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페르골레시 아리아의 문체적 특징. 신성한 음악 J

조반니 바티스타 페르골레시 1710 , 예지 - 1736 , 포추올리) - 이탈리아어 작곡가 , 바이올린 연주자그리고 오르간 연주자. Pergolesi는 나폴리 오페라 학교의 대표이자 가장 초기의 가장 중요한 작곡가 중 한 명입니다. 오페라 부파(희가극).

오페라 부파 (ital. 오페라 버파- "코믹 오페라") - 이탈리아 만화 오페라. 에서 유래 XVIII 세기기반을 둔 여흥및 민요 전통(반대로 오페라 시리즈). 오페라 부파의 가장 유명한 작가들: 조반니 페르골레시 , 조반니 파이시엘로 , 도메니코 치마로사. 이 장르는 작은 스케일, 2~3명의 캐릭터, 경쾌한 익살, 행동의 이동성, 풍자적 개작 시문, 밝고 활기찬 장르 멜로디, 스타일의 명확성. 오페라 부파는 일상적인 이야기를 기반으로 했으며 종종 풍자적 함축을 얻었습니다. 나중에 그 전통이 뒷받침되었습니다. 볼프강 아마데우스 모짜르트 , 지오아키노 로시니 , 가에타노 도니제티. 일부 오페라는 오페라 부파 스타일로 만들어졌습니다. 주세페 베르디 (« 폴스타프 »), 세르게이 프로코피예프 (« 수도원에서의 약혼 »), 이고르 스트라빈스키 ("마브라") 다른 사람.

이탈리아 오페라 작곡가 J. Pergolesi는 부파 오페라 장르의 창시자 중 한 명으로 음악사에 입문했습니다. 그 기원에서 오페라 부파는 민속 희극(델라르테)의 전통과 관련하여 18세기 뮤지컬 극장에서 세속적이고 민주적인 원칙을 확립하는 데 기여했습니다. 그녀는 새로운 억양, 형식, 무대 기술로 오페라 극작술의 무기고를 풍부하게 했습니다. Pergolesi의 작업에서 발전한 새로운 장르의 패턴은 유연성, 업데이트 및 다양한 수정을 수행할 수 있는 능력을 드러냈습니다. onepa-buffa의 역사적 발전은 Pergolesi(" 정부 하녀”) - W. A. Mozart ( "피가로의 결혼식") 및 G. Rossini ( "세비야의 이발사") 및 20 세기까지 (G. Verdi의 "Falstaff", I. Stravinsky의 "Mavra") , 작곡가는 발레 "Pulcinella", S. Prokofiev의 "Love for Three Oranges"에서 Pergolesi 테마를 사용했습니다.

Pergolesi의 평생은 유명한 오페라 학교로 유명한 나폴리에서 보냈습니다. 그곳에서 그는 음악원을 졸업했습니다 (그의 교사 중에는 유명한 오페라 작곡가 인 F. Durante, G. Greco, F. Feo가있었습니다). San Bartolomeo의 나폴리 극장에서 Pergolesi의 첫 번째 오페라 Salustia (1731)가 상연되었고 1 년 후 오페라 The Proud Prisoner의 역사적인 초연이 같은 극장에서 열렸습니다. 그러나 대중의 관심을 끌었던 것은 메인 공연이 아니라 이탈리아 극장에서 발전한 전통에 따라 Pergolesi가 오페라 세리아의 막 사이에 배치 한 두 개의 코미디 막간입니다. 곧 성공에 힘 입어 작곡가는이 막간에서 독립적 인 오페라 "The Maid-Mistress"를 편집했습니다. 이 공연에서 모든 것이 새로웠습니다. 단순한 일상적인 음모 (영리하고 교활한 하인 Serpina가 그녀의 주인 Uberto와 결혼하여 여주인이 됨), 재치 음악적 특성캐릭터, 생생하고 효과적인 앙상블, 억양의 노래와 춤 창고. 무대 액션의 빠른 속도는 공연자들에게 훌륭한 연기 기술을 요구했습니다.

이탈리아에서 엄청난 인기를 얻은 최초의 부파 오페라 중 하나인 The Maid-Madame은 다른 나라에서 코믹 오페라가 번성하는 데 기여했습니다. 승리의 성공은 1752년 여름 파리에서 그녀의 작품을 동반했습니다. 이탈리아 "버폰" 극단의 투어는 새로운 장르의 지지자들이 참여하는 가장 날카로운 오페라 토론(소위 "버폰 전쟁")의 기회가 되었습니다. 충돌 (그 중에는 백과 사전-Diderot, Rousseau, Grimm 등)과 프랑스 궁정 오페라 (서정적 비극)의 팬들이있었습니다. 왕의 명령에 따라 "버폰"이 곧 파리에서 추방되었지만 열정은 오랫동안 가라 앉지 않았습니다. 뮤지컬 극장을 업데이트하는 방법에 대한 논쟁의 분위기에서 프랑스 코믹 오페라 장르가 생겼습니다. 첫 번째 중 하나 인 유명한 프랑스 작가이자 철학자 Rousseau의 "The Village Sorcerer"는 "The Maid-Mistress"와 합당한 경쟁을 벌였습니다.

불과 26년을 살았던 Pergolesi는 풍부한 가치를 지닌 독창적인 유산을 남겼습니다. 부파 오페라의 유명한 작가 ( "Maid Lady"- "The Monk in Love", "Flaminio"등 제외)는 다른 장르에서도 성공적으로 작업했습니다. 그는 오페라 세리아, 영적 합창 음악 (대중, 칸타타, 오라토리오) , 기악 작품(트리오 소나타, 서곡, 협주곡). 그의 죽음 직전에 칸타타 " 스타바트 교인"-소프라노, 알토, 현악 4중주 및 오르간을 위한 작은 실내악 앙상블을 위해 작곡된 작곡가의 가장 영감을 받은 작품 중 하나로, 숭고하고 진지하며 관통하는 서정적 느낌으로 가득 차 있습니다.

거의 3 세기 전에 만들어진 Pergolesi의 작품은 젊음의 놀라운 느낌, 서정적 개방성, 매혹적인 기질을 지니고 있으며, 이는 이탈리아 예술의 정신 인 국가적 성격에 대한 아이디어와 분리 할 수 없습니다. "그의 음악에서"B. Asafiev는 Pergolesi에 대해 이렇게 썼습니다. 강한 느낌삶과 지구의 주스, 그리고 그 옆에는 카니발 시대처럼 열정, 교활함, 유머 및 통제 할 수없는 부주의 한 유쾌함이 쉽고 자유롭게 지배하는 에피소드가 빛납니다.

오페라 부파(이탈리아 오페라 부파 - 코믹 오페라) - 이탈리아어. 일종의 만화 30년대에 결성된 오페라. 18 세기 그 기원은 로마의 코미디 오페라에 있습니다. 17세기 학교 ( "Tancia"A. Melanie), 코미디 dell'arte에서. 직접 준비된 O.-b. 음악(일종의 지역 민주주의 t-ra)과 만화가 있는 나폴리 및 베네치아 방언 코미디. 오페라 시리즈의 막 사이에 삽입된 막간(17세기 말부터). O.-b의 조상. G. B. Pergolesi가 등장하여 오페라 세리아의 큰 공연에서 분리 된 막간이 스스로 서기 시작했습니다. 삶. 이 중 Maid-Mistress (1733)는 특히 유명합니다. 첫 번째 O.-B. 이 장르는 2-3막의 작은 스케일이 특징입니다. 얼굴, 경쾌한 버푸 너리, 행동의 이동성, 패러디, 밝고 생생한 장르의 멜로디, 스타일의 선명도. O.-b 위. 많은 장인이 일했습니다 (B. Galuppi, N. Logroshino 및 기타). 일반적으로 그녀는 최첨단 예술을 구현했습니다. 그 시대의 트렌드. 50년대. 18 세기 소위 파리에서. "buffonists"의 편으로 프랑스 대표를 끌어들이는 "buffon war". 계발. 앞으로 O.-b. 무대를 떠납니다. C. Goldoni의 극작술을 많이 사용하는 commedia dell'arte의 예. O.-b.는 텍스트에 기록됩니다. N. Piccinni "Chekkina 또는 Good Daughter"(1760)는이 장르에서 서정적 감성 방향의 시작을 알 렸습니다. 그러나 가사의 강화 망할 O.-b. 만화의 중요성을 약화시키지 않았습니다. 시작. G. Paisiello ( "The Barber of Seville", 1782; "The Miller", 1788), D. Cimarosa ( "Secret Marriage", 1792)의 작업에서 음모와 문체가 확장되고 있습니다. 프레임 O.-B., 풍자, 일상 생활, 동화 같은 요소를 포함하여 광범위한 음모가있는 샘플이 나타납니다. 미묘한 서정이 물든 장면들. O.-b. W. A. Mozart ( "The Marriage of Figaro", 1786)의 매우 독창적 인 오페라 개념이 발전하고 있습니다. 19세기 G. Rossini ( "The Barber of Seville", 1816), G. Donizetti ( "Don Pasquale", 1843), G. Verdi ( "Falstaff", 1893)는 O.-b의 전통을 훌륭하게 구현했습니다. 새로운 역사적 정황. 20세기에 E. Wolf-Ferrari는 이 장르를 되살리기 위해 노력했습니다. Buffon 전통은 S. S. Prokofiev (The Love for Three Oranges, 1919; Betrothal in a Monastery, 1940), I. F. Stravinsky (Mavra, 1922) 등의 여러 오페라에서 다른 기반으로 발전합니다.

그들 모두보다 먼저 죽은 바흐, 헨델, 비발디의 동시대 사람의 삶에 대해-Giovanni Pergolesi; 가난과 궁핍 속에 지나간 스물여섯 살의 짧은 인생에 대해서는 알려진 바가 거의 없다. 그의 작품은 전설로 둘러싸여 있습니다. 예를 들어, 작곡가의 방문자 중 한 명이 소리의 마술사 인 그가 비참한 목조 주택에 웅크 리고 새 집을 짓지 않는 것에 놀랐다는 영광스러운 이야기가 있습니다.

삶의 즐거움에서
음악은 한 사랑에 양보하고,
하지만 사랑은 멜로디...

푸쉬킨

눈을 감고 바흐, 헨델, 슈베르트, 모차르트의 고대 음악을 듣는 것이 얼마나 행복한 일인지… 비, 바람, 감정, 영의 시를 음표로 구현하여 소리나는 시로 기록하십시오 .

1741년 추운 겨울, 빈의 성 베드로 대성당 근처. 스테판, 초라한 초라한 옷을 입은 외로운 노인을 자주 만날 수 있습니다. 긴 흰머리그것은 매우 엉키고 더러운 넝마에 걸려있었습니다. 두꺼운 매듭이 있는 막대기의 손에. 노인은 상점의 창문과 카페의 문을 탐욕스럽게 바라보았다. 그는 배가 고팠지만 결코 구걸하지 않았고 구걸할 생각도 없었습니다. 그가 무엇을 먹고 어디에서 살았는지 아무도 몰랐습니다. 그는 종종 게이트에서 멈췄다. 제국의 궁전경비원이 그를 쫓아 낼 때까지 ... 여름에 노인이 죽었습니다.

지휘자의 손짓과 음악 역사상 가장 뛰어난 작품 중 하나인 조반니 페르골레시의 오라토리오 "Stabat Mater"의 잊을 수 없는 소리가 쏟아졌다. 나는 그의 말을 듣고 그들보다 먼저 죽은 바흐, 헨델, 비발디와 동시대를 살았던 조반니 페르골레시(Giovanni Pergolesi)의 삶을 되돌아봅니다. 짧은 인생, 스물여섯 살에 단절, 가난과 궁핍에 시달렸다…

작곡가에 대해서는 알려진 바가 거의 없으며 그의 작품은 전설로 둘러싸여 있습니다. 작곡가의 방문자 중 한 명이 소리의 마술사 인 그가 비참한 목조 주택에 모여 새 집을 짓지 않을 것이라는 사실에 놀랐던 영광스러운 이야기가 있습니다.

Pergolesi는 다음과 같이 설명했습니다.

“내 음악을 구성하는 소리는 집을 짓는 데 필요한 돌보다 저렴하고 접근하기 쉽습니다. 그리고 나서-누가 알겠습니까-내 건물이 더 내구성이 있을지도 모릅니다. -그는 교활하지 않았고 가난한 존재로 인해 가장 귀중한 창의성과 달리 거짓말을 할 시간이 없었습니다.

내가 말할 수있는 것은 항상 음악가의 존재가 결코 쉬운 일이 아니며 장미가 흩어져 있고 이전 영광의 희생 조각이 많은 사람들이 죽음 후에 인정을 받는다면 인정을받습니다.

그러나 바흐의 아내조차도 그 돈이 스튜뿐만 아니라 일용 할 양식에도 곧 충분하지 않을 것이라고 질책했습니다! Johann Sebastian은 어깨를 으쓱했습니다. “여보, 라이프 치히의 건강한 공기는 모든 것에 책임이 있습니다. 살아있는 나는 살 것이 없습니다 ...”Antonio Vivaldi 그는 다른 시간을 알았습니다. 그는 명성과 재산의 정점을 방문했고 비엔나에서 가난하고 굶주린 채 죽었습니다. (센티미터. )

Handel은 또한 한 번 이상 속았습니다. 어느 날 영리한 상인이 런던에서 출판 한 오페라 Rinaldo를 며칠 만에 팔아 큰 이익을 얻었고 Handel은 비참한 동전을 받았습니다. 주.

Handel은 돈을 세고있을 때 상인에게 씁쓸하게 말했습니다.

Pergolesi는 그의 쓰라린 음악 장애에 혼자가 아니었지만 불행히도 유명한 동시대 사람들과 친해질 시간이 없었습니다.

...Stabat Mater가 들립니다. 음악의 선율, 관통력, 후회의 깊이에 경탄합니다. 그것은 끊임없이 조화로운 흐름으로 흐르고 영혼을 알 수 없는 거리로 옮기게 합니다...

슬픔에 잠긴 어머니가 서 있었다
그리고 나는 눈물을 흘리며 십자가를 바라보았고,
아들이 고통받는 곳.
설렘 가득한 마음
한숨과 나른함
칼이 그녀의 가슴을 찔렀다.

Pergolesi는 바로크에서 고전주의로의 전환기에 이탈리아에서 태어 났으며 아주 짧은 생애 동안 새로운 음악적 아이디어의 대변인이되어 새로운 억양, 형식, 무대 기술로 오페라 극작의 무기고를 풍부하게했습니다. 그의 삶은 밝은 별의 섬광과 같았습니다. 가명 (그의 실명은 Draghi)은 중세 방식으로 자신을 위해 선택했으며 겸손하게 불렀습니다-Jesi의 Giovanni, 즉 Pergolesi.

그는 많은 미사(가장 유명한 10성부 포함), 놀라운 칸타타("Miserere", "Magnificat", "Salve Regina"), 교향곡, 기악 협주곡, 바이올린과 베이스를 위한 33개의 트리오의 저자가 되었습니다. 그는 영적 및 세속적 음악적 전통을 하나의 전체로 놀랍게도 조화롭게 결합했습니다. 그는 신화적이고 역사적인 주제(페르시아인과 로마인의 전쟁, 고대 영웅, 올림피아드 우승자 칭찬). 이 오페라는 오랜 시간 동안 계속되었고 다소 피곤했으며 휴식 시간 동안 청중은 작은 코믹한 음악 장면 인 막간으로 즐거웠습니다. 청중은 그들에게 기뻐했고 Pergolesi는 여러 막간을 하나의 코믹 오페라로 결합하기로 결정했습니다. 부파 오페라는 나중에 Mozart가 그토록 사랑하고 채택한 캐릭터로 The Marriage of Figaro에서 훌륭하게 드러난 억누를 수없는 조커였습니다.

1917년 마르셀 뒤샹은 분수를, 스트라빈스키는 1918년 군인의 이야기를, 1920년 풀치넬라는 페르골레시(?)의 음악이 오브제 트루베 역할을 하는 작품을 썼다. 역사적으로 이질적인 구문이 발견된 개체에 중첩됩니다.

이것이 오페라 Serva Padrona (1732)가 G. Federico의 대본으로 출판 된 방법입니다. 그 음모는 복잡하지 않습니다. Serpina의 하녀는 그녀의 주인을 손가락에 능숙하게 감싸고 있습니다. 오래된 투덜 거리는 Uberto는 그를 강제로 결혼시키고 집안의 전능 한 여주인이됩니다. 오페라의 음악은 장난스럽고 우아하며 일상적인 억양, 선율로 가득 차 있습니다. Servant-Madam은 큰 성공을 거두었고 작곡가에게 명성을 얻었으며 프랑스에서는 코믹 오페라 지지자 (Didro, Rousseau)와 전통적인 무성한 뮤지컬 비극 지지자 (Lully, Rameau) 사이에 심각한 전쟁을 일으켰습니다. "버폰 전쟁"이라고 함). Rousseau는 "유쾌한 것이 유용한 것으로 대체되는 곳마다 거의 항상 유쾌한 것이 승리합니다."

