Chi ha dipinto i primi quadri? Chi ha dipinto gli orsi a Shishkin e altri segreti di quadri famosi Lo sfondo è come quello del film “Il signore degli anelli”, con una nebbia azzurra. Capelli mossi e naso aristocratico Madonna - Da Vinci
In quasi tutti lavoro significativo l'arte è un mistero, un "doppio fondo" o storia segreta che vuoi aprire.
Musica sui glutei
Hieronymus Bosch, "Giardino piaceri terreni", 1500-1510.
Frammento di trittico
Controversie sui significati e significati nascosti opera più famosa Artista olandese non sono diminuiti dal suo inizio. Nell'ala destra del trittico detto "Inferno musicale" sono raffigurati peccatori che vengono torturati negli inferi con l'aiuto di strumenti musicali. Uno di loro ha delle note impresse sulle natiche. La studentessa dell'Oklahoma Christian University Amelia Hamrick, che ha studiato il dipinto, ha tradotto la notazione del XVI secolo in modo moderno e ha registrato "una canzone dal culo dall'inferno, che ha 500 anni".
Gioconda nuda
La famosa "Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", è stata scritta da artista poco conosciuto Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti critici d'arte sono sicuri che sia stato lui a fare da modello per i dipinti di Leonardo "Giovanni Battista" e "Bacco". Ci sono anche versioni che vestivano con un abito da donna, Salai fungeva da immagine della stessa Gioconda.
Vecchio Pescatore
Nel 1902, l'artista ungherese Tivadar Kostka Chontvari dipinse il dipinto " Vecchio Pescatore". Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nella foto, ma Tivadar vi ha posto un sottotesto, che non è mai stato rivelato durante la vita dell'artista.
Poche persone hanno pensato di mettere uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona possono esserci sia Dio (la spalla destra del Vecchio è duplicata) sia il Diavolo (la spalla sinistra del vecchio è duplicata).
C'era una balena?
Hendrik van Antonissen "Scena sulla riva".
Sembrava un paesaggio ordinario. Barche, gente sulla riva e il mare del deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone si sono radunate sulla riva per un motivo: nell'originale, hanno esaminato la carcassa di una balena portata a riva.
Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno avrebbe voluto guardare una balena morta e ha ridipinto il dipinto.
Due "Colazioni sull'erba"
Édouard Manet, Colazione sull'erba, 1863.
Claude Monet, Colazione sull'erba, 1865.
Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte sono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano contemporaneamente e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Anche il nome di uno dei dipinti più famosi di Manet, "Colazione sull'erba", Monet prese in prestito e scrisse la sua "Colazione sull'erba".
Gemelli nell'Ultima Cena
Leonardo Da Vinci, L'ultima Cena", 1495-1498.
Quando Leonardo da Vinci scrisse L'Ultima Cena, attribuì particolare importanza a due figure: Cristo e Giuda. Stava cercando delle modelle per loro da molto tempo. Finalmente riuscì a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantori. Leonardo non è riuscito a trovare una modella per Giuda per tre anni. Ma un giorno si imbatté in un ubriacone che giaceva nel canale di scolo per strada. Era un giovane che era stato invecchiato dal bere pesante. Leonardo lo invitò in un'osteria, dove iniziò subito a scrivere da lui Giuda. Quando l'ubriacone tornò in sé, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. Qualche anno fa, quando cantava nel coro della chiesa, Leonardo scrisse Cristo da lui.
"Ronda di notte" o "Ronda di giorno"?
Rembrandt, " La Guardia notturna", 1642.
Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt, "The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenbürg", è rimasto in diverse sale per circa duecento anni ed è stato scoperto dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano risaltare su uno sfondo scuro, fu chiamato Night Watch, e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale.
E solo durante il restauro, effettuato nel 1947, si è scoperto che nella sala il quadro era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne deformava il colore. Dopo aver cancellato il dipinto originale, è stato finalmente rivelato che la scena presentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra dalla mano sinistra del Capitano Kok mostra che la durata dell'azione non supera le 14 ore.
barca capovolta
Henri Matisse, "La barca", 1937.
Nel Museum of Modern Art di New York nel 1961 fu esposto il dipinto "The Boat" di Henri Matisse. Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il quadro era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo, la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua.
Per non sbagliare su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe trovarsi nella parte superiore del dipinto e la punta della vela del dipinto dovrebbe essere diretta nell'angolo in alto a destra.
L'inganno in un autoritratto
Vincent van Gogh, Autoritratto con la pipa, 1889.
Ci sono leggende secondo cui Van Gogh avrebbe tagliato il proprio orecchio. Ora la versione più attendibile è che l'orecchio di van Gogh sia stato danneggiato in una piccola colluttazione con la partecipazione di un altro artista, Paul Gauguin.
L'autoritratto è interessante perché riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro bendato, perché durante il lavoro utilizzava uno specchio. In effetti, l'orecchio sinistro era danneggiato.
orsi alieni
Ivan Shishkin, "Mattina nella pineta", 1889.
