음악 용어 사전에서 서곡이라는 단어의 의미. 음악 장르

이미 L. Beethoven과 함께 서곡은 교향시를 선행하는 기악 프로그램 음악의 독립 장르로 발전합니다. 베토벤의 서곡, 특히 J.W. 괴테의 드라마 "에그몬트"(1810) 서곡은 그의 교향곡보다 열등하지 않은 강렬함과 사고력을 지닌 완전하고 극도로 포화된 뮤지컬 드라마입니다.

L. Beethoven "Egmond"의 서곡

Carl Maria von Weber는 "The Lord of the Spirits"(Der Beherrscher der Geister, 1811, 미완성 오페라 "Rübetzal"에 대한 그의 서곡의 재작업) 및 "Jubilee Overture"(1818)의 두 콘서트 서곡을 썼습니다.
그러나 원칙적으로 첫 번째 콘서트 서곡은 "Dream in 한여름 밤" (1826) Felix Mendelssohn, 이 장르의 다른 작품은 "Sea Silence and 행복한 여행" (Meeresstille und gluckliche Fahrt, 1828), "The Hebrides 또는 Fingal 's Cave"(1830), "아름다운 Melusina"(1834) 및 "Ruy Blas"(1839).
다른 주목할만한 초기 콘서트 서곡은 Privy Judges (1826)와 Hector Berlioz의 Le Corsaire (1828)입니다. Robert Schumann은 Shakespeare, Schiller 및 Goethe의 작품 인 "The Bride of Messina", "Julius Caesar"및 "Hermann and Dorothea"를 기반으로 서곡을 만들었습니다. Mikhail Ivanovich Glinka "Hunting of Aragon"(1845) 및 "Night in Madrid"(1848)의 서곡은 스페인 여행의 창의적인 결과이며 스페인어로 작성되었습니다. 민속 테마.

19세기 후반에 콘서트 서곡은 프란츠 리스트가 개발한 교향시로 대체되기 시작했습니다. 두 장르의 차이는 형식의 자유였다. 뮤지컬 형식외부 소프트웨어 요구 사항에 따라 다릅니다. 교향시는 Richard Strauss, Cesar Franck, Alexander Scriabin 및 Arnold Schoenberg와 같은보다 "진보적 인"작곡가가 선호하는 형식이되었으며 A. Rubinstein, P. I. Tchaikovsky, M. A. Balakirev, I. Brahms와 같은보다 보수적 인 작곡가는 계속 충실했습니다. 서곡. 교향시가 이미 대중화되었을 때 Balakirev는 "3 개의 러시아 노래를 주제로 한 서곡"(1858)을 썼고 Brahms는 "Academic Festival"과 "Tragic"서곡 (1880), 차이코프스키의 환상 서곡 "Romeo"를 만들었습니다. and Juliet"(1869)과 엄숙한 서곡 "1812"(1882).

20세기에 서곡은 명확한 형식(보다 정확하게는 소나타 형식이 아님)이 없는 1악장 중간 길이의 오케스트라 작품의 이름 중 하나가 되었으며 종종 다음을 위해 작성되었습니다. 휴일 이벤트. 20세기에 이 장르에서 주목할 만한 작품으로는 A. I. Khachaturian의 "환영 서곡"(1958), D. I. Shostakovich의 "축제 서곡"(1954)이 있습니다.

D.I. Shostakovich의 "축제 서곡"

오페라를 시작하는 가장 쉬운 방법은 진지한 서곡을 쓰지 않는 것이며, 그 결과 크고 작은 오케스트라 도입부로 시작하지 않는 음악 공연을 찾을 가능성이 적습니다. 그리고 짧은 소개가 일반적으로 소개라고 부르는 경우 자세한 전주곡은 오페라 공연오버추어라고...

알렉산더 마이카파르

음악 장르: 서곡

우리는 오페라에 전념하는 "음악적 장르" 시리즈의 첫 번째 기사를 오페라를 시작하는 가장 쉬운 방법은 서곡을 쓰지 않는 것이라고 재치 있는 지오아키노 로시니(Gioacchino Rossini)의 말로 끝맺었습니다. 이 조언을 진지하게 받아들인 작곡가는 거의 없었으며, 그 결과 더 크거나 더 작은 관현악 도입부로 시작하지 않는 음악 공연은 거의 찾아볼 수 없습니다. 그리고 짧은 서주를 서주라고 한다면 오페라 공연의 확장된 전주곡을 서곡이라고 합니다.

개념 자체뿐만 아니라 단어와 함께 서곡은 무언가에 대한 소개라는 아이디어와 불가분의 관계가 있습니다. 그리고 이것은 이해할 수 있습니다. 왜냐하면 그 단어는 라틴어에서 온 프랑스어에서 차용되었기 때문입니다. 조리개는 시작, 시작을 의미합니다. 그 후-그리고 우리는 이것에 대해서도 이야기 할 것입니다-작곡가들은 특정 드라마와 무대 액션이 고안된 프로그램에서 독립적 인 오케스트라 작품을 쓰기 시작했습니다 (P. 차이코프스키의 서곡 판타지 "로미오와 줄리엣", "축제 서곡" by D. 쇼스타코비치). 우리는 오페라 서곡으로 서곡에 대한 토론을 시작할 것입니다. 서곡이 처음 등장했을 때 자리를 잡은 것은 바로 이러한 능력이었습니다.

외모의 역사

서곡의 역사는 초기 단계오페라의 발전. 그리고 이것은 우리를 16-17세기 초 이탈리아로 데려갑니다. 그리고 17세기 프랑스. 첫 번째 서곡은 이탈리아 작곡가 Claudio Monteverdi "Orpheus"(보다 정확하게는 "The Tale of Orpheus")의 오페라 소개라고 일반적으로 인정됩니다. 오페라는 Duke Vincenzo I Gonzaga의 궁정에서 Mantua에서 상연되었습니다. 프롤로그로 시작하고 프롤로그 자체는 오프닝 팡파르로 시작됩니다. 서곡 장르의 조상인 이 도입부는 아직 그 자체로 서곡이 아닙니다. 현대적 이해즉, 전체 오페라의 음악 세계에 대한 소개가 아닙니다. 이것은 본질적으로 1607년 2월 24일에 열린 초연에 참석한 공작(의식에 대한 찬사)을 기리는 경의의 외침입니다. 뮤지컬 단편은 오페라에서 서곡이라고 부르지 않습니다 (당시에는 용어가 없었습니다).

일부 역사가들은 이 음악이 왜 토카타라고 불리는지 궁금해합니다. 실제로 언뜻보기에는 토카타가 거장 창고의 클라비어 조각이라는 사실에 익숙하기 때문에 이상합니다. 사실 Monteverdi가 이 경우(이탈리아어 toccare - 터치, 히트, 터치)에서와 같이 악기로 연주되는 음악, 즉 손가락으로 현이나 관악기를 만지는 음악을 구별하는 것이 중요했을 것입니다. 성 (이탈리아 칸타레 - 노래하다).

그래서 무대 소개의 아이디어 연주태어났다. 이제 이 서론은 진정한 서곡으로 바뀔 운명이었습니다. 17세기, 그리고 아마도 18세기에 훨씬 더 많은 예술적 개념과 원칙의 성문화 시대에 서곡 장르는 미적 이해와 건설적인 디자인도 받았습니다. 이제 그것은 음악 형식의 엄격한 법칙에 따라 구성되어야 하는 오페라의 잘 정의된 부분이었습니다. 그것은 "심포니"였습니다. 후기 장르앞서 이야기하고있는 클래식 교향곡), 성격과 템포가 대조되는 세 부분으로 구성됨 : 빠름-느림-빠름. 극단적인 부분에서는 다성적 글쓰기 기법을 사용할 수 있지만, 동시에 마지막 부분에서는 춤의 성격을 띤다. 중간 부분은 항상 서정적인 에피소드입니다.

더 오랫동안작곡가가 서곡에 도입하는 일은 결코 발생하지 않았습니다. 뮤지컬 테마그리고 오페라의 이미지. 아마도 이것은 그 당시의 오페라가 닫힌 숫자 (아리아, 암송, 앙상블)로 구성되었고 아직 캐릭터의 밝은 음악적 특성이 없었기 때문일 것입니다. 오페라에 최대 24개의 아리아가 있을 수 있는데 서곡에 한두 개의 아리아의 멜로디를 사용하는 것은 정당하지 않습니다.

