Dieci donne (artiste) più costose. Goncharova N.S.

Natalia Goncharova- Artista russo, pittore, grafico, artista teatrale, illustratore di libri. Rappresentante dell'avanguardia russa dei primi anni '10, uno dei più brillanti scenografi del XX secolo.

Natalya Sergeevna Goncharova è nata il 3 luglio 1881 nel villaggio di Ladyzhino Regione di Tula. Apparteneva all'antica famiglia nobile dei Goncharov, era la moglie di una prozia Alexander Sergeevich Pushkin.

Sergei Mikhailovich, Il padre di Natalia era un architetto, rappresentante dell'Art Nouveau di Mosca. Madre Ekaterina Ilyinichna- la figlia di un professore di Mosca dell'Accademia teologica. L'artista ha trascorso la sua infanzia nella provincia di Tula, dove suo padre possedeva diversi villaggi e tenute, che le hanno instillato l'amore per la vita rurale. È a questo che gli storici dell'arte associano la decoratività del suo lavoro maturo.

Nel 1891, quando la ragazza aveva 10 anni, la famiglia si trasferì a Mosca.

Formazione scolastica

A Mosca, Natalya Goncharova entrò nella palestra femminile, che si diplomò nel 1898 con una medaglia d'argento.

Nonostante la sua propensione per il disegno, in gioventù Goncharova non ha preso seriamente in considerazione la possibilità di diventare un'artista.

Nel 1900 entrò nei corsi di medicina, ma abbandonò dopo tre giorni. Nello stesso anno ha studiato per sei mesi presso la Facoltà di Storia dei Corsi Superiori Femminili.

Poi si interessò molto all'arte e un anno dopo entrò nel Scuola di Mosca pittura, scultura e architettura, nella classe di scultura di S. Volnukhin e P. Trubetskoy.

Nel 1904 ricevette un piccolo medaglia d'argento per il suo lavoro, ma presto lasciò gli studi.

Natalya Sergeevna Goncharova Foto: Commons.wikimedia.org

Incontro con il marito

Mentre studiava alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, Goncharova ha incontrato il suo futuro marito: un pittore Mikhail Larionova. L'incontro con lui ha cambiato la vita e le intenzioni della ragazza: inizia a scrivere molto e cerca il proprio stile. Fu Larionov a consigliarle di non perdere tempo con la scultura e di dedicarsi alla pittura. “Apri gli occhi ai tuoi occhi. Hai un talento per il colore e sei in forma ", ha detto.

Nel 1904 Goncharova tornò ai suoi studi, ma si trasferì nello studio di pittura a Konstantin Korovin. primi lavori Goncharova ha iniziato a dipingere nello spirito dell'impressionismo. La ragazza non abbandonò la scultura e nel 1907 ricevette un'altra medaglia.

Nel 1909 Natalia decide finalmente di abbandonare gli studi. Smette di pagare le tasse universitarie e viene espulsa dalla scuola.

Avendo collegato la sua vita con Mikhail Larionov, ha condiviso le sue aspirazioni e vedute artistiche. Goncharova si cimenta in molte aree della pittura: cubismo ("Ritratto di M. Larionov", 1913) e primitivismo ("Lavare la tela", 1910).

In questo momento, l'artista è attratto dal tema dell'arte contadina. Cerca di conoscere l'essenza della creatività delle persone. Goncharova torna alle arti e ai mestieri: scrive disegni per carte da parati, disegna fregi di case.

Riproduzione del dipinto "Lavare la tela" di Natalia Goncharova. 1910 Foto: « RIA Notizie »

Dal 1908 al 1911 tenne lezioni private nello studio d'arte del pittore. Ilya Mashkov.

illustrazione

L'artista ha partecipato alle attività della Società Futurista, collaborando con Velimir Chlebnikov E Alexey Kruchenykh. L'amicizia con i futuristi l'ha portata a prenotare la grafica. Nel 1912, Goncharova disegnò i libri di Kruchenykh e Khlebnikov "Mirskonets", "Game in Hell". Lei è una delle prime grafici del libro in Europa usava la tecnica del collage.

Mostre

Il 24 marzo 1910, nei locali del circolo letterario e artistico della Society for Free Aesthetics, Goncharova organizzò la sua prima mostra personale, che comprendeva 22 dipinti. La mostra è durata un solo giorno: a causa del dipinto presentato "The Model (su sfondo blu)" Goncharova è stata accusata di pornografia, diverse opere sono state confiscate. Il tribunale l'ha presto assolta.

Nel 1911, insieme a Larionov, organizzò la mostra Jack of Diamonds e nel 1912 The Donkey's Tail. Avanti - "Obiettivi", "N. 4". L'artista era un membro della Munich Blue Rider Society. Goncharova ha sostenuto attivamente numerose azioni e iniziative di quel tempo.

Nel 1912, alla famosa mostra "Coda d'asino" Natalya Goncharova espose un ciclo di 4 dipinti "Evangelist". Quest'opera fece infuriare i censori con la sua rappresentazione non banale dei santi.

Nel 1914 si tenne una grande mostra personale delle opere di Goncharova, furono esposte 762 tele. Ma c'è stato anche uno scandalo: sono state rimosse 22 opere, dopodiché i censori sono andati in tribunale, accusando Goncharova di blasfemia.