Il famoso dipinto appartiene non solo al pennello di Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano all '"aiuto di un amico", e Ivan Ivanovich, che aveva dipinto paesaggi per tutta la vita, temeva che toccare gli orsi non sarebbe andato come aveva bisogno. Pertanto, Shishkin si è rivolto a un noto pittore di animali Konstantin Savitsky.
Savitsky dipinse forse i migliori orsi della storia della pittura russa, e Tretyakov ordinò che il suo nome venisse cancellato dalla tela, poiché tutto nel quadro “partendo dall'idea e finendo con l'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, di metodo creativo caratteristico di Shishkin.
Storia innocente "Gotico"
Concedi Legno, gotico americano", 1930.
L'opera di Grant Wood è considerata una delle più strane e deprimenti nella storia della pittura americana. L'immagine con un padre e una figlia cupi trabocca di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e il retrogrado delle persone raffigurate.
L'artista, infatti, non intendeva raffigurare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una casetta all'interno stile gotico e decise di ritrarre quelle persone che, a suo avviso, sarebbero state ideali come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista sono immortalati sotto forma di personaggi da cui la gente dell'Iowa era così offesa.
La vendetta di Salvador Dalì
Il dipinto "Figura alla finestra" è stato dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. Quindi Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e sua sorella Ana Maria era la sua musa ispiratrice. Il rapporto tra fratello e sorella si è deteriorato quando ha scritto su uno dei quadri "a volte sputo su un ritratto di mia madre, e mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare tale scioccante.
Nel suo libro del 1949 Salvador Dali Through the Eyes of a Sister, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare El Salvador. Per altri dieci anni dopo, la ricordò con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, appare il quadro "Una giovane vergine che si abbandona al peccato di sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità". La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la cromia del dipinto richiamano chiaramente la Figura alla finestra. C'è una versione secondo cui è così che Dalì si è vendicato di sua sorella per il suo libro.
Danae bifronte
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono svelati solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela fu illuminata con i raggi X. Ad esempio, le riprese hanno mostrato che nella prima versione il volto della principessa, che è entrato storia d'amore con Zeus, assomigliava al volto di Saskia, la moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale del dipinto, ha cominciato a somigliare al volto di Gertier Dirks, l'amante di Rembrandt, con cui l'artista ha vissuto dopo la morte della moglie.
La camera gialla di Van Gogh
Vincent van Gogh, "Camera da letto ad Arles", 1888 - 1889.
Nel maggio 1888, Van Gogh acquisì un piccolo laboratorio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì dagli artisti e dai critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze, Vincent allestisce una camera da letto. In ottobre tutto è pronto e decide di dipingere la camera da letto di Van Gogh ad Arles. Per l'artista, il colore, il comfort della stanza erano molto importanti: tutto doveva suggerire pensieri di relax. Allo stesso tempo, l'immagine è sostenuta da inquietanti toni gialli.
I ricercatori della creatività di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore da parte del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta con toni verde-giallo.
Perfezione senza denti
Leonardo da Vinci, "Ritratto della signora Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
L'opinione generalmente accettata è che Mona Lisa è la perfezione e il suo sorriso è bello nella sua misteriosità. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dall'espressione del suo viso, l'eroina abbia perso molti denti. Mentre esaminava le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski trovò anche cicatrici intorno alla sua bocca. "Sorride così tanto proprio per quello che le è successo", ritiene l'esperto. "La sua espressione facciale è tipica delle persone che hanno perso i denti anteriori."
Maggiore sul controllo del viso
Pavel Fedotov, Il matchmaking del maggiore, 1848.
Il pubblico, che ha visto per la prima volta il dipinto "Major's Matchmaking", ha riso di gusto: l'artista Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici comprensibili agli spettatori dell'epoca. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole del galateo nobile: è apparso senza i bouquet adeguati per la sposa e sua madre. E la sposa stessa è stata dimessa dai suoi genitori mercantili in un abito da ballo da sera, sebbene fosse giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza ovviamente si è provata per la prima volta un abito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare in camera sua.
Perché Freedom è nuda
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Libertà alle barricate, 1830.
Secondo lo storico dell'arte Etienne Julie, Delacroix ha dipinto il volto di una donna del famoso rivoluzionario parigino: la lavandaia Anna-Charlotte, che è andata alle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e ha ucciso nove guardie. L'artista l'ha raffigurata a torso nudo. Secondo il suo piano, questo è un simbolo di impavidità e altruismo, nonché del trionfo della democrazia: i seni nudi mostrano che Svoboda, come un cittadino comune, non indossa un corsetto.
quadrato non quadrato
Kazimir Malevich, Piazza suprematista nera, 1915.
In effetti, il "Quadrato Nero" non è affatto nero e per niente quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno degli altri suoi lati, e nessuno dei lati della cornice quadrata che inquadra il quadro. UN colore scuro- Questo è il risultato della miscelazione di vari colori, tra i quali non c'era il nero. Si ritiene che questa non sia stata la negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.
Gli specialisti della Galleria Tretyakov hanno scoperto l'iscrizione dell'autore su un famoso dipinto di Malevich. L'iscrizione recita: "Battaglia dei negri in una caverna buia". Questa frase si riferisce al nome del giocoso dipinto del giornalista, scrittore e artista francese Alphonse Allais "Battaglia dei negri in una caverna oscura nel cuore della notte", che era un rettangolo assolutamente nero.