왕의 명령에 따라 "버폰"은 곧 파리에서 추방되었지만 열정은 오랫동안 가라 앉지 않았습니다. 뮤지컬 극장을 업데이트하는 방법에 대한 논쟁의 분위기에서 이탈리아에 이어 프랑스 만화 오페라 장르가 곧 등장하여 전설적인 신화 영웅의 자리를 부르주아, 상인, 하인 및 농민이 차지했습니다. 첫 번째 중 하나 인 뛰어난 사상가, 철학자 및 음악가 Jean-Jacques Rousseau의 "The Village Sorcerer"는 "The Maid-Mistress"의 합당한 경쟁자였습니다. Rousseau가 초보 음악가들에게 유머러스하게 "현대 음악을 피하고 Pergolesi를 공부하십시오! "라고 미묘하게 언급 한 것은 우연이 아닙니다.

1735 년 작곡가는 중세 프란체스코 수도사 Jacopone da Todi "Stabat Mater"( "Mourning Mother Stood")의시 텍스트를 바탕으로 오라토리오를 작성하라는 예기치 않은 명령을 받았습니다. 그 주제는 불만, 처형 된 그리스도의 어머니 인 성모 마리아의 애도 (1 부), 사후 낙원을 허락 해 달라는 죄인의 열렬한기도 (2 부)입니다.

작곡가는 열정적으로 작업하기 시작했습니다. 전설이 있습니다. Pergolesi는 나폴리 소녀를 우상화했지만 그녀의 고귀한 부모는 결혼에 동의하지 않았습니다. 절망에 빠진 실패한 신부는 몸을 던지고 수도원에 뛰어 들어 세상의 소란을 미워하고 ... 갑자기 죽었습니다. Pergolesi는 그의 사랑하는 사람과 매우 유사한 마돈나의 이미지를 보존했습니다. 신부의 초상화와 비극적 인 기억, 잃어버린 행복은 탁월한 음악을 작곡 할 때 작곡가에게 영감을주었습니다.

Pergolesi는 놀라운 변태, 운명 억제의 설명 할 수없는 충돌에 대해 알지 못했습니다. 시적 기본 소스 "Stabat Mater dolorosa"의 저자-정규 중세 영적 찬송-Jacopone da Todi (1230-1306)뿐만 아니라 미래의 작곡가는 사랑하고 사랑하는 소녀들의 갑작스런 죽음을 경험 한 후 수도원에 갔고 프란체스코 수도회 수도사로 봉사하면서 그의 불멸의 찬송을 만들었습니다. 그래서 그의 생애가 끝날 무렵 Pergolesi는 정신적 창의성으로 바뀌어 돌이킬 수없는 사랑의 슬픈 기억에 잠긴 Capuchin 수도원에서 화려한 창조의 마지막 마디를 완성했습니다.

중세의 전통에 따라 수도사 시인은 이전 샘플에서 텍스트를 구성한 것만큼 구성하지 않았으므로시의 저자도 성 베드로에게 귀속됩니다. 클레어의 베르나르도(1090 - 1153)와 교황 인노첸시오 3세(c. 1160 - 1216).

... F단조 오라토리오 "Stabat Mater"의 소리가 쏟아지고 있습니다. 얼마나 많은 고통, 고통, 고통! 흐느끼는 "andante"는 놀라운 "largo"로 대체되고 통곡하는 "allegro"처럼 ...

영원한 사랑의 근원이신 어머니,
마음 깊은 곳에서 베풀어라
당신과 눈물을 나눕니다
내게도 불을 줘 너무 많이
그리스도와 하나님을 사랑하라
그가 나에게 만족하기 위해.

하나의 창의적인 충동으로 Pergolesi는 작업을 마쳤고 수행되었으며 ... 교부들의 불만을 불러 일으켰습니다. "Stabat Mater"를 듣고 영향력있는 한 영적 인물은 분개했습니다.

- 너 뭐라고 썼어? 이 희극은 교회에서 적절합니까? 확실히 바꾸세요.

Pergolesi는 웃으며 오라토리오에서 대사를 수정하지 않았습니다.

수도승 음악가인 Padre Martini는 오라토리오의 저자가 "슬픔의 노래보다는 일부 코믹 오페라에서 사용할 수 있는" 구절을 사용했다고 불평했습니다. - 그가 무슨 말을 하던가요? 모든면에서 Pergolesi의 극도로 엄격한 음악에 대한 검토가 있었다면 양육, 인식 및 행동의 기준을 상상하기조차 어렵습니다. 그러나 유사한 비난이 바흐에서 베르디에 이르기까지 모든 위대한 영적 작곡 작가를 괴롭 혔습니다. 그러나 정확히 말하면 비판은 "Inflamatus"(11h)의 빠른 템포에서 매우 대담한 단계인 주요 부분을 언급했을 수 있습니다. Pergolesi는 당시 작업에 이러한 뉘앙스를 처음으로 도입했습니다.

작곡가가 악마에게 영혼을 팔아 "부정한 방법으로" 재능을 받았다는 우울한 소문이 퍼졌습니다...

그의 생애가 끝날 무렵 Pergolesi는 나폴리 근처의 Pozzuoli 마을로 이사했습니다. 나는 여유롭게 식사를 하고 키안티 한 잔을 마실 수 있는 작은 오스테리아를 방문하는 것을 좋아했습니다. 한번은 그가 나타나기 전에 승려가 나타나 여관 주인에게 다음과 같은 말이 적힌 병을 건넸습니다.

- 미스터 뮤지션에게.

페르골레시가 도착했습니다. 주인은 그에게 이렇게 말했습니다.

-낯선 스님이 와인 한 병을 남겼습니다.

"같이 마시자." 조반니가 기뻐했다.

- 여기 병이 있습니다. 하지만 그녀는 내 지하실에서 왔으니 마시자. 그리고 사제가 준 것은 내가 버렸습니다.

- 왜? 음악가는 놀랐다.

"포도주가 중독된 것 같습니다." 은혜로운 주인이 속삭였습니다.

며칠 후 Pergolesi는 사라졌습니다. 그의 죽음의 정확한 원인은 알려지지 않았습니다. 그는 암살자에게 중독되었거나 결투에서 사망했거나 소비로 사망했으며 어린 시절부터 긴장하고 병에 걸렸습니다. 거의 300 년 전에 일어났습니다.

... Pergolesi의 "Stabat Mater"를 무관심하게 듣는 것은 불가능합니다! 이것은 고통받는 영혼의 고백이고 이것은 고통받는 마음의 외침입니다! 나는 오라토리오의 마지막 소리를 듣습니다. 마치 어머니의 눈물이 비추는 것처럼 슬픈 "largo"(10 번째 부분), "allegro"(11 번째), 마지막 "amen"이있는 비극적 인 12 번째 부분 ( "Truly! ”) ...

나의 십자가가 힘을 배가하게 하시고,
그리스도의 죽음이 나를 도우소서
가난한 자에 대한 질투,
죽어서 몸이 식으면서
내 영혼이 날아갈 수 있도록
예약된 낙원으로.
(A. Fet 번역)

18 세기 후반의 프랑스 작가 인 Marmontel은 프랑스 인이 Pergolesi 음악의 비밀스러운 힘을 이해 한 후 프랑스 성악 자체가 "우리에게 영혼이없고 표현력이없고 무색 해 보이기 시작했다"고 주장한 것도 당연합니다. – 리듬 효과, 키아로스쿠로의 그라데이션, 패턴 이해 및 멜로디와 반주의 병합, 아리아의 형식적인 구성에서 음악적 기간 구축 – 젊은 재능의 작곡가의 기술은 진정으로 최고였습니다!

수도승 토디의 시는 더 많은 작곡가들에게 영감을 주었습니다. XVIII 세기 - Scarlatti, Boccherini, Haydn; XIX 세기 - Liszt, Schubert, Rossini, Verdi, Dvorak, Gounod, Russian Serov 및 Lvov; XX 세기 - Szymanowski와 Penderecki ... 이들은 훌륭하고 웅장한 작품입니다. 그럼에도 불구하고 시간의 제약을 받지 않는 조반니 바티스타 페르골레시의 작품은 이 시리즈에서 빠지지 않으며, 편견 없이 작가를 불멸의 인물로 만든 칸타타는 세계적으로 가장 큰 명성을 얻었다고 할 수 있다. 언급 된 훌륭한 사람들.

"그의 음악에서"B. Asafiev는 Pergolesi에 대해 이렇게 썼습니다. 열정, 교활함, 유머 및 제어할 수 없는 근심 없는 명랑함이 카니발 시대처럼 쉽고 자유롭게 군림합니다. -나는 Giovanni Battista Pergolesi가 잘못된 시간에 태어난 남자의 생생한 예이므로 그는이 지구에 머물 운명이 아니라는 일반적인 의견에 동의합니다. 바로크 양식의 대표자로서 그의 창조적 심리적 기질은 오히려 낭만주의 시대에 속했다. “200년 동안의 실수? -당신은 말합니다-이것은 결코 작지 않습니다. -하지만 Fate는 역사로서 아아, 다시 만들 수 없습니다.

Pergolesi의 Stabat Mater의 음악은 애절하지 않고 오히려 매우 가볍습니다! 사랑과 무한한 인간 헌신의 동기는 시적이고 뮤지컬적인 "Stabat Mater"의 저자를 하나로 묶습니다. 매장, 휴면, 안식의 비극이 있을 곳은 없다. 이것은 정화, 빛, 친절, 겸손의 눈물과 같이 적시에 필멸의 세상을 떠난 아름다운 젊은 생물의 숭고한 슬픔과 기억입니다. 우리가 그와 함께 시작한 이후로 위대한 음악가 작곡가 Giovanni Pergolesi의 불멸의 창조에 대한 에세이를 푸쉬킨의 반짝이는 말로 마무리하고 싶습니다. 참으로 용기 있고 조화롭습니다! (1710-1736)

제1장 나폴리의 교회와 음악문화

나폴리의 삶에서 교회의 역할

나폴리의 음악 기관: 오페라, 온실, 교회 음악

2장. 드라마 사크로와 오라토리오

장르 특징. 가사

캐릭터.

앙상블

오라토리오 페르골레시와 나폴리 전통

제3장. 페르골레스트 미사: "교회"와 연극"의 종합.

나폴리의 미사

페르골레시의 미사.

4장. "Stabat mater" 및 "Salve regina": 오페라의 그늘 아래 있는 "작은" 교회 장르.

장르 Stabat mater의 역사

칸타타 Stabat mater Pergolesi

Stabat Mater A.Scarlatti 및 G.Pergolesi: 오페라 및 "엄격한" 스타일의 특징

Salve regina G. Pergolesi와 더 오래된 동시대의 후렴구

논문 소개(초록의 일부) "G. B. Pergolesi의 신성한 음악과 나폴리 전통"을 주제로

Giovanni Battista Pergolesi(1710-1736)는 가장 유명한 사람 중 한 명입니다. 이탈리아 작곡가 XVIII 세기. 조기 사망 (결핵으로 26 세에 사망)은 그의 이미지의 "낭만화"와 이후 세기에 그의 작품의 엄청난 인기에 기여했습니다. 그의 생애 동안 거의 알려지지 않은 작곡가는 “죽은 직후 하늘로 높임을 받았습니다. 이탈리아의 모든 극장은 얼마 전까지 만해도 부당하게 멸시했던 그의 작품만을 상영하기를 원했습니다.

작곡가의 모습으로 타오르는 관심은 오랫동안 지속되었습니다. 그래서 18세기 말 J.J. Rousseau는 Pergolesi(L. Vinci 및 L. Leo와 함께)에서 모든 감정의 에너지와 모든 열정의 열정의 완벽한 구체화를 발견했습니다. 작곡가가 죽은 지 수년이 지난 1814년에 스탕달은 그의 음악에 대해 다음과 같이 열정적으로 썼습니다. “Pergolese의 언어. 가장 미세한 음영도 전달할 수 있는 감정적 경험열정으로 인한 - 어떤 문학적 언어의 힘을 넘어서는 음영.

그의 창작 경로의 간결함에도 불구하고 작곡가는 진지하고 코믹한 오페라, 신성한 음악과 같이 광범위하고 다양한 장르의 유산을 남겼습니다. 그 중 가장 유명한 것은 두 개의 걸작이다. 1750년대 파리에서 일어난 유명한 "광들의 전쟁"과 관련된 인터메조 "The Servant-Mistress"(G.A. Federico, 1733)와 텍스트에 대한 칸타타이다. 영적 sequenza Stabat mater, J. -AND라고합니다. Rousseau는 "모든 음악가의 작품 중 가장 완벽하고 가장 감동적인 작품"4입니다. 불행히도 Pergolesi의 다른 작품은 우리나라뿐만 아니라 해외에서도 거의 공연되지 않습니다. 작곡가 탄생 300 주년을 맞이한 오늘날에도 마찬가지입니다. 이것은 주로 그의 세리아 오페라와 대중에 적용되지만 예술적 및 역사적 측면에서 상당한 관심을 끌고 있습니다.

1 노동. Essai sur la musique ancienne et moderne(1780). 인용 서유럽 극장의 역사에 관한 독자. 4.2. 계몽 시대의 극장. M.-L. 1939, S. 142.

2 루소 J.-J. 3권의 작품집 T. 1. M., 1961. S. 278.

3 스탕달. Metastasio // Stendhal에 대한 편지. 총 15권의 작품 V.8. M., 1959. S. 217.

4 King R. Stabat mater. 런던, 1988. P.2. 진지한 오페라와 미사는 18세기 전반의 장르 계층 구조에서 중심적인 위치를 차지했습니다. Pergolesi의 작업에 대한 전체론적 견해는 음악학에도 없습니다. 작곡가의 정신적인 음악을 간과하면 형성될 수 없다. 이 격차를 메워야 할 필요성이 논문의 주제를 적절하게 만듭니다.

작곡가의 신성한 음악에 대한 연구는 여러 문제의 해결과 관련이 있습니다. 이 중 가장 중요한 것은 교회 장르와 오라토리오가 오페라의 영향을 크게 받았던 시기에 등장한 페르골레시의 영적 작품 스타일에 대한 질문이다. "교회"와 "연극" 스타일의 조합에 대한 질문은 우리가 고려한 모든 작곡가의 작품, 즉 영적 드라마와 오라토리오, 미사, 칸타타 및 안티폰과 관련이 있습니다. 또 다른 중요한 문제는 Pergolesi의 음악과 나폴리 전통의 관계입니다. 작곡가는 그 당시 가장 저명한 거장 Gaetano Greco와 Francesco Durante와 함께 나폴리 Conservatory dei Povera di Gesu Cristo에서 공부했으며 동시대 동포 인 Leonardo Leo, Leonardo Vinci와 소통했으며 그의 작품 대부분은 또한 나폴리 교회와 극장의 명령에 따라 작성되었으므로 Pergolesi의 작업은 지역 전통과 밀접한 관련이 있습니다. 문제는 이 연결의 구체적인 표현을 찾는 것입니다.

이 논문의 주된 목적은 나폴리 전통의 맥락에서 주요 장르와 시학을 식별하면서 복잡한 현상으로서 페르골레시의 신성한 음악을 탐구하는 것입니다. 여기에는 더 많은 특정 작업을 해결하는 것이 포함됩니다.

나폴리의 삶에서 종교와 예술의 역할을 생각해 보십시오.

나폴리 전통에 속한 동시대인의 작품과 비교하여 페르골레시 종교 음악의 주요 장르의 시학을 탐구합니다.

Pergolesi의 영적 및 세속적 작품의 스타일을 비교하십시오.

연구의 주요 대상은 각각 Pergolesi의 신성한 음악이었고 연구 주제는 신성한 음악의 주요 장르 인 drammama sacro, oratorios, masses, sequence 및 antiphons의 시학이었습니다.

논문 자료는 18세기 전반 이탈리아 작곡가들의 오라토리오, 미사, 칸타타 및 후렴구입니다. . Scarlatti, F. Durante, N .Fago, JL Leo) - 총 20점 이상. 그의 영적 작품, 진지하고 코믹한 오페라 인 Pergolesi의 작품을 전체적으로 분석합니다. 대본의 텍스트를 연구하고 미학 및 음악 이론 논문, 백과 사전, 참고 도서, 레퍼토리 목록, 해당 시대와 관련된 편지 및 회고록과 같은 여러 역사적 문서가 관련됩니다.