Nel 1915 ebbe luogo l'ultima mostra delle opere di Goncharova in Russia. Nel mese di giugno Djagilev invita Goncharova e Larionov a lavoro permanente nelle sue stagioni russe, lasciano la Russia.

Emigrazione

Goncharova e Larionov arrivarono in Francia, dove la coppia rimase fino alla fine della loro vita. La rivoluzione ha impedito loro di tornare in Russia.

Si stabilirono nel Quartiere Latino di Parigi, dove piaceva visitare l'intero colore dell'emigrazione russa. Goncharova e Larionov hanno organizzato balli di beneficenza per pittori principianti. Spesso visitavano la loro casa. Nikolai Gumilyov e Marina Cvetaeva.

Goncharova ha lavorato molto a Parigi, i suoi cicli "Pavoni", "Magnolie", "Fiori d'india" parlano di lei come pittrice matura. Marina Cvetaeva ha scritto: “Come lavora Natalya Goncharova? Primo, sempre, secondo, ovunque, terzo, tutto. Tutti i temi, tutte le dimensioni, tutti i metodi di realizzazione (olio, acquerello, tempera, pastello, matita, matite colorate, carboncino - cos'altro?), Tutte le aree della pittura, prende tutto e dà ogni volta. Lo stesso fenomeno della pittura come fenomeno della natura.

Natalia Goncharova. Pavone sotto il sole splendente, 1911 Foto: Commons.wikimedia.org

Tuttavia, Goncharova ha dedicato la maggior parte delle sue energie al lavoro in teatro. Fino alla morte di Diaghilev nel 1929, è stata una delle principali artiste della sua impresa. Ha disegnato i balletti "Spanish Rhapsody" (alla musica M.Ravel), "The Firebird" (alla musica I. Stravinskij), "Bogatyrs" (alla musica A. Borodin), l'opera Koschey l'Immortale (alla musica N. Rimsky-Korsakov).

Negli anni Cinquanta Natalya Sergeevna dipinse numerose nature morte e tele del "ciclo spaziale".

Negli anni Sessanta ci fu una rinascita di ampio interesse per l'arte di Larionov e Goncharova, le loro mostre si tenevano in molti paesi e città in Europa e in America. Nel 1961, un'importante retrospettiva delle opere di Larionov e Goncharova fu organizzata a Londra dall'Arts Council of Great Britain.

Natalya Goncharova morì a Parigi il 17 ottobre 1962. Fu sepolta nel cimitero di Ivry-sur-Seine.

Dopo la sua morte, il Museo arte contemporanea a Parigi dedica a lei e a Larionov una grande retrospettiva.

Goncharova N.S. "Donne con rastrello" 1907 Olio su tela

"Pavone sotto il sole splendente" 1911 Olio su tela. 129 x 144 cm.
Galleria Statale Tretyakov

Descrizione dell'immagine

L'artista ha raffigurato lo stesso pavone in 10 stili (in stile "egiziano", sotto forma di "ricamo russo", futuristico, cubista, ecc.). È stata creata un'intera serie chiamata "Possibilità artistiche sul pavone". Era il suo simbolo, il simbolo della sua arte.

Il pavone era vicino a Goncharova, perché è un simbolo olistico profondo. Ad esempio, nell'arte romana, potrebbe significare il trionfo delle figlie dell'imperatore. In Oriente, il pavone era l'espressione dell'anima, che traeva la sua forza dai principi dell'unità. Nel cristianesimo il pavone era considerato un'immagine della fede nell'immortalità e nella risurrezione, e il suo piumaggio dai “mille occhi” indicava l'onniscienza. Il piumaggio multicolore alludeva alla bellezza del mondo (in Cina) e l'atto stesso della creazione nell'Islam è un simbolo dell'Universo).

Il pavone può essere percepito come un segno dell'unità dell'Essere. Il suo simbolismo è associato a quelle antiche culture sincretiche che l'artista amava tanto. Nella versione egizia, la testa e il collo del pavone sono raffigurati di profilo e la coda, secondo i canoni dell'arte egizia, è rivolta frontalmente. Allo stesso tempo, sembra distendersi sul piano di uno sfondo scuro, risaltando con il suo piumaggio unico. Sembra essere coperto non di piume, ma di colori vivaci, che colpiscono lo spettatore in modo più fisiologico.

Un'energia veramente primordiale è incarnata in colori vivaci, che ricordano simili incarnazioni di emozioni umane in russo arte popolare. Presumibilmente, questo dipinto rifletteva la passione del giovane artista per i dipinti di Gauguin con il loro colorato esotismo e la libertà della vita naturale.

Goncharova N.S. "La tosatura delle pecore" 1907 Olio su tela

"Ciclista" 1913 Olio su tela. 78x105 cm.
Museo Statale Russo, San Pietroburgo, Russia

Descrizione dell'immagine

L'immagine trasmette accuratamente la rapida velocità di movimento. I segnali stradali passano davanti a un ciclista in corsa e si fondono in uno solo. Il rapido movimento delle ruote viene trasmesso attraverso la loro ripetuta ripetizione l'una accanto all'altra.

E l'uomo stesso, chinandosi sul volante, stratifica, diventa subordinato idea comune- velocità. Questi sono i principali segni del futurismo: lo spostamento dei contorni, la ripetizione dei dettagli e l'inclusione di frammenti incompiuti. Decomponendo le forme del mondo visibile, Goncharova, tuttavia, è riuscita a creare immagine olistica dinamiche nella vita di un individuo.

