르네상스의 외국 예술가. 위대한 이탈리아 르네상스 예술가

산드로 보티첼리(1445년 3월 1일 - 1510년 5월 17일) -- 깊은 종교인, 피렌체의 모든 주요 교회와 바티칸의 시스틴 예배당에서 일했지만 예술사에서 그는 주로 고전 고대에서 영감을 얻은 주제에 대한 대형 시적 캔버스의 저자로 남아있었습니다. "봄"과 "의 탄생" 금성". .

오랫동안 보티첼리는 자신의 뒤를 이은 르네상스 거인들의 그림자 속에 있었습니다. 19세기 중반성숙한 캔버스의 연약한 선형성과 봄의 신선함을 세계 예술 발전의 최고점으로 존경했던 영국 Pre-Raphaelites에 의해 재발견 된 세기.

부유한 시민 Mariano di Vanni Filipepi의 가족에서 태어났습니다. 좋은 교육을 받았습니다. 그는 필리포 리피(Filippo Lippi) 수도사에게 그림을 배웠고 리피의 역사적 그림을 구별하는 감동적인 모티프를 묘사하는 데 열정을 물려받았습니다. 그런 다음 그는 유명한 조각가 Verrocchio에서 일했습니다. 1470년에 그는 자신의 작업장을 조직했습니다.

그는 보석 세공인이었던 둘째 형에게서 선의 미묘함과 정확성을 차용했습니다. 얼마 동안 그는 Verrocchio의 워크샵에서 Leonardo da Vinci와 함께 공부했습니다. Botticelli 자신의 재능의 원래 특징은 환상에 대한 그의 성향입니다. 그는 고대 신화와 알레고리를 당대의 예술에 도입한 최초의 사람 중 한 사람이었으며 신화적인 주제에 대해 특별한 애정을 가지고 작업했습니다. 특히 장관은 껍데기 속에 바다 위를 알몸으로 헤엄치는 그의 비너스와 바람의 신들이 그녀에게 장미비를 뿌리고 껍데기를 해안으로 몰고 가는 모습이다.

보티첼리의 최고의 작품은 바티칸 시스티나 예배당에서 1474년에 시작한 프레스코화로 간주됩니다. Medici가 의뢰한 많은 그림을 완성했습니다. 특히 그는 장엄한 로렌조의 형제 줄리아노 메디치의 깃발을 그렸습니다. 1470년대와 1480년대에 초상화는 독립 장르 Botticelli의 작품("메달을 든 남자", c. 1474; "젊은이", 1480년대). Botticelli는 그의 섬세한 미적 취향과 The Annunciation (1489-1490), The Abandoned Woman (1495-1500) 등과 같은 작품으로 유명해졌습니다. 지난 몇 년그의 삶의 보티첼리는 분명히 그림을 남겼습니다 ..

산드로 보티첼리는 피렌체에 있는 오니산티 교회의 가족 무덤에 묻혔습니다. 유언에 따르면 그는 가장 많은 영감을 준 Simonetta Vespucci의 무덤 근처에 묻혔습니다. 아름다운 이미지마스터.

레오나르도 디 세르 피에로 다빈치(1452년 4월 15일, 피렌체 근처 빈치 마을 근처의 안키아노 마을 - 1519년 5월 2일 - 위대한 이탈리아 예술가(화가, 조각가, 건축가)이자 과학자(해부학자, 자연주의자), 발명가, 작가, ~의 주요 대표"보편적 인간"의 대표적인 예인 전성기 르네상스 예술. .

Leonardo는 주로 동시대 사람들에게 예술가로 알려져 있습니다. 또한 다빈치가 조각가였을 가능성도 있습니다. 페루자 대학의 연구원인 지안카를로 젠틸리니와 카를로 시시가 1990년에 발견한 테라코타 머리가 레오나르도 다빈치의 유일한 조각 작품이라고 주장합니다. 우리에게. 그러나 삶의 여러 시기에 다빈치 자신은 자신을 주로 엔지니어나 과학자로 여겼습니다. 그는 미술에 많은 시간을 할애하지 않았고 아주 천천히 작업했습니다. 그래서 예술적 유산레오나르도의 작품 수는 그리 많지 않으며 그의 작품 중 다수가 유실되거나 심하게 손상되었습니다. 그러나 세계에 대한 그의 공헌 예술 문화이탈리아 르네상스가 준 천재 집단의 배경에도 불구하고 매우 중요합니다. 그의 작업 덕분에 회화 예술은 질적으로 새로운 무대그것의 발달의. 레오나르도 이전의 르네상스 예술가들은 중세 예술의 많은 관습을 결정적으로 포기했습니다. 그것은 사실주의를 향한 운동이었고 원근법, 해부학, 구성 결정의 더 큰 자유에 대한 연구에서 이미 많은 것을 달성했습니다. 그러나 회화성, 페인트 작업의 측면에서 예술가들은 여전히 ​​상당히 관습적이고 제한적이었습니다. 그림의 선은 대상의 윤곽을 명확하게 나타내었고 이미지는 그림을 그린 듯한 느낌을 주었습니다. 가장 조건적인 것은 풍경이었습니다. 부역. .

