercettibilmente, come in un secondo. È occupata con alberi stranamente disegnati su immagini, e immagina un intero paese di giardini, dove ci sono tutti questi alberi, e tutto è in fiore, profumato, tutto è pieno di canto celeste. Altrimenti, in una giornata di sole, vedrà come "un pilastro così luminoso scende dalla cupola, e il fumo cammina in questo pilastro, come nuvole", e ora vede già, "come se gli angeli volassero e cantassero in questo pilastro." A volte si presenterà: perché non dovrebbe volare? E quando si trova su una montagna, è attratta dal volo così: così scapperebbe, alzerebbe le mani e volerebbe ... ".

Una nuova, ma inesplorata, sfera di manifestazione dei suoi poteri spirituali era il suo amore per Boris, che alla fine divenne la causa della sua tragedia. "La passione di una donna nervosa e appassionata e la lotta con il debito, la caduta, il pentimento e la pesante espiazione della colpa - tutto questo è pieno del più vivo interesse drammatico ed è condotto con straordinaria arte e conoscenza del cuore", ha giustamente osservato I. A. Goncharov .

Quante volte viene condannata la passione, l'immediatezza della natura di Katerina e la sua profonda lotta spirituale è percepita come una manifestazione di debolezza. Nel frattempo, nelle memorie dell'artista E. B. Piunova-Shmidthof troviamo la curiosa storia di Ostrovsky sulla sua eroina: “Katerina”, mi ha detto Alexander Nikolayevich, “è una donna con una natura passionale e un carattere forte. Lo ha dimostrato con il suo amore per Boris e il suicidio. Katerina, sebbene sopraffatta dall'ambiente, alla prima occasione si abbandona alla sua passione, dicendo prima: "Qualunque cosa accada, ma vedrò Boris!" Di fronte all'immagine dell'inferno, Katerina non si arrabbia e non è isterica, ma solo con il suo viso e tutta la sua figura deve ritrarre la paura mortale. Nella scena dell'addio a Boris, Katerina parla a bassa voce, come una malata, e unica ultime parole: "Mio amico! La mia gioia! Arrivederci!" - Parla il più forte possibile. La posizione di Katherine è diventata senza speranza. Non puoi vivere a casa di tuo marito ... Non c'è nessun posto dove andare. Ai genitori? Sì, a quel punto l'avrebbero legata e portata da suo marito. Katerina giunse alla conclusione che era impossibile vivere come viveva prima e, avendo una forte volontà, si annegò ... ".

“Senza paura di essere accusato di esagerazione”, ha scritto I. A. Goncharov, “posso dire onestamente che nella nostra letteratura non esisteva un'opera come un dramma. Indubbiamente occupa e probabilmente occuperà per molto tempo il primo posto nelle bellezze classiche. Da qualunque parte venga presa, sia dal lato del piano della creazione, o del movimento drammatico, o, infine, dei personaggi, è ovunque impressa con il potere della creatività, la sottigliezza dell'osservazione e l'eleganza della decorazione. In The Thunderstorm, secondo Goncharov, "un quadro generale della vita e dei costumi nazionali si è placato".

Ostrovsky ha concepito The Thunderstorm come una commedia e poi l'ha definita un dramma. N. A. Dobrolyubov ha parlato molto attentamente della natura del genere di The Thunderstorm. Ha scritto che "i rapporti reciproci di tirannia e mancanza di voce sono portati alle conseguenze più tragiche".

Entro la metà del XIX secolo, la definizione di Dobrolyubov del "gioco della vita" si rivelò più capiente della tradizionale suddivisione dell'arte drammatica, che era ancora sotto il peso delle norme classiciste. Nel dramma russo, c'è stato un processo di convergenza della poesia drammatica con la realtà quotidiana, che ha naturalmente influenzato la loro natura di genere. Ostrovsky, ad esempio, ha scritto: “La storia della letteratura russa ha due rami che si sono finalmente fusi: un ramo è innestato ed è figlio di un seme straniero, ma ben radicato; va da Lomonosov attraverso Sumarokov, Karamzin, Batyushkov, Zhukovsky e così via. a Pushkin, dove comincia a convergere con un altro; l'altro - da Kantemir, attraverso le commedie dello stesso Sumarokov, Fonvizin, Kapnist, Griboedov a Gogol; in lui entrambi sono completamente fusi; il dualismo è finito. Da un lato: odi elogiative, tragedie francesi, imitazioni degli antichi, la sensibilità del tardo Settecento, il romanticismo tedesco, la frenetica letteratura giovanile; e d'altra parte: satire, commedie, commedie e "Dead Souls", la Russia, come se allo stesso tempo, nella persona dei suoi migliori scrittori, vivesse periodo dopo periodo la vita delle letterature straniere e innalzasse la propria a umano universale significato.

La commedia, quindi, si è rivelata la più vicina ai fenomeni quotidiani della vita russa, ha risposto con sensibilità a tutto ciò che preoccupava il pubblico russo, ha riprodotto la vita nelle sue manifestazioni drammatiche e tragiche. Ecco perché Dobrolyubov si è aggrappato così ostinatamente alla definizione di "gioco della vita", vedendovi non tanto un significato di genere convenzionale quanto il principio stesso di riprodurre la vita moderna nel dramma. In realtà, Ostrovsky ha parlato dello stesso principio: “Molte regole condizionali sono scomparse e altre scompariranno. Ora le opere drammatiche non sono altro che una vita drammatizzata ". Questo principio ha determinato lo sviluppo dei generi drammatici nei decenni successivi del XIX secolo. In termini di genere, The Thunderstorm è una tragedia sociale.

AI Revyakin osserva giustamente che la caratteristica principale della tragedia - "l'immagine delle contraddizioni inconciliabili della vita che causano la morte del protagonista, che è una persona eccezionale" - è evidente in The Thunderstorm. La rappresentazione della tragedia popolare, ovviamente, ha portato a nuove forme costruttive originali della sua incarnazione. Ostrovsky si è ripetutamente espresso contro il modo inerte e tradizionale di costruire opere drammatiche. Anche Thunderstorm è stato innovativo in questo senso. Ne parlò, non senza ironia, in una lettera a Turgenev del 14 giugno 1874, in risposta a una proposta di stampare The Thunderstorm in traduzione francese: “Non interferisce con la stampa di The Thunderstorm in una buona traduzione francese, può impressionare con la sua originalità; ma se dovrebbe essere messo in scena - ci si può pensare. Apprezzo molto la capacità dei francesi di fare giochi e temo di offendere il loro gusto delicato con la mia terribile inettitudine. Dal punto di vista francese la costruzione del Temporale è brutta, ma bisogna ammettere che in genere è poco coerente. Quando ho scritto The Thunderstorm, sono stato portato via finendo i ruoli principali e, con imperdonabile frivolezza, "ho reagito alla forma, e allo stesso tempo avevo fretta di tenere il passo con la performance di beneficenza del compianto Vasiliev".

Il ragionamento di AI Zhuravleva sull'originalità del genere di "Thunderstorm" è curioso: “Il problema dell'interpretazione del genere è il più importante nell'analisi di questa commedia. Se ci rivolgiamo alle tradizioni scientifico-critiche e teatrali dell'interpretazione di questa commedia, possiamo distinguere due tendenze prevalenti. Uno di questi è dettato dalla comprensione di The Thunderstorm come un dramma sociale e domestico, in cui la vita quotidiana è di particolare importanza. L'attenzione dei registi e, di conseguenza, degli spettatori è, per così dire, equamente distribuita tra tutti i partecipanti all'azione, ogni persona riceve uguale importanza.