나중에 처음에는 소심하게 생겨서 (예를 들어 Wagner와 같이) Leitmotifs, 즉 캐릭터의 특정 음악적 특성에 대한 아이디어가 기본 원칙으로 바뀌었을 때 이러한 음악적 주제를 발표하기 위해 아이디어가 자연스럽게 발생했습니다. (멜로디 또는 화음 구성) 마치 서곡에서 발표하는 것처럼. 이 시점에서 오페라의 도입부는 진정한 서곡이 되었다.

어떤 오페라든 극적 행위이기 때문에 인물들의 투쟁, 무엇보다 남성과 여자 같은, 이 두 원리의 음악적 특성이 서곡의 극적인 봄과 음악적 음모를 구성하는 것은 당연합니다. 작곡가에게 유혹은 오페라의 모든 밝은 멜로디 이미지를 서곡에 맞추려는 욕구일 수 있습니다. 그리고 여기서 재능, 취향, 그리고 마지막으로 가장 중요한 상식은 서곡이 오페라 멜로디의 단순한 포푸리로 바뀌지 않도록 한계를 설정합니다.

훌륭한 오페라에는 훌륭한 서곡이 있습니다. 주지 않는 것은 저항하기 어렵다 짧은 리뷰심지어 가장 유명한 것들.

서양 작곡가

W. A. ​​모차르트. 돈환

서곡은 엄숙하고 강력한 음악으로 시작됩니다. 여기서 한 가지 주의할 점이 있습니다. 독자는 Monteverdi가 그의 "Orpheus"에 대한 첫 번째 서곡에 대해 말한 것을 기억합니다. 여기에서 처음 두 개의 코드는 공식적으로 동일한 역할을하는 것 같습니다 (그런데 그의 작품에 대한 첫 번째 세부 연구의 저자 인 Mozart의 열정적 인 찬사 인 A. Ulybyshev는 그렇게 생각했습니다). 그러나이 해석은 근본적으로 잘못되었습니다. 모차르트의 서곡에서 오프닝 화음은 오페라의 마지막 장면에서 스톤 게스트의 운명적인 모습을 반주하는 것과 같은 음악이다.

따라서 서곡의 첫 번째 섹션 전체는 일종의 시적 선견지명에서 오페라의 비난을 그린 그림입니다. 본질적으로 이것은 Mozart의 뛰어난 예술적 발견이며 나중에 Weber의 가벼운 손 (Oberon 서곡에서)과 함께 다른 많은 작곡가의 예술적 재산이되었습니다. 서곡 도입부에 대한 이 30개의 소절은 D단조로 작성되었습니다. 모차르트에게 이것은 비극적인 어조입니다. 초자연적인 힘이 이곳에서 작용하고 있습니다. 바로 두 개의 화음입니다. 그러나 중요한 일시 정지와 각 화음에 뒤따르는 비교할 수 없는 실신 효과에는 참으로 놀라운 에너지가 있습니다! 모차르트의 가장 위대한 감정가인 G. Abert는 “메두사의 일그러진 얼굴이 우리를 응시하고 있는 것 같습니다.”라고 말합니다. 그러나이 화음이 지나가고 서곡이 맑은 장조에서 터지고 이제는 dramma giocoso (이탈리아어-모차르트가 그의 오페라라고 불렀던 쾌활한 드라마)의 서곡이 들리기 때문에 매우 생생하게 들립니다. 이 서곡은 훌륭한 음악일 뿐만 아니라 훌륭한 극적인 창작물입니다!

K. M. 폰 베버. 오베론

일반 방문자 심포니 콘서트그들은 오베론 서곡이 오페라 자체에서 중요한 역할을 하는 주제로 구성되었다는 것을 거의 생각하지 않을 정도로 독립적인 작품으로서 오베론 서곡에 매우 익숙합니다.

K.M.의 오페라 "오베론"의 한 장면. 웨버. 뮌헨 오페라 (1835)

그러나 오페라의 맥락에서 서곡을 보면 비정상적으로 친숙한 각 주제가이 이야기의 하나 또는 다른 극적인 역할과 관련되어 있음을 알 수 있습니다. 그래서 경적의 도입부의 부드러운 부름은 주인공이 자신의 마법의 경적으로 연주하는 멜로디입니다. 목관 악기에서 빠르게 하강하는 화음은 오페라에서 배경이나 분위기를 만드는 데 사용됩니다. 요정 왕국; 위로 올라가는 흥분한 바이올린은 서곡의 빠른 부분을 열어 연인들이 배로 날아가는 데 사용됩니다 (불행히도 여기에서 오페라의 전체 줄거리를 자세히 제시 할 수는 없습니다). 처음에는 독주 클라리넷으로 연주하다가 현악기로 연주하는 경이로운 기도와 같은 선율은 정말 영웅의 기도로 바뀌고, 승리의 주제는 처음에는 차분하게 연주되다가 즐거운 포르티시모로 연주되며 소프라노의 절정으로 다시 나타난다. 웅장한 아리아 - "바다 당신은 강력한 괴물입니다."

그래서 서곡의 Weber는 주요 부분을 조사합니다. 뮤지컬 이미지오페라.

L. 반 베토벤. 피델리오

베토벤은 죽기 직전에 그의 유일한 오페라 악보를 기증했습니다. 친한 친구전기 작가 Anton Schindler. 죽어가는 작곡가는 "내 모든 자손 중에서 이 작품은 태어날 때 가장 고통스러웠고 나중에 가장 큰 슬픔을 안겨주었기 때문에 다른 모든 작품보다 나에게 더 소중하다"고 말했습니다. 여기서 우리는 안전하게 말할 수 있습니다. 오페라 작곡가 Leonora No. 3으로 알려진 Fidelio의 서곡만큼 표현력이 풍부한 작곡을 자랑합니다.

당연히 질문이 생깁니다. 왜 "No. 3"입니까?

L. Beethoven의 오페라 "Fidelio"의 한 장면. 오스트리아 극장(1957)

오페라 감독은 네 가지(!) 서곡을 선택할 수 있습니다. 첫 번째 곡은 나머지 곡보다 먼저 작곡되어 1805년 오페라 초연에서 공연되었으며 현재 Leonore No. 2로 알려져 있습니다. 1806년 3월 오페라 제작을 위해 또 다른 서곡이 작곡되었습니다. 이 서곡은 계획을 위해 다소 단순화되었지만 같은 해 프라하에서 오페라 제작을 실현하지 못했습니다. 서곡의 이 버전의 원고는 1832년에 분실되었다가 발견되었으며, 발견되었을 때 이 버전이 첫 번째 버전이라고 제안되었습니다. 따라서 이 서곡은 "Leonore No. 1"로 잘못 명명되었습니다.

1814년 오페라 공연을 위해 작곡된 세 번째 서곡은 피델리오 서곡이라고 합니다. 우리 시대에 일반적으로 첫 번째 막 이전에 공연되고 다른 모든 것보다 그에 해당하는 것은 바로 그녀입니다. 그리고 마지막으로 레오노라 3번. 2 막의 두 장면 사이에서 자주 공연됩니다. 많은 비평가들에게 그 뒤의 장면에 나타나는 음악적, 극적인 효과에 대한 기대는 작곡가의 예술적 오산으로 보입니다. 그러나 그 자체로 이 서곡은 무대 뒤의 트럼펫 부름(물론 오페라에서 반복됨) 덕분에 매우 강력하고 극적이며 매우 효과적이어서 어떤 것도 필요하지 않습니다. 무대 공연오페라의 음악적 메시지를 전달하기 위해 그렇기 때문에 이 가장 위대한 관현악시인 "레오노레 3번"은 콘서트홀 전용으로 보존되어야 합니다.

F. 멘델스존. 여름밤의 꿈

다른 사람의 추론을 제시하지 않는 것은 저항하기 어렵다 훌륭한 작곡가- - 주기의 다른 숫자 중에서 유명한 "결혼 행진곡"에 선행하는 이 서곡에 대해.

