Arte rinascimentale. Cultura e arte del rinascimento - opera d'arte astratta nel saggio rinascimentale

L'epoca rinascimentale si riferisce, secondo alcune fonti, ai secoli XIV-XVII. secondo altri - ai secoli XV - XVIII. C'è anche un punto di vista di non individuare il revival come un'era, ma di considerarlo come il tardo medioevo. Questo è il periodo della crisi del feudalesimo e dello sviluppo delle relazioni borghesi nell'economia e nell'ideologia. Il termine rinascimento (Rinascimento) fu introdotto per indicare che in quest'epoca furono rianimati i migliori valori e ideali dell'antichità, distrutti dai barbari (architettura, scultura, pittura, filosofia, letteratura), ma questo termine fu interpretato molto condizionatamente, perché. Non puoi ripristinare l'intero passato. Questo non è un risveglio del passato nella sua forma pura: è la creazione di uno nuovo utilizzando molti dei valori spirituali e materiali dell'antichità. Inoltre, era impossibile cancellare i valori dei nove secoli del Medioevo, in particolare i valori spirituali associati al cristianesimo. Il Rinascimento è una sintesi di tradizioni antiche e medievali, ma ad un livello superiore. In ogni fase di questa era, una certa direzione era dominante. Se all'inizio era "prometeismo", ad es. un'ideologia che presuppone l'uguaglianza di tutte le persone per natura, nonché il riconoscimento dell'interesse privato e dell'individualismo. Inoltre, compaiono nuove teorie sociali che riflettono lo spirito del tempo e la teoria dell'umanesimo occupa il ruolo principale. L'umanesimo dell'era rinascimentale si concentra sul libero pensiero e, di conseguenza, su una struttura equa del sociale e vita pubblica, che molto spesso dovrebbe essere raggiunto su base democratica nel quadro di un sistema repubblicano. Anche le opinioni sulla religione stanno subendo dei cambiamenti. La filosofia naturale sta tornando popolare e si sta diffondendo il "pantemismo" (una dottrina che nega Dio come persona e lo avvicina alla natura). L'ultimo periodo del Rinascimento è l'era della Riforma, che completa questo più grande sconvolgimento progressivo nello sviluppo della cultura europea. Di solito, il significato storico del Rinascimento è associato alle idee e alle conquiste artistiche dell'umanesimo, che proclamava, in contrasto con l'ascetismo cristiano medievale, la grandezza e la dignità dell'uomo. Il suo diritto all'attività razionale, al godimento e alla felicità nella vita terrena. Gli umanisti vedevano nell'uomo la più bella e perfetta creazione di Dio. Hanno esteso all'uomo la creazione, le capacità creative insite in Dio, hanno visto il suo destino nella conoscenza e nella trasformazione del mondo, ornato dal suo lavoro, nello sviluppo delle scienze e dei mestieri. A partire dalla Germania, la Riforma ha travolto un certo numero di paesi europei e ha portato all'allontanamento dalla Chiesa cattolica di Inghilterra, Scozia, Danimarca, Svezia, Norvegia, Paesi Bassi, Finlandia, Svizzera, Repubblica Ceca, Ungheria e in parte Germania. Si tratta di un ampio movimento religioso e socio-politico iniziato all'inizio del XVI secolo in Germania e volto a trasformare la religione cristiana.

L'epoca rinascimentale si riferisce, secondo alcune fonti, ai secoli XIV-XVII. secondo altri - ai secoli XV - XVIII. C'è anche un punto di vista di non individuare il revival come un'era, ma di considerarlo come il tardo medioevo. Questo è il periodo della crisi del feudalesimo e dello sviluppo delle relazioni borghesi nell'economia e nell'ideologia. Il termine rinascimento (Rinascimento) fu introdotto per indicare che in quest'epoca furono rianimati i migliori valori e ideali dell'antichità, distrutti dai barbari (architettura, scultura, pittura, filosofia, letteratura), ma questo termine fu interpretato molto condizionatamente, perché. Non puoi ripristinare l'intero passato. Questo non è un risveglio del passato nella sua forma pura: è la creazione di uno nuovo utilizzando molti dei valori spirituali e materiali dell'antichità. Inoltre, era impossibile cancellare i valori dei nove secoli del Medioevo, in particolare i valori spirituali associati al cristianesimo.Il Rinascimento è una sintesi di tradizioni antiche e medievali, ma a un livello superiore. In ogni fase di questa era, una certa direzione era dominante. Se all'inizio era "prometeismo", ad es. un'ideologia che presuppone l'uguaglianza di tutte le persone per natura, nonché il riconoscimento dell'interesse privato e dell'individualismo. Inoltre, compaiono nuove teorie sociali che riflettono lo spirito del tempo e la teoria dell'umanesimo occupa il ruolo principale. L'umanesimo rinascimentale si concentra sul libero pensiero e, di conseguenza, su un'equa organizzazione della vita pubblica e statale, che molto spesso dovrebbe essere raggiunta su base democratica nell'ambito di un sistema repubblicano.Anche le opinioni sulla religione stanno subendo cambiamenti. La filosofia naturale sta tornando popolare e si sta diffondendo il "pantemismo" (una dottrina che nega Dio come persona e lo avvicina alla natura).L'ultimo periodo del Rinascimento è la Riforma, che completa questa più grande rivoluzione progressiva nello sviluppo dell'Europa cultura. Di solito, il significato storico del Rinascimento è associato alle idee e alle conquiste artistiche dell'umanesimo, che proclamava, in contrasto con l'ascetismo cristiano medievale, la grandezza e la dignità dell'uomo. Il suo diritto all'attività razionale, al godimento e alla felicità nella vita terrena. Gli umanisti vedevano nell'uomo la più bella e perfetta creazione di Dio. Hanno esteso all'uomo la creazione, le capacità creative insite in Dio, hanno visto il suo destino nella conoscenza e nella trasformazione del mondo, ornato dal suo lavoro, nello sviluppo delle scienze e dei mestieri. A partire dalla Germania, la Riforma ha travolto un certo numero di paesi europei e ha portato all'allontanamento dalla Chiesa cattolica di Inghilterra, Scozia, Danimarca, Svezia, Norvegia, Paesi Bassi, Finlandia, Svizzera, Repubblica Ceca, Ungheria e in parte Germania. Si tratta di un ampio movimento religioso e socio-politico iniziato all'inizio del XVI secolo in Germania e volto a trasformare la religione cristiana.

Controllo del lavoro nella disciplina: "Culturologia"

sul tema: "Cultura del Rinascimento (Rinascimento)"

Completato:

Alunno

San Pietroburgo 2008

introduzione

1. Cultura del Rinascimento

2. L'arte del rinascimento

3. Poesia del Rinascimento

4. Teatro del Rinascimento

Conclusione

introduzione

Il Rinascimento è una tappa molto importante nello sviluppo della cultura europea. Cronologicamente incluso in storia medievale nazioni europee sorto nelle profondità della cultura feudale, il Rinascimento ne apre una fondamentalmente nuova epoca culturale, segnando l'inizio della lotta della borghesia per il dominio nella società.

In questa prima fase di sviluppo, l'ideologia borghese era un'ideologia progressista e rifletteva gli interessi non solo della borghesia stessa, ma anche di tutte le altre classi e classi che erano subordinate alla struttura feudale delle relazioni che stava diventando obsoleta.

Il Rinascimento è un periodo di inquisizione dilagante, una scissione nella Chiesa cattolica, guerre brutali e rivolte popolari che hanno avuto luogo sullo sfondo della formazione dell'individualismo borghese.

La cultura del Rinascimento ebbe origine nella seconda metà del XIV secolo. E ha continuato a svilupparsi per tutto il XV e XVI secolo, coprendo gradualmente uno dopo l'altro tutti i paesi d'Europa. L'emergere della cultura rinascimentale è stata preparata da una serie di condizioni storiche paneuropee e locali.

Nei secoli XIV - XV. nacquero i primi rapporti capitalistici, denaro-merce. L'Italia è stata una delle prime a intraprendere questo percorso, che è stato largamente facilitato da: un alto livello di urbanizzazione, la subordinazione delle campagne alla città, l'ampio respiro della produzione artigianale, gli affari finanziari, orientati non solo al domestico, ma anche al mercato estero.

La formazione di una nuova cultura è stata preparata anche dalla coscienza pubblica, dai cambiamenti negli umori dei vari strati sociali della prima borghesia. L'ascetismo della moralità della chiesa nell'era dell'attiva imprenditorialità commerciale, industriale e finanziaria era seriamente in contrasto con la pratica della vita reale di questi strati sociali con il loro desiderio di beni terreni, accaparramento, brama di ricchezza. Nella psicologia dei mercanti, l'élite artigiana, apparivano chiaramente le caratteristiche del razionalismo, della prudenza, del coraggio negli affari, della consapevolezza delle capacità personali e delle ampie opportunità. C'era una morale che giustificava l '"arricchimento onesto", le gioie della vita mondana, il cui coronamento del successo era considerato il prestigio della famiglia, il rispetto dei concittadini, la gloria nella memoria dei discendenti.

Il termine "Rinascimento" (Rinascimento) apparve nel XVI secolo. Il termine "Rinascimento" originariamente significava non tanto il nome dell'intera epoca, ma il momento stesso dell'emergere di una nuova arte, che di solito coincideva con l'inizio del XVI secolo. Solo più tardi il concetto acquisì un significato più ampio e iniziò a designare l'epoca in cui in Italia, e poi in altri paesi, si formò e fiorì una cultura contraria al feudalesimo. Engels ha descritto il Rinascimento come "il più grande sconvolgimento progressivo di tutto ciò che l'umanità ha vissuto fino a quel momento".

1. Cultura del Rinascimento

I secoli XIII - XVI furono un periodo di grandi cambiamenti nell'economia, nella vita politica e culturale dei paesi europei. La rapida crescita delle città e lo sviluppo dell'artigianato, e successivamente l'affermarsi della produzione manifatturiera, l'ascesa del commercio mondiale, che ha coinvolto nella sua orbita aree sempre più remote, il progressivo dispiegarsi delle principali rotte commerciali dal Mediterraneo al nord, che terminò dopo la caduta di Bisanzio e le grandi scoperte geografiche della fine del XV e dell'inizio del XVI secolo cambiarono il volto dell'Europa medievale. Quasi ovunque le città stanno venendo alla ribalta. Un tempo le forze più potenti del mondo medievale - l'impero e il papato - erano in profonda crisi. Nel XVI secolo, il decadente Sacro Romano Impero della nazione tedesca divenne teatro delle prime due rivoluzioni antifeudali: la Grande Guerra dei Contadini in Germania e la Rivolta dei Paesi Bassi. La natura transitoria dell'epoca, il processo di liberazione dalle catene medievali in atto in tutti gli ambiti della vita e, allo stesso tempo, l'ancora sottosviluppo delle relazioni capitaliste emergenti non potevano non influenzare le caratteristiche della cultura artistica e del pensiero estetico di quel tempo .

Tutti i cambiamenti nella vita della società sono stati accompagnati da un ampio rinnovamento della cultura: il fiorire delle scienze naturali ed esatte, della letteratura nelle lingue nazionali e, in particolare, delle belle arti. Nato nelle città d'Italia, questo rinnovamento ha poi catturato altri paesi europei. L'avvento della stampa ha aperto opportunità senza precedenti per la diffusione di opere letterarie e opere scientifiche, e una comunicazione più regolare e più stretta tra i paesi ha contribuito alla penetrazione capillare di nuovi movimenti artistici.

Ciò non significa che il Medioevo si sia ritirato davanti alle nuove tendenze: le idee tradizionali sono state preservate nella coscienza di massa. La chiesa ha resistito a nuove idee, usando un mezzo medievale: l'Inquisizione. idea di libertà personalità umana continuò ad esistere in una società divisa in classi. La forma feudale di dipendenza dei contadini non è scomparsa del tutto e in alcuni paesi (Germania, Europa centrale) si è verificato un ritorno alla servitù. Il sistema feudale ha mostrato molta vitalità. Ogni paese europeo l'ha vissuta a modo suo e all'interno del proprio quadro cronologico. Capitalismo per molto tempo esisteva come stile di vita, coprendo solo una parte della produzione sia in città che in campagna. Tuttavia, la lentezza patriarcale medievale iniziò a retrocedere nel passato.

Le grandi scoperte geografiche hanno giocato un ruolo enorme in questa svolta. Nel 1456 le navi portoghesi raggiunsero Capo Verde e nel 1486 la spedizione di B. Diaz fece il giro del continente africano da sud, passando per il Capo di Buona Speranza. Padroneggiando la costa dell'Africa, i portoghesi inviarono contemporaneamente navi nell'oceano aperto, a ovest ea sud-ovest. Di conseguenza, sulle mappe sono apparse Azzorre e Isole Madeira precedentemente sconosciute. Nel 1492 accadde un grande evento: H. Columbus, un italiano trasferitosi in Spagna, attraversò l'Oceano Atlantico in cerca di una via per l'India e sbarcò vicino alle Bahamas, scoprendo un nuovo continente: l'America. Nel 1498, il viaggiatore spagnolo Vasco da Gama, doppiando l'Africa, portò con successo le sue navi sulle coste dell'India. Dal 16° secolo Gli europei stanno penetrando in Cina e Giappone, di cui prima avevano solo una vaga idea. Dal 1510 inizia la conquista dell'America. Nel 17 ° secolo L'Australia è stata scoperta. L'idea della forma della terra è cambiata: il giro del mondo del portoghese F. Magellan (1519-1522) ha confermato la congettura che abbia la forma di una palla.

2. L'arte del rinascimento

L'arte dell'antichità è uno dei fondamenti della cultura artistica del Rinascimento. I rappresentanti del Rinascimento trovano nella cultura antica qualcosa che è in sintonia con le proprie aspirazioni: impegno per la realtà, allegria, ammirazione per la bellezza. mondo terreno prima della grandezza dell'impresa eroica. Allo stesso tempo, avendo preso forma in diverse condizioni storiche, avendo assorbito le tradizioni degli stili romanico e gotico, l'arte del Rinascimento porta l'impronta del suo tempo. Rispetto all'arte dell'antichità classica, il mondo spirituale dell'uomo sta diventando più complesso e sfaccettato.

In questo momento, la società italiana inizia a interessarsi attivamente alla cultura dell'antica Grecia e di Roma, si cercano manoscritti di scrittori antichi, così sono stati trovati gli scritti di Cicerone e Tito Livio.

Disegnando l'ideale della personalità umana, le figure del Rinascimento ne sottolineavano la gentilezza, la forza, l'eroismo, la capacità di creare e creare un nuovo mondo intorno a sé. L'alta idea di una persona era indissolubilmente legata all'idea del suo libero arbitrio: una persona sceglie il proprio percorso di vita ed è responsabile del proprio destino. Il valore di una persona cominciò a essere determinato dai suoi meriti personali, e non dalla sua posizione nella società: "Nobiltà, come una sorta di splendore che emana dalla virtù e illumina i suoi proprietari, qualunque sia la loro origine". (Da Il libro della nobiltà di Poggio Bracciolini, umanista italiano del XV secolo).

Il Rinascimento è un'epoca di grandi scoperte, grandi maestri e le loro opere eccezionali. È segnato dall'apparizione di un'intera galassia di artisti-scienziati, tra i quali il primo posto appartiene a Leonardo da Vinci. Era il tempo del titanismo, che si manifestava sia nell'arte che nella vita. Basti ricordare le immagini eroiche create da Michelangelo e dal loro creatore (poeta, artista, scultore). Persone come Michelangelo o Leonardo da Vinci ne erano veri esempi possibilità illimitate persona.

L'arte nel Rinascimento raggiunge una fioritura senza precedenti. Ciò è dovuto alla ripresa economica, con un enorme cambiamento avvenuto nelle menti delle persone che si sono rivolte al culto della vita terrena e della bellezza. Nel Rinascimento l'immagine oggettiva del mondo era vista attraverso gli occhi di una persona, quindi uno dei problemi importanti affrontati dagli artisti era il problema dello spazio.

