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Ritratto di un uomo con una mano sul petto. El Greco - "Ritratto di gentiluomo con una mano sul petto"

Sulla vita del cretese Domenico Theotokopuli, l'artista che conquistò la Toledo spagnola sotto il nome di El Greco, cioè il greco, non ci sono quasi prove. La "follia" del suo carattere e lo strano modo pittorico hanno stupito molti e li hanno costretti a prendere in mano una penna, ma sono sopravvissute solo poche lettere. Uno di essi contiene le seguenti righe: “... il tempo era bellissimo, il sole primaverile splendeva dolcemente. Dava gioia a tutto e la città sembrava festosa. Immagina la mia sorpresa quando sono entrato nella bottega di El Greco e ho visto che le persiane delle finestre erano chiuse, e quindi era difficile vedere cosa c'era intorno. Lo stesso El Greco sedeva su uno sgabello, senza fare nulla, ma sveglio. Non voleva uscire con me, perché, secondo lui, la luce del sole interferiva con la sua luce interiore ... "

Di Domenico l'uomo rimasto non c'è quasi traccia, solo echi: che visse in grande stile, tenne la più ricca biblioteca, lesse molti filosofi e fece causa anche a clienti (era amato, ma più spesso non compreso), morì quasi in miseria, come raggi sottili luce del giorno sfondare le fessure delle "serrande chiuse" della sua vita. Ma non distraggono dalla cosa principale: dalla luce interiore che riempie i dipinti dell'artista El Greco. Soprattutto ritratti.

Non hanno paesaggi che si aprono alle spalle della persona ritratta, non c'è abbondanza di dettagli che attirino l'occhio curioso. Anche il nome dell'eroe è spesso lasciato fuori dal quadro. Perché tutto questo impedirebbe di vedere la faccia. E occhi, profondi, scuri, che ti guardano dritto. È difficile staccarsi da loro, e se ti sforzi, allora per vedere il gesto - e di nuovo fermarti a pensare.

Tale è il "Ritratto di gentiluomo con una mano sul petto" (1577-1579), scritto dal maestro poco dopo il suo trasferimento a Toledo. Questo ritratto è riconosciuto come uno dei migliori della pittura spagnola del XVI secolo. Outlander El Greco ha creato "immagini luminose vita spagnola e storie", che raffigurano "esseri viventi autentici, che uniscono in sé tutto ciò che dovrebbe essere ammirato nel nostro popolo, tutto eroico e indomabile, con quelle proprietà opposte che non possono non riflettersi senza distruggere la sua stessa essenza" (A. Segovia). Gli aristocratici delle antiche famiglie di Toledo divennero i veri eroi di El Greco, li vide Luce interna- la loro nobiltà e dignità, fedeltà al dovere, intelligenza, raffinatezza dei modi, coraggio, moderazione esterna e impulso interno, la forza di un cuore che sa per cosa vive e muore ...

Giorno dopo giorno, i visitatori della galleria del Prado si fermano davanti allo sconosciuto hidalgo, sorpresi, con le parole: "Quanto vivo ..." Chi è questo cavaliere? Perché apre il suo cuore con tanta sincerità? Perché i suoi occhi sono così attraenti? E questo gesto di giuramento? E l'elsa della spada?.. Forse da queste domande è nata la leggenda che quello raffigurato nel ritratto sia un altro grande spagnolo: Miguel de Cervantes. Un guerriero e scrittore che ha raccontato al mondo la storia di un cavaliere dall'immagine triste, a cui è stato dato lo stesso dono divino di El Greco: vedere le persone come dovrebbero essere, vedere la loro luce interiore ...

alla rivista "Man Without Borders"

Svetlana Obukhova

Di Domenico uomo non ci sono quasi prove, solo echi: che visse in grande stile, tenne la più ricca biblioteca, lesse molti filosofi e fece causa anche a clienti (era amato, ma più spesso non compreso), morì quasi in miseria, come sottili raggi di luce diurna sfondano le fessure delle "persiane chiuse" della sua vita. Ma non distraggono dalla cosa principale: dalla luce interiore che riempie i dipinti dell'artista El Greco. Soprattutto ritratti.

Tale è il "Ritratto di gentiluomo con una mano sul petto" (1577-1579), scritto dal maestro poco dopo il suo trasferimento a Toledo. Questo ritratto è riconosciuto come uno dei migliori della pittura spagnola del XVI secolo. Lo straniero El Greco ha creato "immagini vivide della vita e della storia spagnola", che raffigurano "esseri viventi autentici, che uniscono tutto ciò che è da ammirare nel nostro popolo, tutto ciò che è eroico e indomito, con quelle proprietà opposte che non possono che riflettersi, senza distruggere la sua stessa essenza” (A. Segovia). Gli aristocratici delle antiche famiglie di Toledo divennero i veri eroi di El Greco, ne vide la luce interiore: nobiltà e dignità, fedeltà al dovere, intelligenza, raffinatezza dei modi, coraggio, moderazione esterna e impulso interiore, forza del cuore, che sa per cosa vive e muore...

E altri dipinti del Museo del Prado all'Ermitage...

El Greco "Cristo che abbraccia la croce" 1600 - 1605

Raffigurato sullo sfondo di un cielo tempestoso tipico di El Greco, Cristo abbraccia la croce con le sue braccia aggraziate, guardando in alto con calma condanna. Il dipinto ebbe un grande successo e molte versioni ne furono create nella bottega di El Greco.

El Greco "La Sacra Famiglia con Sant'Anna e il piccolo Giovanni Battista" c. 1600 - 1605

Il periodo tardo dell'opera di El Greco è caratterizzato dall'uso di colori penetranti e bagliori; lo spazio è completamente riempito di figure che oscurano l'orizzonte. Le forme disegnate con un tratto vibrante perdono la loro matericità. Il piccolo Giovanni Battista invita lo spettatore al silenzio, per non turbare la pace del Cristo bambino...

