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Il significato di Ostrovsky nella storia del teatro russo è extracurriculare. Drammaturgia di Alexander Nikolaevich Ostrovsky e il suo significato

30 ottobre 2010

Una pagina completamente nuova nella storia del teatro russo è collegata al nome di A. N. Ostrovsky. Questo più grande drammaturgo russo è stato il primo a porsi il compito di democratizzare il teatro, e quindi porta in scena nuovi temi, introduce nuovi eroi e crea con sicurezza quello che può essere definito il teatro nazionale russo. La drammaturgia in Russia, ovviamente, aveva una ricca tradizione anche prima di Ostrovsky. Lo spettatore conosceva numerose opere teatrali dell'era del classicismo, c'era anche una tradizione realistica, rappresentata da opere eccezionali come "Woe from Wit", "The Government Inspector" e "The Marriage" di Gogol.

Ma Ostrovsky entra nella letteratura proprio come una "scuola naturale", e quindi l'oggetto della sua ricerca diventano le persone non in vista, la vita della città. Ostrovsky fa della vita dei mercanti russi un argomento serio, "alto", lo scrittore è chiaramente influenzato da Belinsky, e quindi collega il significato progressivo dell'arte con la sua nazionalità, e rileva il significato dell'orientamento accusatorio della letteratura. Definendo il compito della creatività artistica, dice: “Il pubblico si aspetta dall'arte di essere rivestito di una forma viva ed elegante del suo giudizio sulla vita, si aspetta di essere unito in immagini complete vizi e carenze moderni notati nel secolo ... "

È il "giudizio della vita" che diventa il principio artistico determinante dell'opera di Ostrovsky. Nella commedia "La nostra gente - sistemiamoci" il drammaturgo mette in ridicolo le fondamenta della vita della classe mercantile russa, dimostrando che le persone sono guidate, prima di tutto, dalla passione per il profitto. Nella commedia "La povera sposa" un posto importante è occupato dal tema dei rapporti di proprietà tra le persone, appare un nobile vuoto e volgare. Il drammaturgo sta cercando di mostrare come l'ambiente corrompe una persona. I vizi dei suoi personaggi sono quasi sempre il risultato non delle loro qualità personali, ma dell'ambiente in cui vivono.

Un posto speciale in Ostrovsky è occupato dal tema della "tirannia". Lo scrittore mostra immagini di persone il cui significato della vita è sopprimere la personalità di un'altra persona. Tali sono Samson Bolshoi, Marfa Kabanova, Wild. Ma lo scrittore, ovviamente, non è interessato all'ipocrisia in sé: il fossato. Esplora il mondo in cui vivono i suoi personaggi. Gli eroi dell'opera teatrale "Temporale" appartengono al mondo patriarcale, e il loro legame di sangue con esso, la loro dipendenza inconscia da esso, è la molla nascosta dell'intera azione dell'opera, la molla che fa diventare gli eroi per lo più "burattino" movimenti. sottolinea costantemente la loro mancanza di indipendenza. sistema figurativo il dramma quasi ripete il modello sociale e familiare del mondo patriarcale.

La famiglia e i problemi familiari sono posti al centro della narrazione, così come al centro della comunità patriarcale. La dominante di questo piccolo mondo è la maggiore della famiglia, Marfa Ignatievna. Intorno a lei, i membri della famiglia sono raggruppati a varie distanze: una figlia, un figlio, una nuora e residenti quasi privati della casa: Glasha e Feklusha. Lo stesso "allineamento delle forze" organizza l'intera vita della città: al centro - Selvaggio (e non menzionato dai mercanti del suo livello), in periferia - persone sempre meno significative, senza soldi e status sociale.

Ostrovsky ha visto la fondamentale incompatibilità del mondo patriarcale e vita normale, il destino di un'ideologia congelata, incapace di rinnovarsi. Resistendo alle imminenti innovazioni che soppiantano la sua "vita tutta in rapida corsa", mondo patriarcale in generale rifiuta di accorgersi di questa vita, crea intorno a sé uno speciale spazio mitizzato in cui - l'unico - il suo cupo isolamento, ostile a tutto il resto, può essere giustificato. Un tale mondo schiaccia l'individuo, e non importa chi compie effettivamente questa violenza. Secondo Dobrolyubov, il tiranno “è di per sé impotente e insignificante; può essere ingannato, eliminato, messo in una fossa, infine... Ma il fatto è che la tirannia non scompare con la sua distruzione».

Certo, la "tirannia" non è l'unico male che Ostrovsky vede nella società contemporanea. Il drammaturgo mette in ridicolo la meschinità delle aspirazioni di molti suoi contemporanei. Ricordiamo Misha Balzaminov, che nella vita sogna solo un impermeabile blu, "un cavallo grigio e un droshky da corsa". È così che nasce il tema del filisteismo nelle commedie. L'ironia più profonda segnava le immagini dei nobili: i Murzavetsky, i Gurmyzhsky, i Telyatev. Il sogno appassionato di rapporti umani sinceri, e non l'amore costruito sul calcolo, è la caratteristica più importante della commedia "Dowry". Ostrovsky è sempre sinonimo di relazioni oneste e nobili tra le persone nella famiglia, nella società e nella vita in generale.

Ostrovsky ha sempre considerato il teatro una scuola per l'educazione morale nella società, ha compreso l'alta responsabilità dell'artista. Ecco perché si è sforzato di rappresentare la verità della vita e desiderava sinceramente che la sua arte fosse accessibile a tutte le persone. E la Russia ammirerà sempre il lavoro di questo brillante drammaturgo. Non è un caso che il Teatro Maly porti il \u200b\u200bnome di A. N. Ostrovsky, un uomo che ha dedicato tutta la sua vita al palcoscenico russo.

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Difficilmente è possibile descrivere brevemente il lavoro di Alexander Ostrovsky, poiché quest'uomo ha lasciato un grande contributo allo sviluppo della letteratura.

Ha scritto di tante cose, ma soprattutto nella storia della letteratura è ricordato come un bravo drammaturgo.

Popolarità e caratteristiche della creatività

La popolarità di A.N. A Ostrovsky è stato portato il lavoro "La nostra gente - ci sistemeremo". Dopo che fu pubblicato, il suo lavoro fu apprezzato da molti scrittori dell'epoca.

Ciò ha dato fiducia e ispirazione allo stesso Alexander Nikolayevich.

Dopo un debutto così riuscito, ha scritto molte opere che hanno avuto un ruolo significativo nel suo lavoro. Tra questi ci sono i seguenti:

"Foresta"
"Talenti e ammiratori"
"Dote".

Tutte le sue commedie possono essere chiamate drammi psicologici, perché per capire di cosa ha scritto lo scrittore, è necessario approfondire il suo lavoro. I personaggi delle sue commedie erano personalità versatili che non tutti potevano capire. Nelle sue opere, Ostrovsky considerava come stavano crollando i valori del paese.

Ognuna delle sue opere ha un finale realistico, l'autore non ha cercato di concludere tutto con un finale positivo, come molti scrittori, era più importante per lui mostrare la vita reale, non immaginaria nelle sue opere. Nelle sue opere, Ostrovsky ha cercato di riflettere la vita del popolo russo e, inoltre, non l'ha abbellita affatto, ma ha scritto ciò che vedeva intorno a sé.

I ricordi dell'infanzia servivano anche come trame per le sue opere. Caratteristica distintiva il suo lavoro può essere definito dal fatto che le sue opere non furono completamente censurate, ma nonostante ciò rimasero popolari. Forse la ragione della sua popolarità era che il drammaturgo ha cercato di presentare la Russia ai lettori per quello che è. Nazionalità e realismo sono i criteri principali a cui Ostrovsky ha aderito quando ha scritto le sue opere.

Lavoro negli ultimi anni

UN. Ostrovsky era particolarmente impegnato nella creatività in l'anno scorso della sua vita, fu allora che scrisse i drammi e le commedie più significativi per il suo lavoro. Tutti loro sono stati scritti per una ragione, principalmente le sue opere descrivono il tragico destino delle donne che devono affrontare i loro problemi da sole. Ostrovsky era un drammaturgo di Dio, sembrerebbe che sia riuscito a scrivere molto facilmente, i pensieri stessi gli sono venuti in mente. Ma ha anche scritto opere del genere in cui ha dovuto lavorare sodo.

IN ultimi lavori il drammaturgo ha sviluppato nuovi metodi per presentare il testo e l'espressività, che sono diventati distintivi nel suo lavoro. Cechov ha apprezzato molto il suo stile di scrittura, che per Alexander Nikolaevich è oltre ogni lode. Ha cercato nel suo lavoro di mostrare la lotta interiore dei personaggi.

Composizione

Alexander Nikolaevich Ostrovsky... Questo è un fenomeno insolito. Il suo ruolo nella storia dello sviluppo del dramma russo, arti dello spettacolo e l'intera cultura nazionale è difficile da sopravvalutare. Per lo sviluppo del dramma russo ha lavorato tanto quanto Shakespeare in Inghilterra, Lone de Vega in Spagna, Molière in Francia, Goldoni in Italia e Schiller in Germania. Nonostante le vessazioni inflitte dalla censura, dal comitato teatrale e letterario e dalla direzione dei teatri imperiali, nonostante le critiche dei circoli reazionari, la drammaturgia di Ostrovsky guadagnava ogni anno sempre più simpatia sia tra gli spettatori democratici che tra gli artisti.

Sviluppare le migliori tradizioni dell'arte drammatica russa, utilizzando l'esperienza della drammaturgia straniera progressista, imparando instancabilmente sulla vita Paese d'origine, in costante comunicazione con la gente, a stretto contatto con il pubblico contemporaneo più progressista, Ostrovsky divenne un'eccezionale rappresentazione della vita del suo tempo, che incarnava i sogni di Gogol, Belinsky e altre figure letterarie progressiste sull'apparizione e il trionfo dei personaggi russi sul palcoscenico nazionale.
L'attività creativa di Ostrovsky ha avuto una grande influenza sull'intero ulteriore sviluppo del dramma progressista russo. È stato da lui che hanno studiato i nostri migliori drammaturghi, ha insegnato. Fu a lui che gli aspiranti scrittori drammatici furono attratti ai loro tempi.

La forza dell'influenza di Ostrovsky sugli scrittori del suo tempo può essere evidenziata da una lettera alla poetessa drammaturga A. D. Mysovskaya. “Sai quanto è stata grande la tua influenza su di me? Non è stato l'amore per l'arte a farmi capire e apprezzare: al contrario, mi hai insegnato ad amare e rispettare l'arte. Sono in debito solo con te per il fatto che ho resistito alla tentazione di cadere nell'arena della miserabile mediocrità letteraria, non ho inseguito allori da quattro soldi lanciati dalle mani di semicolti in agrodolce. Tu e Nekrasov mi avete fatto innamorare del pensiero e del lavoro, ma Nekrasov mi ha dato solo il primo impulso, tu sei la direzione. Leggendo le tue opere, mi sono reso conto che la rima non è poesia, e un insieme di frasi non è letteratura, e che solo elaborando la mente e la tecnica, l'artista sarà un vero artista.
Ostrovsky ha avuto un forte impatto non solo sullo sviluppo del dramma domestico, ma anche sullo sviluppo del teatro russo. La colossale importanza di Ostrovsky nello sviluppo del teatro russo è ben sottolineata in una poesia dedicata a Ostrovsky e letta nel 1903 da M. N. Yermolova dal palcoscenico del Teatro Maly:

Sul palco, la vita stessa, dal palco soffia la verità,
E il sole splendente ci accarezza e ci riscalda...
Suona il discorso dal vivo di persone comuni e viventi,
Sul palco, non un "eroe", non un angelo, non un cattivo,
Ma solo un uomo ... Attore felice
In fretta per rompere rapidamente le pesanti catene
Condizioni e bugie. Parole e sentimenti sono nuovi

Ma nei segreti dell'anima, la risposta suona loro, -
E tutte le bocche sussurrano: beato il poeta,
Ho strappato le squallide copertine di orpelli
E getta una luce brillante nel regno delle tenebre

La famosa attrice ha scritto più o meno lo stesso nel 1924 nelle sue memorie: “Insieme a Ostrovsky, la verità stessa e la vita stessa sono apparse sul palco ... È iniziata la crescita del dramma originale, pieno di risposte alla modernità ... Hanno iniziato a parlare del poveri, gli umiliati e gli insultati”.

La direzione realistica, attutita dalla politica teatrale dell'autocrazia, continuata e approfondita da Ostrovsky, ha trasformato il teatro sulla via dello stretto legame con la realtà. Solo che ha dato vita al teatro come nazionale, russo, teatro popolare.

“Hai portato in dono alla letteratura un'intera biblioteca di opere d'arte, hai creato il tuo mondo speciale per il palcoscenico. Tu solo hai completato l'edificio, alla base del quale sono state poste le pietre angolari di Fonvizin, Griboedov, Gogol. Questa meravigliosa lettera è stata ricevuta tra le altre congratulazioni nell'anno del trentacinquesimo anniversario dell'attività letteraria e teatrale, Alexander Nikolaevich Ostrovsky da un altro grande scrittore russo - Goncharov.

Ma molto prima, sulla primissima opera dell'ancora giovane Ostrovsky, pubblicata su Moskvityanin, un sottile conoscitore dell'eleganza e un sensibile osservatore V. F. Odoevsky scriveva: quest'uomo è un grande talento. Considero tre tragedie in Rus': "Undergrowth", "Woe from Wit", "Inspector". Ho messo il numero quattro su Bankrupt.