Questa immagine incarna l'estetica del ventesimo secolo: un secolo di progresso tecnologico e un ritmo di vita accelerato.

La prima rivoluzione russa del 1905 è già avvenuta. Alla vigilia della prima guerra mondiale, iniziata nel 1914, la turbolenta situazione della società fu sottilmente catturata dall'artista ed espressa in una trama innocente: una figura condizionale di un uomo in bicicletta.

Questo è uno dei le migliori immagini artisti nello stile del cubo-futurismo. Il lavoro successivo di Goncharova è andato nello spirito del nuovo stile inventato da M. Larionov "Rayonism".

Khorovod 1910 Olio su tela Museo di Storia e Arte, Serpukhov, Russia

Arcangelo Michele 1910 Olio su tela 129,5 x 101,6 cm

Goncharova N.S. "Liturgia, S. Andrea" 1914

Goncharova N.S. "La Vergine col Bambino." Descrizione del dipinto

L'immagine è realizzata nello spirito dell'iconografia russa. L'artista ha utilizzato schemi e tecniche tradizionali e allo stesso tempo non è stata vincolata da alcun limite.

La Madre di Dio è raffigurata in vesti gialle con pieghe marroni. Alla sua mano sinistra siede un bambino, che tiene con la destra. Contrariamente alle tradizioni ortodosse, il bambino non guarda né lei né lo spettatore. Un semplice sfondo blu è pieno di piante verdi interpretate in modo primitivo e figure di angeli. Interpretazione condizionale del volto Madre di Dio completato dalla sua colorazione non convenzionale, tipica del Rayonismo.

La libera trasformazione plastica delle figure degli angeli e del bambino Cristo è completata dalla sonorità dei colori vivaci, che allontana l'immagine dai canoni della pittura di icone e la colloca in un posto degno tra le conquiste di persone che la pensano allo stesso modo.

Goncharova N.S. "Falciatura" 1910

Goncharova N.S. "Raccolto" 1911

Goncharova N.S. "Piccola stazione" 1911

"Aeroplano sopra il treno" 1913 Olio su tela. 55 x 83 cm
Museo di Stato belle arti Repubblica del Tatarstan, Kazan, Russia

Goncharova N.S. "Gatti" 1913

Goncharova N.S. "Danze contadine" 1911

Goncharova N.S. "Fiori" 1912

Goncharova N.S. "Lavandaie" 1911

Goncharova N.S. "Dinamo" 1913

"Ritratto di Larionov" 1913 Olio su tela. Museo Ludwig, Colonia, Germania

Goncharova N.S. Nutbumort con una tigre, 1915

Goncharova N.S. "Piantare patate" 1908-1909

Goncharova N.S. "Len" 1908

Goncharova N.S. Colonne di sale, 1908 Descrizione del dipinto

Il dipinto è caratterizzato da grande architettura, complessità e composizione a più figure, varietà di angoli, libertà nella costruzione delle forme.

Usando la tecnica della "storia pittoresca", Goncharova prende come base della composizione leggenda biblica su Lot, ma lo racconta con una digressione.

Il punto di attrazione per l'interpretazione cubista è il momento della trasformazione figura umana in un cristallo di sale sullo sfondo della città che viene rovesciata.

Nell'interpretazione di Goncharov, tutti i partecipanti alla scena si sono trasformati in pilastri: Lot, sua moglie e le figlie, anche i loro futuri figli.

Dal precedente dipinto “Il dio della fertilità” derivano molte tecniche pittoriche e plastiche, ovvero l'interpretazione del volto, in particolare la doppia rima degli occhi, la linea delle sopracciglia che passa nel naso, la testa piantata sulle spalle, le braccia sottili e gambe, gravi deformazioni delle proporzioni, predominanza di forme a 4 carboni.

Nello sviluppo pittorico della superficie si delinea anche un elemento nuovo, avente la forma di una “coda di rondine” ad immagine di Lot. Qui non è stato ancora sufficientemente rivelato né funzionalmente né pittoricamente, ma nelle opere successive troverà il suo posto.

Goncharova N.S. "Stone Maiden" 1908

Goncharova N.S. "Donne contadine" 1910

Goncharova N.S. "Negra nuda". Descrizione dell'immagine

Questo dipinto è un buon esempio del primitivismo di Goncharova. Respira la superenergia del movimento della natura e il dinamismo del dipinto stesso. Allo stesso tempo, è vicina sia a Picasso che a Matisse.

Nell'interpretazione dei piedi, delle mani, e soprattutto nella forma e nell'impostazione della testa, si avverte la vicinanza plastica della Dryade e dell'Amicizia di Picasso. Il tratto sfumato sul viso evoca associazioni con la "Danza con i veli".

L'influenza di Matisse è tangibile nel raggruppamento della figura raffigurata in una danza veloce, che permette di mostrarla contemporaneamente da diverse angolazioni, contrasti di colore (una figura nera su sfondo rosa cremisi), nell'espressione di movimento, la concisione della figura nello spazio minimo e il superrilievo dei contorni, nell'ottimismo delle immagini.