대부분의 작품은 주로 로마에서 서유럽 컬렉션에 저장된 출처에서 우리가 연구했습니다. 국립 도서관. 우리는 둘 다 끌었다 전체 컬렉션작곡 - 신규, 미완성, 뉴욕/밀라노5(과학적 텍스트 장치가 장착된 악보) 및 Old(오페라 옴니아), 로마6(클라비어)에서 출판, Denkmäler y i 8 deutscher Tonkunst(DDT) 및 Música 시리즈의 볼륨 Italiana, 개인 악보, claviers, Pergolesi 대중의 보존 된 사인, 그의 오라토리오의 손으로 쓴 사본 및 A. Scarlatti의 칸타타의 손으로 쓴 사본 인 Stabat Mater의 출판물.

연구의 방법론적 기초는 러시아 음악학에 의해 널리 발전된 체계-구조적 분석과 역사적-맥락적 해석의 원리였다. 18 세기의 주요 보컬 교향곡 및 뮤지컬 연극 장르에 대한 연구에서 특별한 역할을 수행했습니다. 따라서 Y. Evdokimova, JI. Kirilina, P. Lutsker, Yu. Moskva, N.

5GB 페르곡시. 완전한 작품, 에디션. 학사 브룩 등. 뉴욕과 밀라노, 1986-.

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7베드 20. J. A. 하세. La conversione di Sant "Agostino. 라이프 치히, 1905.

8 102. A. 스카를라티. 살베 레지나. 취리히, 1978.

Simakova, I. Susidko, E. Chigareva. "장르"의 범주가 논문에서 중요한 위치를 차지하기 때문에 M. Aranovsky, M. Lobanova, A. Sohor, V. Zukkerman 및 O. Sokolov의 기본 작업이 연구 방법론에서 중심적인 역할을 했습니다. .

장르를 명명하고 여러 개념을 해석할 때 우리는 18세기 이론을 따랐습니다. 이것은 특히 우리 시대에 수용된 의미(작곡가의 개별 스타일)와 17-18세기 이론가들이 부여한 방식 모두에서 논문에서 사용되는 "스타일"이라는 용어에 관한 것입니다. "과학자", "연극" 스타일) . Pergolesi 시대에 "oratorio"라는 용어의 사용도 모호했습니다. Zeno는 그의 작품을 tragedia sacra, Metastasio - componimento sacro라고 불렀습니다. 나폴리 지역의 다양성은 "dramma sacro"였으며 "oratorio"라는 용어는 18 세기 후반에만 확립되었습니다. 이 작품에서 우리는 "오라토리오"라는 보다 일반적인 장르의 정의와 나폴리풍의 "드라마 사크로"를 나타내는 진정한 장르의 정의를 모두 사용합니다.

과학 문헌, 창의성에 전념 Pergolesi는 불평등하고 일반적으로 매우 작습니다. 오랫동안 러시아 음악학에서 그의 유산에 대한 자세한 연구는 없었습니다. 일반적으로 음악사에 관한 거의 모든 교과서에 포함 된 인터메조 "The Servant-Madam"과 영적 칸타타 "Stabat mater"만이 문헌에 언급되었습니다. 예외는 다음과 같습니다. T. Kruntyaeva의 모노그래프로 국내에서 처음으로 진지한 오페라가 언급되고 작곡가의 살아남은 모든 만화 작품이 제시됩니다. 영웅과 개인 번호가 제공되며 P. Lutsker와 I. Susidko의 연구에는 Pergolesian 오페라 (모든 만화 및 여러 진지한 오페라)에 대한 자세한 분석과 R. Nedzwiecki의 논문이 포함되어 있습니다. Pergolesi9의 작업에서 만화 장르에 전념했습니다. Pergolesi의 교회 음악은 오늘날까지 과학적 성찰의 대상이 아닙니다.

외국 연구는 여러 그룹으로 나눌 수 있습니다. 그중 하나는 참고 문헌에서 중요한 위치를 차지하는 Pergolesi10의 저작물 귀속 작업입니다. Marvin 카탈로그에 따르면

작곡가의 펜으로 귀속되는 작품은 약 10% 정도만 지급인

320) 정말 그에게 속한 것11. 이전에 Pergolesi intermezzo "The Ridiculed Jealous Man"(II geloso schernito; 아마도 P. Chiarini의 pasticcio), "The Sly Peasant Woman"(La

Contadina 기민한; J.A.Hasse의 두 개의 인터메조 중 파스티치오와 한 개의 듀엣

Pergolesi의 Flaminio) 및 The Music Teacher(II maestro di música; pasticcio)

12 주로 P. Auletta의 음악에서).

또 다른 그룹은 작곡가 C. Blasis (1817) 및 E. Faustini-Fasini (1899)에 대한 초기 논문, Giuseppe Radiciotti (이탈리아)의 저서, Pergolesi의 삶의 경로를 자세히 조사하는 전기 연구입니다 (1 장) , 유럽에서의 유통 창의성(이탈리아, 프랑스, 독일, 영국, 벨기에, 스페인, 덴마크 및 스웨덴 - 3장) 및 창의적 유산(오페라, 실내악 및 교회 음악, 유익한 작곡 및 작품 조각 - 2, 4장) .

프란체스코 데그라다(Francesco Degrada) 국제 페르골레시 및 스폰티니 재단(International Pergolesi and Spontini Foundation) 회장의 노력을 무시하는 것은 불가능합니다. 그의 편집하에 1983년 국제 과학 회의의 자료 - 가장 중요한

9 Kruntyaeva T. 18세기 이탈리아 코믹 오페라. 엘., 1981. 루츠커 피., 수시드코 아이. 이탈리아 오페라 XVIII 세기. 4.2. M., 2004. Nedzvecksh R. J.B. Pergolesi. 졸업 작품. M., 1998.

10 Walker F. Pergolesi 위조 및 오인의 두 세기 // ML, xxx. 1949. P.297-320; Degrada F. Alcuni falsi autografi pergolesiani. // 림, i. 1966. P.32-48; Degrada F. False attribuzioni e falsificazioni nel catalogo delle opere di Giovanni Battista Pergolesi: genei, storica e problemi criticali". // L "attribuzione, teoria e pratica. 아스코나, 1992; 지불자 M.E. Giovanni Battista Pergolesi에 기인한 기악: 진정성에 대한 연구. Diss., City U. of New York, 1977 등

11 Data no Paymer M.E. Pergolesi 진정성: 중간 보고서// Pergolesi 연구. 11월 이탈리아 Jesi에서 개최된 국제 심포지엄 진행 18-19, 1983. - Florence: La Nuova Editrice, Scandicci, 1986. P.204-213. 그녀의 카탈로그에는 진품 작곡(28), 진품으로 추정되는 작곡(4), 논란이 되는 작곡(10) 및 다른 작곡가의 작곡(230)의 네 가지 섹션이 포함되어 있으며, 카탈로그 발행 당시 48개의 작품은 검토되지 않은 상태로 남아 있었습니다.

12 데이터: Niske #., Momon D.E. Pergolesi, Giovanni Battista // NGDO, v.3. P.951-956. 작곡가의 작품 연구 단계13에서 그는 Pergolesi의 삶의 길, 그의 작품의 속성 및 연대기에 관한 기사와 개별 작품 전용의 여러 분석 스케치를 작성했습니다. 그러한 연구 중에는 데이트의 문제14와 작곡가의 Stabat Mater를 J.S.

논문의 문제에 필수적인 것은 "오라토리오의 역사"라는 작품에서 우리가 고려한 장르의 역사에 대한 연구였습니다.

A. Schering 및 H. Smither의 동명의 3권 작품, K. G. Bitter의 연구 "Stabat Mater 개발 단계" 및 J. Blume의 작품 "다성 성악 Stabat Mater의 역사", C의 오페라 역사에 관한 작업 .Burney, D. Kimbell, 옥스포드 역사 음악 및 이탈리아에서 출판되고 독일어로 번역된 여러 권의 연구 "이탈리아 오페라의 역사"(모두 참고 문헌에 나열됨). 여기에는 다른 시대의 Stabat Mater, 오라토리오 및 오페라의 존재와 관련된 귀중한 사실이 포함되어 있습니다. Stabat Mater에 대한 모든 연구는 장르의 역사에서 세계적인 이정표로 Pergolesi의 작업을 특징짓습니다. 이 목록에서 가장 심오한 연구 중 하나는 J. Blume의 "대위법 Stabat Mater의 역사"입니다. 이 작업은 역사적 접근 방식과 분석적 접근 방식의 두 가지 접근 방식을 성공적으로 결합합니다. 과학자는 장르의 발전을 자세히 설명할 뿐만 아니라 다른 시대 작품의 텍스트와 음악적 특징을 종합적으로 분석합니다.

우리에게 중요한 것은 우리가 고려하고 있는 장르인 오라토리오-논문 JI에 대한 국내 대규모 연구였습니다. Aristarkhova16; 대량 - T. Kyureghyan의 작품 일부 번역

B. 모스크바 컬렉션에서 Apel과 Y. Kholopov "Mass"의 작품

13 자료는 "Studi Pergolesiani"라는 제목으로 1986년에 출판되었습니다.

14 Degrada F. Le messe di Giovanni Battista Pergolesi: problemi di cronología e d "attribuzione // Analesta musicología, 3, 1966.

15 Degrada F. Lo "Stabat Mater" di Pergolesi e la parafrasi "Tilge Höchster meine Sünden di Johann Sebastian Bach". // "Studi Pergolesiani - Pergolesi Studies", II, a cura di F. Degrada, Fiesole, 1988. P.155-184.

16 Aristarkhova.//.18세기 오스트리아의 오라토리오 전통과 Joseph Haydn의 오라토리오. 디스 . 솔직하다. 미술사. M., 2007.

Conservatory "Gregorian chant"의 1V, S. Kozhaeva "Mass"18의 교과서 및 Stabat mater H. Ivanko 및 M. Kushpileva19 전용 논문.

지난 20년 동안의 작품들은 페르골레시의 성악에 대한 이해를 크게 넓혔지만, 성악의 진화 단계 중 하나가 된 통합적 현상으로서의 작곡가 작품의 이 영역에 대한 인식에는 나타나지 않았다. 음악. 물론 러시아 연구원이 외국 동료들과 경쟁하기는 어렵습니다. 접근 불가는 필요한 음악 자료일 뿐만 아니라 주제에 관한 문헌이기도 합니다. 그럼에도 불구하고 러시아 음악학에서 발전한 방법: 음악 텍스트에 대한 심층적이고 상세한 분석과 역사적 및 장르적 맥락에서 비 유적 및 의미 론적 해석과 결합하여 작품의 의미에 침투할 수 있을 뿐만 아니라 고려 중일 뿐만 아니라 필요한 일반화도 수행합니다.

"나폴리 학교"현상에 대한 많은 작품이 있습니다. 솔루션 없이는 나폴리에서 교육을 받았으며 이와 밀접하게 관련된 특정 작곡가의 특정 스타일에 대한 질문을 제기하는 것조차 불가능한 것처럼 보이기 때문에 우리 논문과도 관련이 있습니다.

7P시. 용어 자체는 이미 18 세기에 나타났습니다 (C. Burni) ", 나중에 사용되었습니다 (Francesco Florimo "나폴리 음악 학교 및 나폴리 음악원", 1880-1882). 20 세기에 "학교의 개념 나폴리의 음악가"는 국내 음악학에서 T. Livanova, 외국에서 G. Krechmar, G. Abert, E. Dent 및 F. Walker21 등 많은 연구에서 찾을 수 있습니다.

17 Kyuregyan T. Moscow Yu., Kholopov Yu. Gregorian 성가. M., 2008.

18 Kozhaeva S. Mass. 볼고그라드, 2005.

19 Ivanko H. Stabat는 전례와 작곡가의 독창성에 있어 (장르 모델의 문제에 대해) 교인입니다. 디스 .캔. 미술사. Rostov-on-Don, 2006. Kyiumuieea M.Yu. 영적 합창 음악에서 Stabat mater 텍스트의 구현: 역사와 현대성. 미술비평 디스 후보. 마그니토고르스크, 2006.

20 Burney C. A General History of Music from the Early Ages to the Present Period (London 1789), ed. F. Mercer, 2 Bde., 런던 1935.

21 이에 대한 자세한 내용은 Hucke H. Die neapolitanishe Tradition in der Oper// Kongressbericht IMS N.Y.를 참조하십시오. 1961. 카셀: BVK 1961, Bd. 1. S. 253-277. Dowries E. O. D. 오페라의 나폴리 전통// Kongressbericht IMS Bd. 1.N.Y. 1961, 카셀: BVK, 1961. S. 277 - 284.

그러나 이미 20 세기 전반에 G. Riemann과 R. Gerber는 18 세기 오페라와 관련하여 "학교"라는 개념을 부정확하고 현상의 본질을 반영하지 않는 것으로 반대했습니다. 1961년 뉴욕에서 열린 국제 음악학회 회의에서 이 관점은 E. Downes와 H. Hook이 지지했습니다. 그들의 입장은 "오페라의 나폴리 전통"이라는 동일한 주제에 대한 보고서에 명시되어 있습니다. "반대" 인수 - 나폴리에서 교육받은 작곡가 간의 현저한 차이".

그러나 오늘날에도 여전히 반영할 수 있는 일부 일반화 개념을 찾는 다른 경향이 있습니다. 일반적인 특징나폴리 오페라 거장의 작품에서 느꼈습니다. 예를 들어 A Brief History of Opera(1988) 제3판에서 미국 학자 D. Grout는 나폴리식 오페라에 대해 기술하고 있다. 특별한 전통으로서의 "나폴리 오페라"는 M. Robinson "에 의해 탐구됩니다. 이러한 일반화 된 이름의 필요성을 인식하고

A.A. Abert26. 학교라는 용어로 돌아가지 않고 그들은 "유형", "전통", "스타일"과 같은 다른 것을 사용합니다. 이러한 추세는 I. Susidko의 논문에 요약되어 있습니다. 최신 기술이탈리아 세테센토 오페라의 과학은 많은 양의 사실적 자료에 대한 철저한 연구 없이는 어떤 일반화도 할 수 없다는 것입니다. 그러나 "건조 이론"외부에서 일반화 범주와 완전히 격리되어 빠르게 성장하는 이탈리아 오페라의 분기 된 "생명 나무"는 연구원 앞에 일련의 독립적 인 "촬영"(고립 된 사실)으로 나타날 수 있습니다. 이와 관련하여 장르, 지역 전통, 지역 취향의 범주는 제공합니다.

22 사실, G. Riemann의 입장은 모순적이었습니다. 첫째, Handbuch der Musikgeschichte II/2(Leipzig, 1912)에서 그는 "학파"라는 용어에 반대했고, 음악 사전(Berlin, 1929)에서는 이 용어를 지지했습니다.

23 다운스 E.O.D. Tne 나폴리 전통 오페라. Op. cit., p.283-284.

24 그라우트 D.J. A Short History of Opera, 3판, 2 Bd., NY., 1988. P.211.

25 로빈슨 M.F. 나폴리와 나폴리 오페라. 1972.

26 에버트 A.A. Geschichte der Oper. Bärenreiter, 1994. S. 70. 역사에 필요한 일반화 정도

27개 연구".

따라서 나폴리 "학교"에 대해 이야기하는 것이 여전히 가능한 것 같습니다. 이 용어는 모델의 수동적 모방이 아니라 주로 교육학뿐만 아니라 작곡가 창의성 분야에서도 특정 전통을 의미합니다. 나폴리 음악에 내재된 어떤 공통점은 나중에 과학자들이 그것을 "나폴리" 오페라 세리아로 정의할 수 있게 했습니다. F. Degrada28, D. Arnold 및 J. Harper29는 "나폴리 대중"에 대해 썼습니다. "18세기 이탈리아 오라토리오"와 거의 동의어는 "나폴리 오라토리오"였으며, 템포가 빠르게-느리게-빠르게 번갈아 나타나는 "이탈리아 서곡" 유형은 종종 나폴리 서곡이라고 불렸습니다.

구성. 논문은 서론, 4개의 장, 결론, 187개 항목을 포함한 참고문헌 목록, 부록으로 구성되어 있습니다. 첫 번째 장은 18세기 초 나폴리의 문화적, 역사적 상황에 대한 개요를 다루고 있습니다. 이어지는 세 장에서는 페르골레시의 오라토리오, 미사, 스타바트 마테르, 살베 레지나를 차례로 다룬다. 결론에는 작업 결과가 요약되어 있습니다.