Da una prima valutazione così promettente alla lettera per l'anniversario di Goncharov, una vita piena e impegnata; lavoro, e ha portato a un rapporto così logico di valutazioni, perché il talento richiede, prima di tutto, un grande lavoro su se stesso, e il drammaturgo non ha peccato davanti a Dio - non ha seppellito il suo talento nel terreno. Dopo aver pubblicato la prima opera nel 1847, Ostrovsky da allora ha scritto 47 opere teatrali e tradotto più di venti opere teatrali dalle lingue europee. E tutto sommato, nel teatro popolare da lui creato, ci sono circa mille attori.
Poco prima della sua morte, nel 1886, Alexander Nikolayevich ricevette una lettera da L. N. Tolstoy, in cui il brillante scrittore di prosa ammetteva: “So per esperienza come le persone leggono, ascoltano e ricordano le tue cose, e quindi vorrei aiutarti ad avere ora diventa rapidamente in realtà ciò che indubbiamente sei: uno scrittore di tutto il popolo nel senso più ampio.

Le biografie) sono enormi: strettamente adiacente nel suo lavoro alle attività dei suoi grandi maestri Pushkin, Griboedov e Gogol, anche Ostrovsky ha detto la sua parola, forte e intelligente. Realista nel suo modo di scrivere e nella sua visione artistica, ha dato alla letteratura russa una varietà insolitamente grande di immagini e tipi strappati alla vita russa.

Alexander Nikolaevich Ostrovsky. Video educativo

“Leggendo le sue opere, si è direttamente colpiti dall'immensa ampiezza della vita russa, dall'abbondanza e varietà di tipi, personaggi e posizioni. Come in un caleidoscopio, i russi di ogni sorta di trucco mentale passano davanti ai nostri occhi - qui ci sono mercanti tiranni, con i loro figli e le loro famiglie oppresse, - qui ci sono proprietari terrieri e proprietari terrieri - dalle ampie nature russe, che bruciano attraverso la vita, ai predatori accaparratori, dai compiacenti, puri di cuore, agli insensibili, che non conoscono alcun ritegno morale, sono sostituiti dal mondo burocratico, con tutti i suoi vari rappresentanti, dai gradini più alti della scala burocratica a coloro che hanno perso l'immagine e somiglianza di Dio, piccoli ubriaconi, litigiosi, - il prodotto dei tribunali pre-riforma, poi vanno semplicemente persone infondate che vivono onestamente e disonestamente alla giornata - tutti i tipi di uomini d'affari, insegnanti, prostitute e prostitute, attori e attrici provinciali con tutto il mondo che li circonda .. E insieme a questo, passa il lontano passato storico e leggendario della Russia, sotto forma di immagini artistiche della vita dei temerari del Volga del 17 ° secolo, il formidabile zar Ivan Vasilyevich, il tempo di Problemi con il frivolo Dm itria, l'astuto Shuisky, il grande Nizhny Novgorod Minin, i boiardi, i militari e il popolo di quell'epoca ”, scrive il critico pre-rivoluzionario Aleksandrovsky.

Ostrovsky è uno dei più brillanti scrittori russi nazionali. Dopo aver studiato a fondo gli strati più conservatori della vita russa, è stato in grado di considerare in questa vita i resti buoni e cattivi dell'antichità. Lui, più pienamente di altri scrittori russi, ci ha introdotto alla psicologia e alla visione del mondo del popolo russo.

Alexander Nikolayevich Ostrovsky (1823-1886) occupa giustamente un posto degno tra i maggiori rappresentanti del dramma mondiale.

Il significato delle attività di Ostrovsky, che per più di quarant'anni ogni anno ha pubblicato sulle migliori riviste in Russia e ha messo in scena spettacoli sui palcoscenici dei teatri imperiali di San Pietroburgo e Mosca, molti dei quali sono stati un evento nel campo letterario e teatrale vita dell'epoca, è brevemente ma accuratamente descritta nella famosa lettera di I. Goncharov, indirizzata allo stesso drammaturgo. “Hai portato in dono alla letteratura un'intera biblioteca di opere d'arte, hai creato il tuo mondo speciale per il palcoscenico. Tu solo hai completato l'edificio, alla base del quale hai posto le pietre angolari di Fonvizin, Griboedov, Gogol. Ma solo dopo di te siamo russi, possiamo dire con orgoglio: "Abbiamo il nostro teatro nazionale russo". In tutta onestà, dovrebbe essere chiamato "Teatro Ostrovsky".

Ostrovsky iniziò il suo modo creativo negli anni '40, durante la vita di Gogol e Belinsky, e lo completò nella seconda metà degli anni '80, in un momento in cui A.P. Cechov era già saldamente radicato nella letteratura.

La convinzione che il lavoro di un drammaturgo, creando un repertorio teatrale, sia un alto servizio pubblico ha permeato e diretto l'attività di Ostrovsky. Era organicamente connesso con la vita della letteratura. Nella sua giovinezza, il drammaturgo ha scritto articoli critici e ha partecipato agli affari editoriali di Moskvityanin, cercando di cambiare la direzione di questa rivista conservatrice, poi, mentre pubblicava su Sovremennik e Otechestvennye Zapiski, è diventato amico di N. A. Nekrasov, L. N. Tolstoy , I. S. Turgenev, I. A. Goncharov e altri scrittori. Ha seguito il loro lavoro, ha discusso con loro delle loro opere e ha ascoltato la loro opinione sulle sue opere.

In un'epoca in cui teatri di stato erano ufficialmente considerati "imperial" ed erano sotto il controllo del Ministero della Corte, e le istituzioni di intrattenimento provinciali erano a completa disposizione degli imprenditori, Ostrovsky avanzò l'idea di una completa ristrutturazione dell'attività teatrale in Russia. Ha sostenuto la necessità di sostituire il teatro di corte e commerciale con uno popolare.

Non limitato allo sviluppo teorico di questa idea in articoli e note speciali, il drammaturgo durante per lunghi anni praticamente combattuto per la sua attuazione. Le aree principali in cui ha realizzato le sue opinioni sul teatro sono state il suo lavoro e il lavoro con gli attori.

La drammaturgia, la base letteraria della performance, Ostrovsky ne considerava l'elemento determinante. Il repertorio del teatro, che offre allo spettatore l'opportunità di "vedere la vita russa e la storia russa sul palco", secondo i suoi concetti, era rivolto principalmente al pubblico democratico, "per il quale le persone vogliono scrivere, e sono obbligate a scrivere scrittori popolari ." Ostrovsky ha difeso i principi del teatro dell'autore. Considerava i teatri di Shakespeare, Molière e Goethe esperimenti esemplari di questo tipo. La combinazione in una persona dell'autore di opere drammatiche e del loro interprete sul palco - l'insegnante di attori, il regista - sembrava a Ostrovsky una garanzia di integrità artistica, l'attività organica del teatro. Questa idea, in assenza di regia, con il tradizionale orientamento dello spettacolo teatrale alla performance di singoli attori "solisti", è stata innovativa e fruttuosa. Il suo significato non si è esaurito nemmeno oggi, quando il regista è diventato la figura principale del teatro. Basta ricordare il teatro "Berliner Ensemble" di B. Brecht per esserne convinti.

Superando l'inerzia dell'amministrazione burocratica, gli intrighi letterari e teatrali, Ostrovsky ha lavorato con attori, dirigendo costantemente le produzioni delle sue nuove opere nei teatri Maly Moscow e Alexandria Petersburg. L'essenza della sua idea era implementare e consolidare l'influenza della letteratura sul teatro. Fondamentalmente e categoricamente, ha condannato il sempre più sentito degli anni '70. subordinazione degli scrittori drammatici ai gusti degli attori - i favoriti del palcoscenico, i loro pregiudizi e capricci. Allo stesso tempo, Ostrovsky non concepiva la drammaturgia senza il teatro. Le sue opere sono state scritte con l'aspettativa diretta di veri artisti, artisti. Ha sottolineato che per scrivere una buona commedia, l'autore deve avere piena conoscenza delle leggi del palcoscenico, il lato puramente plastico del teatro.

Lontano da ogni drammaturgo, era pronto a cedere il potere sugli artisti di scena. Era sicuro che solo uno scrittore che ha creato la sua drammaturgia originale e unica, il suo mondo speciale sul palcoscenico, ha qualcosa da dire agli artisti, ha qualcosa da insegnare loro. L'atteggiamento di Ostrovsky nei confronti del teatro moderno era determinato dal suo sistema artistico. L'eroe della drammaturgia di Ostrovsky era il popolo. L'intera società e, inoltre, la vita socio-storica delle persone apparivano nelle sue opere. Non senza ragione, i critici N. Dobrolyubov e A. Grigoriev, che si sono avvicinati al lavoro di Ostrovsky da posizioni reciprocamente opposte, hanno visto nelle sue opere un quadro completo della vita delle persone, sebbene abbiano valutato diversamente la vita rappresentata dallo scrittore. Questo orientamento dello scrittore ai fenomeni di massa della vita corrispondeva al principio del gioco d'insieme, che difendeva, la coscienza insita nel drammaturgo dell'importanza dell'unità, l'integrità delle aspirazioni creative della squadra di attori che partecipavano allo spettacolo .

Nelle sue commedie, Ostrovsky ha raffigurato fenomeni sociali che avevano radici profonde: conflitti, le cui origini e cause spesso risalgono a epoche storiche lontane. Vide e mostrò le fruttuose aspirazioni che sorgono nella società e il nuovo male che sorge in essa. I portatori di nuove aspirazioni e idee nelle sue opere sono costretti a condurre una dura lotta con i vecchi costumi e punti di vista tradizionalmente consacrati, e il nuovo male si scontra in essi con il secolare ideale etico del popolo, con forti tradizioni di resistenza all'ingiustizia sociale e alla falsità morale.

Ogni personaggio delle opere di Ostrovsky è organicamente connesso con il suo ambiente, la sua epoca, la storia del suo popolo. Allo stesso tempo, una persona comune, nei cui concetti, abitudini e parole stesse, la sua parentela con il sociale e pace nazionale, è al centro dell'interesse per le opere di Ostrovsky. Il destino individuale di una persona, la felicità e l'infelicità di un individuo, una persona comune, i suoi bisogni, la sua lotta per il suo benessere personale eccitano lo spettatore dei drammi e delle commedie di questo drammaturgo. La posizione di una persona serve in loro come misura dello stato della società.

Inoltre, la personalità tipica, l'energia con cui la vita delle persone "incide" nelle caratteristiche individuali di una persona, nella drammaturgia di Ostrovsky ha un importante significato etico ed estetico. La caratterizzazione è meravigliosa. Proprio come i drammaturghi di Shakespeare eroe tragico, che sia bello o terribile in termini di valutazione etica, appartiene alla sfera della bellezza, nelle commedie di Ostrovsky, l'eroe caratteristico, nella misura della sua tipicità, è l'incarnazione dell'estetica e, in un certo numero di casi, della ricchezza spirituale , vita storica e cultura del popolo. Questa caratteristica della drammaturgia di Ostrovsky ha predeterminato la sua attenzione al gioco di ogni attore, alla capacità dell'attore di presentare un tipo sul palco, di ricreare in modo vivido e accattivante un personaggio sociale individuale e originale. Ostrovsky apprezzava particolarmente questa capacità nei migliori artisti del suo tempo, incoraggiandola e aiutandola a svilupparla. Rivolgendosi ad A. E. Martynov, ha detto: “... da diversi tratti abbozzati da una mano inesperta, hai creato i tipi finali, pieni di verità artistica. Per questo sei caro agli autori» (12, 8).

Ostrovsky ha concluso la sua discussione sulla nazionalità del teatro, che i drammi e le commedie sono scritti per tutto il popolo, con le parole: "... gli scrittori drammatici devono sempre ricordarlo, devono essere chiari e forti" (12, 123).

La chiarezza e la forza della creatività dell'autore, oltre ai tipi creati nelle sue commedie, trova la sua espressione nei conflitti delle sue opere, costruite su semplici incidenti di vita, che riflettono però le principali collisioni della vita sociale moderna.

Nel suo primo articolo, valutando positivamente la storia di A.F. Pisemsky “The Mattress”, Ostrovsky ha scritto: “L'intrigo della storia è semplice e istruttivo, come la vita. A causa dei personaggi originali, a causa del corso naturale e altamente drammatico degli eventi, traspare un pensiero nobile, acquisito dall'esperienza mondana. Questa storia è veramente un'opera d'arte” (13, 151). Il naturale corso drammatico degli eventi, i personaggi originali, la rappresentazione della vita della gente comune - elencando questi segni di vera abilità artistica nella storia di Pisemsky, il giovane Ostrovsky è senza dubbio partito dalle sue riflessioni sui compiti del dramma come arte. Tipicamente, Ostrovsky attribuisce grande importanza all'istruttività di un'opera letteraria. L'istruttività dell'arte gli dà un motivo per confrontare e avvicinare l'arte alla vita. Ostrovsky credeva che il teatro, raccogliendo tra le sue mura un pubblico vasto e diversificato, unendolo a un senso di piacere estetico, dovesse educare la società (vedi 12, 322), aiutare gli spettatori semplici e impreparati "a comprendere la vita per la prima volta" ( 12, 158), ed educato a dare «tutta una prospettiva di pensieri di cui non ci si può sbarazzare» (ibid.).

Allo stesso tempo, la didattica astratta era estranea a Ostrovsky. “Chiunque può avere buoni pensieri, ma solo gli eletti hanno la propria mente e il proprio cuore” (12, 158), ha ricordato, ironizzando sugli scrittori che sostituiscono i seri problemi artistici con tirate edificanti e nuda tendenza. La conoscenza della vita, la sua veritiera rappresentazione realistica, la riflessione sui temi più urgenti e complessi per la società: questo è ciò che il teatro dovrebbe presentare al pubblico, questo è ciò che rende il palcoscenico una scuola di vita. L'artista insegna allo spettatore a pensare e sentire, ma non gli dà soluzioni già pronte. La drammaturgia didattica, che non rivela la saggezza e l'istruttività della vita, ma la sostituisce con verità comuni espresse in modo dichiarativo, è disonesta, poiché non è artistica, mentre è proprio per amore delle impressioni estetiche che le persone vengono a teatro.

