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중세의 거리 극장. 중세 유럽 극장

로마 제국이 무너진 후 고대 극장은 잊혀졌습니다. 초기 기독교 이데올로기들은 위선을 비난했으며 배우, 음악가 및 "댄서"뿐만 아니라 "연극에 대한 열정에 사로 잡힌"모든 사람들이 기독교 공동체에서 제외되었습니다. 중세 연극은 실제로 새롭게 태어났다. 민속 의식및 종교적 공휴일 - 교회 예배의 극화. 중세 극장의 역사는 초기(5~16세기)와 성숙기(12~16세기 중반)의 두 단계를 거칩니다. 교회에 대한 박해에도 불구하고 마을 주민들은 고대 관습에 따라 겨울의 끝, 봄의 도래, 추수를 축하했습니다. 게임, 춤, 노래에서 사람들은 자연의 힘을 의인화하여 신에 대한 순진한 믿음을 표현했습니다. 이 휴일은 향후 연극 공연의 토대를 마련했습니다. 스위스에서는 남자들이 겨울과 여름을 묘사했습니다. 하나는 셔츠에, 다른 하나는 모피 코트에 있습니다. 독일에서는 봄을 기리기 위해 의상을 입은 카니발 행렬이 열렸습니다. 영국에서는 봄 방학이 붐비는 게임, 춤, 5월을 기념하는 대회가 열렸습니다. 민속 영웅로빈 후드. 이탈리아와 불가리아의 스프링 게임은 화려한 요소가 풍부했다.

이 휴일은 유머와 창의성, 사람들의 힘 이었지만 시간이 지남에 따라 의식과 숭배 의미를 잃고 마을의 실제 생활 요소를 반영하기 시작했으며 농민의 노동 활동과 관련되어 전통 게임으로 바뀌 었습니다. , 장엄한 자연의 엔터테인먼트. 그러나 원시적 콘텐츠를 가진 이러한 게임은 극장을 일으킬 수 없었고 고대 그리스의 경우처럼 시민 사상이나 시적 형식으로 풍부하지 않았으며 더욱이 이러한 무료 게임에는 이교도 숭배에 대한 기억이 포함되어 심하게 박해를 받았습니다. . 기독교 교회. 그러나 교회가 민속과 관련된 민속 극장의 자유로운 발전을 막을 수 있었다면 여전히 특정 유형의 농촌 오락이 새로운 민속 광경 인 역사 공연을 일으켰습니다.

Histrions는 민속 순회 배우입니다. 프랑스에서는 jugglers, 독일에서는 shpilmans, 폴란드에서는 dandies, 불가리아에서는 cookers, 러시아에서는 buffoons라고 불립니다. 도시로 이주한 마을 예능인은 전문 예능인이 된다. 그들은 마침내 마을에서 벗어나 중세 도시의 삶, 시끄러운 박람회, 도시 거리의 번잡함이 그들의 창의성의 원천이 됩니다. 그들의 예술은 처음에는 혼합주의로 구별됩니다. 각 역사가는 노래하고, 춤추고, 이야기를 하고, 악기를 연주하고, 수십 가지 다른 재미있는 일을 합니다. 그러나 점차적으로 그들이 가장 자주 호소하는 청중에 따라 창의성의 분야에 따라 많은 역사의 계층화가 있습니다. 이제 그들은 만화 버푼, 이야기꾼, 가수, 음악가, 요술쟁이를 구별합니다. 특히 "귀족을 기쁘게하는 방법을 아는"트루 바 두르 인시, 발라드 및 댄스 곡의 작가와 연주자가 구별됩니다. 시골의 의례놀이에서 벗어나 도시 하층민의 반항적인 정취를 흡수한 히스트리온의 예술은 성직자와 왕들에게 핍박과 핍박을 받았지만, 그들조차 신들의 즐겁고 유쾌한 공연을 보고 싶은 유혹을 뿌리칠 수 없었다. 역사.

곧 아마추어 배우들의 서클이 만들어지는 노조로 통합 된 역사가 있습니다. 그들의 직접적인 영향으로 14-15세기에 아마추어 연극의 물결이 확대되었습니다. 이제 교회는 극장판에 대한 사람들의 사랑을 파괴하는 데 무력합니다. 교회 예배 (전례)를보다 효과적으로 만들기 위해 성직자 자체가 연극 형식을 사용하기 시작했습니다. 일어나 - 전례 드라마성경의 장면들. 최초의 전례 드라마는 복음의 개별 에피소드를 극화한 것입니다. 의상, 텍스트, 움직임이 더욱 복잡해지고 개선되었습니다. 공연은 성전 금고 아래에서 열렸습니다. 그리고 준 전례 드라마, 그것은 현관이나 교회 마당에서 연주되었습니다. 종교 드라마에는 다음과 같은 여러 장르가 있습니다.

기적

신비

도덕

기적 "기적"-종교적이고 교훈적인 드라마인 줄거리는 심각한 범죄를 저지르고 하나님의 어머니의 중보로 구원받은 성인의 전설 또는 삶을 표현한 것입니다. 기적은 14세기에 가장 널리 퍼졌습니다. 성도들을 기리는 찬송가와 교회에서 그들의 삶을 읽은 것에서 파생되었습니다. 기적은 다른 유형의 중세 드라마보다 창의성과 현실 묘사에 더 많은 자유를 부여했습니다.

신비-성경을 주제로 한 중세 드라마. 그것은 교회, 민속, 세속 극장중세. 그것은 15 세기에서 16 세기 전반기에 번성했습니다. 공연은 박람회, 엄숙한 행사에 맞춰 진행되었으며 모든 연령과 계층의 시민들의 다채로운 행렬로 시작되었습니다. 음모는 성경과 복음에서 가져 왔습니다. 행동은 아침부터 저녁까지 며칠 동안 계속되었습니다. 파빌리온은 각각 자체 이벤트가있는 나무 플랫폼 위에 지어졌습니다. 플랫폼의 한쪽 끝에는 화려하게 장식 된 낙원이 있었고 반대편 끝에는 용의 입을 벌리고 고문 도구와 죄인을위한 거대한 가마솥이있는 지옥이있었습니다. 중앙의 풍경은 매우 간결했습니다. 문 "나자렛"또는 금박을 입힌 왕좌 위에 새겨진 비문은 도시 또는 궁전을 지정하기에 충분했습니다. 루시퍼가 이끄는 예언자, 거지, 악마가 무대에 나타났습니다... 프롤로그에는 하나님 아버지가 천사와 우화 적 인물 (지혜, 자비, 정의 등)에 둘러싸여 앉아 계신 천구가 묘사되었습니다. 지구와 그 너머-사탄이 죄 많은 영혼을 태운 지옥으로. 의인은 흰색, 죄인은 검은 색, 악마는 빨간색 스타킹을 입고 끔찍한 "얼굴"로 칠해졌습니다.

미스터리 극작술은 세 주기로 나뉜다.

"구약", 그 내용은 성경 전설의 순환입니다.

그리스도의 탄생과 부활에 관한 이야기를 전하는 "신약";

연극의 음모가 "성도의 삶"과 부분적으로는 성도의 기적에서 차용 된 "사도".

대중을 대상으로 한 거리 공연이기 때문에 미스터리 연극은 민속적, 세속적 원리, 종교 및 교회 사상 체계를 모두 표현했습니다. 이것 내부 불일치장르는 그를 쇠퇴하게 만들었고 이후에 그를 교회에서 금지하게 만들었습니다.

도덕-인물이 사람이 아니라 추상적 인 개념 인 유익한 성격의 독립적 인 연극. 첫 번째는 이성과 믿음을 그의 삶의 동반자로, 두 번째는 불순종과 방탕을 취하는 "의인과 계시 자"에 대한 "신중하고 불합리한"에 대한 비유가 진행되었습니다. 이 비유들에서 고통과 온유는 천국에서 보상을 받는 반면 완고한 마음과 탐욕은 지옥으로 인도합니다.

그들은 희극 무대에서 도덕성을 연기했습니다. 천사와 Sabaoth 신과 같은 천체의 살아있는 그림을 제시하는 발코니와 같은 것이있었습니다. 두 개의 진영으로 나누어 진 우화 적 인물이 반대편에서 나타나 대칭 그룹을 형성했습니다. 믿음 - 손에 십자가, 희망 - 닻, 탐욕 - 금 지갑, 기쁨 - 오렌지, 아첨에는 그녀가 Stupidity를 쓰다듬은 여우 꼬리.

도덕성은 무대에서 펼쳐지는 얼굴의 논쟁이며 행동이 아니라 캐릭터 간의 논쟁을 통해 표현되는 갈등입니다. 때때로 죄와 악에 대해 이야기하는 장면에서 희극의 요소, 사회 풍자가 등장하고 군중의 숨결과 "자유로운 광장의 정신"이 침투했습니다.

그래서 중세에는 극장이 다양한 형태로 존재했다. ~에 첫 단계그는 성경 이야기를 다시 말하면서 일종의 "문맹자를위한 성경"이되었습니다. 중세 연극 공연은 르네상스 극장 발전의 선구자가되었습니다.

16.중세 문학에서 라틴 문학의 전통. 방랑자의 가사. 소스, 테마, 만화의 기능.

초기 중세 프랑스에서는 라틴어 문학이 중심 무대를 차지했습니다.

그럼에도 불구하고 죽은 언어가 된 라틴어는 고대와 중세를 연결하는 실이되었습니다. 그것은 교회의 언어, 국가 간 관계, 법학, 과학, 교육, 문학의 주요 언어 중 하나였습니다. 고대 작가들의 금언은 중세 학파에서 공부한 자료로 사용되었다.

라틴어로 된 중세 문학에서는 발전의 세 가지 라인을 구분하는 것이 일반적입니다. 첫 번째(실제로는 중세, 공식, 교회)는 사무 문헌에 표시되고 두 번째(고대 유산에 대한 호소와 관련됨)는 Carolingian 르네상스, 세 번째 (라틴어 학습과 민속 웃음 문화의 교차점에서 발생)는 Vagants의시에 반영되었습니다.

중세와 르네상스 후기에도 라틴어로 작품을 창작하는 일은 계속되었습니다. 그중에서도 특히 Pierre Abelard가 라틴어로 쓴 "내 재난의 역사"를 강조해야합니다.

우리는 노래로 중세 유럽을 발표 한 가지각색의 군중 인 방랑자, 방황하는 남학생, 장소없는 유목민 승려의 가사에 대해 이야기하고 있습니다. "vagant"라는 단어는 방황하는 라틴어 "vagari"에서 유래했습니다. 또 다른 용어는 "Goliath"(여기서는 악마

Vagants의 가사는 많은 구절에 포함 된 모든 남학생의 허세에도 불구하고 선술집 향연과 사랑의 즐거움을 외치는 것에 국한되지 않았습니다. 무모하게 "먼지가 많은 책의 쓰레기"를 버리고 도서관의 먼지를 깨고 비너스와 바커스의 이름으로 가르침을 버릴 것을 요구했던 바로 그 시인들은 생생한 연결을 유지 한 당시 가장 교육받은 사람들이었습니다. 고대와 함께 철학적 사고의 최신 업적에서 자랐습니다.