Un'altra interpretazione è determinata dalla comprensione di "Temporale" come tragedia. Zhuravleva ritiene che tale interpretazione sia più profonda e abbia "maggiore supporto nel testo", nonostante il fatto che l'interpretazione di "Temporale" come dramma si basi sulla definizione di genere dello stesso Ostrovsky. Il ricercatore osserva giustamente che "questa definizione è un omaggio alla tradizione". In effetti, l'intera storia precedente della drammaturgia russa non ha fornito esempi di una tragedia in cui gli eroi sarebbero stati privati ​​​​e non personaggi storici, anche leggendari. Il "temporale" in questo senso è rimasto un fenomeno unico. Il punto chiave per comprendere il genere di un'opera drammatica in questo caso non è lo "status sociale" dei personaggi, ma, soprattutto, la natura del conflitto. Se intendiamo la morte di Katerina come risultato di uno scontro con sua suocera, per vederla vittima dell'oppressione familiare, allora la scala degli eroi sembra davvero piccola per una tragedia. Ma se vedi che il destino di Katerina è stato determinato dallo scontro di due epoche storiche, allora la natura tragica del conflitto sembra del tutto naturale.

Un segno tipico della struttura tragica è la sensazione di catarsi vissuta dal pubblico durante l'epilogo. Con la morte, l'eroina viene liberata sia dall'oppressione che dalle contraddizioni interne che la tormentano.

Così, il dramma sociale della vita della classe mercantile si trasforma in una tragedia. Ostrovsky ha saputo mostrare la svolta epocale che sta avvenendo nella coscienza della gente comune attraverso un conflitto amore-quotidiano. Il risveglio del senso della personalità e un nuovo atteggiamento nei confronti del mondo, basato non sulla volontà individuale, si sono rivelati in inconciliabile antagonismo non solo con lo stato reale, mondano e affidabile del moderno stile di vita patriarcale di Ostrovsky, ma anche con l'idea ideale di moralità insita in un'eroina alta.

Questa trasformazione del dramma in tragedia è dovuta anche al trionfo dell'elemento lirico in The Thunderstorm.

Il simbolismo del titolo dell'opera è importante. Prima di tutto, la parola "temporale" ha un significato diretto nel suo testo. L'immagine del titolo è inclusa dal drammaturgo nello sviluppo dell'azione, vi partecipa direttamente come fenomeno naturale. Il motivo di un temporale si sviluppa nella commedia dal primo al quarto atto. Allo stesso tempo, anche l'immagine di un temporale è stata ricreata da Ostrovsky come paesaggio: nuvole scure piene di umidità ("come se una nuvola si arricciasse in una palla"), sentiamo soffocamento nell'aria, sentiamo il tuono, noi congelare davanti alla luce del lampo.

Il titolo dell'opera ha senso figurato. La tempesta infuria nell'anima di Katerina, si riflette nella lotta di principi creativi e distruttivi, nello scontro di presentimenti luminosi e cupi, sentimenti buoni e peccaminosi. Le scene con Grokha sembrano portare avanti l'azione drammatica dell'opera.

La tempesta nel gioco acquisisce e significato simbolico, esprimendo l'idea dell'intera opera nel suo insieme. L'apparizione nel regno oscuro di persone come Katerina e Kuligin è un temporale su Kalinov. Il temporale nell'opera trasmette la natura catastrofica della vita, lo stato del mondo diviso in due. La poliedricità e la versatilità del titolo dell'opera diventano una sorta di chiave per una comprensione più profonda della sua essenza.

"Nella commedia del signor Ostrovsky, che porta il nome di "Temporale", ha scritto A. D. Galakhov, "l'azione e l'atmosfera sono tragiche, anche se molti luoghi suscitano risate". The Thunderstorm combina non solo il tragico e il comico, ma, cosa particolarmente importante, l'epico e il lirico. Tutto ciò determina l'originalità della composizione dell'opera. VE Meyerhold ha scritto in modo eccellente su questo: “La particolarità della costruzione del Temporale è questa il punto più alto la tensione è data da Ostrovsky nel quarto atto (e non nella seconda scena del secondo atto), e l'aumento del copione non è graduale (dal secondo atto attraverso il terzo al quarto), ma da una spinta, o piuttosto, due spinte; la prima ascesa è indicata nel secondo atto, nella scena dell'addio di Katerina a Tikhon (l'ascesa è forte, ma non ancora molto), e la seconda ascesa (molto forte - questa è la spinta più sensibile) nel quarto atto, al momento del pentimento di Katerina.

Tra questi due atti (posti come sulle cime di due colline disuguali ma in forte ascesa) - il terzo atto (con entrambe le immagini) si trova, per così dire, in una valle.

È facile vedere che lo schema interno della costruzione di The Thunderstorm, sottilmente rivelato dal regista, è determinato dalle fasi di sviluppo del personaggio di Katerina, dalle fasi del suo sviluppo, dai suoi sentimenti per Boris.

A. Anastasiev osserva che l'opera di Ostrovsky ha un suo destino speciale. Per molti decenni, "Thunderstorm" non ha lasciato il palcoscenico dei teatri russi, N. A. Nikulina-Kositskaya, S. V. Vasilyev, N. V. Rykalova, G. N. Fedotova, M. N. Ermolova sono diventati famosi per le loro interpretazioni dei ruoli principali, P. A. Strepetova, O. O. Sadovskaya, A. Koonen, VN Pashennaya. E allo stesso tempo, "gli storici del teatro non hanno assistito a spettacoli integrali, armoniosi, eccezionali". Il mistero irrisolto di questo grande tragedia risiede, secondo il ricercatore, "nelle sue molteplici idee, nella lega più forte di verità storica innegabile, incondizionata, concreta e simbolismo poetico, nella combinazione organica dell'azione reale e di un inizio lirico profondamente nascosto".

Di solito, quando parlano del lirismo di "Temporale", intendono, prima di tutto, il sistema lirico della visione del mondo del personaggio principale dell'opera, parlano anche del Volga, che si oppone nella sua forma più generale a lo stile di vita "fienile" e che provoca le effusioni liriche di Kuligin . Ma il drammaturgo non poteva - in virtù delle leggi del genere - includere il Volga, i bellissimi paesaggi del Volga, in generale, la natura nel sistema dell'azione drammatica. Ha mostrato solo il modo in cui la natura diventa un elemento integrante dell'azione scenica. La natura qui non è solo oggetto di ammirazione e ammirazione, ma anche il criterio principale per valutare tutto ciò che esiste, permettendo di vedere l'alogismo, l'innaturalità della vita moderna. “Ostrovsky ha scritto Temporale? "Temporale" ha scritto Volga! - esclamò il famoso critico teatrale e critico S. A. Yuryev.

"Ogni vero lavoratore quotidiano è allo stesso tempo un vero romantico", dirà in seguito il noto personaggio teatrale A. I. Yuzhin-Sumbatov, riferendosi a Ostrovsky. Romantico nel senso ampio del termine, sorpreso dalla correttezza e dalla severità delle leggi della natura e dalla violazione di queste leggi nella vita pubblica. Ostrovsky ne ha parlato in una delle sue prime annotazioni di diario dopo essere arrivato nei luoghi di Kostroma: “E dall'altra parte del Volga, proprio di fronte alla città, ci sono due villaggi; uno è particolarmente pittoresco, da cui il boschetto più riccio si estende fino al Volga, il sole al tramonto in qualche modo vi è salito miracolosamente, dalla radice, e ha fatto molti miracoli.