Gli artisti iniziarono a vedere il mondo in modo diverso: immagini piatte, come se incorporee dell'arte medievale lasciassero il posto a uno spazio tridimensionale, in rilievo, convesso. Raffaello Santi (1483-1520), Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) cantarono con la loro creatività la personalità perfetta, in cui bellezza fisica e spirituale si fondono secondo le esigenze dell'estetica antica. Gli artisti del Rinascimento si affidano ai principi dell'imitazione della natura, usano la prospettiva, la regola della "sezione aurea" nella costruzione corpo umano. Leonardo da Vinci caratterizza la pittura come "la più grande delle scienze". Il principio di "conformità alla natura", il desiderio di riprodurre l'oggetto raffigurato nel modo più accurato possibile, nonché l'interesse per l'individualità insito in questo periodo, conferiscono un sottile psicologismo alle opere dei maestri del Rinascimento.

Le opere degli artisti diventano firme, cioè sottolineato dall'autore. Appaiono sempre più autoritratti. Un indubbio segno di una nuova consapevolezza di sé è il fatto che gli artisti evitano sempre più gli ordini diretti, dedicandosi al lavoro per un impulso interiore. Entro la fine del XIV secolo, anche la posizione esterna dell'artista nella società cambiò in modo significativo. Gli artisti cominciano a ricevere ogni sorta di riconoscimenti pubblici, cariche, benefici onorari e monetari. E Michelangelo, ad esempio, è elevato a tale altezza che, senza timore di offendere i portatori incoronati, rifiuta gli alti onori che gli vengono offerti. Gli basta il titolo "divino". Insiste che tutti i titoli siano omessi nelle lettere a lui, e scrivono semplicemente "Michelangelo Buonarroti". Il genio ha un nome. Il titolo è per lui un peso, perché associato a circostanze inevitabili e, quindi, almeno a una parziale perdita di quella stessa libertà da tutto ciò che ostacola la sua creatività. Ma il limite logico su cui gravitava l'artista del Rinascimento era l'acquisizione di una completa indipendenza personale, assumendo, ovviamente, principalmente la libertà creativa.

Se Michelangelo può essere definito il più brillante artista del Rinascimento, allora Leonardo è la più grande idea dell'artista del Rinascimento. Michelangelo ha materializzato lo spirito e Leonardo ha spiritualizzato la natura. Se Leonardo e Michelangelo possono essere immaginati come 2 poli del Rinascimento, allora Raffaello può essere chiamato il suo centro. Era il suo lavoro che esprimeva più pienamente tutti i principi del Rinascimento, si adattava al Rinascimento. L'arte di Raffaello per tutti i tempi è diventata un simbolo di armonia, incarnandola in se stessa.

Nell'arte del Rinascimento l'uomo diventa un valore reale e indipendente. In architettura, questo si manifesta non solo nell'umanizzazione delle proporzioni degli edifici, ma anche nella creazione di idee per pavimenti. In architettura, il richiamo alla tradizione classica ha giocato un ruolo particolarmente importante. Si è manifestato non solo nel rifiuto delle forme gotiche e nel revival dell'antico sistema di ordine, ma anche nella classica proporzionalità delle proporzioni, nello sviluppo di un tipo centrico di edifici nell'architettura del tempio con uno spazio interno facilmente visibile. Soprattutto nel campo dell'architettura civile sono state create molte cose nuove. Nel Rinascimento, gli edifici cittadini a più piani (municipi, case delle corporazioni mercantili, università, magazzini, mercati, ecc.) assumono un aspetto più elegante, appare un tipo di palazzo cittadino (palazzo) - l'abitazione di un ricco borghese, così come un tipo di villa di campagna. Le questioni relative alla pianificazione delle città vengono risolte in modo nuovo, i centri urbani vengono ricostruiti. Si sta formando l'atteggiamento nei confronti dell'architettura come manifestazione dell'abilità individuale.

Nella musica continua lo sviluppo della polifonia vocale e strumentale. Particolarmente notevole è la scuola polifonica olandese sviluppatasi nel XV secolo, che ha svolto un ruolo significativo nella musica professionale europea per due secoli, fino all'avvento dell'opera (compositori J. Despres, O. Lasso). Nuovi generi compaiono nella musica profana: frottole - una canzone di origine popolare in Italia; villanisco - una canzone su qualsiasi argomento, dal lirico e pastorale allo storico e moraleggiante - in Spagna; madrigal - un tipo di testi di canzoni eseguiti nella lingua madre. Allo stesso tempo, alcune figure musicali giustificano i vantaggi della musica monadica, in contrapposizione alla passione per la polifonia. Compaiono generi che contribuiscono alla creazione dell'omofonia (monofonia): canto solista, cantata, oratorio. Anche la teoria musicale si sta sviluppando.

3. Poesia del Rinascimento

Parlando del Rinascimento come di un grande sconvolgimento storico, F. Engels, nella prefazione a La dialettica della natura, ha sottolineato che durante questo sconvolgimento si sono formate nazioni in Europa, sono nate letterature nazionali, forgiate nuovo tipo persona. Questa era "aveva bisogno di titani" e "ha dato alla luce titani in forza di pensiero, passione e carattere, ma in versatilità e apprendimento".

È difficile trovare una grande figura culturale del Rinascimento che non scrivesse poesie. Poeti di talento erano Raffaello, Michelangelo e Leonardo da Vinci; le poesie furono scritte da Giordano Bruno, Tommaso Moro, Ulrich von Hutten, Erasmo da Rotterdam. L'arte di scrivere poesie fu insegnata da Ronsard ai principi di Francia. Le poesie sono state composte da papi e principi italiani. Anche la stravagante avventuriera Mary Stuart ha lasciato cadere graziosi versi poetici, salutando la Francia, dove scorreva la sua allegra giovinezza. I poeti lirici erano importanti scrittori di prosa e drammaturghi. Ovviamente, il grande sconvolgimento aveva il suo ritmo, chiaramente catturato da persone di talento, e il loro battito cardiaco. Nel caos visibile eventi storici che cadde sull'Europa - in guerre, rivolte, grandi campagne in terre lontane, in nuove e nuove scoperte - suonava quella "musica delle sfere", quella voce della storia che è sempre comprensibile nelle epoche rivoluzionarie per le persone che sono in grado di ascoltarla . Questi nuovi ritmi di vita risuonavano con grande forza nella poesia che nasceva di nuovo lingue europee, che in molti casi ha acquisito leggi di scambio proprio in relazione alle attività dei poeti.

importante e momento comune poiché tutta la poesia europea del Rinascimento era che si staccava dall'arte del canto, e presto dall'accompagnamento musicale, senza il quale i testi popolari del Medioevo, così come l'arte dei poeti cavallereschi - trovatori e menestrelli, erano inconcepibili. A costo degli sforzi di audaci riformatori, la poesia divenne un'area di creatività strettamente individuale, in cui una nuova personalità, nata nelle tempeste del Rinascimento, rivelava il suo rapporto con le altre persone, con la società, con la natura. Le raccolte di poeti italiani dei secoli XIV-XV sono ancora chiamate alla vecchia maniera: "Songbooks" - "Canzoniere", ma si stanno già stampando poesie da dire ad alta voce o da leggere a se stessi, per il bene di una crescente tribù di poesie amanti che hanno dimenticato il mondo intero davanti a un libro di poesie, come giovani eroi " Divina Commedia» Paolo e Francesca.

Tuttavia, la poesia dei tempi moderni ha contribuito a spezzare completamente il legame con la canzone, soprattutto folk. Inoltre, fu proprio nell'era del primo Rinascimento che una potente ondata di poesia popolare, principalmente poesia cantata, attraversò tutti i paesi d'Europa. Si può dire che la fioritura della poesia lirica in quel momento iniziò proprio con la poesia delle masse popolari - contadine e urbane, che ovunque in Europa sentivano crescere la loro forza, il loro impatto sulla vita della società. Il Rinascimento fu l'epoca dei grandi movimenti popolari che minarono le fondamenta del Medioevo, preannunciando l'avvento di un tempo nuovo.

Le profonde connessioni tra rivolta popolare e critica dell'ideologia feudale sono rivelate in The Vision of Peter the Plowman, un poema degli anni Settanta del Quattrocento attribuito all'oscuro perdente William Langland e pieno di echi di folklore. Il portatore della verità morale qui è un lavoratore, un aratore. Nel XIV secolo, ovviamente, si formò la trama della spina dorsale principale delle ballate sul ribelle e protettore del popolo Robin Hood, che divenne una lettura popolare preferita non appena le macchine da stampa iniziarono a funzionare in Inghilterra.

La riserva originale della ballata, dove esiste ancora come genere poetico vivente, sono diventati i numerosi arcipelaghi del Nord Atlantico con la loro popolazione mista di origine prevalentemente danese. La ballata rinascimentale danese, i cui esempi sono inclusi in questo volume, è diventata un genere classico della poesia popolare nordeuropea.

Dalla met Ulenspiegel e un libro sul dottor Faust). Sono elaborati e utilizzati da scrittori umanisti, anche quelli che sono molto lontani dal movimento delle masse, ma che sentono il desiderio di fonti popolari. Diamo un'occhiata alle opere di Shakespeare, dei suoi contemporanei e predecessori. Quante ballate popolari troveremo nel cuore stesso dei loro disegni; nella canzone di Desdemona sul salice-salice, nella canzone di Ofelia sul giorno di San Valentino, nell'atmosfera della foresta delle Ardenne ("Molto rumore per nulla"), dove Jacques vaga, che ricorda così un'altra foresta: Sherwood, la tana del tiratore Robin Hood e il suo verde allegro fratelli. Ma, prima di entrare nei calamai degli scrittori, questi motivi giravano per le piazze delle città inglesi, nelle fiere rurali e nelle taverne lungo la strada, venivano eseguiti da cantanti erranti e spaventavano i devoti puritani.

Il poeta di quell'epoca aveva un'altra fonte di ispirazione: l'antichità classica. L'amore appassionato per la conoscenza ha spinto il poeta a lunghi viaggi nei teatri anatomici, nelle fucine e nei laboratori, ma anche nelle biblioteche. Fino al XV secolo, l'europeo colto conosceva alcune opere della letteratura latina sopravvissute antica Roma, a sua volta, ha imparato molto dalla cultura dell'antica Grecia. Ma la stessa cultura greca divenne ampiamente nota in seguito, soprattutto dopo il XV secolo, quando Bisanzio, l'ultimo pilastro della civiltà greca medievale in Medio Oriente, crollò nella lotta contro i turchi. Migliaia di profughi greci che dalle terre conquistate dai turchi si riversarono nei paesi cristiani d'Europa portarono con sé la conoscenza della loro lingua madre e dell'arte, molti divennero traduttori presso le corti europee, insegnanti greco nelle università europee, come consulenti presso grandi tipografie che pubblicavano i classici antichi in originale e in traduzione.

L'antichità divenne, per così dire, il secondo mondo in cui vissero i poeti del Rinascimento. Raramente immaginavano che la cultura dell'antichità fosse costruita sul sudore e sul sangue degli schiavi; hanno immaginato le persone dell'antichità come un'analogia con le persone del loro tempo, e così le hanno rappresentate. Un esempio di ciò è la folla ribelle nelle tragedie di Shakespeare, contadini e artigiani "antichi" sulle tele di artisti del Rinascimento, o pastori e pastorelle nelle loro poesie e poesie.

A poco a poco, nel flusso dello sviluppo letterario di quell'epoca emersero due tendenze: una, nella lotta per la formazione di una nuova letteratura nazionale, fu guidata da campioni antichi, preferì la loro esperienza della tradizione popolare, insegnò ai giovani a scrivere “secondo Orazio” o “secondo Aristotele”. A volte, nel loro desiderio di essere più vicini ai modelli antichi, questi poeti "eruditi" hanno persino scartato la rima, che è stata una conquista indiscutibile della poesia medievale europea. Rappresentanti di un'altra direzione - tra cui Shakespeare e Lone de Vega - apprezzando molto la letteratura antica e spesso estraendo trame e immagini dai suoi tesori per le loro opere, tuttavia difesero per lo scrittore non solo il diritto, ma anche il dovere, prima di tutto, di studiare e riprodurre in poesia vivere la vita. Amleto ne parla con gli attori, in relazione alle abilità sceniche, Lone de Vega ripete la stessa cosa nel suo trattato “Sulla nuova arte di scrivere commedie”. È Lipe che esprime direttamente l'idea della necessità di fare i conti con la tradizione popolare nell'arte. Ma Shakespeare, nei suoi sonetti, parlando di un certo collega scrittore che sfidò la sua fama poetica, oppone alla sua maniera "dotta", "decorata" il suo stile "semplice" e "modesto". Entrambe le correnti nel loro insieme costituivano un unico flusso di poesia umanistica, e sebbene vi fossero contraddizioni interne, dovute a diverse cause sociali in diversi paesi, i poeti umanisti si opposero a quegli scrittori del loro tempo che cercarono di difendere il vecchio mondo feudale, obsoleto norme estetiche e vecchie tecniche poetiche.

Il Quattrocento ha apportato molte novità alla poesia italiana. In questo periodo, le famiglie patrizie iniziarono a prendere gradualmente il potere nelle città, che da stati-comuni mercantili si trasformarono in ducati e principati. I figli dei ricchi fiorentini, ad esempio, la famosa casa bancaria dei Medici, ostentavano un'educazione umanistica, patrocinavano le arti e loro stessi non erano loro estranei. I poeti umanisti scrivevano versi latini pensando ai lettori istruiti. Sotto la penna di talenti come Angelo Poliziano si ravvivò il culto dei valorosi cavalieri e delle belle dame per le esigenze della nobiltà cittadina. La città-comune, difendendo i propri diritti dalla pesante morsa della casa dei Medici, rispose all'emergere di una nuova cultura aristocratica con il rapido sviluppo di canti popolari satirici e quotidiani; Pulci ha deriso la passione romantica per il passato feudale nel poema eroico "Big Morgant". Tuttavia, a Firenze e, in particolare, a Ferrara, capitale-fortezza dei Duchi d'Este, il poema cavalleresco amoroso fu ripreso in una versione aggiornata. Conte Matteo Boiardo, e successivamente, già nel XVI secolo, il Il poeta ferrarese Ludovico Ariosto narra in eleganti ottave le gesta e le avventure inaudite del cavaliere Rolando (Orlando), che da severo eroe di un'epopea medievale si trasformò in un ardente amante sconvolto dalla gelosia. Riferendosi alla fantasia di diversi secoli e popoli, Ariosto ha creato un'opera in cui Don Chisciotte fa presagire molto.

L'ultimo contributo alla poesia europea del Rinascimento appartiene ai poeti della penisola iberica; svolta decisiva verso una nuova visione del mondo e nuova cultura avvenne qui solo a cavallo tra il XV e il XVI secolo, per cui c'erano ragioni. Innanzitutto la lunga riconquista, che richiese l'impegno di tutte le forze dei popoli fraterni disuniti e spesso ostili che abitavano la penisola. Lo sviluppo storico della Spagna procedette in modo peculiare. Il potere reale non aveva un forte punto d'appoggio nelle città spagnole, e sebbene a sua volta spezzasse l'aristocrazia recalcitrante e i comuni urbani, non esisteva un vero stato e unificazione nazionale: i re spagnoli governavano, facendo affidamento solo sul potere delle armi e della chiesa inquisizione. La scoperta dell'America alla fine del XV secolo e la cattura delle sue vaste aree con miniere d'oro e d'argento portarono per un breve periodo a un arricchimento senza precedenti della Spagna, quindi a un calo del prezzo dell'oro e a un catastrofico impoverimento del paese, dove la ricerca del denaro facile sostituì la preoccupazione per lo sviluppo dell'artigianato e dell'agricoltura. Lo stato spagnolo iniziò a perdere il suo potere politico, alla fine del XVI secolo i Paesi Bassi se ne allontanarono, nel 1588 fu sconfitta l'Invincible Armada, la flotta spagnola inviata alla conquista dell'Inghilterra. C'è stata una reazione. Folle di mendicanti e vagabondi si stendevano lungo i campi e le strade bruciate dal sole del paese, che, divenuto regno di avventurieri e predoni, rimase in gran parte un paese feudale.