Melodramma della Gioconda austriaca
Gustav Klimt, "Ritratto di Adele Bloch-Bauer", 1907.
Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Tutta Vienna ha discusso della tempestosa storia d'amore di Adele e artista famoso. Il marito ferito voleva vendicarsi dei suoi amanti, ma ha scelto molto modo insolito: ha deciso di ordinare un ritratto di Adele per Klimt e fargli fare centinaia di schizzi fino a quando l'artista non inizia a uscire da lei.
Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse diversi anni e la modella potesse vedere come i sentimenti di Klimt svanissero. Ha fatto un'offerta generosa all'artista, che non ha potuto rifiutare, e tutto è andato secondo lo scenario del marito ingannato: il lavoro è stato completato in 4 anni, gli amanti si erano da tempo raffreddati l'uno verso l'altro. Adele Bloch-Bauer non ha mai scoperto che suo marito era a conoscenza della sua relazione con Klimt.
Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin
Paul Gauguin, "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?", 1897-1898.
La tela più famosa di Gauguin ha una caratteristica: viene "letta" non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica di una persona: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola in i suoi artigli nell'angolo in basso a sinistra).
Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista è fuggito più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e andò a morire in montagna. Tuttavia, non ha calcolato la dose e il suicidio è fallito. La mattina dopo, barcollò fino alla sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898, i suoi affari andarono in salita e iniziò un periodo più luminoso nel suo lavoro.
112 proverbi in una foto
Pieter Brueghel il Vecchio, "Proverbi olandesi", 1559
Pieter Brueghel il Vecchio ha raffigurato una terra abitata da immagini letterali dei proverbi olandesi di quei giorni. Ci sono circa 112 idiomi riconoscibili nell'immagine dipinta. Alcuni di essi sono ancora usati oggi, come "nuota contro corrente", "sbatti la testa contro il muro", "armato fino ai denti" e "il pesce grosso mangia i piccoli".
Altri proverbi riflettono la stupidità umana.
Soggettività dell'arte
Paul Gauguin, Villaggio bretone sotto la neve, 1894
Il dipinto di Gauguin "Breton Village in the Snow" è stato venduto dopo la morte dell'autore per soli sette franchi e, inoltre, con il nome di "Cascate del Niagara". Il banditore ha accidentalmente appeso il dipinto a testa in giù dopo aver visto una cascata al suo interno.
immagine nascosta
Pablo Picasso, La stanza blu, 1901
Nel 2008, l'infrarosso ha mostrato che un'altra immagine era nascosta sotto la "stanza blu": un ritratto di un uomo vestito con un abito con una farfalla e con la testa appoggiata sulla mano. “Non appena l'ha fatto Picasso nuova idea, ha preso il pennello e l'ha incarnato. Ma non aveva l'opportunità di acquistare una nuova tela ogni volta che la musa lo visitava", spiega causa possibile questa storica dell'arte Patricia Favero.
Donne marocchine inaccessibili
Zinaida Serebryakova, Nuda, 1928
Un giorno, Zinaida Serebryakova ha ricevuto un'offerta allettante: intraprendere un viaggio creativo per ritrarre le figure nude delle fanciulle orientali. Ma si è scoperto che era semplicemente impossibile trovare modelli in quei luoghi. Un interprete per Zinaida è venuto in soccorso: le ha portato le sue sorelle e la sua sposa. Nessuno prima e dopo è stato in grado di catturare le donne orientali chiuse nude.
Intuizione spontanea
Valentin Serov, "Ritratto di Nicola II in giacca", 1900
Per molto tempo Serov non poteva dipingere un ritratto dello zar. Quando l'artista si è completamente arreso, si è scusato con Nikolai. Nikolai era un po 'turbato, si è seduto al tavolo, allungando le mani davanti a sé ... E poi l'artista si è reso conto: eccolo! Un semplice militare in giacca da ufficiale con occhi chiari e tristi. Questo ritratto è considerato la migliore rappresentazione dell'ultimo imperatore.
Di nuovo diavolo
© Fedor Reshetnikov
Il famoso dipinto "Again deuce" è solo la seconda parte della trilogia artistica.
La prima parte è "Arrivato per le vacanze". Ovviamente una famiglia benestante, vacanze invernali, uno studente gioioso e eccellente.
La seconda parte è "Ancora il diavolo". Una famiglia povera della periferia della classe operaia, al culmine dell'anno scolastico, uno storditore noioso che di nuovo ha preso un diavolo. Sulla sinistra angolo superioreè visibile l'immagine "Arrivati per le vacanze".
La terza parte è "Riesame". Casa rurale, estate, tutti camminano, un malizioso ignorante che non ha superato l'esame annuale è costretto a sedersi tra quattro mura e stipare. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Again deuce".
Come nascono i capolavori
Joseph Turner, Pioggia, vapore e velocità, 1844
Nel 1842, la signora Simon viaggiò in treno in Inghilterra. All'improvviso iniziò un forte acquazzone. L'anziano signore seduto di fronte a lei si alzò, aprì la finestra, sporse la testa e rimase a fissarla così per una decina di minuti. Incapace di contenere la sua curiosità, anche la donna aprì la finestra e guardò avanti. Un anno dopo, ha scoperto il dipinto "Pioggia, vapore e velocità" in una mostra alla Royal Academy of Arts e ha potuto riconoscere in esso l'episodio stesso del treno.