Partire da questo schizzo del paesaggio, Ostrovsky ha sostenuto:

“Sono esausto guardando questo. Natura: sei un amante fedele, solo terribilmente lussurioso; non importa quanto ti ami, sei ancora insoddisfatto; la passione insoddisfatta ribolle nei tuoi occhi, e per quanto giuri di non essere in grado di soddisfare i tuoi desideri, non ti arrabbi, non ti allontani, ma guardi tutto con i tuoi occhi appassionati, e questi occhi pieni di aspettativa sono l'esecuzione e tormento per una persona.

Il lirismo di The Thunderstorm, così specifico nella forma (Ap. Grigoriev ha sottilmente osservato al riguardo: "... come se non fosse un poeta, ma un intero popolo creato qui ..."), è nato proprio sulla base della vicinanza di il mondo dell'eroe e dell'autore.

Negli anni Cinquanta e Sessanta, l'orientamento verso un sano inizio naturale divenne il principio sociale ed etico non solo di Ostrovsky, ma di tutta la letteratura russa: da Tolstoj e Nekrasov a Cechov e Kuprin. Senza questa peculiare manifestazione della voce "dell'autore" nelle opere drammatiche, non possiamo comprendere appieno lo psicologismo di "The Poor Bride", e la natura del testo in "Thunderstorm" e "Dowry", e la poetica del nuovo dramma di la fine del XIX secolo.

Alla fine degli anni '60, il lavoro di Ostrovsky si stava espandendo tematicamente. Mostra come il nuovo si mescola al vecchio: nelle solite immagini dei suoi mercanti vediamo lucentezza e laicità, educazione e maniere "piacevoli". Non sono più stupidi despoti, ma acquirenti predatori, che tengono in pugno non solo una famiglia o una città, ma intere province. In conflitto con loro ci sono le persone più diverse, la loro cerchia è infinitamente ampia. E il pathos accusatorio delle commedie è più forte. I migliori: "Hot Heart", "Mad Money", "Forest", "Wolves and Sheep", "Last Victim", "Dowry", "Talents and Admirers".

I cambiamenti nell'opera di Ostrovsky dell'ultimo periodo sono molto chiaramente visibili, se confrontiamo, ad esempio, "Hot Heart" con "Thunderstorm". Il mercante Kuroslepov è un eminente mercante della città, ma non formidabile come Wild, è piuttosto un eccentrico, non capisce la vita ed è impegnato con i suoi sogni. La sua seconda moglie, Matryona, ha chiaramente una relazione con l'impiegato Narkis. Entrambi rapinano il proprietario e Narkis vuole diventare lui stesso un commerciante. No, il "regno oscuro" non è monolitico ora. Lo stile di vita di Domostroevsky non salverà più l'ostinazione del sindaco Gradoboev. La sfrenata baldoria del ricco mercante Khlynov è un simbolo del rogo della vita, del decadimento, delle sciocchezze: Khlynov ordina che le strade vengano versate con lo champagne.

Parasha è una ragazza dal "cuore caldo". Ma se Katerina in The Thunderstorm risulta essere vittima di un marito non corrisposto e di un amante dalla volontà debole, allora Parasha è consapevole del suo potente forza mentale. Vuole anche volare. Ama e maledice la debolezza del personaggio, l'indecisione del suo amante: "Che tipo di ragazzo è questo, che tipo di piagnucolone mi ha imposto ... A quanto pare, io stesso dovrei pensare alla mia testa".

Con grande tensione, lo sviluppo dell'amore di Yulia Pavlovna Tugina per il suo indegno giovane festaiolo Dulchin viene mostrato in The Last Victim. Negli ultimi drammi di Ostrovsky, c'è una combinazione di situazioni piene di azione con una dettagliata descrizione psicologica dei personaggi principali. Grande enfasi è posta sulle vicissitudini del tormento che sperimentano, in cui la lotta dell'eroe o dell'eroina con se stesso, con i propri sentimenti, errori e presupposti inizia a occupare un posto importante.

A questo proposito, "Dowry" è caratteristico. Qui, forse, per la prima volta, l'autore si concentra sul sentimento stesso dell'eroina, sfuggita alle cure della madre e al vecchio modo di vivere. In questa commedia non c'è una lotta tra luce e oscurità, ma la lotta dell'amore stesso per i suoi diritti e la sua libertà. La stessa Larisa Paratova preferiva Karandysheva. Le persone intorno a lei hanno cinicamente abusato dei sentimenti di Larissa. La madre che voleva "vendere" sua figlia, una "senza dote" per un uomo di soldi, presuntuosa che sarebbe stata la proprietaria di un tale tesoro, era indignata. Paratov ha abusato di lei, ingannando le sue migliori speranze e considerando l'amore di Larisa uno dei piaceri fugaci. Anche Knurov e Vozhevatov hanno abusato, interpretando Larisa in un lancio tra di loro.

In che tipo di cinici, pronti a falsificare, ricattare, corrompere per scopi egoistici, si sono trasformati i proprietari terrieri nella Russia post-riforma, impariamo dalla commedia "Pecore e lupi". I "lupi" sono il proprietario terriero Murzavetskaya, il proprietario terriero Berkutov, e le "pecore" sono la giovane ricca vedova Kupavina, l'anziano signore volitivo Lynyaev. Murzavetskaya vuole sposare il nipote dissoluto con Kupavina, "spaventandola" con i vecchi conti del suo defunto marito. In effetti, i conti sono stati falsificati da un fidato avvocato, Chugunov, che serve anche Kupavina. Berkutov è arrivato da San Pietroburgo, un proprietario terriero e un uomo d'affari, più vile dei mascalzoni locali. Capì subito qual era il problema. Kupavina con le sue enormi capitali ha preso il sopravvento, senza parlare di sentimenti. Abilmente "pappagallo" Murzavetskaya smascherando il falso, ha subito concluso un'alleanza con lei: è importante per lui vincere il ballottaggio alle elezioni per i capi della nobiltà. È un vero "lupo" e lo è, tutti gli altri accanto a lui sono "pecore". Allo stesso tempo, non c'è una netta divisione in furfanti e innocenti nel dramma. Tra i "lupi" e le "pecore" sembra esserci una specie di vile cospirazione. Tutti giocano la guerra l'uno con l'altro e allo stesso tempo sopportano facilmente e trovano un vantaggio comune.

Una delle migliori commedie dell'intero repertorio di Ostrovsky, a quanto pare, è la commedia Guilty Without Guilt. Combina i motivi di molte opere precedenti. L'attrice Kruchinina, la protagonista, donna di alta cultura spirituale, ha vissuto una grande tragedia della vita. È gentile e generosa di cuore e la saggia Kruchinina è all'apice della bontà e della sofferenza. Se vuoi, lei e il “raggio di luce” nel “regno oscuro”, lei e “l'ultima vittima”, lei e il “cuore caldo”, lei e la “dote”, intorno a lei sono “ammiratori”, che è, "lupi" predatori, estirpatori di denaro e cinici. Kruchinina, non dando ancora per scontato che Neznamov sia suo figlio, lo istruisce nella vita, rivela il suo cuore indurito: “Sono più esperta di te e ho vissuto di più nel mondo; So che nelle persone c'è molta nobiltà, molto amore, altruismo, specialmente nelle donne.

Questa commedia è un panegirico per la donna russa, l'apoteosi della sua nobiltà e del suo sacrificio. Questa è l'apoteosi dell'attore russo, la cui vera anima Ostrovsky conosceva bene.