“이질적인 요소와 신선함, 우아함이 유기적으로 융합되어 독창성, 대칭성, 유포니즘을 지닌 서곡은 확실히 연극과 동급이다. 시작과 끝의 풍화음은 잠자는 사람의 눈을 조용히 감았다가 깰 때 조용히 열리는 눈꺼풀과 같고, 이 눈꺼풀을 내리고 올리는 사이에는 온통 꿈의 세계가 있는데, 그 속에는 열정적이고 환상적이며 코믹하며 각각을 따로 따로 훌륭하게 표현하고 가장 능숙한 대조와 가장 우아한 선의 조합으로 서로 만나고 얽혀 있습니다. 멘델스존의 재능은 이 호화로운 셰익스피어 작품의 명랑하고 유쾌하며 매력적이고 황홀한 분위기와 가장 행복하게 관련되어 있습니다.

기사 번역가이자 뛰어난 러시아 작곡가이자 음악가 A. Serov의 의견: "예를 들어 "한여름 밤의 꿈"에 대한 서곡과 같이 그림과 관련하여 음악에서 요구되는 것 같습니다. 일반적인 마법처럼 변덕스러운 분위기 외에도 모든 것이 줄거리의 요점을 생생하게 그려 줍니까?<…>한편, 제목의 이 서곡을 끝내지 말고 각 항목 아래에 Mendelssohn의 서명을 하지 마십시오. 구성 부품그가 드라마 자체 동안 다양한 장소에서 사용했던 이 음악은 이 모든 것이 아니었다면 이 서곡을 그토록 자주 들었던 수백만 명의 사람들 중 누구도 그것이 무엇에 관한 것인지, 그가 정확히 무엇인지 추측할 수 없었습니다. 작가를 표현하고 싶었다. Liszt의 기사가 없었다면 서곡이 시작되고 끝나는 관악기의 조용한 화음이 눈꺼풀이 닫히는 것을 표현한다는 사실을 많은 사람들이 생각하지 못했을 것입니다. 한편, 그러한 해석의 정확성에 대해 논쟁하는 것은 이제 불가능합니다.

러시아 작곡가

M.I. 글린카. 루슬란과 루드밀라

밝은 삶의 힘의 승리라는 작품의 아이디어는 오페라 피날레의 환희에 찬 음악이 사용되는 서곡에서 이미 드러났습니다. 이 음악은 휴일, 잔치, 축하 전날의 느낌으로 가득 차 있습니다. 서곡의 중간 부분에서는 신비롭고 환상적인 사운드가 나온다. 이 화려한 서곡의 소재는 어느 날 밤 그가 Novospasskoye 마을에서 상트 페테르부르크로 가는 마차를 타고 있을 때 M.I.

I. 빌리빈. M. Glinka의 오페라 "Ruslan and Lyudmila"(1913)의 세트 디자인

N. A. Rimsky-Korsakov. 보이지 않는 도시 Kitezh와 Virgin Fevronia의 전설

오페라 소개 - 교향곡 사진. 그것은 "사막에 대한 찬양"이라고 불립니다 (사막을 의미합니다-이것은 고대 슬라브 사람들이 사람이 살지 않는 외딴 곳이라고 불렀습니다). 음악은 깊은 저음역의 조용한 화음으로 시작됩니다. 맑은 하늘마치 바람에 실려 가는 듯 부드러운 하프 소리. 부드러운 현악기의 조화는 수백 년 된 나무의 나뭇잎이 바스락거리는 소리를 전달합니다. 오보에가 노래하고 밝은 멜로디가 숲을 흔들고 있습니다-처녀 Fevronia의 주제, 새의 휘파람, 트릴, 뻐꾸기 비명 ... 숲이 살아났습니다. 그의 조화는 장엄하고 거대해졌습니다.

찬송가의 아름다운 기쁨의 성가가 있습니다 - 사막의 찬양. 그것은 태양 자체로 떠오르고 모든 생물이 숲의 소리와 합쳐져 어떻게 울려 퍼지는 지들을 수있는 것 같습니다. (음악의 역사는 예를 들어 이 서곡 외에도 R. Wagner의 오페라 "Siegfried" 2막의 두 번째 장면과 같이 숲의 소음과 나뭇잎이 바스락거리는 음악에서 몇 가지 놀라운 화신을 알고 있습니다. 팬들에게 잘 알려진 교향곡, 종종 독립적으로 수행되기 때문에 콘서트 번호이 경우에는 "Rustle of the Forest"라고 합니다.)

P. I. 차이코프스키. 엄숙한 서곡 "1812"

서곡 초연은 1882년 8월 20일 구세주 그리스도 대성당에서 열렸습니다. 이 악보는 차이콥스키에게 주문한 P. Jurgenson에 의해 같은 해에 출판되었습니다 (사실 그는 모든 출판 업무에서 작곡가의 변호사였습니다).

차이콥스키가 주문에 대해 냉정하게 말했지만 작품은 그를 사로잡았고, 탄생한 작품은 작곡가의 창작 영감과 뛰어난 기량을 증명한다. 우리는 애국적인 주제가 작곡가에게 가깝고 그를 생생하게 흥분시켰다는 것을 알고 있습니다.

차이코프스키는 서곡의 극작술을 매우 독창적으로 구축했습니다. 그것은 러시아 교회 합창단의 소리를 모방하는 오케스트라의 어두운 소리로 시작됩니다. 그것은 교회 예배 중에 러시아에서 행해진 전쟁 선포를 상기시키는 것과 같습니다. 그런 다음 러시아 무기의 승리에 대한 축제 노래가 즉시 들립니다.

그 다음에는 트럼펫이 연주하는 행진하는 군대를 나타내는 멜로디가 이어집니다. 프랑스 국가 "라 마르세예즈"는 1812년 9월 프랑스의 승리와 모스크바 점령을 반영합니다. 러시아 군대는 서곡에서 러시아인으로 상징됩니다. 민요, 특히 오페라 "Voevoda"와 러시아 민요 "At the gates, gates of the fathers"의 Vlasyevna와 Olena 듀엣에서 모티브를 얻었습니다. 1812년 10월 말 모스크바에서 프랑스군이 도주하는 모습은 하강 모티브로 표시됩니다. 대포의 천둥은 프랑스 국경에 접근하는 군사적 성공을 반영합니다.

전쟁을 묘사 한 에피소드의 끝에서 합창단의 소리가 돌아 왔습니다. 이번에는 프랑스로부터 러시아의 승리와 해방을 기리기 위해 종소리를 배경으로 전체 오케스트라가 연주했습니다. 작가의 악보에 따르면 대포와 행진 소리 뒤에는 러시아 국가 "God Save the Tsar"의 멜로디가 들려야합니다. 러시아 국가는 이전에 울렸던 프랑스 국가와 반대됩니다.

이 사실에 주목할 가치가 있습니다. 서곡 (저자의 녹음에서)에서 프랑스와 러시아의 국가는 1812 년이 아닌 1882 년에 설치되었으므로 사용됩니다. 1799년부터 1815년까지 프랑스에는 국가가 없었고, "라 마르세예즈"는 1870년까지 국가로 복원되지 않았습니다. .

서곡이 "심각한 장점을 포함하지 않는 것 같다"(E.F. Napravnik에게 보내는 편지)라고 믿었던 차이코프스키의 의견과는 달리 그 성공은 매년 증가했습니다. Tchaikovsky의 생애 동안에도 작곡가 자신의 지시를 포함하여 모스크바, Smolensk, Pavlovsk, Tiflis, Odessa, Kharkov에서 반복적으로 공연되었습니다. 그녀는 프라하, 베를린, 브뤼셀 등 해외에서 큰 성공을 거두었습니다. 성공의 영향으로 차이코프스키는 그녀에 대한 태도를 바꾸고 작가의 콘서트에 그녀를 포함시키기 시작했으며 때로는 대중의 요청에 따라 앙코르를 연주했습니다.

서곡 장르에서 우리가 선택한 뛰어난 작품은 결코 유일한 것이 아니며 기사의 범위만이 그것을 제한합니다. 한 에세이의 끝은 자연스럽게 우리를 다음 주제로 이끈다. 그래서 그것은 오페라와 관련이 있었고 토론은 우리를 서곡의 이야기로 이끌었습니다. 이것은 이번에도 일어나는 일입니다. 18세기 이탈리아 서곡의 고전적 유형이 초기 형식으로 판명되었으며, 추가 발전으로 인해 교향곡 장르가 탄생했습니다. 그녀에 대한 다음 이야기가 될 것입니다.

잡지 "Art"No. 06/2009의 자료에 따르면

포스터 속: 오페라 '요술사' 서곡, 무명 사진

일부 국가에서는 18세기 말까지 지속되었습니다. 1791년 W. A. ​​모차르트도 그의 The Magic Flute "교향곡"의 서곡을 불렀습니다.