그들의 작업에서 vagantes는 가장 심각한 도덕적, 종교적, 정치적 문제를 다루었으며 국가와 교회, 돈의 전능함, 인간 존엄성, 독단주의 및 관성을 대담한 공격에 침해했습니다. 현존하는 세계질서에 대한 항의, 교회의 권위에 대한 저항은 살아있는 생명이 증발되고 거세된 냉혈한 책략에 대한 거부와 지식의 빛으로 밝혀진 삶에 대한 기쁨의 수용을 의미했습니다. 감정 숭배는 모든 현상을 정신적 통제에 종속시키고 엄격한 경험 테스트를 거치는 생각 숭배와 분리 할 수 없습니다.

이성의 도움으로 확인하지 않고 믿음에 대한 단일 명제를 받아들이는 것은 불가능합니다. 정신력의 도움 없이 얻은 믿음은 가치가 없다 자유로운 성격. 위대한 고통을 겪은 Peter Abelard 인 파리의 "과학 석사"의이 논문은 Vagantes에 의해 널리 선택되었습니다. 그들은 그의 글을 읽고 복사하여 유럽 전역에 배포했으며 교회의 "이해하기 위해 믿습니다"에 반대했습니다. 공식 - "믿기 위해 이해합니다."

우리에게 내려온 첫 번째 모범생 가사 모음은 "Cambridge Manuscript"- "Carmina Cantabrigensia"(XI 세기) 및 바이에른 Benediktbeyern 수도원의 "Carmina Burana"(XIII 세기)입니다. 이 두 노래집은 분명히 독일에서 유래했으며 어쨌든 독일과 밀접하게 관련되어 있습니다.Vagantes의 가사는 독일 시의 첫 페이지에 속합니다. "Carmina Burana"의 제작자 중 한 사람의 별명은 "Cologne의 Archipite"입니다. 그의 "고백"은 유목민 학생들의 일종의 선언문으로 독특한 라인강 도시의 이미지를 불러 일으 킵니다.

동시에 Vagants의 사랑 가사는 부분적으로 독일의 "사랑의 가수"-minnesingers의 가사와 부분적으로 병합되며 일부 minnesingers는 본질적으로 vagants였습니다. 예를 들어 유명한 Tannhäuser를 기억할 가치가 있습니다. 급변하는 삶그를 거의 전설적인 인물로 만들었습니다. 십자군, 키프로스, 아르메니아, 안디옥에 참여하고, 프리드리히 2세의 궁정에서 비엔나에서 복무하고, 교황 우르바노 4세와의 충돌, 비행, 시끄러운 명성과 쓰라린 필요성을 인정한 후 " 그의 재산을 먹고 저당 잡혔다", "아름다운 여성, 좋은 와인, 맛있는 요리, 일주일에 두 번 목욕탕은 그에게 매우 비쌌습니다.

그래서 비교적 최근에 슈투트가르트에서 Martin Lepelman이 편집 한 "방랑자의 천국과 지옥. 모든 시대와 민족의 위대한 방랑자의시"라는 책이 출판되었습니다. 그의 책에서 Lepelman은 방랑자와 함께 Celtic 음유 시인과 독일 스칼드, 하프 연주자, Homer, Anacreon, Archiloch, Walter von der Vogelweide, Francois Villon, Cervantes, Saadi, Li Bo-최대 Verlaine을 포함했습니다. , Arthur Rimbaud 및 Ringelnatz. "방랑자의 노래"중에 우리는 또한 우리의 러시아어를 발견합니다. 독일 사람: "Seht ueber Mutter Wolga jagen die kuehne Trojka schneebestaubt" - "겨울에 대담한 트리오가 어머니 볼가를 따라 돌진합니다", "Fuhr einst zum Jahrmarkt ein Kaufmann kuehn" - "상인이 박람회에 갔다" 등 주요 시의 징후 "유목민" Lepelman은 "유치한 순진함과 음악성"과 방황에 대한 저항 할 수없는 갈망을 고려합니다. 이는 주로 "정착 생활의 족쇄를 참을 수 없게 만드는 억압적인 압박감"에서 "에 대한 무한한 경멸의 느낌"에서 비롯되었습니다. 일상 질서의 모든 제한과 표준"

그러나 Vagants의시는 중세 문학을 훨씬 뛰어 넘었습니다. 그 리듬, 멜로디, 분위기, 우리 Yesenin이 쓴 "트램프 정신"은 세계시에 뿌리를두고 필수적인 부분이되었습니다.

어느 위대한 문학자유에서 영감을 얻고 자유로 양육되는 자유의 꿈과 관련이 있습니다. 시인을 사칭하기 위해 용병을 쓰는 모든 노력에도 불구하고 감옥, 화재 및 채찍질을 섬기고 속박을 최고의 미덕으로 노래하는 노예의 시는 없었습니다.

이것에 대한 직접적인 증거는 Vagantes의 구절과 노래에 의해 제공되며, 이는 수세기 동안 계속해서 반응을 두려워했습니다. Benediktbeyern 수도원에서 금지 된 문학인 "Carmina Burana"의 원고가 1806 년에만 제거 된 특수 캐시에 숨겨져 있었던 것은 우연이 아닙니다.

Vagants의 가사는 내용이 매우 다양합니다. 모든면을 커버합니다 중세 생활그리고 모든 표현 인간의 성격. "성묘"해방이라는 이름으로 십자군에 참여할 것을 촉구하는 노래는 성직자의 부패와 "성직자"의 부패에 대한 눈길을 끄는 반 사무적 선언과 인접 해 있습니다. 하나님에 대한 광적인 호소와 회개에 대한 부르심-지속적이고시에서시로 반복, "거친"육체의 영광, 포도주 숭배 및 폭식; 거의 외설스러운 에로티시즘과 냉소주의-순수함과 숭고함; 과학과 현명한 대학 교수의 영광과 함께 책에 대한 혐오감. 종종 양립할 수 없는 것처럼 보이는 것들이 같은 시에서 충돌합니다. 아이러니는 파토스로 바뀌고 주장은 회의주의로 바뀌고 익살은 비범한 철학적 깊이와 진지함과 혼합되고 통렬한 슬픔은 갑자기 명랑한 5월 노래로 터져 나오며 반대로 울음은 갑자기 해결됩니다. 웃음으로 . 처음에는 유명한 패러디의 재미있는 패러디로 생각한시 "지옥의 오르페우스" 고대 신화 Ovid의 "변태"장 중 하나는 자비에 대한 열정적 인 간청으로 끝나고 "Apocalypse of the Goliard"에서는 임박한 세계의 죽음에 대한 그림이 우스꽝스러운 결말로 무력화됩니다.

XI-XII 세기에 학교는 점차 대학으로 타락하기 시작했습니다. 12세기 파리에서 "학생 수보다 많은 행복한 도시에서 지역 주민", 대성당 학교, St. Genevieve 및 St. Victor의 대 수도 원장 학교 및 "교양 예술"을 독립적으로 가르친 많은 교수들이 "Universitas magistrorum et scolarum Parisensium"이라는 하나의 협회로 합병되었습니다. 대학은 교수진으로 나뉩니다. 신학, 의학, 법률 및 "예술"과 문법, 수사학, 변증법, 기하학, 산술, 천문학 및 음악과 같은 "7 가지 교양"을 연구 한 가장 인구가 많은 "예술가 학부"의 총장이었습니다. 대학장 : 다른 모든 학부의 학장은 그에게 종속되었습니다 파리 대학은 세속 법원과 독립하고 교황권에서 권리를 통합하여 유럽의 신학 중심지가되었습니다.

그러나 파리 대학은 곧 심각한 경쟁자를 갖게 되었습니다. 법학은 몽펠리에와 볼로냐에서, 의학은 살레르노에서 13세기 중반에 옥스퍼드 대학교가 등장하고, 14세기에는 케임브리지 대학교와 프라하 대학교가 마침내 조직되었습니다.

전 세계에서 온 학생들이 이 대학들로 모여듭니다. 유럽 국가, 관습, 관습, 국가 경험의 상호 교환이 혼합되어 있으며 학생들의 국제 언어 인 라틴어에 의해 크게 촉진되었습니다.

가장 희귀 한 음악성을 부여받은 (방랑자들은시를 읽지 않고 노래를 불렀습니다) 마치 운율을 연주하는 것처럼 "자음의 음악"을 즐기며 운율에서 특별한 기교를 달성하고 의심하지 않고 이전에시에 개방합니다. 시적 표현의 알려지지 않은 기법. 본질적으로 Vagantes는 처음으로 고대 라틴어 미터 인 "versus quadratus"- 엄숙한 노래와 장난기 넘치는 패러디에 적합한 것으로 판명 된 8 피트 트로 키의 새롭고 생생한 콘텐츠로 가득 찼습니다. 시적인 나레이션 ...

Vagantes의 노래에 수반되는 음악은 우리에게 거의 전해지지 않았지만 이 음악은 텍스트 자체에 있습니다. 아마도 작곡가 Carl Orff는 1937 년 독일에서 자신의 칸타타 인 "Carmina Burana"를 만들었을 때 다른 사람들보다 더 잘 "들었습니다". 한 남자에 대해, 어둠과 잔인함과 폭력의 시대에 자유와 기쁨을 향한 간절한 열망에 대해.
17.르네상스. 일반적 특성. 주기화 문제.

부흥 (르네상스), 서유럽 및 중부 유럽 국가의 문화 및 이데올로기 발전 기간 (이탈리아 XIV-XVI 세기 다른 국가, XV 말-XVII 세기 시작), 중세 문화에서 현대의 문화.

르네상스에 대한 간략한 설명. 부흥 (르네상스), 서유럽 및 중부 유럽 국가의 문화 및 이데올로기 발전 기간 (이탈리아 XIV-XVI 세기 다른 국가, XV 말-XVII 세기 시작), 중세 문화에서 현대의 문화.

르네상스 문화의 독특한 특징 : 핵심에있는 반 봉건주의, 세속적, 반 성직자 성격, 인본주의 적 세계관은 마치 "부활"(따라서 이름)처럼 고대 문화 유산에 호소합니다. 부흥이 일어 났고 이미 XIII-XIV 세기의 전환기에 이탈리아에서 가장 분명하게 나타났습니다. 그 선구자는 시인 단테, 예술가 지오토 등이었습니다.

르네상스 인물의 작품은 인간의 무한한 가능성, 그의 의지와 마음, 가톨릭 스콜라주의와 금욕주의 (인본주의 윤리)에 대한 거부에 대한 믿음으로 가득 차 있습니다. 조화 롭고 해방 된 창조적 성격의 이상, 현실의 아름다움과 조화, 존재의 최고 원리로서의 인간에 대한 호소, 온전함과 우주의 조화로운 법칙을 긍정하는 파토스는 르네상스 예술에 위대한 이데올로기를 부여합니다. 중요성, 장엄한 영웅적 척도.