Ostrovsky ha scritto per il teatro. Questa è la particolarità del suo dono. Le immagini e le immagini della vita che ha creato sono destinate al palcoscenico. Ecco perché il discorso dei personaggi di Ostrovsky è così importante, ecco perché le sue opere suonano così brillanti. Non c'è da stupirsi che Innokenty Annensky lo abbia definito un "auditor realista". Senza messa in scena sul palco, le sue opere erano come se non fossero state completate, motivo per cui Ostrovsky ha preso così duramente il divieto delle sue opere da parte della censura teatrale. (La commedia "Our People - Let's Settle" è stata autorizzata a essere messa in scena a teatro solo dieci anni dopo che Pogodin è riuscito a pubblicarla su una rivista.)

Con un sentimento di palese soddisfazione, A. N. Ostrovsky scrisse il 3 novembre 1878 al suo amico, artista del Teatro Alexandrinsky A. F. Burdin: "The Dowry" è stato riconosciuto all'unanimità come il migliore di tutti i miei lavori.

Ostrovsky viveva "Dote", a volte solo su di lei, la sua quarantesima cosa, dirigeva "la sua attenzione e la sua forza", volendo "finirla" nel modo più completo. Nel settembre 1878 scrive a un suo conoscente: "Sto lavorando con tutte le mie forze alla mia commedia; sembra che non andrà male".

Già un giorno dopo la prima, il 12 novembre, Ostrovsky ha potuto scoprire, e senza dubbio ha appreso da Russkiye Vedomosti, come è riuscito a "stancare l'intero pubblico, anche gli spettatori più ingenui". Perché lei - il pubblico - ha chiaramente "superato" quegli spettacoli che le offre.

Negli anni '70 il rapporto di Ostrovsky con critici, teatri e pubblico si fa sempre più complicato. Il periodo in cui godette di un riconoscimento universale, da lui conquistato tra la fine degli anni Cinquanta e l'inizio degli anni Sessanta, fu sostituito da un altro, che cresceva sempre di più in diversi circoli di raffreddamento nei confronti del drammaturgo.

La censura teatrale era più severa della censura letteraria. Questa non è una coincidenza. In sostanza, l'arte teatrale è democratica, è più diretta della letteratura, si rivolge al grande pubblico. Ostrovsky in "Nota sulla situazione arte drammatica in Russia al giorno d'oggi" (1881) scrisse che "la poesia drammatica è più vicina al popolo di altri rami della letteratura. Tutte le altre opere sono scritte per persone istruite, ma i drammi e le commedie sono scritte per tutto il popolo; gli scrittori drammatici devono ricordarselo sempre, devono essere chiari e forti. Questa vicinanza alla gente non umilia minimamente la poesia drammatica, ma, al contrario, ne raddoppia la forza e le impedisce di diventare volgare e schiacciata ". Ostrovsky parla nella sua "Nota" di come il pubblico del teatro in Russia si sta espandendo dopo 1861. nell'arte dello spettatore, Ostrovsky scrive: "La letteratura raffinata è ancora noiosa per lui e incomprensibile, anche la musica, solo il teatro gli dà pieno piacere, lì sperimenta tutto ciò che accade sul palco come un bambino, simpatizza con il bene e riconosce il male, chiaramente presentato." "Un nuovo pubblico", ha scritto Ostrovsky, "richiede un dramma forte, una grande commedia, risate provocatorie, franche, forti, sentimenti caldi e sinceri." In due decenni e mezzo, Alexander Blok, parlando di poesia , scriverà che la sua essenza sta nelle verità principali, "camminanti", nella capacità di trasmetterle al cuore del lettore.

Andate avanti, ronzini in lutto!

Attori, padroneggiate il mestiere,

A dalla verità ambulante

Tutti si sentivano male e leggeri!

("Balagan"; 1906)

La grande importanza che Ostrovsky attribuiva al teatro, i suoi pensieri arte teatrale, sulla situazione del teatro in Russia, sul destino degli attori - tutto ciò si rifletteva nelle sue opere.

Nella vita dello stesso Ostrovsky, il teatro ha avuto un ruolo enorme. Ha preso parte alla produzione delle sue opere teatrali, ha lavorato con attori, è stato amico di molti di loro, ha corrisposto. Ha fatto molti sforzi per difendere i diritti degli attori, cercando di creare una scuola di teatro in Russia, il suo repertorio.

Ostrovsky conosceva bene la vita interiore, nascosta agli occhi del pubblico, dietro le quinte del teatro. A partire da "The Forest" (1871), Ostrovsky sviluppa il tema del teatro, crea immagini di attori, ne descrive il destino - questa commedia è seguita da "Comedian of the 17th century" (1873), "Talents and Admirers" (1881 ), "Colpevole senza colpa" ( 1883).

Il teatro a immagine di Ostrovsky vive secondo le leggi di quel mondo, che è familiare al lettore e allo spettatore dalle altre sue opere. Il modo in cui si formano i destini degli artisti è determinato dai costumi, dai rapporti, dalle circostanze della vita "comune". La capacità di Ostrovsky di ricreare un'immagine accurata e vivace del tempo si manifesta pienamente anche nelle commedie sugli attori. Questa è Mosca dell'era dello zar Alexei Mikhailovich ("Comico del XVII secolo"), una città di provincia moderna di Ostrovsky ("Talenti e ammiratori", "Colpevole senza colpa"), una tenuta nobiliare ("Foresta").

Nella vita del teatro russo, che Ostrovsky conosceva così bene, l'attore era una persona forzata, che era in molte dipendenze. "Poi c'era un tempo per i favoriti, e tutta la diligenza manageriale dell'ispettore del repertorio consisteva nelle istruzioni al direttore capo di prestare ogni possibile cura durante la compilazione del repertorio in modo che i favoriti che ricevono una grande paga per spettacolo suonassero ogni giorno e, se possibile , in due teatri", scrisse Ostrovsky in "A Note on Draft Rules on Imperial Theatres for Dramatic Works" (1883).

Nella rappresentazione di Ostrovsky, gli attori potrebbero rivelarsi quasi mendicanti, come Neschastlivtsev e Schastlivtsev in The Forest, umiliati, che perdono la loro forma umana a causa dell'ubriachezza, come Robinson in The Dowry, come Shmaga in Guilty Without Guilt, come Erast Gromilov in Talenti e ammiratori", "Noi, gli artisti, il nostro posto è nel buffet", - dice Shmaga con sfida e maliziosa ironia.

Il teatro, la vita delle attrici di provincia alla fine degli anni '70, all'incirca nel periodo in cui Ostrovsky scriveva opere teatrali sugli attori, mostra M.E. Saltykov-Shchedrin nel romanzo "Gentlemen Golovlyov". Le nipoti di Yudushka, Lyubinka e Anninka, diventano attrici, sfuggendo alla vita di Golovlev, ma finiscono in un presepe. Non avevano talento, nessuna formazione, non avevano studiato recitazione, ma tutto questo non era richiesto sulla scena provinciale. La vita degli attori appare nelle memorie di Anninka come un inferno, come un incubo: "Ecco una scena con scenari fuligginosi, catturati e scivolosi per l'umidità; qui lei stessa gira sul palco, gira solo, immaginando di recitare ... Notti ubriache e combattive; passanti proprietari terrieri che ne estraggono frettolosamente uno verde dai portafogli magri; presa mercantile che acclama gli “attori” quasi con una frusta in mano. E la vita nel backstage è brutta, e quella che si recita sul palco è brutta: "... E la duchessa di Gerolstein, splendida con un mentico ussaro, e Cleretta Ango, in abito da sposa, con uno spacco davanti fino alla vita , e Bella Elena, con uno spacco davanti, dietro e da tutti i lati... Nient'altro che sfacciataggine e nudità... ecco com'è stata la vita!" Questa vita spinge Lubinka al suicidio.