Leonardo는 새로운 것을 실현하고 구현했습니다. 회화 기법. 그의 선은 흐려질 권리가 있습니다. 왜냐하면 그것이 우리가 보는 방식이기 때문입니다. 그는 공기 중에 빛이 산란되는 현상과 스푸마토(관객과 묘사된 물체 사이의 연무)가 나타나 색상 대비와 선을 부드럽게 한다는 것을 깨달았습니다. 그 결과 회화의 리얼리즘은 질적으로 새로운 수준으로 이동했습니다. . 르네상스 회화 보티첼리 르네상스

라파엘 산티(1483년 3월 28일 - 1520년 4월 6일) - 위대한 이탈리아 화가, 그래픽 아티스트 및 건축가, Umbrian 학교 대표 ..

화가 조반니 산티의 아들은 아버지 조반니 산티와 함께 ​​우르비노에서 초기 예술 교육을 받았지만 어린 나이에 화실에 들어가게 되었습니다. 뛰어난 예술가피에트로 페루지노. 정확히 예술적 언어대칭적이고 균형 잡힌 구성을 향한 중력, 공간 해상도의 명확성, 색상과 조명을 해결하는 부드러움과 함께 페루지노 그림의 구상성은 젊은 라파엘로의 방식에 주요한 영향을 미쳤습니다.

Raphael의 창의적인 스타일에는 기술의 합성과 다른 마스터의 발견이 포함되어 있음을 규정하는 것도 필요합니다. 처음에 Raphael은 Perugino의 경험에 의존했고 나중에 Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo의 발견에 의존했습니다. .

초기 작품( "Madonna Conestabile"1502-1503)은 우아하고 부드러운 서정으로 가득 차 있습니다. 인간의 지상 존재, 영적 조화와 체력흠 잡을 데없는 비율, 리듬, 비율, 색상의 유포니, 인물의 통일성 및 장엄한 건축 배경을 달성 한 바티칸 (1509-1517)의 방 벽화에서 영광을 얻었습니다 ..

피렌체에서 미켈란젤로와 레오나르도의 작품을 접한 라파엘은 그들로부터 인체의 해부학적으로 정확한 이미지를 배웠습니다. 25 세에 예술가는 로마로 갔고 그 순간부터 그의 작품의 전성기를 시작합니다. 그는 바티칸 궁전 (1509-1511)에서 기념비적 인 벽화를 그립니다. 마스터 - 프레스코화 "아테네 학당"은 다음과 같이 씁니다. 제단 작곡디자인과 실행의 조화로 구별되는 이젤 그림은 건축가로 활동합니다 (한동안 Raphael은 성 베드로 대성당 건설을 감독하기도 함). 마돈나의 이미지로 예술가를 구현한 그의 이상에 대한 지칠 줄 모르는 검색에서 그는 모성과 극기의 상징인 "시스티나 마돈나"(1513)라는 가장 완벽한 창조물을 창조합니다. 라파엘로의 그림과 벽화는 그의 동시대인들에게 인정받았고 곧 산티는 로마 예술 생활의 중심 인물이 되었습니다. Raphael의 절친한 친구인 Bibbiena 추기경을 포함하여 이탈리아의 많은 귀족들이 예술가와 결혼하기를 원했습니다. 작가는 서른일곱의 나이에 심부전으로 세상을 떠났다. Villa Farnesina, Vatican Loggias 및 기타 작품의 미완성 그림은 그의 스케치와 그림에 따라 Raphael의 학생들이 완성했습니다.

전체의 강조된 균형과 조화, 구성의 균형, 리듬의 규칙 성 및 색상 가능성의 섬세한 사용이 특징 인 높은 르네상스 예술의 가장 큰 대표자 중 하나입니다. 라인의 완벽한 명령과 중요한 것을 일반화하고 강조하는 능력으로 인해 Raphael은 역사상 가장 뛰어난 드로잉 마스터 중 한 명이 되었습니다. 라파엘로의 유산은 유럽의 학문이 형성되는 과정에서 하나의 기둥 역할을 했다. Carracci 형제, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov 및 기타 많은 예술가와 같은 고전주의 지지자들은 세계 예술에서 가장 완벽한 현상으로 Raphael의 유산을 칭찬했습니다.

티치아노 베첼리오(1476/1477 또는 1480s-1576) - 이탈리아 르네상스 화가. Titian의 이름은 Michelangelo, Leonardo da Vinci 및 Raphael과 같은 르네상스 예술가와 동등합니다. Titian은 성서와 신화 주제에 대한 그림을 그렸고 초상화 화가로 유명해졌습니다. 그는 왕과 교황, 추기경, 공작, 왕자들의 위임을 받았습니다. 티치아노가 베니스 최고의 화가로 인정받았을 때 그는 서른 살도 되지 않았습니다.