건축에서 공공 건물, 궁전, 도시 주택과 같은 세속적 구조가 주도적 역할을하기 시작했습니다. 아치형 갤러리, 콜로네이드, 둥근 천장, 욕조, 건축가(이탈리아의 알베르티, 팔라디오, 프랑스의 레스코, 델로름 등)를 사용하여 건물에 장엄한 선명도, 조화 및 인간에 대한 비례성을 부여했습니다.

예술가들(이탈리아의 Donatello, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian 등, 네덜란드의 Jan van Eyck, Brueghel, 독일의 Dürer, Niethardt, 프랑스의 Fouquet, Goujon, Clouet)은 현실 - 전송 볼륨, 공간, 빛, 인물의 이미지 (알몸 포함) 및 실제 환경 - 인테리어, 풍경.

르네상스 문학은 Rabelais의 "Gargantua and Pantagruel"(1533-1552), Shakespeare의 드라마, Cervantes의 소설 "Don Quixote"(1605-1615) 등과 같은 지속적인 가치의 기념물을 만들어 고대에 대한 관심과 호소력을 유기적으로 결합했습니다. 민속 문화, 존재의 비극이 담긴 만화의 파토스.

Petrarch의 소네트, Boccaccio의 단편 소설, Aristo의 영웅시, 철학적 그로테스크 (Erasmus of Rotterdam의 논문 "Praise of Stupidity", 1511), Montaigne의 에세이-다른 장르, 개별 형식 및 국가 변형은 르네상스의 아이디어를 구현했습니다.

인본주의 적 세계관이 깃든 음악에서 성악 및 기악 다 성음이 발전하고 독창, 칸타타, 오라토리오, 오페라 등 새로운 장르의 세속 음악이 등장하여 동음이의 확립에 기여합니다. 르네상스 시대에 지리학, 천문학, 해부학 분야에서 뛰어난 과학적 발견이 이루어졌습니다. 르네상스의 사상은 봉건적, 종교적 사상의 파괴에 기여했으며 여러 측면에서 떠오르는 부르주아 사회의 요구를 객관적으로 충족시켰다.

18. 이탈리아의 르네상스. 단테의 성격과 작품. "New Life"와 "new sweet style"시의 전통. 베아트리체의 이미지와 사랑의 개념.

"새로운 달콤한 스타일". 피렌체는 유럽 문화 생활의 중심지 중 하나가 되고 있습니다. Guelphs (교황 권력 지지자 정당)와 Ghibellines (황제 권력 지지자 귀족 정당)의 정치적 투쟁은 도시의 번영을 막지 못했습니다.

XIII 세기 말에. 피렌체에서는 "loce al piouo"- "새로운 달콤한 스타일"(Guido Gvinicelli, Guido Cavalcanti, Dante Alighieri)의 시가 형성되고 있습니다. 궁정 시의 전통을 바탕으로 이 학교의 대표자들은 사랑에 대한 새로운 이해를 옹호하고 트루바두르의 시와 비교하여 아름다운 여인과 시인의 이미지를 변형시킵니다. 기적을 밝히다”(단테), 지상 여성으로 인식되지 않고 신의 어머니에 비유되고 시인의 사랑은 종교적 숭배의 특징을 얻지 만 동시에 더 개별화되고 기쁨으로 가득 차 있습니다. 시인 "leoce sii pioyo"(새로운 시적 장르 개발, 그 중 canzona (동일한 구조의 연이있는시), ballata (구조가 다른 연이있는시), 소네트.

소네트. 가장 높은 값소네트 장르(yaopePo)가 있으며, 이후 세기(현재까지)의 시에서 뛰어난 역할을 했습니다. 소네트는 엄격한 형식을 가지고 있습니다: 그것은 14개의 행을 가지고 있으며, 두 개의 quatrains(운율이 аъаъ аъаъ 또는 аъа аъъа인 quatrains)와 두 개의 tercetes(syy ysy가 있는 3행 운율 또는 다섯 번째 운율을 가정하여 ce ce, 변형 ce сMe). 콘텐츠를 이 형식에 묶는 규칙은 그다지 엄격하지 않습니다. 주제는 첫 번째 줄에 이름을 지정해야 하고, 첫 번째 논문은 첫 번째 4행시에 명시해야 하며, 반대 또는 보완적인 생각(이를 "대립"이라고 부름)은 다음으로 요약됩니다. 소네트의 주제 전개에 대한 두 개의 3자음(“종합”). 연구자들은 푸가 장르에 대한 소네트의 근접성을 확립했습니다. 음악 콘텐츠. 이러한 구조는 다음을 가능하게 합니다. 높은 온도예술적 재료의 집중.

철학적 3요소 "정제-대립-종합"에 따른 소네트의 발전은 선택한 주제, 심지어 완전히 사적인 주제를 제기합니다. 높은 레벨철학적 일반화, 특정을 통해 전송 예술 사진평화.

전기. Dante Alighieri(1265-1321)는 "위대한"의 정의가 정당하게 적용될 수 있는 최초의 유럽 작가입니다. 뛰어난 영국 미술 평론가 D. Ruskin은 그를 “ 중앙 남자평화." F. Engels는 유럽 문화에서 Dante의 특별한 위치를 정의하는 정확한 표현을 찾았습니다. 그는 "중세의 마지막 시인이자 동시에 현대의 첫 번째 시인"입니다.

Dante는 피렌체에서 태어 났으며 도시의 White Guelph 정당 (Black Guelph 정당과 분리-교황 Boniface VIII의 지지자)이 통치하는 동안 권위있는 직책을 맡았습니다. 1302년 반역죄로 흑인 구엘프가 권력을 잡았을 때 단테는 다른 백인 구엘프와 함께 도시에서 추방당했습니다. 1315 년 피렌체 당국은 Ghibellines의 강화를 두려워하여 Dante도 쓰러진 White Guelphs에게 사면을 부여했지만 그는 굴욕적인 일을 겪어야했기 때문에 고국으로 돌아가는 것을 거부해야했습니다. , 부끄러운 절차. 그런 다음시 당국은 그와 그의 아들들에게 사형을 선고했습니다. Dante는 그가 묻힌 Ravenna의 외국 땅에서 사망했습니다.

"새로운 삶". 1292년 또는 1293년 초에 "New Life"라는 책에 대한 Dante의 작업이 완료되었습니다. 이 책은 주석이 달린 시적 순환이자 동시에 유럽 최초의 예술 자서전입니다. 여기에는 25개의 소네트, 3개의 칸초네, 1개의 발라타, 2개의 시적 단편 및 시에 대한 전기 및 철학적 논평인 산문 텍스트가 포함됩니다.

베아트리스. 이 책은 시몬 데이 바르디와 결혼하여 25세가 되기 전인 1290년 6월에 사망한 피렌체인 베아트리체 포르티나리에 대한 단테의 숭고한 사랑에 대해 이야기합니다.

Dante는 미래의 시인이 9 살이고 소녀가 아직 9 살이 아니었을 때 Beatrice와의 첫 만남에 대해 이야기합니다. 두 번째 중요한 회의는 9년 후에 열렸습니다. 시인은 베아트리체를 존경하고 그녀의 모든 시선을 사로 잡고 그의 사랑을 숨기고 다른 여성을 사랑한다는 것을 다른 사람들에게 보여 주지만 베아트리체를 불쾌하게 만들고 후회로 가득 차 있습니다. 새로운 9년 임기 직전에 베아트리체가 죽고 시인에게 이것은 보편적인 재앙입니다.

책에서 베아트리체의 죽음에 대한 칸초네를 배치할 때 그는 다른 구절 이후에 주석을 추가하는 것이 신성 모독이라고 생각하여 주석을 칸초네 앞에 배치합니다. 피날레에는 구절에서 베아트리체를 찬양하겠다는 약속이 포함되어 있습니다. "새로운 달콤한 스타일"의시의 전통을 발전시키는 시인의 펜 아래 베아트리체는 "행복을주는"가장 아름답고 고상하며 고결한 여성의 이미지가됩니다 (이것은 그녀의 이름을 러시아어로 번역 한 것입니다) . 단테가 신곡에서 베아트리체라는 이름을 불멸화시킨 후 그녀는 " 영원한 이미지» 세계 문학.

삶의 의미, 인간의 지상과 사후 운명, 중세 문화의 철학적 예술적 종합, 르네상스에 대한 기대에 관한 책으로서의 신곡. 신곡의 세계관.

Dante는 울창한 숲에서 어떻게 길을 잃었고 사자, 암 늑대, 표범이라는 세 마리의 끔찍한 짐승에 의해 거의 찢어졌습니다. 그는 Beatrice가 그에게 보낸 Virgil에 의해이 숲 밖으로 인도됩니다. 울창한 숲-인간의 지상 존재, 사자-자존심, 그녀-늑대-탐욕, 표범-풍만함, 버질-세상의 지혜, 베아트리체-하늘의 지혜. 지옥을 통한 단테의 여정은 지상의 지혜의 영향으로 인간의 의식을 깨우는 과정을 상징합니다. 지옥에서 벌을 받을 수 있는 모든 죄는 이 악에 예속된 사람들의 마음 상태를 알레고리적으로 묘사한 형벌의 형태를 수반합니다. 연옥에는 영원한 고통을 받지 않고 그들이 지은 죄에서 여전히 깨끗함을 받을 수 있는 죄인들이 있습니다. 연옥 산의 선반을 따라 단테에서 지상 낙원으로 올라간 버질은 그를 떠납니다. 이교도로서 그에게 더 이상 올라갈 수 없습니다. Virgil은 천상 낙원을 통해 Dante의 운전사가되는 Beatrice로 대체됩니다. 단테의 사랑은 세속적이고 죄 많은 모든 것에서 깨끗해졌습니다. 그것은 미덕과 종교의 상징이 되며, 궁극적인 목표는 하나님을 묵상하는 것입니다.

이것 구성 및 의미 구조의 지배시 숫자 3로 돌아간다 삼위 일체에 대한 기독교 사상과 숫자 3의 신비로운 의미.이 번호에 내세의 전체 건축학이 설립되었습니다.시인이 세세한 부분까지 생각한 "신곡". 상징화는 거기서 끝나지 않습니다. 각 노래는 같은 단어 "별"로 끝납니다. 그리스도의 이름은 자신과만 운율이 맞습니다.; 지옥에서는 그리스도의 이름이 언급되지 않으며 마리아의 이름도 언급되지 않습니다.
그의 시에서 단테 지옥과 천국의 중세 개념을 반영, 시간과 영원, 죄와 형벌.

죄그 때문에 그들은 지옥에서 벌을 받고, 세 가지 범주: 난잡함, 폭력 및 거짓말. 단테의 지옥이 구축된 윤리적 원칙과 세계와 인간에 대한 그의 비전은 일반적으로 다음과 같습니다. 합금 기독교 신학그리고 이교도 윤리아리스토텔레스의 윤리학에 근거. Dante의 견해는 독창적이지 않으며 Aristotle의 주요 작품이 재발견되고 부지런히 연구되는 시대에 일반적이었습니다.