Eppure, una brillante cultura rinascimentale fiorì in Spagna. Già qui la letteratura del tardo medioevo era ricca e varia. Le tradizioni aragonesi, castigliane, andaluse si fusero in qualcosa di nuovo, assorbendo gli influssi della Galizia con la sua scuola di trovatori, e della Catalogna, e soprattutto del Portogallo, che già nel XV secolo iniziò a lottare per nuove rotte marittime e in genere superò la Spagna nel campo della sviluppo culturale. Gli stretti legami culturali con la Spagna furono rafforzati da mezzo secolo (1580-1640) di sottomissione del Portogallo alla corona spagnola. Molto importante per le letterature della penisola iberica fu la loro secolare vicinanza alle letterature del mondo arabo. Attraverso questo quartiere, i poeti spagnoli ricevettero molti motivi e immagini, particolarmente evidenti nei romanzi del XV-XVI secolo. D'altra parte, la Spagna a quel tempo era strettamente legata al regno siciliano, con Venezia, teneva guarnigioni e flotte in molte città e porti d'Italia. Durante la sua formazione, la poesia rinascimentale spagnola ha subito l'influenza più forte e duratura della poesia italiana. (Lo stesso vale per la letteratura del Portogallo)

I romantici in qualsiasi letteratura dell'Europa occidentale erano successori e studenti dei maestri del Rinascimento. La sua arte pura e umana è servita da modello per numerosi poeti progressisti del XX secolo. L'artista del realismo socialista, Johannes R. Becher, ha ritenuto necessario includere nei suoi studi sulla letteratura moderna "Una piccola dottrina del sonetto" - uno studio contenente un'attenta analisi dei sei aspetti linguistici del sonetto: francese, tedesco, inglese, italiano, portoghese e spagnolo.

Dante, Shakespeare, Lope de Vega, Cervantes, pubblicati in molte lingue dei popoli dell'URSS, divennero non solo nostri contemporanei, ma anche nostri compagni d'armi. Come i dipinti degli artisti rinascimentali, la drammaturgia, le canzoni e le poesie dei poeti rinascimentali entrarono nella vita culturale del popolo sovietico.

Uno dei titani del Rinascimento - Giordano Bruno - ha chiamato il suo libro: "Dialogo sull'entusiasmo eroico". Questo nome definisce molto accuratamente l'atmosfera spirituale del Rinascimento, catturata nella poesia dei secoli XIV - XVI. Questa poesia ha rivelato la bellezza dell'uomo, la ricchezza della sua vita interiore e l'innumerevole varietà delle sue sensazioni, ha mostrato la magnificenza del mondo terreno, ha proclamato il diritto umano alla felicità terrena. La letteratura del Rinascimento elevò la vocazione del poeta all'alta missione di servire l'umanità.

4. Teatro del Rinascimento

Il teatro è l'arte di presentare opere drammatiche sul palco. Tale definizione di questo concetto dà Dizionario Ozhegov.

Il teatro rinascimentale è uno dei fenomeni più luminosi e significativi nella storia dell'intera cultura mondiale; è una potente fonte di arte teatrale europea - per sempre. Il nuovo teatro nasce dall'esigenza di riversare nell'azione le giovani energie. E se ti poni la domanda, in quale sfera dell'arte avrebbe dovuto sfociare questa azione, questo è un mare di divertimento, allora la risposta è chiara: ovviamente, nella sfera del teatro. Il giuoco carnevalesco non poteva più restare allo stadio di esibizione amatoriale spontanea ed entrava nei lidi dell'arte, divenendo creatività arricchita dall'esperienza di antiche e nuove letterature.

In Italia - per la prima volta in Europa - attori professionisti sono saliti sul palco e hanno stupito il mondo con un gioco brillante e forte, nato proprio lì, davanti allo spettatore, e incantando con la loro libertà, eccitazione, genialità e arguzia.

Così in Italia fu posto l'inizio dell'arte teatrale del nuovo tempo. È successo a metà del XVI secolo.

Il teatro rinascimentale raggiunse il suo apice in Inghilterra. Ora ha veramente assorbito tutte le sfere della vita, penetrato nelle profondità dell'essere. Una potente coorte di talenti si sollevò come da terra. E il miracolo principale del secolo fu un uomo di Stratford che venne a Londra per scrivere opere teatrali per il Globe Theatre. Il nome rumoroso del teatro era giustificato: il mondo si apriva davvero nelle opere di Shakespeare: le distanze storiche del passato erano visibili, le principali verità del secolo attuale venivano chiarite e miracolosamente, attraverso il velo del tempo, i contorni del futuro erano visibili.

Nell'era maestosa del Rinascimento, nell'era di Dante, Leonardo e Michelangelo, una piccola bandiera che sventolava sul Globo annunciava un'impresa grandiosa. Il genio di Shakespeare ha riunito tutto ciò che era stato precedentemente raggiunto nel teatro e sul palcoscenico. Adesso, in due o tre ore, si potevano vedere mondi ed epoche su sei o otto metri quadrati.

Davvero un grande teatro. Il nuovo teatro è nato in Italia. Questa nascita non può essere attribuita a una data, un nome o un'opera rigorosamente definiti. C'è stato un lungo processo multilaterale, sia al "alto" che al "basso" della società. Ha dato un risultato storicamente completo solo dopo il necessario trinità di teatro, palcoscenico e vasto pubblico.

Dei primi esperimenti della drammaturgia rinascimentale si può dire con certezza che furono creazioni della penna, ma non del palcoscenico. Emerso dal grembo materno della letteratura, il dramma umanistico, se è uscito dagli scaffali, allora solo occasionalmente e senza molte speranze di successo sul palcoscenico. E semplici farse popolari e improvvisazioni di maschere di carnevale attiravano folle di spettatori, sebbene non possedessero nemmeno un decimo dei meriti letterari delle opere teatrali scritte. Fu al carnevale che segnò la fonte della commedia dell'arte - questo vero capostipite del nuovo teatro europeo. Bisogna dirlo in una fase iniziale dello sviluppo del nuovo teatro, la reciproca alienazione del palcoscenico e del dramma andò a entrambi. Il dramma si è rivelato libero dai primitivi del palcoscenico farsesco, e il palcoscenico, cioè le arti dello spettacolo, prive di drammaticità e lasciate a se stesse, hanno avuto l'opportunità di sviluppare intensamente le proprie risorse creative.

Il dotto studio di Pomponio divenne il primo raduno di dilettanti che recitavano le commedie di Plauto. Personaggi che sono stati in una posizione per molti secoli eroi letterari, ha attraversato di nuovo il palco (anche se, probabilmente, non ancora molto sicuro).

La notizia della scoperta dello scienziato romano si diffuse presto in tutta Italia. Tra gli altri spettacoli a corte, divenne di moda mostrare le commedie di Plauto. La moda era così grande che Plauto fu suonato in latino in Vaticano. Tuttavia, non tutti capivano il latino, così alla fine degli anni '70 l'umanista Batista Guarini tradusse in italiano le opere di Plauto e Terenzio.

Sviluppo di successo la commedia era determinata dal fatto che il tradizionale schema antico - la lotta di un giovane per il possesso della sua amata, custodita da genitori severi, e le astuzie di servi sfuggenti ed energici - si rivelarono convenienti per vivaci schizzi della vita moderna .

Durante il carnevale del 1508 nel palazzo Ferrara il poeta Ludovico Ariosto espose la sua Commedia del Petto.

Ed era come se le cateratte fossero sfondate, trattenendo a lungo il flusso vivificante. L'anno seguente appare la seconda commedia dell'Ariosto, I cangianti, e nel 1513 il cardinale Bibbiena mostra a Urbino la sua Calandria. Nel 1514, il più astuto Niccolò Machiavelli, l'ex segretario della Repubblica fiorentina, scrisse la migliore commedia dell'epoca: Mandrake.

Commedia italiana Il XVI secolo sviluppò un certo standard per le trame dinamiche: qui si ripetevano costantemente le stesse situazioni con bambini sostituti, con ragazze travestite, i trucchi dei servi, il fiasco comico dei vecchi innamorati.

Gli umanisti italiani stavano studiando intensamente l'eredità di Seneca; poi i tragici greci - Sofocle ed Euripide - caddero nell'orbita dei loro interessi. Sotto l'influsso di questi autori antichi nacque la tragedia italiana del Rinascimento, il cui primo esempio fu Sofonisba di Giangiorgio Trissino (1515).

Trissino era un profondo conoscitore del teatro greco antico. Componendo la propria tragedia, fu guidato dalle opere di Sofocle ed Euripide. In "Sofonisba" sono stati utilizzati tutti i componenti dell'antica tragedia: il coro, i confidenti, i messaggeri, non c'era divisione in atti, si osservavano le leggi delle tre unità e dei tre attori. Ma nella tragedia non c'era la cosa principale: un tema sociale significativo, la dinamica delle passioni, un'azione olistica.

Il pubblico moderno era interessato al genere tragico o in termini puramente accademici, o con l'aspettativa di trovare cibo per "shock" qui.

Tale cibo, la tragedia italiana ha dato in abbondanza.

La nuova tragedia ha cercato di "catturare lo spirito" del pubblico. Il padre uccise i figli della figlia, nata da un matrimonio segreto, e le offrì la testa e le mani su un piatto, la figlia sconvolta uccise il padre e si pugnalò ("Orbecca" di G. Cinthio, 1541). La moglie, abbandonata dal marito, costrinse la rivale ad uccidere i bambini che aveva adottato da lui, dopodiché la uccise e mandò le teste morte al marito; il marito, a sua volta, decapitava l'amante della moglie. Alla fine, i coniugi dal cuore duro si stavano avvelenando a vicenda ("Dalida" di L. Groto, 1572).

"Tragedies of Horrors" ha sbalordito con le sue scene sanguinose, senza risvegliare pensieri, senza sollevare domande sul senso della vita e sui doveri di una persona.

In un'epoca in cui la commedia era in declino e la tragedia non entrava nella strada principale dell'arte, il vincitore pastorale è apparso sull'arena drammatica.

In un primo momento, la direzione pastorale ha ricevuto l'espressione più vivida nella poesia - nelle opere di Boccaccio ("Ameto", "Ninfe fiesolane") e nei testi dei Petrarchi. Ma presto ne è nato uno nuovo genere drammatico.

Se nella tragedia prevaleva la passione fatale e nella commedia prevaleva l'attrazione sensuale, allora nella pastorale regnava il "puro amore", che appariva al di fuori di specifici legami di vita come una sorta di ideale poetico.

Il teatro del Rinascimento inglese è Shakespeare e il suo brillante entourage: Marlowe, Greene, Beaumont, Fletcher, Chapman, Nash, Ben Jonson. Ma tutti questi cognomi appartengono alla loro età e alla loro nazione; Shakespeare, che ha espresso nel modo più profondo lo spirito del suo tempo e la vita del suo popolo, appartiene a tutte le epoche ea tutti i popoli.

Teatro shakespeariano - è una sorta di sintesi della cultura del Rinascimento. Avendo identificato la fase più matura di questa cultura, Shakespeare ha parlato con la sua epoca e con i secoli a venire, come a nome dell'intera epoca del "più grande sconvolgimento progressivo".

Creatività di Shakespeare fu il risultato dello sviluppo del teatro nazionale inglese. Allo stesso tempo, in una certa misura, riassumeva le conquiste di tutta la precedente cultura poetica, drammatica e scenica dei tempi antichi e moderni. Pertanto, nei drammi di Shakespeare, si può sentire la portata epica della trama omerica, la modellazione titanica delle monotragedie degli antichi greci e il gioco vorticoso delle trame della commedia romana. Il teatro di Shakespeare è ricco dell'alto lirismo dei poeti petrarchisti. Nelle opere di Shakespeare si sentono chiaramente le voci degli umanisti moderni, a partire da Erasmo da Rotterdam e finendo con Montaigne.

Lo sviluppo approfondito dell'eredità - questo era il prerequisito più importante per la nascita di un nuovo e più perfetto tipo di dramma rinascimentale, il dramma di Shakespeare.

Conclusione

Le idee dell'umanesimo sono la base spirituale per il fiorire dell'arte rinascimentale. L'arte del Rinascimento è intrisa degli ideali dell'umanesimo, ha creato l'immagine di una persona bella e armoniosamente sviluppata. Gli umanisti italiani reclamavano la libertà per l'uomo. "Ma la libertà è nella comprensione del Rinascimento italiano", ha scritto A.K. Dzhivelegov, - significava una persona separata. L'umanesimo ha dimostrato che una persona nei suoi sentimenti, nei suoi pensieri, nelle sue convinzioni non è soggetta ad alcuna tutela, che non dovrebbe esserci forza di volontà su di lui, impedendogli di sentire e pensare come vuole. Nella scienza moderna non esiste una comprensione univoca della natura, della struttura e del quadro cronologico dell'umanesimo rinascimentale. Ma, naturalmente, l'umanesimo dovrebbe essere considerato come il principale contenuto ideologico della cultura rinascimentale, inseparabile dall'intero corso dello sviluppo storico dell'Italia nell'era dell'inizio della disintegrazione del feudale e dell'emergere delle relazioni capitaliste. L'umanesimo era un movimento ideologico progressista che contribuì alla creazione di un mezzo di cultura, basandosi principalmente sull'antica eredità. L'umanesimo italiano ha attraversato una serie di fasi: la formazione nel XIV secolo, un luminoso periodo di massimo splendore del secolo successivo, la ristrutturazione interna e il graduale declino nel XVI secolo. L'evoluzione del Rinascimento italiano era strettamente connessa con lo sviluppo della filosofia, dell'ideologia politica, della scienza e di altre forme di coscienza sociale e, a sua volta, ebbe un forte impatto sulla cultura artistica del Rinascimento.

Rianimata su basi antiche, la conoscenza umanitaria, compresa l'etica, la retorica, la filologia, la storia, si è rivelata l'area principale nella formazione e nello sviluppo dell'umanesimo, il cui nucleo ideologico era la dottrina dell'uomo, il suo posto e il suo ruolo nella natura e società. Questa dottrina si sviluppò principalmente in etica e si arricchì in vari ambiti della cultura rinascimentale. L'etica umanistica ha portato in primo piano il problema del destino terreno dell'uomo, il raggiungimento della felicità attraverso le proprie forze. Gli umanisti hanno affrontato le questioni dell'etica sociale in un modo nuovo, nella cui soluzione si sono basati su idee sul potere delle capacità creative e della volontà dell'uomo, sulle sue ampie possibilità di costruire la felicità sulla terra. Consideravano l'armonia degli interessi dell'individuo e della società un importante prerequisito per il successo, proponevano l'ideale del libero sviluppo dell'individuo e del miglioramento dell'organismo sociale e degli ordini politici, che è indissolubilmente legato ad esso. Ciò ha dato un carattere pronunciato a molte idee e insegnamenti etici degli umanisti italiani.

Molti problemi sviluppati nell'etica umanistica acquistano un nuovo significato e una speciale rilevanza nella nostra epoca, in cui gli stimoli morali dell'attività umana svolgono una funzione sociale sempre più importante.

La visione umanistica del mondo divenne una delle più grandi conquiste progressiste del Rinascimento, che ebbe una forte influenza sull'intero successivo sviluppo della cultura europea.

La Riforma ha svolto un ruolo importante nella formazione della civiltà mondiale. Senza proclamare alcun ideale socio-politico specifico, senza richiedere un rimodellamento della società in una direzione o nell'altra, senza fare scoperte scientifiche o conquiste nel campo artistico ed estetico, la Riforma ha cambiato la coscienza dell'uomo, gli ha aperto nuovi orizzonti spirituali . Una persona ha ricevuto la libertà di pensare in modo indipendente, si è liberata dalla tutela della chiesa, ha ricevuto per lui la più alta sanzione - una sanzione religiosa che solo la sua mente e coscienza gli dettano come vivere. La Riforma ha contribuito all'emergere di un uomo della società borghese - un individuo autonomo indipendente con libertà di scelta morale, indipendente e responsabile nei suoi giudizi e nelle sue azioni.