그의 출생지(Belluno 지방의 Pieve di Cadore)에서 그는 때때로 da Cadore라고 불립니다. 신성한 티치아노라고도 합니다.

Titian은 정치가이자 군사 지도자 인 Gregorio Vecellio의 가족으로 태어났습니다. 10세에 그는 형과 함께 유명한 모자이크 화가 Sebastian Zuccato와 함께 공부하기 위해 베니스로 보내졌습니다. 몇 년 후 그는 견습생으로 Giovanni Bellini의 스튜디오에 들어갔습니다. 그는 Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco(Giorgione) 및 나중에 유명해진 많은 다른 예술가들과 함께 공부했습니다.

1518 년에 Titian은 1515 년에 세례 요한의 머리를 가진 살로메 인 "하나님의 어머니의 승천"이라는 그림을 그립니다. 1519년부터 1526년까지 그는 Pesaro 가족의 제단을 포함하여 여러 제단을 그렸습니다.

티치아노는 살았다 긴 수명. 전에 지난 날들그는 일을 멈추지 않았다. 나의 마지막 사진, "그리스도의 애도", Titian은 자신의 묘비를 위해 썼습니다. 화가는 1576년 8월 27일 베네치아에서 아들을 돌보던 중 전염병에 걸려 세상을 떠났다.

황제 Charles V는 Titian을 자신에게 소환하고 명예와 존경심으로 그를 둘러싸고 한 번 이상 말했습니다. "나는 공작을 만들 수 있지만 두 번째 Titian은 어디에서 얻을 수 있습니까?" 어느 날 화가가 붓을 떨어뜨리자 샤를 5세는 붓을 집어 들고 이렇게 말했습니다. 스페인과 프랑스 왕은 모두 Titian을 그들의 자리로 초대하여 법정에 정착했지만 명령을 마친 예술가는 항상 고향 베니스로 돌아 왔고 Mercury의 분화구는 Titian을 기리기 위해 명명되었습니다. .

이탈리아는 항상 예술가들로 유명한 나라입니다. 한때 이탈리아에 살았던 거장들은 전 세계적으로 예술을 찬양했습니다. 이탈리아 예술가, 조각가, 건축가가 없었다면 오늘날 세상은 매우 달라졌을 것입니다. 에서 가장 중요한 이탈리아 미술, 물론 로 계산됩니다. 르네상스 또는 르네상스의 이탈리아는 전례없는 부상과 번영에 도달했습니다. 재능있는 예술가, 조각가, 발명가, 당시 등장한 진정한 천재는 여전히 모든 학생에게 알려져 있습니다. 오늘날 그들의 예술, 창의성, 아이디어, 발전은 세계 예술과 문화가 구축되는 핵심인 고전으로 간주됩니다.

가장 많은 것 중 하나 유명한 천재들이탈리아 르네상스는 물론 위대한 레오나르도 다빈치(1452-1519). Da Vinci는 매우 재능이 있어서 다음을 포함하여 많은 활동 영역에서 큰 성공을 거두었습니다. 미술아 그리고 과학. 인정받는 또 다른 유명한 예술가는 산드로 보티첼리(1445-1510). Botticelli의 그림은 인류에게 진정한 선물입니다. 오늘날 밀도가 가장 높습니다. 유명한 박물관세상과 정말 귀중합니다. Leonardo da Vinci와 Botticelli보다 덜 유명하지 않습니다. 라파엘 산티(1483-1520), 그는 38년 동안 살았고 이 기간 동안 초기 르네상스의 가장 밝은 예 중 하나가 된 놀라운 그림의 전체 레이어를 만들 수 있었습니다. 또 다른 위대한 천재 이탈리아 르네상스의심의 여지가 없다 미켈란젤로 부오나로티(1475-1564). 회화 외에도 미켈란젤로는 조각, 건축 및 시에 종사했으며 이러한 예술에서 큰 성과를 거두었습니다. "David"라고 불리는 미켈란젤로의 동상은 조각 예술의 최고 업적의 예인 탁월한 걸작으로 간주됩니다.

위에서 언급한 예술가 외에도 르네상스 이탈리아의 가장 위대한 예술가는 Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi 및 기타.. 그들 모두는 대표적인 예매우 기쁜 베네치아 학교그림. 피렌체 학교로 이탈리아 회화 Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto와 같은 예술가에 속합니다.

르네상스 시대와 후기 르네상스 시대, 그리고 수세기 후 전 세계에 알려지고 회화 예술을 영화 롭게 한 모든 예술가를 나열하기 위해 모든 유형과 장르의 기초가되는 기본 원칙과 법칙을 개발했습니다. 순수 예술, 아마도 저술하는 데 몇 권이 필요할지 모르지만, 이 목록은 위대한 이탈리아 예술가들이 우리가 알고 있고, 사랑하고, 영원히 감사할 바로 그 예술이라는 것을 이해하기에 충분합니다!