지옥의 아홉 개의 원과 지구의 중심을 통과한 후 단테와 그의 안내자 버질은 남쪽에 위치한 연옥 산 기슭의 지상으로 올라옵니다. 예루살렘에서 지구 반대편 가장자리에 있는 반구. 그들이 지옥으로 내려가는 데 걸린 시간은 무덤에 있는 그리스도의 위치와 그의 부활 사이에 경과된 시간과 정확히 같은 시간이 걸렸으며 연옥의 시작 노래는 시의 행동이 그리스도의 위업을 어떻게 반영하는지에 대한 표시로 가득 차 있습니다. 단테의 모방의 예, 이제 습관적인 형태의 그리스도를 모방합니다.

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서유럽의 봉건제는 로마 제국의 노예제를 대체하게 되었습니다. 새로운 계급이 생기고 농노가 점차 형성되었습니다. 이제 농노와 봉건 영주 사이에 투쟁이 일어났습니다. 따라서 역사를 통틀어 중세 시대의 극장은 사람들과 성직자 간의 충돌을 반영합니다. 교회는 실질적으로 봉건 영주의 가장 효과적인 도구였으며 지상의 모든 것을 억압하고 삶을 긍정하며 금욕주의와 세속적 쾌락의 포기, 활동적이고 충만한 삶을 설교했습니다. 교회는 육욕적이고 즐거운 삶의 향유에 대한 인간의 열망을 받아들이지 않았기 때문에 극장과 싸웠습니다. 그런 면에서 그 시대 연극의 역사는 이 두 원칙 사이의 팽팽한 투쟁을 보여준다. 반 봉건 반대가 강화 된 결과 극장이 종교적 내용에서 세속적 내용으로 점진적으로 전환되었습니다.

봉건제 초기에는 국가가 아직 완전하게 형성되지 않았기 때문에 당시 연극의 역사를 각 나라별로 따로따로 생각할 수는 없다. 이것은 종교 생활과 세속 생활의 대립을 염두에 두고 할 가치가 있습니다. 예를 들어 의식 게임, 역사가의 공연, 세속 극작술의 첫 번째 시도, 경기장에서의 희극은 중세 연극 장르의 한 세트에 속하지만 전례 드라마, 기적, 신비, 도덕은 다른 장르에 속합니다. 이러한 장르는 종종 교차하지만 극장에는 항상 두 가지 주요 이데올로기 및 문체 경향이 충돌합니다. 그들은 나중에 도시 부르주아와 평민이 등장한 농민에 대항하여 성직자와 함께 집결 한 귀족 이데올로기의 투쟁을 느낍니다.

중세 극장의 역사에는 초기(5~11세기)와 성숙기(12~16세기 중반)의 두 시기가 있습니다. 성직자들이 고대 극장의 흔적을 없애려고 아무리 노력해도 성공하지 못했습니다. 고대 극장은 야만인 부족의 새로운 생활 방식에 적응하면서 살아남았습니다. 중세 극장의 탄생은 농민의 일상 생활에서 다른 민족의 농촌 의식에서 찾아야합니다. 많은 사람들이 기독교를 채택했다는 사실에도 불구하고 그들의 의식은 아직 이교도의 영향에서 벗어나지 못했습니다.

교회는 겨울의 끝, 봄의 도래, 수확을 축하하기 위해 사람들을 박해했습니다. 게임, 노래 및 춤에서 신에 대한 사람들의 믿음이 반영되어 자연의 힘을 의인화했습니다. 이러한 축제는 연극 공연의 토대를 마련했습니다. 예를 들어 스위스에서는 남자들이 겨울과 여름을 묘사했고 한 명은 셔츠를, 다른 한 명은 모피 코트를 입었습니다. 독일에서는 카니발 행렬로 봄의 도래를 축하했습니다. 영국에서 봄 축제는 민속 영웅 로빈 후드를 기리기 위해 5 월을 기리기 위해 붐비는 게임, 노래, 춤, 스포츠였습니다. 이탈리아와 불가리아의 봄 축제는 매우 화려했습니다.

그럼에도 원시적인 내용과 형식을 지닌 이 게임들은 극장을 일으키지 못했다. 그들은 고대 그리스 축제에 있었던 시민 사상과 시적 형식을 포함하지 않았습니다. 무엇보다도 이 게임에는 이교도 컬트의 요소가 포함되어 있어 교회에서 지속적으로 박해를 받았습니다. 그러나 사제들이 민속과 관련된 민속 극장의 자유로운 발전을 막을 수 있다면 일부 농촌 축제는 새로운 화려한 공연의 원천이되었습니다. 이것은 역사의 행동이었습니다.

러시아 민속극은 아직 문자가 없었던 고대에 형성되었습니다. 얼굴의 깨달음 기독교 종교점차적으로 러시아 사람들의 영적 문화 분야에서 이교도 신들과 그들과 관련된 모든 것을 축출했습니다. 수많은 의식, 민속 공휴일 및 이교도 의식이 러시아에서 극적인 예술의 기초를 형성했습니다.

의례무는 원시시대부터 사람이 동물을 흉내내거나, 사람이 야생동물을 사냥하는 장면을 흉내내어 암기한 글을 되풀이하는 것에서 비롯되었다. 농업이 발전한 시대에는 수확 후 민속 축제와 축제가 열렸는데,이 목적을 위해 특별히 옷을 입은 사람들은 빵이나 아마를 심고 재배하는 과정에 수반되는 모든 행동을 묘사했습니다. 적에 대한 승리, 지도자 선출, 죽은 자의 장례식 및 결혼식과 관련된 휴일 및 의식은 사람들의 삶에서 특별한 장소를 차지했습니다.

결혼식은 드라마틱한 장면의 색감과 채도에서 이미 공연과 비교할 수 있습니다. 식물 세계의 신이 먼저 죽었다가 기적적으로 부활하는 연례 봄 갱신 민속 축제는 다른 많은 민속과 마찬가지로 항상 러시아 민속에 존재합니다. 유럽 국가. 겨울잠에서 자연이 깨어나는 것은 신을 묘사 한 사람의 죽음과 그의 폭력적인 죽음과 특정 의식 행위 후에 부활하고 그의 부활을 축하하는 고대 사람들의 마음에서 확인되었습니다. 이 역할을 맡은 사람은 특별한 옷을 입고 얼굴에 여러 가지 색의 페인트를 칠했습니다. 모든 의식 행위에는 시끄러운 성가, 춤, 웃음 및 일반적인 환희가 수반되었습니다. 기쁨은 생명을 되찾고 다산을 촉진 할 수있는 마법의 힘이라고 믿었 기 때문입니다.

Rus '의 첫 번째 방황 배우는 어릿 광대였습니다. 사실, 앉아있는 버푼도 있었지만 거의 다르지 않았습니다. 보통 사람들공휴일과 축제의 날에만 차려 입습니다. 일상 생활에서 이들은 평범한 농부, 장인 및 소규모 상인이었습니다. 떠돌이 어릿광대는 백성들에게 큰 인기를 얻었고 그들만의 특별한 레퍼토리를 가지고 있었다. 민화, 서사시, 노래 및 다양한 게임. 민중의 불안과 조국해방투쟁의 격화, 민중의 고통과 더 나은 미래에 대한 희망의 시대에 심화되었던 부푼들의 작품에는 민족영웅들의 승리와 죽음에 대한 묘사가 표현되었다.

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중세 극장

봉건제 초기에는 국가가 아직 완전하게 형성되지 않았기 때문에 당시 연극의 역사를 각 나라별로 따로따로 생각할 수는 없다. 이것은 종교 생활과 세속 생활의 대립을 염두에 두고 할 가치가 있습니다. 예를 들어 의식 게임, 역사가의 공연, 세속 극작술의 첫 번째 시도, 경기장에서의 희극은 중세 연극 장르의 한 세트에 속하지만 전례 드라마, 기적, 신비, 도덕은 다른 장르에 속합니다. 이러한 장르는 종종 교차하지만 극장에서는 항상 두 가지 주요 이데올로기와 충돌이 있습니다. 스타일 방향. 그들은 나중에 도시 부르주아와 평민이 등장한 농민에 대항하여 성직자와 함께 집결 한 귀족 이데올로기의 투쟁을 느낍니다.

러시아 민속극은 아직 문자가 없었던 고대에 형성되었습니다. 기독교 종교에 대한 깨달음은 이교도 신들과 그들과 관련된 모든 것을 러시아 사람들의 영적 문화 분야에서 점차 축출했습니다. 수많은 의식, 민속 공휴일 및 이교도 의식이 러시아에서 극적인 예술의 기초를 형성했습니다.

결혼식은 드라마틱한 장면의 색감과 채도에서 이미 공연과 비교할 수 있습니다. 식물계의 신이 먼저 죽었다가 기적적으로 부활하는 연례 봄 갱신 민속 축제는 다른 많은 유럽 국가와 마찬가지로 러시아 민속에 항상 존재합니다. 겨울잠에서 자연이 깨어나는 것은 신을 묘사 한 사람의 죽음과 그의 폭력적인 죽음과 특정 의식 행위 후에 부활하고 그의 부활을 축하하는 고대 사람들의 마음에서 확인되었습니다. 이 역할을 맡은 사람은 특별한 옷을 입고 얼굴에 여러 가지 색의 페인트를 칠했습니다. 모든 의식 행위에는 시끄러운 성가, 춤, 웃음 및 일반적인 환희가 수반되었습니다. 기쁨은 생명을 되찾고 다산을 촉진 할 수있는 마법의 힘이라고 믿었 기 때문입니다.

Rus '의 첫 번째 방황 배우는 어릿 광대였습니다. 사실, 앉아있는 버푼도 있었지만 평범한 사람들과 크게 다르지 않았고 명절과 축제의 날에만 차려 입었습니다. 일상 생활에서 이들은 평범한 농부, 장인 및 소규모 상인이었습니다. 유랑 어릿 광대 배우는 사람들에게 매우 인기가 있었고 민화, 서사시, 노래 및 다양한 게임을 포함하는 고유 한 레퍼토리를 가졌습니다. 민중의 불안과 조국해방투쟁의 격화, 민중의 고통과 더 나은 미래에 대한 희망의 시대에 심화되었던 부푼들의 작품에는 민족영웅들의 승리와 죽음에 대한 묘사가 표현되었다.

역사

11세기 유럽에서 자연 경제는 상품화폐, 농업과 분리된 공예로 대체되었습니다. 도시는 빠른 속도로 성장하고 발전했습니다. 따라서 초기 중세에서 발전된 봉건제로의 전환이 점차 일어났습니다.

점점 더 많은 농민들이 봉건 영주의 압제를 피해 도시로 이주했습니다. 그들과 함께 마을 예능인들도 도시로 이주했다. 이 모든 어제의 시골 무용수와 재치도 분업을 가졌습니다. 그들 중 다수는 전문 엔터테이너, 즉 히스트리온이 되었습니다. 프랑스에서는 "jugglers", 독일에서는 "spielmans", 폴란드에서는 "dandies", 불가리아에서는 "cookers", 러시아에서는 "buffoons"라고 불 렸습니다.