오페라 서곡의 역사

첫 번째 서곡은 1607년에 작곡된 클라우디오 몬테베르디의 오페라 오르페우스의 토카타로 간주됩니다. 이 토카타의 팡파르 음악은 오랜 역사를 지닌 오페라로 옮겨졌습니다. 드라마 극장초대하는 팡파르로 공연을 시작하는 전통.

17세기에는 서유럽 음악에서 두 가지 유형의 오페라 서곡이 발전했습니다. Venetian은 느리고 엄숙하며 빠르며 푸가의 두 부분으로 구성됩니다. 이러한 유형의 서곡은 이후에 개발되었습니다. 프랑스 오페라, 그녀의 클래식 샘플, 그리고 이미 세 부분으로 구성된 것(슬로우 모션의 익스트림 파트, 패스트 모션의 중간 파트)은 J.-B. 룰리. 18세기 전반에 "프랑스" 서곡은 독일 작곡가- J. S. Bach, G. F. Handel, G. F. Telemann, 오페라, 칸타타, 오라토리오뿐만 아니라 기악 모음곡에서도 이 경우 전체 모음곡 주기를 때때로 서곡이라고 불렀습니다.

오페라 서곡의 기능은 18세기 전반에 이미 논란이 되었다. 모든 사람이 주로 재미있는 성격에 만족하지는 않았습니다 (서곡은 일반적으로 청중이 강당을 채우고있을 때 수행되었습니다). 권위 있는 이론가 I. Mattheson, I. A. Scheibe 및 F. Algarotti가 G. F. Handel 및 J. F. Rameau를 포함한 일부 작곡가에게 제시한 서곡과 오페라 자체 사이의 이데올로기 및 음악 비유적 연결에 대한 요구 사항은 하나 또는 다른 방식으로 성공했습니다. 다른 방법으로. 그러나 진정한 전환점은 세기 후반에 찾아왔다.

글럭 개혁

Gluck의 개량주의 오페라에서 순환(3부) 형식은 드라마의 주요 갈등과 그 지배적인 어조의 본질을 전달하도록 설계된 1부 서곡으로 바뀌었습니다. 때로는 서곡에 앞서 짧고 느린 도입부가 있었습니다. 이 형식은 Gluck의 추종자 인 Antonio Salieri와 Luigi Cherubini도 채택했습니다. 이미 18 세기 말에 오페라 자체의 음악적 주제는 예를 들어 Aulis의 Gluck의 Iphigenia, Seraglio의 납치 및 W.A. 그러나이 원칙은 19 세기에만 널리 퍼졌습니다.

Salieri의 학생이자 Gluck의 추종자 인 L. van Beethoven은 그의 Fidelio에서 오페라 음악과 서곡의 주제별 연결을 강화했습니다. Leonora No. 2 및 Leonora No. 그는 프로그램의 동일한 원칙을 따랐습니다. 연극 공연(서곡 "Coriolanus" 및 "Egmont").

19세기 오페라 서곡

베토벤의 경험은 오페라 주제로 서곡을 채웠을 뿐만 아니라 R. Wagner와 N. A. Rimsky-Korsakov를 포함한 그의 추종자들로부터 가장 중요한 음악적 이미지를 선택한 독일 낭만주의 작품에서 더욱 발전되었습니다. , - 기조 연설. 때때로 작곡가들은 오페라 플롯의 배치에 따라 서곡의 교향곡 전개를 가져오려고 했고, 그런 다음 K. M. Weber의 The Free Gunner, The Flying Dutchman 또는 Tannhäuser의 서곡과 같이 상대적으로 독립적인 "기악 드라마"로 바뀌었습니다. R. 바그너.

여기서 이탈리아 작곡가, 일반적으로 그들은 G. Rossini가 그의 오페라 중 하나에서 다른 사람을 위해 작곡된 서곡을 사용할 수 있을 정도로 때로는 음악적 주제나 줄거리와 관련이 없는 오래된 유형의 서곡을 선호했습니다. 예를 들어 세비야의 이발사 » . Rossini의 오페라 William Tell 서곡이나 G. Verdi의 The Force of Destiny에 대한 서곡과 같은 예외도 있었지만 모범적인 Wagnerian leitmotif가 있습니다.

그러나 이미 세기 후반에 서곡에서 오페라 내용을 교향곡으로 다시 말하려는 아이디어는 청취자가 인식을 준비하려는 욕구로 점차 대체되었습니다. R. Wagner조차도 결국 확장 프로그램 서곡을 포기했습니다. 예를 들어 R. Wagner의 Lohengrin 또는 P. I. Tchaikovsky의 Eugene Onegin과 관련하여 더 간결하고 더 이상 소나타 원칙에 기반하지 않는 소개로 대체되었습니다. , 한 문자로 . G. Verdi의 오페라에서도 흔히 볼 수 있는 이러한 소개 부분은 이미 서곡이 아니라 소개, 소개 또는 전주곡이라고 불렸습니다. 발레와 오페레타에서도 비슷한 현상이 관찰되었습니다.

만약에 XIX 후반이후 세기 새로운 형태도입부는 여전히 소나타 형식으로 지속되는 서곡과 경쟁했으며, 20세기에 후자는 이미 극히 드물었습니다.

콘서트 서곡

그 당시 "교향곡"이라고 더 자주 불렸던 오페라 서곡은 17 세기와 18 세기 초에 종종 뮤지컬 극장 밖에서 콘서트에서 공연되어 이미 18 세기 1/3에 변형에 기여했습니다. 세기(약 1730년), 독립된 형태로 오케스트라 음악- 현대적 의미의 교향곡.

교향곡 장르로서의 서곡은 낭만주의 시대에 널리 퍼졌고 오페라 서곡의 진화로 인해 등장했습니다. 오페라 주제로 기악 도입부를 포화시켜 프로그램 교향곡 작품으로 바꾸는 경향입니다.

콘서트 서곡은 항상 프로그램 구성입니다. 18 세기와 19 세기 초에도 특정 축하 행사에 전념하는 "휴일", "엄숙한", "기념일"및 "환영"과 같은 적용된 성격의 서곡이 나타났습니다. 러시아에서는 Dmitry Bortnyansky, Evstigney Fomin, Vasily Pashkevich, Osip Kozlovsky의 서곡이 교향곡 음악의 가장 중요한 원천이 되었습니다.

적용된 성격의 서곡에서는 제목에 표현된 가장 단순한 일반화되고 추가 플롯 유형의 프로그램이 사용되었습니다. 그는 또한 응용 기능을 암시하지 않는 많은 구성에서 만났습니다. 예를 들어 Felix Mendelssohn "The Hebrides"와 "Sea Quiet and Happy Swimming"의 서곡, 요하네스 브람스의 비극적 서곡, 낭만주의 시대에, 일반화 된 플롯 및 순차적 플롯 (더 큰 플롯 구체화가 특징) 유형의 프로그램이있는 서곡을 포함한 교향곡 작품. 예를 들어 Hector Berlioz ( "Waverley", "King Lear", "Rob Roy"등), Robert Schumann의 "Manfred", P. I. Tchaikovsky의 "1812"서곡이 있습니다. Berlioz는 그의 The Tempest에 합창단을 포함했지만 여기에서 차이코프스키의 판타지 서곡 Hamlet과 Romeo and Juliet에서와 같이 콘서트 서곡은 이미 낭만주의가 사랑하는 또 다른 장르 인 교향시로 발전하고있었습니다.

20세기에는 콘서트 서곡이 훨씬 덜 자주 작곡되었습니다. 가장 유명한 것 중 하나는 Dmitri Shostakovich의 Festive Overture입니다.