Lezione di anatomia da Michelangelo
Michelangelo, La creazione di Adamo, 1511
Un paio di esperti di neuroanatomia americani ritengono che Michelangelo abbia effettivamente lasciato delle illustrazioni anatomiche in una delle sue opere più famose. Credono che un enorme cervello sia raffigurato sul lato destro dell'immagine. Sorprendentemente, si possono trovare anche componenti complessi come il cervelletto, i nervi ottici e la ghiandola pituitaria. E l'accattivante nastro verde corrisponde perfettamente alla posizione dell'arteria vertebrale.
L'ultima cena di Van Gogh
Vincent Van Gogh, Terrazza notturna caffè", 1888
Il ricercatore Jared Baxter ritiene che Café Terrace at Night di Van Gogh contenga una dedica all'Ultima Cena di Leonardo da Vinci. Al centro dell'immagine c'è un cameriere con capelli lunghi e in una tunica bianca, che ricorda gli abiti di Cristo, e intorno a lui esattamente 12 visitatori del caffè. Baxter attira anche l'attenzione sulla croce, situata direttamente dietro la schiena del cameriere in bianco.
L'immagine della memoria di Dalì
Salvador Dalì, La persistenza della memoria, 1931
Non è un segreto che i pensieri che hanno visitato Dalì durante la creazione dei suoi capolavori fossero sempre sotto forma di immagini molto realistiche, che l'artista ha poi trasferito sulla tela. Quindi, secondo l'autore stesso, il dipinto "La persistenza della memoria" è stato dipinto a seguito di associazioni sorte alla vista del formaggio fuso.
Di cosa sta gridando Munch
Edvard Munch, "L'urlo", 1893.
Munch ha parlato dell'emergere della sua idea di uno dei più quadri misteriosi nella pittura del mondo: "Stavo camminando lungo il sentiero con due amici - il sole stava tramontando - improvvisamente il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato allo steccato - ho guardato il sangue e le fiamme sopra il bluastro- fiordo nero e la città - i miei amici continuarono e io rimasi tremante per l'eccitazione, sentendo l'urlo infinito che trafiggeva la natura. Ma che tipo di tramonto potrebbe spaventare così tanto l'artista?
Esiste una versione secondo cui l'idea di "Scream" è nata da Munch nel 1883, quando ci furono diverse eruzioni più forti del vulcano Krakatoa, così potenti da cambiare di un grado la temperatura dell'atmosfera terrestre. Un'abbondante quantità di polvere e cenere si è diffusa in tutto il mondo, arrivando fino alla Norvegia. Per diverse sere di seguito, i tramonti sembravano come se stesse per arrivare l'apocalisse: uno di loro è diventato una fonte di ispirazione per l'artista.
Scrittore tra la gente
Alexander Ivanov, "L'apparizione di Cristo al popolo", 1837-1857.
Dozzine di modelle hanno posato per Alexander Ivanov per il suo immagine principale. Uno di loro è conosciuto non meno dell'artista stesso. Sullo sfondo, tra viandanti e cavalieri romani che non hanno ancora ascoltato la predica di Giovanni Battista, si nota un personaggio con una tunica marrone. Il suo Ivanov ha scritto con Nikolai Gogol. Lo scrittore ha comunicato strettamente con l'artista in Italia, in particolare su questioni religiose, e gli ha dato consigli nel processo di pittura. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto da tempo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".
gotta di Michelangelo
Raffaello Santi, La scuola di Atene, 1511.
Creando il famoso affresco "La scuola di Atene", Raffaello ha immortalato i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di loro era Michelangelo Buonarroti "nel ruolo" di Eraclito. Per diversi secoli, l'affresco ha custodito i segreti della vita personale di Michelangelo e i ricercatori moderni hanno suggerito che il ginocchio stranamente spigoloso dell'artista indica che ha una malattia articolare.
Ciò è abbastanza probabile, date le peculiarità dello stile di vita e delle condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e il cronico maniaco del lavoro di Michelangelo.
Specchio degli Arnolfini
Jan van Eyck, "Ritratto degli Arnolfini", 1434
Nello specchio dietro gli Arnolfini, puoi vedere il riflesso di altre due persone nella stanza. Molto probabilmente si tratta di testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di loro è van Eyck, come testimonia l'iscrizione latina posta, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio al centro della composizione: "Jan van Eyck era qui". Questo è il modo in cui i contratti venivano solitamente sigillati.
Come un difetto si è trasformato in un talento
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoritratto all'età di 63 anni, 1669.
La ricercatrice Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti di Rembrandt e ha scoperto che l'artista soffriva di strabismo: nelle immagini i suoi occhi guardano in direzioni diverse, cosa che non si osserva nei ritratti di altre persone del maestro. La malattia ha portato al fatto che l'artista poteva percepire meglio la realtà in due dimensioni rispetto alle persone con una visione normale. Questo fenomeno è chiamato "stereo cecità" - l'incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma dal momento che il pittore deve lavorare con un'immagine bidimensionale, è proprio questo difetto di Rembrandt che potrebbe essere una delle spiegazioni del suo fenomenale talento.