XII 세기에는 그러한 연예인이 수백 명이 아니라 수천 명이었습니다. 그들은 마침내 시골과 결별하여 중세 도시의 삶, 시끄러운 박람회, 도시 거리의 풍경을 작업의 기초로 삼았습니다. 처음에 그들은 노래하고, 춤추고, 이야기를 하고, 다양한 악기를 연주하고, 더 많은 재주를 부렸습니다. 그러나 나중에 히스트리온의 예술은 창조적 가지로 계층화되었습니다. 부폰 코미디언, 이야기꾼, 가수, 저글러, 트루바두르가 등장하여 시, 발라드, 댄스송을 작곡하고 연주했습니다.

역사의 예술은 당국과 성직자 모두에 의해 박해를 받고 금지되었습니다. 그러나 주교도 왕도 역사가들의 유쾌하고 도발적인 공연을 보고 싶은 유혹을 뿌리칠 수 없었습니다.

그 후, 역사가들은 아마추어 배우 집단을 낳은 노조에서 연합하기 시작했습니다. 그들의 직접적인 참여와 영향으로 14-15세기에 많은 아마추어 극장이 생겨났습니다. 일부 역사가는 봉건 영주의 궁전에서 계속 공연하고 악마를 대표하는 신비에 참여했습니다. Histrions는 처음으로 무대에서 묘사를 시도했습니다. 인간형. 그들은 13세기에 잠시 프랑스를 지배했던 희극 배우와 세속극의 출현에 자극을 주었다.

전례 및 반 전례 드라마

중세 연극 예술의 또 다른 형태는 교회 연극이었습니다. 성직자들은 자신의 선전 목적으로 극장을 사용하려고했기 때문에 고대 극장, 민속 게임 및 역사가있는 시골 축제에 맞서 싸웠습니다.

이와 관련하여 9 세기에 연극 미사가 생겨 예수 그리스도의 매장과 부활에 대한 전설을 읽는 방법이 개발되었습니다. 그러한 독서에서 초기의 전례 드라마가 탄생했습니다. 시간이 지남에 따라 더 복잡해지고 의상이 더 다양해졌으며 움직임과 제스처가 더 잘 연습되었습니다. 전례 드라마는 사제들이 직접 연기했기 때문에 라틴어 연설, 교회 암송의 선율은 여전히 본당 신자들에게 거의 영향을 미치지 않았습니다. 성직자는 전례 드라마를 삶에 더 가깝게 만들고 미사에서 분리하기로 결정했습니다. 이 혁신은 매우 예상치 못한 결과를 낳았습니다. 장르의 종교적 방향을 바꾼 요소가 크리스마스와 부활절 전례 드라마에 도입되었습니다.

드라마는 훨씬 단순화되고 업데이트 된 역동적 인 발전을 얻었습니다. 예를 들어, 예수님은 때때로 현지 방언으로 말씀하셨고 목자들도 일상 언어로 말했습니다. 또한 양치기의 의상이 바뀌고 긴 수염과 챙이 넓은 모자가 등장했습니다. 말투나 의상과 함께 드라마의 디자인도 바뀌었고 몸짓도 자연스러워졌다.

전례 드라마 감독은 이미 무대 경험이 있었기 때문에 교구민들에게 그리스도의 승천과 복음의 다른 기적을 보여주기 시작했습니다. 드라마에 생명을 불어 넣고 무대 효과를 사용함으로써 성직자는 매력을 느끼지 않고 교회 예배에서 양떼를 산만하게했습니다. 이 장르의 추가 개발은 그것을 파괴하겠다고 위협했습니다. 이것은 혁신의 다른 측면이었습니다.

교회는 연극 공연을 포기하고 싶지 않고 연극을 예속시키려 했다. 이와 관련하여 전례 드라마가 성전이 아니라 현관에서 상연되기 시작했습니다. 그리하여 12세기 중반에 반 전례극이 일어났다. 그 후 교회 극장은 성직자의 힘에도 불구하고 폭도의 영향을 받았습니다. 그녀는 그에게 자신의 취향을 지시하기 시작하여 교회 휴일이 아니라 박람회 날에 공연을하도록 강요했습니다. 또한 교회 극장은 사람들이 이해할 수 있는 언어로 전환해야 했습니다.

연극을 계속 감독하기 위해 사제들은 제작을 위한 일상적인 이야기를 선택했습니다. 따라서 반 전례 드라마의 주제는 주로 일상적인 수준에서 해석되는 성경적 에피소드였습니다. 무엇보다 디아블레리(Diablerie)라 불리는 악마가 등장하는 장면이 대중들에게 큰 인기를 끌었고, 이는 전체 공연의 전체적인 내용과 상반된다. 예를 들어, 유명한 드라마 "아담에 대한 행동"에서 지옥에서 아담과 이브를 만난 마귀들은 즐거운 춤을 췄습니다. 동시에 악마는 심리적 특성을 가지고 있었고 악마는 중세의 자유 사상가처럼 보였습니다.

점차적으로 모든 성경 전설은 시적 처리를 받았습니다. 조금씩 일부 기술 혁신이 프로덕션에 도입되기 시작했습니다. 즉, 동시 풍경의 원칙이 실행되었습니다. 이것은 여러 위치가 동시에 표시되고 추가로 트릭의 수가 증가했음을 의미했습니다. 그러나 이러한 모든 혁신에도 불구하고 준 전례 드라마는 여전히 교회와 밀접하게 연결되어 있습니다. 그것은 교회 현관에서 상연되었고 교회는 제작 자금을 할당했으며 성직자가 레퍼토리를 구성했습니다. 그러나 공연에 참여한 사람들은 사제들과 함께 세속적인 배우이기도 했다. 이런 형태로 교회극은 꽤 오랫동안 존재했다.

세속 드라마투르기

이 연극 장르에 대한 첫 번째 언급은 프랑스의 Arras 마을에서 태어난 Adam de La Al(1238-1287) 트루버 또는 트루바두르에 관한 것입니다. 이 남자는 시와 음악, 연극과 관련된 모든 것을 좋아했습니다. 그 후 La Halle은 파리로 이사 한 다음 이탈리아로 Anjou의 Charles 법원으로 이사했습니다. 그곳에서 그는 매우 유명해졌습니다. 사람들은 그를 극작가, 음악가, 시인으로 알고 있었습니다.

첫 번째 연극인 "The Game in the Gazebo" - La Al은 아직 Arras에 살면서 썼습니다. 1262년에 그의 연극계의 구성원들에 의해 상연되었다. 고향. 연극의 줄거리에서 서정적 일상, 풍자적 부푼, 민속적 환상의 세 줄을 구분할 수 있습니다.

연극의 첫 부분은 Adam이라는 청년이 공부하러 파리로 갈 것이라고 말합니다. 그의 아버지인 마스터 앙리는 그가 아프다는 사실을 이유로 그를 놓아주고 싶지 않습니다. 연극의 줄거리는 이미 돌아가신 어머니에 대한 Adam의 시적 회상으로 짜여져 있습니다. 점차 일상적인 장면에 풍자가 추가됩니다. 즉, 마스터 Henri-avarice를 진단하는 의사가 나타납니다. Arras의 부유한 시민 대부분이 그러한 질병을 가지고 있는 것으로 밝혀졌습니다.

그 후 연극의 줄거리는 단순히 멋집니다. Adam이 작별 만찬에 초대 한 요정들의 접근을 알리는 종소리가 들립니다. 그러나 외모를 가진 요정은 도시의 수다쟁이를 매우 연상시킵니다. 그리고 다시 동화는 현실로 대체됩니다. 요정은 선술집에서 일반적인 술자리에가는 술고래로 대체됩니다. 이 장면은 신성한 유물을 홍보하는 스님을 보여줍니다. 그러나 약간의 시간이 흐르고 스님은 술에 취해 선술집에서 그토록 열심히 지키고 있던 성물을 떠났습니다. 종소리가 다시 울리고 모두 성모 마리아의 아이콘을 숭배하러 갔다.

이러한 극의 장르적 다양성은 세속적 극작술이 아직 초기 단계에 있었음을 시사한다. 이 혼합 장르는 "으깬 완두콩"을 의미하는 "pois piles"라고 불리거나 번역에서 "조금 모든 것"이라고 불 렸습니다.

1285년에 de La Halle은 이탈리아에서 The Play of Robin and Marion이라는 연극을 쓰고 상연했습니다. 프랑스 극작가의 이 작품에서 프로방스와 이탈리아 가사의 영향이 확연히 드러난다. La Halle은 또한 이 연극에 사회적 비판의 요소를 도입했습니다.

목가적 인 목가적 인 사랑에 빠진 로빈과 그의 사랑하는 목자 마리온은 소녀 납치 장면으로 대체됩니다. 악의 기사 오베르에게 빼앗긴 것입니다. 그러나 납치범이 텅 빈 여자의 간청에 굴복하고 그녀를 놓아주었기 때문에 끔찍한 장면은 몇 분 밖에 지속되지 않습니다.

짭짤한 농민 유머가있는 춤, 민속 게임, 노래가 다시 시작됩니다. 사람들의 일상, 주변을 바라보는 냉정한 시선, 연인들의 입맞춤의 매력, 혼인잔치에 차려진 음식의 맛과 냄새, 시적 연 -이 모든 것이이 연극에 특별한 매력과 매력을줍니다. 또한 연극 28에 수록된 작가는 민요, La Alya의 작업과 민속 게임의 근접성을 완벽하게 보여주었습니다.

프랑스 트루 바 두르의 작품에서 민속 시적 시작은 풍자적 시작과 매우 유기적으로 결합되었습니다. 이것이 르네상스의 미래 극장의 시작이었습니다. 그러나 Adam de La Alya의 작업은 후계자를 찾지 못했습니다. 그의 연극에 등장하는 쾌활함, 자유로운 사고 및 민속 유머는 교회의 엄격함과 도시 생활의 산문에 의해 억압되었습니다.

실제로 삶은 모든 것이 풍자적 인 빛으로 표현되는 희극에서만 보여졌습니다. 희극의 등장 인물은 공정한 짖는 사람, 사기꾼 의사, 맹인의 냉소적 인 가이드 등이었습니다. 희극은 15 세기에 절정에 이르렀고 13 세기에는 주로 종교적 주제에 대한 연극을 상연 한 기적 극장에 의해 모든 코미디 흐름이 소멸되었습니다. .

기적

라틴어로 "기적"이라는 단어는 "기적"을 의미합니다. 그리고 실제로 그러한 제작에서 일어나는 모든 사건은 더 높은 세력의 개입 덕분에 행복하게 끝납니다. 시간이 지남에 따라 이러한 연극에서 종교적 배경이 보존되었지만 봉건 영주의 자의성과 고귀하고 강력한 사람들을 소유 한 기본 열정을 보여주는 플롯이 점점 더 자주 나타나기 시작했습니다.

다음 기적이 그 예가 될 수 있습니다. 1200년에 연극 "성 니콜라스의 게임"이 만들어졌습니다. 작업의 음모에 따르면 기독교인 중 한 명이 이교도에게 잡혔습니다. 신성한 섭리 만이 그를이 불행에서 구합니다. 즉, 성 니콜라스가 그의 운명에 개입합니다. 역사적 배경그 시간의 기적은 세부 사항 없이 지나갈 때만 나타납니다.