기사 "서곡"에 대한 리뷰 쓰기

노트

1. , 와 함께. 674.
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11. Konigsberg A. K., Mikheeva L. V. 111 교향곡. - St. Petersburg: Kult-inform-press, 2000. - S. 11. - 669 p. - ISBN 5-8392-0174-X.
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문학

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서곡을 특징짓는 발췌문

-Mon prince, je parle de l "empereur Napoleon, [왕자님, 나폴레옹 황제에 대해 이야기하고 있습니다.] -그가 대답했습니다. 장군은 미소를 지으며 그의 어깨를 두드렸다.
“너는 멀리 가겠다”고 말씀하시고 그를 데리고 가셨습니다.
Boris는 황제 회의 당일 Neman에서 몇 안되는 사람 중 하나였습니다. 그는 모노그램이있는 뗏목, 프랑스 경비대를지나 다른 은행을 따라가는 나폴레옹의 통로를 보았고 알렉산더 황제의 잠겨있는 얼굴을 보았고 나폴레옹의 도착을 기다리며 네만 강둑에있는 선술집에 조용히 앉아있었습니다. 나는 두 황제가 어떻게 배에 탔는지, 뗏목에 처음으로 상륙 한 나폴레옹이 어떻게 빠른 발걸음으로 앞으로 나아가 알렉산더를 만나 손을 내밀고 둘 다 어떻게 파빌리온으로 사라지는 지 보았습니다. 더 높은 세계에 들어갈 때부터 Boris는 주변에서 일어나는 일을주의 깊게 관찰하고 기록하는 습관을 들였습니다. Tilsit에서 회의 중에 그는 나폴레옹과 함께 온 사람들의 이름과 그들이 입고있는 유니폼에 대해 물었고 중요한 사람들이 말하는 말을주의 깊게 들었습니다. 황제들이 누각에 입장함과 동시에 그는 시계를 보았고 알렉산더가 누각을 떠날 때를 다시 보는 것을 잊지 않았습니다. 회의는 1시간 53분 동안 지속되었습니다. 그는 그날 저녁에 회의 내용을 기록했습니다. 역사적 의미. 황제의 후계자가 매우 적었기 때문에 그의 복무의 성공을 중시하는 사람이 황제 회의 중에 Tilsit에있는 것이 매우 중요했으며 Tilsit에 도착한 Boris는 그 때부터 그의 위치가 완전히 끝났다고 느꼈습니다. 확립된. 그는 알려졌을 뿐만 아니라 그들도 그에게 익숙해지고 익숙해졌다. 그는 주권자 자신을 위해 두 번 임무를 수행하여 주권자가 그를 눈으로 알았고 그와 가까운 모든 사람들은 그를 새로운 얼굴로 간주하여 이전처럼 그를 부끄러워하지 않았을뿐만 아니라 그가 거기에 없습니다.
Boris는 또 다른 부관 인 폴란드 Zhilinsky 백작과 함께 살았습니다. 파리에서 자란 극인 Zhilinsky는 부자 였고 프랑스 인을 열정적으로 사랑했으며 Tilsit에 머무는 동안 거의 매일 경비원의 프랑스 장교와 프랑스 본부가 Zhilinsky와 Boris에서 점심과 아침 식사를 위해 모였습니다.
6월 24일 저녁, 보리스의 룸메이트인 질린스키 백작은 프랑스 지인들에게 저녁 식사를 준비했습니다. 이 저녁 식사에는 명예 손님, 나폴레옹의 부관 한 명, 프랑스 근위대 장교 몇 명, 프랑스 귀족 가문의 어린 소년, 나폴레옹의 페이지가있었습니다. 바로 그날 Rostov는 민간인 옷을 입고 어둠을 이용하여 Tilsit에 도착하여 Zhilinsky와 Boris의 아파트에 들어갔습니다.
Rostov와 그가 온 군대 전체에서 본당과 Boris에서 일어난 혁명은 적과 친구가 된 나폴레옹과 프랑스와 관련하여 아직 성취되지 않았습니다. 보나파르트와 프랑스에 대한 동일한 분노, 경멸, 두려움의 혼합 감정을 경험하기 위해 여전히 군대에서 계속되었습니다. 최근까지 Rostov는 Platovsky Cossack 장교와 이야기하면서 나폴레옹이 포로로 잡혔다면 그는 주권자가 아니라 범죄자로 취급되었을 것이라고 주장했습니다. 더 최근에는 길에서 부상당한 프랑스 대령을 만난 Rostov는 흥분하여 합법적 인 주권자와 범죄자 보나파르트 사이에 평화가 없을 수 있음을 증명했습니다. 따라서 Rostov는 측면 체인과 완전히 다른 방식으로 보던 것과 동일한 유니폼을 입은 프랑스 장교의 시야에 Boris의 아파트에서 이상하게 맞았습니다. 프랑스 장교가 문 밖으로 몸을 기울이는 것을 보자 마자 적의 눈앞에서 항상 느꼈던 전쟁의 느낌과 적대감이 갑자기 그를 사로 잡았습니다. 그는 문지방에서 멈추고 Drubetskoy가 거기에 살고 있는지 러시아어로 물었습니다. 홀에서 다른 사람의 목소리를 듣고 보리스는 그를 만나러 나갔다. 그가 Rostov를 인식했을 때 처음 1 분 동안 그의 얼굴은 성가심을 표현했습니다.
“오, 당신이군요. 정말 반가워요. 만나서 반가워요. 그러나 Rostov는 그의 첫 번째 움직임을 발견했습니다.
“제 시간에 안 온 것 같다”며 “안 올 텐데, 일이 있어서”라고 차갑게 말했는데…
-아니, 당신이 어떻게 연대에서 왔는지 놀랐어요. - "Dans un moment je suis a vous", [I'm at your service this minute,] -그는 그를 부른 사람의 목소리로 돌아섰습니다.
Rostov는 "나는 제 시간에 있지 않다는 것을 알고 있습니다. "라고 반복했습니다.
성가심의 표정은 이미 보리스의 얼굴에서 사라졌다. 무엇을 해야할지 고민하고 결정한 것 같았고, 그는 특별한 침착함으로 양손을 잡고 그를 옆방으로 인도했습니다. 침착하고 확고하게 로스토프를 바라 보는 보리스의 눈은 마치 호스텔의 파란색 안경 인 일종의 셔터를 씌운 것처럼 무언가로 덮여있는 것 같았습니다. 그래서 그것은 Rostov에게 보였습니다.
-오, 제발, 잘못된 시간에있을 수 있니? -Boris가 말했습니다. -Boris는 그를 저녁 식사가 제공되는 방으로 안내하고 손님에게 그를 소개하고 이름을 지정하고 그가 민간인이 아니라 그의 오랜 친구 인 hussar 장교라고 설명했습니다. -Zhilinsky 백작, le comte N.N., le capitaine S.S., [count N.N., Captain S.S.] -그는 손님을 불렀습니다. Rostov는 프랑스어로 눈살을 찌푸리고 마지 못해 절하고 침묵했습니다.
Zhilinsky는 분명히이 새로운 것을 기꺼이 받아들이지 않았습니다. 러시아 얼굴그의 서클에 로스토프에게 아무 말도하지 않았습니다. 보리스는 새 얼굴에서 발생한 당혹감을 눈치 채지 못한 것 같았고 로스토프를 만났을 때와 똑같은 유쾌한 평온함과 가려진 눈으로 대화를 되살리려 고 노력했습니다. 프랑스 인 중 한 명이 완고하게 침묵하는 Rostov에게 평범한 프랑스 예의로 돌아섰고 그가 Tilsit에 온 것은 아마도 황제를 만나기 위해서일 것이라고 말했습니다.
"아니요, 할 일이 있어요." 로스토프가 퉁명스럽게 대답했다.
Rostov는 보리스의 얼굴에 불만이 있음을 알아 차린 직후에 엉망이되었고, 항상 이상한 사람들에게 그렇듯이 모두가 그를 적대적으로 바라보고 있고 그가 모든 사람을 방해하는 것처럼 보였습니다. 실제로 그는 모든 사람을 방해하고 새로 이어지는 일반적인 대화 밖에 남아있었습니다. "그리고 그는 왜 여기에 앉아 있습니까?" 손님들이 그를 쳐다보는 시선이 말했다. 그는 일어나 보리스에게 다가갔다.
“하지만 부끄럽게 생각합니다.”그는 조용히 말했다. “가서 사업에 대해 이야기하고 떠나겠습니다.”
"아니, 전혀." 보리스가 말했다. 그리고 피곤하면 내 방에 가서 누워 쉬자.
- 사실 ...
그들은 보리스가 자고 있는 작은 방으로 들어갔다. Rostov는 앉지 않고 즉시 짜증을 내며-마치 Boris가 그 앞에있는 무언가에 대해 책임을 져야하는 것처럼-Denisov의 사건을 말하기 시작하여 Denisov에 대해 주권자의 장군을 통해 그리고 그를 통해 편지를 전달하기를 원하고 요청할 수 있는지 묻습니다. . 혼자있을 때 Rostov는 처음으로 Boris를 눈으로 보는 것이 부끄럽다는 것을 확신했습니다. 보리스는 다리를 꼬고 왼손으로 오른손의 얇은 손가락을 쓰다듬으며 로스토프의 말을 들었습니다. Rostov의 눈을 직접 바라보고 있습니다. 로스토프는 매번 어색함을 느끼며 눈을 내리깔았다.
- 나는 그러한 경우에 대해 들었고 황제가 이러한 경우에 매우 엄격하다는 것을 알고 있습니다. 폐하께 가져가서는 안 된다고 생각합니다. 제 생각에는 군단장에게 직접 물어보는게 나을 것 같은데... 대체적으로는...
"아무것도 하기 싫으니 그냥 그렇게 말해!" - Rostov는 Boris를 눈으로 보지 않고 거의 외쳤습니다.
Boris는 미소를지었습니다. -반대로 내가 할 수있는 일을하겠습니다. 나만 생각했습니다 ...
이때 Boris를 부르는 Zhilinsky의 목소리가 문에서 들렸습니다.
-글쎄, 가자, 가자 ... -로스토프가 말하고 저녁 식사를 거부하고 작은 방에 홀로 남겨진 그는 오랫동안 그 안에서 앞뒤로 걸었고 옆방에서 쾌활한 프랑스 방언을 들었습니다.