Le coincidenze tra Shchedrin e Ostrovsky nella rappresentazione del teatro provinciale sono naturali: entrambi scrivono di ciò che sapevano bene, scrivono la verità. Ma Shchedrin è uno spietato satirico, esagera così tanto, l'immagine diventa grottesca, mentre Ostrovsky dà un'immagine obiettiva della vita, il suo "regno oscuro" non è senza speranza - non per niente N. Dobrolyubov ha scritto di un "raggio di leggero".

Questa caratteristica di Ostrovsky è stata notata dalla critica anche quando sono apparse le sue prime opere teatrali. "... La capacità di rappresentare la realtà così com'è - "fedeltà matematica alla realtà", assenza di qualsiasi esagerazione ... Tutti questi non sono i tratti distintivi della poesia di Gogol; tutti questi sono i tratti distintivi della nuova commedia", B. . Almazov ha scritto nell'articolo "Sogno in occasione di una commedia. Già ai nostri tempi, il critico letterario A. Skaftymov nella sua opera "Belinsky e la drammaturgia di A.N. Ostrovsky" osservava che "la differenza più evidente tra le opere di Gogol e Ostrovsky è che Gogol non ha una vittima del vizio, e Ostrovsky ha sempre una vittima sofferente vizio... Raffigurando il vizio, Ostrovsky protegge qualcosa da esso, protegge qualcuno... Pertanto, l'intero contenuto dell'opera cambia per mettere in primo piano la legittimità interiore, la verità e la poesia della genuina umanità, oppressi e cacciati in un'atmosfera di egoismo dominante e inganno. L'approccio di Ostrovsky alla rappresentazione della realtà, diverso da quello di Gogol, è spiegato, ovviamente, dall'originalità del suo talento, dalle proprietà "naturali" dell'artista, ma anche (questo non va trascurato) dal tempo cambiato: maggiore attenzione alla persona, ai suoi diritti, riconoscimento del suo valore.

IN E. Nemirovich-Danchenko nel suo libro "La nascita del teatro" scrive di ciò che rende particolarmente scenografiche le opere di Ostrovsky: "l'atmosfera di gentilezza", "chiara, ferma simpatia da parte dell'offeso, a cui la sala del teatro è sempre estremamente sensibile ."

Nelle commedie sul teatro e sugli attori, Ostrovsky ha certamente l'immagine di un vero artista e di una persona meravigliosa. Nella vita reale, Ostrovsky conosceva molte persone eccellenti mondo del teatro, li apprezzava molto, rispettava. Un ruolo importante nella sua vita è stato interpretato da L. Nikulina-Kositskaya, che ha interpretato brillantemente Katerina in The Thunderstorm. Ostrovsky era amico dell'artista A. Martynov, apprezzava molto N. Rybakov, G. Fedotova, M. Yermolova recitava nelle sue opere; P. Strepetova.

Nella commedia Guilty Without Guilt, l'attrice Elena Kruchinina dice: "So che le persone hanno molta nobiltà, molto amore, altruismo". E la stessa Otradina-Kruchinina appartiene a persone così meravigliose e nobili, è un'artista meravigliosa, intelligente, significativa, sincera.

"Oh, non piangere; non valgono le tue lacrime. Sei una colomba bianca in uno stormo nero di torri, quindi ti beccano. Il tuo candore, la tua purezza sono offensivi per loro", dice Narokov a Sasha Negina in Talenti e ammiratori.

L'immagine più vivida di un nobile attore creata da Ostrovsky è il tragico Neschastlivtsev in The Forest. Ostrovsky raffigura una persona "viva", con un destino difficile, con un triste storia di vita. Neschastlivtsev, che beve molto, non può essere definito una "colomba bianca". Ma cambia durante lo spettacolo, la situazione della trama gli dà l'opportunità di rivelarsi completamente Le migliori caratteristiche la sua natura. Se all'inizio il comportamento di Neschastlivtsev mostra attraverso l'atteggiamento insito nel tragico provinciale, una predilezione per la recitazione pomposa (in questi momenti è ridicolo); se, interpretando il maestro, si trova in situazioni ridicole, allora, avendo capito cosa sta succedendo nella tenuta Gurmyzhskaya, che spazzatura è la sua padrona, prende una parte ardente al destino di Aksyusha, mostra eccellenti qualità umane. Si scopre che il ruolo di un nobile eroe è organico per lui, questo è davvero il suo ruolo - e non solo sul palco, ma anche nella vita.

A suo avviso, arte e vita sono indissolubilmente legate, l'attore non è un ipocrita, non un pretendente, la sua arte si basa su sentimenti genuini, esperienze autentiche, non dovrebbe avere nulla a che fare con la finzione e le bugie nella vita. Questo è il significato dell'osservazione che Gurmyzhskaya e tutta la sua compagnia di Neschastlivtsev lanciano: "... Siamo artisti, artisti nobili e comici siete voi".

Gurmyzhskaya risulta essere il comico principale nello spettacolo dal vivo che si svolge in The Forest. Sceglie per sé un ruolo attraente e grazioso di una donna dalle rigide regole morali, una generosa filantropa che si è dedicata a buone azioni("Signori, vivo per me stesso? Tutto quello che ho, tutti i miei soldi appartengono ai poveri. Sono solo un impiegato con i miei soldi, e ogni povero, ogni sfortunato proprietario è il loro proprietario", ispira gli altri). Ma tutto questo è ipocrisia, una maschera che nasconde il suo vero volto. Gurmyzhskaya inganna, finge di essere di buon cuore, non ha nemmeno pensato di fare qualcosa per gli altri, aiutare qualcuno: “Perché mi sono emozionata! Gurmyzhskaya non solo interpreta un ruolo che le è completamente estraneo, ma costringe anche gli altri a recitare con lei, impone loro ruoli che dovrebbero presentarla nella luce più favorevole: Neschastlivtsev è incaricato di interpretare il ruolo di un nipote riconoscente e amorevole . Aksyusha - il ruolo della sposa, Bulanov - lo sposo di Aksyusha. Ma Aksyusha si rifiuta di rompere una commedia per lei: "Non lo sposerò, quindi perché questa commedia?" Gurmyzhskaya, non nascondendo più il fatto di essere la regista della commedia in scena, mette sgarbatamente Aksyusha al suo posto: "Commedia! Come ti permetti? Ma anche una commedia; ti nutro e ti vesto, e ti farò recitare un commedia."

Il comico Schastlivtsev, che si è rivelato più perspicace del tragico Neschastlivtsev, che all'inizio ha accettato la performance di Gurmyzhskaya sulla fede, ha capito la vera situazione davanti a lui, dice a Neschastlivtsev: “Lo studente delle superiori, a quanto pare, è più intelligente; ruolo migliore qui del tuo ... Lui è un amante, e tu sei ... un sempliciotto.

Davanti allo spettatore appare la vera, senza una maschera farisaica protettiva, Gurmyzhskaya - una donna avida, egoista, ingannevole e depravata. La performance che ha interpretato ha perseguito obiettivi bassi, vili e sporchi.