Queste idee di Ostrovsky trovarono una peculiare rifrazione nel suo atteggiamento nei confronti della drammaturgia storica. Il drammaturgo ha sostenuto che "i drammi e le cronache storiche" ... "sviluppano la conoscenza di sé delle persone e fanno emergere un amore consapevole per la patria" (12, 122). Allo stesso tempo, ha sottolineato che non la distorsione del passato per amore dell'una o dell'altra idea tendenziosa, non calcolata sull'effetto scenico esterno del melodramma su trame storiche e non la trascrizione di monografie scientifiche in una forma dialogica, ma un la ricreazione veramente artistica della realtà vivente dei secoli passati sul palcoscenico può essere la base di una performance patriottica. Una tale performance aiuta la società a conoscere se stessa, incoraggia la riflessione, dando un carattere consapevole all'immediato sentimento di amore per la madrepatria. Ostrovsky ha capito che le opere teatrali che crea ogni anno costituiscono la base del repertorio teatrale moderno. Definendo i tipi di opere drammatiche, senza le quali non può esistere un repertorio esemplare, lui, oltre a drammi e commedie che descrivono la vita russa moderna e cronache storiche, ha chiamato stravaganze, spettacoli fiabeschi per spettacoli festivi, accompagnati da musica e danze, progettato come uno spettacolo popolare colorato. Il drammaturgo ha creato un capolavoro di questo tipo: la fiaba primaverile "La fanciulla di neve", in cui la fantasia poetica e l'ambientazione pittoresca si combinano con un profondo contenuto lirico e filosofico.

Ostrovsky è entrato nella letteratura russa come erede di Pushkin e Gogol - drammaturgo nazionale, riflettendo intensamente sulle funzioni sociali del teatro e del dramma, trasformando la realtà quotidiana e familiare in un'azione piena di commedia e dramma, conoscitore della lingua, ascoltando con sensibilità il discorso vivo delle persone e facendone un potente mezzo di espressione artistica .

La commedia di Ostrovsky "La nostra gente - sistemiamoci!" (originariamente intitolato "Bankrupt") era considerato una continuazione della linea della drammaturgia satirica nazionale, il successivo "numero" dopo "Inspector", e sebbene Ostrovsky non avesse intenzione di prefissarlo con una dichiarazione teorica o spiegarne il significato in articoli speciali , le circostanze lo hanno costretto a determinare il suo atteggiamento nei confronti del lavoro di uno scrittore drammatico.

Gogol ha scritto in Theatrical Journey: "È strano: mi dispiace che nessuno abbia notato la faccia onesta che era nella mia commedia" ... "Questa faccia onesta e nobile era risata"..." Sono un comico, l'ho servito onestamente e quindi dovrei diventare il suo intercessore.

"Secondo le mie nozioni di eleganza, considerando la commedia la forma migliore per raggiungere obiettivi morali e riconoscendo in me stesso la capacità di riprodurre la vita principalmente in questa forma, dovevo scrivere una commedia o non scrivere nulla", dice Ostrovsky nella richiesta di lui della sua spiegazione teatrale al fiduciario del distretto educativo di Mosca VI Nazimov (14, 16). È fermamente convinto che il talento gli imponga dei doveri nei confronti dell'arte e delle persone. Le parole orgogliose di Ostrovsky sul significato della commedia suonano come uno sviluppo del pensiero di Gogol.

In accordo con le raccomandazioni di Belinsky agli scrittori degli anni '40. Ostrovsky trova una sfera della vita poco studiata, non precedentemente rappresentata in letteratura, e vi dedica la sua penna. Lui stesso si proclama "scopritore" e ricercatore di Zamoskvorechye. La dichiarazione dello scrittore sulla vita, con la quale intende far conoscere il lettore, ricorda l'umoristica "Introduzione" a uno degli almanacchi di Nekrasov "Il primo aprile" (1846), scritto da D. V. Grigorovich e F. I. Dostoevskij. Ostrovsky riferisce che il manoscritto, che "fa luce su un paese che fino ad ora non era noto a nessuno in dettaglio e non è stato descritto da nessuno dei viaggiatori", fu scoperto da lui il 1 aprile 1847 (13, 14) . Il tono stesso dell'appello ai lettori, preceduto dalle "Note del residente di Zamoskvoretsky" (1847), testimonia l'orientamento dell'autore verso lo stile della vita quotidiana umoristica dei seguaci di Gogol.

Riferendo che il soggetto della sua rappresentazione sarà una certa "parte" della vita quotidiana, delimitata territorialmente dal resto del mondo (dal fiume Moscova) e recintata dall'isolamento conservatore del suo modo di vivere, lo scrittore pensa a cosa posto che questa sfera isolata occupa nella vita integrale della Russia.

Ostrovsky correla le usanze di Zamoskvorechye con le usanze del resto di Mosca, contrastandole, ma ancor più spesso avvicinandole. Pertanto, le immagini di Zamoskvorechye, fornite nei saggi di Ostrovsky, erano in linea con le caratteristiche generalizzate di Mosca, contraria a San Pietroburgo come città di tradizioni a una città che incarna il progresso storico, negli articoli di Gogol "Petersburg Notes of 1836" e Belinsky "Pietroburgo e Mosca".

Il problema principale che il giovane scrittore pone alla base della sua conoscenza del mondo di Zamoskvorechye è la correlazione in questo mondo chiuso della tradizione, la stabilità dell'essere e il principio attivo, la tendenza dello sviluppo. Raffigurando Zamoskvorechye come la parte più conservatrice e inamovibile della tradizione osservante di Mosca, Ostrovsky ha visto che il modo di vivere che dipinge, nella sua apparente mancanza di conflitto, può sembrare idilliaco. E ha resistito a una tale percezione dell'immagine della vita a Zamoskvorechye. Caratterizza la routine dell'esistenza oltre Mosca: "... il potere dell'inerzia, del torpore, per così dire, che ostacola una persona"; e spiega il suo pensiero: “Non per niente ho chiamato questa forza Zamoskvoretskaya: lì, oltre il fiume Moscova, c'è il suo regno, c'è il suo trono. Spinge un uomo in una casa di pietra e chiude a chiave dietro di sé i cancelli di ferro, veste l'uomo con una veste di cotone, mette spirito maligno una croce sul cancello, e dalle persone malvagie lascia passare i cani nel cortile. Sistema le bottiglie alle finestre, acquista proporzioni annuali di pesce, miele, cavolo e carne in scatola salata per un uso futuro. Fa ingrassare un uomo e con mano premurosa scaccia ogni pensiero inquietante dalla sua fronte, proprio come una madre scaccia le mosche da un bambino addormentato. È un'ingannatrice, finge sempre di essere “felicità familiare”, e una persona inesperta non la riconoscerà presto e, forse, la invidierà” (13, 43).

Questa straordinaria caratterizzazione dell'essenza stessa della vita in Zamoskvorechye colpisce per la sua giustapposizione di immagini-valutazioni apparentemente reciprocamente contraddittorie come un confronto tra la "forza Zamoskvoretskaya" con una madre premurosa e un cappio zoppicante, intorpidimento - sinonimo di morte; la combinazione di fenomeni così remoti come l'approvvigionamento di prodotti e il modo di pensare di una persona; convergenza di concetti così diversi come felicità familiare in una casa prospera e vegetando in prigione, forte e violento. Ostrovsky non lascia spazio alla confusione, dichiara direttamente che il benessere, la felicità, la disattenzione sono una forma ingannevole di schiavizzare una persona, uccidendola. Lo stile di vita patriarcale è subordinato ai compiti reali di fornire una cellula familiare chiusa e autosufficiente benessere materiale e conforto. Tuttavia, il sistema stesso dello stile di vita patriarcale è inseparabile da certi concetti morali, una certa visione del mondo: profondo tradizionalismo, sottomissione all'autorità, approccio gerarchico a tutti i fenomeni, mutua alienazione di case, famiglie, proprietà e individui.

L'ideale della vita in questo modo è la pace, l'immutabilità del rituale della vita quotidiana, la finalità di tutte le idee. Il pensiero, al quale Ostrovsky, non a caso, assegna costantemente la definizione di "inquieto", viene espulso da questo mondo, messo fuori legge. Pertanto, la coscienza dei cittadini di Zamoskvoretsky risulta essere saldamente fusa con le forme più concrete e materiali della loro vita. Il destino degli irrequieti, alla ricerca di nuovi percorsi nel pensiero della vita, è condiviso dalla scienza: un'espressione concreta del progresso nella coscienza, un rifugio per una mente curiosa. È sospettosa e caso migliore tollerante come serva del calcolo pratico più elementare, la scienza è “come un servo che paga un tributo a un padrone” (13, 50).

Così, Zamoskvorechye da una sfera di vita privata studiata dal saggista, un “angolo”, un remoto distretto provinciale di Mosca, si trasforma in un simbolo della vita patriarcale, un sistema inerte e integrale di relazioni, forme sociali e concetti ad esse corrispondenti. Ostrovsky mostra un vivo interesse per la psicologia di massa e la visione del mondo dell'intero ambiente sociale, per opinioni non solo consolidate e basate sull'autorità della tradizione, ma anche "chiuse", creando una rete di mezzi ideologici per proteggere la loro integrità , trasformandosi in una sorta di religione. Allo stesso tempo, è consapevole della concretezza storica della formazione e dell'esistenza di questo sistema ideologico. Il confronto della praticità di Zamoskvoretsky con lo sfruttamento feudale non nasce per caso. Spiega l'atteggiamento di Zamoskvoretsky nei confronti della scienza e della mente.

Nella sua prima storia imitativa ancora studentesca, The Tale of How the Quarterly Overseer Started to Dance... (1843), Ostrovsky trovò una formula umoristica che esprimeva un'importante generalizzazione delle caratteristiche generiche dell'approccio alla conoscenza "fuori Mosca". Lo stesso scrivente, ovviamente, ne ha riconosciuto il successo, avendo trasferito, seppure in forma ridotta, il dialogo che lo contiene a nuova storia"Ivan Erofeich", pubblicato con il titolo "Note di un residente di Zamoskvoretsky". “Il guardiano era “…” così eccentrico che non glielo chiedi, non sa niente. Aveva un tale detto: "Ma come conoscerlo, cosa non sai". Giusto, come un filosofo” (13, 25). Tale è il proverbio in cui Ostrovsky vedeva un'espressione simbolica della "filosofia" di Zamoskvorechye, che crede che la conoscenza sia primordialmente e gerarchicamente, che a tutti ne venga "rilasciata" una piccola parte rigorosamente definita; che la più grande saggezza è la sorte delle persone spirituali o "ispirate da Dio" - santi sciocchi, veggenti; il gradino successivo nella gerarchia della conoscenza appartiene ai ricchi e agli anziani della famiglia; i poveri e i subordinati, per la loro stessa posizione nella società e nella famiglia, non possono pretendere “sapere” (la sentinella “sta su una cosa sola, che non sa nulla e non può sapere” - 13, 25).

Così, studiando la vita russa nella sua manifestazione concreta e particolare (vita di Zamoskvorechye), Ostrovsky rifletté intensamente sull'idea generale di questa vita. Già nella prima fase della sua attività letteraria, quando la sua personalità creativa stava appena prendendo forma e stava cercando intensamente il proprio percorso di scrittura, Ostrovsky giunse alla conclusione che la complessa interazione tra lo stile di vita tradizionale patriarcale e le visioni stabili formata nel suo seno con le nuove esigenze della società e gli umori che riflettono gli interessi del progresso storico, è la fonte dell'infinita varietà di collisioni e conflitti sociali e morali contemporanei. Questi conflitti obbligano lo scrittore a esprimere il proprio atteggiamento nei loro confronti e quindi a intervenire nella lotta, nello sviluppo eventi drammatici, che costituiscono l'essere interiore di un flusso di vita esteriormente calmo e sedentario. Una tale visione dei compiti dello scrittore ha contribuito al fatto che Ostrovsky, a partire dal lavoro di tipo narrativo, ha realizzato relativamente rapidamente la sua vocazione di drammaturgo. La forma drammatica corrispondeva alla sua idea delle peculiarità dell'esistenza storica della società russa ed era "in sintonia" con il suo desiderio di un'arte illuministica di tipo speciale, "storica ed educativa" come si potrebbe chiamare.

L'interesse di Ostrovsky per l'estetica del dramma e il suo sguardo peculiare e profondo sulla natura drammatica della vita russa hanno dato i suoi frutti nella sua prima grande commedia "La nostra gente - ci sistemeremo!", Determinato la problematica e la struttura stilistica di quest'opera. Commedia "La propria gente - sistemiamoci!" è stato percepito come un grande evento nell'arte, un fenomeno completamente nuovo. Su questo convergevano contemporanei che si trovavano su posizioni molto diverse: il principe V. F. Odoevsky e N. P. Ogarev, la contessa E. P. Rostopchina e I. S. Turgenev, L. N. Tolstoy e A. F. Pisemsky, A. A. Grigoriev e N. A. Dobrolyubov. Alcuni di loro hanno visto il significato della commedia di Ostrovsky nella denuncia di una delle classi più inerti e depravate della società russa, altri (più tardi) nella scoperta di un importante fenomeno sociale, politico e psicologico della vita pubblica - la tirannia, altri - in uno speciale , tono puramente russo degli eroi , nell'originalità dei loro personaggi, nella tipicità nazionale del raffigurato. Ci furono vivaci controversie tra ascoltatori e lettori dello spettacolo (era vietato metterlo in scena), ma il sentimento stesso dell'evento, la sensazione, era comune a tutti i suoi lettori. La sua inclusione in una serie di grandi commedie sociali russe ("Undergrowth", "Woe from Wit", "The Government Inspector") è diventata un luogo comune nei discorsi sull'opera. Allo stesso tempo, però, tutti hanno notato che la commedia "Proprie persone - sistemiamoci!" fondamentalmente diverso dai suoi famosi predecessori. "Sottobosco" e "Ispettore" hanno sollevato problemi morali nazionali e generali, raffigurando una versione "ridotta" contesto sociale. Con Fonvizin si tratta di proprietari terrieri provinciali della classe media che vengono istruiti da ufficiali della guardia e da un uomo di alta cultura, il ricco Starodum. Gogol ha funzionari di una città remota e sorda, tremante davanti al fantasma dell'auditor di San Pietroburgo. E sebbene per Gogol la natura provinciale degli eroi de L'ispettore generale sia un “vestito” in cui la meschinità e la meschinità, che è ovunque, “travestite”, il pubblico ha percepito nettamente la concretezza sociale del raffigurato. In Woe from Wit di Griboedov, la "provincialità" della società dei Famusov e di altri come loro, i costumi della nobiltà di Mosca, per molti aspetti diversi da quelli di St. aspetto ideologico e trama della commedia.