Rostov는 Denisov의 중보에 가장 편리한 날에 Tilsit에 도착했습니다. 그는 연미복을 입고 상사의 허락없이 Tilsit에 도착했기 때문에 근무중인 장군에게 갈 수 없었고 Boris는 원하더라도 Rostov가 도착한 다음날 이것을 할 수 없었습니다. 6월 27일 이날 첫 평화조약이 체결되었다. 황제는 명령을 교환했습니다. Alexander는 Legion of Honor를, Napoleon은 1 급을 받았으며 이날 Preobrazhensky 대대를 위해 저녁 식사가 지정되어 프랑스 경비대 대대가 그에게 제공했습니다. 주권자들은 이 잔치에 참석해야 했습니다.
Rostov는 Boris에게 너무 어색하고 불쾌해서 Boris가 저녁 식사 후 들여다 보았을 때 잠든 척했고 다음날 이른 아침에 그를 보지 않으려 고 집을 나갔습니다. 연미복과 둥근 모자를 쓴 Nikolai는 프랑스와 그들의 제복을 보며 러시아와 프랑스 황제가 살았던 거리와 집을 바라보며 도시를 돌아 다녔습니다. 광장에서 그는 테이블이 차려지고 저녁 식사를 준비하는 것을 보았고 거리에서 그는 러시아와 프랑스 색상의 깃발과 A.와 N의 거대한 모노그램이 드리워진 휘장을 보았습니다. .
“Boris는 저를 돕고 싶지 않고 저도 그에게 연락하고 싶지 않습니다. 이 문제는 해결되었고 Nikolai는 모든 것이 우리 사이에 끝났다고 생각했지만 Denisov를 위해 할 수있는 모든 일을하지 않고 가장 중요한 것은 주권자에게 편지를 넘기지 않고는 여기를 떠나지 않을 것입니다. 소버린?! ... 그가 여기있다! 무의식적으로 Alexander가 차지한 집으로 돌아가는 Rostov를 생각했습니다.
이 집에는 승마 말이 서 있었고 수행원이 모여 주권자의 출발을 준비하고있는 것 같습니다.
Rostov는 "언제든지 그를 볼 수 있습니다. "라고 생각했습니다. 내가 그에게 직접 편지를 건네고 모든 것을 말할 수만 있다면 정말 연미복을 입고 체포될까? 안 돼! 그는 정의가 어느 편에 있는지 이해할 것입니다. 그는 모든 것을 이해하고 모든 것을 알고 있습니다. 누가 그보다 더 정의롭고 관대할 수 있겠습니까? 글쎄, 내가 여기 있다는 이유로 체포된다면 무슨 문제가 있니? 그는 주권자가 점령 한 집으로 올라가는 장교를 바라보며 생각했습니다. “결국 그들은 상승하고 있습니다. - 이자형! 그것은 모두 넌센스입니다. 내가 가서 직접 주권자에게 편지를 제출하겠습니다. 저를 여기에 데려온 Drubetskoy에게는 훨씬 더 나쁩니다. 그리고 갑자기 자신이 기대하지 않은 결단력으로 Rostov는 주머니에 편지를 느끼고 주권자가 차지한 집으로 곧장갔습니다.
“아니, 이제 나는 Austerlitz 이후처럼 기회를 놓치지 않을 것입니다.” 내 발 앞에 엎드려 간청하겠습니다. 그는 들어 올리고 다시 나에게 감사 할 것입니다.” "나는 선을 행할 수 있을 때 행복하지만 불의를 바로잡는 것이 가장 큰 행복입니다." 로스토프는 주권자가 그에게 말할 말을 상상했습니다. 그리고 그는 주권자가 차지한 집 현관에서 그를 흥미롭게 바라보는 사람들을 지나쳤습니다.
현관에서 넓은 계단이 곧게 이어졌습니다. 오른쪽에는 닫힌 문이 있었다. 아래층 계단 아래에는 아래층으로 통하는 문이 있었다.
- 누구를 원해? 누군가 물었다.
니콜라이가 떨리는 목소리로 말했다.
- 요청 - 당직자에게 이리 오십시오 (그는 아래 문을 가리켰습니다). 그들은 그것을 받아들이지 않을 것입니다.
이 무관심한 목소리를 듣고 Rostov는 자신이하는 일에 겁을 먹었습니다. 언제든지 주권자를 만나는 생각은 너무 매혹적이어서 도망 갈 준비가되어 있었지만 그를 만난 챔버 푸리에가 그를 위해 의무실 문을 열었고 Rostov가 들어갔습니다.
30세 정도의 키가 작고 통통한 남자가 흰 바지에 니부츠를 신고 막 입었던 바티스트 셔츠를 입고 이 방에 서 있었다. 시종은 실크로 수 놓은 아름다운 새 끈을 등에 매고 있었는데 어떤 이유로 Rostov는 알아 차 렸습니다. 이 남자는 다른 방에 있는 누군가와 이야기하고 있었습니다.
- Bien faite et la beaute du diable, [젊음의 아름다움은 잘 세워져 있다] - 이 남자가 말하더니 로스토프를 보자 말을 멈추고 눈살을 찌푸렸다.
– 무엇을 원하세요? 요구?…
- Qu "est ce que c" est? [이게 뭐야?] 다른 방에서 누군가 물었다.
- Encore un 청원자, [또 다른 청원자] - 하네스에 있는 남자에게 대답했습니다.
다음 단계를 알려주세요. 이제 나왔으니 가셔야 합니다.

서장(에서. 서장, 소개) 음악에서 - 연극 공연, 오페라, 발레, 영화 등 또는 종종 프로그램 음악에 속하는 한 부분으로 구성된 오케스트라 작품과 같이 공연 시작 전에 연주되는 기악(일반적으로 오케스트라) 작품.

서곡은 다가오는 행동에 대해 청취자를 준비시킵니다.

짧은 음악 신호로 공연의 시작을 알리는 전통은 "서곡"이라는 용어가 첫 번째 프랑스어와 다른 작품에 자리 잡기 오래 전에 존재했습니다. 유럽 ​​작곡가 17 세기 XVIII 세기 중반까지. 서곡은 엄격하게 정의된 규칙에 따라 구성되었습니다. 그들의 숭고하고 일반화된 음악은 일반적으로 후속 동작과 관련이 없었습니다. 그러나 점차 서곡에 대한 요구 사항이 변경되었습니다. 작품의 일반적인 예술적 디자인에 점점 더 순종했습니다.