Molte delle opere di Ostrovsky presentano un "teatro" della vita così falso. Podkhalyuzin nella prima commedia di Ostrovsky "Our People - Let's Settle" interpreta il ruolo del proprietario più devoto e fedele di una persona e raggiunge così il suo obiettivo: avendo ingannato Bolshov, diventa lui stesso il proprietario. Glumov nella commedia "Basta stupidità per ogni saggio" costruisce la sua carriera su un gioco complesso, indossando l'una o l'altra maschera. Solo il caso gli ha impedito di raggiungere il suo obiettivo nell'intrigo che aveva iniziato. In "Dowry" non solo Robinson, intrattenendo Vozhevatov e Paratov, appare come un signore. Il divertente e pietoso Karandyshev cerca di sembrare importante. Essendo diventato il fidanzato di Larisa, "... ha alzato la testa così in alto da inciampare in qualcuno. E per qualche motivo si è messo gli occhiali, ma non li ha mai indossati. Si inchina - annuisce a malapena", dice Vozhevatov. Tutto ciò che fa Karandyshev è artificiale, tutto è per lo spettacolo: il miserabile cavallo che ha ottenuto, il tappeto con armi da quattro soldi sul muro e la cena che organizza. L'uomo di Paratov - prudente e senz'anima - interpreta il ruolo di una natura calda e sfrenata.

Teatro nella vita, maschere imponenti nascono dal desiderio di camuffare, nascondere qualcosa di immorale, vergognoso, spacciare il nero per bianco. Dietro una tale performance di solito c'è il calcolo, l'ipocrisia, l'interesse personale.

Neznamov nella commedia "Guilty Without Guilt", essendo vittima dell'intrigo iniziato da Korinkina, e credendo che Kruchinina fingesse solo di essere una donna gentile e nobile, dice con amarezza: "Attrice! attrice! quindi recita sul palco. Pagano soldi per una buona finzione E per giocare nella vita su cuori semplici, creduloni che non hanno bisogno di un gioco, che chiedono la verità... dovrebbero essere giustiziati per questo... non abbiamo bisogno dell'inganno! , la pura verità!" L'eroe dell'opera qui esprime un'idea molto importante per Ostrovsky sul teatro, sul suo ruolo nella vita, sulla natura e lo scopo della recitazione. Ostrovsky contrappone la commedia e l'ipocrisia nella vita con l'arte piena di verità e sincerità sul palco. Un vero teatro, un'opera teatrale ispirata di un artista è sempre morale, porta del bene, illumina una persona.

Le commedie di Ostrovsky su attori e teatro, che riflettevano accuratamente le circostanze della realtà russa negli anni '70 e '80, contengono pensieri sull'arte che sono ancora vivi oggi. Sono pensieri sul destino difficile, a volte tragico di un vero artista, che, realizzando se stesso, si spende, si brucia, sulla felicità che trova nella creatività, nel dono completo di sé, sull'alta missione dell'arte, che afferma la bontà e umanità. Lo stesso Ostrovsky si è espresso, ha rivelato la sua anima nelle commedie che ha creato, forse soprattutto francamente nelle commedie sul teatro e sugli attori. Molto in essi è in sintonia con ciò che il poeta del nostro secolo scrive in meravigliosi versi:

Quando il sentimento detta la linea

Manda uno schiavo sul palco,

Ed è qui che finisce l'arte.

E il suolo e il destino respirano.

(B.Pasternak " Ah lo saprei

che succede... ").

Intere generazioni di straordinari artisti russi sono cresciute sulle produzioni delle opere di Ostrovsky. Oltre ai Sadovsky, ci sono anche Martynov, Vasiliev, Strepetov, Yermolov, Massalitinov, Gogolev. Le mura del Teatro Maly hanno visto dal vivo il grande drammaturgo e le sue tradizioni stanno ancora crescendo sul palco.

L'abilità drammatica di Ostrovsky è proprietà del teatro moderno, oggetto di attento studio. Non è affatto obsoleto, nonostante alcune tecniche antiquate. Ma questa antiquata è esattamente la stessa del teatro di Shakespeare, Molière, Gogol. Questi sono diamanti vecchi e genuini. Le opere di Ostrovsky contengono possibilità illimitate per la performance sul palco e la crescita della recitazione.

Il principale punto di forza del drammaturgo è la verità che conquista tutto, la profondità della tipizzazione. Dobrolyubov ha anche notato che Ostrovsky raffigura non solo tipi di mercanti, proprietari terrieri, ma anche tipi universali. Abbiamo tutti i segni l'arte più alta che è immortale.

L'originalità della drammaturgia di Ostrovsky, la sua innovazione si manifesta particolarmente chiaramente nella tipizzazione. Se idee, temi e trame rivelano l'originalità e l'innovazione del contenuto della drammaturgia di Ostrovsky, allora i principi di tipizzazione dei personaggi si riferiscono già alla sua rappresentazione artistica, alla sua forma.

A. H. Ostrovsky, che ha continuato e sviluppato le tradizioni realistiche del dramma dell'Europa occidentale e russo, era attratto, di regola, non da personalità eccezionali, ma da personaggi sociali ordinari e ordinari di maggiore o minore tipicità.

Quasi tutti i personaggi di Ostrovsky sono originali. Allo stesso tempo, l'individuo nelle sue opere non contraddice il sociale.

Individuando i suoi personaggi, il drammaturgo scopre il dono della più profonda penetrazione nel loro mondo psicologico. Molti episodi delle opere di Ostrovsky sono capolavori di rappresentazione realistica della psicologia umana.

“Ostrovsky”, ha giustamente scritto Dobrolyubov, “sa guardare nel profondo dell'anima di una persona, sa distinguere la natura da tutte le deformità e le escrescenze accettate esternamente; ecco perché l'oppressione esterna, la pesantezza dell'intera situazione che schiaccia una persona, si fa sentire nelle sue opere molto più fortemente che in molte storie, terribilmente oltraggiose nel contenuto, ma il lato esterno, ufficiale della questione oscura completamente l'interno, lato umano. Dobrolyubov ha riconosciuto una delle principali e migliori proprietà del talento di Ostrovsky nella capacità di "notare la natura, penetrare nelle profondità dell'anima di una persona, cogliere i suoi sentimenti, indipendentemente dall'immagine delle sue relazioni ufficiali esterne".

Lavorando sui personaggi, Ostrovsky ha costantemente migliorato i metodi della sua abilità psicologica, ampliando la gamma di colori utilizzati, complicando i colori delle immagini. Nella sua primissima opera, abbiamo davanti a noi caratteri luminosi, ma più o meno unilineari dei personaggi. Ulteriori lavori sono esempi di una divulgazione più approfondita e complicata delle immagini umane.

Nella drammaturgia russa, la scuola di Ostrovsky è designata in modo del tutto naturale. Comprende I. F. Gorbunov, A. Krasovsky, A. F. Pisemsky, A. A. Potekhin, I. E. Chernyshev, M. P. Sadovsky, N. Ya. Soloviev, P. M. Nevezhin e A. Kupchinsky. Imparando da Ostrovsky, I. F. Gorbunov ha creato scene meravigliose della vita mercantile e artigiana piccolo-borghese. Seguendo Ostrovsky, A. A. Potekhin ha rivelato nelle sue commedie l'impoverimento della nobiltà ("The Newest Oracle"), l'essenza predatoria della ricca borghesia ("Guilty"), la corruzione, il carrierismo della burocrazia ("Tinsel"), la bellezza spirituale dei contadini ("Pelliccia di pecora - l'anima umana"), l'emergere di nuove persone di un magazzino democratico ("Cut off chunk"). Il primo dramma di Potekhin, The Judgment of Man Not God, apparso nel 1854, ricorda le opere di Ostrovsky scritte sotto l'influenza dello slavofilismo. Alla fine degli anni Cinquanta e all'inizio degli anni Sessanta, le opere teatrali di I. E. Chernyshev, artista del Teatro Alexandrinsky e collaboratore permanente della rivista Iskra, erano molto popolari a Mosca, San Pietroburgo e provincia. Queste commedie, scritte in uno spirito liberal-democratico, imitando chiaramente lo stile artistico di Ostrovsky, hanno impressionato con l'esclusività dei personaggi principali, la nitida formulazione di questioni morali e domestiche. Ad esempio, nella commedia The Bridegroom from the Debt Office (1858) si raccontava di un povero uomo che cercava di sposare un ricco proprietario terriero, nella commedia Happiness Is Not in Money (1859), viene raffigurato un predatore-mercante senz'anima, nel dramma Father of the Family (1860) tiranno-padrone di casa, e nella commedia "Spoiled Life" (1862) raffigura un funzionario estremamente onesto e gentile, la sua ingenua moglie e un velo disonorevolmente traditore che violava la loro felicità.