Goncharova ammorbidisce il taglio cubista e raggiunge una maggiore plasticità dell'immagine, rispetto alle fratture emotive delle figure sulle tele dei suoi idoli. La popolarità dell'immagine è stata facilitata dall'espansione culturale della popolazione dai paesi conquistati, che ha travolto i paesi dell'Europa. La passione per le nuove forme è stata raccolta dagli artisti russi seguendo le loro controparti europee.

Goncharova N.S. "Vuoto". Descrizione dell'immagine

Questa immagine è un'eccezione e innovazione allo stesso tempo. Nell'opera di Goncharova, per la prima volta in quasi tutta la pittura d'avanguardia russa, appare una struttura astratta sotto forma di anelli concentrici multicolori di forma irregolare.

Questa struttura, che ha una forma biologica, proteica, è instabile nei contorni, restringendosi ed espandendosi in ampiezza e profondità, simile a una sostanza materiale sconosciuta, un'esplosione di energia. È pieno, come sempre con Goncharova, del respiro della vita, tuttavia, la vita di un livello diverso: la vita della materia pensante.

Il ritmo e l'alternanza di anelli blu e bianchi di dimensioni decrescenti con la larghezza mutevole del nastro di trama densa e liscia crea il proprio spazio, scorrendo all'interno di queste forme, scorrendo attorno a un altro spazio, formato da una pittoresca massa di colore nero-verde-lilla con una consistenza opaca. Lo spazio circostante diventa permeabile, nonostante la proprietà della struttura opaca scura di assorbire tutta la luce.

Goncharova viola la fisica del colore e la fisica della materia, distruggendo l'unità e la densità del materiale create dai pigmenti coloranti introducendo elementi di vernice bianca che ricordano i riflessi dello specchio. Il piano dell'intero campo pittorico del quadro sembra perdere i suoi confini materiali. E la composizione è pronta a superarli, diventando, per così dire, un'illustrazione della posizione su 4 dimensioni: "L'immagine scorre, dà una sensazione di quella che può essere chiamata la 4a dimensione - senza tempo ed extra-spaziale ... ".

Volume del materiale: vernici, la loro consistenza, ad es. "pieno" - raffigura "vuoto": "pieno" dà origine a "vuoto", il volume diventa una categoria di spazio. L'immagine può sembrare puramente astratta. Se pensi alla conoscenza teosofica, puoi immaginare che il punto bianco centrale sia come la designazione di un tunnel che conduce a un altro mondo, a un "vuoto" immaginario. Questo è un colore ultraterreno. anelli blu- una sorta di passaggio attraverso questo tunnel verso un altro mondo.

Il tema della transizione verso un altro mondo non è la prima volta sollevato nelle opere degli artisti. Tunnel simili erano presenti nelle opere di altri artisti fantasma. Un esempio lampante- "La nascita dell'anima umana" nel 1808 del romantico tedesco F.O. Runge.

Goncharova N.S. "Angeli che lanciano pietre contro la città". Descrizione dell'immagine

Uno dei 9 dipinti espressivi ciclo generale chiamato "La vendemmia".

In questa immagine, Goncharova costruisce la propria immagine religiosa del mondo. La cima di questo mondo è il divino mondo celeste. Tutto sulla terra si compie sotto i suoi auspici, e gli angeli guerrieri intervengono direttamente nella vita terrena, opponendosi al tecnismo e all'urbanistica e allo stesso tempo custodendo seminativi e giardini. Si costruiscono così le opposizioni "città-villaggio" e "tecnico-naturale".

Inoltre, è forte l'idea di punizione, punizione celeste, fato, fato, in generale, stati d'animo apocalittici, correlati ai simboli cristiani. L'immagine è stata creata dall'artista durante il periodo delle ricerche creative: Rayonismo, Futurismo: tutto questo era avanti. Solo il primitivismo e la partecipazione al "Fante di quadri" hanno finora costituito l'esperienza creativa di Goncharova. Quindi questa tela in stile neo-primitivista è considerata una delle migliori.

Come molti altri, questo dipinto ha un eccezionale valore decorativo. In particolare si notano i movimenti ritmici di linee e macchie, si manifesta chiaramente l'accentuata attrazione per il piano - la terra. Tutto ciò ha sottolineato il desiderio di Goncharova di forme monumentali.

Goncharova N.S. "Foresta gialla e verde". Descrizione dell'immagine

Uno di una serie di "paesaggi radiosi". Tutto in questa immagine è sfocato da scorci di raggi che si intersecano, dietro di loro i contorni degli alberi sono appena indovinati. Al centro della composizione ci sono 2 tronchi che salgono, toni blu e marrone spenti. Un'intensa macchia di giallo nella chioma dell'albero, da cui escono raggi, fitti toni di verde e blu scuro raggiungono la profondità assoluta del colore.

Alte corone di alberi - tutte in travi intersecanti. Anche nel denso tono marrone della terra, scorci di raggi di luce lampeggiano. Questo porta al paesaggio un suono agitato e ottimista, ma irreale, quasi mistico.

Si ritiene che questo paesaggio sia una semplice illustrazione delle costruzioni filosofiche di P.D. Uspenskij "Tertium Organum. La chiave dei misteri del mondo. Misticismo ed esoterismo intrecciati nel suo percorso di vita con l'occulto e la guarigione. L'innovativo modello dell'Universo proposto dal filosofo, in cui non ci sono 3, ma 4 dimensioni, compreso il tempo. Ha anche chiesto la creazione di un mondo basato sull'idea di una sintesi di psicologia ed esoterismo, che ha portato a livello superiore comprensione e comprensione della vita umana.