위대한 이탈리아 예술가들의 그림

안드레아 만테냐 - 카메라 속의 프레스코 델리 스포지

조르조네 - 세 명의 철학자

레오나르도 다빈치 - 모나리자

니콜라 푸생 - 스키피오의 관대함

파올로 베로네세 - 레판토 해전

르네상스는 이탈리아에서 시작되었습니다. 14세기에 시작되어 유럽 사회와 문화에 큰 영향을 미친 날카로운 지적, 예술적 번영으로 인해 그 이름을 얻었습니다. 르네상스는 회화뿐만 아니라 건축, 조각, 문학에서도 표현되었다. 르네상스의 가장 저명한 대표자는 Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo 및 Raphael입니다.

이 기간 동안 화가의 주요 목표는 사실적인 이미지인체를 주로 그렸기 때문에 주로 사람을 그렸으며 다양한 종교적인 주제를 그렸다. 원근법도 발명되어 예술가들에게 새로운 기회를 열었습니다.

피렌체는 르네상스의 중심지가 되었고, 그 뒤를 이어 베네치아, 그리고 16세기에 가까워진 로마가 그 뒤를 이었습니다.

Leonardo는 재능있는 화가, 조각가, 과학자, 엔지니어 및 르네상스 건축가로 알려져 있습니다. Leonardo는 평생 동안 피렌체에서 일하면서 전 세계에 알려진 많은 걸작을 만들었습니다. 그중에는 "Mona Lisa"(그렇지 않으면 "Gioconda"), "Lady with an Ermine", "Madonna Benois", "John the Baptist"및 "St. 마리아와 아기 예수와 함께 있는 안나.

이 아티스트는 수년에 걸쳐 개발한 독특한 스타일로 인해 알아볼 수 있습니다. 그는 또한 교황 식스토 4세의 개인적인 요청에 따라 시스티나 예배당의 벽을 그렸습니다. Botticelli는 신화적인 주제로 유명한 그림을 그렸습니다. 이러한 그림에는 "봄", "팔라스와 켄타우로스", "비너스의 탄생"이 포함됩니다.

Titian은 피렌체 예술가 학교의 수장이었습니다. 그의 스승인 벨리니가 죽은 후, 티치아노는 베네치아 공화국의 공식적이고 일반적으로 인정받는 예술가가 되었습니다. 이 화가는 초상화로 유명하다. 종교적 주제: "성모 마리아의 승천", "다내", "지상의 사랑과 천상의 사랑".

이탈리아의 시인, 조각가, 건축가 및 예술가는 많은 걸작을 묘사했으며 그 중 대리석으로 만든 유명한 "다비드" 동상이 있습니다. 이 동상은 피렌체의 주요 명소가 되었습니다. 미켈란젤로는 바티칸에 있는 시스티나 예배당의 둥근 천장을 그렸습니다. 큰 주문교황 율리우스 2세. 작업 기간 동안 그는 건축에 더 많은 관심을 기울 였지만 "성 베드로의 십자가", "매장", "아담의 창조", "점쟁이"를 우리에게주었습니다.

그의 작품은 레오나르도 다빈치와 미켈란젤로의 큰 영향을 받아 형성되었으며 덕분에 귀중한 경험과 기술을 얻었습니다. 그는 바티칸의 의식 홀을 그렸습니다. 인간 활동성경의 다양한 장면을 묘사합니다. 중에 유명한 그림라파엘 - " 시스틴 마돈나”, “Three Graces”, “Saint Michael and the Devil”.

이반 세르게예비치 체레고로드체프

유럽인들은 끝없는 절멸 전쟁으로 잃어버린 보물과 전통을 되살리려 했습니다. 전쟁은 사람들과 사람들이 창조한 위대한 것들을 지면에서 없애 버렸습니다. 높은 문명을 되살리려는 생각 고대 세계철학, 문학, 음악, 자연과학의 발흥, 그리고 무엇보다도 예술의 번영에 생명을 불어넣었습니다. 시대는 어떤 일도 두려워하지 않는 강하고 교육받은 사람들을 요구했습니다. "르네상스의 거물"이라고 불리는 소수의 천재들의 출현이 가능해진 것은 그들 가운데 있었습니다. 우리가 이름으로만 부르는 사람들.

르네상스는 주로 이탈리아였습니다. 따라서 이 기간 동안 예술이 최고조에 달하고 번성한 곳이 이탈리아였다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 수십 명의 타이탄, 천재, 위대하고 재능있는 예술가의 이름이 여기에 있습니다.

음악 레오나르도.

정말 운이 좋은 사람입니다! 많은 사람들이 그에 대해 말할 것입니다. 그는 드문 건강, 잘 생기고 키가 크고 파란 눈을 가졌습니다. 젊었을 때 그는 Donatella의 St. George를 연상시키는 자랑스러운 키와 함께 금발 컬을 입었습니다. 그는 전대미문의 용감한 힘과 남성적인 기량을 가졌습니다. 그는 청중 앞에서 멜로디와시를 작곡하면서 훌륭하게 노래했습니다. 재생 악기더욱이 그는 그것들을 직접 만들었습니다.