Elenco della letteratura usata

1. L.M. Bragina "Opinioni sociali ed etiche degli umanisti italiani" (seconda metà del XV secolo) Casa editrice MGU, 1983

2. Dalla storia della cultura del Medioevo e del Rinascimento. Casa editrice "Scienza", M 1976

3. 5 0 biografie di maestri dell'arte dell'Europa occidentale. Casa editrice "Artista sovietico", Leningrado 1965

4. Garay E. Problemi del Rinascimento italiano. - M., 1996.

5. Storia dell'arte dei paesi stranieri. - M., 1998.

6. Culturologia. Storia della cultura mondiale: libro di testo per le scuole superiori / ed. prof. UN. Marcova. - M., 1995.

7. Culturologia. Teoria e storia della cultura: libro di testo. - M.: società "Conoscenza" della Russia, CINO, 1996.

8. Losev L.F. Estetica del Rinascimento. - M., 1993.

9. Polikarpov V.S. Lezioni di studi culturali. - M.: "Gardarika", "Expert Bureau", 1997.

Arte rinascimentale

Lavoro laureato

Allievo 4 classe "E".

Scuola d'arte n. 2

Galaydy Yura

Introduzione .................................................. . .................. 3

1. Rinascimento italiano...................................3

2. Rinascimento nordico................................................ .5

3. Paesi Bassi .......................................................... ...........9

Conclusione................................................. ............. 13

Dettagli sugli artisti:

1.Leonardo da Vinci …………………………………14

2.Rafael Santi…………………………………….19

3. Michelangelo Buonarroti……………………..24

Introduzione.

Nel Medioevo in Europa si verificarono rapidi cambiamenti nelle sfere della vita economica, sociale e religiosa, che non potevano che portare a cambiamenti nell'arte. In ogni momento di cambiamento, una persona cerca di ripensare di nuovo il mondo che lo circonda, c'è un doloroso processo di “rivalutazione di tutti i valori”, usando la famosa espressione di F. Nietzsche.

Queste ricerche, prima di tutto e in modo più espressivo, si manifestano nell'opera di persone d'arte, che, come i più sottili diapason, entrano in risonanza con l'instabile mondo circostante e tessono una sinfonia di sentimenti nelle loro opere.

Così, nel Medioevo, l'Italia, la Germania, i Paesi Bassi e la Francia divennero il fulcro di tali cambiamenti. Proviamo a capire cosa è realmente accaduto in questi paesi in quel tempo lontano da noi, quali pensieri erano occupati dalle menti dei pensatori dei tempi passati, proviamo attraverso le opere d'arte ad approfondire l'essenza dei fenomeni che si verificano nel tempo, chiamato "Rinascimento".

1. Rinascimento italiano.

A causa della natura transitoria del Rinascimento, il quadro cronologico di questo periodo storico è piuttosto difficile da stabilire. Sulla base dei segni che verranno indicati in seguito (umanesimo, antropocentrismo, modifica della tradizione cristiana, rinascita dell'antichità), allora la cronologia sarà così: Protorenascimento (duecento e trecento - XII-XIII - XIII-XIV secolo), Primo Rinascimento (quattrocento XIV-XV secolo), Alto Rinascimento (cinquecento XV-XVI secolo).

Il Rinascimento italiano non è un movimento pan-italiano, ma una serie di movimenti simultanei o alternati in diversi centri d'Italia. La frammentazione dell'Italia non è stata l'ultima ragione qui. Le caratteristiche più complete del Rinascimento si manifestarono a Firenze, Roma. Anche Milano, Napoli e Venezia hanno vissuto quest'epoca, ma non così intensamente come Firenze.

Il termine "Rinascimento" (Rinascimento) fu introdotto dal pensatore e artista dell'epoca stessa, Giorgio Vasari ("Biografia di famosi pittori, scultori e architetti"). Così chiamò il tempo dal 1250 al 1550. Dal suo punto di vista era giunto il momento rinascita dell'antichità. Per Vasari, l'antichità appare idealmente.

In futuro, il contenuto del termine si è evoluto. La rinascita cominciò a significare l'emancipazione della scienza e dell'arte dalla teologia, un raffreddamento verso l'etica cristiana, la nascita delle letterature nazionali, il desiderio dell'uomo di libertà dalle restrizioni della Chiesa cattolica. Cioè, il Rinascimento, in sostanza, cominciò a significare umanesimo.

Perché c'era un'attenzione così chiara all'uomo nella cultura e nell'estetica del Rinascimento? Da un punto di vista sociologico, la cultura urbana è diventata la causa dell'indipendenza dell'uomo, della sua crescente autoaffermazione. In città, più che altrove, si scoprono le virtù di una vita normale, ordinaria.

Ciò è accaduto perché i cittadini erano persone più indipendenti dei contadini. Inizialmente le città erano abitate da veri artigiani, artigiani, perché, usciti dall'economia contadina, si aspettavano di vivere solo delle loro capacità artigianali. Rifornito il numero di residenti urbani e persone intraprendenti. Le circostanze reali li hanno costretti a fare affidamento solo su se stessi, hanno formato un nuovo atteggiamento nei confronti della vita.

Anche la semplice produzione di merci ha svolto un ruolo significativo nella formazione di una mentalità speciale. Alla formazione di uno speciale spirito indipendente dei primi abitanti delle città contribuì certamente anche il sentimento del proprietario, che produce e dispone lui stesso dei redditi.

Le città italiane fiorirono non solo per i motivi indicati, ma anche per la loro attiva partecipazione al commercio di transito. (La rivalità delle città concorrenti nel mercato estero è stata addirittura una delle ragioni della frammentazione dell'Italia). Nei secoli VIII-IX, il Mar Mediterraneo torna ad essere un luogo di concentrazione delle rotte commerciali. Tutti i residenti costieri, secondo lo storico francese F. Braudel, ne hanno beneficiato. Questo spiega in gran parte che le città che non avevano abbastanza risorse naturali, fiorito. Collegavano tra loro i paesi costieri. Le crociate hanno svolto un ruolo speciale nell'arricchimento delle città.

Quindi, la cultura urbana ha creato nuove persone, ha formato un nuovo atteggiamento nei confronti della vita, ha creato un'atmosfera in cui sono nate grandi idee e grandi opere. Ma ideologicamente, tutto questo è stato formalizzato a livello di élite. I residenti ordinari erano lontani dalla formulazione ideologica della visione del mondo.

La nuova visione del mondo emergente di una persona aveva bisogno di un supporto ideologico. L'antichità ha fornito un tale supporto. Certo, non è un caso che gli abitanti dell'Italia si siano rivolti a lei, perché questa penisola, prominente nel Mar Mediterraneo, era abitata da rappresentanti dell'antica civiltà (romana) passata più di mille anni fa. " Il più appello al classico l'antichità non è spiegata da nient'altro che dalla necessità di trovare supporto per i nuovi bisogni della mente e le nuove aspirazioni di vita,- scriveva lo storico russo N. Kareev all'inizio del secolo.

Quindi, il Rinascimento è un appello all'antichità. Ma l'intera cultura di questo periodo dimostra ancora una volta che il Rinascimento nella sua forma pura, il Rinascimento in quanto tale non esiste. I pensatori del Rinascimento vedevano ciò che volevano nell'antichità. Pertanto, non è un caso che il neoplatonismo abbia subito uno sviluppo intellettuale speciale in quest'epoca. AF Losev mostra brillantemente nel suo libro "L'estetica del Rinascimento" le ragioni della particolare prevalenza di questo concetto filosofico nell'era del Rinascimento italiano. Il neoplatonismo antico (in realtà cosmologico) non poteva non attirare l'attenzione dei revivalisti con l'idea di emanazione (origine) di significato divino, l'idea di saturazione del mondo (cosmo) con significato divino e, infine, l'idea dell'Uno come disegno più concreto della vita e dell'essere.

Dio si sta avvicinando all'uomo. È concepito panteisticamente (Dio è fuso con il mondo, spiritualizza il mondo). Ecco perché il mondo attrae una persona. La comprensione da parte dell'uomo di un mondo pieno di bellezza divina diventa uno dei principali compiti ideologici del Rinascimento.

Carattere finzione Rinascimento.

Il modo migliore per comprendere la bellezza divina, dissolta nel mondo, è giustamente riconosciuto come opera dei sentimenti umani. Pertanto, c'è un così vivo interesse per la percezione visiva, da qui la fioritura delle arti spaziali (pittura, scultura, architettura.). Dopotutto, sono queste arti, secondo i leader del Rinascimento, che consentono di catturare più accuratamente la bellezza divina. Pertanto, la cultura del Rinascimento ha un carattere artistico distinto.

L'interesse per l'antichità è associato tra i revivalisti alla modifica della tradizione cristiana (cattolica). Grazie all'influenza del neoplatonismo, la tendenza panteistica diventa forte. Ciò conferisce unicità e unicità alla cultura dell'Italia dei secoli XIV-XVI. I revivalisti hanno dato uno sguardo nuovo a se stessi, ma allo stesso tempo non hanno perso la fede in Dio. Cominciarono a rendersi conto di essere responsabili del loro destino, significativi, ma allo stesso tempo non cessarono di essere persone del Medioevo.

La natura contraddittoria della cultura del Rinascimento: la gioia dell'autoaffermazione e la tragedia della visione del mondo. La presenza di queste due tendenze intersecantisi (antichità e modificazione del cattolicesimo) determinò l'incoerenza della cultura e dell'estetica del Rinascimento. Da un lato l'uomo del Rinascimento conosceva la gioia dell'autoaffermazione, dall'altro comprendeva l'intera tragedia della sua esistenza. Sia l'uno che l'altro sono collegati nell'atteggiamento dell'uomo rinascimentale con Dio.

Le origini della tragedia nell'opera degli artisti del Rinascimento sono dimostrate in modo convincente dal filosofo russo N. Berdyaev. Lo scontro tra principi antichi e cristiani è stato causa di una profonda biforcazione dell'uomo, ha sottolineato. I grandi artisti del Rinascimento erano ossessionati da una svolta in un altro mondo trascendentale. Il sogno di lui era già stato dato all'uomo da Cristo. Gli artisti erano concentrati sulla creazione di un essere diverso, sentivano in se stessi forze simili alle forze del Creatore; si pongono problemi essenzialmente ontologici. Tuttavia, questi compiti erano ovviamente impossibili nella vita terrena, nel mondo della cultura. Creatività artistica, che si distingue per una natura non ontologica ma psicologica, non risolve e non può risolvere tali problemi. La dipendenza degli artisti dalle conquiste dell'era dell'antichità e la loro aspirazione al mondo superiore, scoperto da Cristo, non coincidono. Questo porta a una tragica visione del mondo, al desiderio di risurrezione. Berdyaev scrive: “Il segreto del Rinascimento è che ha fallito. Mai prima d'ora tali forze creative sono state inviate nel mondo, e mai prima d'ora la tragedia della società è stata così rivelata.

La cultura del Rinascimento italiano ha dato al mondo un'intera galassia di figure brillanti che hanno arricchito incommensurabilmente il tesoro della cultura mondiale. Tra questi è necessario citare i nomi di Dante Alighieri (1265-1321), del pittore Giotto di Bondone (1266-1337), del poeta umanista Francesco Petrarca (1304-1374), del poeta, scrittore umanista Giovanni Boccaccio (1313 -1375), l'architetto Filippo Brunelleschi, lo scultore Donatello Donato di Nicollo di Betto Bardi (1386-1466), il pittore Masaccio Tommaso di Giovanni di Simone Guidi (1401-1428), lo scrittore umanista Lorenzo Vallu (1407-1457), lo scrittore umanista Pico della Mirandola (1463-1494), filosofo umanista Marsilio Ficino (1433-1499), pittore Sandro Botticelli (1445-1510), pittore, scienziato Leonardo da Vinci (1452-1519), pittore, scultore, architetto Michelangelo Buonaroti (1475- 1564), il pittore Giorgione (1477-1510), il pittore Tiziano Vecellio li Cadore (1477-1566), il pittore Rafael Santi (1484-1520), il pittore Jacopo Tintoretto (1518-1594) e molti altri.

2. Rinascimento settentrionale.

Sotto il "Rinascimento settentrionale" è consuetudine intendere la cultura dei secoli XV-XVI nei paesi europei che si trovano a nord dell'Italia.

Questo termine è piuttosto arbitrario. È usato per analogia con il Rinascimento italiano, ma se in Italia aveva un significato originale diretto: la rinascita delle tradizioni cultura antica, poi in altri paesi, in sostanza, nulla è “rinato”: c'erano pochi monumenti e ricordi dell'era antica L'arte dei Paesi Bassi, della Germania e della Francia (i principali centri del Rinascimento settentrionale) nel XV secolo si sviluppò come una continuazione diretta del gotico, come sua evoluzione interna verso La fine del XV e XVI secolo fu un periodo di grandi sconvolgimenti per i paesi d'Europa, l'epoca più dinamica e burrascosa della loro storia. dominio della Chiesa cattolica: la Riforma, che si trasformò in una grande guerra contadina in Germania, una rivoluzione nei Paesi Bassi, un'intensità drammatica alla fine della Guerra dei cent'anni tra Francia e Inghilterra, sanguinose faide tra cattolici e ugonotti in Francia. Sembrerebbe che il clima dell'epoca non favorisse la formazione di forme chiare e maestose dell'Alto Rinascimento nell'arte, e infatti: la tensione gotica e la febbre nel Rinascimento settentrionale non scompaiono, ma, d'altra parte, , l'educazione umanistica si sta diffondendo e intensificando Sono l'attrazione dell'arte italiana. La fusione delle influenze italiane con le tradizioni gotiche originali è l'originalità dello stile del Rinascimento settentrionale.

Il motivo principale per cui il termine "Rinascimento" si applica all'intera cultura europea di questo periodo risiede nella comunanza delle tendenze interne del processo culturale. Cioè, nella diffusa crescita e sviluppo dell'umanesimo borghese, nell'allentamento della visione del mondo feudale, nella crescente autocoscienza dell'individuo.

Il fattore economico ha svolto un ruolo significativo nella formazione del Rinascimento tedesco: lo sviluppo dell'industria mineraria, della stampa e dell'industria tessile. La penetrazione sempre più profonda nell'economia delle relazioni merce-denaro, il coinvolgimento nei processi di mercato paneuropei ha colpito grandi masse di persone e ha cambiato la loro coscienza.

Per la formazione della visione del mondo rinascimentale nei paesi romanici, nel sud dell'Europa, l'influenza dell'antica eredità fu di enorme importanza. Ha stabilito ideali e modelli di un carattere brillante e che afferma la vita. L'influenza della cultura antica per il Rinascimento settentrionale è insignificante, è stata percepita indirettamente. Pertanto, nella maggior parte dei suoi rappresentanti, è più facile rilevare tracce di gotico non del tutto obsoleto che trovare motivi antichi. In Germania, frammentata in centinaia di minuscoli Stati feudali, vigeva un principio unificante: l'odio per la Chiesa cattolica, che imponeva prelievi e norme gravose alla vita spirituale del Paese. Pertanto, una delle direzioni principali della lotta per il "regno di Dio sulla terra" è la lotta con il papato per la riforma della chiesa. Il sud dell'Europa sarà interessato in misura molto minore dai processi di riforma.

La traduzione della Bibbia in tedesco di Martin Lutero può essere considerata il vero inizio del Rinascimento settentrionale. Questo lavoro è continuato per vent'anni, ma i singoli frammenti sono diventati noti prima. La Bibbia luterana crea un'era, in primo luogo, nella lingua tedesca: diventa la base di una lingua tedesca unificata; in secondo luogo, stabilisce il precedente per la traduzione della Bibbia in una lingua letteraria moderna, e presto seguiranno traduzioni in inglese, francese e altre.