È nata il 16 agosto 1881 nel villaggio di Ladyzhino, nella regione di Tula. Natalia è cresciuta nella famiglia di un architetto. Questa famiglia apparteneva all'antica famiglia dei Goncharov.

Affascinata dall'arte, Goncharova iniziò i suoi studi presso la Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, che durò dal 1901 al 1909. Inizialmente, Natalia era principalmente impegnata nella scultura, e in seguito si interessò alla pittura. Il primo mentore dell'artista principiante fu K.A. Korovin. Allo stesso tempo, anche le opere scultoree dell'artista sono state molto apprezzate.

I primi lavori di Goncharova erano dipinti nello spirito dell'impressionismo. Queste tele sono state esposte con successo alle mostre del World of Art e del Moscow Art Theatre. Successivamente, ha ricevuto un invito da S.P. Djagilev. Ha invitato l'artista alle prime armi a partecipare al Salone d'Autunno di Parigi.

Durante questo periodo, Goncharova dipinse principalmente strade con vecchi edifici, parchi cittadini a pastelli. I tratti della visione del mondo, tracciati in queste tele, parlano chiaramente dell'influenza sull'artista del lavoro dei maestri del gruppo Nabis. Tuttavia, il gentile lirismo che contraddistingueva le opere primo periodo, cedette presto il passo a un coerente neoprimitivismo.

Mentre studiava ancora alla scuola Goncharova, ha incontrato M.F. Larionov. Presto questa conoscenza porterà a una relazione affettuosa e Larionov diventerà il marito dell'artista. Insieme a lui, Goncharova ha partecipato a varie mostre russe ed europee. L'impennata creativa del giovane artista fu associata al 1906, quando Goncharova fece i conti con i dipinti nello spirito del primitivismo. L'artista è attratto dal tema dell'arte contadina. Cerca di conoscere l'essenza della creatività delle persone in tutta la sua profondità.

Successivamente, Goncharova lavorerà in altri stili, utilizzando attivamente le tradizioni epoche diverse. In questo momento compaiono i dipinti "Madre", "Danza rotonda", "Raccolta del pane", "Evangelisti".

Nel 1913, Goncharova ha lavorato duramente alle illustrazioni per Lavori letterari, comprese le pubblicazioni di S.P. Bobrova, A.E. Kruchenykh, V.V. Khlebnikov. Dal 1914 l'artista decora spettacoli teatrali, come "Galletto d'oro". IN periodo tardo creatività Goncharov crea molte opere che supportano l'idea di arte non oggettiva. In questo momento compaiono i dipinti "Radiant Lilies", "Orchids".

Nel 1915, Goncharova e suo marito partirono per la Francia. Qui la vita dell'artista si concluderà il 17 ottobre 1962.

“Certo, potrei fare a meno dei fiori, ma mi aiutano a mantenere il rispetto per me stesso, perché dimostrano che non sono incatenato mani e piedi dalle preoccupazioni quotidiane. Sono la prova della mia libertà." (Rabindranath Tagore)

Che pensiero interessante e profondo: i fiori - e la libertà dell'individuo! Ancora più sorprendente è ciò che l'uomo dice al riguardo. Scrittore, poeta, compositore, artista, figura pubblica, Laureato premio Nobel in letteratura… Ha trovato il tempo per godersi la bellezza dei fiori e sentirsi libero!

Sei mesi di freddo in Russia sono tanti! Giardini, campi e foreste innevati, cieli grigi... Il bisogno di sentire la pienezza dell'essere ha sempre spinto le persone a creare analoghi di bellissime creazioni della natura che possono deliziare il cuore e l'anima tutto l'anno.

Pertanto, russo arte popolare così luminoso e festoso. E non è un caso che nell'Ottocento, nel centro della Russia, sia nata un'altra meravigliosa imbarcazione, che prende il nome, come spesso accade in questi casi, dalla sua “residenza”: Zhostovo! È improbabile che nel nostro paese ci sarà una persona nella cui memoria non sorgeranno immediatamente mazzi di fiori luminosi, quasi favolosi, se sente questa parola! Composizioni floreali - su un vassoio di metallo. E devo dire che la libertà che il genio di Tagore ha notato quando si trattava di fiori si manifesta più chiaramente nella creazione dei famosi bouquet Zhostovo.

Un rappresentante di una delle famose dinastie di artisti Zhostov - Larisa Goncharova (esempi del lavoro del maestro). Una dinastia in qualsiasi campo di attività è la storia di un dato caso. Passando a una famiglia, impari la storia secolare dello sviluppo di un intero mestiere. Quindi, parlando dei segreti dell'artigianato, Larisa ha affermato che dipingere è un'improvvisazione: l'autore stesso non sa cosa accadrà, la mano va “automaticamente”!

Che Maestro devi essere, in modo che questi fiori ammalianti, che risplendono dal profondo dei boccioli di luce magica, "suonino" riverentemente sulla superficie laccata, come note di virtuosa improvvisazione musicale! La squisita bellezza dei fiori creati dai Goncharov è piena di un significato speciale che ci trasmette l'atmosfera di una festa esultante o di una contemplazione imparziale.