Venere senza peccato
Sandro Botticelli, La nascita di Venere, 1482-1486.
Prima dell'avvento della Nascita di Venere, l'immagine del nudo corpo femminile in pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli è stato il primo pittore europeo a non trovare in lui nulla di peccaminoso. Inoltre, i critici d'arte sono sicuri che la dea pagana dell'amore simboleggi sull'affresco immagine cristiana: il suo aspetto è un'allegoria della rinascita dell'anima che ha superato il rito del battesimo.
Suonatore di liuto o suonatore di liuto?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Suonatore di liuto, 1596.
Per molto tempo il dipinto è stato esposto all'Ermitage con il titolo "Suonatore di liuto". Solo all'inizio del '900 gli storici dell'arte concordarono sul fatto che la tela raffigura ancora un giovane (probabilmente Caravaggio fu messo in posa dall'amico artista Mario Minniti): sulle note davanti al musicista, una registrazione della parte di basso di è visibile il madrigale di Jacob Arcadelt “Sai che ti amo”. Una donna difficilmente potrebbe fare una scelta del genere: è solo dura per la gola. Inoltre, il liuto, come il violino all'estremità del quadro, era considerato uno strumento maschile nell'era di Caravaggio.
23.04.2017 20:25
426
Chi ha dipinto i primi quadri.
Ti piace disegnare? Molto probabilmente, la risposta sarà "sì". E sicuramente sei già stato al museo, dove si tengono mostre di dipinti. E forse hanno anche posto agli adulti una domanda del genere: "Chi è stato l'autore del primissimo dipinto al mondo".
I primissimi artisti sulla terra possono essere giustamente considerati gli antichi che viveva nelle grotte. Nel sud della Francia, così come in Spagna, i ricercatori hanno scoperto disegni colorati di animali dipinti sulle pareti delle grotte.
Secondo gli archeologi, queste immagini potrebbero essere disegnate circa 20-30 mila anni prima della nostra era. Gli antichi raffiguravano animali selvatici che li circondavano.
Sorprendentemente, nonostante tale antichità, molti dei disegni sono ben conservati. Ciò è diventato possibile grazie alle grotte che immagazzinano pittura primitiva, per molti secoli non erano noti alle persone.
Anche in Africa e nella Spagna orientale sono state trovate figure umane raffigurate in modo piuttosto imperfetto. Tuttavia, le loro pose erano come se fossero vive.
Gli artisti primitivi usavano vari colori vivaci nei loro disegni. L'ocra di terra serviva da colorante - ossido di ferro (o semplicemente ruggine) di varie sfumature - dal giallo brillante all'arancio scuro. Anche il manganese è un elemento metallico.
Queste sostanze venivano frantumate dagli antichi in polvere, poi mescolate con grasso o grasso animale, dopodiché venivano applicate alle pareti della grotta con qualcosa di simile a dei pennelli.
Ma anche le prime persone avevano dispositivi simili a matite moderne. Erano bastoncini di legno riempiti di coloranti, precedentemente macinati in polvere e impastati con lo strutto.
E inoltre, usavano scalpelli di selce affilati per graffiare le linee. Gli antichi abitanti del nostro pianeta realizzavano pennelli per disegnare da peli di animali o fibre vegetali.
IN Antico Egitto artisti primitivi hanno creato dipinti per decorare le piramidi, così come le tombe dei faraoni e di altre persone importanti.
Sulle pareti delle tombe gli artisti hanno immortalato scene della vita di un nobile ivi sepolto con le loro opere d'arte. A tale scopo, gli antichi pittori egiziani usavano vernici ad acquerello e bianco.
Altro antica civiltà- Egeo, ottenne anche un grande successo nello sviluppo dell'arte della pittura. Artisti dell'Egeo creati in uno stile libero e aggraziato.
Nei dipinti raffiguravano animali, fiori, la vita della vita marina. E anche il tema delle loro opere lo erano giochi sportivi. Hanno creato i loro disegni su intonaco bagnato. Al giorno d'oggi, questo tipo di pittura è chiamato affresco.
Come potete vedere ragazzi, l'arte del disegno e della pittura ha una storia antichissima.
3 dicembre 1961 al Museo di New York Arte contemporanea si è verificato un evento significativo: il dipinto di Matisse "La barca", appeso a testa in giù per 46 giorni, è stato appeso correttamente. Vale la pena dire che questo non è un singolo caso divertente associato ai dipinti di grandi artisti.
Pablo Picasso ha dipinto uno dei suoi famosi ritratti in meno di 5 minuti
Una volta, uno dei conoscenti di Pablo Picasso, guardando i suoi nuovi lavori, disse sinceramente all'artista: “Mi dispiace, ma non riesco a capirlo. Queste cose semplicemente non esistono". Al che Picasso ribatté: “Nemmeno tu capisci il cinese. Ma esiste ancora". Tuttavia, Picasso non è stato compreso da molti. Una volta suggerì allo scrittore russo Ehrenburg, il suo buon amico, dipingi il suo ritratto. Ha accettato felicemente, ma non ha avuto il tempo di sedersi su una poltrona per posare, poiché l'artista ha annunciato che tutto era pronto.