Velasquez - Ritratto di Filippo IV Ritratto di re Filippo IV. 1653-1657

Fondamenti di ritratto psicologico in Arte europea posato Pittore spagnolo Diego Rodriguez de Silva Velázquez. Nacque in una povera famiglia nobile a Siviglia, studiò con Herrera il Vecchio e Pacheco. Nel 1622 venne per la prima volta a Madrid. In senso pratico, questo viaggio non ha avuto molto successo: Velasquez non ha trovato un posto degno per se stesso. Sperava di incontrare il giovane re Filippo IV, ma l'incontro non ebbe luogo. Tuttavia, le voci sul giovane artista raggiunsero la corte e già l'anno successivo, 1623, il primo ministro, il duca de Olivares (anch'egli originario di Siviglia), invitò Velázquez a Madrid per dipingere un ritratto del re. Quest'opera, che non ci è pervenuta, fece un'impressione così piacevole sul monarca che offrì immediatamente a Velázquez il posto di pittore di corte. Presto tra il re e Velasquez c'erano abbastanza relazioni amichevoli, che non era molto tipico per gli ordini che prevalevano alla corte spagnola. Il re che governava il più grande impero del mondo non era considerato un uomo, ma una divinità, e l'artista non poteva nemmeno contare su nobili privilegi perché si guadagnava da vivere lavorando. Nel frattempo, Filippo ordinò che d'ora in poi solo Velasquez dipingesse i suoi ritratti. Il grande monarca fu sorprendentemente generoso e sostenitore di Velasquez. Lo studio dell'artista si trovava negli appartamenti reali e lì fu installata una sedia per Sua Maestà. Il re, che aveva la chiave della bottega, veniva qui quasi ogni giorno per osservare il lavoro dell'artista. Durante il servizio reale dal 1623 al 1660, Velasquez dipinse circa una dozzina di ritratti del suo signore supremo. Di questi, ci sono pervenuti poco più di 10 dipinti. Pertanto, in media, Velasquez ha interpretato il suo signore supremo circa una volta ogni tre anni. Dipingere ritratti del re era opera di Velasquez, e ha svolto perfettamente questo lavoro. Grazie a ciò disponiamo di un complesso di opere unico nel suo genere: sui ritratti di Velasquez si possono rintracciare percorso di vita Re Filippo così chiaramente come in seguito divenne un'usanza solo nell'era della fotografia. L'evoluzione è chiaramente visibile nelle tele dell'artista. In primo luogo, il re stesso sta cambiando, diciottenne nel primo ritratto e cinquantenne nell'ultimo, il suo volto porta l'impronta dell'età e dei cambiamenti spirituali. In secondo luogo, la percezione dell'artista del suo modello si approfondisce, passando da superficiale a perspicace. Nel tempo, il modo in cui il modello viene presentato cambia e tecniche artistiche. I modi di Velazquez si trasformano sotto l'influenza dei suoi crescita creativa, così come sotto l'influenza delle moderne tradizioni nazionali ed estere. In questo ritratto a busto, Filippo IV è raffigurato su uno sfondo scuro con indosso una veste nera con colletto bianco che mette in risalto il volto del monarca. Velazquez evita il lusso ostentato nel ritratto del re e mostra " volto umano» il monarca senza alcuna adulazione o inganno di corte. Sentiamo chiaramente che la persona che ci guarda dalla tela è infelice, l'anno scorso i regni non erano facili per il re. Questa è una persona che ha conosciuto la delusione, ma allo stesso tempo - una persona la cui carne è piena di grandezza innata, che nulla può scuotere. Un altro grande artista, uno spagnolo fino al midollo delle ossa - Pablo Ruiz Picasso dice questo sull'immagine del re spagnolo: "non possiamo immaginare un altro Filippo IV, tranne quello creato da Velazquez ..."

"Ritratto del re Filippo IV" (1653-1657 ca.)

Uno di ultimi ritratti monarca. È interessante notare che qui non c'è un solo elemento che parli dello status reale della persona ritratta. Velazquez servì Filippo IV per quasi quarant'anni: dal 1623 fino alla sua morte dipinse ritratti del re e della sua famiglia, grandi tele di trama per la Collezione Reale.

Diego Velasquez "Ritratto del giullare Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644

Diego Velasquez "Ritratto della regina Marianna d'Austria" 1652-1653

Tiziano (Tiziano Vecellio) "Venere con Cupido e organista" 1555

Il musicista suona, seduto ai piedi di Venere e ammirando il corpo nudo della dea, un gioco astratto con Cupido. Alcuni vedevano in questa immagine un'opera puramente erotica, mentre altri la percepivano simbolicamente - come un'allegoria dei sentimenti, dove la vista e l'udito fungono da strumenti per comprendere la bellezza e l'armonia. Tiziano ha scritto cinque versioni di questo tema.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - Maria Maddalena penitente 1583

Dopo la sua conversione, Maria Maddalena dedicò la sua vita al pentimento e alla preghiera, ritirandosi dal mondo. Su questa tela è raffigurata mentre guarda il cielo e si allaga luce divina. L'immagine è scritta con spessi colori scuri, caratteristici dello stile del Veronese nell'ultimo periodo della sua opera. Prima di entrare nelle Collezioni Reali spagnole, l'opera apparteneva a il re inglese Carlo I (giustiziato nel 1649)

Anthony van Dyck "Ritratto di uomo con liuto" 1622-1632

Anthony van Dyck deve la sua fama proprio al genere del ritratto, che nella gerarchia pittura europea occupava una posizione piuttosto bassa. Tuttavia, nelle Fiandre a quel tempo si era già sviluppata una tradizione di ritrattistica. Van Dyck dipinse centinaia di ritratti, diversi autoritratti e divenne uno dei creatori dello stile del ritratto cerimoniale del XVII secolo. Nei ritratti dei suoi contemporanei, ha mostrato il loro intellettuale, mondo emotivo, la vita spirituale, il carattere vivente dell'uomo.
Il modello tradizionale per questo ritratto è Jacob Gautier, liutista alla corte inglese dal 1617 al 1647, ma la presenza di una spada e, in misura maggiore, le caratteristiche stilistiche dell'opera, indicano che deve essere datato molto prima di Il viaggio di Van Dyck a Londra, che mette in dubbio questa teoria. La presenza di uno strumento musicale non significa necessariamente che il modello fosse un musicista. Come simbolo, gli strumenti musicali erano spesso raffigurati nei ritratti, come indice della raffinatezza intellettuale e della sensibilità del raffigurato.

Juan Bautista Maino "L'Adorazione dei pastori" 1612-1614

Uno dei capolavori di Maino. In collezione Eremo di Stato un'altra versione di questa storia, scritta da Maino, è conservata. L'artista nacque a Pastrana (Guadalajara) e visse a Roma dal 1604 al 1610. In quest'opera, scritta al suo ritorno in Spagna, si avverte l'influenza del Caravaggio e di Orazio Gentileschi. Nel 1613 Maino entrò a far parte dell'ordine domenicano e il dipinto entrò nel ciclo dell'altare del monastero di San Pietro Martire a Toledo.

Georges de Latour "Il musicista cieco con la lira" ca. 1625-1630

Latour raffigura un vecchio musicista cieco che suona una ghironda e ha ripetuto questa storia molte volte. L'artista, che ha lavorato sotto l'influenza dello stile di Caravaggio, riproduce con entusiasmo i dettagli - il motivo che adorna strumento musicale, rughe sul volto di un cieco, i suoi capelli.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseo libera Andromeda" ca. 1639-1640

Francisco de Goya "Ritratto di Ferdinando VII" 1814-1815

Dopo la sconfitta di Napoleone nel 1814, Ferdinando VII tornò al trono di Spagna. Nel ritratto è raffigurato con un mantello regale bordato di ermellino, con uno scettro e gli ordini di Carlo III e del Toson d'oro.
Ferdinando VII, che governò il paese fino al 1833, fondò il Museo del Prado nel 1819.

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Maria von Santa Cruz, moglie del primo direttore del Prado, era una delle donne più venerate della Spagna del suo tempo.
In un ritratto del 1805, Goya raffigura la marchesa come la musa della poesia lirica, Euterpe, sdraiata su un baldacchino e con una lira nella mano sinistra. La scelta di un'immagine del genere è dovuta alla passione della Marchesa per la poesia.