그러나 1380 년에 제작 된 연극 "로버트 악마에 관한 기적"에서 작가는 1337-1453 년 백년 전쟁의 피비린내 나는 세기에 대한 일반적인 그림을 제시하고 잔인한 봉건 영주의 초상화도 그렸습니다. 연극은 노르망디 공작이 그의 아들 로버트를 방탕과 불합리한 잔인함에 대해 꾸짖는 것으로 시작됩니다. 이에 대해 로버트는 무례한 미소를 지으며 자신이 그런 삶을 좋아한다고 선언하며 앞으로도 계속해서 도둑질하고 죽이고 창녀가 될 것입니다. 아버지와 말다툼을 한 후 로버트와 그의 갱단은 농부의 집을 약탈했습니다. 후자가 이것에 대해 불평하기 시작했을 때 Robert는 "아직 당신을 죽이지 않은 것에 대해 감사합니다. "라고 대답했습니다. 그런 다음 로버트와 그의 친구들은 수도원을 황폐화했습니다.

남작은 아들에 대한 불만을 가지고 노르망디 공작에게 왔습니다. 그들은 로버트가 성을 파괴하고 황폐화시키고 아내와 딸을 강간하고 하인을 죽인다고 말했습니다. 공작은 아들을 안심시키기 위해 측근 두 명을 로버트에게 보냈습니다. 그러나 로버트는 그들에게 말하지 않았다. 그는 그들 각자에게 오른쪽 눈을 빼서 불행한 사람들을 아버지에게 돌려 보내라고 명령했습니다.

기적에서 단 한 명의 로버트의 예에서 무정부 상태, 강도, 자의성, 폭력과 같은 당시의 실제 상황이 표시됩니다. 그러나 잔인한 행위 이후에 묘사되는 기적은 완전히 비현실적이며 순진한 도덕 욕구에서 비롯됩니다.

로버트의 어머니는 그에게 오랫동안불모했다. 그녀는 정말로 아이를 갖고 싶었 기 때문에 하나님도 모든 성도도 그녀를 도울 수 없었기 때문에 요청으로 악마에게로 향했습니다. 곧 악마의 산물인 그녀의 아들 로버트가 태어났습니다. 어머니에 따르면 이것이 아들의 잔인한 행동의 이유입니다.

연극은 계속해서 로버트의 회개가 어떻게 일어났는지 설명합니다. 하느님께 용서를 빌기 위해 그는 성스러운 은둔자인 교황을 방문했고 성모 마리아께도 끊임없이 기도를 드렸다. 성모 마리아는 그를 불쌍히 여기고 미친 척하고 개집에서 왕과 함께 살며 남은 음식을 먹으라고 명령했습니다.

Robert the Devil은 그러한 삶을 사임하고 놀라운 강인함을 보여주었습니다. 이에 대한 보상으로 신은 그에게 전쟁터에서 두각을 나타낼 기회를 주었다. 연극은 멋지게 끝납니다. 개들과 한 그릇에 밥을 먹은 미친 라가머핀에서 모두가 두 번의 전투에서 승리한 용감한 기사를 알아보았다. 그 결과 로버트는 공주와 결혼했고 하나님으로부터 용서를 받았습니다.

기적과 같은 논란의 여지가있는 장르의 출현에 대한 책임은 시간입니다. 15세기 전체 전쟁으로 가득한, 대중의 불안과 학살, 전체 설명 추가 개발기적. 한편으로 봉기 중에 농민들은 도끼와 갈퀴를 들고 다른 한편으로는 경건한 상태에 빠졌습니다. 이 때문에 모든 연극에는 종교적 감정과 함께 비평적 요소가 등장한다.

기적은 내부에서 이 장르를 파괴하는 또 다른 모순을 가지고 있었습니다. 작품은 실제 일상 장면을 보여주었습니다. 예를 들어, Miracle "The Game of St. Nicholas"에서 그들은 텍스트의 거의 절반을 차지했습니다. 많은 연극의 줄거리는 도시의 삶 ( "Gibourg에 대한 기적"), 수도원의 삶 ( "The Saved Abbess"), 성의 삶 ( "큰 다리를 가진 Bertha에 대한 기적")의 장면을 기반으로 만들어졌습니다. ). 이 연극은 흥미롭고 이해하기 쉽게 보여줍니다. 단순한 사람들그들의 정신으로 대중에 가깝습니다.

그 당시 도시 창의성의 이데올로기 적 미성숙은 기적이 이중 장르라는 사실에 대한 책임입니다. 중세 극장의 추가 발전은 새롭고 더 보편적인 장르인 미스터리 연극의 창조에 자극을 주었다.

신비

안에 XV-XVI 세기도시의 급속한 발전을위한 시간이 왔습니다. 사회에서 사회적 모순이 심화되었습니다. 마을 사람들은 봉건적 의존을 거의 제거했지만 아직 절대 군주제의 힘에 빠지지 않았습니다. 이때가 미스터리 극장의 전성기였다. 미스터리는 중세 도시의 번영과 문화 발전을 반영했습니다. 이 장르고대의 모방 신비, 즉 종교적 축일이나 왕의 엄숙한 입장을 기념하는 도시 행렬에서 비롯되었습니다. 그러한 휴일부터 문학과 무대 측면에서 중세 극장의 경험을 기반으로 한 정사각형 미스터리가 점차 구체화되었습니다.

신비의 준비는 성직자가 아니라 도시 작업장과 지방 자치 단체에서 수행했습니다. 미스터리의 저자는 신학자, 의사, 변호사 등 새로운 유형의 극작가였습니다. 프로덕션이 부르주아지와 성직자에 의해 감독되었다는 사실에도 불구하고 미스터리는 경기장에서 아마추어 예술이되었습니다. 보통 수백 명의 사람들이 공연에 참여했습니다. 이와 관련하여 민속적(세속적인) 요소가 종교적 주제에 도입되었습니다. The Mystery는 유럽, 특히 프랑스에서 거의 200년 동안 존재했습니다. 이 사실은 종교적 원칙과 세속적 원칙 사이의 투쟁을 생생하게 보여줍니다.

미스터리 극작술은 세 가지 기간으로 나눌 수 있습니다. "구약", 성경 전설의 순환을 사용합니다. 그리스도의 탄생과 부활에 대해 말하는 "신약"; "사도 적", "성도의 삶"에서 연극을위한 음모와 성도에 대한 기적을 차용합니다.

초기의 가장 유명한 미스터리는 "미스터리 구약 성서 5만 편의 시와 242자로 구성되어 있다. 28개의 개별 에피소드가 있었고 주인공은 신, 천사, 루시퍼, 아담, 이브였습니다.

이 연극은 세상의 창조, 신에 대한 루시퍼의 반역(불순종한 봉건 영주에 대한 암시), 성경적 기적에 대해 이야기합니다. 빛과 어둠, 궁창과 하늘, 동물과 식물의 창조, 인간의 창조, 죄에 빠지고 낙원에서 추방되는 등 성경의 기적이 무대에서 매우 효과적으로 행해졌습니다.

그리스도에게 바쳐진 많은 신비가 만들어졌지만 그중 가장 유명한 것은 "수난의 신비"로 간주됩니다. 이 작품은 4일간의 공연에 맞춰 4부작으로 나누어졌다. 그리스도의 형상은 파토스와 종교성으로 스며든다. 또한 연극에는 극적인 인물이 있습니다. 예수를 애도하는 하나님의 어머니와 죄인 유다입니다.

다른 미스터리에서 기존의 두 요소는 세 번째 카니발 풍자에 의해 결합되며 주요 대표자는 악마였습니다. 점차적으로 미스터리의 저자들은 군중의 영향과 취향에 빠졌습니다. 따라서 순전히 공정한 영웅이 성경 이야기에 소개되기 시작했습니다 : charlatans-doctors, 시끄러운 짖는 사람, 완고한 아내 등. 미스터리 에피소드에서 종교에 대한 분명한 무례가 보이기 시작했습니다. 즉, 성경적 동기에 대한 일상적인 해석이 생겼습니다. 예를 들어, 노아는 노련한 선원으로 대표되고 그의 아내는 심술궂은 여자입니다. 점차 더 많은 비판이 있었습니다. 예를 들어, 15세기의 미스터리 중 하나에서 요셉과 마리아는 가난한 거지로 묘사되고, 또 다른 작품에서는 단순한 농부가 "일하지 않는 사람은 먹지도 않는다! "라고 외칩니다. 그럼에도 불구하고 사회적 저항의 요소가 뿌리를 내리기 어려웠고, 도시 인구의 특권층에 종속된 당시 극장에 침투하는 것은 더욱 어려웠습니다.

그럼에도 불구하고 삶의 실제 묘사에 대한 열망이 구체화되었습니다. 1429년 오를레앙 공성전 이후 연극 "오를레앙 공성전의 미스터리"가 만들어졌습니다. 이 작품의 캐릭터는 신과 악마가 아니라 영국 침략자와 프랑스 애국자였다. 프랑스에 대한 애국심과 사랑은 연극의 주인공 인 프랑스 국민여 주인공 잔다르크에 구현되어 있습니다.

"올리언스 공성전의 미스터리"는 국가 생활의 역사적 사실을 보여주고 영웅주의와 애국심의 요소가있는 현대 사건을 바탕으로 민속 드라마를 만들고자하는 아마추어 도시 극장 예술가들의 열망을 분명히 보여줍니다. 하지만 실제 사실종교적 개념에 적응하고 교회를 섬기도록 강요받으며 신의 섭리의 전능함을 노래합니다. 따라서 미스터리는 예술적 가치의 일부를 잃었습니다. ~ 안에

미스터리 장르의 출현으로 중세 극장은 주제 범위를 크게 확장할 수 있었습니다. 이러한 유형의 연극을 상연함으로써 좋은 무대 경험을 쌓을 수 있었고 이는 나중에 중세 연극의 다른 장르에서 사용되었습니다.

도시의 거리와 광장에서 벌어지는 미스터리 퍼포먼스는 다양한 풍경의 도움을 받아 만들어졌다. 세 가지 옵션이 사용되었습니다. 모바일, 관객이 카트를 지나갈 때 신비한 에피소드가 표시됩니다. 구획으로 나누어 진 높은 원형 플랫폼에서 동시에 아래,지면,이 플랫폼으로 표시된 원의 중앙에서 작업이 수행되었을 때 링 (관중은 플랫폼 기둥에 서 있음); 전망대. 후자의 버전에서 파빌리온은 황제의 궁전, 성문, 천국, 지옥, 연옥 등을 나타내는 직사각형 플랫폼 또는 단순히 정사각형에 지어졌습니다. 파빌리온의 모양에서 그것이 묘사하는 것이 명확하지 않은 경우 설명 비문이 걸려있었습니다.