Ehrenburg ha espresso sorpresa per la velocità di esecuzione dell'opera, dopotutto erano passati meno di 5 minuti, a cui Picasso ha risposto: “Ti conosco da 40 anni. E in tutti questi 40 anni ho imparato a dipingere ritratti in 5 minuti.
Ilya Repin ha aiutato a vendere un dipinto che non ha dipinto
Una signora ha acquistato sul mercato per soli 10 rubli un dipinto del tutto mediocre, sul quale ostentava con orgoglio la firma "I. Repin". Quando un intenditore di pittura ha mostrato quest'opera a Ilya Efimovich, ha riso e ha aggiunto "Questo non è Repin" e ha messo il suo autografo. Dopo qualche tempo, l'intraprendente signora ha venduto il dipinto artista sconosciuto con l'autografo del grande maestro già per 100 rubli.
Gli orsi nel famoso dipinto di Shishkin sono stati dipinti da un altro artista
Tra gli artisti esiste una legge non detta: l'assistenza reciproca professionale. Dopotutto, ognuno di loro non ha solo storie preferite e punti di forza, ma anche punti deboli quindi perché non aiutarsi a vicenda. Quindi, è noto per certo che per il dipinto "Pushkin in riva al mare" di Aivazovsky, la figura del grande poeta è stata dipinta da Repin, e per il dipinto di Levitan "Autumn Day". Sokolniki, una signora in nero è stata dipinta da Nikolai Cechov. Il paesaggista Shishkin, che sapeva disegnare ogni filo d'erba e aghi nei suoi dipinti, quando creò il dipinto “Morning in pineta“gli orsi non si sono rivelati in alcun modo. Pertanto, Savitsky ha dipinto gli orsi per la famosa tela di Shishkin.
Un pezzo di fibra di legno, su cui veniva semplicemente versata la vernice, divenne uno dei dipinti più costosi
Il dipinto più costoso del mondo nel 2006 è stato il numero 5 di Jackson Polock, 1948. In una delle aste, il dipinto è andato a 140 milioni di dollari. Può sembrare divertente, ma l'artista non si è particolarmente "preoccupato" della creazione di questo quadro: ha semplicemente versato la vernice su un pezzo di fibra di legno steso sul pavimento.
La data di creazione del suo dipinto Rubens è crittografata dalle stelle
Critici d'arte e scienziati per lungo tempo non sono stati in grado di stabilire la data di creazione di uno dei più dipinti famosi Rubens - il dipinto "La festa degli dei sull'Olimpo". L'enigma è stato risolto solo dopo che gli astronomi hanno dato un'occhiata più da vicino all'immagine. Si è scoperto che i personaggi nella foto si trovavano esattamente nello stesso ordine in cui si trovavano i pianeti nel cielo nel 1602.
Il logo Chupa-Chups è stato disegnato dal surrealista di fama mondiale
Nel 1961, Enrique Bernata, il proprietario dell'azienda Chupa Chups, chiese all'artista Salvador Dalì di creare un'immagine per un involucro di caramelle. Ha dato la richiesta soddisfatta. Oggi questa immagine, seppur in forma leggermente modificata, è riconoscibile sui lecca-lecca dell'azienda.
Vale la pena notare che nel 1967 in Italia, con la benedizione del Papa, uscì con le illustrazioni di Salvador Dalì.
Il dipinto più costoso La farina porta sfortuna
Il dipinto di Munch "The Scream" è stato venduto all'asta per 120 milioni di dollari ed è oggi il dipinto più costoso di questo artista. Si dice che Munch percorso di vita che è una serie di tragedie, ci ha messo così tanto dolore che l'immagine ha assorbito energia negativa e si vendica dei colpevoli.
Uno dei dipendenti del Museo Munch in qualche modo ha accidentalmente lasciato cadere il dipinto, dopo di che ha iniziato a soffrire di terribili mal di testa che hanno portato quest'uomo al suicidio. Un altro dipendente del museo, che non è stato in grado di tenere in mano il dipinto, ha avuto un terribile incidente d'auto solo pochi giorni dopo. E un visitatore del museo, che si è permesso di toccare il dipinto, dopo qualche tempo è bruciato vivo in un incendio. Tuttavia, è possibile che queste siano solo coincidenze.
Il "Quadrato Nero" di Malevich ha un "fratello maggiore"
"Black Square", che è forse il massimo dipinto famoso Kazimir Malevich, è una tela di 79,5 * 79,5 centimetri, su cui è raffigurato un quadrato nero su sfondo bianco. Malevich dipinse il suo quadro nel 1915. E nel 1893, 20 anni prima di Malevich, Alphonse Allais, un umorista francese, disegnò il suo "quadrato nero". È vero, il dipinto di Alle si chiamava "La battaglia dei negri in una profonda caverna in una notte buia".