K. V. Gluck과 W. A. ​​Mozart로 시작하는 작곡가들은 서곡에 대한 엄숙한 "스펙터클에 대한 초대"의 기능을 유지하면서 그 내용을 크게 확장했습니다. 음악만으로 연극 막이 오르기 전에 시청자를 특정 방식으로 설정하여 다가오는 이벤트에 대해 이야기 할 수 있음이 밝혀졌습니다. 소나타가 서곡의 전통적인 형식이 된 것은 우연이 아닙니다. 넓고 효과적이며 대결에서 다양한 연기력을 제시 할 수 있습니다. 예를 들어 K. M. Weber "The Free Gunner"의 오페라 서곡은 전체 작업의 "내용에 대한 소개 검토"를 포함하는 최초의 것 중 하나입니다. 목가적이고 우울하고 불길하고 안절부절하고 환희로 가득 찬 모든 다양한 주제는 다음 중 하나의 특성과 관련이 있습니다. 배우, 또는 특정 무대 상황에서 이후 오페라 전체에 걸쳐 반복적으로 나타납니다. M. I. Glinka의 "Ruslan and Lyudmila"에 대한 서곡도 해결되었습니다. 주요 주제(오페라에서 그것은 Lyudmila의 해방을 찬양하는 합창단의 주제가 될 것입니다), Ruslan과 Lyudmila의 사랑의 노래 멜로디 (Ruslan의 영웅적인 아리아에서 들릴 것임), 사악한 마법사 Chernomor의 기발한 주제가 될 것입니다.

구성의 플롯 철학적 충돌이 서곡에 더 완전하고 완벽하게 구현 될수록 콘서트 무대에서 별도의 존재에 대한 권리를 더 빨리 획득합니다. 따라서 L. Beethoven의 서곡은 이미 교향곡 프로그램 음악의 독립 장르로 발전하고 있습니다. 베토벤의 서곡, 특히 J. W. 괴테의 드라마 "에그몬트"에 대한 서곡은 완전하고 극도로 포화된 뮤지컬 드라마로, 그의 큰 교향곡 캔버스보다 열등하지 않은 강렬함과 생각의 활동을 가지고 있습니다. 19세기 콘서트 서곡 장르는 서유럽(W. 셰익스피어의 동명 코미디를 기반으로 한 F. Mendelssohn의 서곡 "A Midsummer Night's Dream")과 러시아 작곡가(Glinka의 "Spanish Overtures", "Overture M. A. Balakirev의 세 러시아 노래 주제", P. I. Tchaikovsky의 서곡 판타지 "로미오와 줄리엣"). 동시에 XIX 세기 후반의 오페라에서. 서곡은 점점 더 직접적으로 실행되는 짧은 오케스트라 도입부로 변형됩니다.

이러한 소개(소개 또는 전주곡이라고도 함)의 의미는 상징(G. Verdi의 Rigoletto에서 비극의 불가피성에 대한 동기)과 같은 가장 중요한 아이디어를 선포하거나 주인공을 특성화하는 동시에 동시에 작품의 비 유적 구조를 크게 결정하는 특별한 분위기를 조성합니다 ( 차이코프스키의 "Eugene Onegin"소개, R. Wagner의 "Lohengrin"). 때때로 서론은 본질적으로 상징적이고 회화적입니다. M. P. Mussorgsky "Khovanshchina"의 오페라를 여는 교향곡 Dawn on the Moscow River입니다.

XX 세기에. 작곡가들은 전통적인 서곡(D. B. Kabalevsky의 오페라 Cola Breugnon에 대한 서곡)을 포함하여 다양한 유형의 서론을 성공적으로 사용합니다. 민속 주제에 대한 콘서트 서곡 장르에서 S. S. Prokofiev의 "Russian Overture", D. D. Shostakovich의 "Russian Overtures", O. V. Takt a-kishvili의 "Overture"가 작성되었습니다. 러시아 오케스트라를 위한 민속 악기- N. P. Budashkin 등의 "Russian Overture".

차이코프스키 서곡

1812년 서곡은 표트르 일리치 차이코프스키가 추모하는 관현악 작품이다. 애국 전쟁 1812.

서곡은 러시아에서 교회 예배에서 행해진 전쟁 선포를 연상시키는 러시아 교회 합창단의 우울한 소리로 시작됩니다. 그런 다음 즉시 전쟁에서 러시아 무기의 승리에 대한 축제 노래가 들립니다. 전쟁 선포와 그에 대한 사람들의 반응은 레오 톨스토이의 소설 전쟁과 평화에 묘사되어 있습니다.

그 다음에는 트럼펫으로 연주되는 행진하는 군대를 나타내는 멜로디가 이어집니다. 프랑스 국가 "라 마르세예즈"는 1812년 9월 프랑스의 승리와 모스크바 점령을 반영합니다. 러시아어 소리 포크 댄스보로디노 전투를 상징합니다. 1812년 10월 말 모스크바에서 출발하는 비행은 하강 모티브로 표시됩니다. 대포의 천둥은 프랑스 국경에 접근하는 군사적 성공을 반영합니다. 전쟁이 끝나면 합창단의 소리가 돌아옵니다. 이번에는 프랑스 점령에서 러시아의 승리와 해방을 기리기 위해 종소리의 메아리와 함께 전체 오케스트라가 연주했습니다. 대포와 행진 소리 뒤에는 러시아 국가 "God Save the Tsar"의 멜로디가 들립니다. 러시아 국가는 이전에 울렸던 프랑스 국가와 반대됩니다.

소련에서는 차이코프스키의이 작품이 편집되었습니다. 애국가 "God Save the Tsar"의 소리가 "Glory! "합창단으로 대체되었습니다. Glinka의 오페라 Ivan Susanin에서.

차이코프스키가 생각한 실제 대포는 일반적으로 베이스 드럼으로 대체됩니다. 그러나 때때로 대포 발사가 사용됩니다. 이 버전을 처음으로 녹음했습니다. 심포니 오케스트라 1950년대 미니애폴리스 그 후, 사운드 기술의 발전을 사용하여 다른 그룹에서 유사한 녹음을 만들었습니다. 캐논 불꽃놀이는 보스턴 팝스 오케스트라의 공연에 사용되며, 일에 전념미국의 독립을 기념하며 매년 7월 4일 찰스 강 유역에서 개최됩니다. 캔버라에 있는 호주 방위군 사관학교의 연례 졸업 퍼레이드에서도 사용됩니다. 이 작품은 미국 역사(1812년에 시작된 영미 전쟁 포함)와 아무 관련이 없지만, 특히 독립 기념일에 다른 애국 음악과 함께 미국에서 자주 연주됩니다.

서곡 - 악기 소개, 작곡가의 의도에 따라 막이 오르기 전에 들리는 음악. 존재하는 동안 오페라 장르다른 의미 론적 부하와 다른 이름을 모두 받았습니다. 17 세기에 확립 된 프랑스어 용어 "서곡"외에도 예를 들어 소개, 전주곡, 교향곡 (sinfonia-consonance) 및 소개라고도 할 수 있습니다. 그 자체.

이후로 "이탈리아 서곡"이라는 단일 유형의 서곡이 있는 오페라만 궁정 극장에서 상영되어야 합니다. 결국 이것은 Zakharovsky의 "Munchausen"의 공작이 아니라 플루트 연주의 열렬한 팬이지만 위대한 사령관입니다. 1745년은 오스트리아 왕위 계승 전쟁의 전환점이 된 해이며, 전투와 협상 사이에 왕은 어떤 서곡이 더 나은지에 대한 지시를 내릴 필요가 있음을 알게 됩니다.

그래서 이것은 무엇입니까-서곡, 왜 그렇습니까? 오페라가 "노래로 시작되는 행위"라면 노래 없이 바로 그 행위 이전에 공연되는 음악은 어떤가?

즉시 말해 보자 : 그녀는이 최첨단에 그다지 편안하지 않으며 올바른 서곡이 무엇인지, 어떤 형태로 필요한지에 대한 논쟁은 오페라의 본질에 대한 토론보다 통계적으로 훨씬 더 자주 발생했습니다.

첫 번째 오페라의 저자는 행동이 시작되기 전에 프롤로그가 필요하다는 데 의심의 여지가 없었습니다. 결국 그들은 고대 연극을 재구성하는 꿈을 꾸었고 Sophocles, Aeschylus, Euripides는 프롤로그를 가졌습니다. 그러나 첫 번째 오페라 프롤로그만이 거의 항상 독립적 인 기악이 아닌 노래가있는 정확한 장면입니다. 단어와 내러티브의 우선 순위는 명백해 보였습니다. Tragedy, Harmony 또는 Music과 같은 조건부 문자는 절묘한 형태로 대중에게 다가올 행동의 음모를 발표했습니다. 그리고 그들은 "노래로 말하다"라는 recitar cantando라는 아이디어 자체가 채택 된 것은 고대부터임을 상기 시켰습니다.