이 기간 동안 장식 예술은 거의 초기 단계에 있었고 무대 효과 예술은 잘 발달되었습니다. 신비는 종교적 기적으로 가득 차 있기 때문에 이미지의 자연 스러움이 대중적인 스펙터클의 전제 조건 이었기 때문에 시각적으로 보여줄 필요가있었습니다. 예를 들어, 시뻘겋게 달군 집게를 무대 위로 가져와 죄인들의 몸에 낙인을 찍었습니다. 수수께끼의 과정에서 일어난 살인은 피의 웅덩이를 동반했습니다. 배우들은 붉은 액체가 담긴 완고한 물집을 옷 속에 숨기고 칼로 물집을 찔렀고 그 사람은 피로 뒤덮였습니다. 연극의 발언은 "두 명의 군인이 강제로 무릎을 꿇고 교체합니다", 즉 즉시 참수 된 인형으로 사람을 교묘하게 교체해야한다는 표시를 할 수 있습니다. 의인을 뜨거운 숯불 위에 눕히고, 들짐승과 함께 구덩이에 던지고, 칼에 찔리거나 십자가에 못 박는 장면을 배우들이 연기할 때 그 어떤 설교보다 관객들에게 큰 감동을 주었다. 그리고 장면이 폭력적일수록 임팩트가 강해집니다.

그 시대의 모든 작품에서 삶을 묘사하는 종교적이고 사실적인 요소는 함께 공존했을 뿐만 아니라 서로 싸우기도 했다. 연극 의상은 일상적인 구성 요소가 지배했습니다. 예를 들어, 헤롯은 터키 복장을 하고 옆구리에 세이버를 차고 무대를 돌아다닙니다. 로마 군단병은 현대식 군복을 입습니다. 성경 속 영웅을 연기하는 배우들이 일상복을 입는 것은 상호 배타적인 원칙의 투쟁을 보여주었다. 애처롭고 그로테스크한 모습으로 자신의 영웅을 표현한 배우들의 연기에도 발자취를 남겼다. 광대와 악마는 가장 사랑받는 사람이었습니다. 민속 캐릭터. 그들은 민속 유머와 일상 생활의 흐름을 미스터리에 도입하여 연극에 더욱 역 동성을 부여했습니다. 종종 이러한 캐릭터는 미리 작성된 텍스트가 없었지만 미스터리 과정에서 즉석에서 작성되었습니다. 따라서 신비의 본문에는 교회, 봉건 영주 및 부자에 대한 공격이 가장 자주 기록되지 않았습니다. 그리고 그러한 텍스트가 극의 대본에 기록되면 크게 부드러워졌습니다. 그러한 텍스트는 현대 시청자에게 특정 미스터리가 얼마나 날카롭게 비판적인지에 대한 아이디어를 제공할 수 없습니다.

배우 외에도 평범한 마을 사람들이 미스터리 제작에 참여했습니다. 다양한 도시 워크숍 회원들이 별도의 에피소드에 참여했습니다. 미스터리가 각 직업의 대표자들에게 자신을 전체적으로 표현할 기회를 주었기 때문에 사람들은 기꺼이 이것에 참여했습니다. 예를 들어 홍수 장면은 선원과 어부, 노아의 방주 에피소드는 조선업자, 낙원에서 추방은 총 제작자가 연기했습니다.

미스터리 스펙터클의 연출은 '게임의 달인'으로 불리는 한 남자가 맡았다. 미스터리는 연극에 대한 사람들의 취향을 발전시켰을 뿐만 아니라 연극 기술을 향상시키는 데 도움이 되었으며 르네상스 드라마의 특정 요소 개발에 자극을 주었습니다.

1548년에는 특히 프랑스에서 널리 퍼진 미스터리가 일반 대중에게 공개되는 것이 금지되었습니다. 이것은 미스터리에 존재하는 코미디 라인이 너무 중요해 졌기 때문에 수행되었습니다. 금지 이유는 미스터리가 사회의 가장 진보적 인 새로운 부분에서 지원을받지 못했다는 사실에도 있습니다. 인본주의 사람들은 연극을 받아들이지 않았습니다. 성경 이야기, 그리고 성직자와 당국의 지역적 형식과 비판은 교회 금지를 야기했습니다.

나중에 왕권이 모든 도시의 자유와 길드 연합을 금지했을 때 미스터리 극장은 기반을 잃었습니다.

도덕

16세기에 유럽에서 개혁 운동, 즉 종교 개혁이 일어났습니다. 그것은 반 봉건적 성격을 지녔고 소위 신과의 인격적 교제의 원리, 즉 인격적 미덕의 원리를 확증했습니다. 시민은 도덕을 봉건 영주와 인민에 대항하는 무기로 삼았습니다. 그들의 세계관을 더 신성하게 만들고 또 다른 중세 연극 장르 인 도덕성의 창조에 자극을 주려는 부르주아의 열망.

도덕성이 그러한 제작의 유일한 목표이기 때문에 도덕 연극에는 교회 음모가 없습니다. 도덕 극장의 주인공은 인간의 악과 미덕, 자연의 힘 및 교회 교리를 의인화하는 우화 적 영웅입니다. 캐릭터에는 개별 캐릭터가 없으며 손에는 실제 물건도 기호로 바뀝니다. 예를 들어 희망은 손에 닻을 들고 무대에 올랐고 이기심은 끊임없이 거울을 들여다 보았다. 선과 악, 영과 육체라는 두 원칙 사이의 투쟁 때문에 등장 인물들 사이의 갈등이 일어났다. 등장인물의 충돌은 두 인물의 대립 형태로 나타나며, 이는 사람에게 영향을 미치는 선과 악의 원리를 나타낸다.

원칙적으로 도덕의 주요 아이디어는 다음과 같습니다. 합리적인 사람은 미덕의 길을 따르고 불합리한 사람은 악의 희생자가됩니다.

1436년에 프랑스의 도덕성 The Prudent and the Unreasonable이 만들어졌습니다. 연극은 신중한 사람이 이성을 신뢰하고 바보가 불순종을 고수한다는 것을 보여주었습니다. 영원한 행복으로 가는 길에 신중한 사람은 자선, 금식, 기도, 순결, 금욕, 순종, 근면, 인내를 만났습니다. 그러나 같은 길을 가는 어리석은 자에게는 가난, 절망, 절도, 배드 엔드가 동반된다. 우화적 영웅완전히 다른 방식으로 삶을 마감합니다. 하나는 천국에서, 다른 하나는 지옥에서.

이 공연에 참여하는 배우들은 특정 현상에 대한 자신의 태도를 설명하는 웅변가 역할을 한다. 도덕적으로 행동하는 스타일이 억제되었습니다. 이미지로 변환할 필요가 없었기 때문에 배우의 작업이 훨씬 쉬워졌습니다. 연극 의상의 특정 세부 사항으로 시청자가 캐릭터를 이해할 수 있습니다. 도덕의 또 다른 특징은 시적 연설로 많은 관심을 받았습니다.

이 장르에서 작업한 극작가는 중세 학교의 일부 교수인 초기 인문주의자였습니다. 네덜란드에서는 도덕의 집필과 무대화는 스페인의 지배에 맞서 싸우는 사람들에 의해 이루어졌다. 그들의 작품에는 다양한 정치적 암시가 포함되어 있습니다. 그러한 공연을 위해 작가와 배우들은 끊임없이 당국의 박해를 받았습니다.

도덕이라는 장르가 발달하면서 점차 엄격한 금욕적 도덕에서 벗어나게 되었다. 새로운 사회적 세력의 영향은 도덕에서 현실적인 장면을 보여주는 데 자극을 주었다. 이 장르에 존재하는 모순은 연극 제작이 점점 더 실생활에 가까워지고 있음을 나타냅니다. 일부 연극에는 사회 비판적인 요소도 포함되어 있습니다.

1442년에 희곡 "무역, 공예, 양치기"가 쓰여졌습니다. 삶이 힘들어졌다는 각 인물들의 고충을 그린다. 여기에 Rebellion을 의미하는 빨간 드레스를 먼저 입은 시간이 나타납니다. 그 후 시간은 완전한 갑옷을 입고 나와 전쟁을 의인화합니다. 그런 다음 붕대를 감고 너덜 너덜 한 망토를 입고 나타납니다. 캐릭터는 그에게 "누가 당신을 그렇게 그렸습니까? "라는 질문을 던집니다. 이에 시간은 대답한다: 몸으로 어떤 종류의 사람들이 되었는지 들었다.

정치와는 거리가 멀고 악덕과는 거리가 먼 연극은 절제의 도덕성에 반하는 것이었다. 1507 년에 도덕성 "잔치의 비난"이 만들어졌으며 캐릭터-숙녀 Delicacy, Gluttony, 의상 및 캐릭터-무심한 Pew-for-your-health 및 Pew-상호 소개되었습니다. 연극이 끝날 때이 영웅들은 뇌졸중, 마비 및 기타 질병과의 싸움에서 죽습니다.

이 연극에서 인간의 열정과 잔치가 비판적으로 드러났음에도 불구하고 쾌활한 가장 무도회 광경으로 묘사되어 모든 종류의 과잉을 비난한다는 생각 자체가 파괴되었습니다. 도덕성은 삶을 긍정하는 태도로 활기차고 그림 같은 장면으로 변했습니다.

도덕성이 귀속되어야 하는 우화적 장르는 중세 극작술에 구조적 명확성을 도입했으며 극장은 대부분 전형적인 이미지를 보여주어야 했습니다.

소극

처음부터 15세기 후반까지 희극은 저속하고 평민적이었습니다. 그리고 길고 숨겨진 개발 경로를 거쳐야 독립 장르로 돋보였습니다.

"farce"라는 이름은 "채우기"를 의미하는 라틴어 farsa에서 유래했습니다. 이 이름은 미스터리 쇼 중에 소극이 텍스트에 삽입되었기 때문에 생겼습니다. 연극 평론가에 따르면 소극의 기원은 훨씬 더 멀리 떨어져 있습니다. 그것은 역사와 카니발 카니발 게임의 공연에서 비롯되었습니다. Histrions는 그에게 게임의 본질과 대중 캐릭터 인 테마와 카니발의 방향을 제시했습니다. 추리극에서는 희극이 더욱 발전되어 별개의 장르로 부각되었다.

기원 초기부터 소극은 봉건 영주, 시민 및 귀족 일반을 비판하고 조롱하는 것을 목표로 했습니다. 이러한 사회 비판은 희극이 연극 장르로 탄생하는 데 중요한 역할을 했다. 특별한 유형에서는 교회와 그 교리의 패러디가 만들어진 우스꽝스러운 공연을 골라 낼 수 있습니다.

마슬레니차 공연과 민속놀이소위 어리석은 기업의 출현에 대한 원동력이되었습니다. 그들은 하급 사법 공무원, 학생, 신학생 등을 포함했습니다. 15세기에 그러한 사회는 유럽 전역에 퍼졌습니다. 파리에는 정기적으로 우스꽝스러운 상영을 하는 4개의 큰 "어리석은 기업"이 있었다. 그러한 시청에서 주교의 연설, 판사의 말, 의식, 왕의 도시 진입을 조롱하는 연극이 상연되었습니다.