Francisco Goya - "Autunno (vendemmia)" 1786 - 1787

Francisco Goya - La vendemmia. frammento

Nel 1775-1792, Goya creò sette serie di arazzi di cartone per i palazzi dell'Escorial e del Prado alla periferia di Madrid. Questo dipinto, in particolare, appartiene alla serie delle stagioni ed era destinato alla sala da pranzo del Principe delle Asturie al Prado. Goya ha ritratto la trama classica come una scena quotidiana, che riflette la natura del rapporto tra classi diverse: l'immagine mostra i proprietari della vigna con il figlio e la domestica.

Francisco Goya "Ritratto del generale José de Urrutia" (1798 circa)

José de Urrutia (1739 - 1809) - uno dei più importanti capi militari spagnoli e l'unico ufficiale dell'esercito di origine non aristocratica nel XVIII secolo che raggiunse il grado di capitano generale - è raffigurato con l'Ordine di San Giorgio, che gli fu conferito dall'imperatrice russa Caterina la Grande per aver partecipato alla cattura di Ochakov durante la campagna di Crimea del 1789.

Peter Paul Rubens "Ritratto di Maria de' Medici". OK. 1622-1625.

Maria Medici (1573 - 1642) era figlia del Granduca di Toscana Francesco I. Nel 1600 divenne moglie del re di Francia Enrico IV. Dal 1610 fu reggente per il suo giovane figlio, il futuro re Luigi XIII. Rubens ha commissionato una serie di opere che glorificano se stessa e il suo defunto marito. Il ritratto mostra la regina con indosso un copricapo da vedova e su uno sfondo incompiuto.

Domenico Tintoretto "Donna che scopre i seni" ca. 1580-1590

Viscente Lopez Portagna "Ritratto di Felix Maximo Lopez, primo organista della Cappella Reale" 1820

Pittore neoclassico spagnolo, pur conservando tracce dello stile rococò. Lopez era considerato uno dei migliori ritrattisti del suo tempo, secondo solo a Francisco de Goya. Ha iniziato a studiare pittura a Valencia all'età di 13 anni e quattro anni dopo ha vinto diversi primi premi all'Accademia di San Carlos, che gli sono valsi una borsa di studio per studiare presso la prestigiosa Accademia Reale della capitale. belle arti San Ferdinando. Terminati gli studi, Lopez ha lavorato per diversi anni nella bottega di Mariano Salvador Maella, suo maestro. Nel 1814, dopo l'occupazione francese, Lopez stava già abbastanza bene artista famoso, così il re spagnolo Ferdinando VII lo convocò a Madrid e lo nominò pittore ufficiale di corte, nonostante lo stesso Francisco Goya fosse il "primo artista reale" dell'epoca. Vicente López è stato un artista prolifico, ha dipinto su soggetti religiosi, allegorici, storici e mitologici, ma, soprattutto, è stato, ovviamente, un ritrattista. Durante la sua lunga carriera, ha dipinto ritratti di quasi tutti persona famosa Spagna nella prima metà del XIX secolo.
Questo ritratto del primo organista della cappella reale e famoso musicista e il compositore è stato scritto poco prima della morte dell'artista, ed è stato completato dal figlio maggiore Ambrosio Lopez.

Anton Raphael Mengs "Ritratto di Maria Luisa di Parma, Principessa delle Asturie" 1766

Juan Sanchez Cotán "Natura morta con selvaggina, verdura e frutta" 1602

Don Diego de Acedo è a corte dal 1635. Oltre al "servizio del giullare", fungeva da messaggero reale ed era responsabile del sigillo del re. Apparentemente, i libri, le carte e il materiale per scrivere raffigurati nella foto parlano di queste attività. Si ritiene che il ritratto sia stato dipinto a Fraga, provincia di Huesca, durante il viaggio di Filippo IV in Aragona, in cui era accompagnato da Diego de Acedo. Sullo sfondo si erge il picco di Maliceos della catena montuosa del Guadarrama.

Hieronymus Bosch "Rimuovere la pietra della stupidità" c. 1490

In una scena satirica con figure sullo sfondo di un paesaggio, è raffigurata un'operazione per estrarre la "pietra della stupidità". Iscrizione carattere gotico recita: - "Maestro, rimuovi rapidamente la pietra. Il mio nome è Lubbert Das". Lubbert è un nome comune che denota ignoranza e innocenza. Un chirurgo con un copricapo a forma di imbuto rovesciato, che simboleggia l'ignoranza, "estrae" una pietra (ninfea) dalla testa di un paziente credulone e gli chiede un generoso pagamento. A quel tempo, i semplici credevano che una pietra in testa fosse la causa della loro stupidità. Questo è ciò che usavano i ciarlatani.

Raffaello (Raffaello Santi) "Sacra famiglia con agnello" 1507

Maria aiuta il piccolo Cristo a sedersi sull'agnello - simbolo cristiano la prossima Passione di Cristo, e S. Giuseppe li sta guardando. Il dipinto è stato dipinto a Firenze, dove l'artista ha studiato l'opera di Leonardo da Vinci, influenzato dalle sue composizioni con la Sacra Famiglia. Nel Museo del Prado, questa è l'unica opera di Raffaello scritta nel primo periodo.

Albrecht Dürer "Ritratto di uno sconosciuto" ca. 1521

Il ritratto appartiene a periodo tardo Opera di Dürer. Scritto in un modo simile allo stile artisti olandesi. Un cappello a tesa larga richiama l'attenzione sul volto della persona ritratta, la luce che cade da sinistra focalizza su di esso l'attenzione dello spettatore. Il secondo centro di attenzione nel ritratto sono le mani, e soprattutto la sinistra, in cui lo sconosciuto tiene una pergamena, che apparentemente spiega il suo status sociale.

Rogier Van der Weyden "Compianto" c. 1450

Serviva da modello il trittico d'altare del monastero di Miraflores (conservato in galleria d'arte Berlin), realizzata da Van der Weyden prima del 1444 e ripetuta con alcune differenze. In questa versione, con la parte superiore aggiunta in epoca sconosciuta, Maria, Cristo, S. John e il donatore (cliente del dipinto) - un membro della famiglia Broers - sono raffigurati nello stesso spazio. L'artista trasmette espressamente il dolore della Madre di Dio, premendo sul petto il corpo del figlio morto. Al gruppo tragico di sinistra si contrappone la figura del donatore, separata da una pietra. È in uno stato di concentrazione orante. A quel tempo, i clienti chiedevano spesso di ritrarsi nei dipinti. Ma le loro immagini erano sempre secondarie - da qualche parte sullo sfondo, tra la folla, ecc. Qui il donatore è raffigurato in primo piano, ma separato dal gruppo principale da una pietra e con l'ausilio del colore.

Alonso Cano "Cristo morto sorretto da un angelo" c. 1646 - 1652

Sullo sfondo di un paesaggio crepuscolare, un angelo sorregge il corpo esanime di Cristo. L'insolita iconografia di questa tela è spiegata dal fatto che è associata non ai testi evangelici, ma al cosiddetto Cristo di S. Gregorio. Secondo la leggenda, papa Gregorio Magno ebbe una visione del Cristo morto sorretto da due angeli. Kano ha interpretato questa storia in un modo diverso: solo un angelo sostiene il corpo immobile di Cristo.