Ammirando la perfezione dell'incarnazione di ciò che è stato concepito, godendo della libertà e dell'ariosa leggerezza nell'immagine dei mazzi di fiori, inizi a capire che una volta un oggetto utilitario è diventato a lungo un simbolo dell'arte, e che la pittura di Zhostovo è la sua forma indipendente.

Il villaggio di Zhostovo, molto vicino alla capitale, è da diversi secoli un simbolo dell'artigianato russo unico. IN ultimi decenni Nel XX secolo, i nuovi russi, stanchi del trambusto della città e del deterioramento dell'ecologia, scelsero il villaggio. A proposito, ci è familiare fin dall'infanzia Gerda da " regina delle nevi”, o meglio, chi l'ha interpretata attrice popolare teatro e cinema Elena Proklova, anche lei vive in questo villaggio vicino alla foresta da molti anni, amando la progettazione del paesaggio, coltivando frutta e verdura biologica. Non è sfuggita alla tentazione di imparare a dipingere i vassoi!

Sullo sfondo della "città delle dimore" in continua espansione, le case dei veterani sono diventate sempre più basse, "cresciute" nella loro terra natale, aggrappandosi sempre più in profondità, come se temessero di essere sradicate. E c'erano ragioni per questo.

All'inizio c'erano voci, ma non volevo crederci. Potrebbe il vecchio artigianato popolare, di cui lo stato era così orgoglioso, divenne proprietà privata? Passò un po' di tempo e le voci divennero un fatto compiuto. La banca è diventata proprietaria della leggendaria attività di pesca di Zhostovo (non faremo pubblicità aggiuntiva per essa, soprattutto perché il proprietario della banca può venderla!). E tutto è andato secondo il solito schema. La Banca ha promesso di preservare l'artigianato popolare e famoso museo Vassoi Zhostovo, ma il territorio e lo spazio della fabbrica iniziarono ad essere affittati. Ora ci sono una trentina di imprese non legate all'industria dei vassoi. I trenta giovani maestri rimasti in fabbrica si accalcano in quattro salette riservate ai laboratori di pittura. Ora lavorano "per il proprietario". Tutto grandi artisti, vecchi maestri, veri creatori hanno lasciato il mestiere e lavorano a casa. Ultimamente hanno praticamente cessato la collaborazione con la fabbrica.

Il vassoio come oggetto domestico è noto fin dall'antichità, ma fu dall'inizio del XIX secolo a causa della crescita delle città, l'emergere di numerosi hotel, taverne, ristoranti, i vassoi iniziarono ad essere richiesti in grandi quantità e furono utilizzato non solo per scopo previsto ma anche per la decorazione d'interni. Mazzi di fiori luminosi, nature morte, scene di tè che bevono o cavalcano su una troika sono i soggetti tradizionali dei dipinti su vassoio che adornavano le pareti di tali stabilimenti.

I vassoi Zhostovo appartengono alla direzione, che ha il nome comune "vernici russe". Per prima cosa, alla fine del XVIII secolo, apparve la pittura in miniatura laccata su cartapesta. Il villaggio di Danilkovo vicino a Fedoskino, i villaggi di Zhostovo e Ostashkovo erano noti per la produzione di cofanetti, tabacchiere, scatole, bicchieri a matita, portasigarette, album, biscotti, portafogli - oggetti decorati con pittura in miniatura. Gli artisti in quel momento si rivolgevano a opere famose pittura da cavalletto, incisioni, interpretando liberamente ciò che hanno creato le loro opere. Nata in linea con le miniature in lacca, la produzione di vassoi è emersa gradualmente come un commercio indipendente. Il punto di partenza è il 1807, quando la bottega di Philip Nikitich Vishnyakov iniziò a lavorare a Zhostovo. Sebbene la fondazione dell'imbarcazione sia associata al nome di un altro Vishnyakov: Osip Filippovich. A metà del XIX secolo c'erano già dodici officine nel distretto: Belyaev, Mitrofanov, Zaitsev, Leontiev e altri. L'artigianato si sviluppò e iniziarono a essere realizzati vassoi non solo di cartapesta, ma anche di ferro. Indubbiamente, a questo proposito, l'influenza del noto centro di produzione di vassoi di Nizhny Tagil sin dal XVIII secolo.

Se all'inizio i proprietari lavoravano su un piano di parità con i lavoratori, negli anni 1870 e 1880 si stavano trasformando sempre più in imprenditori. In questi anni c'erano più di 240 lavoratori assunti nell'industria dei vassoi vicino a Mosca. Di solito tre persone lavoravano su un vassoio: un fabbro che realizzava uno stampo, uno stuccatore che adescava la superficie e un pittore che dipingeva il vassoio. Dopo l'asciugatura, il primer lo ha ricoperto di vernice.