In tutte e tre le famose commedie, persone di diverso livello culturale e sociale invadono il normale corso della vita dell'ambiente, distruggono gli intrighi sorti prima della loro apparizione e creati dai residenti locali, portano con sé il proprio conflitto speciale, costringendo l'intero ambiente raffigurato per sentire la sua unità, per mostrare le sue proprietà e impegnarsi in una lotta con un elemento estraneo e ostile. In Fonvizin, l'ambiente "locale" è sconfitto da un più colto e condizionatamente (nell'immagine volutamente ideale dell'autore) vicino al trono. Lo stesso "presupposto" esiste nell '"Ispettore generale" (cfr. in "Viaggio teatrale" le parole di un uomo del popolo: "Suppongo che i governatori siano stati veloci, ma tutti sono impalliditi quando è arrivata la rappresaglia reale!"). Ma nella commedia di Gogol la lotta è più "drammatica" e variabile, sebbene la sua "illusione" e il significato ambiguo della situazione principale (a causa della natura immaginaria dell'auditor) conferiscano comicità a tutte le sue vicissitudini. In Woe from Wit, l'ambiente vince sull'"outsider". Allo stesso tempo, in tutte e tre le commedie, un nuovo intrigo introdotto dall'esterno distrugge quello originale. In The Undergrowth , la denuncia delle azioni illegali di Prostakova e la presa della sua proprietà sotto tutela annulla le invasioni di Mitrofan e Skotinin sul matrimonio con Sophia. In Woe from Wit, l'intrusione di Chatsky distrugge la storia d'amore di Sofia con Molchalin. In L'ispettore generale, i funzionari che non sono abituati a lasciar andare "ciò che fluttua nelle loro mani" sono costretti ad abbandonare tutte le loro abitudini e impegni a causa dell'apparizione del "Revisore dei conti".

L'azione della commedia di Ostrovsky si svolge in un ambiente omogeneo, la cui unità è sottolineata dal titolo "La nostra gente - sistemiamoci!".

Nelle tre grandi commedie, l'ambiente sociale è stato giudicato da un "nuovo arrivato" da un intellettuale superiore e in parte relazioni sociali circolo, tuttavia, in tutti questi casi, i problemi nazionali venivano sollevati e risolti all'interno della nobiltà o della burocrazia. Ostrovsky pone la classe mercantile al centro della risoluzione dei problemi nazionali, una classe che prima di lui non era stata rappresentata in letteratura in tale veste. La classe mercantile era organicamente connessa con le classi inferiori: i contadini, spesso con i contadini servi, raznochintsy; faceva parte del "terzo stato", la cui unità non era ancora stata distrutta negli anni '40-'50.

Ostrovsky fu il primo a vedere nella peculiare vita dei mercanti, diversa dalla vita della nobiltà, un'espressione delle caratteristiche storicamente stabilite dello sviluppo della società russa nel suo insieme. Questa è stata una delle innovazioni della commedia "La propria gente - sistemiamoci!". Le questioni che sollevava erano molto serie e riguardavano l'intera società. "Non c'è niente da incolpare dello specchio, se la faccia è storta!" - Gogol si è rivolto alla società russa con rude franchezza nell'epigrafe all'ispettore generale. "La propria gente - sistemiamoci!" - Ostrovsky ha promesso astutamente al pubblico. La sua commedia è stata pensata per un pubblico più ampio e democratico rispetto alla drammaturgia che l'ha preceduta, per uno spettatore a cui la tragicommedia della famiglia Bolshov è vicina, ma che è allo stesso tempo in grado di comprenderne il significato generale.

I rapporti familiari e i rapporti di proprietà compaiono nella commedia di Ostrovsky in stretta connessione con tutta una serie di importanti questioni sociali. La classe mercantile, una tenuta conservatrice che conserva antiche tradizioni e costumi, è rappresentata nell'opera di Ostrovsky in tutta l'originalità del suo modo di vivere. Allo stesso tempo, lo scrittore vede l'importanza di questa classe conservatrice per il futuro del paese; la rappresentazione della vita dei mercanti gli dà motivo di sollevare il problema del destino delle relazioni patriarcali in mondo moderno. Delineando un'analisi del romanzo di Dickens Dombey and Son, un'opera il cui personaggio principale incarna la morale e gli ideali della borghesia, Ostrovsky ha scritto: “L'onore dell'azienda è soprattutto, lascia che tutto le sia sacrificato, l'onore dell'azienda è l'inizio da cui scaturisce tutta l'attività. Dickens, per mostrare tutta la falsità di questo inizio, lo mette in contatto con un altro inizio: con l'amore nelle sue varie manifestazioni. Qui bisognerebbe concludere il romanzo, ma non è così che fa Dickens; costringe Walter a venire dall'altra parte del mare, Florence a nascondersi con il capitano Kutl e sposare Walter, fa pentire Dombey e si inserisce nella famiglia di Florence ”(13, 137-138). La convinzione che Dickens avrebbe dovuto concludere il romanzo senza risolvere il conflitto morale e senza mostrare il trionfo dei sentimenti umani sull '"onore mercantile" - una passione nata nella società borghese, è caratteristica di Ostrovsky, soprattutto durante il suo lavoro sulla prima grande commedia . Comprendendo pienamente i pericoli del progresso (che Dickens ha mostrato), Ostrovsky ha compreso l'inevitabilità, l'inevitabilità del progresso e ha visto i principi positivi in esso contenuti.

Nella commedia "Proprie persone - sistemiamoci!" ha interpretato il capo di una casa mercantile russa, altrettanto orgoglioso della sua ricchezza, rinunciato ai semplici sentimenti umani e interessato al reddito dell'azienda, come il suo omologo inglese Dombey. Tuttavia, Bolshov non solo non è ossessionato dal feticcio dell '"onore della compagnia", ma, al contrario, è estraneo a questo concetto in generale. Vive di altri feticci e sacrifica ad essi tutti gli attaccamenti umani. Se il comportamento di Dombey è determinato dal codice dell'onore commerciale, il comportamento di Bolshov è dettato dal codice delle relazioni familiari patriarcali. E proprio come per Dombey servire l'onore dell'azienda è una fredda passione, così per Bolshov una fredda passione è l'esercizio del suo potere di patriarca sulla famiglia.

La combinazione della fiducia nella santità della loro autocrazia con la coscienza borghese dell'obbligo di aumentare i profitti, l'importanza fondamentale di questo obiettivo e la legittimità di subordinare ad esso tutte le altre considerazioni, è la fonte dell'audace piano di falsa bancarotta, in in cui si manifestano chiaramente le caratteristiche della visione del mondo dell'eroe. In effetti, la completa assenza di concetti legali che sorgono nel campo del commercio man mano che la sua importanza cresce nella società, la fede cieca nell'inviolabilità della gerarchia familiare, la sostituzione di concetti commerciali e imprenditoriali per la finzione della parentela, dei rapporti familiari - tutto questo ispira a Bolshov l'idea di semplicità e facilità di arricchimento per conto dei partner commerciali, e fiducia nell'obbedienza di sua figlia, nel suo consenso al matrimonio con Podkhalyuzin, e fiducia in quest'ultimo, non appena diventa un genero.

L'intrigo di Bolshov è quella trama "originale", a cui in "The Undergrowth" corrisponde un tentativo di impadronirsi della dote di Sophia da parte di Prostakovs e Skotinin, in "Woe from Wit" - la storia d'amore di Sophia con Silent, e in "The Government Inspector " - abusi degli arbitri, che si rivelano (come in inversione) nel corso del gioco. In The Bankrupt, il distruttore dell'intrigo originale, che crea la seconda e principale collisione all'interno del dramma, è Podkhalyuzin, la "propria" persona di Bolshov. Il suo comportamento, inaspettato per il capofamiglia, testimonia la disgregazione dei rapporti patriarcale-familiari, la natura illusoria di ogni loro appello nel mondo dell'imprenditoria capitalista. Podkhalyuzin rappresenta il progresso borghese nella stessa misura in cui il Bolshoi rappresenta uno stile di vita patriarcale. Per lui c'è solo un onore formale: l'onore di "giustificare il documento", una parvenza semplificata di "onore dell'azienda".

Nella commedia di Ostrovsky nei primi anni '70. Già la "foresta" e il commerciante della vecchia generazione rimarranno ostinatamente su posizioni di onore formale, combinando perfettamente le pretese di potere patriarcale illimitato sulle famiglie con l'idea delle leggi e delle regole del commercio come base del comportamento, ad es. "onore dell'azienda": "Se io giustifico i documenti - questo è il mio onore e "..." Non sono un uomo, sono una regola ", dice di se stesso il commerciante Vosmibratov (6, 53). Spingendo l'ingenuamente disonesto Bolshov contro il Podkhalyuzin formalmente onesto, Ostrovsky non ha suggerito allo spettatore una decisione etica, ma ha sollevato la questione dello stato morale della società moderna. Ha mostrato il destino delle vecchie forme di vita e il pericolo del nuovo che cresce spontaneamente da queste vecchie forme. Il conflitto sociale espresso attraverso il conflitto familiare nella sua commedia era essenzialmente carattere storico, e l'aspetto didattico del suo lavoro era complesso e ambiguo.

La connessione associativa degli eventi rappresentati con la tragedia di Shakespeare "Re Lear" prevista nella sua commedia ha contribuito all'identificazione della posizione morale dell'autore. Questa associazione è nata tra i contemporanei. I tentativi di alcuni critici di vedere nella figura di Bolshov - il "mercante re Lear" - tratti di alta tragedia e di affermare che lo scrittore simpatizza con lui, hanno incontrato una forte resistenza da parte di Dobrolyubov, per il quale Bolshov è un tiranno, e in il suo dolore rimane un tiranno, una personalità pericolosa e dannosa per la società. L'atteggiamento costantemente negativo di Dobrolyubov nei confronti di Bolshov, escludendo qualsiasi simpatia per questo eroe, era principalmente dovuto al fatto che il critico sentiva acutamente il legame tra tirannia domestica e tirannia politica e la dipendenza del mancato rispetto della legge negli affari privati \u200b\u200bdalla mancanza di legalità nella società nel suo complesso. "Merchant King Lear" lo interessava soprattutto come l'incarnazione di quei fenomeni sociali che danno origine e mantengono il silenzio della società, la mancanza di diritti delle persone, la stagnazione nello sviluppo economico e politico del Paese.

L'immagine di Bolshov nell'opera di Ostrovsky è certamente interpretata in modo comico e accusatorio. Tuttavia, la sofferenza di questo eroe, incapace di comprendere appieno la criminalità e l'irragionevolezza delle sue azioni, è soggettivamente profondamente drammatica. Il tradimento di Podkhalyuzin e di sua figlia, la perdita del capitale portano a Bolshov la più grande delusione nell'ordine ideologico, una vaga sensazione del crollo di fondamenti e principi secolari, e lo colpiscono come la fine del mondo.

La caduta della servitù e lo sviluppo dei rapporti borghesi sono previsti nell'epilogo della commedia. Questo aspetto storico dell'azione "rafforza" la figura di Bolshov, mentre la sua sofferenza evoca una risposta nell'anima dello scrittore e dello spettatore, non perché l'eroe, a modo suo, carattere morale non meritava punizione, ma perché il Podkhalyuzin formalmente di destra calpesta non solo l'idea ristretta e distorta di Bolshov delle relazioni familiari e dei diritti dei genitori, ma anche tutti i sentimenti e i principi, ad eccezione del principio di "giustificare" un documento monetario. Violando il principio di fiducia, lui (allievo dello stesso Bolshov, che credeva che il principio di fiducia esistesse solo in famiglia), proprio per il suo atteggiamento antisociale, diventa padrone della situazione in società moderna.

La prima commedia di Ostrovsky, molto prima della caduta della servitù, mostrava l'inevitabilità dello sviluppo dei rapporti borghesi, il significato storico e sociale dei processi avvenuti tra i mercanti.

"The Poor Bride" (1852) differiva nettamente dalla prima commedia ("His People ...") nello stile, nei tipi e nelle situazioni, nella costruzione drammatica. La povera sposa era inferiore alla prima commedia per l'armonia della composizione, la profondità e il significato storico dei problemi posti, l'acutezza e la semplicità dei conflitti, ma era permeata delle idee e delle passioni dell'epoca e fece un forte impressione sulla gente degli anni '50. La sofferenza di una ragazza per la quale il matrimonio di convenienza è l'unica "carriera" possibile, e le drammatiche esperienze del "piccolo uomo", a cui la società nega il diritto all'amore, la tirannia dell'ambiente e la ricerca della felicità dell'individuo, che non trova soddisfazione per se stesso: queste e molte altre collisioni che hanno preoccupato il pubblico si sono riflesse nello spettacolo. Se nella commedia "Proprie persone - sistemiamoci!" Ostrovsky per molti versi ha anticipato i problemi dei generi narrativi e ha aperto la strada al loro sviluppo; in La povera sposa, ha piuttosto seguito i romanzieri e gli scrittori di racconti, sperimentando alla ricerca di una struttura drammatica che consenta di esprimere il contenuto che la narrazione la letteratura si stava attivamente sviluppando. Nella commedia ci sono risposte evidenti al romanzo di Lermontov "Un eroe del nostro tempo", tentativi di rivelare il proprio atteggiamento nei confronti di alcune delle domande sollevate in esso. Uno di personaggi centrali porta un cognome caratteristico: Merich. La critica contemporanea di Ostrovsky ha notato che questo eroe imita Pechorin e afferma di essere demoniaco. Il drammaturgo rivela la volgarità di Merich, indegno di stare accanto non solo a Pecorin, ma anche a Grushnitsky a causa della povertà del suo mondo spirituale.