Bartolome Esteban Murillo "Nostra Signora del Rosario" ca. 1650-1655

L'opera di Bartolome Esteban Murillo completa l'età d'oro della pittura spagnola. Le opere di Murillo sono impeccabilmente accurate nella composizione, ricche e armoniose nel colore e belle nel senso più alto della parola. I suoi sentimenti sono sempre sinceri e delicati, ma nelle tele di Murillo non c'è più quel potere spirituale e quella profondità che sono così scioccanti nelle opere dei suoi contemporanei più anziani. La vita dell'artista è legata alla sua nativa Siviglia, sebbene abbia dovuto visitare Madrid e altre città. Dopo aver studiato con il pittore locale Juan del Castillo (1584-1640), Murillo lavorò molto su ordini di monasteri e templi. Nel 1660 divenne presidente dell'Accademia di Belle Arti di Siviglia.
Con le sue tele di soggetto religioso, Murillo cerca di portare consolazione e rassicurazione. Non è un caso che abbia dipinto molto spesso l'immagine della Madre di Dio. Di quadro in quadro, l'immagine di Maria passava sotto forma di una bella fanciulla dai lineamenti regolari e dallo sguardo sereno. Il suo aspetto innocente avrebbe dovuto evocare una sensazione di dolce tenerezza nello spettatore. In questo dipinto, Bartolome Murillo ha raffigurato la Madonna e Gesù con un rosario, un tradizionale rosario cattolico, a cui è stata data la preghiera Grande importanza al tempo dell'artista. In quest'opera sono ancora evidenti i tratti del naturalismo che prevalevano nelle opere dei rappresentanti della scuola di Siviglia nella prima metà del XVII secolo, ma lo stile pittorico di Murillo è già più libero che nel suo primi lavori. Questo modo libero è particolarmente pronunciato nella raffigurazione del velo della Vergine Maria. L'artista utilizza la luce intensa per evidenziare le figure su uno sfondo scuro e creare un contrasto tra i toni delicati del volto della Vergine e del corpo del Cristo bambino e le ombre profonde nelle pieghe dei tessuti.
Nell'Andalusia del XVII secolo, l'immagine della Madre di Dio con il Bambino era particolarmente richiesta. Murillo, il cui vita creativa ha avuto luogo a Siviglia, ha scritto molti di questi dipinti, permeati di tenerezza. In questo caso è raffigurata la Madre di Dio con un rosario. E qui, come in nei primi anni del suo lavoro, l'artista rimane fedele alla sua predilezione per i contrasti di luce e ombra.

Bartolomé Esteban Murillo "Il Buon Pastore" 1655-1660

L'immagine è intrisa di profondo lirismo e gentilezza. Il titolo è tratto dal Vangelo di Giovanni: "Io sono il buon pastore". Questo dice che l'immagine raffigura Cristo, anche se nel vero gioventù. Nella foto di Murillo, tutto è bello e semplice. L'artista amava dipingere i bambini e ha messo tutto questo amore nella bellezza dell'immagine di questo ragazzo-Dio. Negli anni 1660 e 1670, durante il periodo di massimo splendore della sua abilità pittorica, Murillo si sforzò di poeticizzare i suoi personaggi, e fu spesso accusato di alcune immagini sentimentali e della loro deliberata bellezza. Tuttavia, queste accuse non sono del tutto giuste. Il bambino raffigurato nella foto è oggi visibile sia a Siviglia che nei villaggi circostanti. Ed è stato proprio in questo che si è manifestato l'orientamento democratico del lavoro dell'artista: nell'eguagliare la bellezza della Madonna con la bellezza delle comuni donne spagnole, e la bellezza di suo figlio, il piccolo Cristo, con la bellezza dei maschiacci di strada.

Alonso Sanchez Coelho "Ritratto dell'infante Isabella Clara Eugenia e Catalina Michaela" 1575

Il ritratto della principessa, di otto e nove anni, regge una corona di fiori. Sanchez Coelho dipinse ritratti di infantas - le amate figlie del re Filippo II e della sua terza moglie Isabella di Valois - fin dalla tenera età. Tutti i ritratti sono realizzati secondo i canoni di un ritratto di corte: ragazze in abiti magnifici e con espressioni facciali impassibili.

Anton Raphaël Mengs. Ritratto del re Carlos III. 1767

Carlo III fu chiamato forse l'unico monarca veramente illuminato nella storia della Spagna. Fu lui a fondare il Museo del Prado nel 1785, prima come museo di storia naturale. Carlo III sognò che il Museo del Prado, insieme al vicino giardini Botanici diventare il centro dell'educazione scientifica.
Salito al trono, iniziò a realizzare serie riforme politiche ed economiche, di cui il Paese aveva così tanto bisogno in quel momento. Tuttavia, i suoi sforzi furono vani: suo figlio Carlo IV non condivideva le opinioni progressiste di suo padre e, dopo la morte di Carlo III, le riforme erano terminate.
Questo ritratto è assolutamente tipico del suo tempo. Con ogni dettaglio, l'artista richiama l'attenzione sulla posizione occupata dal modello: un mantello ornato di ermellino, una croce maltese intarsiata di gioielli, un'armatura lucente sono attributi indispensabili della grandezza reale. Rigoglioso drappeggio e lesena (element architettura classica) è uno sfondo tradizionale per tali ritratti.
Ma già in questo ritratto sorprende come viene presentato il volto della modella. Mengs non fa alcun tentativo di restringere il suo naso regale simile a una cipolla o di appianare le linee delle sue guance rugose. Grazie alla massima individualità, questo dipinto crea un senso di vita che i predecessori di Mengs non potevano raggiungere. Il ritratto fa provare simpatia per Carlos III, pronto a "mostrare" il suo aspetto imperfetto.

Antoine Watteau "Festival nel Parco" c. 1713 - 1716

Questa affascinante scena è un tipico esempio delle "celebrazioni galanti" di Watteau. nebbia leggera, contorni lubrificanti, la statua di Nettuno quasi nascosta nel fogliame sopra la fontana e un colore dorato sbiadito: tutto ciò trasmette un'atmosfera di piacere acuto ma fugace.
Il dipinto apparteneva a Isabella Farnese, seconda moglie del re Filippo V.

Antonio Carnicero "Innalzamento della mongolfiera ad Aranjuez" c. 1784

Il dipinto è stato commissionato dal Duca e dalla Duchessa di Oswan, cattura lo spirito dell'Illuminismo, che ha suscitato interesse per le realizzazioni progresso scientifico. Nella foto evento reale: nel 1784, nei Giardini Reali di Aranjuez, alla presenza del monarca, dei membri della sua famiglia e dei cortigiani, fu effettuato un volo sul pallone Montgolfier. Antonio Carnicero era noto per le sue affascinanti scene di genere e questa tela è una delle sue opere più ambiziose.

José de Madrazo y Agudo "Amore celeste e amore terreno" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Agnello di Dio" 1635-1640

Un agnello giace su un tavolo grigio, che si staglia nettamente su uno sfondo scuro in una luce brillante ben focalizzata. Qualsiasi persona nel XVII secolo riconoscerebbe immediatamente in lui "l'agnello di Dio" e capirebbe che questo è un accenno al sacrificio di sé di Cristo. La lana dell'agnello è straordinariamente scritta e sembra così morbida che è difficile distogliere lo sguardo dall'animale e volerlo toccare.