Sotto l'influenza di Ostrovsky, successivamente, tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, drammaturghi come A. I. Sumbatov-Yuzhin, Vl.I. Nemirovich-Danchenko, S. A. Naidenov, E. P. Karpov, P. P. Gnedich e molti altri.

L'indiscutibile autorità di Ostrovsky come primo drammaturgo del paese è stata riconosciuta da tutte le figure letterarie progressiste. Apprezzando molto la drammaturgia di Ostrovsky come "nazionale", ascoltando i suoi consigli, L. N. Tolstoy gli inviò la commedia "The First Distiller" nel 1886. Definendo Ostrovsky il "padre della drammaturgia russa", l'autore di "Guerra e pace" gli ha chiesto in una lettera di accompagnamento di leggere la commedia ed esprimere il "verdetto di suo padre" al riguardo.

Le commedie di Ostrovsky, le più progressiste nella drammaturgia del secondo metà del XIX secolo, costituiscono un passo avanti, un capitolo indipendente e importante nello sviluppo dell'arte drammatica mondiale.

L'enorme influenza di Ostrovsky sulla drammaturgia dei popoli russo, slavo e di altri è indiscutibile. Ma il suo lavoro è connesso non solo con il passato. Vive attivamente nel presente. Con il suo contributo al repertorio teatrale, che è espressione della vita attuale, il grande drammaturgo è nostro contemporaneo. L'attenzione al suo lavoro non diminuisce, ma aumenta.

Ostrovsky attirerà a lungo i cuori e le menti degli spettatori nazionali e stranieri con il pathos umanistico e ottimista delle sue idee, la profonda e ampia generalizzazione dei suoi eroi, il bene e il male, le loro proprietà umane universali, l'unicità della sua abilità drammatica originale.

Tutto vita creativa UN. Ostrovsky era indissolubilmente legato al teatro russo e il suo merito per il palcoscenico russo è davvero incommensurabile. Aveva tutte le ragioni per dire alla fine della sua vita: "... il teatro drammatico russo ha un solo io. Io sono tutto: l'accademia, il filantropo e la difesa. Inoltre, ... sono diventato il capo dell'arte scenica".

Ostrovsky ha preso parte attiva alla messa in scena delle sue opere teatrali, ha lavorato con attori, era amico di molti di loro e corrispondeva con loro. Ha fatto molti sforzi per difendere la morale degli attori, cercando di creare una scuola di teatro in Russia, il suo repertorio.

Nel 1865 Ostrovsky organizzò a Mosca un circolo artistico, il cui scopo era proteggere gli interessi degli artisti, soprattutto provinciali, e promuovere la loro educazione. Nel 1874 creò la Society of Dramatic Writers e compositori d'opera. Ha compilato promemoria per il governo sullo sviluppo delle arti dello spettacolo (1881), diretto al Teatro Maly di Mosca e al Teatro Alexandrinsky di San Pietroburgo, è stato responsabile del repertorio dei teatri di Mosca (1886), ed è stato capo della la scuola di teatro (1886). Ha "costruito" un intero "edificio del teatro russo", composto da 47 opere originali. "Hai portato in dono alla letteratura un'intera biblioteca di opere d'arte", ha scritto I. A. Goncharov a Ostrovsky, "hai creato il tuo mondo speciale per il palcoscenico. Noi russi possiamo dire con orgoglio: abbiamo il nostro teatro nazionale russo".

L'opera di Ostrovsky ha costituito un'intera epoca nella storia del teatro russo. Quasi tutte le sue opere teatrali durante la sua vita sono state messe in scena al Maly Theatre, hanno allevato diverse generazioni di artisti che sono diventati meravigliosi maestri del palcoscenico russo. Le commedie di Ostrovsky hanno avuto un ruolo così significativo nella storia del Teatro Maly che è orgogliosamente chiamato la Casa di Ostrovsky.

Ostrovsky di solito metteva in scena lui stesso le sue opere. Conosceva bene la vita interiore, nascosta agli occhi del pubblico, dietro le quinte del teatro. Conoscenza del drammaturgo vita di recitazione si manifestò chiaramente nelle commedie "Forest" (1871), "Comedian of the 17th century" (1873), "Talents and Admirers" (1881), "Guilty Without Guilt" (1883).

In queste opere compaiono davanti a noi tipi viventi di attori provinciali con ruoli diversi. Questi sono tragici, comici, "primi amanti". Ma indipendentemente dal ruolo, la vita degli attori, di regola, non è facile. Descrivendo il loro destino nelle sue opere teatrali, Ostrovsky ha cercato di mostrare quanto sia difficile per una persona con un'anima e un talento sottili vivere in un mondo ingiusto di senz'anima e ignoranza. Allo stesso tempo, gli attori nell'immagine di Ostrovsky potrebbero rivelarsi quasi mendicanti, come Neschastlivtsev e Schastlivtsev in Les; umiliati e perdono il loro aspetto umano per l'ubriachezza, come Robinson in "Dowry", come Shmaga in "Guilty Without Guilt", come Erast Gromilov in "Talents and Admirers".

Nella commedia "The Forest" Ostrovsky ha rivelato il talento degli attori del teatro provinciale russo e allo stesso tempo ha mostrato la loro posizione umiliante, condannata al vagabondaggio e al vagabondaggio alla ricerca del loro pane quotidiano. Quando si incontrano, Schastlivtsev e Neschastlivtsev non hanno un centesimo di denaro o un pizzico di tabacco. È vero, Neschastvittsev ha dei vestiti nel suo zaino fatto in casa. Aveva persino un frac, ma per interpretare il ruolo ha dovuto scambiarlo a Chisinau "con il costume di Amleto". Il costume era molto importante per l'attore, ma per avere il guardaroba necessario servivano molti soldi ...

Ostrovsky mostra che l'attore provinciale è sul gradino più basso della scala sociale. Nella società esiste un pregiudizio contro la professione di attore. Gurmyzhskaya, avendo saputo che suo nipote Neschastlivtsev e il suo compagno Schastlivtsev sono attori, dichiara con arroganza: "Domani mattina non saranno qui. Non ho un albergo, non una taverna per questi signori". Se alle autorità locali non piace il comportamento dell'attore o se non ha documenti, viene perseguitato e può anche essere espulso dalla città. Arkady Schastlivtsev è stato "cacciato fuori dalla città tre volte ... per quattro miglia dai cosacchi con le fruste". A causa del disordine, degli eterni vagabondaggi, gli attori bevono. Visitare le taverne è il loro unico modo per allontanarsi dalla realtà, almeno per un po 'per dimenticare i guai. Schastlivtsev dice: "... Siamo uguali a lui, entrambi attori, lui è Neschastlivtsev, io sono Schastlivtsev, e siamo entrambi ubriaconi", e poi dichiara con spavalderia: "Siamo un popolo libero che cammina - apprezziamo la taverna soprattutto." Ma questa buffoneria di Arkashka Schastlivtsev è solo una maschera che nasconde il dolore insopportabile dell'umiliazione sociale.