Leonardo da Vinci의 예술에 대해 동시대인과 후손들은 "훌륭한", "신성한", "위대한" 이외의 다른 정의를 찾지 못했습니다. 그의 과학적 계시에도 같은 단어가 적용됩니다. 그는 탱크, 굴착기, 헬리콥터, 잠수함, 낙하산, 자동 무기, 다이빙 헬멧, 엘리베이터를 발명했습니다. 가장 어려운 문제음향, 식물학, 의학, 우주학, 원형 극장 프로젝트 생성, 갈릴레오보다 100년 앞서 시계 진자 발명, 현재 수상 스키 그리기, 역학 이론 개발.

정말 운이 좋은 사람입니다! -많은 사람들이 그에 대해 말하고 그가 예술가, 극작가, 배우, 건축가로서 발명하고 어린 시절처럼 그들과 함께 즐거웠던 그와 지인, 안경 및 휴일을 찾고 있던 그의 사랑하는 왕자와 왕을 기억하기 시작할 것입니다.

그러나 지칠 줄 모르는 장수 레오나르도는 매일 사람들과 세계에 섭리와 통찰력을 주었고 행복 했습니까? 그는 자신의 작품의 끔찍한 운명을 예견했습니다. "최후의 만찬"파괴, 프란체스카 스포르차 기념비 촬영, 낮은 무역 및 그의 일기, 통합 문서의 사악한 절도. 총 16개의 그림만이 오늘날까지 살아 남았습니다. 조각품이 거의 없습니다. 그러나 많은 그림, 인코딩 된 그림 : 현대 공상 과학의 영웅처럼 그는 다른 사람이 사용할 수 없도록 디자인의 세부 사항을 변경했습니다.

레오나르도 다빈치가 일한 다른 유형그러나 그림은 그에게 가장 큰 명성을 가져다주었습니다.

Leonardo의 초기 그림 중 하나는 꽃을 든 마돈나 또는 Benois Madonna입니다. 이미 여기에서 아티스트는 진정한 혁신가로 나타납니다. 그는 전통적인 줄거리의 경계를 극복하고 이미지에 어머니의 기쁨과 사랑이라는 더 넓고 보편적인 의미를 부여합니다. 이 작업에서 작가의 예술의 많은 특징이 분명하게 드러났습니다. 그림의 명확한 구성과 형태의 양, 간결함과 일반화에 대한 열망, 심리적 표현력입니다.

그림 "Madonna Litta"는 작가 작업의 또 다른 특징 인 대조에 대한 연극이 명확하게 드러난 시작된 주제의 연속이었습니다. 주제는 이상적인 구성 솔루션을 나타내는 그림 "동굴의 마돈나"로 완성되었습니다. 덕분에 마돈나, 그리스도 및 천사의 묘사 된 인물이 풍경과 하나의 전체로 합쳐져 차분한 균형과 조화가 부여되었습니다.

Leonardo 작품의 정점 중 하나는 프레스코입니다. " 최후의 만찬» 산타 마리아 델라 그라치에 수도원 식당에서. 이 작품은 전체적인 구성뿐만 아니라 정확성도 인상적입니다. 레오나르도는 사도들의 심리 상태를 전달할 뿐만 아니라, 임계점, 심리적 폭발과 갈등으로 변합니다. 이 폭발은 "너희 중 하나가 나를 배반할 것이다"라는 그리스도의 말씀에 기인한다. 이 작품에서 레오나르도는 인물들의 구체적인 병치 방식을 십분 활용했는데, 덕분에 각 캐릭터가 독특한 개성과 개성으로 나타난다.

Leonard 작업의 두 번째 절정은 유명한 초상화모나리자 또는 "La Gioconda". 이 작품은 장르의 시작을 알렸다 심리적 초상 V 유럽 ​​예술. 그것이 생성되었을 때 거장수단의 전체 무기고를 훌륭하게 사용했습니다. 예술적 표현력: 날카로운 대비와 부드러운 저음, 얼어붙은 부동성과 일반적인 유동성과 가변성, 가장 미묘한 심리적 뉘앙스와 전환. 레오나르도의 모든 천재성은 놀랍도록 생생한 모나리자의 모습에 있습니다. 수수께끼 같은 미소, 풍경을 덮고 있는 신비로운 안개. 이 작품은 예술의 가장 희귀한 걸작 중 하나입니다.

모스크바의 루브르 박물관에서 가져온 Gioconda를 본 모든 사람은이 작은 캔버스 근처에서 완전한 귀머거리의 분, 자신의 모든 최고 긴장을 기억합니다. Gioconda는 미지의 대표자 인 "화성인"인 것 같았습니다. 그것은 인류 부족의 과거가 아니라 미래 여야하며, 세상이 지치지 않고 꿈꾸는 데 지치지 않을 조화의 화신입니다. .

그에 대해 할 말이 훨씬 더 많습니다. 이게 픽션도 판타지도 아니라는 사실에 놀랐다. 예를 들어 여기에서 그가 San Giovanni 대성당을 옮기겠다고 제안한 방법을 기억할 수 있습니다. 이러한 작업은 20 세기 주민 인 우리를 놀라게합니다.