Cristo e Giuda hanno lo stesso volto nel dipinto di Da Vinci
Si dice che la creazione del dipinto "L'ultima cena" abbia richiesto uno sforzo titanico da parte di Leonardo da Vinci. L'artista ha trovato rapidamente la persona da cui è stata dipinta l'immagine di Cristo. Uno dei cantanti del coro della chiesa si è avvicinato a questo ruolo. Ma "Giuda" da Vinci stava cercando tre anni.
Una volta per strada, l'artista ha visto un ubriacone che ha tentato senza successo di uscire dal pozzo nero. Da Vinci lo portò in uno degli stabilimenti per bere, lo fece sedere e iniziò a disegnare. Qual è stata la sorpresa dell'artista quando, dopo essersi aperto, l'ubriacone ha ammesso che diversi anni fa aveva già posato per lui. Si è scoperto che questo è lo stesso cantante.
La monaca di Ilya Repin
Ilya Repin. Suora. 1878. Galleria statale Tretyakov / Ritratto ai raggi X
Una giovane ragazza in severi abiti monastici guarda pensierosa lo spettatore dal ritratto. L'immagine è classica e familiare: probabilmente non avrebbe suscitato interesse tra i critici d'arte se non fosse stato per le memorie di Lyudmila Alekseevna Shevtsova-Spore, la nipote della moglie di Repin. Hanno una storia interessante.
Sophia Repina, nata Shevtsova, ha posato per Ilya Repin per The Nun. La ragazza era la cognata dell'artista - e un tempo lo stesso Repin era seriamente infatuato di lei, ma la sposò sorella minore Fede. Sophia divenne anche la moglie del fratello di Repin, Vasily, un membro dell'orchestra del Teatro Mariinsky.
Ciò non ha impedito all'artista di dipingere ripetutamente ritratti di Sophia. Per uno di loro, la ragazza ha posato in una sala da ballo cerimoniale: un vestito leggero ed elegante, maniche di pizzo, capelli alti. Mentre lavorava al dipinto, Repin ha litigato seriamente con la modella. Come sai, tutti possono offendere un artista, ma pochi possono vendicarsi con la stessa inventiva di Repin. L'artista offeso ha "vestito" Sophia nel ritratto con abiti monastici.
La storia, simile a una barzelletta, è stata confermata da una radiografia. I ricercatori sono stati fortunati: Repin non ha ripulito l'originale strato di vernice, che ci ha permesso di considerare in dettaglio l'abito originale dell'eroina.
"Park Alley" di Isaac Brodsky
Isacco Brodsky. Vicolo del parco. 1930. Collezione privata / Isaac Brodsky. Vicolo del parco a Roma. 1911
Non meno di indovinello interessante lasciato ai ricercatori dallo studente di Repin - Isaac Brodsky. La Galleria Tretyakov conserva il suo dipinto "Park Alley", che a prima vista è insignificante: Brodsky aveva molte opere sul tema del "parco". Tuttavia, più ci si addentra nel parco, più strati colorati.
Uno dei ricercatori ha notato che la composizione del dipinto ricordava sospettosamente un'altra opera dell'artista: "Park Alley in Rome" (Brodsky era avaro di titoli originali). Questo dipinto è stato considerato perduto per molto tempo e la sua riproduzione è stata pubblicata solo in un'edizione piuttosto rara del 1929. Con l'aiuto di una radiografia è stato ritrovato un vicolo romano misteriosamente scomparso, proprio sotto quello sovietico. L'artista non ha ripulito l'immagine già finita e ha semplicemente apportato una serie di semplici modifiche: ha vestito i passanti alla moda degli anni '30 del XX secolo, ha "tolto" il serso ai bambini, rimosso statue di marmo e modificato un po' gli alberi. Così il soleggiato parco italiano con un paio di leggeri movimenti delle mani si è trasformato in un esemplare sovietico.
Alla domanda sul perché Brodsky abbia deciso di nascondere il suo vicolo romano, non hanno trovato risposta. Ma si può presumere che la rappresentazione del "fascino modesto della borghesia" nel 1930 fosse già inappropriata dal punto di vista ideologico. Tuttavia, di tutte le opere paesaggistiche post-rivoluzionarie di Brodsky, "Park Alley" è la più interessante: nonostante i cambiamenti, l'immagine conservava l'affascinante eleganza della modernità, che, purtroppo, non era più nel realismo sovietico.
"Mattina in una pineta" di Ivan Shishkin
Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. Mattina in una pineta. 1889. Galleria Statale Tretyakov
Un paesaggio forestale con cuccioli che giocano su un albero caduto è forse il massimo opera notevole artista. Questa è solo l'idea del paesaggio che Ivan Shishkin ha suggerito a un altro artista: Konstantin Savitsky. Dipinse anche un'orsa con tre cuccioli: orsi, un esperto della foresta, Shishkin, non ci riuscì in alcun modo.
Shishkin ha compreso in modo impeccabile la flora della foresta, ha notato i minimi errori nei disegni dei suoi studenti: o la corteccia di betulla non è raffigurata allo stesso modo o il pino sembra falso. Tuttavia, le persone e gli animali nel suo lavoro sono sempre stati una rarità. È qui che Savitsky è venuto in soccorso. A proposito, ne ha lasciati alcuni disegni preparatori e schizzi con cuccioli: stavo cercando pose adatte. "Morning in a Pine Forest" non era originariamente "Morning": il dipinto si chiamava "Bear Family in the Forest", e c'erano solo due orsi su di esso. In qualità di coautore, Savitsky ha apposto la sua firma sulla tela.