논문 결론 주제 "음악 예술", Panfilova, Victoria Valerievna

결론

오늘날 Pergolesi의 신성한 음악은 그의 위대한 동시대인들의 작품의 그늘에 있습니다. 콘서트 홀에서 자주 들리지 않으며 교육용 레퍼토리에 포함되어 있습니다. 그러나 이 모든 것이 작곡가가 종교 음악 장르의 역사에 기여한 공헌을 감소시킬 수는 없습니다. 수행된 연구를 통해 여러 가지 결론을 도출할 수 있었습니다.

1. 18세기 초 나폴리의 문화 생활에 중요한 변화가 있었습니다. 이 기간 동안 수많은 성직자 대표가 거주하는 도시는 오페라 덕분에 특히 유명해졌습니다. 오페라 세리아 장르의 전성기는 정확히 Pergolesi 세대에 떨어졌습니다. 여러 측면에서 "연극 성"이 신성한 음악에도 영향을 미쳐 장르 발전의 "전환"을 나타내는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 이때 교회음악에서는 이전에 4성부, 5성부 또는 그 이상의 성부를 위한 “알라 카펠라”의 스타일을 대표하였다. 엄격하거나 자유로운 대위법으로” “솔로 아리아, 듀엣, 또한 연극 스타일에 속하는 합창”177이 등장했습니다. 전환점은 특히 교회 장르인 미사에서 두드러졌다.

2. 페르골레시 종교 음악의 주요 장르의 구조와 음악적 내용의 특징은 나폴리 전통에 의해 결정되었습니다. 작곡가의 첫 번째 오라토리오는 특정한 나폴리 장르인 드라마마 사크로로 지정되었으며, 이전 지역의 전통에 따라 장르 - 나폴리 비극 코미디 - 드라마와 코미디의 특징을 결합했습니다. Pergolesi의 두 덩어리인 Missa brevis의 구조적 특징은 18세기 전반에 나폴리에서 흔히 볼 수 있었던 것과도 일치합니다. 작곡의 음악적 언어는 특별한 "챔버"사운드와 함께 "나폴리탄"으로 완전히 밝혀졌습니다. 투명한 오케스트라 질감의 배경에 대한 표현적인 멜로디의 우세, 미묘하고 민감한 가사 인 칸틸레나의 우세.

177 키릴리나 지. 18세기부터 19세기 초까지의 음악에 나타난 고전 양식. 파트 3. 시학과 문체. 인용 에드. S.9.

Neapolitan Pergolesi와 Leo의 교회 저술에서 구조적 특징의 유사성과 Venetian Lotti와의 차이점은 나폴리 방식의 특성에 대한 결론을 확인했습니다. 동시에 1730 년대 세대의 구성 기술과 "오래된"학교의 대표자 인 Francesco Durante의 Alessandro Scarlatti를 비교하면 진화의 존재와 방향의 변화에 \u200b\u200b대해 말할 수 있습니다. 칸타타와 안티폰에서도 "오래된" 거장들은 최대 5개의 자유롭게 대위법적인 목소리를 사용하고 보컬 부분을 오케스트라 부분(Scarlatti)으로 복제하거나 작품을 아카펠라(Durante)로 제시하지 않는 다성적 질감을 선호했습니다. Pergolesi와 Leo와 함께 아리아와 오페라와 같은 앙상블이 가장 중요해졌습니다. Pergolesi의 모든 영적 작품의 스타일에 결정적인 역할을 한 것은 "학술적" 스타일과 "연극적" 스타일의 조화로운 공존이었습니다.

3. 교회 장르에도 독창곡과 합주곡이 도입됨으로써 작곡가의 오페라와 그의 영적 작품 사이의 수많은 연관성에 대해 말할 수 있게 되었습니다. Pergolesi는 오페라 세리아 (eroica, parlante, di sdegno, lyrical, amoroso)의 유형과 아리아 특성을 사용하며 "신성한 드라마"에서 만화 캐릭터의 특성화에 오페라 부파의 요소도 있습니다. 세속적 작곡과 영적 작곡의 구조적 근접성은 의심할 여지가 없으며(모두 명암법의 원리에 기반을 두고 있음), 인식할 수 있는 화성 회전(작곡가는 중단된 카덴차를 특히 좋아함)과 멜로디-화성 유사성, 반복적인 모티프 및 리드미컬한 형상(특히 자주 - 흥분된 "호흡"실신 ). 신성한 드라마 The Conversion of St. Wilhelm과 오라토리오 The Death of St. Joseph에서 Pergolesi가 나중에 그의 오페라에서 만들게 될 많은 유형의 아리아가 테스트되었습니다.

4. 동시에 Pergolesi의 교회 음악은 그의 오페라 유산과 절대적으로 유사하지 않았습니다. 아리아와 앙상블은 필수 기호와 조화롭게 결합됩니다. 교회 스타일- 관절 또는 모조 섹션. 각 미사에서 작곡가는 적어도 두 개의 합창 푸가를 배치했으며, 푸가("Fac ut portem" 및 "Amen")도 Stabat Mater에 있으며, 안티폰에는 모조 요소가 아리아 "Eia ergo, Advocata"를 장식합니다. 노스트라”.

이 모든 것을 통해 한편으로는 Pergolesi의 개별 스타일의 통일성과 다른 한편으로는 장르 해석의 차이에 대해 결론을 내릴 수 있습니다. Pergolesi는 XVIII 세기에 내재 된 의미에서 "스타일"의 특성을 완벽하게 느꼈습니다. 오페라의 가장 강력한 확장에도 불구하고 그의 교회 장르는 1730년대의 다른 나폴리 거장들과 마찬가지로 음악 및 연극 작곡과 달랐습니다.

완벽, 조화, 아름다움은 Pergolesi의 모든 작업에 내재된 범주입니다. 그것들은 그의 영적 음악에서 완전히 나타납니다. Pergolesi에서만 주제주의는 특별한 우아함이 특징이며 서정적 "음조"는 날카롭게 표현되거나 우울하기보다는 다소 부드럽고 감동적입니다. 일반적으로 나폴리 아리아의 전형적인 댄스 리듬의 에너지는 그의 성가 또는 억양의 구두 표현으로 부드러워집니다. 그는 집중적인 주제 개발보다 구성의 단순성과 명확성, 대칭 및 형태의 비례성을 선호합니다. 한 번 들은 페르골레시의 음악은 그가 죽은 지 270년이 지난 오늘날에도 다시 알아보기 쉽습니다. 이것은 아마도 뛰어난 나폴리 마스터의 영적 작업이 우리 시대에 여전히 르네상스를 얻을 것이라는 보장입니다.

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Giovanni Pergolesi는 Jesi에서 태어나 Francesco Santini 밑에서 음악을 공부했습니다. 1725년 나폴리로 이주하여 가에타노 그레코와 프란체스코 두란테 밑에서 작곡의 기초를 배웠다. Pergolesi는 그의 시대가 끝날 때까지 나폴리에 머물 렀습니다. 로마에서 초연된 L'Olimpiade를 제외하고 그의 모든 오페라가 이곳에서 처음으로 상연되었습니다.

작곡가 분야의 첫 단계부터 Pergolesi는 실험과 혁신에 외계인이 아닌 밝은 작가로 자리 매김했습니다. 그의 가장 성공적인 오페라는 1733년에 작곡된 The Servant-Mistress로 오페라 무대에서 빠르게 인기를 얻었습니다. 1752년 파리에서 상연되었을 때 프랑스 전통 오페라 지지자들(륄리와 라모와 같은 장르의 유명 인사들)과 새로운 이탈리아 코믹 오페라 숭배자들 사이에 격렬한 논쟁을 불러일으켰습니다. 보수파와 "진보파" 사이의 분쟁은 오페라가 무대를 떠날 때까지 몇 년 동안 격렬했으며 그 동안 파리 뮤지컬 사회는 둘로 나뉘었습니다.

Pergolesi는 세속 음악과 함께 성스러운 음악도 적극적으로 작곡했습니다. 작곡가의 가장 유명한 작품은 그의 죽음 직전에 작곡된 그의 F단조 칸타타 Stabat Mater입니다. Stabat Mater (“The Sorrowing Mother Stood”)는 이탈리아 프란체스코 수도사 Jacopone da Todi의 구절에 예수 그리스도의 십자가 처형 동안 성모 마리아의 고통에 대해 이야기합니다. 작은 실내악 앙상블(소프라노, 알토, 현악 사중주및 오르간)은 작곡가의 가장 영감을 받은 작품 중 하나입니다. Stabat Mater Pergolesi는 매주 성금요일에 나폴리 사원에서 공연된 알레산드로 스카를라티(Alessandro Scarlatti)의 유사한 작품의 "언더 스터디(understudy)"로 작성되었습니다. 그러나 이 작품은 곧 전작을 무색하게 하여 18세기에 가장 자주 출판된 작품이 되었습니다. 그것은 그의 시편 Tilge, Höchster, meine Sünden, BWV 1083의 기초로 사용했던 Bach를 포함한 많은 작곡가들에 의해 편곡되었습니다.

페르골레시는 바이올린 소나타와 바이올린 협주곡을 비롯한 여러 주요 기악 작품을 제작했습니다. 동시에 작곡가가 사망 한 후 많은 작품이 가짜로 판명되었습니다. 그래서 오랫동안 Pergolesi "Concerti Armonici"의 아이디어는 독일 작곡가 Unico Wigelm van Wassenaar가 작곡 한 것으로 밝혀졌습니다.

Pergolesi는 26세에 결핵으로 사망했습니다.

Giovanni Battista PERGOLESI: 음악 소개

조반니 바티스타 페르골레시(1710-1736)- 이탈리아 작곡가

이탈리아 오페라 작곡가 J. Pergolesi는 부파 오페라 장르의 창시자 중 한 명으로 음악사에 입문했습니다. 그 기원에서 오페라 부파는 민속 희극(델라르테)의 전통과 관련하여 18세기 뮤지컬 극장에서 세속적이고 민주적인 원칙을 확립하는 데 기여했습니다. 그녀는 새로운 억양, 형식, 무대 기술로 오페라 극작술의 무기고를 풍부하게 했습니다. Pergolesi의 작업에서 발전한 새로운 장르의 패턴은 유연성, 업데이트 및 다양한 수정을 수행할 수 있는 능력을 드러냈습니다. onepa-buffa의 역사적 발전은 Pergolesi ( "The Servant-Mistress")의 초기 사례에서 W. A. Mozart ( "The Marriage of Figaro") 및 G. Rossini ( "The Barber of Seville") 및 더 나아가 20 세기로 (J. Verdi의 "Falstaff", I. Stravinsky의 "Mavra", 작곡가는 발레 "Pulcinella", S. Prokofiev의 "The Love for Three Oranges"에서 Pergolesi의 주제를 사용했습니다).

Pergolesi의 평생은 유명한 오페라 학교로 유명한 나폴리에서 보냈습니다. 그곳에서 그는 음악원을 졸업했습니다 (그의 교사 중에는 유명한 오페라 작곡가 인 F. Durante, G. Greco, F. Feo가있었습니다). San Bartolomeo의 나폴리 극장에서 Pergolesi의 첫 번째 오페라 Salustia (1731)가 상연되었고 1 년 후 오페라 The Proud Prisoner의 역사적인 초연이 같은 극장에서 열렸습니다. 그러나 대중의 관심을 끌었던 것은 메인 공연이 아니라 이탈리아 극장에서 발전한 전통에 따라 Pergolesi가 오페라 세리아의 막 사이에 배치 한 두 개의 코미디 막간입니다. 곧 성공에 힘 입어 작곡가는이 막간에서 독립적 인 오페라 "The Servant-Mistress"를 편집했습니다. 이 공연에서 모든 것이 새로웠습니다. 단순한 일상적인 음모 (영리하고 교활한 하인 Serpina가 주인 Uberto와 결혼하여 자신이 여주인이 됨), 캐릭터의 재치있는 음악적 특성, 생생하고 효과적인 앙상블, 억양의 노래 및 춤 창고. 무대 액션의 빠른 속도는 공연자들에게 훌륭한 연기 기술을 요구했습니다.

이탈리아에서 엄청난 인기를 얻은 최초의 부파 오페라 중 하나인 The Maid-Madame은 다른 나라에서 코믹 오페라가 번성하는 데 기여했습니다. 승리의 성공은 1752년 여름 파리에서 그녀의 작품을 동반했습니다. 이탈리아 "부폰" 극단의 투어는 가장 예리한 오페라 토론(소위 "부폰 전쟁")의 기회가 되었습니다. 새로운 장르가 충돌했습니다 (그 중에는 백과 사전 작가-Diderot, Rousseau, Grimm 등)와 프랑스 궁정 오페라 팬 (서정적 비극). 왕의 명령에 따라 "버폰"이 곧 파리에서 추방되었지만 열정은 오랫동안 가라 앉지 않았습니다. 뮤지컬 극장을 업데이트하는 방법에 대한 논쟁의 분위기에서 프랑스 코믹 오페라 장르가 생겼습니다. 첫 번째 중 하나 인 유명한 프랑스 작가이자 철학자 Rousseau의 "The Village Sorcerer"는 "The Maid-Mistress"와 합당한 경쟁을 벌였습니다.

불과 26년을 살았던 Pergolesi는 풍부한 가치를 지닌 독창적인 유산을 남겼습니다. 부파 오페라의 유명한 작가 (The Servant-Mistress-The Monk in Love, Flaminio 등 제외)는 다른 장르에서도 성공적으로 작업했습니다. 작품 (트리오 소나타, 서곡, 협주곡). 그의 죽음 직전에 칸타타 "Stabat Mater"가 만들어졌습니다. 작은 실내악 앙상블 (소프라노, 알토, 현악 사중주 및 오르간)을 위해 작곡 된 작곡가의 가장 영감을받은 작품 중 하나이며 숭고하고 성실하며 관통하는 서정으로 가득 차 있습니다. 감정.

거의 3 세기 전에 만들어진 Pergolesi의 작품은 젊음의 놀라운 느낌, 서정적 개방성, 매혹적인 기질을 지니고 있으며, 이는 이탈리아 예술의 정신 인 국가적 성격에 대한 아이디어와 분리 할 수 없습니다. "그의 음악에서"B. Asafiev는 Pergolesi에 대해 이렇게 썼습니다. 카니발 시대처럼 열정, 교활함, 유머 및 참을 수 없는 평온한 유쾌함이 쉽고 자유롭게 지배하는 곳.

원고로

판필로바 빅토리아 발레리에브나

G. B. Pergolesi의 신성한 음악

그리고 나폴리 전통

스페셜티 17.00.02– 음악 예술

모스크바 2010

이 작업은 러시아 음악 아카데미에서 수행되었습니다. 부서의 Gnesins

음악 교육학, 교육 및 문화의 현대 문제.

과학 고문:예술 박사,

교수 I. P. 수시드코

공식 상대:예술 박사,

학과 교수

하모니와 솔페지오

러시아 음악 아카데미

Gnesins의 이름을 따서 명명

T. I. 나우멘코

예술사 박사,

학과 부교수

음악의 역사와 이론 그리고

음악 교육

모스크바시

교육학 대학

E. G. 아르테모바

리드 조직:모스크바 국립 음악원

P. I. 차이코프스키의 이름을 딴

방어는 2010년 6월 15일 오후 3시에 러시아 음악 아카데미에서 열리는 논문 위원회 D 210.012.01 회의에서 열립니다. Gnesins (121069, 모스크바, Povarskaya st., 30/36).

논문은 러시아 과학 아카데미 도서관에서 찾을 수 있습니다. 그네신.

과학비서관
논문심의회,

미술사 박사 I.P. 수시드코

작업에 대한 일반적인 설명

Giovanni Battista Pergolesi(1710-1736)는 이탈리아 음악 역사상 가장 유명한 작곡가 중 한 명입니다. 조기 사망 (26 세)은 주인 이미지의 "낭만화"와 이후 세기에 그의 작품의 인기에 기여했습니다. 그의 창의적인 경로의 간결함에도 불구하고 Pergolesi는 진지하고 코믹한 오페라, 신성한 음악과 같은 장르에서 광범위하고 다양한 유산을 남겼습니다. 오늘날 그의 두 걸작이 가장 잘 알려져 있습니다. 1750년대 파리의 유명한 "광들의 전쟁"과 관련된 인터메조 "Madame Maid"(libre. J.A. Federico, 1733)와 텍스트에 대한 칸타타입니다. 영적 sequenza Stabat mater, J.-J. Rousseau는 "모든 음악가의 작품 중 가장 완벽하고 감동적인 작품"입니다. Pergolesi의 다른 작품-그의 미사, 오라토리오, 세리아 오페라, 음악가의 나폴리 코미디는 작곡가 탄생 300년이 지난 오늘날에도 중요한 예술적, 역사적 관심을 끌고 있으며 거의 공연되지 않습니다. Pergolesi의 작업에 대한 전체론적 견해는 음악학에도 없습니다. 작곡가의 정신적인 음악을 간과하면 형성될 수 없다. 이 격차를 메워야 할 필요성이 논문의 주제를 만듭니다. 관련 있는.