Juan Pantoja de la Cruz "Ritratto della regina Isabella di Valois" c. 1604 - 1608

Pantoja de la Cruz ha dipinto questo ritratto, ripetendo l'opera di Sofonisba Anguishola - l'originale bruciato nel palazzo nel 1604. L'artista ha aggiunto solo un mantello di pelliccia di marmotta all'abito della regina.
Sofonisba Anguixola è un'artista cremonese che ha lavorato alla corte spagnola. Era il primo ritratto di una giovane regina di una serie realizzata dall'artista. L'immagine è scritta in un modo vicino allo spagnolo, ma con colori più caldi e chiari.

Jean Rann "Ritratto di Carlos III da bambino" 1723

Luis Melendez "Natura morta con una scatola di dolci, un pretzel e altri oggetti" 1770

Il più grande maestro di spagnolo natura morta XVIII c., Luis Melendez è nato in Italia, nella famiglia di un miniaturista delle Asturie. Nel 1717 la famiglia si trasferì a Madrid, dove il giovane entrò nel dipartimento preparatorio dell'Accademia di San Fernando, e tra i più dotati dei suoi studenti si classificò al primo posto. Tuttavia, nel 1747 fu costretto a lasciare l'Accademia al seguito del padre, che ne fu espulso a causa del conflitto. Durante questo periodo, Melendez visita nuovamente l'Italia. Aiutando inizialmente il padre, divenne miniaturista e, tornato dall'Italia, fu invitato da Ferdinando VI a illustrare libri nella Cappella Reale di Madrid. Nel genere della natura morta, a cui l'artista si rivolse all'inizio degli anni Sessanta del Settecento, nuova faccia la sua creatività.
Questa natura morta è stata dipinta periodo maturo creatività dell'artista. In questo momento, nelle sue composizioni compaiono oggetti di lusso, utensili d'argento. Tuttavia, l'artista aderisce ancora ai suoi ideali e lavora in linea con tradizione di genere. La tangibilità materica di ciascuno degli oggetti dipinti su tela ci fa ricordare i migliori esempi di natura morta nell'arte mondiale. Il vetro trasparente palpabile del vetro si riflette nella superficie opaca e lucente del vaso d'argento. Morbido, pretzel su un tovagliolo bianco, sembra profumare di pane appena sfornato. Il collo di una bottiglia sigillata brilla debolmente. Una forchetta d'argento sporge leggermente oltre il bordo del tavolo illuminato. Nella composizione di questa natura morta non c'è una disposizione ascetica degli oggetti in una fila, caratteristica, ad esempio, delle nature morte di Zurbaran. Forse ha qualcosa in comune con i campioni olandesi. Ma il tono è più scuro, gli oggetti sono più piccoli e la composizione è più semplice.

Juan de Arellano "Cesto di fiori" 1670

Pittore barocco spagnolo specializzato in composizioni floreali, nacque a Santorcase nel 1614. All'inizio ha studiato nello studio di un artista ormai sconosciuto, ma all'età di 16 anni si è trasferito a Madrid, dove ha studiato con Juan de Solis, un artista che ha completato le commissioni per la regina Isabella. Juan de Arellano per molto tempo visse di piccole commissioni, tra cui dipinti murali, fino a quando decise di concentrarsi esclusivamente sulla pittura di fiori e divenne un maestro insuperabile in questo settore. Si ritiene che il maestro abbia iniziato copiando le opere di altri artisti, soprattutto italiani, le nature morte fiamminghe hanno aggiunto eleganza e rigore al suo stile. Successivamente, a questa combinazione, ha aggiunto le proprie scoperte compositive e una caratteristica tavolozza di colori.
La composizione piuttosto semplice di questa natura morta è caratteristica di Arellano. I colori vegetali puri e intensi risaltano brillantemente su uno sfondo brunastro neutro grazie all'illuminazione intensa.

El Greco - "Ritratto di gentiluomo con una mano sul petto"

Svetlana Obukhova

Tale è il "Ritratto di gentiluomo con una mano sul petto" (1577-1579), scritto dal maestro poco dopo il suo trasferimento a Toledo. Questo ritratto è riconosciuto come uno dei migliori della pittura spagnola del XVI secolo. Lo straniero El Greco ha creato "immagini vivide della vita e della storia spagnola", che raffigurano "esseri viventi autentici, che uniscono tutto ciò che è da ammirare nel nostro popolo, tutto ciò che è eroico e indomito, con quelle proprietà opposte che non possono che riflettersi, senza distruggere la sua stessa essenza” (A. Segovia). Gli aristocratici delle antiche famiglie di Toledo divennero i veri eroi di El Greco, ne vide la luce interiore: nobiltà e dignità, fedeltà al dovere, intelligenza, raffinatezza dei modi, coraggio, moderazione esterna e impulso interiore, forza del cuore, che sa per cosa vive e muore...

E altri dipinti del Museo del Prado all'Ermitage...

El Greco "Cristo che abbraccia la croce" 1600 - 1605

El Greco "La Sacra Famiglia con Sant'Anna e il piccolo Giovanni Battista" c. 1600 - 1605

Velasquez - Ritratto di Filippo IV Ritratto di re Filippo IV. 1653-1657

Le basi del ritratto psicologico nell'arte europea furono poste dal pittore spagnolo Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Nacque in una povera famiglia nobile a Siviglia, studiò con Herrera il Vecchio e Pacheco. Nel 1622 venne per la prima volta a Madrid. In senso pratico, questo viaggio non ha avuto molto successo: Velasquez non ha trovato un posto degno per se stesso. Sperava di incontrare il giovane re Filippo IV, ma l'incontro non ebbe luogo. Tuttavia, le voci sul giovane artista raggiunsero la corte e già l'anno successivo, 1623, il primo ministro, il duca de Olivares (anch'egli originario di Siviglia), invitò Velázquez a Madrid per dipingere un ritratto del re. Quest'opera, che non ci è pervenuta, fece un'impressione così piacevole sul monarca che offrì immediatamente a Velázquez il posto di pittore di corte. Ben presto si svilupparono relazioni abbastanza amichevoli tra il re e Velazquez, il che non era molto tipico dell'ordine che regnava alla corte spagnola. Il re, che governava il più grande impero del mondo, non era considerato un uomo, ma una divinità, e l'artista non poteva nemmeno contare su nobili privilegi, poiché si guadagnava da vivere con il lavoro. Nel frattempo, Filippo ordinò che d'ora in poi solo Velasquez dipingesse i suoi ritratti. Il grande monarca fu sorprendentemente generoso e sostenitore di Velasquez. Lo studio dell'artista si trovava negli appartamenti reali e lì fu installata una sedia per Sua Maestà. Il re, che aveva la chiave della bottega, veniva qui quasi ogni giorno per osservare il lavoro dell'artista. Durante il servizio reale dal 1623 al 1660, Velasquez dipinse circa una dozzina di ritratti del suo signore supremo. Di questi, ci sono pervenuti poco più di 10 dipinti. Pertanto, in media, Velasquez ha interpretato il suo signore supremo circa una volta ogni tre anni. Dipingere ritratti del re era opera di Velasquez, e ha svolto perfettamente questo lavoro. Grazie a ciò disponiamo di un complesso di opere unico nel suo genere: i ritratti di Velázquez tracciano il percorso di vita del re Filippo con la stessa chiarezza che divenne poi consuetudine solo nell'era della fotografia. L'evoluzione è chiaramente visibile nelle tele dell'artista. In primo luogo, il re stesso sta cambiando, diciottenne nel primo ritratto e cinquantenne nell'ultimo, il suo volto porta l'impronta dell'età e dei cambiamenti spirituali. In secondo luogo, la percezione dell'artista del suo modello si approfondisce, passando da superficiale a perspicace. Nel tempo, il modo in cui il modello viene presentato e le tecniche artistiche cambiano. I modi di Velazquez si trasformano sotto l'influenza della sua stessa crescita creativa, nonché sotto l'influenza delle moderne tradizioni nazionali ed estere. In questo ritratto a busto, Filippo IV è raffigurato su uno sfondo scuro con indosso una veste nera con colletto bianco che mette in risalto il volto del monarca. Velasquez evita il lusso ostentato nel ritratto del re e mostra il "volto umano" del monarca senza alcuna adulazione o astuzia cortese. Sentiamo chiaramente che la persona che ci guarda dalla tela è infelice, gli ultimi anni del regno non sono stati facili per il re. Questa è una persona che ha conosciuto la delusione, ma allo stesso tempo - una persona la cui carne è piena di grandezza innata, che nulla può scuotere. Un altro grande artista, uno spagnolo fino al midollo delle ossa - Pablo Ruiz Picasso dice questo sull'immagine del re spagnolo: "non possiamo immaginare un altro Filippo IV, tranne quello creato da Velazquez ..."