Le idee del luteranesimo uniscono i circoli più progressisti in Germania: vi sono coinvolti anche pensatori umanisti come Philipp Melanchthon, gli artisti Dürer e Holbein, il sacerdote e leader del movimento popolare Thomas Münter.

La letteratura rinascimentale in Germania si basava sul lavoro dei Meistersingers. Gli esempi più perfetti di poesia di quel tempo furono presentati dal successore di queste tradizioni popolari, Hans Sachs. Erasmo da Rotterdam divenne un eccezionale scrittore di prosa del Rinascimento settentrionale. Il suo miglior libro L'Elogio della follia fu pubblicato nel 1509.

Tra i tipi di attività artistica, la pittura era in testa, come nel Rinascimento italiano. Il primo tra i grandi maestri di questo periodo dovrebbe chiamarsi Hieronymus Bosch. Il suo lavoro riassume le conquiste della pittura medievale e funge da prologo al Rinascimento. Nei dipinti di Bosch, scritti principalmente su soggetti religiosi, colpisce la combinazione di oscure fantasie e simboli medievali con elementi di folklore e accurati dettagli realistici. E anche le allegorie più terribili sono scritte con un sapore così sorprendentemente popolare da dare un'impressione di affermazione della vita. Nessuno dei successivi maestri della pittura in tutto il mondo dipingerà immagini così fantastiche al limite della follia, ma l'influenza di H. Bosch nel 20 ° secolo si farà sentire nel lavoro dei surrealisti.

Il più grande maestro del Rinascimento settentrionale in belle arti era Albrecht Dürer. Ha lasciato un'eredità colossale: dipinti, opere grafiche, articoli, corrispondenza.

Il lavoro di Dürer è stato influenzato dai maestri italiani: gli piaceva visitare l'Italia, in particolare Venezia. Tuttavia, la specificità della visione del mondo di Albrecht Dürer sta nella ricerca del riflesso più oggettivo del mondo, il realismo idealizzante italiano gli era estraneo, cercava di raggiungere la completa autenticità dalla pittura e dal disegno. Questo pathos è intriso dei suoi autoritratti, soprattutto a matita nelle lettere al fratello, e qui può essere attribuito anche il ritratto di sua madre prima della sua morte.

Puoi provare a capire la profondità della grafica di Dürer attraverso la decodifica dei simboli medievali che ha davvero. Ma è necessario cercare indizi su queste immagini ammalianti nell'era della Riforma. Forse i fogli delle sue incisioni riflettevano più chiaramente la resistenza dello spirito della gente di quel tempo, la loro prontezza a respingere qualsiasi tentazione, le loro dolorose invenzioni sul doloroso risultato della guerra. Questo è ciò a cui pensi quando guardi il suo Cavaliere dell'Apocalisse, Melancholia.

C'è un inizio lirico nell'opera di Dürer. Questi includono il dipinto a colori più delicato "La festa delle ghirlande rosa", il ciclo di incisioni "La vita di Maria", che ha ispirato il ciclo di poesie di Rilke nel XIX secolo. Nel XX secolo, il compositore Hindemith ha creato un ciclo di romanzi basati su questi versi.

L'apice dell'opera di Albrecht Dürer fu la grandiosa immagine dei quattro apostoli, un vero inno all'uomo, una delle espressioni più eclatanti dell'umanesimo rinascimentale.

Inerente a quest'epoca e all'opera di Lucas Cranach il Vecchio. Le sue Madonne e altre eroine bibliche sono evidenti cittadini e contemporanei dell'artista. Una delle sue opere migliori è la "Crocifissione" scritta in modo innovativo. Una composizione nettamente asimmetrica, angoli insoliti di figure tradizionali, colori intensi danno l'impressione di confusione, presagio di sconvolgimenti sociali. Mathis Niethard, noto anche come Grunewald (1470-75 - 1528), stupisce per la ricchezza e la luminosità delle fantasie religiose, dell'estasi, della composizione inventiva. L'opera principale di Grunewald è l'altare di Isenheim. L'immagine di Maria con il bambino è inscritta in una composizione festosa a più figure con angeli che suonano strumenti musicali per loro. In contrasto con questa scena leggera, la Crocifissione è scritta, cupa e naturalistica. L'immagine di Cristo il cittadino comune, che camminava molto a piedi nudi, emaciato, vicino all'agonia, è associata ai partecipanti alla guerra contadina.

Gais Holbein il Giovane (1497-1543) può essere considerato uno dei migliori ritrattisti di questo periodo. Possiede ritratti di Erasmo da Rotterdam e dell'astronomo Nicholas Kratzer, Thomas More e Jane Seymour, interpretando le immagini dei contemporanei come persone piene di dignità, saggezza, forza spirituale contenuta. Ha anche creato meravigliose illustrazioni per la Bibbia e "Praise of Stupidity", una serie di incisioni "Dance of Death".

Una peculiare individualità è stata notata anche nell'opera del capo della scuola di pittura del Danubio, Albrecht Altdorfer (1480-1538). Appartiene alla priorità nella formazione del genere del paesaggio. Tuttavia, il suo dipinto più interessante rimane la Battaglia di Alessandro con Dario (1529). La scena della battaglia sulla Terra è riecheggiata dal Sole, dalla Luna e dalle nuvole che competono nel cielo. L'immagine è ricca di molti dettagli decorativi, squisiti nel colore, deliziosi nella sua abilità pittorica. Inoltre, questa è una delle prime scene di battaglia dipinte a olio, quindi Altdorfer può essere considerato il capostipite di un altro genere pittorico.

L'età del Rinascimento settentrionale fu di breve durata. La Guerra dei Trent'anni intervenne in questo processo e ritardò lo sviluppo della cultura tedesca. Ma nella storia è rimasta un'era straordinariamente integrale, come un club di geni, maestri della parola e della pittura, che comunicano tra loro, partecipano a una lotta comune, viaggiano, dipingono ritratti sorprendenti l'uno dell'altro e si ispirano a vicenda dalle idee. Il coinvolgimento dei popoli dei paesi del nord nel processo culturale paneuropeo iniziò al tempo del Rinascimento settentrionale.

3. Olanda.

Un piccolo paese, compreso il territorio dell'attuale Belgio e Olanda, era destinato a diventare il centro più luminoso dell'arte europea in Italia nel XV secolo. Le città olandesi, sebbene non fossero politicamente indipendenti, si erano a lungo arricchite e rafforzate, conducendo ampi commerci e quindi sviluppando la produzione manifatturiera di tessuti, tappeti e vetro. centro maggiore il commercio internazionale era l'antica Bruges, la poetica città dei canali; alla fine del XV secolo si estinse, lasciando il posto alla vivace Anversa.

L'architettura gotica dei Paesi Bassi non è solo templi, ma anche municipi, mura e torri, case di mercanti.

E corporazioni artigiane, gallerie commerciali, magazzini e, infine, edifici residenziali di un tipo caratteristico e consolidato: con facciate strette e alti timpani triangolari oa gradini.

Poiché le chiese erano costruite più in mattoni che in pietra, la scultura della chiesa non ha ricevuto molto sviluppo. Klaus Sluter ei suoi studenti sono rimasti una brillante eccezione nella cultura dei Paesi Bassi. Il suo principale potere artistico nel Medioevo si è manifestato in qualcos'altro: nella pittura in miniatura. Nel XV secolo la miniatura raggiunse un alto grado di perfezione, come si può vedere dal famoso Libro d'Ore del Duca di Berry, illustrato dai fratelli Limburg.

Lo sguardo amorevole, diligente, poetico sul mondo è stato ereditato dalla miniatura dalla grande pittura del XV secolo, iniziata da Jan van Eyck. Piccole immagini che adornano i manoscritti sono diventate grandi dipinti che adornano le porte degli altari. Allo stesso tempo, sono emerse nuove qualità artistiche. Apparve qualcosa che non poteva essere in miniatura: lo stesso sguardo intento e concentrato su una persona, sul suo viso, nel profondo dei suoi occhi.

L'Hermitage ha un dipinto di un importante maestro olandese Rogier van der Weyden “St. Luca dipinge la Madonna" (l'evangelista Luca era considerato artista e mecenate della bottega dei pittori). Contiene molte composizioni tipiche del favorito olandese: un panorama della città e del canale, dipinto così piccolo, teneramente e con cura, con due figure umane pensierose sul ponte. Ma la cosa più notevole è il volto e le mani di Luca, che dipinge la Madonna "dal vero". Ha un'espressione speciale - l'espressione di ascolto attento e tremante di un uomo che è entrato completamente nella contemplazione. È così che i vecchi maestri olandesi guardavano alla natura.

Torniamo a Jan van Eyck. Ha iniziato come miniaturista, lavorando a fianco del fratello maggiore Hubert. Ai fratelli van Eyck veniva tradizionalmente attribuita l'invenzione della tecnologia. pittura ad olio; questo è impreciso: il metodo di utilizzo degli oli vegetali come legante era noto prima, ma i van Eyck lo migliorarono e diedero impulso alla sua distribuzione. L'olio presto soppiantò la tempera.

I colori ad olio si scuriscono con l'età. I vecchi dipinti che vediamo nei musei avevano un aspetto diverso quando sono apparsi, molto più chiari e luminosi. Ma la pittura del van Eycks ha qualità tecniche davvero insolite: le vernici non si seccano e conservano la loro freschezza per secoli. Quasi brillano, ricordando lo splendore delle vetrate colorate.

L'opera più celebre dei van Eycks, la grande pala d'altare di Gand, fu iniziata da Hubert, e dopo la sua morte fu continuata e completata nel 1432 da Jan. Le ali del grandioso altare sono dipinte su due ordini sia all'interno che all'esterno. Sui lati esterni sono presenti un'annunciazione e figure inginocchiate di donatori (clienti): così si presentava l'altare chiuso nei giorni feriali. Nei giorni festivi le porte venivano spalancate, quando si apriva l'altare diventava sei volte più grande e davanti ai parrocchiani, in tutto lo splendore dei colori di Van Eyck, si alzava uno spettacolo che, nella totalità delle sue scene, dovrebbe incarnare l'idea della redenzione dei peccati umani e dell'imminente illuminazione. In alto al centro c'è la deesis - Dio Padre in trono con Maria e Giovanni Battista ai lati. Queste cifre sono più grandi della crescita umana. Poi Adamo ed Eva nudi nella crescita umana e gruppi di angeli musicanti e cantanti. Nell'ordine inferiore c'è un'affollata scena dell'adorazione dell'Agnello, risolta in scala molto ridotta, molto spazialmente, tra un ampio paesaggio fiorito, e sulle ali laterali vi sono processioni di pellegrini. La trama dell'adorazione dell'Agnello è tratta dall '"Apocalisse di Giovanni", che dice che dopo la fine del mondo peccaminoso, la città di Dio scenderà sulla terra, in cui non ci sarà notte, ma luce eterna, e il fiume della vita "luminoso come il cristallo", e l'albero della vita, ogni mese fecondo, e la città è "oro puro, come vetro trasparente". L'Agnello è un simbolo mistico dell'apoteosi che attende i giusti. E, a quanto pare, gli artisti hanno cercato di mettere nei dipinti dell'altare di Gand tutto il loro amore per gli incantesimi della terra, per i volti umani, per le erbe, gli alberi, le acque, per incarnare il sogno dorato della loro eternità e incorruttibilità.

Jan van Eyck è stato anche un eccezionale ritrattista. Nel ritratto in coppia dei coniugi Arnolfini, che gli appartiene, l'immagine persone normali, vestito nell'allora moda piuttosto pretenziosa, in una stanza normale con un lampadario, un baldacchino, uno specchio e un cagnolino, sembra essere una specie di meraviglioso sacramento. È come se adorasse la fiamma di una candela, il rossore delle mele e uno specchio convesso; è innamorato di ogni tratto del viso lungo e pallido degli Arnolfini, che tiene per mano la mite moglie come se compisse una cerimonia segreta. Sia le persone che gli oggetti: tutto si bloccò in solenne attesa, in riverente serietà; tutte le cose hanno un significato nascosto, alludendo alla santità del voto coniugale e del focolare.

Iniziò così la pittura quotidiana dei borghesi. Questa sottile scrupolosità, amore per le comodità, attaccamento quasi religioso al mondo delle cose. Ma più avanti, più prosa usciva e la poesia si ritirava. Mai più tardi la vita dei borghesi fu rappresentata con toni così poetici di sacralità e dignità.

Anche i primi borghesi dei paesi nordici non erano così "borghesi limitati" come i loro successivi discendenti. È vero, la portata e la versatilità degli italiani non sono caratteristiche di lui, ma anche su una scala più ristretta di visione del mondo, il borghese non è estraneo a un tipo speciale di modesta grandezza. Dopotutto, è stato lui, il borghese, a creare le città, ha difeso la loro libertà dai feudatari, e doveva ancora difenderla dai monarchi stranieri e dall'avida Chiesa cattolica. Sulle spalle dei borghesi giacevano grandi gesta storiche che formavano personaggi eccezionali, che, oltre ad un accresciuto rispetto per i valori materiali, sviluppavano anche resilienza, coesione aziendale, lealtà al dovere e alla parola, autostima. Come dice Thomas Mann, il borghese era "una persona comune nel senso più alto del termine".

Questa definizione non si addice agli italiani del Rinascimento: non si sentivano gente comune, nemmeno in senso alto. Arnolfini, interpretato da Jan van Eyck, era un italiano che viveva nei Paesi Bassi; se l'avesse dipinto un compatriota, il ritratto si sarebbe probabilmente rivelato diverso nello spirito. Un profondo interesse per l'individuo, per il suo aspetto e carattere - questo riunisce gli artisti del Rinascimento italiano e settentrionale. Ma ne sono interessati in modi diversi e ci vedono cose diverse. Gli olandesi non hanno il senso del titanismo e dell'onnipotenza della persona umana: ne vedono il valore nell'integrità borghese, nelle qualità, tra cui l'umiltà e la pietà, la consapevolezza della propria piccolezza di fronte all'universo, non sono le ultime, sebbene anche in questa umiltà la dignità dell'individuo non scompare, ma anzi si sottolinea.

A metà e nella seconda metà del XV secolo, molti eccellenti pittori lavorarono nei Paesi Bassi: il già citato Rogier van der Weyden, Dirk Boats, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth Sint Jans. Le loro individualità artistiche sono abbastanza distintamente distinguibili, sebbene non con lo stesso grado di stile individuale di quello dei quattrocentisti italiani. Dipingevano principalmente altari e ritratti dipinti e dipinti da cavalletto commissionati da ricchi cittadini. Le loro composizioni intrise di uno stato d'animo mite e contemplativo hanno un fascino speciale. Amavano le trame del Natale e l'adorazione del bambino, queste trame sono risolte da loro sottilmente e ingenuamente. Ne “L'Adorazione dei pastori” di Hugo van der Goes, il bambino è magro e miserabile, come un neonato qualsiasi, chi gli sta intorno lo guarda, impotente e contorto, con profonda tenerezza spirituale, la Madonna è silenziosa, come una suora , non alza gli occhi, ma si sente che è piena di modesto orgoglio della maternità. E fuori dal vivaio si vede il paesaggio dei Paesi Bassi, ampio, collinoso, con strade tortuose, alberi rari, torri, ponti.

C'è molto tocco qui, ma non c'è dolcezza: si nota l'angolosità gotica delle forme, parte della loro rigidità. I volti dei pastori in van der Goes sono caratteristici e brutti, come al solito nelle opere del gotico. Anche gli angeli sono brutti.

Gli artisti olandesi raramente raffigurano persone con volti e figure belli e regolari, e anche questo differisce da quelli italiani. La semplice considerazione che gli Italici, discendenti diretti dei Romani, erano in genere più belli dei pallidi e flaccidi figli del nord, si può certo tener conto, ma la ragione principale non è ancora questa, bensì la differenza di il concetto artistico generale. L'umanesimo italiano è intriso del pathos del grande nell'uomo e della passione per le forme classiche, gli olandesi poetizzano l '“uomo medio”, hanno poco a che fare con la bellezza classica e le proporzioni armoniose.