작곡가의 신성한 음악에 대한 연구는 시리즈의 솔루션과 연결됩니다. 문제. 이 중 가장 중요한 것은 교회 장르와 오라토리오가 오페라의 영향을 크게 받았던 시기에 등장한 페르골레시의 영적 작품 스타일에 대한 질문이다. "교회"와 "연극"스타일을 결합하는 문제는 우리가 고려한 작곡가의 모든 작품, 즉 영적 드라마와 오라토리오, 미사, 칸타타 및 안티폰과 관련이 있습니다. 또 다른 중요한 문제는 Pergolesi의 음악과 나폴리 전통의 관계입니다. 나폴리 음악원 dei Povera di Gesu Cristo에서 가장 저명한 거장 Gaetano Greco와 Francesco Durante와 함께 공부 한 작곡가는 동시대 사람들과 소통했습니다. Leonardo Leo, Leonardo Vinci는 Alessandro Scarlatti의 음악을 잘 알고 있었고 그의 작품 대부분은 또한 나폴리 교회와 극장의 명령에 따라 작성되었으므로 Pergolesi의 작업은 지역 전통과 밀접한 관련이 있습니다. 문제는 이 연결의 구체적인 표현을 찾는 것입니다.

논문의 주요 목표 – 나폴리 전통의 맥락에서 주요 장르와 시학을 식별하면서 복잡한 현상으로서 페르골레시의 신성한 음악을 탐구합니다. 더 많은 문제를 해결해야 합니다. 개인 작업:

나폴리의 삶에서 종교와 예술의 역할을 고려하십시오.
나폴리 전통에 속하는 동시대인의 작품과 비교하여 페르골레시 종교 음악의 주요 장르의 시학을 탐구합니다.
Pergolesi의 영적 작품과 세속적 작품의 스타일을 비교하십시오.

기본 연구 대상페르골레시의 신성한 음악이 되었고, 연구 주제- 신성한 음악의 주요 장르인 드라마마마 사크로, 오라토리오, 미사, 시퀀스 및 후렴구의 시학.

논문 자료 18세기 전반 이탈리아 작곡가들의 오라토리오, 미사, 칸타타, 후렴구로 사용됨 - 주로 Pergolesi가 친숙하거나 친숙할 수 있었던 사람들과 나폴리 전통의 기초를 형성한 사람들(A. Scarlatti의 작품) , F. Durante, N. Fago , L. Leo) - 총 20점 이상. Pergolesi의 작품은 그의 영적 작품, 진지하고 코믹한 오페라 등 전체적으로 분석됩니다. 대본의 텍스트를 연구하고 미학 및 음악 이론 논문, 백과 사전, 참고 도서, 레퍼토리 목록, 해당 시대와 관련된 편지 및 회고록과 같은 여러 역사적 문서가 관련됩니다.

다음은 방어:

나폴리 지역 전통의 특징과 고유한 경향은 Pergolesi의 모든 영적 저서에서 개별적인 구체화를 발견하여 시학을 정의했습니다.
Pergolesi의 영적 작품 스타일의 주요 품질은 다양한 수준에서 구현되는 "학술적"및 "연극적"스타일의 합성 아이디어였습니다.
Pergolesi의 영적 작품과 그의 오페라(세리아 및 부파) 사이에는 수많은 연결(장르, 멜로디-하모닉, 구조)이 있어 그의 개별 스타일의 통일성에 대해 이야기할 수 있습니다.

방법론적 기초국내 음악학에서 널리 발전된 체계-구조적 분석과 역사적-맥락적 해석의 원리를 연구하였다. 18세기의 주요 교향곡 성악 및 뮤지컬 연극 장르에 대한 연구가 특별한 역할을 했습니다: 따라서 Yu. Evdokimova, L. Kirilina, P. Lutsker, Yu. Moskva, N. Simakova, I. Susidko의 작품 , E. Chigareva는 우리에게 가장 중요했습니다. "장르"의 범주가 논문에서 중요한 위치를 차지하기 때문에 M. Aranovsky, M. Lobanova, O. Sokolov, A. Sohor 및 V. Zuckerman의 기본 작업이 연구 방법론에서 중심적인 역할을 했습니다. .

장르를 명명하고 여러 개념을 해석할 때도 18세기 이론에 의존했다. 이것은 특히 우리 시대에 수용된 의미(작곡가의 개별 스타일)와 17-18세기 이론가들이 부여한 방식 모두에서 논문에서 사용되는 "스타일"이라는 용어에 관한 것입니다. "과학자", "연극" 스타일) . Pergolesi 시대에 "oratorio"라는 용어의 사용도 모호했습니다. Zeno는 그의 작품을 tragedia sacra, Metastasio - componimento sacro라고 불렀습니다. 나폴리 지역의 다양성은 "dramma sacro"였으며 "oratorio"라는 용어는 18 세기 후반에만 확립되었습니다. 이 작품에서 우리는 "오라토리오"라는 보다 일반적인 장르의 정의와 나폴리풍의 "드라마 사크로"를 나타내는 진정한 장르의 정의를 모두 사용합니다.

과학적 참신함작업은 연구의 재료와 관점에 따라 결정됩니다. 러시아 음악학에서 처음으로 Pergolesi의 영적 작품은 복잡한 현상으로 간주되고 작곡가의 대중과 오라토리오가 자세하고 의도적으로 분석되며 그의 세속 음악과 신성한 음악의 유사점과 차이점이 드러납니다. 전통의 맥락에서 이러한 장르를 연구함으로써 음악사에서 장르의 위치를 보다 정확하게 결정할 수 있게 되었습니다. 작곡가와 그의 동시대 작품 사이의 역사적, 문체적 유사점에 대한 분석은 이탈리아의 종교 음악 발전에서 페르골레시의 역할에 대한 이해를 크게 보완하고 그의 작품을 새롭게 보는 데 도움이 되었습니다. 논문에서 분석한 대부분의 작곡은 러시아 음악학자가 연구한 것이 아니며, 해외에는 안정적인 전통이 없다. 뮤지컬 예제의 상당 부분이 처음으로 게시됩니다.

실용적인 가치.논문 자료는 중등 이상에서 사용할 수 있습니다. 교육 기관"음악 문학", "음악의 역사" 및 "음악 작품 분석" 과정에서 추가 과학적 연구의 기초를 형성하고 공연 그룹의 레퍼토리 확장에 유용하며 퍼블리싱 연습.

작업 승인.이 논문은 러시아 음악 아카데미의 음악 교육학, 교육 및 문화의 현대 문제 부서에서 반복적으로 논의되었습니다. 그네신. 그 조항은 러시아 과학 아카데미의 국제 과학 회의 보고서에 반영되어 있습니다. Gnesins "예술의 기독교 이미지"(2007), "세기 초의 음악학: 과거와 현재"(2007), 대학원생의 대학 간 과학 회의 "젊은 음악 학자 연구"(2009). 작품의 자료는 러시아 음악 아카데미 성악 학부의 음악 작품 분석 과정에서 사용되었습니다. 2007년 그네신스

구성. 논문은 서론, 4개의 장, 결론, 187개 항목을 포함한 참고문헌 목록, 부록으로 구성되어 있습니다. 첫 번째 장은 18세기 초 나폴리의 문화적, 역사적 상황, 교회와 도시의 음악 문화 사이의 관계에 대한 개요를 다룰 것입니다. 다음 세 장에서는 오라토리오, 미사, Stabat Mater 및 Pergolesi의 Salve Regina를 연속적으로 다룹니다. 결론에는 작업 결과가 요약되어 있습니다.

작업의 주요 내용

~ 안에 관리논문의 관련성이 입증되고 연구 과제와 방법이 공식화되며 주제에 대한 주요 과학 문헌의 개요가 제공됩니다.

Pergolesi의 작업에 전념하는 문헌은 문제의 본질과 과학적 장점 모두에서 매우 이질적입니다. 대부분의 연구는 본질적으로 전기적이거나(C. Blazis(1817), E. Faustini-Fasini(1899), J. Radiciotti(1910)) Pergolesi의 저작물(M. Paymer, F. Degrada, F. 워커) . Marvin Paymer의 카탈로그는 이러한 의미에서 가장 정확합니다. 다른 년작곡가의 펜(320)은 실제로 그의 것입니다. 특히 중요한 것은 International Pergolesi and Spontini Foundation의 회장인 Francesco Degrada의 작업입니다. 그의 편집하에 1983 년 국제 과학 회의 자료가 출판되었습니다. 작곡가 작품 연구에서 가장 중요한 단계 인 그는 Pergolesi의 삶의 길, 작품의 속성 및 연대기에 관한 기사를 작성했습니다. 오페라, 대중, Stabat Mater에 대한 많은 분석 스케치.

논문의 문제에 필수적인 것은 작업에서 우리가 고려한 장르의 역사에 대한 연구였습니다. L. Aristarkhova의 논문 "18 세기 오스트리아 오라토리오 전통과 J. Haydn의 오라토리오", "오라토리오의 역사" ” A. Schering 및 H. Smither의 같은 이름의 3 권 책; 모스크바 음악원 "Gregorian chant", 교과서 S. Kozhaeva "Mass"컬렉션에서 V. Apel의 작품 일부와 Y. Kholopov "Mass"의 작품에 대한 T. Kyuregyan의 번역; N. Ivanko 및 M. Kushpileva의 Stabat mater에 대한 논문, K. G. Bitter의 연구 "Stabat Mater 개발 단계" 및 Y. Blume의 작업 "다성 성악 Stabat Mater의 역사", Ch.의 오페라 역사에 관한 연구 Oxford 참조 음악의 역사와 이탈리아에서 출판되고 독일어로 번역된 여러 권의 이탈리아 오페라의 역사.

작곡가의 작품에 대한 포괄적인 고려의 관점에서 중요한 것은 P. Lutsker와 I. Susidko가 저서 "18세기 이탈리아 오페라"의 두 권으로, Pergolesian 오페라(모두 희극과 심각한 것의 수), Pergolesi의 작업에서 만화 장르에 전념하는 R. Nedzvetsky의 논문. 우리는 또한 L. Ratner“Classical Music의 작품 인 R. Shtrom의 오페라 세리아에 대한 기념비적 인 연구에 주목합니다. 표현, 형식, 스타일” 및 L. Kirillina “18세기 ~ 19세기 초 음악의 고전적 스타일” 3권.

제1장 나폴리의 교회와 음악문화

18세기 이탈리아 음악 발전에서 가장 중요한 역할은 로마, 베니스, 나폴리의 세 도시에서 이루어졌습니다. 여행자들이 열광적으로 말한 "세계 음악 수도"의 명성은 1720 년대에야 다른 두 센터보다 늦게 나폴리 왕국의 수도에서 얻었습니다.

18세기에 이 도시는 이탈리아에서 가장 큰 도시였으며 그 위치와 아름다움은 전설적이었습니다. 16세기 초(1503)부터 18세기 초까지 이 도시는 완전히 스페인의 지배를 받았습니다. 한편으로는 프랑스와 스페인, 다른 한편으로는 오스트리아, 영국 및 기타 국가 간의 스페인 계승 전쟁(1701-14)은 이탈리아에서 스페인의 지배를 종식시켰습니다. 나폴리 왕국은 오스트리아의 보호령(1714년 위트레흐트 조약)에 속하게 되었으며, 오스트리아는 스페인보다 훨씬 더 국가의 번영에 기여했습니다.

나폴리의 삶에서 교회의 역할.에게 17세 말그 당시 나폴리에 살았던 186,000 명의 주민 중 12 명이 어떻게 든 교회와 연결되었습니다. 도덕의 가부장제가 여기에서 안경에 대한 놀라운 사랑과 결합되었습니다. 이 도시는 항상 휴일로 유명했습니다. 각 성도를 기리기 위해 적어도 1 년에 한 번 축제 행렬을 조직했으며 연간 약 100 개의 그러한 행렬이 모집되었습니다. 행렬은 부활절과 도시의 주요 후원자 인 베네 벤트 주교 성 야누 아리우스에게 헌정 된 날에 절정에 달했습니다. "나폴리와 양 시칠리아 왕국 전체의 첫 번째이자 주요 여주인"은 원죄없는 동정녀였습니다. 많은 교회가 성모 마리아에게 바쳐졌습니다. 그들 중 가장 사랑받는 것은 도시 중앙 광장에 위치한 마돈나 델 카르미네의 교회와 종탑이었습니다.

교회는 음악을 포함하여 예외 없이 도시 생활의 모든 측면에 영향을 미쳤습니다. 다른 이탈리아 도시와 마찬가지로 음악가의 "형제애"가 나폴리의 교회에서 만들어졌습니다. San Nicolò alla Carita 교회에서 이런 종류의 첫 조직은 1569년에 설립되었습니다. 형제회의 주요 기능은 회원들을 전문적으로 지원하고 업무에 대한 기본 규칙을 수립하는 것이었습니다. 다른 형제애는 17세기 중반에만 나타났습니다. 가장 큰 교회 중 하나는 약 150명의 음악가로 구성된 San Giorgio Maggiore 교회입니다. 왕실 예배당의 구성원은 또한 전통적으로 음악가의 후원자로 간주되는 Saint Cecilia의 이름을 딴 형제애를 가졌습니다.

나폴리의 음악 기관: 오페라, 온실, 교회 음악.이 도시의 첫 번째 오페라 작품은 1650년 9월 궁정에서 공연된 F. Cavalli의 Dido였지만 오랫동안 스페인 드라마 코미디가 나폴리에서 선호되었습니다. 오페라 공연의 이니셔티브는 이전에 오페라 공연이 귀족들이 가장 좋아하는 오락이었던 로마 대사를 역임했던 총독 중 한 명인 백작 d' Ognat의 소유였습니다. 그는 베니스에서 가장 큰 성공을 거둔 공연으로 구성된 레퍼토리로 구성된 순회 극단 Febiarmonici를 로마에서 초청했습니다. 따라서 처음부터이 극단이 "수입"한 베네치아 프로덕션도 나폴리 극장에서 널리 퍼졌습니다. 1675년 이후에 특히 활성화된 왕실 예배당과 산 바르톨로메오의 주요 극장의 수렴은 오페라의 발전에 기여했습니다. 법원 예배당과 연극 음악가 및 예술가의 긴밀한 의사 소통은 양 당사자에게 유용했습니다. San Bartolomeo는 총독의 지원을 받았으며 예배당은 오페라 공연자들에 의해 강화되었습니다. 1696-1702 년에 통치했던 Medinachel 총독 공작은 특히 오페라의 열성적인 후원자가되었습니다. 그의 주도로 San Bartolomeo가 확장되었고 뛰어난 가수와 장식가의 작품이 관대하게 지불되었습니다. San Bartolomeo 외에도 18 세기 초 나폴리에는 주로 Fiorentini, Nuovo 및 della Pace와 같은 코믹 오페라 공연을위한 3 개의 극장이 더있었습니다.

오페라 장르에서 도시가 얻은 명성은 주로 나폴리의 높은 수준의 음악 교육 때문이었습니다. 4개의 나폴리 음악원은 16세기에 설립되었습니다. 그중 세 개-Santa Maria di Loreto, Santa Maria della Pieta dei Turchini 및 Sant Onofrio a Capuana는 총독의 후원을 받았으며 하나는 Dei Poveri di Gesu Cristo-대주교의 후원을 받았습니다. 그들 모두는 동시에 학교이자 고아원이었습니다. 음악원은 8세에서 20세 사이의 소년들을 받아들였습니다. 각각 두 명의 주요 교사 인 Maestri di capella가있었습니다. 첫 번째는 학생들의 작곡을보고 수정했고 두 번째는 노래를 담당하고 수업을했습니다. 그들 외에도 각 악기마다 하나씩 조교 인 Maestri secolari가있었습니다.

18 세기에는 교육 수준을 높일 필요가 있기 때문에 모든 나폴리 음악원에서 일류 교사를 초대하는 전통이 널리 퍼졌습니다. 동시에 덜 영재인 "유료" 학생들의 범주가 비용을 충당하는 것으로 나타났습니다. 일반적으로 나폴리 음악원의 작곡가 교육 수준은 매우 높아졌습니다. 학생들은 유럽 최고의 대위법 주의자의 명성을 누 렸습니다. 18세기의 2/3까지 나폴리 음악원의 졸업생들은 이미 자신을 완전히 선언했습니다. 세기 초 음악원 졸업이 기존 수요를 초과하기 시작했기 때문에 일부 작곡가는 다른 이탈리아 도시와 국가에서 일자리를 찾아 나폴리에 세계적 명성을 "승리"했습니다.