"Ritratto del re Filippo IV" (1653-1657 ca.)

Uno degli ultimi ritratti del monarca. È interessante notare che qui non c'è un solo elemento che parli dello status reale della persona ritratta. Velazquez servì Filippo IV per quasi quarant'anni: dal 1623 fino alla sua morte dipinse ritratti del re e della sua famiglia, grandi tele di trama per la Collezione Reale.

Diego Velasquez "Ritratto del giullare Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644

Diego Velasquez "Ritratto della regina Marianna d'Austria" 1652-1653

Tiziano (Tiziano Vecellio) "Venere con Cupido e organista" 1555

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - Maria Maddalena penitente 1583

Dopo la sua conversione, Maria Maddalena dedicò la sua vita al pentimento e alla preghiera, ritirandosi dal mondo. Su questa tela è raffigurata mentre guarda il cielo ed è immersa nella luce divina. L'immagine è scritta con spessi colori scuri, caratteristici dello stile del Veronese nell'ultimo periodo della sua opera. Prima di entrare nelle collezioni reali spagnole, l'opera apparteneva al re inglese Carlo I (giustiziato nel 1649)

Anthony van Dyck "Ritratto di uomo con liuto" 1622-1632

Anthony Van Dyck deve la sua fama al genere del ritratto, che occupava una posizione piuttosto bassa nella gerarchia della pittura europea. Tuttavia, nelle Fiandre a quel tempo si era già sviluppata una tradizione di ritrattistica. Van Dyck dipinse centinaia di ritratti, diversi autoritratti e divenne uno dei creatori dello stile del ritratto cerimoniale del XVII secolo. Nei ritratti dei suoi contemporanei, ha mostrato il loro mondo intellettuale, emotivo, la vita spirituale, il carattere vivente di una persona.
Il modello tradizionale per questo ritratto è Jacob Gautier, liutista alla corte inglese dal 1617 al 1647, ma la presenza di una spada e, in misura maggiore, le caratteristiche stilistiche dell'opera, indicano che deve essere datato molto prima di Il viaggio di Van Dyck a Londra, che mette in dubbio questa teoria. La presenza di uno strumento musicale non significa necessariamente che il modello fosse un musicista. Come simbolo, gli strumenti musicali erano spesso raffigurati nei ritratti, come indice della raffinatezza intellettuale e della sensibilità del raffigurato.

Juan Bautista Maino "L'Adorazione dei pastori" 1612-1614

Uno dei capolavori di Maino. La collezione dell'Eremo di Stato contiene un'altra versione di questa storia, scritta da Maino. L'artista nacque a Pastrana (Guadalajara) e visse a Roma dal 1604 al 1610. In quest'opera, scritta al suo ritorno in Spagna, si avverte l'influenza del Caravaggio e di Orazio Gentileschi. Nel 1613 Maino entrò a far parte dell'ordine domenicano e il dipinto entrò nel ciclo dell'altare del monastero di San Pietro Martire a Toledo.

Georges de Latour "Il musicista cieco con la lira" ca. 1625-1630

Latour raffigura un vecchio musicista cieco che suona una ghironda e ha ripetuto questa storia molte volte. L'artista, che ha lavorato sotto l'influenza dello stile caravaggesco, riproduce con entusiasmo i dettagli: il motivo che adorna lo strumento musicale, le rughe sul volto del cieco, i suoi capelli.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseo libera Andromeda" ca. 1639-1640

Francisco de Goya "Ritratto di Ferdinando VII" 1814-1815

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Francisco Goya - "Autunno (vendemmia)" 1786 - 1787

Francisco Goya - La vendemmia. frammento

Francisco Goya "Ritratto del generale José de Urrutia" (1798 circa)

Peter Paul Rubens "Ritratto di Maria de' Medici". OK. 1622-1625.

Domenico Tintoretto "Donna che scopre i seni" ca. 1580-1590

Viscente Lopez Portagna "Ritratto di Felix Maximo Lopez, primo organista della Cappella Reale" 1820

Pittore neoclassico spagnolo, pur conservando tracce dello stile rococò. Lopez era considerato uno dei migliori ritrattisti del suo tempo, secondo solo a Francisco de Goya. Ha iniziato a studiare pittura a Valencia all'età di 13 anni e quattro anni dopo ha vinto diversi primi premi all'Accademia di San Carlos, che gli sono valsi una borsa di studio per studiare presso la prestigiosa Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando nella capitale. Terminati gli studi, Lopez ha lavorato per diversi anni nella bottega di Mariano Salvador Maella, suo maestro. Nel 1814, dopo l'occupazione francese, López era già un artista abbastanza noto, così il re spagnolo Ferdinando VII lo chiamò a Madrid e lo nominò pittore ufficiale di corte, nonostante lo stesso Francisco Goya fosse il "primo artista reale". a quel tempo. Vicente López è stato un artista prolifico, ha dipinto su soggetti religiosi, allegorici, storici e mitologici, ma, soprattutto, è stato, ovviamente, un ritrattista. Durante la sua lunga carriera, ha dipinto ritratti di quasi tutti i personaggi famosi in Spagna nella prima metà del XIX secolo.
Questo ritratto del primo organista della cappella reale e del famoso musicista e compositore fu dipinto poco prima della morte dell'artista e fu completato dal figlio maggiore, Ambrosio López.