Gli olandesi hanno una passione per i dettagli. Sono per loro portatori di un significato segreto. Un giglio in un vaso, un asciugamano, una teiera, un libro: tutti i dettagli, oltre a quelli diretti, hanno anche un significato nascosto. Le cose sono rappresentate con amore e sembrano ispirate.

Il rispetto per se stessi, per la propria vita quotidiana, per il mondo delle cose è stato rifratto attraverso una visione religiosa del mondo. Tale era lo spirito delle riforme protestanti sotto le quali si sta svolgendo il Rinascimento olandese.

Percezione meno antropomorfica rispetto agli italiani, predominanza del principio panteistico e continuità diretta dal gotico interessano tutte le componenti dello stile della pittura neerlandese. Tra i quattrocentisti italiani, qualsiasi composizione, per quanto ricca di dettagli, gravita verso una tettonica più o meno rigida. I gruppi sono costruiti come un bassorilievo, cioè l'artista di solito cerca di collocare le figure principali su un'area frontale relativamente ristretta, in uno spazio chiuso ben definito; li bilancia architettonicamente, stanno saldamente in piedi: tutti questi tratti li ritroviamo già in Giotto. Le composizioni degli olandesi sono meno chiuse e meno tettoniche. Sono attratti dalla profondità e dalla distanza, il loro senso dello spazio è più vivo, più arioso che nella pittura italiana. Le figure sono più stravaganti e instabili, la loro tettonica è disturbata da pieghe divergenti verso il basso a forma di ventaglio, pieghe spezzate delle vesti. Gli olandesi amano il gioco delle linee, ma non servono ai compiti scultorei di costruire volume, ma piuttosto ornamentali.

Gli olandesi non hanno una netta accentuazione del centro della composizione, una maggiore enfasi sulle figure principali. L'attenzione dell'artista è dispersa da una varietà di motivi, tutto gli sembra allettante e il mondo è vario e interessante. Alcune scene sullo sfondo affermano di essere una composizione della trama separata.

Infine, c'è anche un tipo di composizione in cui non c'è alcun centro e lo spazio è riempito da molti gruppi e scene uguali. Allo stesso tempo, il principale caratteri a volte finiscono da qualche parte nell'angolo.

Composizioni simili si trovano alla fine del XV secolo con Hieronymus Bosch. Bosch è un artista straordinariamente eccentrico. L'intento e l'osservazione puramente olandesi sono combinati con una fantasia insolitamente produttiva e un umorismo molto oscuro. Una delle sue storie preferite è La tentazione di Sant'Antonio, dove l'eremita è assediato dai diavoli. Bosch ha popolato i suoi dipinti con legioni di piccole creature striscianti e paurose. Diventa assolutamente inquietante quando noti parti del corpo umano in questi mostri. Tutta questa Kunstkamera di demoni stravaganti è significativamente diversa dalle chimere medievali: erano più maestose e ben lungi dall'essere così sinistre. L'apoteosi della demonologia di Bosch è il suo "Inferno musicale", simile a un giardino delle torture: persone nude, mescolate a mostri che si arrampicano su di esse da ogni parte, si contorcono in una lussuria struggente, vengono crocifisse sulle corde di alcuni giganteschi strumenti musicali, strizzate e segato in dispositivi misteriosi, spinto in fosse, inghiottito.

Le strane fantasmagorie di Bosch nascono dagli sforzi filosofici della mente. Si trovava alle soglie del XVI secolo, e questa era un'epoca che faceva pensare dolorosamente. Bosch, a quanto pare, fu sopraffatto dai pensieri sulla vitalità e l'onnipresenza del male mondiale, che, come una sanguisuga, si attacca a tutti gli esseri viventi, sull'eterno ciclo della vita e della morte, sull'incomprensibile stravaganza della natura, che semina larve e germi della vita ovunque - sia sulla terra che sotto terra, e in una palude stagnante marcia. Bosch osservava la natura, forse più acuta e vigile di altri, ma non vi trovava né armonia né perfezione. Perché l'uomo, corona della natura, è condannato alla morte e al decadimento, perché è debole e miserabile, perché tormenta se stesso e gli altri, è costantemente sottoposto a tormento?

Il fatto stesso che Bosch ponga tali domande parla di curiosità risvegliata, un fenomeno che accompagna l'umanesimo. Umanesimo non significa solo glorificazione di tutto ciò che è umano. Significa anche il desiderio di penetrare nell'essenza delle cose, di svelare i misteri dell'universo. In Bosch, questo desiderio era dipinto con toni cupi, ma era un sintomo della sete mentale che spingeva Leonardo da Vinci a esplorare tutto, bello e brutto. Il potente intelletto di Leonardo percepiva il mondo nel suo insieme, ne sentiva l'unità. Nella mente di Bosch, il mondo si rifletteva frammentato, spezzato in migliaia di frammenti che entrano in combinazioni incomprensibili.

Ma vale la pena menzionare le correnti romantiche, cioè influenzate dal Cinquecento italiano, iniziarono a diffondersi nei Paesi Bassi nel XVI secolo. La loro mancanza di originalità è molto evidente. L'immagine della "nudità classica", che era bella tra gli italiani, non era assolutamente data ai Paesi Bassi e sembrava persino un po' comica, come "Nettuno e Anfitrite" di Jan Gossaert, con i loro magnifici corpi gonfi. Anche gli olandesi avevano il loro "manierismo" provinciale.

Notiamo lo sviluppo dei generi di dipinti da cavalletto domestici e paesaggistici realizzati da artisti olandesi nel XVI secolo. Il loro sviluppo fu facilitato dal fatto che i circoli più ampi, odiando il papato e il clero cattolico, si allontanavano sempre più dal cattolicesimo e chiedevano riforme della chiesa. E le riforme di Lutero e Calvino includevano un elemento di iconoclastia; gli interni delle chiese protestanti dovevano essere completamente semplici, spogli - niente come la ricca e spettacolare decorazione delle chiese cattoliche. arte religiosa notevolmente ridotto di volume, cessò di essere un culto.

Ha cominciato ad apparire pulito quadri di genere con l'immagine di mercanti nei negozi, cambiavalute negli uffici, contadini al mercato, giocatori di carte. genere domesticoè nato dal ritratto e dal paesaggio - da quegli sfondi paesaggistici che erano così affezionati ai maestri olandesi. Gli sfondi sono cresciuti e c'era solo un passo verso un paesaggio puro.

Tutto però riscatta e concentra in sé il talento colossale di Pieter Brueghel. Lui è dentro il grado più alto possedeva quella che viene chiamata identità nazionale: tutte le caratteristiche notevoli della sua arte risalgono alle originarie tradizioni olandesi. Come nessuno, Brueghel ha espresso lo spirito del suo tempo e il suo sapore popolare. È popolare in tutto: essendo indubbiamente un artista-pensatore, pensa in modo aforistico e metaforico. La filosofia di vita contenuta nelle sue allegorie è amara, ironica, ma anche coraggiosa. Il tipo di composizione preferito di Bregel è uno spazio ampio, come visto dall'alto, in modo che le persone sembrino piccole e si affrettino nelle valli, tuttavia, tutto è scritto in dettaglio e chiaramente. La narrazione è solitamente associata al folklore, Brueghel dipinse parabole.

Bruegel utilizza il tipo di composizione spaziale-paesaggistica comune nei Paesi Bassi senza enfatizzare le persone e gli eventi principali in modo tale da rivelare un'intera filosofia di vita. La caduta di Icaro è particolarmente interessante qui. Il dipinto di Brueghel raffigura un paesaggio pacifico in riva al mare: un aratore segue un aratro, un pastore si prende cura delle pecore, un pescatore è seduto con una canna da pesca e le navi navigano sul mare. Dov'è Icaro e cosa c'entra la sua caduta? Devi guardare da vicino per vedere nell'angolo destro pietose gambe nude che sporgono dall'acqua. Icaro è caduto dal cielo, ma nessuno se ne è nemmeno accorto. La vita ordinaria scorre, come sempre. Per un contadino, la sua terra coltivabile, per un pastore, il suo gregge è molto più importante degli alti e bassi di qualcuno. Il significato di eventi straordinari non si svela presto, i contemporanei non se ne accorgono, immersi nelle preoccupazioni quotidiane.

L'attività creativa di Pieter Bregeil non durò a lungo, morì nel 1569, sulla quarantina, e non visse abbastanza per assistere agli eventi della rivoluzione olandese. Poco prima della sua morte, ha dipinto il dipinto "The Blind". Questo è l'accordo finale più potente dell'arte di Bregueil, che può essere immaginato come una sinfonia permeata da un unico tema. Amando la sua patria longanime, l'artista non poteva perdonare i suoi compatrioti per una cosa: passività, sordità, cecità, immersione nella vanità Oggi e l'incapacità di scalare quelle cime montuose che danno una visione del tutto, dell'uno, del comune.

Conclusione.

Il tema del Rinascimento è ricco e inesauribile. Un movimento così potente ha determinato lo sviluppo dell'intero civiltà europea per molti anni. Abbiamo fatto solo un tentativo di penetrare nell'essenza dei processi in corso. Per ulteriori studi, è necessario ripristinare più in dettaglio lo stato d'animo psicologico dell'uomo del Rinascimento, leggere libri dell'epoca, visitare gallerie d'arte.

Ora, alla fine del XX secolo, può sembrare che tutto questo sia una questione di tempi passati, antichità ricoperta da uno spesso strato di polvere, non di interesse di ricerca nella nostra epoca turbolenta, ma senza studiarne le radici, come faremo capire cosa nutre il tronco, cosa tiene la corona al vento del cambiamento?

Leonardo Da Vinci

Leonardo da Vinci (15 aprile 1452, Vinci vicino a Firenze - 2 maggio 1519, Castello di Cloux, vicino ad Amboise, Touraine, Francia), pittore, scultore, architetto, scienziato, ingegnere italiano.

Combinando lo sviluppo di nuovi mezzi di linguaggio artistico con generalizzazioni teoriche, Leonardo da Vinci ha creato un'immagine di una persona che soddisfa gli ideali umanistici dell'Alto Rinascimento. Nel dipinto "L'ultima cena" (1495-1497, nel refettorio del monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano), un alto contenuto etico si esprime in rigidi schemi compositivi, un chiaro sistema di gesti e di espressioni facciali dei personaggi . L'ideale umanistico della bellezza femminile è incarnato nel ritratto della Gioconda (La Gioconda, 1503 circa). Numerose scoperte, progetti, ricerche sperimentali nel campo della matematica, delle scienze naturali, della meccanica. Difeso l'importanza decisiva dell'esperienza nella conoscenza della natura ( i Quaderni e manoscritti, circa 7 mila fogli).

Leonardo è nato nella famiglia di un ricco notaio. Si sviluppò come maestro, studiando con Andrea del Verrocchio nel 1467-1472. I metodi di lavoro nella bottega fiorentina dell'epoca, dove il lavoro dell'artista era strettamente associato a esperimenti tecnici, nonché la conoscenza dell'astronomo P. Toscanelli, contribuirono all'emergere degli interessi scientifici del giovane Leonardo. Nelle sue opere giovanili (la testa d'angelo nel Battesimo del Verrocchio, dopo il 1470, l'Annunciazione, 1474 circa, entrambe agli Uffizi, la Madonna Benois, 1478 circa, l'Eremo) arricchisce la tradizione della pittura quattrocentesca, sottolineando il volume liscio di forme dai morbidi chiaroscuri, ravvivando i volti sottili, il sorriso appena percettibile. In L'Adorazione dei Magi (1481-82, incompiuto; pittura di fondo agli Uffizi), trasforma un'immagine religiosa in uno specchio di varie emozioni umane, sviluppando metodi di disegno innovativi. Registrando i risultati di innumerevoli osservazioni in schizzi, schizzi e studi sul campo (matita italiana, matita d'argento, sanguigna, penna e altre tecniche), Leonardo raggiunge una rara nitidezza nella trasmissione delle espressioni facciali (ricorrendo talvolta al grottesco e alla caricatura), e la struttura e movimenti del corpo umano conduce in perfetta armonia con la drammaturgia della composizione.

Al servizio del sovrano di Milano, Lodovico Moro (dal 1481), Leonardo opera come ingegnere militare, ingegnere idraulico e organizzatore di feste di corte. Da oltre 10 anni lavora al monumento a Francesco Sforza, padre di Lodovico Moro; Il modello in creta a grandezza naturale del monumento, carico di forza plastica, non si è conservato (distrutto quando Milano fu presa dai francesi nel 1500) ed è noto solo per i bozzetti preparatori.

Questo periodo rappresenta la fioritura creativa del pittore Leonardo. Nella Madonna delle Rocce (1483-94, Louvre; la seconda versione - 1487-1511, National Gallery, Londra), il finissimo chiaroscuro (“sfumato”) caro al maestro appare come una nuova aureola che sostituisce le aureole medievali: questa è mistero altrettanto divino-umano, e naturale, dove la grotta rupestre, rispecchiando le osservazioni geologiche di Leonardo, gioca un ruolo non meno drammatico delle figure di santi in primo piano.

"L'ultima Cena"

Nel refettorio del monastero di Santa Maria delle Grazie, Leonardo realizza il dipinto "L'ultima cena" (1495-97; a causa del rischioso esperimento che il maestro fece, usando olio misto a tempera per l'affresco, l'opera è giunta fino a noi in una forma molto danneggiata). L'alto contenuto religioso ed etico dell'immagine, che rappresenta la reazione tempestosa e contraddittoria dei discepoli di Cristo alle sue parole sull'imminente tradimento, si esprime in chiari schemi matematici della composizione, soggiogando imperiosamente non solo il dipinto, ma anche il reale architettonico spazio. La chiara logica scenica delle espressioni facciali e dei gesti, così come l'emozionante paradossale, come sempre con Leonardo, combinazione di rigorosa razionalità con un mistero inspiegabile realizzato " ultima cena"una delle opere più significative della storia dell'arte mondiale.

Essendo anche impegnato nell'architettura, Leonardo sviluppa varie versioni della "città ideale" e del tempio a cupola centrale. Gli anni successivi il maestro trascorre in continui viaggi (Firenze - 1500-02, 1503-06, 1507; Mantova e Venezia - 1500; Milano - 1506, 1507-13; Roma - 1513-16). Dal 1517 visse in Francia, dove fu invitato dal re Francesco I.

"Battaglia di Angyari". Gioconda (Ritratto della Gioconda)

A Firenze, Leonardo sta lavorando a un dipinto in Palazzo Vecchio ("Battaglia di Anghiari", 1503-1506; non finito e non conservato, noto da copie su cartone, nonché da uno schizzo scoperto di recente - una collezione privata, Giappone ), che sta alle origini del genere di battaglia nell'arte dei tempi moderni; la furia mortale della guerra si incarna qui nella frenetica battaglia dei cavalieri.

Nel dipinto più famoso di Leonardo, il ritratto della Gioconda (la cosiddetta "La Gioconda", 1503 circa, Louvre), l'immagine di una ricca cittadina appare come una misteriosa personificazione della natura in quanto tale, senza perdere un aspetto puramente astuzia femminile; Il significato interno della composizione è dato dal paesaggio cosmicamente maestoso e allo stesso tempo inquietantemente alienato, che si scioglie in una fredda foschia.

Dipinti successivi

Le opere successive di Leonardo includono: progetti per un monumento al maresciallo Trivulzio (1508-1512), dipinto "Sant'Anna con Maria e Gesù Bambino" (1500-1507 circa, Louvre). Quest'ultimo riassume, per così dire, le sue ricerche nel campo della prospettiva luce-aria, del colore tonale (con una predominanza di tinte fredde e verdastre) e della composizione piramidale armonica; allo stesso tempo, questa è armonia sull'abisso, poiché sull'orlo dell'abisso è rappresentato un gruppo di personaggi sacri, saldati dalla vicinanza familiare. L'ultimo dipinto di Leonardo, "San Giovanni Battista" (1515-1517 circa, ibid.), è pieno di ambiguità erotiche: il giovane Precursore qui non sembra un santo asceta, ma un tentatore pieno di fascino sensuale. In una serie di disegni raffiguranti una catastrofe universale (il ciclo con il "Diluvio", matita italiana, penna, 1514-1516 circa, Royal Library, Windsor), riflessioni sulla fragilità e l'insignificanza dell'uomo di fronte alla potenza degli elementi si combinano con quelli razionalistici, anticipando la cosmologia "a vortice" delle idee di R. Descartes sulla natura ciclica dei processi naturali.