나폴리 작곡가들은 연극 작품 창작에 국한되지 않고 적극적으로 활동했습니다. 다른 장르교회 음악: Alessandro Scarlatti는 10개의 미사를, Nicola Porpora는 5개의 미사를 만들었습니다. 일부 마스터는 세속 및 교회 서비스를 결합했습니다. Leonardo Leo는 1713 년 음악원을 졸업 한 후 Royal Chapel의 두 번째 오르간 연주자이자 Marquis Stella의 밴드 마스터의 직책을 받았을뿐만 아니라 Santa 교회의 밴드 마스터가되었습니다. 마리아 델라 솔리타리아. Nicola Fago는 1695년 음악원을 졸업한 후 나폴리의 여러 교회에서 밴드 마스터로 봉사했습니다. 더욱이 그는 1714년부터 일시적으로 세속 음악 작곡을 포기하고 계속해서 음악원과 교회에서만 활동했습니다. 1712년부터 도메니코 사리(Domenico Sarri)는 산 파올로 마조레(San Paolo Maggiore) 교회와 협력하여 일부 칸타타를 만들었습니다. Giuseppe Porsile, Leonardo Leo, Domenico Sarri, Nicolo Yomelli 및 Nicola Porpora는 오라토리오 제작에 적극적으로 참여했습니다.

나폴리 교회를 위한 음악을 작곡한 작곡가는 다른 도시에서도 수요가 많았습니다. 알레산드로 스카를라티는 여러 시기에 로마에서 권위 있는 직책을 맡아 산 자코모 델 인쿠라빌리, 산 지롤라모 델라 카리타 교회의 악장, 산타 마리아의 부악장을 역임했습니다. Maggiore와 Nicola Porpora는 베니스에 머무는 동안 San Marco 대성당의 Kapellmeister 직책의 경쟁자 중 한 명이되었습니다. Giovanni Battista Pergolesi는 교회에서 직책을 맡지 않았지만 그가 공부한 음악원과 협력하는 교회를 위한 작곡을 썼습니다. 이들은 산타 마리아 데이 스텔라 교회(2개의 미사)와 돌로리 네트워크의 산타 마리아 데이 교회(Stabat mater 및 Salve Regina)입니다. 1734년에 그는 성 조반니 네포무체노를 기리는 미사를 만들기 위해 특별히 로마로 초대되었습니다. 그리고 젊은 Pergolesi의 첫 번째 진지한 작품은 영적 드라마와 오라토리오였습니다.

2장. 드라마 사크로와 오라토리오

Dramma sacro "The Conversion of St. William"과 오라토리오 "The Death of St. Joseph"은 거의 동시에 1731 년에 작성되었습니다. 신성한 드라마의 대본은 I. Mancini가 만들었습니다. 오라토리오 텍스트의 저자에 대한 정보는 없습니다. 작곡가가 선택한 두 장르는 오페라 공연이 금지된 사순절에 공연되었습니다. Dramma sacro는 오라토리오의 지역적 장르 변형이었지만 오라토리오 자체와 특정 차이점이 있었습니다.

장르 특징. 가사.특정 나폴리 장르 인 Dramma sacro는 도시 밖에서 강력하고 분지 된 전통이 없었습니다. 이것은 나폴리 음악원 졸업생이 대중에게 자신의 기술을 보여주기 위해 주문한 뮤지컬 및 연극 작품의 이름이었습니다. 일반적으로 신성한 드라마는 보수적인 학생들에 의해 공연되었으며 분명히 무대 행동을 허용할 수 있었습니다.

오라토리오 전통 자체에 관해서는 18 세기 초 이탈리아에서 두 명의 유명한 극작가 인 Apostolo Zeno (1668-1750)와 Pietro Metastasio (1698-1782)의 작업 덕분에 발전에 대한 새로운 충동을 얻었습니다. 오라토리오 대본의 유일한 출처로 성경을 선포하여 작품에 진정한 종교적 내용을 제공 한 것은 바로 그들이었습니다. 다른 지역 전통의 대표자 인 시인은 오라토리오 장르를 다른 방식으로 취급했습니다. Venetian Zeno는 그것을 동시에 종교적이고 교훈적인 메시지 인 대규모 영적 비극으로 생각했으며 나폴리 출신 인 Metastasio는 성경 이야기의 가사-감정적 표현에 더 관심이 있습니다. 따라서 그의 대본의 "엔진"은 무엇보다도 줄거리 전개의 논리가 아니라 감정과 정신 상태의 변화였습니다. 이런 의미에서 Metastasio의 오라토리오는 오페라와 관련이 있습니다.

장르의 차이는 Pergolesi 작품의 주제 선택과 작품 전개 방식을 결정했습니다. 작품의 구조도 불평등 한 것으로 판명되었습니다. 오페라에 가까운 드라마 사크로에는 세 가지 막이 있고 오라토리오에는 Zeno와 Metastasio가 승인 한 원칙에 따라 두 가지가 있습니다.

음악원 끝에서 만들어지고 성 베드로 수도원에서 공연되는 신성한 드라마의 기초입니다. 아니엘로 마조레, 진짜 역사적 사건- Anaclet II (Pietro Pierleoni)와 Innocent II (Gregorio Papareschi) 사이의 1130 년대 교황권 투쟁의 마지막 에피소드 중 하나입니다. 음모의 비 유적 "틀"은 빌헬름 공작의 의심, 참과 거짓에 대한 그의 반성, 결과적으로 회개, 참된 믿음으로의 개종과 같은 영적 탐구였습니다. 행복한 결말은 주로 Clairvaux의 Abbé Bernard의 설교와 권고의 결과입니다. 빌헬름의 내부 갈등은 빛과 어둠의 세력 인 천사와 악마의 투쟁으로 더욱 심해집니다 (오라토리오의 각 행위에서 그들의 공개 충돌이 가장 극적입니다). 대본에는 "어둠의 왕자"의 편에서 말하는 자랑스럽고 겁쟁이 Cuozemo 대위라는 만화 캐릭터도 있습니다 (이 해석은 S. Lundy의 "Saint Alexei"로 거슬러 올라갑니다). 극적인 배치(갈등의 존재와 그 전개)는 드라마 사크로를 오페라에 더 가깝게 만들고, 코미디 라인의 존재는 페르골레시 당시 나폴리에서만 발견되어 과거로 물러난 비극 코미디 장르를 상기시킵니다. 다른 지역 전통에서.

오라토리오 "성 요셉의 죽음"에서는 축복받은 성모 마리아의 약혼 남편의 신성한 깨달음에 대한 음모가 전개됩니다. 성 요셉 외에도 그녀의 캐릭터는 성모 마리아, 대천사 마이클 (유대인과 기독교 전통에서 그는 영혼을 천국으로 데려가 보호했습니다), 이탈리아 오라토리오에서 자주 발견되는 우화 적 캐릭터 인 Heavenly Love입니다. Pergolesi의 dramma sacro와 달리 여기에서는 음모를 이끄는 동기가 거의 없습니다. 절정에 이르기까지-요셉의 죽음과 그의 신성한 깨달음과 진리에 대한 이해는 오히려 행동이 아니라 가능한 모든 방법으로 신약 성도의의를 확인하는 이야기입니다.

그러나 신성한 드라마의 대본과 Pergolesi의 오라토리오는 구성 및 의미 론적 측면에서 많은 공통점을 가지고 있습니다. 두 경우 모두 대본에는 나폴리 오라토리오의 전형적인 구성 요소인 레치타티브와 앙상블이 산재한 아리아가 포함되어 있습니다. 작곡의 일반적인 논리는 나폴리 오페라 세리아의 전형적인 chiaroscuro (chiaroscuro)의 원리에 해당합니다 (암송과 아리아, 차례로 이어지는 아리아의 대조). 오라토리오 전통에 따라 두 작품의 충돌은 궁극적으로 믿음과 불신앙, 선과 악의 투쟁으로 귀결되고 첫 번째 승리로 끝납니다. 오라토리오에서 주인공 요셉의 죽음은 기독교적 이해에 따라 축복으로 인식되고 영생의 길로 해석됩니다. 아키텐 공작에 관한 Pergolesi의 신성한 드라마의 발전은 진실을 이해하기 위해 노력합니다.

캐릭터. Pergolesi의 오라토리오와 드라마 사크로에서 중요한 역할은 흔들리지 않는 도덕적 권위를 가진 인물 인 St. Joseph과 St. Clairvaux의 Bernard가 담당합니다. 극적 기능의 유사성에도 불구하고 이미지의 의미적 차이는 당사자의 음악적 솔루션에서 현저한 차이를 결정합니다. Bernard의 모든 아리아에 대한 가장 중요한 영웅주의는 무엇보다도 계몽되고 명상적인 아리아 인 Joseph에게는 거의 완전히 없습니다. 솔로 번호의 시적 텍스트도 다릅니다. Bernard는 생생하고 "극적으로"죄인을 위해 지옥의 고통을 그리거나 정의의 승리를 찬양하는 반면 Joseph의 아리아는 그의 믿음의 깊이에 대해서만 말합니다.

아키텐의 빌헬름은 내부 모순으로 찢겨진 오페라 영웅들과 가장 가깝습니다. 그는 또한 피날레에서 소멸되는 망상을 모티브로 오페라 캐릭터와 관련이 있습니다. dramma sacro에서이 역할은 갈등의 초점이지만 오페라와 달리 Wilhelm의 영적 부활의 원인은 외부 사건이 아니라 물론 장르의 특성에 따라 결정되는 반성입니다.

Pergolesi의 오라토리오에는 어느 정도 오페라 세리아를 연상시키는 다른 캐릭터가 있습니다. The Conversion of St. William에서 이들은 오페라 악당과 유사한 두 가지 부정적인 캐릭터 인 악마와 "악당"Captain Cuosemo의 만화 버전입니다. 성 요셉의 죽음에서 성모 마리아의 연민과 희생에 대한 준비는 세리아 오페라의 서정적 여주인공의 이미지와 관련된 유사한 플롯 모티프를 떠올리게 합니다.

오페라에서 오라토리오 장르는 긍정적인 캐릭터가 더 높은 음색과 가장 자주 연관되는 목소리의 계층 구조를 물려받았습니다. Demon과 Captain Cuosemo는 베이스입니다. 오라토리오의 목소리 분포는 카스트라토가 주요 역할을 했던 페르골레시 시대에 인정된 대포와 그다지 일치하지 않았습니다. 조셉은 테너이며 대부분 높은 목소리"하늘의 거주자"-대천사 마이클과 하늘의 사랑 (소프라노); 예수의 어머니 마리아도 이보다 더 저음(콘트랄토). 이 분포는 아마도 "하늘"과 "지상" 세계의 반대와 관련이 있습니다.

오라토리오와 오페라 세리아에서 중요한 음성 계층 구조 외에도 솔로 번호의 분포와 그 순서를 규제하는 문자 계층 구조가 남아 있습니다. 더 많은 아리아와 앙상블이 역할(및 이를 수행한 가수)을 계층 구조의 최상위로 끌어올렸습니다. 성 윌리엄의 개종에서 이 위치는 천사가 차지합니다. 그는 4개의 아리아를 가지고 있으며 2개의 앙상블에 참여합니다. 아리아의 수로 판단할 때 다른 캐릭터의 파티의 무게는 동일합니다. 모두 3개의 솔로 넘버를 가지고 있습니다. 이러한 성향은 성스러운 드라마에 셋은 아니더라도 둘이 있다는 사실로 이어진다. 중심 인물: Bernard of Clairvaux는 영적 지도자, William of Aquitaine은 극적인 갈등의 중심, Angel은 절대 선과 빛이라는 주요 아이디어의 구체화입니다. 흥미로운 특징은 앙상블에서 가장 활동적인 멤버가 악마라는 사실입니다. 그는 5개의 앙상블 중 4개(4중주 및 3개의 듀엣)에 참여하는 반면 신성한 드라마의 다른 참가자는 2개에 불과합니다. 그리고 이것은 놀라운 일이 아닙니다. 악당의 극적인 기능은 종종 행동에 매우 중요했으며 주로 효과, 플롯 개발의 관점에서 볼 수 있습니다.

오라토리오 "성 요셉의 죽음"에서 우화를 제외한 모든 캐릭터는 같은 수의 아리아를 가지고 있습니다. "St. Wilhelm의 개종"과는 완전히 다릅니다). 배우들 사이의 차이는 앙상블이 맡은 역할에서 드러난다. Joseph은 세 앙상블 모두에 참여하고 나머지 캐릭터는 두 개로 (Mary-듀엣 및 사중주, 대천사 Michael 및 Heavenly Love-tercet 및 사중주) 참여합니다. 또한 Joseph은 반주 암송을 가지고 있는데 그 당시 사용은 절정만을 강조하는 "강력한 수단"이었습니다. 파티에 아콤포냐토가 존재하는 것도 주인공으로서의 입지를 공고히 했다.

아리아스.오페라에서처럼 아리아는 오라토리오 장르의 주요 구조 단위가 되었습니다: 성 윌리엄의 개종에는 16개, 성 요셉의 죽음에는 14개가 있습니다. 세기. 세 가지 매개변수가 아리아의 유형과 드라마투르기에서의 역할을 특징짓는 주요 매개변수가 됩니다. 은유의 비중이 미미하거나 없거나, 진행 중인 동작과의 관계가 동작과 직접적으로 관련된 아리아(d"azione)이며, 텍스트에서 무대 위의 등장인물을 언급하는 것이 일반적입니다. 현재 상황과 간접적으로 관련된 이름, 특정 이벤트 및 아리아 (P. Lutsker, I. Susidko).

오라토리오 아리아의 주요 유형은 eroica, 애처로운 parlante, di sdegno 및 일반화 된 서정적 또는 amoroso였습니다. 영웅적인 아리아는 3화음의 소리에 따른 움직임, 명확한(종종 점선) 리듬, 점프, 빠른 템포 및 장조 모드가 특징입니다. parlante arias의 가장 중요한 원칙은 선언에 의존하는 것입니다. 종종 그것은 느린 템포, 단조, 유연한 플라스틱 멜로디, 지연 사용, 노래 부르기, 음절 내 노래와 같은 소위 "새로운 라멘토"의 기능과 결합되었습니다. 이 모든 것은 arias parlante의 역할과 관련이 있습니다. The Death of St. Joseph에서 극적인 절정이 된 것은 바로 그녀였습니다. 일반화된 서정적이고 아모로소적인 아리아는 대개 적당한 속도의 주요 곡으로, 부드러운 움직임이 우세한 칸틸레나 선율이 지배적입니다. 분노의 아리아의 경우 가장 특징적인 것은 선언적인 억양, 경련, 멜로디의 음절 및 오케스트라 현의 강렬한 맥동의 지배였습니다. 우리가 언급한 모든 유형의 아리아의 스타일은 페르골레시의 미래 세리아 오페라의 번호와 유사합니다.

arias-affects 외에도 arias-allegories는 Pergolesi의 오라토리오에서 중요한 역할을 받았습니다. 그 중 - "새" , "바다" 아리아, 불 요소의 구체화. 이러한 아리아는 나폴리 오페라 세리아에서 매우 흔했지만 오라토리오에서는 흔하지 않았습니다. 의심 할 여지없이 Pergolesi는 그들의 음악적 특징에 대해 잘 알고 있었지만 이와 관련하여 전통에 대한 그의 태도는 다소 역설적이었습니다. 그는 신성한 음악의 뮤지컬-화보 솔로 번호에 경의를 표한 후 실제로 오페라에서 사용하지 않았습니다.

오페라 세리아에 가까운 아리아 외에도 성 윌리엄의 개종에는 1730년대의 인터메초 및 나폴리 방언 코미디(Pergolesi 자신의 미래 작품 포함)의 전형적인 숫자가 포함되어 있습니다. 댄스 장르 지원, 표현적인 배우의 제스처를 연상시키는 억양 (베이스 부분-Cuosemo 선장).

대부분의 작곡가의 아리아에서 주제 개발의 단일 논리가 우세합니다. 아리아의 영향은 하나 또는 여러 개의 짧은 모티프로 구성된 초기 핵심에 구현됩니다. 그 다음에는 Pergolesi의 전형적인 유사한 동기를 "끈"으로 묶는 배치가 이어집니다. 이 구조는 이후 뮤지컬 코미디와 오페라 세리아에서 그의 아리아의 특징임이 입증되었습니다.

앙상블.앙상블은 Pergolesi의 오라토리오에서 특별한 역할을 했습니다. 신성한 드라마에는 4중주와 4중주, 오라토리오에는 3중주, 3중주, 4중주 등 5개가 있습니다. 신성한 드라마와 오라토리오의 모든 캐릭터가 앙상블에 참여합니다.