Nonostante la vita difficile, le avversità e il risentimento, molti ministri di Melpomene conservano gentilezza e nobiltà nelle loro anime. In "The Forest" Ostrovsky ha creato l'immagine più vivida di un nobile attore: il tragico Neschastlivtsev. Ha ritratto una persona "viva", con un destino difficile, con una triste storia di vita. L'attore beve molto, ma durante lo spettacolo cambia, vengono rivelate le migliori caratteristiche della sua natura. Costringendo Vosmibratov a restituire i soldi a Gurmyzhskaya, Neschastlivtsev si esibisce, esegue ordini falsi. In questo momento, gioca con tale forza, con tale fede che il male può essere punito, che ottiene un vero successo nella vita: Vosmibratov dà soldi. Quindi, dando i suoi ultimi soldi ad Aksyusha, organizzando la sua felicità, Neschastlivtsev non gioca più. Le sue azioni non sono un gesto teatrale, ma un atto veramente nobile. E quando, alla fine della commedia, pronuncia il famoso monologo di Karl Mohr dai "Ladri" di F. Schiller, le parole dell'eroe di Schiller diventano, in sostanza, una continuazione del suo stesso discorso arrabbiato. Il significato dell'osservazione che Neschastlivtsev lancia a Gurmyzhskaya e alla sua intera compagnia: "Siamo artisti, artisti nobili e comici siete voi", sta nel fatto che, a suo avviso, l'arte e la vita sono indissolubilmente legate e l'attore non lo è un pretendente, non un ipocrita, la sua arte basata su sentimenti ed esperienze genuini.

Nella commedia poetica "Il comico del XVII secolo" il drammaturgo si è rivolto alle prime pagine della storia del palcoscenico nazionale. Il talentuoso comico Yakov Kochetov ha paura di diventare un artista. Non solo lui, ma anche suo padre è sicuro che questa sia un'occupazione riprovevole, che la buffoneria sia un peccato, peggio di cui nulla può essere, perché tali erano le idee precostruttive delle persone a Mosca nel XVII secolo. Ma Ostrovsky contrapponeva i persecutori dei buffoni e le loro "azioni" agli amanti e ai fanatici del teatro nell'era pre-petrina. Il drammaturgo ha mostrato il ruolo speciale delle rappresentazioni teatrali nello sviluppo della letteratura russa e ha formulato lo scopo della commedia per "... mostrare il vizioso e il malvagio in modo divertente, renderlo ridicolo. ... Insegnare alle persone rappresentando la morale".

Nel dramma "Talenti e ammiratori" Ostrovsky ha mostrato quanto sia difficile il destino dell'attrice, dotata di un enorme dono teatrale, appassionatamente devota al teatro. La posizione dell'attore nel teatro, il suo successo dipende dal fatto che piaccia ai ricchi spettatori che tengono in mano l'intera città. Dopotutto, i teatri provinciali esistevano principalmente grazie alle donazioni dei mecenati locali, che si sentivano maestri del teatro e dettavano le loro condizioni agli attori. Alexandra Negina di "Talenti e ammiratori" si rifiuta di partecipare a intrighi dietro le quinte o di rispondere ai capricci dei suoi ricchi ammiratori: il principe Dulebov, Bakin ufficiale e altri. Negina non può e non vuole accontentarsi del facile successo della poco esigente Nina Smelskaya, che accetta volentieri il patrocinio di ricchi ammiratori, trasformandosi, di fatto, in una mantenuta. Il principe Dulebov, offeso dal rifiuto di Negina, decise di rovinarla, strappando uno spettacolo di beneficenza e sopravvivendo letteralmente al teatro. Separarsi dal teatro, senza il quale non può immaginare la sua esistenza, per Negina significa accontentarsi di una vita miserabile con una dolce ma povera studentessa Petya Meluzov. Ha solo una via d'uscita: andare al mantenimento di un altro ammiratore, il ricco proprietario terriero Velikatov, che le promette ruoli e un clamoroso successo nel suo teatro. Chiama la sua pretesa al talento e all'anima di Alexandra amore ardente, ma in sostanza è un accordo franco tra un grande predatore e una vittima indifesa. Ciò che Knurov non doveva fare in "Dowry" è stato fatto da Velikatov. Larisa Ogudalova è riuscita a liberarsi dalle catene d'oro a costo della morte, Negina si è messa queste catene, perché non può immaginare la vita senza arte.

Ostrovsky rimprovera questa eroina, che si è rivelata avere meno dote spirituale di Larisa. Ma allo stesso tempo lui mal di cuore ci ha raccontato destino drammatico attrice, provocando la sua partecipazione e simpatia. Non c'è da stupirsi, come ha notato E. Kholodov, il suo nome è lo stesso di Ostrovsky stesso: Alexandra Nikolaevna.

Nel dramma Guilty Without Guilt, Ostrovsky si rivolge nuovamente al tema del teatro, sebbene i suoi problemi siano molto più ampi: parla del destino delle persone private della vita. Al centro del dramma c'è l'eccezionale attrice Kruchinina, dopo le cui esibizioni il teatro letteralmente "cade a pezzi per gli applausi". La sua immagine dà motivo di pensare a ciò che determina il significato e la grandezza nell'arte. Prima di tutto, crede Ostrovsky, questa è un'enorme esperienza di vita, una scuola di privazione, tormento e sofferenza, che la sua eroina ha attraversato.

Tutta la vita di Kruchinina fuori dal palco è "dolore e lacrime". Questa donna sapeva tutto: il duro lavoro di un insegnante, il tradimento e la partenza di una persona cara, la perdita di un figlio, malattia grave, solitudine. In secondo luogo, è nobiltà spirituale, cuore comprensivo, fede nella bontà e rispetto per una persona e, in terzo luogo, consapevolezza degli alti compiti dell'arte: Kruchinina porta allo spettatore l'alta verità, le idee di giustizia e libertà. Con la sua parola dal palco, cerca di "bruciare il cuore delle persone". E insieme a un raro talento naturale e una cultura comune, tutto ciò rende possibile diventare ciò che è diventata l'eroina della commedia: un idolo universale, la cui "gloria tuona". Kruchinina regala ai suoi spettatori la felicità del contatto con il bello. Ed è per questo che lo stesso drammaturgo nel finale regala anche la sua felicità personale: guadagnare figlio perduto, attore indigente Neznamov.

Il merito di A. N. Ostrovsky davanti al palcoscenico russo è davvero incommensurabile. Le sue commedie sul teatro e sugli attori, che riflettono accuratamente le circostanze della realtà russa negli anni '70 e '80 del XIX secolo, contengono pensieri sull'arte che sono ancora attuali. Questi sono pensieri su un destino difficile, a volte tragico persone di talento, che, essendo realizzati sul palcoscenico, si bruciano completamente; pensieri sulla felicità della creatività, sulla piena dedizione, sull'alta missione dell'arte, sull'affermazione della bontà e dell'umanità.

Lo stesso drammaturgo si è espresso, ha rivelato la sua anima nelle commedie da lui create, forse soprattutto francamente nelle commedie sul teatro e sugli attori, nelle quali ha dimostrato in modo molto convincente che anche nelle profondità della Russia, nelle province, si possono incontrare talenti, disinteressati persone, capaci di vivere dei più alti interessi. . Molto in queste commedie è in sintonia con ciò che B. Pasternak ha scritto nella sua meravigliosa poesia "Oh, se solo sapessi che succede ...":

Quando una linea detta un sentimento

Manda uno schiavo sul palco,

Ed è qui che finisce l'arte.

E il suolo e il destino respirano.