All'inizio del XX secolo, dopo aver padroneggiato tutte le cose più interessanti che erano nella produzione di vassoi di San Pietroburgo, Nizhny Tagil, in miniatura di lacca vicino a Mosca, pittura da cavalletto, pittura su porcellana e altri tipi di arte, gli artisti di Zhostov formarono il loro proprio stile, basato, tuttavia, in primo luogo , sullo sviluppo del loro tradizioni locali. È stato sviluppato un sistema, un canone pittorico professionale, inerente all'arte di Zhostov fino ad oggi. Nella sequenza delle tecniche di scrittura Zhostovo multistrato, viene fissato un alfabeto peculiare, che viene assorbito dai maestri, che si chiama "con il latte". Pittura, ombra, posa, evidenziazione, disegno, rilegatura: questi sono i "passi" che hanno portato dalle sagome generalizzate di fiori e foglie del dipinto alla creazione delle composizioni più complesse con i dettagli più fini della rilegatura, che combina fiori in mazzi di fiori e lo collega con lo sfondo. E solo dopo aver padroneggiato "perfettamente bene" questo alfabeto, avendo imparato a "pronunciare puramente le parole più complesse", l'artista riceve la tanto attesa Libertà. Ora la mano del Maestro ha il diritto di condurlo lungo i suoi sentieri di giardini magici, dove vivono gli uccelli del paradiso e, improvvisando magistralmente, creano nuovi bouquet di favolosa bellezza.

Comunicare con maestri famosi vari mestieri russi, ho notato che hanno tutti talento non solo nella loro professione principale, ma spesso in molte altre aree di attività. Alcuni anni fa, un partecipante al festival dell'isola di Buyan a Sochi era Nikolai Gushchin, artista popolare russo, artista principale Industria di Nizhny Novgorod "Artista Khokhloma". Ha impressionato i partecipanti non solo con le opere portate in mostra, con la pittura di talento, che ha dimostrato alla master class, ma anche con ... un meraviglioso dono di ballerino! Come ballava al banchetto! Non molti uomini possono vantare tali capacità. E ancora una cosa: gli occhi dell'artista strappano costantemente dalla realtà circostante gli elementi necessari per la creatività, e ogni creatore ha i suoi. Ricordo come, venuto a trovarmi, Gushchin trovò subito nuove idee per i suoi quadri: nel primo minuto di passeggiata in giardino colse un fiore poco appariscente. Guardando con ammirazione i riccioli dell '"erbaccia", ha detto che non li aveva visti nella corsia centrale e li avrebbe sicuramente usati nei suoi dipinti. Avvolse con cura il filo d'erba e se lo mise in tasca. I fiori sono il motivo più popolare dei dipinti nell'artigianato russo.

È così che si sviluppano le tradizioni. Ogni artista porta nei canoni stabiliti il ​​proprio, ciò che ha visto e vissuto. Ogni autore ha il suo stile individuale. Per la natura dei tratti, i professionisti distinguono facilmente le "mani" dei maestri e, notando l'individualità alimentata dal lavoro e dal talento, spesso danno definizioni che non sono affatto termini di storia dell'arte. "Ballando" chiamano con entusiasmo un colpo dell'artista onorata della Russia Larisa Goncharova, la maestra della pittura di Zhostovo. Larisa canta come dipinge i suoi famosi fiori (o scrive come canta!).

Lavoro di diploma di Larisa Goncharova in scuola d'arte loro. Kalinina è stata molto apprezzata dalla commissione e inviata a VDNKh, e Larisa ha ricevuto il premio del Comitato centrale di Komsomol.

Da bambina, Larisa era impegnata nella coreografia, ma avendo ricevuto la professione di artista, lunghi anni ha cantato nell'ensemble folcloristico "Rus", è stato in tournée. Ed è anche una stilista nata, può cucirsi un bel vestito durante la notte. Prova a ripetere: un abito in taffetà con rifiniture "coniglio" e dipinto con fiori Zhostovo è un'esclusiva!

Un carattere positivo, brillanti inclinazioni artistiche hanno trovato un riflesso naturale nel dipinto. Da qui la diffamazione "danzante"!

Artista di quarta generazione, Larisa fin dall'infanzia ha potuto osservare tutte le fasi della creazione dei famosi vassoi Zhostovo, correndo da sua madre al lavoro (fortunatamente la Zhostovo Decorative Painting Factory si trovava accanto alla casa!), anche se non lo era affatto andando a seguire le sue orme. Ma mia madre era una donna saggia e ha saputo guidarla gradualmente sulla retta via. È qui che i geni hanno ovviamente giocato un ruolo. Dopotutto, lo stesso Timofei Maksimovich Belyaev, che negli anni '30 dell'Ottocento aveva il suo laboratorio di produzione di vassoi a Zhostovo, era il bisnonno della madre di Larisa Goncharova, Nina Nikolaevna, artista popolare russa, laureata Premio di Stato loro. I. E. Repina.