시간이 지남에 따라이 아이디어는 참신함을 잃었고 그러한 고상한 변증이 필요하지 않았지만 프롤로그는 수십 년 동안 사라지지 않았습니다. 또한 종종 하나 또는 다른 군주의 영광이 그들에게 일어났습니다. 베네치아 공화국을 제외하고 17 세기 오페라는 주로 공식 축제 및 의식과 밀접하게 관련된 법원 엔터테인먼트로 남아있었습니다.

본격적인 서곡은 1640년대 프랑스에서 나타난다. Jean-Baptiste Lully가 소개한 소위 "프랑스 서곡"의 모델은 강철 공식입니다. 인식할 수 있는 구두점 리듬(일종의 점핑 약강)의 느리고 화려한 첫 번째 악장, 도망치는 시작이 있는 빠른 두 번째 악장입니다. 그것 역시 정신적으로 루이 14세 궁정의 엄격한 명령과 연결되어 있지만, 프랑스 오페라 음악이 일반적으로 적대감에 부딪힌 곳에서도 유럽 전역에서 이례적으로 인기를 얻었습니다.

시간이 지남에 따라 이탈리아 인들은 자신의 공식으로 응답했습니다. 이미 fugato와 같은 과학적 작업이없는 세 부분으로 된 서곡, 빠르고 느림, 덜 의식적입니다. 이것은 Frederick the Great가 요구 한 바로 "이탈리아 서곡"입니다. 이 두 서곡 간의 경쟁은 실제로 매우 드러납니다. 프랑스 서곡은 18세기 중반에 사용되지 않았지만 그 전에는 오페라의 맥락을 능가했습니다. Lully의 발명품은 Bach의 관현악 모음곡, 심지어 Handel의 Royal Fireworks 음악의 도입부에서도 쉽게 알아볼 수 있습니다. 이탈리아 서곡(일반적으로 신포니아라고 함)은 오페라 맥락에서 더 오래 살았지만 완전히 다른 삶이 훨씬 더 중요합니다.

그리고 오페라는 어떻습니까? 한편 글루크와 그의 동시대인으로 대표되는 오페라는 서곡이 주제적으로나 감정적으로나 드라마 자체의 소재와 유기적으로 연결되면 좋겠다고 생각했다. 이전과 같이 행동해서는 안된다는 것-동일한 계획에 따라 모든 내용의 오페라에 대한 관심있는 소개가 작성되었을 때. 그리고 이것이 소나타 형식의 한 악장 서곡이 나타난 방식입니다. 주제 자료오페라 그 자체

경직된 계획에서 벗어난 19세기는 유명한 서곡의 세기가 되었습니다. "Force of Destiny"또는 "Carmen"과 같은 끈질긴 모티프의 꽃다발을 한 번에 제시하는 의식적인 가지각색. "Eugene Onegin"또는 "La Traviata"와 같이 서정적이고 섬세하며 경제적 인 인용입니다. Parsifal처럼 교향적으로 풍부하고 복잡하며 여운이 있습니다. 그러나 반면에 낭만주의 시대의 서곡은 연극 행사의 틀 안에 붐비고 있습니다. 다른 서곡은 더 이상 오페라와 연결되지 않는 "콘서트 서곡"의 장르 인 중요한 교향곡 히트 곡으로 바뀝니다. 확립된. 그런 다음 20 세기에 오페라 서곡은 무감각하게 시대 착오로 바뀌 었습니다. Richard Strauss의 Salome, Berg의 Wozzeck, Mtsensk 지역의 Shostakovich의 Lady Macbeth, Prokofiev의 War and Peace에는 서곡이 없습니다.

오페라의 일종의 프레임이기 때문에 서곡은 기능적으로 질서의 개념을 구현합니다. 그래서 프로이센 왕이 그것에 세심하게 주의를 기울였습니다. 첫째, 에티켓의 의미에서뿐만 아니라 더 숭고한 의미에서도 주문합니다. 인간의 시간그리고 뮤지컬 공연의 타이밍. 하지만 지금은 그냥 군중, 다소 똑똑한 사람들의 무작위 모음이었습니다. 한 번 - 그리고 그들 모두는 이미 관중과 청취자입니다. 그러나이 전환의 순간에는 어떤 음악 외에도 의식 서문 (희미한 빛, 지휘자의 위엄있는 퇴장 등)을 얻을 시간이있었습니다. Frederick II 시대에는 상상할 수 없었습니다.

오늘날의 청취자에게 더 중요한 것은 이러한 모든 의식적 또는 이데올로기적 고려 사항이 아니라 문제의 수행 측면입니다. 서곡 - 명함이것 또는 저 오페라에 대한 지휘자의 해석 : 우리는 가수가 아직 무대에 등장하기 전에 지휘자가 작곡가, 시대, 미학을 어떻게 인식하는지, 그가 시도하는 접근 방식을 이해하려고 노력할 수있는 첫 번째 순간에 정확하게 기회가 있습니다. 찾다. 음악에 대한 우리의 인식에 얼마나 큰 변화가 일어났고 계속해서 일어나고 있는지 느끼기에 충분하다. Gluck 또는 Mozart의 서곡 자체는 일정한 크기이지만 1940년대 초 Furtwängler와 현대 지휘자의 서곡 사이의 차이는 문화 및 취향 분야에서 오페라 악보의 존재가 굳어진 사실. , 그러나 살아있는 과정.

의식이 있는 서곡

클라우디오 몬테베르디의 오르페우스(1607)

Monteverdi는 독립 기악 "toccata"로 그의 "Orpheus"의 프롤로그에 앞서 있습니다. 기뻐하는 엄숙한 정신으로 단순하고 심지어 구식입니다. 사실 세 번 반복되는 팡파르이며 의식 행사가 수반되었습니다 (작곡가가 그의 주요 청중 인 Duke Vincenzo Gonzaga를 맞이하기를 원했던 방식입니다). 그럼에도 불구하고 사실 그것은 첫 번째 오페라 서곡이라고 할 수 있으며 Monteverdi 자신에게는 나중에 "축복받은 성모의 저녁기도"에서 사용했다는 사실로 판단할 때 단순히 "행사를 위한 음악"이 아니었습니다.

비극이 있는 서곡

크리스토프 빌리발트 글룩의 알체스타

Alceste의 서문에서 Gluck은 서곡이 오페라 이벤트에 대해 시청자를 준비시켜야한다고 썼습니다. 그것은 18세기 초의 기준뿐만 아니라 개혁가 자신의 기준에서도 혁명이었습니다. Eurydice에 대한 애도. 한편, 음악에서 "폭풍과 맹공"의 예인 Alceste에 대한 음울하게 동요된 D단조 서곡은 결국 루소에 따르면 모든 것이 "슬픔과 두려움"이라는 두 가지 감정 사이에서 회전하는 특정 오페라와 유기적으로 연관됩니다. ."

드럼 서곡

Gioacchino Rossini의 도둑 까치 (1817)

오랫동안 서곡의 첫 번째 화음은 신호 목적으로 크게 여겨졌지만 "도둑 까치"의 서곡은 이런 의미에서 레코드 중 하나임이 밝혀졌습니다. 이것은 전형적인 로시니의 부주의함, 선율적인 애정, 맹렬한 크레센도가 있는 긴 소나타 구성이지만 두 개의 군용 드럼이 특징인 귀가 먹먹할 정도로 효과적인 행진으로 시작됩니다. 후자는 "비 음악적 야만적 행위"에 분개 한 첫 번째 청취자 중 일부가 작곡가를 쏘겠다고 위협 한 전례없는 혁신이었습니다.

무조의 서곡

리하르트 바그너의 트리스탄과 이졸데(1865)

악의에 찬 Eduard Hanslik은 "Tristan"의 소개에 대해 "그의 내장이 롤러에 천천히 말려 있는 순교자가 있는 오래된 이탈리아 그림을 생각나게 합니다."라고 썼습니다. 유명한 "Tristan Chord"로 시작하는 전주곡은 조성의 고전적 개념을 노골적으로 위반합니다. 그러나 그것은 범법의 문제가 아니라 그 결과로 생겨난 거의 육체적인 나른함, 깊고 그러나 억제할 수 없는 욕망의 문제입니다. 많은 보수적 비평가들이 순전히 음악적 반란이 아니라 "동물의 열정"에 취한 것에 대해 "Tristan"을 꾸짖은 것은 당연합니다.