L'azione di The Poor Bride si svolge in una cerchia mista di funzionari poveri, nobili e popolani impoveriti, e il "demonismo" di Merich, la sua tendenza a divertirsi, "spezzando i cuori" delle ragazze che sognavano l'amore e il matrimonio, riceve una definizione sociale : un giovane ricco, un "buon sposo" , ingannando una bella dote, esercita il diritto del padrone, stabilito da secoli nella società, "di scherzare liberamente con belle giovani donne" (Nekrasov). Qualche anno dopo, nella commedia The Pupil, che originariamente aveva il titolo espressivo "Toy Cat, Tears to Mouse", Ostrovsky ha mostrato questo tipo di intrigo-intrattenimento nella sua forma storicamente "originale", come "amore signorile" - un prodotto della vita dei servi (confronta la saggezza, espressa attraverso le labbra di una serva in "Woe from Wit": "Bypassaci più di tutti i dolori e la rabbia signorile e l'amore signorile!"). IN fine XIX v. nel romanzo "Resurrection" L. Tolstoy tornerà nuovamente su questa situazione come l'inizio degli eventi, valutando i quali solleverà le più importanti questioni sociali, etiche e politiche.

Ostrovsky ha risposto in modo particolare ai problemi, la cui popolarità era associata all'influenza di George Sand sulle menti dei lettori russi negli anni Quaranta e Cinquanta. L'eroina di "The Poor Bride" - ragazza normale, desiderosa di una felicità modesta, ma sui suoi ideali c'è un riflesso del georgesandismo. Tende a ragionare, a pensare a questioni generali ed è sicura che tutto nella vita di una donna si risolva attraverso l'attuazione di un desiderio principale: amare ed essere amata. Molti critici hanno scoperto che l'eroina di Ostrovsky "teorizza" troppo. Allo stesso tempo, la drammaturga "riduce" dalle vette dell'idealizzazione caratteristica dei romanzi di George Sand e dei suoi seguaci, la sua donna, alla ricerca della felicità e della libertà personale. Viene presentata come una giovane donna moscovita della cerchia dei funzionari di medio rango, una giovane sognatrice romantica, egoista nella sua sete d'amore, impotente nel giudicare le persone e incapace di distinguere il sentimento genuino dalla burocrazia volgare.

Ne La povera sposa i luoghi comuni del benessere e della felicità si scontrano con l'amore nelle sue diverse manifestazioni, ma l'amore stesso appare non nella sua espressione assoluta e ideale, ma nella forma del tempo, dell'ambiente sociale, della realtà concreta dell'umano relazioni. La dote Marya Andreevna, affetta da necessità materiali, che con fatale necessità la spinge a rinunciare ai sentimenti, a riconciliarsi con il destino di una schiava domestica, subisce duri colpi da parte delle persone che la amano. La madre in realtà la vende per vincere una causa; devoto alla famiglia, onorando il suo defunto padre e amando Masha come se fosse suo, l'ufficiale Dobrotvorsky la trova un "buon fidanzato" - un influente funzionario, maleducato, stupido, ignorante, che ha accumulato capitali con l'abuso; Merić, che gioca con passione, si diverte cinicamente con una "relazione" con una ragazzina; Milashin, che è innamorato di lei, è così appassionato della lotta per i suoi diritti nel cuore della ragazza, la rivalità con Merich, che non pensa per un minuto a come questa lotta risponde alla povera sposa, cosa dovrebbe Tatto. L'unica persona che ama sinceramente e profondamente Masha - discendente nell'ambiente della classe media e da lei schiacciata, ma il gentile, intelligente ed educato Khorkov - non attira l'attenzione dell'eroina, c'è un muro di alienazione tra loro e Masha gli infligge la stessa ferita che viene inflitta al suo ambiente. Così, dall'intreccio di quattro intrighi, quattro linee drammatiche (Masha e Merich, Masha e Khorkov, Masha e Milashin, Masha e lo sposo - Benevolensky), si forma la complessa struttura di questa commedia, per molti aspetti vicina alla struttura di il romanzo, costituito da intrecci trame. Alla fine dell'opera, in due brevi apparizioni, appare una nuova linea drammatica, rappresentata da una nuova persona episodica: Dunya, una ragazza borghese che è stata la moglie nubile di Benevolensky per diversi anni e lo ha lasciato per amore del matrimonio con un " giovane donna istruita. Dunya, che ama Benevolensky, riesce a dispiacersi per Masha, capirla e dire severamente allo sposo trionfante: “Solo tu potrai vivere con una moglie simile? Guarda, non rovinare invano il secolo di qualcun altro. Sarà un peccato per te “…” Non è con me: vivevano, vivevano, e così è stato” (1, 217).

Questa "piccola tragedia" della vita filistea ha attirato l'attenzione di lettori, spettatori e critici. Raffigurava un forte carattere popolare femminile; il dramma del destino delle donne è stato rivelato in un modo completamente nuovo, in uno stile che, con la sua semplicità e realtà, si opponeva allo stile romanticamente elevato ed espansivo di George Sand. Nell'episodio, la cui eroina è Dunya, è particolarmente evidente la comprensione originale della tragedia insita in Ostrovsky.

Tuttavia, a parte questo "intermezzo", "The Poor Bride" ha iniziato una linea completamente nuova nel dramma russo. Fu in questo gioco, per molti aspetti ancora non del tutto maturo (gli errori di calcolo dell'autore furono notati in articoli critici Turgenev e altri autori), i problemi dell'amore moderno nelle sue complesse interazioni con gli interessi materiali che le persone rese schiave furono "dichiarate" da Ostrovsky successivamente sviluppate in una serie di opere - fino al suo ultimo capolavoro "Dowry" - si può solo essere sorpresi di il coraggio creativo del giovane drammaturgo, la sua audacia nell'arte. Non avendo ancora messo in scena una sola opera teatrale, ma avendo scritto una commedia prima di La povera sposa, riconosciuta esemplare dalle più alte autorità letterarie, si discosta completamente dalle sue problematiche e dallo stile e crea un esempio di dramma moderno inferiore alla sua prima opera in perfezione, ma nuovo nel tipo.

Fine anni '40-primi anni '50. Ostrovsky si avvicinò a una cerchia di giovani scrittori (T. I. Filippov, E. N. Edelson, B. N. Almazov, A. A. Grigoriev), le cui opinioni presero presto una direzione slavofila. Ostrovsky ei suoi amici hanno collaborato alla rivista Moskvityanin, le cui convinzioni conservatrici del cui editore, MP Pogodin, non condividevano. Un tentativo dei cosiddetti "giovani redattori" di The Moskvityanin di cambiare direzione alla rivista fallì; inoltre, la dipendenza materiale sia di Ostrovsky che di altri dipendenti di Moskvityanin dall'editore è aumentata e talvolta è diventata insopportabile. Per Ostrovsky la questione era complicata anche dal fatto che l'influente Pogodin contribuì alla pubblicazione della sua prima commedia e poté in una certa misura rafforzare la posizione dell'autore dell'opera, ufficialmente condannata.

La famosa svolta di Ostrovsky nei primi anni '50. verso le idee slavofile non significava un riavvicinamento con Pogodin. Aumento dell'interesse per il folklore, per le forme tradizionali vita popolare, l'idealizzazione della famiglia patriarcale - caratteristiche palpabili nelle opere del periodo "moscovita" di Ostrovsky - non hanno nulla in comune con le convinzioni ufficiali-monarchiche di Pogodin.

Parlando del cambiamento avvenuto nella visione del mondo di Ostrovsky nei primi anni '50, di solito citano la sua lettera a Pogodin del 30 settembre 1853, in cui lo scrittore informava il suo corrispondente che non voleva più preoccuparsi della prima commedia, perché lui non voleva " fare "..." dispiacere", ha ammesso che la visione della vita espressa in questa commedia ora gli sembra "giovane e troppo dura", perché "è meglio per un russo rallegrarsi vedendosi su palcoscenico che desiderare", ha sostenuto che la direzione del suo "comincia a cambiare" e ora combina "alto con comico" nelle sue opere. Lui stesso considera "Non salire sulla tua slitta" come un esempio di un'opera scritta con uno spirito nuovo (vedi 14, 39). Nell'interpretare questa lettera, i ricercatori, di regola, non tengono conto del fatto che è stata scritta dopo il divieto di produzione della prima commedia di Ostrovsky e i grossi guai che hanno accompagnato questo divieto per l'autore (fino alla nomina della supervisione della polizia). , e conteneva due richieste molto importanti rivolte al direttore di "Moskvityanin": Ostrovsky chiese a Pogodin di presentare una petizione tramite San Pietroburgo per ottenere un posto - servizio al Teatro di Mosca, che era subordinato al Ministero della Corte, e a petizione per il permesso di mettere in scena la sua nuova commedia "Non salire sulla tua slitta" sul palcoscenico di Mosca . Delineando queste richieste, Ostrovsky ha dato a Pogodin, quindi, assicurazioni della sua affidabilità.

Le opere scritte da Ostrovsky tra il 1853 e il 1855 sono molto diverse dalle precedenti. Ma La sposa povera era anche molto diversa dalla prima commedia. Allo stesso tempo, la commedia Do Not Get into Your Sleigh (1853) continuò per molti aspetti ciò che era stato iniziato in The Poor Bride. Ha dipinto le tragiche conseguenze delle relazioni di routine prevalenti in una società divisa in clan sociali ostili e estranei tra loro. Calpestare la personalità di persone semplici, credulone e onesto, dissacrare il sentimento disinteressato e profondo di un'anima pura: questo è ciò in cui si trasforma nello spettacolo il tradizionale disprezzo del maestro per le persone. Nella commedia "La povertà non è un vizio" (1854), l'immagine della tirannia è emersa di nuovo in tutta la sua luminosità e specificità - un fenomeno che è stato scoperto, sebbene non ancora nominato per nome, nella commedia "Own People ..." , e si poneva il problema del rapporto tra progresso storico e tradizioni della vita nazionale . Allo stesso tempo, i mezzi artistici con cui lo scrittore esprimeva il suo atteggiamento nei confronti di queste questioni sociali sono notevolmente cambiati. Ostrovsky ha sviluppato sempre più nuove forme di azione drammatica, aprendo la strada all'arricchimento dello stile di una performance realistica.

Riproduce di Ostrovsky 1853-1854 ancor più francamente dei suoi primi lavori, erano incentrati su un pubblico democratico. Il loro contenuto rimaneva serio, lo sviluppo dei problemi nel lavoro del drammaturgo era organico, ma la teatralità, la festa popolare di commedie come "La povertà non è un vizio" e "Non vivere come vuoi" (1854), si opponeva al quotidiano modestia e realtà di "Bankrupt" e "Poor Bride" Ostrovsky, per così dire, "ha restituito" il dramma alla piazza, trasformandolo in "intrattenimento popolare". L'azione drammatica che si svolgeva sul palcoscenico nelle sue nuove commedie si avvicinava alla vita dello spettatore in modo diverso rispetto alle sue prime opere, che dipingevano immagini dure della vita quotidiana. Splendore festivo Esibizione teatrale come se continuasse le feste popolari del Natale o del Carnevale con i suoi costumi e tradizioni secolari. E il drammaturgo fa di questo tripudio di divertimento un mezzo per porre grandi questioni sociali ed etiche.

Nella commedia "La povertà non è un vizio", c'è una notevole tendenza a idealizzare le antiche tradizioni della famiglia e della vita. Tuttavia, la rappresentazione delle relazioni patriarcali in questa commedia è complessa e ambigua. Il vecchio è interpretato in esso sia come manifestazione delle forme di vita eterne e durature nei tempi moderni, sia come l'incarnazione del potere dell'inerzia inerte, che "ostacola" una persona. Il nuovo è come espressione del naturale processo di sviluppo, senza il quale la vita è impensabile, e come una comica "imitazione della moda", un'assimilazione superficiale degli aspetti esterni della cultura di un ambiente sociale straniero, costumi stranieri. Tutte queste manifestazioni eterogenee della stabilità e mobilità della vita coesistono, combattono e interagiscono nel gioco. La dinamica delle loro relazioni è la base del movimento drammatico in esso. Il suo sfondo è un'antica festività festiva rituale, una sorta di atto folcloristico, che viene recitato nel periodo natalizio da un intero popolo, scartando condizionalmente le relazioni "obbligatorie" nella società moderna per prendere parte al gioco tradizionale. La visita a una casa ricca da parte di una folla di mummers, in cui è impossibile distinguere il familiare dallo straniero, il povero dal nobile e il potere, è uno degli "atti" del vecchio gioco comico amatoriale, che si basa su idee utopiche ideali popolari. “Nel mondo del carnevale, ogni gerarchia è stata abolita. Tutte le classi e le età sono uguali qui", afferma giustamente M. M. Bakhtin.

Questa proprietà delle festività popolari del carnevale è pienamente espressa nell'immagine del divertimento natalizio, che viene data nella commedia "La povertà non è un vizio". Quando l'eroe di una commedia, il ricco mercante Gordey Tortsov, ignora la convenzionalità del "gioco" e tratta i mummers nel modo in cui trattava persone normali nei giorni feriali questa non è solo una violazione delle tradizioni, ma anche un insulto all'ideale etico che ha dato origine alla tradizione stessa. Si scopre che Gordey, che si dichiara sostenitore della novità e rifiuta di riconoscere il rito arcaico, insulta quelle forze che sono costantemente coinvolte nel rinnovamento della società. Insultando queste forze, fa affidamento su ugualmente su un fenomeno storicamente nuovo - la crescita dell'importanza del capitale nella società - e sulla vecchia tradizione domostroy del potere irresponsabile degli anziani, in particolare del "padrone" della famiglia - il padre - sul resto della famiglia.