Quando la tela fu consegnata al mercante Pavel Tretyakov, si indignò: pagò Shishkin (ordinato opera dell'autore), ma ha ricevuto Shishkin e Savitsky. Shishkin, come uomo giusto, non ha attribuito la paternità a se stesso. Ma Tretyakov è andato per principio e ha cancellato blasfemamente la firma di Savitsky dall'immagine con trementina. Savitsky in seguito rifiutò nobilmente il copyright e gli orsi furono attribuiti a Shishkin per molto tempo.
"Ritratto di una ragazza del coro" di Konstantin Korovin
Konstantin Korovin. Ritratto di una ragazza del coro. 1887. Galleria statale Tretyakov / Retro del ritratto
Sul retro della tela, i ricercatori hanno trovato un messaggio di Konstantin Korovin su cartone, che si è rivelato quasi più interessante del dipinto stesso:
“Nel 1883 a Kharkov, un ritratto di una ragazza del coro. Scritto su un balcone in un giardino pubblico commerciale. Repin ha detto, quando questo schizzo gli è stato mostrato da Mamontov S.I., che lui, Korovin, scrive e sta cercando qualcos'altro, ma a cosa serve - questa è solo pittura per dipingere. Serov non aveva ancora dipinto ritratti in quel momento. E la pittura di questo bozzetto è risultata incomprensibile??!! Quindi Polenov mi ha chiesto di rimuovere questo schizzo dalla mostra, poiché non piace né agli artisti né ai membri - al signor Mosolov e ad altri. La modella era una donna brutta, anche un po' brutta.La "lettera" ha disarmato con la sua franchezza e l'audace sfida all'intera comunità artistica: "Serov non aveva ancora dipinto ritratti in quel momento" - ma sono stati dipinti da lui, Konstantin Korovin. E sarebbe stato il primo a utilizzare tecniche caratteristiche dello stile che in seguito sarebbe stato chiamato impressionismo russo. Ma tutto questo si è rivelato essere un mito che l'artista ha creato intenzionalmente.Konstantin Korovin
L'armoniosa teoria "Korovin - il precursore dell'impressionismo russo" è stata distrutta senza pietà da una ricerca tecnica e tecnologica obiettiva. Sul lato anteriore del ritratto, hanno trovato la firma dell'artista a vernice, un po 'più in basso - a inchiostro: "1883, Kharkov". A Kharkov, l'artista lavorò nel maggio-giugno 1887: dipinse scenografie per le esibizioni dell'Opera privata russa di Mamontov. Inoltre, i critici d'arte hanno scoperto che il "Ritratto di una ragazza del coro" è stato realizzato in un certo modo artistico - a la prima. Questa tecnica pittura ad olio permesso di dipingere un quadro in una sessione. Korovin iniziò a utilizzare questa tecnica solo alla fine del 1880.
Dopo aver analizzato queste due incongruenze, i dipendenti della Galleria Tretyakov sono giunti alla conclusione che il ritratto è stato dipinto solo nel 1887 e Korovin ha aggiunto una data precedente per sottolineare la propria innovazione.
"L'uomo e la culla" di Ivan Yakimov
Ivan Jakimov. Uomo e culla.1770. Galleria Statale Tretyakov / Versione completa lavoro
Per molto tempo, il dipinto di Ivan Yakimov "Un uomo e una culla" ha lasciato perplessi i critici d'arte. E il punto non era nemmeno che questo tipo di schizzi quotidiani non fosse assolutamente tipico pittura XVIII secolo - il cavallo a dondolo nell'angolo in basso a destra dell'immagine ha una corda tesa in modo troppo innaturale, che logicamente avrebbe dovuto essere stesa sul pavimento. Sì, ed era troppo presto perché un bambino fin dalla culla giocasse con questi giocattoli. Inoltre, il camino non si adattava nemmeno a metà della tela, il che sembrava molto strano.
"Illuminò" la situazione - in senso letterale - radiografia. Ha mostrato che la tela è stata tagliata a destra e in alto.
IN Galleria Tretyakov il dipinto è arrivato dopo la vendita della collezione di Pavel Petrovich Tugogoi-Svinin. Possedeva il cosiddetto "Museo russo", una collezione di dipinti, sculture e oggetti d'antiquariato. Ma nel 1834, a causa di problemi finanziari, la collezione dovette essere venduta - e il dipinto "Un uomo e una culla" finì nella Galleria Tretyakov: non tutto, ma solo la metà sinistra. Quella di destra, purtroppo, è andata perduta, ma è ancora possibile vedere l'opera nella sua interezza, grazie a un'altra mostra unica della Galleria Tretyakov. La versione completa del lavoro di Yakimov è stata trovata nell'album "Raccolta di opere eccellenti artisti russi e Curious Domestic Antiquities”, che contiene disegni della maggior parte dei dipinti che facevano parte della collezione Svinin.