Anton Raphael Mengs "Ritratto di Maria Luisa di Parma, Principessa delle Asturie" 1766

Juan Sanchez Cotán "Natura morta con selvaggina, verdura e frutta" 1602

Hieronymus Bosch "Rimuovere la pietra della stupidità" c. 1490

In una scena satirica con figure sullo sfondo di un paesaggio, è raffigurata un'operazione per estrarre la "pietra della stupidità". L'iscrizione in caratteri gotici recita: - "Maestro, rimuovi presto la pietra. Mi chiamo Lubbert Das". Lubbert è un nome comune che denota ignoranza e innocenza. Un chirurgo con un copricapo a forma di imbuto rovesciato, che simboleggia l'ignoranza, "estrae" una pietra (ninfea) dalla testa di un paziente credulone e gli chiede un generoso pagamento. A quel tempo, i semplici credevano che una pietra in testa fosse la causa della loro stupidità. Questo è ciò che usavano i ciarlatani.

Raffaello (Raffaello Santi) "Sacra famiglia con agnello" 1507

Maria aiuta il piccolo Cristo a sedersi su un agnello - un simbolo cristiano della prossima Passione di Cristo, e S. Giuseppe li sta guardando. Il dipinto è stato dipinto a Firenze, dove l'artista ha studiato l'opera di Leonardo da Vinci, influenzato dalle sue composizioni con la Sacra Famiglia. Nel Museo del Prado, questa è l'unica opera di Raffaello scritta nel primo periodo.

Albrecht Dürer "Ritratto di uno sconosciuto" ca. 1521

Il ritratto appartiene al periodo tardo dell'opera di Dürer. Scritto in un modo simile allo stile degli artisti olandesi. Un cappello a tesa larga richiama l'attenzione sul volto della persona ritratta, la luce che cade da sinistra focalizza su di esso l'attenzione dello spettatore. Il secondo centro di attenzione nel ritratto sono le mani, e soprattutto la sinistra, in cui lo sconosciuto tiene una pergamena, che apparentemente spiega il suo status sociale.

Rogier Van der Weyden "Compianto" c. 1450

Il modello era il trittico d'altare per il monastero di Miraflores (conservato nella pinacoteca di Berlino), realizzato da Van der Weyden prima del 1444 e ripetuto con alcune differenze. In questa versione, con la parte superiore aggiunta in epoca sconosciuta, Maria, Cristo, S. John e il donatore (cliente del dipinto) - un membro della famiglia Broers - sono raffigurati nello stesso spazio. L'artista trasmette espressamente il dolore della Madre di Dio, premendo sul petto il corpo del figlio morto. Al gruppo tragico di sinistra si contrappone la figura del donatore, separata da una pietra. È in uno stato di concentrazione orante. A quel tempo, i clienti chiedevano spesso di ritrarsi nei dipinti. Ma le loro immagini erano sempre secondarie - da qualche parte sullo sfondo, tra la folla, ecc. Qui il donatore è raffigurato in primo piano, ma separato dal gruppo principale da una pietra e con l'ausilio del colore.

Alonso Cano "Cristo morto sorretto da un angelo" c. 1646 - 1652

Bartolome Esteban Murillo "Nostra Signora del Rosario" ca. 1650-1655

L'opera di Bartolome Esteban Murillo completa l'età d'oro della pittura spagnola. Le opere di Murillo sono impeccabilmente accurate nella composizione, ricche e armoniose nel colore e belle nel senso più alto della parola. I suoi sentimenti sono sempre sinceri e delicati, ma nelle tele di Murillo non c'è più quel potere spirituale e quella profondità che sono così scioccanti nelle opere dei suoi contemporanei più anziani. La vita dell'artista è legata alla sua nativa Siviglia, sebbene abbia dovuto visitare Madrid e altre città. Dopo aver studiato con il pittore locale Juan del Castillo (1584-1640), Murillo lavorò molto su ordini di monasteri e templi. Nel 1660 divenne presidente dell'Accademia di Belle Arti di Siviglia.
Con le sue tele di soggetto religioso, Murillo cerca di portare consolazione e rassicurazione. Non è un caso che abbia dipinto molto spesso l'immagine della Madre di Dio. Di quadro in quadro, l'immagine di Maria passava sotto forma di una bella fanciulla dai lineamenti regolari e dallo sguardo sereno. Il suo aspetto innocente avrebbe dovuto evocare una sensazione di dolce tenerezza nello spettatore. In questo dipinto, Bartolome Murillo ha raffigurato la Madonna e Gesù con un rosario, un tradizionale rosario cattolico, alla cui preghiera era data grande importanza ai tempi dell'artista. In quest'opera sono ancora evidenti i tratti del naturalismo che prevalevano nelle opere dei rappresentanti della scuola di Siviglia nella prima metà del XVII secolo, ma lo stile pittorico di Murillo è già più libero che nei suoi primi lavori. Questo modo libero è particolarmente pronunciato nella raffigurazione del velo della Vergine Maria. L'artista utilizza la luce intensa per evidenziare le figure su uno sfondo scuro e creare un contrasto tra i toni delicati del volto della Vergine e del corpo del Cristo bambino e le ombre profonde nelle pieghe dei tessuti.
Nell'Andalusia del XVII secolo, l'immagine della Madre di Dio con il Bambino era particolarmente richiesta. Murillo, la cui vita creativa è stata trascorsa a Siviglia, ha dipinto molti di questi dipinti, intrisi di tenerezza. In questo caso è raffigurata la Madre di Dio con un rosario. E qui, come nei primi anni del suo lavoro, l'artista rimane fedele alla sua predilezione per i contrasti chiaroscurali.

Bartolomé Esteban Murillo "Il Buon Pastore" 1655-1660

L'immagine è intrisa di profondo lirismo e gentilezza. Il titolo è tratto dal Vangelo di Giovanni: "Io sono il buon pastore". Ciò suggerisce che l'immagine raffigura Cristo, anche se in tenera età. Nella foto di Murillo, tutto è bello e semplice. L'artista amava dipingere i bambini e ha messo tutto questo amore nella bellezza dell'immagine di questo ragazzo-Dio. Negli anni 1660 e 1670, durante il periodo di massimo splendore della sua abilità pittorica, Murillo si sforzò di poeticizzare i suoi personaggi, e fu spesso accusato di alcune immagini sentimentali e della loro deliberata bellezza. Tuttavia, queste accuse non sono del tutto giuste. Il bambino raffigurato nella foto è oggi visibile sia a Siviglia che nei villaggi circostanti. Ed è stato proprio in questo che si è manifestato l'orientamento democratico del lavoro dell'artista: nell'eguagliare la bellezza della Madonna con la bellezza delle comuni donne spagnole, e la bellezza di suo figlio, il piccolo Cristo, con la bellezza dei maschiacci di strada.