레오나르도는 이렇게 말했습니다. 좋은 예술가사람과 그의 영혼의 표현이라는 두 가지 주요 항목을 작성할 수 있어야 합니다. 아니면 St. Petersburg Hermitage의 "Columbine"에 대해 말합니까? 일부 연구자들은 루브르 박물관이 아닌 "La Gioconda"라고 부릅니다.

Vinci에서 그의 이름 인 소년 Nardo : 새와 말을 지구상 최고의 생물로 간주하는 공증인의 사생아. 모두에게 사랑받고 외로운, 강철 검을 구부리고 교수형에 처한 사람들을 그립니다. 보스포러스 해협을 가로지르는 다리의 발명가이자 완벽한 도시, Corbusier 및 Niemeyer보다 더 아름답습니다. 부드러운 바리톤 목소리로 노래하며 모나리자를 미소 짓게 만든다. 마지막 공책 중 하나에 이 운 좋은 남자는 이렇게 썼습니다. "내가 사는 법을 배우는 것 같았지만 죽는 법을 배우는 것 같았습니다." 그러나 그는 "잘 사는 삶은 장수한다"고 요약했다.

Leonardo에 동의하지 않는 것이 가능합니까?

산드로 보티첼리.

산드로 보티첼리는 1445년 피렌체에서 가죽 태너 집안에서 태어났다.

Botticelli의 첫 번째 원본 작품은 The Adoration of the Magi (1740 년경)로 간주되며, 그의 원래 방식, 몽상 및 미묘한 시의 주요 속성이 이미 완전히 영향을 받았습니다. 그는 타고난 시적 감각을 타고났지만, 사색적인 슬픔의 분명한 터치가 말 그대로 모든 것에서 그를 통해 빛났습니다. 고 문자들의 화살에 괴로워하는 성 세바스찬조차도 그를 사려 깊고 무관심하게 바라 봅니다.

1470년대 후반에 보티첼리는 피렌체의 실제 통치자인 로렌조 메디치(장엄한 자)의 원에 가까워졌습니다. Lorenzo의 호화로운 정원에는 아마도 피렌체에서 가장 계몽되고 재능있는 사람들의 사회가 모였습니다. 철학자, 시인, 음악가가있었습니다. 아름다움에 대한 감탄의 분위기가 지배했고 예술의 아름다움뿐만 아니라 삶의 아름다움도 중시되었습니다. 그러나 후기 철학적 계층의 프리즘을 통해 인식되는 고대는 이상적인 예술과 이상적인 삶의 원형으로 간주되었습니다. 의심의 여지없이, 이 분위기의 영향으로 첫 번째 큰 그림 Botticelli "Primavera (봄)". 이것은 영원한 순환, 자연의 끊임없는 재생에 대한 꿈같고 세련되고 놀랍도록 아름다운 알레고리입니다. 그것은 가장 복잡하고 기발한 음악적 리듬으로 스며든다. 에덴동산에서 우아하게 춤추며 꽃으로 장식된 플로라의 모습은 그 당시에는 아직 볼 수 없었던 아름다움의 이미지로 특히 매혹적인 인상을 남겼습니다. 젊은 Botticelli는 즉시 당대의 거장들 사이에서 눈에 띄는 자리를 차지했습니다.

그가 1480년대 초 로마에서 만든 바티칸 시스티나 예배당의 성서 프레스코화 주문을 확보한 것은 젊은 화가의 높은 명성 때문이었습니다. 그는 "모세의 생애 장면", "고라, 다단, 아비론의 형벌"을 그렸으며 놀라운 구성 기술을 보여주었습니다. Botticelli가 행동을 펼치는 고대 건물의 고전적인 고요함은 묘사 된 인물과 열정의 극적인 리듬과 뚜렷하게 대조됩니다. 인체의 움직임은 복잡하고 복잡하며 폭발력으로 가득 차 있습니다. 시간과 인간의 의지의 급속한 맹공격 앞에서 눈에 보이는 세계의 무방비 상태와 조화가 흔들리는 인상을받습니다. 시스티나 예배당의 프레스코화는 시간이 지날수록 더욱 강해지는 보티첼리의 영혼 속에 살았던 깊은 불안을 처음으로 표현했습니다. 초상화 화가로서 Botticelli의 놀라운 재능이 이 프레스코화에 반영되었습니다.

1480 년대에 피렌체로 돌아온 Botticelli는 지칠 줄 모르고 계속 일했지만 "예제"의 고요한 선명도는 이미 훨씬 뒤처졌습니다. 10년 중반에 그는 유명한 <비너스의 탄생>을 썼다. 연구자들은 주인의 후기 작품에서 이전에는 그에게 이례적이었던 종교적 승영 인 도덕주의에 주목합니다.