"Trattato sulla pittura"

La fonte più importante per studiare le vedute di Leonardo da Vinci sono i suoi quaderni e manoscritti (circa 7mila fogli), scritti in italiano colloquiale. Il maestro stesso non ha lasciato una presentazione sistematica dei suoi pensieri. Il “Trattato della pittura”, preparato dopo la morte di Leonardo dal suo allievo F. Melzi e che ebbe un enorme impatto sulla teoria dell'arte, è costituito da brani in gran parte estratti arbitrariamente dal contesto dei suoi appunti. Per lo stesso Leonardo arte e scienza erano indissolubilmente legate. Dando la palma alla pittura come il tipo di creatività più intellettuale, a suo avviso, nella "disputa delle arti", il maestro l'ha intesa come un linguaggio universale (simile alla matematica nel campo delle scienze), che incarna l'intera diversità dell'universo attraverso proporzioni, prospettive e chiaroscuri. "La pittura", scrive Leonardo, "è una scienza e la figlia legittima della natura ..., parente di Dio". Studiando la natura, il perfetto naturalista arriva così a conoscere la "mente divina" nascosta sotto aspetto natura. Coinvolgendosi in una competizione creativa con questo principio divino-intelligente, l'artista afferma così la sua somiglianza con il Creatore supremo. Dal momento che "ha prima nell'anima e poi nelle mani" "tutto ciò che esiste nell'universo", anche lui è "una specie di dio".

Leonardo è uno scienziato. Progetti tecnici

Come scienziato e ingegnere, Leonardo da Vinci arricchì quasi tutte le aree di conoscenza di quel tempo con osservazioni e congetture perspicaci, considerando i suoi appunti e disegni come schizzi per una gigantesca enciclopedia filosofico-naturale. È stato rappresentante di spicco nuovo, basato sull'esperimento delle scienze naturali. Leonardo prestò particolare attenzione alla meccanica, definendola "il paradiso delle scienze matematiche" e vedendo in essa la chiave dei segreti dell'universo; cercò di determinare i coefficienti di attrito radente, studiò la resistenza dei materiali e si dedicò con entusiasmo all'idraulica. Numerosi esperimenti idrotecnici sono stati espressi in progetti innovativi per canali e sistemi di irrigazione. La passione per il modellismo portò Leonardo a sorprendenti lungimiranze tecniche, molto avanti rispetto ai suoi tempi: sono gli schizzi di progetti per forni metallurgici e laminatoi, telai, macchine da stampa, per la lavorazione del legno e altre, un sottomarino e un carro armato, nonché i disegni di aerei e aerei sviluppati dopo uno studio approfondito del volo degli uccelli.

Ottica

Le osservazioni raccolte da Leonardo sull'influenza dei corpi trasparenti e traslucidi sul colore degli oggetti, riflesse nella sua pittura, portarono all'affermazione dei principi della prospettiva aerea nell'arte. L'universalità delle leggi ottiche era per lui associata all'idea dell'uniformità dell'universo. Era vicino alla creazione di un sistema eliocentrico, considerando la Terra "un punto nell'universo". Ha studiato la struttura dell'occhio umano, speculando sulla natura della visione binoculare.

Anatomia, botanica, paleontologia

Negli studi anatomici, riassumendo i risultati delle autopsie dei cadaveri, ha gettato le basi della moderna illustrazione scientifica in disegni dettagliati. Studiando le funzioni degli organi, considerava il corpo come un modello di "meccanica naturale". Per la prima volta descrisse una serie di ossa e nervi, prestò particolare attenzione ai problemi dell'embriologia e dell'anatomia comparata, cercando di introdurre il metodo sperimentale in biologia. Dopo aver approvato la botanica come disciplina indipendente, ha dato descrizioni classiche disposizione delle foglie, elio e geotropismo, pressione delle radici e movimento della linfa delle piante. Fu uno dei fondatori della paleontologia, credendo che i fossili trovati sulle cime delle montagne confutassero la nozione di "alluvione globale".

Rivelando l'ideale dell '"uomo universale" rinascimentale, Leonardo da Vinci fu compreso nella tradizione successiva come una persona che delineò più chiaramente la gamma delle ricerche creative dell'epoca. Nella letteratura russa, il ritratto di Leonardo è stato creato da D. S. Merezhkovsky nel romanzo "The Resurrected Gods" (1899-1900).

Dipinti di Leonardo da Vinci:

“Madonna con bambino e bambino Giovanni “Mona Lisa” 1503 di Battista e S. Anna “

“ Testa di giovane donna "Madonna col Bambino"

“ L'ultima Cena ” 1495-1497

Raffaele Santi

Raffaello Santi (1483-1520), pittore e architetto italiano. Rappresentante dell'Alto Rinascimento. Con chiarezza classica e spiritualità sublime, ha incarnato gli ideali di affermazione della vita del Rinascimento. I primi lavori ("Madonna Conestabile", ca. 1502-03) sono intrisi di grazia, morbido lirismo. Ha glorificato l'esistenza terrena dell'uomo, l'armonia delle forze spirituali e fisiche nei dipinti delle stanze (stanze) del Vaticano (1509-17), raggiungendo un impeccabile senso di proporzione, ritmo, proporzioni, armonia di colori, unità di figure e maestosi sfondi architettonici. Numerose immagini della Madre di Dio ("Madonna Sistina", c. 1513), complessi artistici nelle pitture murali della Villa Farnesina (1514-18) e delle logge del Vaticano (1519, con studenti). I ritratti creavano un'immagine ideale di un uomo rinascimentale (B. Castiglione, 1514-15). Progetta la Cattedrale di S. Pietro, costruì la Cappella Chigi della Chiesa di Santa Maria del Popolo (1512-20) a Roma.

RAFAEL (vero nome Raffaello Santi) (Raffaello Santi) (26 o 28 marzo 1483, Urbino - 6 aprile 1520, Roma), artista e architetto italiano. Figlio del pittore Giovanni Santi. Secondo Vasari, ha studiato con Perugino. Menzionato per la prima volta come maestro indipendente nel 1500. Nel 1504-08 lavorò a Firenze. Alla fine del 1508, su invito di papa Giulio II, si trasferì a Roma, dove, insieme a Michelangelo, assunse un posto di primo piano tra gli artisti che operarono alla corte di Giulio II e del suo successore Leone X.

Già nei primi dipinti, scritti prima di trasferirsi a Firenze, si risentiva l'armonioso magazzino di talento insito in Raffaello, la sua capacità di trovare un accordo impeccabile di forme, ritmi, colori, movimenti, gesti - e in opere di così piccolo formato, quasi miniature, come la Madonna Conestabile (c. 1502-03, Hermitage), Il sogno di un cavaliere (c. 1504, National Gallery, Londra), Le tre Grazie (Condé Museum, Chantilly), San Giorgio (c. 1504, National Gallery, Washington) e nel formato più grande "Fidanzamento di Maria" (1504, Brera, Milano).

Periodo fiorentino (1504-08)

La mossa ha avuto un ruolo enorme nello sviluppo creativo di Raffaello. Di fondamentale importanza per lui era la familiarità con il metodo di Leonardo da Vinci. Seguendo Leonardo, iniziò a lavorare molto dalla natura, studiando l'anatomia, la meccanica dei movimenti, le posture e gli angoli complessi, cercando formule compositive compatte e ritmicamente equilibrate. Nelle ultime opere fiorentine di Raffaello (La Deposizione, 1507, Galleria Borghese, Roma; S. Caterina d'Alessandria, 1507-08 ca., National Gallery, Londra), c'è un interesse per le complesse formule di movimento drammatico agitato sviluppate da Michelangelo.

Il tema principale della pittura del periodo fiorentino è la Madonna col Bambino, a cui sono dedicate almeno 10 opere. Tra questi spiccano tre dipinti vicini nella soluzione compositiva: "Madonna con cardellino" (1506-07 circa, Uffizi), "Madonna in verde" (1506, Kunsthistorisches Museum, Vienna), "Bellissimo giardiniere" (1507, Louvre ). Variando in esse lo stesso motivo, raffigurante una giovane madre sullo sfondo di un paesaggio idilliaco e bambini che giocano ai suoi piedi - Cristo e Giovanni Battista - unisce le figure con un ritmo stabile ed armoniosamente equilibrato della Piramide Composita, amata da i maestri del Rinascimento.

Periodo romano (1509-20)

Trasferitosi a Roma, il maestro ventiseienne ricevette l'incarico di "artista della Sede Apostolica" e l'incarico di affrescare le sale frontali del Palazzo Vaticano, dal 1514 sovrintese alla costruzione della Cattedrale di S. Pietro, opera nel campo dell'architettura di chiese e palazzi, nel 1515 fu nominato Commissario per le Antichità, incaricato dello studio e della tutela dei monumenti antichi, degli scavi archeologici.

Affreschi nel Palazzo Vaticano

Il posto centrale nell'opera di questo periodo è occupato dai dipinti delle sale cerimoniali del Palazzo Vaticano. I murales della Stanza della Senyatura (1509-11) sono una delle creazioni più perfette di Raffaello. Maestose composizioni a più figure sulle pareti (che combinano da 40 a 60 caratteri) di "Disputa" ("Disputa sul sacramento"), "Scuola ateniese", "Parnaso", "Fondazione del canonico e diritto civile”e i loro corrispondenti quattro allegorici figure femminili sulle volte personificano la teologia, la filosofia, la poesia e la giurisprudenza.

Senza ripetere una sola figura e posa, non un solo movimento, Raffaello le intreccia con un ritmo flessibile, libero, naturale che scorre di figura in figura, di gruppo in gruppo.

Nella vicina Stazione di Elidor (1512-14), nelle pitture parietali (“La cacciata di Elidor dal tempio”, “La miracolosa cacciata dell'apostolo Pietro dalle segrete”, “Messa a Bolsena”, “Incontro del Papa Leone I con Attila”) e scene bibliche sulle volte prevale l'inizio intreccio-narrativo e drammatico, cresce l'eccitazione patetica di movimenti, gesti, complessi contrappunti, si intensificano i contrasti di luci e ombre. In The Miraculous Exposition of the Apostle Peter from the Dungeon, Raffaello, con un insolito per l'artista dell'Italia centrale, la sottigliezza pittorica trasmette i complessi effetti dell'illuminazione notturna: uno splendore abbagliante che circonda un angelo, la fredda luce della luna, il rossastro fiamma di torce e i loro riflessi sulle armature delle guardie.

Tra le migliori opere di Raffaello muralista sono anche commissionate dal banchiere e filantropo Agostino Chigi, le pitture murali sulle volte della cappella Chigi (c. 1513-14, Santa Maria della Pace, Roma) e l'affresco “Il trionfo di Galatea ” pieno di allegria pagana (c. 1514-15 , Villa Farnesina, Roma).

Realizzati nel 1515-16 gli arazzi in cartoncino con episodi della storia degli apostoli Pietro e Paolo (Victoria and Albert Museum, Londra) sono stilisticamente vicini ai murales della Stanz, ma mostrano già i primi segni dell'esaurimento dello stile classico di Raffaello - tratti di fredda perfezione, passione per l'inizio spettacolare, vistosità delle pose, eccesso di gesticolazione. In misura ancora maggiore, questo è caratteristico degli affreschi della Stanza del Incendio vaticana (1514-17), realizzati secondo i disegni di Raffaello dai suoi assistenti Giulio Romano e J. F. Penny. La facilità, la grazia, la ricchezza dell'immaginazione si distinguono per i dipinti puramente decorativi realizzati dagli assistenti di Raffaello secondo i suoi disegni nella Sala della Psiche di Villa Farnesina (1515-16 circa) e nella cosiddetta. Logge di Raffaello del Palazzo Vaticano (1518-19).

Madonne romane

In epoca romana Raffaello si rivolge molto meno spesso all'immagine della Madonna, trovandovi una soluzione nuova e più profonda. Nella Madonna della Sedia (c. 1513, Pitti, Firenze), una giovane madre vestita da popolana romana, il piccolo Giovanni Battista e Cristo sono legati insieme da una cornice circolare (tondo); Sembra che Madonna stia cercando di nascondere suo figlio tra le sue braccia, un piccolo Titano con uno sguardo poco infantile e serio. Una nuova interpretazione polifonicamente complessa dell'immagine della Madonna ha trovato la sua espressione più completa in una delle creazioni più perfette di Raffaello: l'altare "Madonna Sistina" (1513 circa, Pinacoteca, Dresda).

ritratti

I primi ritratti appartengono al periodo fiorentino (Agnolo Doni, 1505 ca., Pitti, Firenze; ​​Maddalena Strozzi, 1505 ca., ibid.; Donna Gravida, 1505 ca., ibid.). Tuttavia, solo a Roma Raffaello superò l'aridità e una certa rigidità dei suoi primi ritratti. Tra le opere romane, il ritratto dell'umanista Baldassarre Castiglione (c. 1514-15, Louvre) e il cd. “Donna Velata”, forse un modello della “Madonna Sistina” (c. 1516, Pitti, Firenze), con la loro struttura nobile e armoniosa di immagini, equilibrio compositivo, sottigliezza e ricchezza di colori.

opere architettoniche

Raffaello ha lasciato un segno notevole nell'architettura italiana. Tra i suoi edifici la chiesetta di San Eligio degli Orefici (posa verso il 1509) dall'austero interno, la cappella Chigi nella chiesa di Santa Maria del Popolo (posa verso il 1512) il cui interno è esempio di unità di design e decorazioni architettoniche, rare anche per il Rinascimento, progettate da Raffaello - murales, mosaici, sculture e l'incompiuta Villa Madama.

Raffaello ebbe una grande influenza sul successivo sviluppo della pittura italiana ed europea, divenendo, insieme ai maestri dell'antichità, il massimo esempio di eccellenza artistica.

Dipinti di Raffaello Santi:

"Ninfa Galatea"

"Madonna col Bambino"

“San Giorgio combatte il drago”

“La visione del profeta Ezerkiel” “Adamo ed Eva”

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti (1475-1564), scultore, pittore, architetto e poeta italiano. Con la massima forza, ha espresso gli ideali profondamente umani dell'Alto Rinascimento, pieni di pathos eroico, così come il senso tragico della crisi della visione del mondo umanistica durante il tardo Rinascimento. Monumentalità, plasticità e drammaticità delle immagini, ammirazione per bellezza umana apparve già nei primi lavori ("Compianto di Cristo", c. 1497-98; "David", 1501-04; cartone "Battaglia di Kashin", 1504-06). Il dipinto della volta della Cappella Sistina in Vaticano (1508-12), la statua del "Mosè" (1515-16) confermano la bellezza fisica e spirituale dell'uomo, le sue infinite possibilità creative. Note tragiche, causate dalla crisi degli ideali rinascimentali, risuonano nell'insieme della Sacrestia Nuova della Chiesa di San Lorenzo a Firenze (1520-34), nell'affresco "Il Giudizio Universale" (1536-41) sulla parete dell'altare della Cappella Sistina, nelle successive versioni del "Compianto di Cristo" (1550-55 ca.), ecc. Il principio plastico, il contrasto dinamico delle masse dominano nell'architettura di Michelangelo (biblioteca laurenziana a Firenze, 1523- 34). Dal 1546 sovrintese alla costruzione della Cattedrale di S. Peter, la creazione dell'ensemble del Campidoglio a Roma. La poesia di Michelangelo si distingue per la profondità del pensiero e l'alta tragedia.

Michelangelo Buonarroti (1475, Caprese - 1564, Roma), scultore, pittore, architetto, poeta italiano, uno dei principali maestri del Rinascimento.