Alonso Sanchez Coelho "Ritratto dell'infante Isabella Clara Eugenia e Catalina Michaela" 1575

Anton Raphaël Mengs. Ritratto del re Carlos III. 1767

Carlo III fu chiamato forse l'unico monarca veramente illuminato nella storia della Spagna. Fu lui a fondare il Museo del Prado nel 1785, prima come museo di storia naturale. Carlo III sognava che il Museo del Prado, insieme ai vicini giardini botanici, diventasse un centro di educazione scientifica.
Salito al trono, iniziò a realizzare serie riforme politiche ed economiche, di cui il Paese aveva così tanto bisogno in quel momento. Tuttavia, i suoi sforzi furono vani: suo figlio Carlo IV non condivideva le opinioni progressiste di suo padre e, dopo la morte di Carlo III, le riforme erano terminate.
Questo ritratto è assolutamente tipico del suo tempo. Con ogni dettaglio, l'artista richiama l'attenzione sulla posizione occupata dal modello: un mantello ornato di ermellino, una croce maltese intarsiata di gioielli, un'armatura lucente sono attributi indispensabili della grandezza reale. Drappeggi lussureggianti e un pilastro (un elemento dell'architettura classica) sono uno sfondo tradizionale per tali ritratti.
Ma già in questo ritratto sorprende come viene presentato il volto della modella. Mengs non fa alcun tentativo di restringere il suo naso regale simile a una cipolla o di appianare le linee delle sue guance rugose. Grazie alla massima individualità, questo dipinto crea un senso di vita che i predecessori di Mengs non potevano raggiungere. Il ritratto fa provare simpatia per Carlos III, pronto a "mostrare" il suo aspetto imperfetto.

Antoine Watteau "Festival nel Parco" c. 1713 - 1716

Questa affascinante scena è un tipico esempio delle "celebrazioni galanti" di Watteau. Una leggera nebbia che sfuma i contorni, una statua di Nettuno quasi nascosta nel fogliame sopra la fontana e un colore dorato sbiadito: tutto ciò trasmette un'atmosfera di piacere acuto ma fugace.
Il dipinto apparteneva a Isabella Farnese, seconda moglie del re Filippo V.

Antonio Carnicero "Innalzamento della mongolfiera ad Aranjuez" c. 1784

Il dipinto è stato commissionato dal Duca e dalla Duchessa di Oswan, riflette lo spirito dell'Illuminismo, che ha suscitato interesse per le conquiste del progresso scientifico. Viene raffigurato un evento reale: nel 1784, nei Giardini Reali di Aranjuez, alla presenza del monarca, dei membri della sua famiglia e dei cortigiani, fu effettuato un volo sul pallone Montgolfier. Antonio Carnicero era noto per le sue affascinanti scene di genere e questa tela è una delle sue opere più ambiziose.

José de Madrazo y Agudo "Amore celeste e amore terreno" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Agnello di Dio" 1635-1640

Juan Pantoja de la Cruz "Ritratto della regina Isabella di Valois" c. 1604 - 1608

Jean Rann "Ritratto di Carlos III da bambino" 1723

Luis Melendez "Natura morta con una scatola di dolci, un pretzel e altri oggetti" 1770

Il più grande maestro della natura morta spagnola del XVIII secolo, Luis Melendez è nato in Italia, nella famiglia di un miniaturista delle Asturie. Nel 1717 la famiglia si trasferì a Madrid, dove il giovane entrò nel dipartimento preparatorio dell'Accademia di San Fernando, e tra i più dotati dei suoi studenti si classificò al primo posto. Tuttavia, nel 1747 fu costretto a lasciare l'Accademia al seguito del padre, che ne fu espulso a causa del conflitto. Durante questo periodo, Melendez visita nuovamente l'Italia. Aiutando inizialmente il padre, divenne miniaturista e, tornato dall'Italia, fu invitato da Ferdinando VI a illustrare libri nella Cappella Reale di Madrid. Nel genere della natura morta, a cui l'artista si rivolse all'inizio degli anni Sessanta del Settecento, apparve un nuovo aspetto del suo lavoro.
Questa natura morta è stata scritta nel periodo maturo del lavoro dell'artista. In questo momento, nelle sue composizioni compaiono oggetti di lusso, utensili d'argento. Tuttavia, l'artista aderisce ancora ai suoi ideali e lavora in linea con la tradizione del genere. La tangibilità materica di ciascuno degli oggetti dipinti su tela ci fa ricordare i migliori esempi di natura morta nell'arte mondiale. Il vetro trasparente palpabile del vetro si riflette nella superficie opaca e lucente del vaso d'argento. Morbido, pretzel su un tovagliolo bianco, sembra profumare di pane appena sfornato. Il collo di una bottiglia sigillata brilla debolmente. Una forchetta d'argento sporge leggermente oltre il bordo del tavolo illuminato. Nella composizione di questa natura morta non c'è una disposizione ascetica degli oggetti in una fila, caratteristica, ad esempio, delle nature morte di Zurbaran. Forse ha qualcosa in comune con i campioni olandesi. Ma il tono è più scuro, gli oggetti sono più piccoli e la composizione è più semplice.

Juan de Arellano "Cesto di fiori" 1670

Pittore barocco spagnolo specializzato in composizioni floreali, nacque a Santorcase nel 1614. All'inizio ha studiato nello studio di un artista ormai sconosciuto, ma all'età di 16 anni si è trasferito a Madrid, dove ha studiato con Juan de Solis, un artista che ha completato le commissioni per la regina Isabella. Juan de Arellano visse a lungo a spese di piccoli ordini, tra cui dipinti murali, fino a quando decise di concentrarsi esclusivamente sulla pittura di fiori e divenne un maestro insuperabile in questo settore. Si ritiene che il maestro abbia iniziato copiando le opere di altri artisti, soprattutto italiani, le nature morte fiamminghe hanno aggiunto eleganza e rigore al suo stile. Successivamente, a questa combinazione, ha aggiunto le proprie scoperte compositive e una caratteristica tavolozza di colori.
La composizione piuttosto semplice di questa natura morta è caratteristica di Arellano. I colori vegetali puri e intensi risaltano brillantemente su uno sfondo brunastro neutro grazie all'illuminazione intensa.

Forse uno dei primi ritratti di El Greco realizzati in Spagna è il cosiddetto "Ritratto di gentiluomo con una mano sul petto" (1577-1579 circa). Ciò è evidenziato principalmente dal modo pittorico più tradizionale, scuro, costruito su sfumature di toni brunastri con una pennellata densa e liscia. Tipica è la neutralità psicologica dell'interpretazione, che in futuro lascerà il posto a una caratterizzazione molto più attiva.

Questo famoso ritratto El Greco è, per così dire, l'immagine di un nobile del suo tempo eretto nell'ambito del canone. Elegante, molto calmo, con un gesto di giuramento o convinzione, mettendosi la mano destra sul petto, lo sconosciuto caballero incarna la caratteristica dell'aristocrazia spagnola socio, cioè l'espressione in aspetto equanimità, moderazione, dignità.

L'elsa della spada di Toledo è un dettaglio eloquente del suo aspetto severo, un abito nero, decorato con un collo alto e polsini di pizzo bianco come la neve. Antonina Vallantin nota giustamente che questo tipo di spagnolo è penetrato nel palcoscenico e già viveva sulle pagine dei romanzi, ma per essere ritratto ha dovuto attendere l'arrivo di El Greco a Toledo.

Il ritratto, tuttavia, è inerente incoerenza interna, poiché l'aspetto ideale dell'immagine non corrisponde del tutto alla personalità della persona ritratta - viene raffigurata una natura poco significativa. L'impressione è data dalla struttura pittorica della tela, dove il volto e la mano con la disposizione simbolica delle dita sporgono dal fondo scuro come punti luminosi; la preziosa bellezza del sottile pizzo luccicante, l'elsa di una spada, come sospesa nell'aria, acquista una fragilità speciale. Il distacco dello sguardo del caballero, dotato della tipica stranezza elgrekiana, esalta l'espressività dell'immagine.

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