아마도 후기 회화보다 더 중요한 것은 보티첼리의 90년대 드로잉은 " 신곡» 단테. 그는 명백하고 변장하지 않은 기쁨으로 그림을 그렸습니다. 위대한 시인의 비전은 수많은 인물의 완벽한 비율, 사려 깊은 공간 구성, 시적 단어의 시각적 등가물을 찾는 끝없는 수완으로 사랑스럽고 신중하게 전달됩니다.

정신적 폭풍과 위기에도 불구하고 Botticelli는 마지막까지 (1510 년에 사망) 위대한 예술가이자 그의 예술의 대가였습니다. 이것은 "초상화"에서 얼굴의 고귀한 조각으로 분명히 입증됩니다. 젊은 사람”, 모델의 표현적 특성으로 높은 의심의 여지가 없습니다. 인간 존엄성, 주인의 탄탄한 그림과 그의 자비로운 모습.

2014년 8월 7일

미술 대학의 학생들과 미술사에 관심이 있는 사람들은 14세기와 15세기의 전환기에 회화의 급격한 전환점인 르네상스가 일어났다는 것을 알고 있습니다. 1420년대 무렵, 모든 사람이 갑자기 그림을 훨씬 더 잘하게 되었습니다. 이미지가 왜 갑자기 사실적이고 세밀해졌고, 그림에 빛과 볼륨이 생긴 이유는 무엇일까요? 그것에 대해 오랫동안아무도 생각하지 않았다. David Hockney가 돋보기를 집어들 때까지.

그가 무엇을 찾았는지 알아봅시다...

어느 날 그는 19세기 프랑스 학교의 지도자인 장 오귀스트 도미니크 앵그르의 그림을 보고 있었다. Hockney는 자신의 작은 그림을 더 큰 규모로 보는 데 관심을 갖게 되었고 복사기로 확대했습니다. 그렇게 그는 르네상스 이후 회화사의 은밀한 면을 우연히 발견했다.

Ingres의 작은(약 30cm) 그림을 복사한 후 Hockney는 그 그림이 얼마나 사실적인지에 놀랐습니다. 그리고 Ingres의 대사는 그에게 의미가 있는 것 같았습니다.
상기시키다. 그들은 그에게 워홀의 작품을 상기시킨다는 것이 밝혀졌습니다. 그리고 Warhol은 이것을했습니다. 그는 사진을 캔버스에 투사하고 윤곽을 그렸습니다.

왼쪽: Ingres 드로잉의 세부 사항. 오른쪽: 마오쩌둥 워홀의 그림

흥미로운 사례라고 Hockney는 말합니다. 분명히 Ingres는 예를 들어 태블릿 스탠드에 부착되는 프리즘이 있는 구조인 장치인 Camera Lucida를 사용했습니다. 따라서 한 눈으로 자신의 그림을 보는 작가는 실제 이미지를 보고 다른 눈으로는 실제 그림과 그의 손을 본다. 실제 비율을 종이에 정확하게 전송할 수 있는 착시 현상이 나타납니다. 그리고 이것이 바로 이미지의 사실주의를 "보장"하는 것입니다.

루시다 카메라로 초상화 그리기, 1807

그런 다음 Hockney는이 "광학"유형의 그림과 그림에 진지하게 관심을 갖게되었습니다. 그의 스튜디오에서 그는 팀과 함께 수세기에 걸쳐 만들어진 수백 점의 복제품을 벽에 걸었습니다. "진짜"로 보이는 작품과 그렇지 않은 작품. 제작 시간과 지역(북쪽은 위쪽, 남쪽은 아래쪽)으로 정렬한 Hockney와 그의 팀은 14~15세기로 접어들면서 회화의 급격한 전환점을 보았습니다. 일반적으로 예술사에 대해 조금이라도 아는 사람은 모두 르네상스를 알고 있습니다.

같은 카메라 루시다를 사용했을까요? 1807년 William Hyde Wollaston이 특허를 받았습니다. 사실, 그러한 장치는 1611년 그의 작품 Dioptrice에서 Johannes Kepler에 의해 다시 설명됩니다. 그렇다면 그들은 또 다른 광학 장치인 카메라 옵스큐라를 사용했을까요? 결국 그것은 아리스토텔레스 시대부터 알려져 왔으며 작은 구멍을 통해 빛이 들어오는 암실이므로 암실에서 구멍 앞에 있지만 거꾸로 된 투영이 얻어집니다. 모든 것이 괜찮을 것이지만 렌즈없이 카메라 옵스큐라를 투사 할 때 얻은 이미지는 가볍게 말하면 고품질이 아니며 선명하지 않으며 크기는 말할 것도없고 밝은 빛이 많이 필요합니다. 프로젝션. 그러나 16세기까지는 고품질 렌즈를 만드는 것이 거의 불가능했습니다. 당시에는 그런 고품질 유리를 만들 방법이 없었기 때문입니다. Hockney는 그때쯤 이미 물리학자 Charles Falco와 문제를 놓고 씨름하고 있었다고 생각했습니다.