앙상블 번호의 위치는 구성에서 그 중요성을 증명합니다. The Conversion of St. 4중주 요셉도 2막을 끝내고 2막과 3중주가 1막의 끝과 클라이막스에 선행한다. Pergolesi의 풍부한 앙상블은 일반적으로 그 당시 오라토리오에서 그들의 역할이 가장 중요하지 않았기 때문에 더욱 놀랍습니다. 동시에 오라토리오에서 듀엣, 3 중주 및 4 중주가 "국가 앙상블"이 된 경우 성스러운 드라마에서는 진정한 교회의 영광을 선포하는 성 베르나르도와 빌헬름 공작의 듀엣 만 비슷하게 나타났습니다. 다른 앙상블은 액션과 적극적으로 연결됩니다.

오라토리오 페르골레시와 나폴리 전통. Pergolesi의 오라토리오는 Nicola Fago의 "Il faraone sommerso"( "The Defeated Pharaoh", 1709) 및 "La conversione di S.Agostino"( "Conversion of St. Augustine", 1750)와 같은 이전 동시대의 오라토리오와 접점이 있습니다. 요한 아돌프 하세. 성 요셉의 죽음과 마찬가지로 두 막으로 구성되어 있으며 각 막은 명암법의 원리에 따라 구성되며 다성 앙상블로 끝납니다. 모든 작품의 주요 구성 단위도 오페라에 가까운 아리아와 앙상블이다. 두 오라토리오 모두 네 명의 캐릭터가 등장합니다.

Fago의 오라토리오는 이집트에서 이스라엘 백성을 구한 구약 성서 이야기를 기반으로하므로 Clairvaux의 Pergolesian Bernard와 같은 "영적 지도자"인 영웅은 사람들의 구세주가되고 예언자 Moses와 그의 형제 Aaron (Pergolesi의 성 요셉의 죽음, 테너에게 주어진 주인공 모세의 역할). 오라토리오 Fago에는 자체 "악당"인 파라오도 있습니다.

반대되는 모세와 파라오가있는 Fago의 오라토리오가 Pergolesi의 영적 드라마와 더 유사하다면 철학자, 가장 영향력있는 설교자, 신학자 및 정치가 인 Hasse의 오라토리오와 함께 Hasse의 오라토리오 (354-430) ), Pergolesian "성 요셉의 죽음"에는 접점이 있습니다. "성 어거스틴의 회심"의 줄거리는 그의 "고백서"의 여덟 번째 책을 보여줍니다. 이 오라토리오의 주인공은 어거스틴과 가까운 사람들이며 그의 적은 아닙니다. Alipio의 친구, 영웅의 영적 아버지이자 Augustine의 어머니 인 Monica 인 Simplician 주교입니다. 따라서 Pergolesi의 오라토리오와 마찬가지로 여기에는 행동이 거의 없으며 두 부분 모두 절정에 이르는 경향이 있습니다. 첫 번째-주교와 아우구스티누스의 대화, 두 번째-신성한 계시 자체 (Pergolesi는 단 하나의 절정-St의 죽음을 가지고 있습니다. . 요셉). 각 캐릭터는 매우 간단한 솔로 설명을받습니다. Augustine, Alipio 및 Monica는 각각 두 개의 아리아 만 가지고 있으며 (그리고 Bishop Simplician에는 하나가 있습니다) Augustine에서 그들은 수반되는 암송과 함께 막의 절정 영역에 있습니다. 두 오라토리오에서 Pergolesi의 작품과 특정 유사점과 차이점을 찾을 수 있다는 사실에도 불구하고 이전 동시대 작품의 주요 차이점은 유기적으로 내재된 "학습된 스타일"의 더 넓은 존재입니다. 오라토리오 장르. 가장 다양한 폴리포닉 기법은 Fago의 "The Defeated Pharaoh"에 있습니다. Moses와 그의 형제 Aaron의 듀엣에는 무료 대위법과 푸가 프레젠테이션이 모두 있습니다. Hasse에서 모방과 푸가는 행위를 완성하는 합창단에서만 나타납니다 (Fago와 Pergolesi에는 전혀 없음).

Fago, Pergolesi 및 Hasse의 오라토리오를 비교하면 "나폴리 학교"의 여러 특징을 확인할 수 있습니다. 고유의 생생한 연극 성과 날카로운 드라마가있는 베네치아 전통과 달리 나폴리 인은 특별한 실내 음향, 오라토리오에 합창단이없고 각 캐릭터에 대한 솔로 특성 도입이 특징입니다. , "서정적"톤이 우세합니다. 오페라에서 물려받은 보컬의 우선 순위와 동성애의 우세는 여기에서 흔들리지 않았습니다. Pergolesi 시대에는 오페라뿐만 아니라 오라토리오에서도 18세기 1/4분기의 "배운" 대위법 양식이 오페라에서 형성된 새로운 작문 양식에 밀려나고 있었습니다.

제3장. 미사: "교회적"과 "연극적"의 종합

나폴리에서 미사. 18세기의 모든 나폴리 작곡가들은 주요 교회 장르인 미사를 창안했습니다. 그래서 A. Scarlatti는 10개의 미사, N. Fago - 11개, L. Leo - 7개, N. Porpora - 5개를 만들었습니다. 그들의 스타일과 기술의 정도는 달랐습니다. 모든 작곡가는 엄격한 스타일의 표준을 연구했지만 모든 사람이 성숙한 창의성 기간에 그것에 의존하지는 않았습니다.

그러므로 서로 다른 방식으로 쓰여진 부분들이 "교회적" 스타일과 "연극적" 스타일이라는 하나의 덩어리로 결합될 수 있다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 18 세기의 처음 20 년 동안 대중의 큰 자리는 "오래된"다 성음 기법의 합창단이 차지했으며 오케스트라의 보컬 목소리를 두 배로 "갱신"했습니다. 솔로 아리아, 듀엣 및 합창단은 새로운 방식으로 동음이음이 우세하고 성악 부분과 독립적으로 발전된 반주도 중요한 의미를 얻었습니다. 잠시 후, 미사의 일부 섹션은 그들의 특징적인 표현 방식을 "고정"했습니다.

18 세기 나폴리에서 가장 흔한 것은 Messa brevis였으며 여기에는 Kyrie와 Gloria의 처음 두 부분이 포함되었습니다. 일반적으로 "Amen", 최종 "Gloria"및 "Christe eleison"과 같은 가장 "엄격한"스타일의 푸가 프레젠테이션이 결승전에서 만났습니다. 전체 미사에서 절정의 "Crucifixus"와 마지막 섹션신조. 독립적인 오케스트라 반주가 있는 호모포닉-하모닉 합창단 중에서 "Gloria"를 여는 가장 엄숙하고 "미화하는" 섹션과 애절한 "Qui tollis"가 중심 역할을 했습니다. 솔로 번호에서 "Gloria"섹션에 내재 된 몇 가지 규칙성에 대해서도 이야기 할 수 있습니다. "Laudamus te"는 대부분 아리아이고 "Domine deus"는 듀엣이었습니다.

엄격하고 전통적인 규범을 고수하고 오페라 음악의 영향을받은 새로운 스타일의 공존은 나폴리에서 두 개의 "학교", "durantists"및 "leists"의 대결을 가져 왔으며 Francesco Durante와 Leonardo Leo의 지지자들이 속했다. 이 논란에서 오페라 작곡가 레오는 16세기 합창 작문의 규범에 따라 엄격한 문체를 고수하는 역할을 했다는 점은 주목할 만하다. 반대로 오페라를 쓰지 않은 Durante는 혁신적인 입장을 고수하여 투명하고 종종 "pseudo-contrapuntal"작품을 만들고 F의 미사에서 오페라 스타일을 자유롭게 사용했습니다. 종종 그는 매우 대담한 조화로운 "솔루션"을 사용했습니다. , 작곡가의 수많은 대중은 주로 "다채로운 하모니 사용"(A. Shoron)으로 인해 개혁적인 것으로 간주되었습니다. 대부분(40개 중 25개)이 Missa brevis입니다. 작곡가는 이전 스타일의 요소에 외계인이 아니 었습니다. 일부 작곡은 아카펠라를 연주하도록 의도되었습니다. 그 중에는 "In the Style of Palestrina"(in d)가 있는데, 제목에 따라 엄격한 스타일에 내재된 규칙을 대체로 준수했습니다. 대위법 작업이 풍부한 다섯 가지 표준 부분.

음악원에서 Pergolesi의 교사는 Durante였습니다. 그러나 Leonardo Leo의 의견은 1730 년 Hasse가 떠나고 Vinci가 사망 한 후 Leo가 나폴리의 주요 작곡가이자 이론가가 되었기 때문에 그에게 매우 중요했습니다. 따라서 Pergolesi의 교회 음악에는 Durante와 Leo라는 각 작곡가의 특징적인 스타일이 반영되었습니다.

페르골레시의 미사. Pergolesi가 만든 질량의 수는 오늘날까지 불확실합니다. 그에게 할당된 9개의 미사 중 5개의 미사와 6번째 부분이 성악과 피아노를 위한 Opera Omnia(1941)에 출판되었습니다. 그러나 작곡가가 음악원 졸업 직후(아마도 1731년 상반기에 작성) 작성된 D 장조 미사와 초판이 제작된 F 장조 미사 두 가지만 소유하고 있다고 절대 확실하게 말할 수 있습니다. 첫 번째보다 불과 몇 달 늦었습니다.

두 미사는 Kyrie와 Gloria로 구성된 2부작으로, 작품의 구조는 대체로 비슷하다. 중앙에 Christe 푸가가 있는 3부 Kyrie와 일련의 합창, 독주, 앙상블 에피소드. 첫 번째와 두 번째 구성의 유사성은 유일한 듀엣 Domine dues의 첫 번째에서 두 번째 미사로의 전송으로 강조됩니다 (작곡가는 미터를 약간만 변경합니다-6/8에서 3/8로).

Pergolesi의 Kyrie eleison은 다르게 해석됩니다. 첫 번째 미사는 불안하고 불안으로 가득 차 있지만 두 번째 미사는 기념일과 열정으로 가득 차 있습니다. Mass F-dur에서 Pergolesi는 구문이 아니라 각 단어를 자세히 설명하면서 텍스트를 매우 민감하게 취급합니다. 첫 번째 부분에서 여러 번 반복되는 Kyrie라는 단어는 엄숙하고 즐겁게 주어지며 한때 용서를 구하는 말은 애절한 서정적 후행을 동반합니다. 한심한 느낌표, 밝은 동적 대비는 Pergolesi의이 Mass의 초기 부분에 거의 연극 적 밝기를 제공합니다.

두 대중의 이중 푸가인 Christe eleison도 성격이 다릅니다. "오페라"와 "학습된" 스타일의 대조를 강조하는 Kyrie로의 복귀는 유사합니다. F-dur의 구성에있는 텍스트의 특징-주님의 이름은 여기에서 한 번만 언급되며 요청은 "eleison"으로 여러 번 반복됩니다.

두 대중의 Gloria는 일련의 합창, 앙상블 및 솔로 에피소드입니다. 동시에 파트의 시작과 끝이 가장 가볍고 유쾌하다. 첫 번째 "영광스러운"합창단에서 Pergolesi는 "천국"과 "세상"을 생생하게 대조합니다. 두 번째 미사에서 그는 더 많은 "분수적" 대조로 미사의 주제를 포화시켜 바로크 수사적 실천의 정신으로 실제적으로 구두 텍스트를 매우 자세하게 해석합니다. Gloria in excelsis Deo 뿐만 아니라 Cum sancto spiritu 두 곡 모두 밝은 장조의 팡파르 엄숙함, 환희 및 댄스 리드미컬한 인토네이션 공식으로 구별됩니다. 이 합창단의 형식은 캐논, 푸가토 및 푸가와 같은 다성적 장치를 사용하여 복잡합니다. 찬양 합창단 및 Gratias agimus와 성격이 비슷합니다.

아시다시피 Gloria의 텍스트는 기쁨과 환희를 표현하는 데 국한되지 않고 그리스도의 희생적인 역할에 대한 언급도 포함합니다. Qui tollis peccata mundi, Agnus Dei, 회개의 말씀 Miserere nobis. Pergolesi에서 두 미사의 슬픔에 찬 절정은 Qui tollis로 그리스도의 희생과 회개를 모두 구현합니다. "주관적인"시작은 Gloria의 솔로 및 앙상블 번호에서 명확하게 나타납니다. Kyrie와 달리 그들은 두 매스에서 섹션의 절반 정도를 구성했습니다. 음악 언어의 현대적 요소를 가장 크게 특징 짓는 것은 듀엣과 아리아입니다. 무대 작품의 특징 인 동음이의 표현, 선언, 리듬 및 멜로디입니다.

Mass F-dur는 Pergolesi에서 두 가지 버전을 더 만들 정도로 인기를 얻었습니다. 두 번째 버전은 St. Giovanni Nepomuceno를 기리기 위해 Lucina의 San Lorenzo 교회에서 로마에서 1734 년에 공연되었습니다. 투표 수의 증가는 여러 추가 효과 달성에 기여했습니다. 투티와 개별 합창단의 반성음이 나타났고, Kyrie의 초기 선포에서 특히 중요했던 점진적인 공간 "정복"의 효과가 강화되었습니다. 1735년에 작성된 F장 미사 제3판은 이전의 것과 여러 면에서 다릅니다. 글로리아의 도입부와 변경 사항으로 인해 확장되었습니다. 이에 따라 음악적 구현이 변경됩니다. 또한 Pergolesi는 음조 계획, 섹션의 템포를 변경하고 일부 부분을 "변형"합니다. 푸가 Cum sancto spiritu는 마지막 아멘 전에 코드 막간으로 바뀌고 동음이의 화음 4개의 Qui tollis 섹션 중 하나가 됩니다. -성부 합창단은 모조품이 풍부한 3부 앙상블이 됩니다.

Pergolesi의 대중은 Pergolesi의 오래된 동시대 인 Francesco Durante와 Leonardo Leo의 특징을 합성했습니다. 동시에 밝은 연극 성과 거의 "무대"액션이있는 그의 작품은 다른 지역 전통의 작곡가들의 작품과 여러면에서 다릅니다.

따라서 Venetian Antonio Lotti는 엄격하게 대위법 스타일을 절대적으로 고수합니다. 그의 미사 대부분은 다섯 부분으로 구성되어 있으며 장르의 모든 "엄격한" 기준을 완전히 준수합니다. 몇 안 되는 Missa Brevis는 나폴리 작곡가들의 스타일과 다릅니다. 예를 들어, D의 Missa Brevis는 처음 두 악장으로 구성되지 않고 Kyrie, Christe, Sanctus, Benedictus 및 Agnus Dei로 구성되며 모든 악장은 모방, 모바일 대위법 및 푸가토와 같은 다양한 다성적 발전으로 가득 차 있습니다.

다른 세대와 지역 전통의 작곡가들의 작품을 더 명확하게 비교하면 "나폴리 학교"의 주요 특징을 식별할 수 있습니다. , 서로 다른 스타일의 섹션이 "공존"할 수 있습니다.

4장. "Stabat mater" 및 "Salve regina": 오페라의 그늘 아래 있는 "작은" 교회 장르

Pergolesi의 영적 작곡 중 가장 유명한 작품은 현, 소프라노 및 알토를 위한 칸타타 Stabat Mater와 현 및 소프라노를 위한 Marian 안티폰 Salve Regina입니다.

Stabat mater 장르의 역사.작곡가가 시퀀스의 텍스트로 전환했을 때 Stabat Mater의 음악적 화신은 무수히 많았습니다. 모테트와 칸타타, 오라토리오, 합창 및 찬송가의 형태로 약 200 개의 텍스트 "독서"가있었습니다. 18세기에 칸타타 장르가 대두되었습니다. 첫 번째 장르 중 하나는 1700년 솔리스트, 합창단 및 오케스트라(M. Kushpileva)를 위해 만들어진 Pietro Antonio Fiocco의 Stabat mater였습니다.

저자와 마찬가지로 "Stabat mater dolorosa"( "슬픔에 잠긴 어머니가 서 있었다")라는시를 만든 시간은 아직 정확히 알려지지 않았습니다. 17세기 초, 소수민족 루카스 워드딩(1588-1657)의 역사학자는 프란체스코회 수도사이자 시인인 야코포네 다 토디(1230-1306)를 저자로 지명했습니다. 본문의 가능한 저자 중에는 Clairvaux의 St. Bernard (1090-1153), Pope Innocent III (1160-1216), John XXII, Gregory XI (-1378), Gregory I 및 St. Bonanventura (1221-1274)도 있습니다. ). Vladimir Martynov는 구성이 12 세기 말-13 세기 초 이탈리아를 가득 채운 자기 골화 또는 "flagellants"행렬의 분위기에서 유래했다고 가정합니다.