La storia prebellica della pesca ci ha lasciato solo nomi maschili. Ma il 1941 capovolse la vita del Paese e iniziò a scrivere la propria storia in tutti i settori e ambiti della vita. Gli uomini furono portati al fronte. E per la prima volta, affinché l'imbarcazione Zhostovo, che aveva già più di 100 anni, non morisse, sei ragazze di 13-14 anni furono portate in fabbrica. Tra loro c'era Nina Belyaeva (in seguito marito di Goncharov). L'infanzia militare al lavoro è un articolo a parte. Puoi scrivere romanzi e realizzare lungometraggi! Nina Nikolaevna ha raccontato come loro, bambine, trascinavano su se stesse tronchi dalla foresta per riscaldare la produzione e dipingevano lattine di cibo in scatola, poiché non c'era ferro (tutto il metallo andava in difesa). È improbabile che in quegli anni Nina potesse presentare il suo lavoro collezioni museali e i migliori showroom del mondo! Ovviamente: non importa quali pareti, pavimenti, vasi e barattoli dipinge la mano di tuo figlio. È importante - chi "mette" questa mano. insegnato alle ragazze maestro più antico Andrei Pavlovich Gogin, che ha svolto un ruolo eccezionale nella storia di Zhostovo. Fu Gogin che, negli anni '20, divenne un attivo organizzatore dell'artel, sulla base del quale creò molte opere eccezionali e insegnò a numerosi studenti l'abilità tradizionale. Era uno di quelli le cui attività hanno contribuito a sopravvivere alla crisi che ha interrotto il lavoro di letteralmente tutti i mestieri popolari all'inizio del XX secolo. Nel 1928, gli artel si fusero in uno - "Metalpodnos", che nel 1960 fu ribattezzato Zhostovo Decorative Painting Factory. Tutte queste fasi furono la vita di Andrei Pavlovich, e dopo la guerra, dal 1948 al 1961, diresse la pesca come direttore artistico e capo artista. A quel tempo, il team di artisti di Zhostov doveva ancora superare i tentativi delle agenzie governative sovietiche iniziate negli anni '20 e '30 di cambiare l'attuale direzione di sviluppo dell'artigianato introducendo una semplice dichiarazione di realismo. Tali innovazioni potrebbero distruggere un'intera tendenza nell'arte della Russia. Ma i principali artigiani sono stati in grado di resistere a questo, dirigendo l'attuazione di nuove idee per approfondire l'artigianato tradizionale.

Nel suo lavoro Gogin sperimenta sia la forma dei vassoi che gli schemi compositivi, utilizzando intarsi in madreperla, fondi colorati e oro. Il suo dono lirico è rimasto invariato, che ha trasmesso alla sua studentessa, Nina Goncharova. Da più di mezzo secolo crea opere che ci deliziano con la loro perfezione.

È stato a lungo dimostrato che una persona che non vive nell'area in cui l'artigianato è nato e si è sviluppato non diventerà mai il suo rappresentante, non sarà in grado di sviluppare tradizioni. L'arte dell'artigianato popolare russo è veramente viva solo su terra natia e ne trae ispirazione. Nonostante questo, dentro angoli diversi Nel nostro paese e in molti paesi del mondo ci sono persone appassionatamente attratte dalla bellezza dell'arte russa e sognano di padroneggiare almeno le basi dell'artigianato. Pertanto, i nostri artisti sono invitati a paesi diversi organizzare scuole, condurre corsi di perfezionamento. Larisa viaggia spesso all'estero, insegnando agli stranieri. Tutti possono imparare le basi della pittura di Zhostovo, ma non tutti possono essere artisti di questo dipinto. Gli stranieri studiano perché è nuovo per loro. Per molti, la conoscenza dell'arte russa è stata limitata per molti anni alle bambole nidificanti. Per alcuni ora è intrattenimento, per altri è business. L. Goncharova ha insegnato in Australia, Taiwan. Ha avuto la possibilità di visitare l'America più di una volta: studi d'arte in 8 stati hanno organizzato i suoi corsi di perfezionamento. E una volta una tale master class sui vassoi di pittura si è trasformata in uno spettacolo vero e unico: si è svolta sullo sfondo di una performance complesso folcloristico, i cui partecipanti erano vestiti con eleganti costumi russi colorati. Anche Larisa ha cantato, alternando le sue esibizioni all'allenamento. In un abito di lusso, era seduta a un vassoio sullo sfondo dell'ensemble! Le donne americane sono corse a vedere come la cantante-artista si cambia d'abito in un minuto, si cambia vestito: lo spettacolo è stato mozzafiato!

"L'estero ci aiuterà" è una frase così familiare per tutti. Classico. Partecipato a l'anno scorso i viaggi a lungo termine dei nostri artisti all'estero lo confermano senza umorismo. Condizioni di lavoro e di vita, salari: sono incommensurabilmente più alti! Anche se no, è solo possibile "misurarlo", ma non vuoi! Il denaro è buono: un artigiano ottiene soddisfazione non solo da ciò che può comprare pane e burro. Il denaro è una “misura”, una valutazione del creatore: “Sono ben pagato, il che significa che apprezzano il mio talento, le opere che ho creato. Quindi ho ottenuto qualcosa! Non invano studiato e lavorato sodo! Si scopre che il denaro è un incentivo a lavorare ulteriormente! Ed ecco la frase: "Un artista deve avere fame" ... Fatevi morire di fame, signori!

Il tempo sta cambiando, la pittura Zhostovo, rispondendo alle tendenze della moda, decora ai nostri tempi non solo vassoi tradizionali, ma anche altri oggetti interni: armadi, tavoli, cassapanche, cofanetti ... e persino secchi! Ci sarebbero degli ordini: puoi dipingere sia le scarpe che un vestito. Ed è davvero bello. Alcuni anni fa a Mosca c'era una mostra "Tutto sull'ordine mondiale". Gli organizzatori hanno ordinato a Larisa Goncharova di dipingere un computer. Si è rivelato un artefatto meraviglioso e insolito!

Ma ancora artisti di talento l'artigianato fa di tutto per preservare il vassoio Zhostovo come fenomeno della cultura russa. E i fiori di Goncharov, con il loro sottile lirismo e la squisita bellezza della pittura, strappano le catene quotidiane dalle nostre mani e dai nostri piedi e ci danno una sensazione di libertà e gioia!

Natalia Tsyghikalo