세속 및 교회 당국은 희극 참가자를 박해함으로써 이러한 공격에 대응했습니다. 그들은 도시에서 추방되고 투옥되었습니다. 이 장르에는 더 이상 일상적인 캐릭터가 없었지만 광대, 바보 (예 : 헛된 바보 병사, 바보 사기꾼, 뇌물 수수 점원)가있었습니다. 도덕 우화의 경험은 수백에서 구체화되었습니다. 벌집 장르는 15-16세기로 접어들면서 전성기를 누렸습니다. 프랑스 왕 루이 12세도 교황 율리우스 2세와의 싸움에서 인기 있는 소극극을 사용했습니다. 풍자적 장면은 교회뿐만 아니라 세속 당국에도 위험을 안겨주었습니다. 왜냐하면 그들은 부와 귀족을 모두 조롱했기 때문입니다. 이 모든 것이 Francis I에게 희극과 소티 공연을 금지할 이유를 제공했습니다.

100인의 공연은 자연 속에서 조건부로 가면극을 했기 때문에, 이 장르는 그 온전한 민족성, 대중적 성격, 자유사상, 일상적 특수성을 갖지 않았다. 따라서 16세기에는 더 효과적이고 익살스러운 희극이 지배적인 장르가 되었습니다. 그의 리얼리즘은 인간의 캐릭터를 포함하고 있다는 사실에서 드러났지만 다소 더 도식적으로 주어졌다.

실질적으로 모든 희극 플롯은 순전히 일상적인 이야기를 기반으로 합니다. 즉, 희극은 모든 내용과 예술성에서 완전히 현실입니다. 촌극은 약탈하는 군인, 사면을 파는 승려, 오만한 귀족, 탐욕스러운 상인을 조롱합니다. 우스꽝스러운 내용이있는 복잡해 보이지 않는 희극 "About the Miller"에는 실제로 사악한 민속 미소가 포함되어 있습니다. 이 연극은 젊은 밀러의 아내와 신부에게 속아 넘어가는 멍청한 밀러에 대해 이야기합니다. 소극에서는 인물의 특성을 정확히 살피며 대중의 풍자적 삶의 진솔함을 보여주고 있다.

그러나 희극의 저자는 사제, 귀족 및 관리를 조롱하는 것이 아닙니다. 농민들도 옆에 서 있지 않습니다. 소극의 진정한 영웅은 손재주, 재치 및 독창성의 도움으로 판사, 상인 및 모든 종류의 바보를 물리 치는 불량 도시 거주자입니다. 15 세기 중반 (변호사 Patlen에 대해) 그러한 영웅에 대해 많은 희극이 작성되었습니다.

연극은 영웅의 모든 종류의 모험에 대해 이야기하고 일련의 매우 다채로운 캐릭터를 보여줍니다. 현학적인 판사, 어리석은 상인, 이기적인 승려, 인색 한 모피, 실제로 Patlen 자신을 감싸는 가까운 목자 그의 손가락. Patlen에 대한 Farces는 중세 도시의 삶과 관습에 대해 다채롭게 이야기합니다. 때때로 그들은 그 시간 동안 최고 수준의 코미디에 도달합니다.

이 소극 시리즈의 캐릭터(다양한 소극의 다른 수십 개 포함)는 진정한 영웅이었으며 그의 모든 장난은 청중의 동정심을 불러일으켰습니다. 결국, 그의 속임수는 이 세상의 강인함을 어리석은 위치에 놓고 서민의 정신, 에너지 및 손재주의 이점을 보여주었습니다. 그러나 희극 극장의 직접적인 임무는 여전히 이것이 아니라 봉건 사회의 여러 측면의 풍자적 배경 인 부정이었습니다. 소극의 긍정적인 측면은 원시적으로 발전하여 편협하고 소부르주아적 이상의 긍정으로 변질되었다.

이는 부르주아 이데올로기의 영향을 받은 민중의 미숙함을 보여준다. 그러나 여전히 희극은 고려되었습니다 민속극장, 진보적이고 민주적입니다. Farcers (소극 배우)를위한 연기 예술의 주요 원칙은 캐릭터 화였으며 때로는 패러디 캐리커처로 가져 왔고 연기자 자신의 쾌활함을 표현하는 역 동성이었습니다.

Farces는 아마추어 사회에서 상연되었습니다. 프랑스에서 가장 유명한 만화 협회는 15 세기 말에서 16 세기 초에 가장 높은 전성기를 경험 한 사법 서기 "Bazosh"와 사회 "Carefree guys"였습니다. 이 사회는 극장에 준 전문 배우 간부를 공급했습니다. 유감스럽게도 역사 문서에 보존되지 않았기 때문에 단일 이름을 지정할 수 없습니다. 하나의 이름이 잘 알려져 있습니다. 중세 극장의 최초이자 가장 유명한 배우 인 Pontale이라는 별명을 가진 프랑스 인 Jean de l' Espina입니다. 그는 무대를 마련한 파리 다리의 이름으로이 별명을 받았습니다. 나중에 Pontale은 Carefree Guys 회사에 합류하여 주요 주최자이자 최고의 희극과 도덕 연기자가되었습니다.

그의 수완과 웅장한 즉흥적 재능에 대한 동시대 사람들의 많은 증언이 보존되었습니다. 그들은 그러한 경우를 인용했습니다. 그의 역할에서 Pontale은 곱사등이었고 등에 혹이있었습니다. 그는 꼽추 추기경에게 다가가 등을 기대고 말했다. "하지만 산과 산은 함께 올 수 있습니다." 그들은 또한 폰탈레가 부스에서 북을 쳐서 이웃 교회의 사제가 미사를 거행하지 못하게 한 일화를 말했습니다. 화난 신부가 부스에 와서 칼로 북의 가죽을 베었습니다. 그런 다음 Pontale은 구멍이 뚫린 드럼을 머리에 얹고 교회에갔습니다. 성전에 퍼진 웃음 때문에 사제는 어쩔 수 없이 예배를 중단했습니다.

Pontale의 풍자시는 귀족과 사제에 대한 증오가 분명하게 보이는 매우 인기가있었습니다. 그런 대사에서 큰 분노가 들립니다 : 그리고 이제 귀족은 악당입니다!그는 전염병과 역병보다 더 무자비하게 사람들을 천둥하고 파괴합니다.

많은 사람들이 퐁탈레의 희극적 재능에 대해 알고 있었고 그의 명성은 너무나 커서 가르강튀아와 팡타그뤼엘의 작가인 유명한 F. 라벨레는 그를 최고의 웃음의 대가로 여겼습니다. 이 배우의 개인적인 성공은 극장 발전의 새로운 직업적 시대가 다가오고 있음을 나타냅니다.

군주제 정부는 도시의 자유로운 사고에 점점 더 불만을 품었습니다. 그런 점에서 동성 만화 아마추어 기업의 운명이 가장 한탄스러웠다. 16 세기 말-17 세기 초에 가장 큰 기업은 더 이상 존재하지 않았습니다.

희극은 항상 박해를 받았지만 서유럽 극장의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 예를 들어, 이탈리아에서 commedia dell'arte는 소극에서 발전했습니다. 스페인에서- "스페인 극장의 아버지"Lope de Rueda의 작품; 영국에서 John Heywood는 희극 스타일로 작품을 썼습니다. 독일에서는 Hans Sachs; 프랑스에서는 익살스러운 전통이 코미디 천재 몰리에르의 작품에 영양을 공급했습니다. 그래서 구극장과 신극장을 이어주는 연결고리가 된 것이 희극이었다.

중세 극장은 교회의 영향력을 극복하기 위해 부단히 노력했지만 성공하지 못했다. 이것이 그의 쇠퇴, 도덕적 죽음의 이유 중 하나였습니다. 중세 극장에서 중요한 예술 작품이 만들어지지는 않았지만 전체 발전 과정에서 종교적 원리에 대한 생명 원리의 저항력이 지속적으로 증가했음을 보여주었습니다. 중세 연극은 르네상스의 강력하고 사실적인 연극 예술의 출현을 위한 길을 닦았습니다.

극장이 가장 고대의 견해미술. 특정 발생 기간을 설정하는 것은 거의 불가능합니다. 수세기를 깊이 파고 들면 어떤 형태의 극장이 항상 존재했으며 사회 및 사회 문화 발전의 모든 단계에서 사람과 동행했음을 이해합니다. 일반적으로 전 세계가 극장이고 그 안의 사람들이 배우라는 고대 진술에 동의하지 않는 것은 불가능합니다. 역할을 다한 그들은 무대 뒤에서 사라집니다.

연극 예술의 출현과 발전은 거의 모든 고대 문화에서 동시에 일어났습니다. 그리고 거의 모든 경우에 고대 로마를 제외하고는 무대 액션은 종교적이고 신비로운 의식에 기원을 두고 있습니다. 그러한 의식의 도움으로 고대인은 호의를 얻기 위해 신들과 의사 소통을 시도했습니다.

중세 극장 - 사람들을 위한 광경

수세기 동안 극장은 엄청난 수의 글로벌 변화를 겪었습니다. 그러나 결국 그는 많은 사람들의 "시조"가 되었습니다. 현대 종기술 진보를 통한 예술. 청중 앞에서 연기하는 예술은 단순함과 동시에 놀라운 복잡성을 결합한 것이라고 자신있게 말할 수 있습니다.

유럽 극장은 디오니시우스 신을 찬양하는 데 전적으로 바쳐진 고대 그리스 무대 예술에 기원을 두고 있습니다. 휴일에는 서로에게 실력을 보여준 극작가들 사이에서이 신을 기리기 위해 실제 대회가 열렸습니다. 현대 극장이 같은 수의 관객을 자랑할 수 없다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 고대 무대 공연은 만 명의 관객을 모았습니다. 극장은 가장 사랑받는 곳이었고 때로는 유일한 즐거움이었습니다. 기본적으로 모든 공연은 화려하고 웅장하며 엄숙했습니다.

고대 연극에서 모든 배역은 남성이 맡았다. 여성 역할그들은 단순히 적절한 의상, 중고 가발 및 기타 소품으로 변경되었습니다. 배우 외에도 무대에는 합창단이 있었는데, 그 임무는 행동과 추가 반주를 설명하는 것이 었습니다.

중세 시대에 극장은 여전히 매우 인기 있고 수요가 많았습니다. 그의 사회적 지위는 그다지 변하지 않았다고 말할 수 있습니다. 연극 중세 행동은 두 가지로 나뉩니다. 첫 번째는 광장 극장으로, 도시를 돌아 다니며 도시 시장과 광장에 많은 사람들을 모은 유랑 극단 덕분에 존재했습니다. 이 공연은 주로 음유 시인과 저글러가 참석했습니다. 광장에서의 공연은 봉건 영주, 교회 대표 및 기타 고귀한 파렴치한 사람들을 조롱했습니다. 이러한 유형의 중세 연극 예술이 "강력한 사람들"의 취향에 맞지 않았다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 그러므로 이 직업은 부끄럽고 죄악된 것으로 여겨졌다.

두 번째 유형의 연극은 교회 대표와 귀족들이 선호했습니다. 신비는 무대 위의 복음 이야기에 대한 일종의 해석입니다. 이러한 공연은 부활절을 축하하는 동안 가장 자주 교회에서 조직되었습니다.