Se nel sistema di collisione familiare e sociale dell'opera teatrale Gordey Tortsov viene denunciato come un tiranno, per il quale la povertà è un vizio e che considera suo diritto spingere in giro una persona dipendente, moglie, figlia, impiegato, allora nel concetto di azione popolare è un uomo orgoglioso che, dopo aver disperso i mummers, si esibisce lui stesso nella maschera del suo vizio e diventa un partecipante alla commedia natalizia popolare. Un altro eroe della commedia, Lyubim Tortsov, è incluso anche nella doppia serie semantica e stilistica.

Per quanto riguarda i problemi sociali dell'opera, è un povero in rovina che ha rotto con la classe mercantile, che nella sua caduta acquisisce per lui un nuovo dono di pensiero critico indipendente. Ma nella serie di maschere della festosa sera di Natale, lui, agli antipodi del fratello, il “vergognoso”, che nella vita ordinaria e “quotidiana” era considerato la “vergogna della famiglia”, appare come il padrone della situazione, la sua "stupidità" si trasforma in saggezza, semplicità - perspicacia, loquacità - battute divertenti e l'ubriachezza stessa si trasforma da vergognosa debolezza in un segno di una natura speciale, ampia, irrefrenabile, che incarnava il tumulto della vita. L'esclamazione di questo eroe - "Strada più ampia - sta arrivando Lyubim Tortsov!" - raccolta con entusiasmo dal pubblico teatrale, per il quale la produzione della commedia è stata un trionfo del dramma nazionale, ha espresso l'idea sociale della superiorità morale di una persona povera, ma internamente indipendente su un tiranno. Allo stesso tempo, non contraddiceva il tradizionale stereotipo folcloristico del comportamento dell'eroe natalizio: un burlone. Sembrava che questo personaggio birichino, generoso di scherzi tradizionali, fosse passato dalla strada in festa al palcoscenico teatrale, e che si sarebbe ritirato ancora una volta nelle strade della città in festa inghiottito dal divertimento.

In "Non vivere come vuoi", l'immagine del divertimento di Shrovetide diventa centrale. L'atmosfera della festa nazionale e il mondo dei giochi rituali in "La povertà non è un vizio" hanno contribuito alla risoluzione degli scontri sociali nonostante la routine quotidiana delle relazioni; in "Non vivere come vuoi" Shrovetide, l'atmosfera della festa, i suoi costumi, le cui origini affondano in tempi antichi, nei culti precristiani, iniziano un dramma. L'azione in essa è relegata al passato, al XVIII secolo, quando il percorso che molti contemporanei del drammaturgo consideravano primordiale, eterno per la Rus' era ancora una novità, un ordine non del tutto stabilito.

La lotta di questo modo di vivere con un sistema di concetti e relazioni più arcaico, antico, semidistrutto e trasformato in un festoso gioco carnevalesco di concetti e relazioni, una contraddizione interna nel sistema di idee religiose ed etiche del popolo, una "disputa" tra l'ideale ascetico e aspro della rinuncia, della sottomissione all'autorità e al dogma, e il “pratico”, principio economico familiare che implica la tolleranza, sono alla base dei drammatici conflitti dell'opera.

Se in "La povertà non è un vizio" le tradizioni del comportamento carnevalesco popolare degli eroi agiscono come umane, esprimendo gli ideali di uguaglianza e sostegno reciproco delle persone, allora in "Non vivere come vuoi", la cultura del carnevale il carnevale è disegnato con un alto grado di concretezza storica. In "Don't Live As You Want", lo scrittore rivela sia le caratteristiche gioiose e che affermano la vita dell'antica visione del mondo in essa espresse, sia le caratteristiche della severità arcaica, della crudeltà, del predominio di passioni semplici e franche su un più sottile e complessa cultura spirituale, corrispondente al successivo ideale etico.

L '"allontanamento" di Pietro dalla virtù della famiglia patriarcale avviene sotto l'influenza del trionfo dei principi pagani, inseparabile dall'allegria di Shrovetide. Ciò predetermina la natura dell'epilogo, che a molti contemporanei sembrava non plausibile, fantastico e didattico.

Infatti, proprio come la Maslenitsa Mosca, inghiottita dal vortice di maschere - "mug", il lampeggiare di terzine decorate, feste e baldoria ubriaca, "faceva girare" Peter, lo "trascinava" fuori di casa, gli faceva dimenticare i doveri familiari, quindi la fine festa rumorosa, il blagovest mattutino, secondo la tradizione leggendaria, risolvendo incantesimi e distruggendo il potere degli spiriti maligni (non è la funzione religiosa del blagovest che è importante qui, ma il "nuovo termine" da esso contrassegnato) , riporta l'eroe allo stato quotidiano "corretto".

Pertanto, l'elemento di narrativa popolare ha accompagnato la rappresentazione della variabilità storica dei concetti morali nell'opera. Collisioni di vita del XVIII secolo. "anticipato", da un lato, i conflitti sociali moderni, la cui genealogia è, per così dire, stabilita nel dramma; d'altra parte, oltre la distanza del passato storico, si apriva un'altra distanza: i rapporti sociali e familiari più antichi, le idee etiche precristiane.

La tendenza didattica si combina nello spettacolo con la rappresentazione del movimento storico dei concetti morali, con la percezione della vita spirituale delle persone come un fenomeno creativo eternamente vivente. Questo storicismo dell'approccio di Ostrovsky alla natura etica dell'uomo e ai compiti che ne derivano di illuminare, influenzando attivamente lo spettatore, l'arte del dramma lo ha reso un sostenitore e difensore delle giovani forze della società, un sensibile osservatore dei nuovi bisogni emergenti e aspirazioni. In definitiva, lo storicismo della visione del mondo dello scrittore ha predeterminato la sua divergenza dai suoi amici di mentalità slavofila, che puntavano sulla conservazione e la rinascita delle basi originali delle usanze popolari, e ha facilitato il suo riavvicinamento con Sovremennik.

La prima piccola commedia in cui si rifletteva questa svolta nell'opera di Ostrovsky fu "Una sbornia a uno strano banchetto" (1856). La base del drammatico conflitto in questa commedia è l'opposizione di due forze sociali corrispondenti a due tendenze nello sviluppo della società: l'illuminazione, rappresentata dai suoi veri portatori: lavoratori, intellettuali poveri e lo sviluppo di un sistema puramente economico e sociale, privo , tuttavia, contenuti culturali e spirituali, morali, portatori di cui sono ricchi tiranni. Il tema del confronto ostile tra la morale borghese e gli ideali dell'illuminismo, delineato nella commedia "La povertà non è un vizio" come moralistico, nella commedia "Una sbornia a uno strano banchetto" ha acquisito un suono socialmente accusatorio e patetico. È questa interpretazione di questo tema che passa poi attraverso molte delle commedie di Ostrovsky, ma da nessuna parte determina la struttura più drammatica a tal punto come in una piccola ma "svolta" commedia "Una notte da leoni a uno strano banchetto". Successivamente, questo "confronto" sarà espresso in "Temporale" nel monologo di Kuligyn sui costumi crudeli della città di Kalinov, nella sua disputa con Wild sul bene pubblico, la dignità umana e un parafulmine, nelle parole di questo eroe che conclude il dramma, invocando pietà. L'orgogliosa consapevolezza del proprio posto in questa lotta si rifletterà nei discorsi dell'attore russo Neschastlivtsev, che distrugge la disumanità della società baro-mercantile ("Foresta", 1871), sarà sviluppata e sostanziata nelle argomentazioni del giovane , onesto e ragionevole contabile Platon Zybkin ("La verità è buona, ma la felicità è migliore", 1876), nel monologo dello studente-educatore Meluzov ("Talenti e ammiratori", 1882). In quest'ultima di queste commedie tema principale diventerà uno dei problemi posti nella commedia "In una strana festa ..." (e prima ancora - solo nei primi saggi di Ostrovsky) problemi - l'idea della schiavitù della cultura da parte del capitale, delle pretese dell'oscurità regno per il mecenatismo, rivendicazioni, dietro le quali c'è il desiderio della forza bruta dei tiranni di dettare le loro richieste a persone pensanti e creative, per raggiungere la loro completa sottomissione al potere dei padroni della società.

Osservati da Ostrovsky e divenuti oggetto di comprensione artistica nel suo lavoro, i fenomeni della realtà sono stati da lui rappresentati sia nella forma antica, originale, a volte storicamente obsoleta, sia nel loro aspetto moderno e modificato. Lo scrittore ha disegnato forme inerti della vita sociale moderna e ha notato con sensibilità le manifestazioni di novità nella vita della società. Così, nella commedia “La povertà non è un vizio”, un meschino tiranno cerca di scartare le sue abitudini contadine ereditate dal “giovane”: modestia di vita, franchezza nell'espressione dei sentimenti, simile a quella che era caratteristica di Bolshov in “ La nostra gente - sistemiamoci!”; esprime la sua opinione sull'educazione e la impone agli altri. Nella commedia "A Hangover at a Strange Feast", dopo aver definito per la prima volta il suo eroe con il termine "tiranno", Ostrovsky affronta Tit Titych Bruskov (questa immagine è diventata un simbolo di tirannia) con l'illuminazione come un bisogno irresistibile della società, un'espressione del futuro del Paese. L'illuminazione, che per Bruskov si incarna in persone specifiche - il povero insegnante eccentrico Ivanov e la sua figlia istruita senza dote - deruba il ricco mercante, come gli sembra, di suo figlio. Tutte le simpatie di Andrei - un vivace, curioso, ma oppresso e confuso dal selvaggio stile di vita familiare - sono dalla parte di queste persone poco pratiche, lontane da tutto ciò a cui è abituato.

Tit Titych Bruskov, spontaneamente ma fermamente consapevole del potere della sua capitale e credendo fermamente nel suo indiscutibile potere sulla sua famiglia, impiegati, servi e, in definitiva, su tutti i poveri che dipendono da lui, è sorpreso di scoprire che Ivanov non può essere comprato e anche intimidito, che la sua intelligenza è una forza sociale. Ed è costretto per la prima volta a pensare a cosa possono dare il coraggio e il senso della dignità personale a una persona che non ha soldi, un rango, che vive di lavoro.

Il problema dell'evoluzione della tirannia come fenomeno sociale è posto in numerose commedie di Ostrovsky, e i tiranni nelle sue commedie tra vent'anni diventeranno milionari andando all'Esposizione Industriale di Parigi, raffinati mercanti ascoltando Patty e collezionando dipinti originali (probabilmente da Erranti o impressionisti), - dopotutto, questi sono già "figli" di Tit Titych Bruskov, come Andrey Bruskov. Tuttavia, anche i migliori restano portatori della forza bruta del denaro, che tutto soggioga e corrompe. Comprano, come il volitivo e affascinante Velikatov, gli spettacoli di beneficenza delle attrici insieme alle "hostess" degli spettacoli di beneficenza, poiché l'attrice non può, senza il sostegno di un ricco "mecenate", resistere all'arbitrarietà di piccoli predatori e sfruttatori che hanno conquistato il palcoscenico provinciale ("Talenti e ammiratori"); loro, come il rispettabile industriale Frol Fedulych Pribytkov, non interferiscono negli intrighi degli usurai e dei pettegolezzi d'affari di Mosca, ma raccolgono volentieri i frutti di questi intrighi, gentilmente presentati loro in segno di gratitudine per il patrocinio, una tangente monetaria o per servilismo volontario ( “L'ultima vittima”, 1877). Di commedia in commedia di Ostrovsky, il pubblico con gli eroi del drammaturgo si è avvicinato al Lopakhin di Cechov, un mercante dalle dita sottili di un artista e un'anima delicata e insoddisfatta, che però sogna redditizie dacie come l'inizio di un "nuova vita". Lopakhin stupidamente, nel fervore della gioia per l'acquisto di un maniero, dove suo nonno era un servo, chiede che la musica suoni "distintamente": "Lascia che tutto sia come desidero!" grida, scioccato dalla consapevolezza della forza della sua capitale.

La struttura compositiva dell'opera si basa sul confronto tra due campi: portatori di egoismo di casta, esclusività sociale, atteggiamenti a difensori delle tradizioni e Standard morali maturata e approvata dalla secolare esperienza delle persone, da un lato, e dall'altro, “sperimentatori”, spontaneamente, per volere del cuore e per esigenza di una mente disinteressata, che si è arrischiata ad esprimere espressioni sociali bisogni, che sentono come una sorta di imperativo morale. Gli eroi di Ostrovsky non sono ideologi. Anche il più intelligente di loro, a cui Zhadov appartiene all'eroe di Profitable Place, risolve i compiti della vita immediata, solo nel processo di attività pratiche"scontrarsi" con le leggi generali della realtà, "lividi", soffrire delle loro manifestazioni e arrivare alle prime serie generalizzazioni.

Zhadov si immagina un teorico e collega i suoi nuovi principi etici con il movimento del mondo pensiero filosofico, con il progresso dei concetti morali. Dice con orgoglio di non aver inventato lui stesso le nuove regole della moralità, ma di averne sentito parlare alle lezioni di eminenti professori, di averle lette nelle "migliori opere letterarie nostre e straniere" (2, 97), ma è proprio questo astrazione che rende le sue convinzioni ingenue e prive di vita. Zhadov acquisisce vere convinzioni solo quando, dopo aver attraversato vere prove, si rivolge a questi concetti etici a un nuovo livello di esperienza alla ricerca di risposte alle tragiche domande che gli pone la vita. “Che uomo sono! Sono un bambino, non ho idea della vita. Tutto questo è nuovo per me “…” È difficile per me! Non so se posso prenderlo! Dissolutezza tutt'intorno, poca forza! Perché ci hanno insegnato! - Zhadov esclama disperato, di fronte al fatto che "i vizi sociali sono forti", che la lotta contro l'inerzia e l'egoismo sociale non è solo difficile, ma anche dannosa (2, 81).