Gioventù. Anni di studio

Ha ricevuto la sua prima educazione in una scuola latina a Firenze. Studiò pittura con il Ghirlandaio, scultura con Bertoldo di Giovanni presso la scuola d'arte fondata da Lorenzo Medici nei Giardini Medici. Copiò gli affreschi di Giotto e Masaccio, studiò la scultura di Donatello e nel 1494 a Bologna conobbe le opere di Jacopo della Quercia. Nella casa di Lorenzo, dove Michelangelo visse per due anni, conobbe la filosofia del neoplatonismo, che in seguito ebbe una forte influenza sulla sua visione del mondo e sulla sua creatività. L'attrazione per il monumentale ingrandimento delle forme era già evidente nelle sue prime opere: i rilievi “Madonna alle scale” (1491 ca., Casa Buonarroti, Firenze) e “Battaglia dei centauri” (1492 ca., ibid.).

Primo periodo romano (1496-1501)

A Roma, Michelangelo continuò il suo studio dei Giardini Medici. scultura antica, che divenne una delle fonti della sua ricca plasticità. Al primo periodo romano appartengono l'antica statua di Bacco (c. 1496, Museo Nazionale, Firenze) e il gruppo scultoreo "Pietà" (c. 1498-99), che testimoniano l'inizio della maturità creativa del maestro.

Periodo fiorentino (1501-06). statua di davide

Tornato a Firenze nel 1501, Michelangelo ricevette dal governo della repubblica l'ordine di realizzare una statua del David di 5,5 metri (1501-04, Accademia, Firenze). Installato nella piazza principale di Firenze accanto al municipio di Palazzo Vecchio (ora sostituito da una copia), doveva diventare un simbolo della libertà della repubblica. Michelangelo dipinse il David non come un fragile adolescente che calpestava la testa mozzata di Golia, come facevano i maestri del XV secolo, ma come un bellissimo gigante atletico nel momento prima della battaglia, pieno di fiducia e forza formidabile (i contemporanei la chiamavano terribilita - impressionante).

Contemporaneamente, nel 1501-05, Michelangelo lavorò a un altro ordine del governo: cartone per l'affresco "Battaglia di Cascine", che, insieme al dipinto di Leonardo da Vinci "La battaglia di Anghiari", avrebbe dovuto decorare il salone di Palazzo Vecchio. Le pitture murali non sono state eseguite, ma è stato conservato lo schizzo su cartone di Michelangelo, che prefigura la dinamica delle pose e dei gesti del dipinto del soffitto della Sistina.

Secondo periodo romano (1505-16)

Nel 1505 papa Giulio II convocò Michelangelo a Roma, affidandogli i lavori per la sua lapide. Il progetto di Michelangelo prevedeva la realizzazione, in contrasto con le lapidi murarie tradizionali per l'Italia dell'epoca, di un mausoleo maestoso, autoportante, decorato con 40 statue più grandi di un essere umano. Il rapido raffreddamento di Giulio II a questa idea e la cessazione dei finanziamenti per l'opera provocarono una lite tra il maestro e il papa e la spavalda partenza di Michelangelo per Firenze nel marzo 1506. Ritornò a Roma solo nel 1508, avendo ricevuto un ordine da Giulio II. II per dipingere la Cappella Sistina.

Affreschi della Cappella Sistina

Gli affreschi della volta Sistina (1508-12) sono i più grandiosi dei progetti realizzati da Michelangelo. Rifiutando il progetto propostogli con le figure di 12 apostoli nelle parti laterali della volta e con il riempimento ornamentale della sua parte principale, Michelangelo sviluppò un proprio programma di murales, che ancora oggi provoca varie interpretazioni. Il dipinto dell'enorme volta che ricopre la vasta cappella papale (40,93 x 13,41 m) comprende 9 grandi composizioni nello specchio della volta sui temi del libro della Genesi - dalla Creazione del Mondo al Diluvio, 12 enormi figure di sibille e profeti nelle fasce laterali della volta, il ciclo "Antenati di Cristo" nei casseri e nelle lunette, 4 composizioni nelle vele angolari sui temi della miracolosa liberazione del popolo ebraico. Dozzine di personaggi maestosi che abitano questo grandioso universo, dotati di un aspetto titanico e di un'energia spirituale colossale, mostrano una straordinaria ricchezza dei gesti più complessi, delle pose, dei contrapposti e degli angoli intrisi di movimento potente.

Lapide di Papa Giulio II

Dopo la morte di Giulio II (1513), Michelangelo ricomincia a lavorare sulla sua lapide, crea tre statue nel 1513-16: "Lo schiavo morente", "Lo schiavo risorto" (entrambe al Louvre) e "Mosè". Il progetto originario, più volte rivisto dagli eredi di Giulio II, non fu attuato. Secondo il sesto contratto stipulato con loro, nel 1545 nella chiesa romana di San Pietro in Vincoli fu installata una lapide muraria a due ordini, che comprendeva "Mosè" e 6 statue, realizzata all'inizio degli anni Quaranta del Cinquecento. nello studio di Michelangelo.

Quattro statue incompiute di "Schiavi" (c. 1520-36, Accademia, Firenze), originariamente destinate a una lapide, danno un'idea del metodo creativo di Michelangelo. A differenza degli scultori contemporanei, ha lavorato un blocco di marmo non da tutti i lati, ma solo da un lato, come se estraesse figure dallo spessore della pietra; nelle sue poesie afferma ripetutamente che lo scultore rilascia solo l'immagine originariamente nascosta nella pietra. Presentati in tese pose drammatiche, gli “Schiavi” sembrano voler sfuggire alla massa di pietra che li lega.

Cappella Medicea

Nel 1516 papa Leone X dei Medici commissionò a Michelangelo il progetto per la facciata della chiesa di San Lorenzo a Firenze, costruita nel XV secolo. Brunelleschi. Michelangelo voleva fare della facciata di questa pieve medicea uno "specchio di tutta l'Italia", ma i lavori furono interrotti per mancanza di fondi. Nel 1520 il cardinale Giulio Medici, futuro papa Clemente VII, commissionò a Michelangelo la trasformazione della Sacrestia Nuova della Chiesa di San Lorenzo in una grandiosa tomba della famiglia Medici. I lavori di questo progetto, interrotti dalla rivolta contro i Medici del 1527-30 (Michelangelo fu uno dei capi della difesa triennale della Firenze assediata), non furono completati quando Michelangelo partì per Roma nel 1534; le statue da lui realizzate furono installate solo nel 1546.

Le Cappelle Medicee sono un complesso complesso architettonico e scultoreo, il cui contenuto figurativo ha dato luogo a diverse interpretazioni. Le statue dei Duchi di Lorenzo e Giuliano Medici, sedute in nicchie poco profonde sullo sfondo di una decorazione architettonica dell'antichità e vestite con le armature degli imperatori romani, sono prive di somiglianza di ritratto e, forse, simboleggiano la Vita attiva e la Vita contemplativa. Ai contorni graficamente leggeri del sarcofago si contrappone la potenza plastica delle enormi statue del Giorno e della Notte, del Mattino e della Sera, adagiate sui coperchi inclinati del sarcofago in pose dolorosamente scomode, come pronte a sfilarsene. Michelangelo ha espresso il pathos drammatico di queste immagini in una quartina scritta da lui come per conto della Notte:

È dolce per me dormire, e ancora di più - essere una pietra,

Quando la vergogna e il crimine sono ovunque:

Non sentire, non vedere: sollievo.

Zitto, amico, perché svegliarmi? (Tradotto da A. Efros).

Biblioteca Laurenziana

Durante gli anni di lavoro a Firenze nel 1520-34, si formò lo stile dell'architetto Michelangelo, che si distingue per una maggiore plasticità e ricchezza pittoresca. La scala della Biblioteca Medicea Laurenziana fu coraggiosamente e inaspettatamente risolta (progetto 1523-34 ca., realizzato dopo la partenza di Michelangelo per Roma). Lo scalone monumentale in marmo, che riempie quasi completamente il vasto vestibolo, partendo proprio dalla soglia della sala di lettura posta al secondo piano, esce dal portale in una stretta rampa di ripidi gradini e, allargandosi rapidamente, formando tre bracci, scende appena altrettanto ripidamente; il ritmo dinamico dei grandi gradini di marmo, diretti verso chi sale nell'aula, è percepito come una sorta di forza da vincere.

Terzo periodo romano. "Giudizio Universale"

Il trasferimento di Michelangelo a Roma nel 1534 apre l'ultimo, drammatico periodo della sua opera, che coincide con la crisi generale del Rinascimento fiorentino-romano. Michelangelo si avvicina alla cerchia della poetessa Vittoria Colonna, le idee di rinnovamento religioso che agitavano i membri di questa cerchia hanno lasciato un'impronta profonda nella sua visione del mondo di questi anni. Nel colossale affresco (17 x 13,3 m) Il Giudizio Universale (1536-41) sulla parete dell'altare della Cappella Sistina, Michelangelo si discosta dall'iconografia tradizionale, raffigurando non il momento del Giudizio, quando i giusti sono già separati dai peccatori , ma il suo inizio: Cristo che punisce con un gesto di una mano alzata fa crollare l'Universo morente davanti ai nostri occhi. Se nella volta sistina le titaniche figure umane erano fonte di movimento, ora sono trascinate via, come un turbine, da una forza esterna che le supera; i personaggi perdono la loro bellezza, i loro corpi titanici sembrano gonfiarsi di tubercoli di muscoli che rompono l'armonia delle linee; movimenti pieni di disperazione e gesti sono taglienti, disarmonici; trascinati dal movimento generale, i giusti sono indistinguibili dai peccatori.

Secondo Vasari, Papa Paolo IV negli anni Cinquanta del Cinquecento. stava per abbattere l'affresco, ma fu invece incaricato l'artista Daniele da Volterra di "vestire" i santi o coprirne le nudità con perizomi (tali iscrizioni furono in parte rimosse durante il restauro, terminato nel 1993).

Il pathos tragico è intriso anche degli ultimi dipinti di Michelangelo: gli affreschi "La crocifissione dell'apostolo Pietro" e "La caduta di Saulo" (1542-50, Cappella Paolina, Vaticano). In generale, la tarda pittura di Michelangelo ha avuto un'influenza decisiva sulla formazione del manierismo.

sculture tarde. Poesia

La drammatica complessità delle soluzioni figurative e del linguaggio plastico contraddistingue le ultime opere scultoree di Michelangelo: "Pietà con Nicodemo" (c. 1547-55, Duomo di Firenze) e "Pietà Rondanini" (gruppo incompiuto, c. 1555-64, Castello Sforzesco) .

Nell'ultimo periodo romano, la maggior parte dei quasi 200 poemi michelangioleschi che ci sono pervenuti sono scritti, diversi profondità filosofica pensieri ed espressività tesa del linguaggio.

Cattedrale di S. Petra

Nel 1546 Michelangelo fu nominato capo architetto di S. Pietro, la cui costruzione fu iniziata dal Bramante, che riuscì a costruire al momento della sua morte (1514) quattro giganteschi pilastri e archi della croce centrale, oltre che parzialmente una delle navate. Sotto i suoi successori - Peruzzi, Raffaello, Sangallo, che si discostarono in parte dal progetto bramantesco, la costruzione avanzò appena. Michelangelo è tornato alla pianta centrica del Bramante, allargandone allo stesso tempo tutte le forme e le articolazioni, conferendo loro forza plastica. Michelangelo è riuscito a finire durante la sua vita parte orientale la cattedrale e il vestibolo di un'enorme cupola (42 m di diametro) eretta dopo la sua morte da Giacomo della Porta.

Complesso del Campidoglio

Il secondo grandioso progetto architettonico di Michelangelo fu completato solo nel XVII secolo. Complesso del Campidoglio. Comprende il medioevale palazzo dei Senatori (municipio), ricostruito su progetto di Michelangelo, coronato da una torretta, e due maestosi palazzi dei Conservatori con facciate identiche, uniti dal ritmo possente delle lesene. L'antica statua equestre di Marco Aurelio, installata al centro della piazza, e un'ampia scalinata che scendeva ai quartieri residenziali della città, completavano questo insieme, che collegava la nuova Roma con le grandiose rovine dell'antico Foro Romano situato sul dall'altra parte del Campidoglio.

Funerali a Firenze

Nonostante i ripetuti inviti del duca Cosimo de' Medici, Michelangelo si rifiutò di tornare a Firenze. Dopo la sua morte, il suo corpo fu segretamente portato fuori da Roma e sepolto solennemente nella tomba dei famosi fiorentini, la chiesa di Santa Croce.

Lavori Michelangelo Buonarroti:

“ Davide ”

“ Separazione della luce dalle tenebre ”

"La creazione del sole e della luna"

Il Rinascimento è una delle pagine più impressionanti della storia dell'arte mondiale. Copre circa tre secoli (XIV - XVI secolo). Rispetto alle epoche del mondo antico (circa 5000 mila anni), del Medioevo (circa 1000 anni), il Rinascimento sembra essere un periodo di tempo molto breve. Tuttavia, dal numero di brillanti opere d'arte, novità e coraggio della ricerca di maestri di quell'epoca patrimonio artistico Il Rinascimento non è inferiore alle fasi precedenti nello sviluppo dell'arte mondiale.

L'Italia è stata la culla del Rinascimento. Già nel XIV secolo, nelle opere del grande poeta umanista italiano Francesco Petrarca (1304-1374), apparve il concetto di Rinascimento - Rinascimento (in francese "Rinascimento").

Durante questo periodo furono gettate le basi della scienza moderna. alto livello raggiunge la letteratura, che, con l'invenzione della stampa da parte del tedesco Johannes Gutenberg, ha ricevuto opportunità di distribuzione senza precedenti. In questo momento, Cristoforo Colombo, Copernico fanno le loro scoperte, i grandi italiani Dante, Petrarca, il francese Francois Rabelais, l'autore del romanzo "Gargantua e Pantagruel", Michel Montaigne, il creatore dei famosi "Esperimenti" scrivono le loro opere immortali . Le tragedie di Shakespeare, "Don Chisciotte" di Cervantes, che colpiscono per la profondità della penetrazione nella psicologia dell'uomo, la conoscenza delle sue passioni e aspirazioni, furono scritte nel Rinascimento.

La direzione filosofica dell'umanesimo (dal latino "humanus" - una persona) diventa la base ideologica della cultura rinascimentale. L'uomo diventa di nuovo la "misura di tutte le cose". Il motto dell'arte rinascimentale potrebbe essere preso dalle parole incorporate dall'umanista italiano del XV secolo. Il conte Pico della Mirandola nel suo panegirico, in bocca a Dio Creatore, rivolgendosi all'uomo: "Io ti metto al centro del mondo..."

A differenza della cultura romanica e gotica, la cultura medievale del Rinascimento era di natura laica, sebbene la cerchia principale di soggetti rimanesse legata a temi mitologici e biblici. L'era del Rinascimento opponeva la visione del mondo degli umanisti, che affermavano il valore della persona umana, ai dogmi della chiesa.

Uno dei fondamenti dell'arte rinascimentale è la nuova comprensione del patrimonio dell'antichità.

Gli ideali dell'umanesimo si riflettono anche nell'architettura: gli edifici acquisiscono un chiaro aspetto armonioso, le loro proporzioni e scale sono correlate a una persona.

Il vero fondatore delle belle arti dell'Alto Rinascimento fu il brillante fiorentino Leonardo da Vinci (1452-1519)

I manoscritti di Leonardo testimoniano che non fu solo un grande pittore e scultore, ma anche architetto, meccanico, ingegnere, botanico e anatomista.

Essendo una persona poliedrica, Leonardo da Vinci si interessava a tutto ciò che lo circondava, annotando le sue impressioni su un taccuino che portava sempre con sé. "Arrendendomi a un'inestinguibile sete di conoscenza, sogno di comprendere l'origine di numerose creature della natura", ha detto di se stesso. Nel corso della sua vita, l'artista considera il mondo con tutta la sua diversità di forme, come una creazione della natura, che ha una sua "mente", chiamando i pittori a essere mediatori tra natura e arte.