현재 Stabat mater라는 텍스트는 두 가지 버전으로 존재합니다. S. Lebedev와 R. Pospelova는 그것들을 Graduale Romanum과 Graduale triplex(1979)의 "버전"으로 특징지었습니다. 외국 작가의 연구에서 다른 버전이 언급됩니다. 바티칸은 1908년에 승인된 현대 가톨릭 교회의 공식 버전입니다. 텍스트는 서로 거의 다릅니다. 일부 스탠자에서는 단어가 재정렬되거나 의미가 유사한 단어로 대체됩니다.

시의 시적 텍스트는 각각 6행을 포함하여 10개의 연으로 구성되며 각 연은 두 개의 tercina로 나뉩니다. tercine의 분리는 연에 있는 텍스트의 운율인 aab ccb와 음절 그룹화 8-8-7에 의해 촉진됩니다. tanto, cum, sibi, in, in et 및 ad라는 단어가 나타나는 일부 테르시네(3, 5, 7, 8, 9 및 10)의 마지막 줄만 리듬이 맞지 않습니다. 전체 텍스트는 로마 의식에서 Stabat mater (저녁), Sancta mater istud agas (아침) 및 Virgo virginum praeclara (찬양)의 세 부분으로 나뉩니다.

텍스트의 밝기와 표현력은 5세기 동안 작곡가들을 매료시켰습니다. 이미 XIV 세기에있는시의 음악적 구현의 첫 번째 예는 시퀀스 (N. Ivanko)였습니다. 현재 존재하는 시퀀스의 가장 초기 버전은 전적으로 두 번째 교회 톤으로 수행됩니다. 동시에 구현은 매우 간단하지만 다양합니다. 모든 스탠자는 두 번째 톤 (M. Kushpileva)의 ambitus 내에서 다릅니다. 점차적으로 멜로디와 텍스트의 통일성이 무너지기 시작했습니다. 작곡가는 종종 소스 텍스트의 리듬을 새로운 방식으로 재구성했기 때문에 먼저 Stabat mater가 감정적 이미지로 인식되기 시작했습니다.

칸타타 스타바트 교인 Pergolesi는 가장 인기 작품신성한 음악의 "이상적인 표현"인 시퀀스의 텍스트에. 그것은 San Luigi di Palazzo 교회의 Sorrowing Madonna의 Cavaliers 형제단에 의해 의뢰되었습니다. 현재까지 칸타타의 정확한 연대는 없습니다. 과학자들은 서로 다른 의견을 가지고 있습니다. Radiciotti와 Villarosa는 그녀가 Pergolesi의 창작 경로를 "종료"했다고 믿는 반면 Boyer는 네 번째 Marian 안티폰인 Salve Regina가 작곡가의 "마지막 화음"이 되었다고 제안합니다.

Pergolesi의 작업은 바티칸 버전의 시 텍스트를 기반으로 일부 단어를 의미가 유사한 단어로 대체했습니다. 또한 작곡가는 여러 개의 tercina(서로 다른 연도 포함)를 하나로 결합했습니다. 뮤지컬 넘버. 이것은 시 텍스트의 내용과 의미에 의해 촉진되었습니다. semi-stanzas VIII 2와 XI 1은 "fac"( "let me")라는 단어의 끊임없는 반복으로 통합되었습니다. 스탠자 IX와 X의 후반부 사이의 연결은 아마도 최후의 심판에서의 구원에 대한 일반적인 생각 때문일 것입니다.

칸타타의 구성은 일련의 아리아와 이중창으로 구성됩니다. 주요 효과는 lamento, 슬픔(dolorosa - "애도" - 첫 번째 tercina에서 제공됨)이며 칸타타 번호의 절반 이상을 지배하고 드라마는 표현이 강화되며 알토 아리아 "Fac ut portem" - 슬프게도 숭고합니다. , 색채주의로 가득 찬 슬픔에 잠긴 독백 인 절정이됩니다. 동시에 작곡가는 작품 구성의 기본 원칙 인 chiaroscuro를 완전히 따르므로 가사 계몽 이미지와 댄스 토포이의 영역도 작품에 중요해집니다.

Stabat mater A. Scarlatti 및 G. Pergolesi: 오페라 및 "엄격한" 스타일의 특징. Pergolesi는 분명히 Scarlatti의 Stabat 교인을 알고 있었고 아마도 Scarlatti의 모델에서 그의 칸타타를 만들었을 것입니다. 둘 다 동일한 고객, 이미 언급 한 Sorrowing Madonna의 Cavaliers의 형제애를 가졌고 소프라노와 알토 솔리스트, 바이올린의 두 부분과 통주 저음과 같은 동일한 연주자 구성을 가지고 있습니다. Scarlatti와 Pergolesi는 시의 정경 텍스트를 동일하게 변경했습니다. 연 2, 5, 7, 8, 17, 9의 줄은 의미가 유사하게 변경되었으며 텍스트의 여섯 번째 연의 첫 번째 tercine 이후에는 일곱 번째의 첫 번째 tercine이 배치되었습니다. 그리하여 제6연과 제7연의 두 번째 테르시네에서와 같이 텍스트의 운율이 복원되었습니다. 같은 텍스트에 쓰여진 멜로디의 음악적 및 리듬적 특징에서 유사성이 발생했습니다. 작업의 비극적 절정 인 연 16-17에 대한 해석은 비슷한 것으로 판명되었습니다.

그러나 차이점도 있습니다. Pergolesi의 칸타타는 13개의 숫자로 구성되어 있으며 그 중 절반 이상(7개)이 듀엣이고 전작에서는 더 발전되어 18개의 숫자를 포함하지만 1/3 미만이 듀엣(5개)입니다. Pergolesi는 chiaroscuro 원리를 완전히 따르는 인접한 방 사이의 대비를 강조하는 반면 Scarlatti는 오히려 부드럽게 하는 경향이 있습니다. 풍부한 앙상블에도 불구하고 Pergolesi는 성모 마리아의 슬픔과 관련된 대부분의 텍스트를 오페라와 스타일이 유사한 아리아의 형태로 청취자에게 제공합니다. 그리고 단 두 개의 앙상블만이 푸가입니다.

아리아가 우세한 Scarlatti의 Stabat mater는 작곡가의 "장학금", 즉 다성부에 대한 그의 헌신을 훨씬 더 많이 증언합니다. 그는 보컬 파트를 오케스트라 파트와 복제하는 것을 선호하지 않고 3개, 4개, 심지어 5개까지 자유롭게 대위법적인 목소리를 사용하는 것을 선호합니다. 반대로 Pergolesi는 복제를 기꺼이 허용하고 두세 개의 독립 당사자로 제한합니다. 그의 아리아와 듀엣의 초점은 폴리포닉 폴리포니보다는 명확하고 단순한 멜로디입니다. 에서도 개인차가 나타난다 조화로운 언어. Pergolesi는 고전적인 기능에 의해 지배되는 반면 Scarlatti는 때때로 모달 기법의 기초를 가지고 있습니다.

Neapolitans Scarlatti와 Pergolesi의 Stabat 교인은 1720년대와 30년대에 "오래된" 학교에서 나폴리 전통에서 발생한 변화를 나타내며, 질감에서 목소리의 다성적 비율, 교회뿐만 아니라 주제별 배치에 끌립니다. 오페라 음악, 댄스 장르로 거슬러 올라가는 멜로디의 우선 순위, 통사적 명확성, 직각도, 호모포닉-하모닉 창고의 단순성과 명료성을 특징으로 하는 새로운 스타일. 궁극적으로 이것은 후기 바로크 양식에서 초기 고전 양식으로의 전환이었습니다. Pergolesi의 Stabat mater는 오페라 세리아의 전성기에 쓰여졌으며 그 영향을 받았습니다.

Salve regina G.Pergolesi 및 오래된 동시대의 안티폰. Stabat mater 외에도 Pergolesi의 가장 유명한 작품은 네 번째 Marian antiphon 인 Salve regina였습니다. 작곡가는이 텍스트를 두 번 언급했습니다. Salve regina a-moll과 c-moll에서 두 작곡은 분명히 그의 생애 말기에 작성되었습니다. 먼저 가장 많이 연주된 작품인 Salve regina in c-moll을 살펴보겠습니다. Boyer(1772)에 따르면 Pergolesi가 마지막으로 작곡한 작품입니다. 연주자의 구성은 Stabat mater보다 훨씬 더 겸손합니다. 현과 통주 저음이있는 소프라노입니다.

시퀀스와 마찬가지로 안티폰의 본문은 원죄 없으신 동정녀께 호소합니다. 그러나 Stabat Mater와 달리 그녀는 애도자가 아니라 보호자이자 위로자, 동시에 온유하고 온화한 모습으로 나타납니다. 이와 관련하여 본문에서 가장 중요한 것은 여기에서 네 번째 줄에서만 나타나는 슬픔과 고통의 영향이 아니라 기쁨과 영광입니다. 텍스트는 짧고 길이가 다른 9 줄로 구성되어 있으며 평온함과 호소력, 비탄과 깨달음을 구현합니다. Pergolesi의 Salve Regina에는 5개의 대조되는 부분이 있습니다(첫 번째와 두 번째는 두 줄, 세 번째와 네 번째는 한 줄, 다섯 번째는 세 줄로 구성됨). 동시에 그들 중 누구도 솔직히 축제적이고 화려한 성격을 가지고 있지 않습니다. 텍스트를 정의하는 다채로운 엄숙함(“생명, 달콤함, 우리의 희망”) 대신 슬픔이 첫 번째, 두 번째 및 다섯 번째 아리아의 주요 영향이 됩니다. 가사가 깨달은 유일한 부분은 네 번째 아리아인 Et Jesum benedictum으로, 마리아의 "축복받은 태중의 열매"인 예수를 다루고 있습니다. 일반적으로 Pergolesi의 후렴구는 매우 통합적인 작업입니다. 극단 부분은 음조와 억양 아치를 형성하고 다른 부분은 고유한 영향을 매우 밝게 구현합니다.

Leonardo Leo의 Salve Regina(1738, 현악기 및 소프라노용)에서 작곡가는 후렴구의 텍스트를 다르게 배열하여 네 번째 줄을 별도의 세 번째 악장으로 분리하고 다섯 번째 줄과 여섯 번째 줄을 네 번째 아리아로 결합합니다. 레오와 전체주기는 다른 방식으로 해석됩니다. Pergolesi의 작업과 달리 여기에서는 전공이 지배합니다. 동시에 청자에게 '눈물의 계곡'을 나타내는 한 부분만이 라멘토 정서와 관련이 있다. 동시에 Pergolesi와 Leo의 후렴구 사이에는 유사점이 있습니다. 둘 다 오페라 세리아의 스타일을 기반으로 합니다. 더욱이 Salve Regina의 둘 다 오페라 아리아를 연상시키는 멜로디 특징을 보여줍니다. Leo의 특징적인 "근육", 역 동성, 코드 소리에 따른 풍부한 점프와 움직임, Pergolesi의 특징적인 가사와 우아함, 부드럽고 감동적입니다.

우리는 Pergolesi의 이전 동시대인 Scarlatti와 Durante의 "Salve Regina"에서 다른 해결책을 봅니다. 그들의 작곡은 합창단을 위해 작곡된 단일 악장(Durante a capella의 이중 음성 남성, Scarlatti의 현악기 및 오르간과 혼합된 4성부)이며, 질감은 동음-화성 표현이 아니라 자유로운 대위법에 의해 지배됩니다. 동시에 Scarlatti는 매우 발달 된 음성 (최대 5 개의 음성)을 가지고 있으며 오케스트라 부분과 보컬 부분을 복제하지 않는 경우가 더 많습니다.

서로 다른 세대의 작곡가들 사이에서 음악적 언어의 차이는 우리가 Stabat Mater에서 관찰한 것과 유사하며 스타일의 변화를 증언합니다: 1720년대. 이전 거장들의 작품은 이미 "구식"으로 보이기 시작했으며 대위법 기술이 너무 많이 사용되었습니다. 따라서 Pergolesi와 그의 동시대 사람들 사이에서 오페라 아리아와 앙상블은 매우 중요해졌습니다. 이러한 엄청난 변화는 그 당시 거의 모든 장르, 특히 오페라에서 나타난 새로운 경향과 관련이 있습니다.

결론

오늘날 Pergolesi의 신성한 음악은 그의 위대한 동시대인들의 작품의 그늘에 있습니다. 제외한 스타바트 교인실제로 수행되지 않으며 교육 레퍼토리에 거의 포함되지 않습니다. 그러나 이 모든 것이 작곡가가 종교 음악 장르의 역사에 기여한 공헌을 감소시킬 수는 없습니다. 이 연구를 통해 많은 결론을 도출할 수 있었습니다.

18세기의 시작은 나폴리의 문화 생활에 중대한 변화를 가져왔습니다. 수많은 성직자 대표가 거주하는 도시에서 명성의 가장 중요한 "구성 요소"는 오페라였습니다. "연극 성"이 상당한 진화를 거친 신성한 음악에 큰 영향을 미쳤다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 교회 장르 개발의 전환점은 정확히 Pergolesi 세대에 떨어졌습니다.
작곡가의 신성한 음악의 주요 장르의 시학은 나폴리 전통에 의해 결정되었습니다. Pergolesi의 오라토리오 중 첫 번째는 특히 나폴리 장르 인 dramma sacro의 지정을 받았으며 이전 지역 장르 인 나폴리의 전통에 따라 지정되었습니다. 비극 - 드라마와 코미디의 특징을 결합했습니다. Pergolesi 질량의 구조적 특징은 18세기 전반에 나폴리에서 흔히 볼 수 있는 Missa brevis와도 일치합니다. 작곡의 음악적 언어는 특별한 "챔버"사운드와 함께 "나폴리탄"으로 완전히 밝혀졌습니다. 투명한 오케스트라 질감의 배경에 대한 표현적인 멜로디의 지배와 칸틸레나의 우세, 미묘하고 민감한 가사 .

Neapolitan Pergolesi와 Leo의 교회 저술에서 구조적 특징의 유사성과 Venetian Lotti와의 차이점은 나폴리 방식의 특성에 대한 결론을 확인했습니다. 동시에 1730 년대 세대의 구성 기술과 "오래된"학교의 대표자 인 Francesco Durante의 Alessandro Scarlatti를 비교하면 진화의 존재와 방향의 변화에 \u200b\u200b대해 말할 수 있습니다. 칸타타와 안티폰에서도 "오래된" 거장들은 다성적 질감을 선호했고 아카펠라를 표현했습니다. Pergolesi와 Leo와 함께 아리아와 오페라와 같은 앙상블이 가장 중요해졌습니다. Pergolesi의 모든 영적 작품의 스타일에 결정적인 역할을 한 것은 "학술적" 스타일과 "연극적" 스타일의 조화로운 공존이었습니다.

솔로 및 앙상블 번호가 교회 장르에도 도입되면서 작곡가의 오페라와 그의 영적 작품 사이의 수많은 연결에 대해 말할 수 있습니다. Pergolesi는 세리아 오페라 (eroica, parlante, di sdegno, lyrical, amoroso)의 특징적인 아리아 유형을 사용하며 "신성한 드라마"에서 만화 캐릭터의 특성화에 부파 오페라의 요소도 있습니다. 세속적 작곡과 영적 작곡의 구조적 근접성은 부인할 수 없으며(모두 키아로스쿠로 원리에 기반을 두고 있음), 인식할 수 있는 화성 회전(작곡가는 중단된 카덴차에 대한 특별한 애정을 가짐)과 멜로디-하모닉 유사성, 반복적인 모티프 및 리드미컬한 형상(특히 자주 - 흥분된 "호흡" 실신 ). 신성한 드라마 The Conversion of St. Wilhelm과 오라토리오 The Death of St. Joseph에서 Pergolesi가 나중에 그의 오페라에서 쓸 많은 유형의 아리아가 테스트되었습니다.
동시에 Pergolesi의 교회 음악은 그의 오페라 유산과 절대적으로 유사하지 않았습니다. 아리아와 앙상블은 푸가 또는 모방 섹션과 같은 교회 스타일의 필수 기호와 조화롭게 결합됩니다. 각 미사에서 작곡가는 적어도 두 개의 합창 푸가를 배치했으며, 푸가("Fac ut portem" 및 "Amen")도 Stabat Mater에 있으며, 안티폰에는 모조 요소가 아리아 "Eia ergo, Advocata"를 장식합니다. 노스트라”.

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