Ogni ambiente crea le sue forme quotidiane, i suoi ideali, corrispondenti ai suoi interessi sociali e funzione storica, e in questo senso le persone non sono libere nelle loro azioni. Ma la condizionalità sociale e storica delle azioni non solo delle singole persone, ma anche dell'intero ambiente non rende queste azioni o interi sistemi di comportamento indifferenti alla valutazione morale, "fuori giurisdizione" del tribunale morale. Ostrovsky ha visto il progresso storico, prima di tutto, nel fatto che, abbandonando le vecchie forme di vita, l'umanità diventa più morale. I giovani eroi delle sue opere, anche nei casi in cui commettono atti che, dal punto di vista della morale tradizionale, possono essere considerati un delitto o un peccato, sono essenzialmente più morali, onesti e più puri dei custodi di “costituiti concetti” che li rimproverano. Questo è il caso non solo in The Pupil (1859), The Thunderstorm, The Forest, ma anche nelle cosiddette commedie "slavofile", dove giovani eroi ed eroine inesperti, inesperti e sbagliati spesso insegnano ai loro padri tolleranza, misericordia, forza loro per la prima volta a pensare alla relatività dei loro principi indiscutibili.

L'atteggiamento educativo di Ostrovsky, la fede nell'importanza del movimento delle idee, nell'influenza dello sviluppo mentale sullo stato della società, si univa al riconoscimento dell'importanza del sentimento spontaneo, che esprimeva le tendenze oggettive del progresso storico. Da qui - l '"infanzia", l'immediatezza, l'emotività dei giovani eroi "ribelli" di Ostrovsky. Da qui la loro altra particolarità: l'approccio non ideologico e quotidiano a problemi essenzialmente ideologici. Questa immediatezza infantile manca nelle commedie di Ostrovsky di giovani predatori che si adattano cinicamente alla menzogna. relazioni moderne. Accanto a Zhadov, per il quale la felicità è inseparabile dalla purezza morale, c'è il carrierista Belogubov - analfabeta, avido di ricchezza materiale; il suo desiderio di trasformare il servizio pubblico in un mezzo di guadagno e prosperità personale incontra la simpatia e il sostegno di coloro che sono ai massimi livelli dell'amministrazione statale, mentre il desiderio di Zhadov di lavorare onestamente e accontentarsi di una modesta remunerazione senza ricorrere al "tacito" fonti di reddito è percepito come libero pensiero, rovesciando le fondamenta .

Mentre lavorava a "Profitable Place", dove per la prima volta il fenomeno della tirannia veniva messo in connessione diretta con i problemi politici del nostro tempo, Ostrovsky concepì un ciclo di opere teatrali "Nights on the Volga", in cui immagini poetiche popolari e storiche i temi dovevano diventare centrali.

L'interesse per i problemi storici dell'esistenza delle persone, per identificare le radici dei fenomeni sociali moderni, non solo non si è esaurito in questi anni con Ostrovsky, ma ha acquisito forme esplicite e consapevoli. Già nel 1855 iniziò a lavorare a un dramma su Minin, nel 1860 stava lavorando a Voyevoda.

La commedia "Voevoda", raffigurante la vita russa nel 17 ° secolo, era una sorta di aggiunta a "Luogo redditizio" e ad altre commedie di Ostrovsky, esponendo la burocrazia. Dalla fiducia degli eroi di "Luogo redditizio" Yusov, Vyshnevsky, Belogubov che il servizio pubblico è una fonte di reddito e che la posizione di un funzionario dà loro il diritto di tassare la popolazione, dalla loro convinzione che il loro benessere personale significa il benessere dello stato e un tentativo di resistere al loro dominio e arbitrarietà - un'invasione del sancta sanctorum, un filo diretto che si estende ai costumi dei governanti di quell'era lontana, quando il governatore fu inviato in città "per nutrirsi". Il corruttore e stupratore Nechay Shalygin di Voyevoda risulta essere l'antenato dei moderni malversatori e corruttori. Pertanto, pur confrontando il pubblico con il problema della corruzione dell'apparato statale, il drammaturgo non lo ha spinto sulla via di una soluzione semplice e superficiale. Gli abusi e l'illegalità erano trattati nelle sue opere non come un prodotto dell'ultimo regno, i cui difetti potevano essere eliminati dalle riforme del nuovo re, ma apparivano nelle sue opere come conseguenza di una lunga catena di circostanze storiche, la lotta contro la quale ha anche una sua tradizione storica. Il leggendario ladro Khudoyar è raffigurato come un eroe che incarna questa tradizione in Voivode, che:

“... la gente non ha derubato

E non si sanguinò le mani; ma sui ricchi

Stabilisce le quote, i servi e gli impiegati

Non favorisce noi, i nobili locali,

Spaventa molto ... "(4, 70)

Questo eroe popolare nel dramma è identificato con un cittadino in fuga, che si nasconde dalle molestie del governatore e unisce gli offesi agli insoddisfatti intorno a lui.

La fine dell'opera è ambigua: la vittoria degli abitanti della città del Volga, che è riuscita a "cadere" sul governatore, comporta l'arrivo di un nuovo governatore, la cui comparsa è segnata da una colletta della "commemorazione" dei cittadini " per "onorare" il nuovo arrivato. Il dialogo di due cori popolari sui governatori testimonia che, dopo essersi sbarazzati di Shalygin, i cittadini non si sono "sbarazzati" dei guai:

"Vecchi cittadini

Bene, quello vecchio è cattivo, uno nuovo lo sarà.

Giovani cittadini

Sì, bisogna essere uguali, se non peggiori" (4, 155)

L'ultima osservazione di Dubrovin, rispondendo alla domanda se rimarrà nel sobborgo, con il riconoscimento che se il nuovo governatore "fa pressioni sulla gente", lascerà nuovamente la città e tornerà nelle foreste, apre una prospettiva epica di la lotta storica della zemshchina con i predatori burocratici.

Se Voevoda, scritto nel 1864, era nel suo contenuto un prologo storico agli eventi rappresentati in Profitable Place, allora l'opera Enough Simplicity for Every Wise Man (1868) nel suo concetto storico era una continuazione di Profitable Place. L'eroe della commedia satirica "Per ogni uomo saggio ..." - un cinico che si permette di essere franco solo in un diario segreto - costruisce una carriera burocratica sull'ipocrisia e sul rinnegato, sull'indulgenza allo stupido conservatorismo, di cui ride in il suo cuore, sul servilismo e sugli intrighi. Queste persone sono nate in un'epoca in cui le riforme erano combinate con pesanti movimenti all'indietro. Le carriere spesso cominciavano con una dimostrazione di liberalismo, con la denuncia degli abusi, e finivano con l'opportunismo e la cooperazione con le più nere forze della reazione. Glumov, in passato evidentemente vicino a personaggi come Zhadov, contrariamente alla propria ragione e sentimento espresso in un diario segreto, diventa assistente di Mamaev e Krutitsky, gli eredi di Vishnevsky e Yusov, complice della reazione, perché il reazionario significato dell'attività burocratica di persone come Mamaev e Krutitsky nei primi anni '60. svelato per intero. Le opinioni politiche dei funzionari sono rese nella commedia il contenuto principale della loro caratterizzazione. Ostrovsky nota i cambiamenti storici anche quando riflettono la complessità del lento movimento in avanti della società. Descrivendo la mentalità degli anni '60, lo scrittore democratico Pomyalovsky mise in bocca a uno dei suoi eroi la seguente arguta osservazione sullo stato dell'ideologia reazionaria in quel momento: "Questa antichità non è mai esistita prima, è una nuova antichità".

È esattamente così che Ostrovsky dipinge la "nuova antichità" dell'era delle riforme, la situazione rivoluzionaria e la controffensiva delle forze reazionarie. Il membro più conservatore del "cerchio" dei burocrati, che parla del "danno delle riforme in generale", Krutitsky, ritiene necessario dimostrare il suo punto di vista, renderlo pubblico attraverso la stampa, pubblicare progetti e note sui giornali. Glumov ipocritamente, ma in sostanza completamente, gli fa notare l '"illogicità" del suo comportamento: affermando il danno di qualsiasi innovazione, Krutitsky scrive un "progetto" e vuole esprimere i suoi pensieri militantemente arcaici con parole nuove, cioè fa "un concessione allo spirito dei tempi”, che a sua volta la considera “un'invenzione di menti oziose”. Infatti, in una conversazione confidenziale con una persona che la pensa allo stesso modo, questo arci-reazionario riconosce su se stesso e su altri conservatori il potere della nuova situazione sociale storicamente stabilita: "Il tempo è passato" ... "Se vuoi essere utile , sa maneggiare la penna», afferma, tuttavia, partecipando volentieri alla discussione vocalica (5, 119).

È così che si manifesta il progresso politico in una società che vive costantemente i venti gelidi di una reazione in agguato, ma vivace e influente, progresso forzato, strappato ai vertici del governo da un irresistibile movimento storico della società, ma non facendo affidamento sul suo forze sane e sempre “pronte a tornare indietro”. Lo sviluppo culturale e morale della società, i suoi veri portavoce e sostenitori sono costantemente sotto il sospetto, e alla soglia delle “nuove istituzioni”, che, come afferma con sicurezza l'influentissimo Krutitsky, “saranno presto vicino", ci sono fantasmi e promesse di completo regresso - superstizione, oscurantismo e retrogrado in tutto ciò che riguarda la cultura, la scienza, l'arte. Le persone intelligenti e moderne che hanno la propria opinione indipendente e la coscienza incorruttibile non sono ammesse a un miglio di distanza dal L'amministrazione "rinnovatrice" e le figure liberali in essa sono persone che "simulano" il libero pensiero, che non credono in nulla, ciniche e interessate solo al successo dell'uovo. Questo cinismo, venalità e rendere Glumov "la persona giusta" nel circolo burocratico.

Gorodulin è lo stesso, non prende nulla sul serio, tranne il comfort e una vita piacevole per se stesso. Questa figura, influente nelle nuove istituzioni post-riforma, crede meno di tutte nel loro significato. È un formalista più grande dei vecchi credenti che lo circondano. I discorsi ei principi liberali sono per lui una forma, un linguaggio convenzionale, che esiste per alleviare la "necessaria" ipocrisia pubblica e presta un piacevole snellimento laico a parole che potrebbero essere "pericolose" se la falsa retorica non le svalutasse e non le screditasse. Pertanto, la funzione politica di persone come Gorodulin, a cui era coinvolto anche Glumov, consiste nell'ammortamento di concetti che sorgono di nuovo in connessione con l'irresistibile movimento progressivo della società, nell'emorragia del contenuto ideologico e morale stesso del progresso. Non c'è nulla di sorprendente che Gorodulin non sia spaventato, che gli piacciano persino le frasi fortemente accusatorie di Glumov. Dopotutto, più le parole sono risolute e audaci, più facilmente perdono il loro significato quando si comportano in modo inappropriato. Né sorprende che il "liberale" Glumov sia il suo uomo nella cerchia dei burocrati vecchio stile.

"Enough Simplicity for Every Wise Man" è un'opera che sviluppa le scoperte artistiche più importanti fatte prima dallo scrittore, allo stesso tempo è una commedia di un tipo completamente nuovo. Il problema principale che il drammaturgo pone qui è ancora una volta il problema del progresso sociale, delle sue conseguenze morali e delle forme storiche. Ancora una volta, come nelle commedie "Own People ..." e "La povertà non è un vizio", sottolinea il pericolo del progresso che non è accompagnato dallo sviluppo di idee e cultura etiche, ancora una volta, come in "Profitable Place" , disegna l'invincibilità storica dello sviluppo della società, l'inevitabilità della distruzione del vecchio sistema amministrativo, il suo profondo arcaismo, ma allo stesso tempo la complessità e la sofferenza della liberazione della società da esso. A differenza di "Profitable Place", la commedia satirica "Per ogni saggio, ..." è priva di un eroe che rappresenti direttamente le giovani forze interessate al progressivo cambiamento della società. Né Glumov né Gorodulin in realtà si oppongono al mondo dei burocrati reazionari. Tuttavia, il fatto che l'ipocrita Glumov abbia un diario, dove esprime sincero disgusto e disprezzo per la cerchia di persone influenti e potenti, alle quali è costretto a inchinarsi, parla di come gli stracci marci di questo mondo contraddicano i bisogni moderni, le menti delle persone.

Enough Simplicity for Every Wise Man è la prima commedia apertamente politica di Ostrovsky. È senza dubbio la più grave delle commedie politiche dell'era post-riforma che è andata in scena. In questa commedia, Ostrovsky ha posto al pubblico russo la questione del significato delle trasformazioni amministrative moderne, della loro inferiorità storica e dello stato morale della società russa al momento della rottura delle relazioni feudali, avvenuta sotto il "contenimento" del governo ", "congelamento" di questo processo. Rifletteva tutta la complessità dell'approccio di Ostrovsky alla missione didattica ed educativa del teatro. A questo proposito, la commedia "Per ogni uomo saggio ..." può essere messa alla pari con il dramma "Temporale", che rappresenta lo stesso fulcro della linea lirico-psicologica nell'opera del drammaturgo come "Per ogni uomo saggio ..." - satirico.

Se la commedia “Basta stupidità in ogni saggio” esprime gli stati d'animo, le domande e i dubbi vissuti società russa nella seconda metà degli anni '60, quando la natura delle riforme fu determinata e le persone migliori della società russa sperimentarono più di una grave e amara delusione, il Temporale, scritto diversi anni prima, trasmette l'impennata spirituale della società negli anni in cui una situazione rivoluzionaria e sembrava che la servitù e le istituzioni da essa generate sarebbero state spazzate via e l'intera realtà sociale si sarebbe rinnovata. Tali sono i paradossi della creatività artistica: una commedia allegra incarna paure, delusioni e ansia, mentre un'opera teatrale profondamente tragica incarna una fede ottimista nel futuro. L'azione del "Temporale" è dispiegata sulle rive del Volga, in città antica, dove, a quanto pare, nulla è cambiato da secoli, e non può cambiare, ed è nella famiglia patriarcale conservatrice di questa città che Ostrovsky vede le manifestazioni di un irresistibile rinnovamento della vita, il suo inizio disinteressatamente ribelle. In The Thunderstorm, come in molte delle commedie di Ostrovsky, l'azione "lampeggia" come un'esplosione, una scarica elettrica sorta tra due poli, personaggi, nature umane opposte "cariche". L'aspetto storico del drammatico conflitto, la sua correlazione con il problema nazionale tradizioni culturali e il progresso sociale in "Temporale" è espresso in modo particolarmente forte. Due "poli", due forze opposte della vita delle persone, tra le quali le "linee elettriche" del conflitto nel dramma, sono incarnate nella moglie del giovane commerciante Katerina Kabanova e sua suocera, Marfa Kabanova, soprannominata "Kabanikha "per il suo carattere duro e severo. Kabanikha è un custode convinto e di principio dell'antichità, norme e regole di vita una volta per tutte trovate e stabilite. Katerina è un'eternamente alla ricerca, che corre un rischio audace per il bene dei bisogni viventi della sua anima, una persona creativa.

Non riconoscendo l'ammissibilità dei cambiamenti, dello sviluppo e persino della diversità dei fenomeni della realtà, Kabanikha è intollerante e dogmatico. Essa “legittima” le forme abituali di vita come una norma eterna e considera suo massimo diritto punire coloro che hanno violato, in grande o in piccolo, le leggi della vita quotidiana. Essendo un convinto sostenitore dell'immutabilità dell'intero modo di vivere, dell '"eternità" della gerarchia sociale e familiare e del comportamento rituale di ogni persona che prende il suo posto in questa gerarchia, Kabanova non riconosce la legittimità delle differenze individuali tra le persone e la diversità della vita delle persone. Tutto ciò che distingue la vita di altri luoghi dalla vita della città di Kalinov testimonia l '"infedeltà": le persone che vivono diversamente da Kalinovtsy dovrebbero avere teste di cane. Il centro dell'universo è la pia città di Kalinov, il centro di questa città è la casa dei Kabanov: è così che l'esperto vagabondo Feklusha caratterizza il mondo a favore di un'amante severa. Lei, notando i cambiamenti in atto nel mondo, sostiene che minacciano di "sminuire" il tempo stesso. Ogni cambiamento appare al Kabanikha come l'inizio del peccato. È una paladina di una vita chiusa che esclude la comunicazione delle persone. Guardano fuori dalle finestre, secondo lei, per motivi cattivi e peccaminosi, partire per un'altra città è irto di tentazioni e pericoli, motivo per cui legge infinite istruzioni a Tikhon, che se ne va, e gli fa chiedere a sua moglie che lei non guarda fuori dalle finestre. Kabanova ascolta con simpatia le storie sull'innovazione "demoniaca" - "ghisa" e afferma che non avrebbe mai viaggiato in treno. Avendo perso un attributo indispensabile della vita: la capacità di cambiare e morire, tutti i costumi e i rituali approvati da Kabanova si sono trasformati in una forma "eterna", inanimata, perfetta a modo suo, ma vuota.

Dalla religione deriva l'estasi poetica e un accresciuto senso di responsabilità morale, ma è indifferente alla forma dell'ecclesiasmo. Prega in giardino tra i fiori, e nella chiesa non vede un prete e parrocchiani, ma angeli in un raggio di luce che cade dalla cupola. Dall'arte, dai libri antichi, dalla pittura di icone, dalla pittura murale, ha appreso le immagini che vedeva su miniature e icone: "templi d'oro o qualche tipo di straordinario giardino" ... "e le montagne e gli alberi sembrano essere gli stessi del solito, ma mentre scrivono sulle immagini” - tutto vive nella sua mente, si trasforma in sogno, e lei non vede più un dipinto e un libro, ma il mondo in cui si è trasferita, sente i suoni di questo mondo, lo annusa. Katerina porta in sé un principio creativo, sempre vivo, generato dalle irresistibili esigenze del tempo, ne eredita lo spirito creativo cultura antica, che cerca di trasformarsi in una forma priva di significato Kabanikh. Durante l'azione, Katerina è accompagnata dal motivo del volo, dalla guida veloce. Vuole volare come un uccello e sogna di volare, ha provato a nuotare lungo il Volga e nei suoi sogni si vede correre su una troika. Si rivolge sia a Tikhon che a Boris chiedendo di portarla con sé, di portarla via.

Tuttavia, tutto questo movimento, con cui Ostrovsky ha circondato e caratterizzato l'eroina, ha una caratteristica: l'assenza di un obiettivo chiaramente definito.

Dove è migrato da forme inerti vita antica, che divenne " regno oscuro", l'anima delle persone? Dove porta i tesori dell'entusiasmo, della ricerca della verità, delle immagini magiche dell'arte antica? Il dramma non risponde a queste domande. Mostra solo che le persone cercano una vita che corrisponda ai loro bisogni morali, che le vecchie relazioni non le soddisfano, si sono spostate dai secoli di un posto fisso e hanno cominciato a muoversi.

In The Thunderstorm, molti dei motivi più importanti del lavoro del drammaturgo sono stati combinati e hanno ricevuto una nuova vita. Contrastando il "cuore caldo" - un'eroina giovane, coraggiosa e intransigente nelle sue richieste - con "l'inerzia e il torpore" della vecchia generazione, lo scrittore ha seguito il percorso, il cui inizio sono stati i suoi primi saggi e sul quale, anche dopo The Thunderstorm, ha trovato nuove fonti infinitamente ricche di drammi eccitanti e brucianti e di "grandi" commedie. In quanto difensori di due principi fondamentali (il principio di sviluppo e il principio di inerzia), Ostrovsky ha fatto emergere eroi di diverso temperamento. Si ritiene spesso che il "razionalismo", la razionalità di Kabanikh, sia in contrasto con la spontaneità, l'emotività di Katerina. Ma accanto alla giudiziosa "guardiana" Marfa Kabanova, Ostrovsky ha posto la sua persona che la pensa allo stesso modo - "brutta" nella sua irrefrenabilità emotiva Savel Diky, ed ha espresso in un'esplosione emotiva un'aspirazione per l'ignoto, la sete di felicità di Katerina "integrata" con una sete per conoscenza, il saggio razionalismo di Kuligin.

La "disputa" di Katerina e Kabanikha è accompagnata dalla disputa tra Kuligin e Dikiy, il dramma della posizione servile del sentimento nel mondo del calcolo (tema costante di Ostrovsky - da "La povera sposa" fino a "Dowry" e ultima giocata drammaturgo "Non di questo mondo") è accompagnato da un'immagine della tragedia della mente nel "regno oscuro" (il tema delle commedie "Luogo redditizio", "La verità è buona, ma la felicità è migliore" e altre), la tragedia della profanazione della bellezza e della poesia - la tragedia della schiavitù della scienza "filantropi" selvaggi (cfr. "Una sbornia nella festa di qualcun altro").

Allo stesso tempo, The Thunderstorm è stato un fenomeno completamente nuovo nella drammaturgia russa, un dramma popolare senza precedenti che ha attirato l'attenzione della società, ha espresso il suo stato attuale e l'ha allarmata con pensieri sul futuro. Ecco perché Dobrolyubov le ha dedicato un grande articolo speciale, "Un raggio di luce nel regno oscuro".

La vaghezza del destino futuro delle nuove aspirazioni e delle forze creative contemporanee delle persone, così come tragico destino le eroine, non comprese e morte, non tolgono il tono ottimista del dramma, permeato dalla poesia dell'amore per la libertà, esaltando un carattere forte e integro, il valore dei sentimenti diretti. L'impatto emotivo della commedia non mirava a condannare Katerina e non a incitare alla pietà per lei, ma all'esaltazione poetica del suo impulso, giustificandolo, elevandolo al rango di impresa di un'eroina tragica. mostrando vita moderna come un crocevia, Ostrovsky credeva nel futuro del popolo, ma non poteva e non voleva semplificare i problemi dei suoi contemporanei. Ha risvegliato il pensiero, il sentimento, la coscienza del pubblico e non li ha addormentati con soluzioni semplici già pronte.

La sua drammaturgia, evocando una risposta forte e diretta da parte dello spettatore, a volte rendeva le persone poco sviluppate e istruite sedute in sala partecipi dell'esperienza collettiva dei conflitti sociali, delle risate generali al vizio sociale, della rabbia generale e della riflessione generata da queste emozioni. Nell'Orazione da tavola, pronunciata durante le celebrazioni in occasione dell'inaugurazione del monumento a Pushkin nel 1880, Ostrovsky affermava: “Il primo merito di un grande poeta è che attraverso di lui tutto ciò che può diventare più saggio diventa più saggio. Oltre al piacere, oltre alle forme per esprimere pensieri e sentimenti, il poeta fornisce anche le formule stesse di pensieri e sentimenti. I ricchi risultati del più perfetto laboratorio mentale stanno diventando proprietà pubblica. La più alta natura creatrice attrae ed eguaglia tutti a sé» (13, 164).

Con Ostrovsky, lo spettatore russo piangeva e rideva, ma soprattutto pensava e sperava. Le sue opere erano amate e comprese da persone di diversa educazione e preparazione, Ostrovsky fungeva da intermediario tra la grande letteratura realistica della Russia e il suo pubblico di massa. Vedendo come venivano percepite le opere di Ostrovsky, gli scrittori potevano trarre conclusioni sugli stati d'animo e sulle capacità del loro lettore.

Numerosi autori fanno riferimento all'impatto delle opere di Ostrovsky sulla gente comune. Turgenev, Tolstoj, Goncharov scrissero a Ostrovsky sulla nazionalità del suo teatro; Leskov, Reshetnikov, Cechov includevano nelle loro opere i giudizi di artigiani, operai sulle opere di Ostrovsky, sulle rappresentazioni basate sulle sue opere ("Dov'è meglio?" Reshetnikova, "Sperperatore" di Leskov, "La mia vita" di Cechov). Inoltre, i drammi e le commedie di Ostrovsky, relativamente piccoli, concisi, monumentali nei loro problemi, sempre direttamente correlati alla questione principale del percorso storico della Russia, delle tradizioni nazionali dello sviluppo del paese e del suo futuro, erano un crogiolo artistico che mezzi poetici contraffatti che si sono rivelati importanti per lo sviluppo dei generi narrativi. Eccezionali artisti di parole russe hanno seguito da vicino il lavoro del drammaturgo, spesso discutendo con lui, ma più spesso imparando da lui e ammirando la sua abilità. Dopo aver letto la commedia di Ostrovsky all'estero, Turgenev ha scritto: “E il Voivode di Ostrovsky mi ha portato tenerezza. Nessuno aveva mai scritto prima di lui in una lingua russa così gloriosa, gustosa e pura! “…” Che poesia, profumata in alcuni punti, come il nostro boschetto russo in estate! “…” Ah, il padrone, il padrone di quest'uomo barbuto! Lui ei libri nelle sue mani "..." Ha fortemente suscitato in me una vena letteraria!

Goncharov I.A. Sobr. operazione. in 8 volumi, volume 8. M., 1955, p. 491-492.

Ostrovsky A.N. Pieno coll. soch., volume 12. M, 1952, p. 71 e 123. (I seguenti riferimenti nel testo si riferiscono a questa edizione).

Gogol n.v. Pieno coll. soch., volume 5. M., 1949, p. 169.

Ibid, pag. 146.

Cm.: Emelyanov B. Ostrovsky e Dobrolyubov. -- Nel libro: A. N. Ostrovsky. Articoli e materiali. M., 1962, pag. 68-115.

Sulle posizioni ideologiche dei singoli membri del circolo della "giovane edizione" di "Moskvityanin" e sul loro rapporto con Pogodin, vedi: Vengerov S.A. La giovane edizione di "Moskvityanin". Dalla storia del giornalismo russo. -- Ovest. Europa, 1886, n. 2, p. 581--612; Bochkarev V.A. Sulla storia della giovane edizione di "Moskvityanin". - Imparato. app. Kuibyshev. ped. in-ta, 1942, n. 6, pag. 180-191; Dementiev A.G. Saggi sulla storia del giornalismo russo 1840-1850. M.-L., 1951, p. 221-240; Egorov B.F. 1) Saggi sulla storia della critica letteraria russa a metà del XIX secolo. L., 1973, pag. 27-35; 2) A. N. Ostrovsky e la "giovane edizione" di The Moskvityanin. -- Nel libro: A. N. Ostrovsky e lo scrittore russo. Kostroma, 1974, pag. . 21--27; Lakshin V. UN. Ostrovsky. M., 1976, pag. 132-179.

"Domostroy" si è formato come un insieme di regole che regolavano i doveri di una persona russa in relazione a religione, chiesa, potere secolare e famiglia nella prima metà del XVI secolo, successivamente rivisto e in parte integrato da Silvestro. A. S. Orlov ha affermato che il modo di vivere, eretto da "Domostroy" nella norma, "è sopravvissuto all'epopea Zamoskvoretsky di A. N. Ostrovsky" ( Orlov A.S. Antica letteratura russa dei secoli XI-XVI. M.-L., 1937, p. 347).

Pomyalovsky N.G. Operazione. M.-L., 1951, p. 200.

Sulla riflessione nella commedia "Basta semplicità per ogni uomo saggio" delle attuali circostanze politiche dell'epoca, vedi: Lakshin V. I "saggi" di Ostrovsky nella storia e sul palcoscenico. -- Nel libro: Biografia del libro. M., 1979, pag. 224-323.

Per un'analisi speciale del dramma "Temporale" e informazioni sulla protesta pubblica suscitata da questo lavoro, vedere il libro: Revyakin A.I."Temporale" di A. N. Ostrovsky. M., 1955.

Sui principi dell'organizzazione dell'azione nel dramma di Ostrovsky, vedi: Kholodov E. Maestria Ostrovsky. M., 1983, pag. 243-316.

Turgenev I.S. Pieno coll. operazione. e lettere in 28 volumi Lettere, volume 5. M.-L., 1963, p. 365.

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