그런데 초기 르네상스 플랑드르 화가 브뤼헤 출신의 거장 얀 반 에이크의 그림에 실마리가 숨어 있다. 이 그림은 "Cheta Arnolfini의 초상화"라고 불립니다.

얀 반 에이크 "아르놀피니의 초상" 1434

이 그림은 1434년에만 그려졌기 때문에 매우 흥미로운 엄청난 양의 디테일로 단순히 빛납니다. 그리고 작가가 이미지의 사실주의에서 어떻게 그렇게 큰 발걸음을 내딛을 수 있었는지에 대한 힌트는 거울입니다. 또한 촛대 - 믿을 수 없을 정도로 복잡하고 현실적입니다.

호크니는 호기심으로 가득 차 있었다. 그는 그런 샹들리에의 사본을 가지고 그것을 그려 보았습니다. 작가는 이처럼 복잡한 것은 원근법으로 그리기 어렵다는 사실에 직면했다. 또 다른 중요한 점이 금속 오브제 이미지의 물질성이었다. 강철 물체를 묘사할 때 하이라이트를 최대한 사실적으로 배치하는 것이 매우 중요합니다. 이렇게 하면 엄청난 사실감을 얻을 수 있습니다. 하지만 이러한 하이라이트의 문제점은 보는 사람이나 작가의 시선이 움직일 때마다 움직인다는 점인데, 이는 전혀 포착하기가 쉽지 않다는 것을 의미한다. 메탈과 섬광의 리얼한 이미지와 특징르네상스 그림, 그 전에는 예술가들이 시도조차하지 않았습니다.

Hockney의 팀은 샹들리에의 정확한 3D 모델을 재현함으로써 The Arnolfini의 샹들리에가 단일 소실점이 있는 실제 원근법으로 그려지도록 했습니다. 그러나 문제는 이 그림이 그려진 지 약 100년이 지나도록 렌즈가 달린 카메라 옵스큐라와 같은 정밀한 광학 기기가 존재하지 않았다는 것입니다.

Jan van Eyck "Arnolfini 부부의 초상화"1434의 그림 조각

확대된 조각은 "아르놀피니의 초상" 그림의 거울이 볼록하다는 것을 보여줍니다. 그래서 반대로 거울이있었습니다 - 오목합니다. 더욱이 그 당시에는 그러한 거울이 이런 식으로 만들어졌습니다. 유리 구를 가져다가 바닥을은으로 덮은 다음 바닥을 제외한 모든 것이 잘 렸습니다. 거울의 뒷면은 어둡지 않았습니다. 따라서 Jan van Eyck의 오목 거울은 그림에 표시된 것과 동일한 거울일 수 있습니다. 반대쪽. 그리고 모든 물리학자는 거울이 무엇인지 알고 있습니다. 거울은 반사될 때 반사된 이미지를 투사합니다. 이곳은 그의 친구인 물리학자 Charles Falco가 David Hockney의 계산과 연구를 도왔던 곳입니다.

오목 거울은 창 밖의 탑의 이미지를 캔버스에 투사합니다.

프로젝션의 명확하고 초점이 맞춰진 부분의 크기는 약 30평방 센티미터입니다. 이것은 많은 르네상스 초상화의 머리 크기입니다.

Hockney는 캔버스에 사람의 투영을 스케치합니다.

예를 들어 이것은 Giovanni Bellini(1501)의 Doge Leonardo Loredan의 초상화, Robert Campin(1430)의 남자 초상화, Jan van Eyck의 "빨간 터번을 입은 남자"의 초상화 및 많은 다른 초기 네덜란드 초상화.

르네상스 초상화

회화는 고임금 직업이었고 물론 사업의 모든 비밀은 가장 엄격한 기밀로 유지되었습니다. 초심자 모두가 비밀이 주인의 손에 있고 훔칠 수 없다고 믿었다는 것은 예술가에게 유익했습니다. 사업은 외부인에게 폐쇄되었습니다. 예술가는 길드에 있었고 안장을 만든 사람부터 거울을 만든 사람에 이르기까지 다양한 장인으로 구성되었습니다. 그리고 앤트워프에서 설립되고 1382년에 처음 언급된 세인트 루크 길드에서(그 후 유사한 길드가 많은 북부 도시, 그리고 가장 큰 길드 중 하나는 Van Eyck이 살았던 도시인 Bruges의 길드였습니다) 거울을 만드는 주인도있었습니다.

그래서 Hockney는 Van Eyck의 그림에서 복잡한 샹들리에를 그릴 수 있는 방법을 다시 만들었습니다. 당연히 Hockney가 투영한 샹들리에의 크기는 그림 "아르놀피니의 초상"에 나오는 샹들리에의 크기와 정확히 일치합니다. 그리고 물론, 금속의 하이라이트 - 프로젝션에서 그들은 여전히 ​​서 있고 아티스트가 위치를 변경할 때 변경되지 않습니다.

그러나 문제는 여전히 완전히 해결되지 않았습니다. 카메라 옵스큐라를 사용하는 데 필요한 고품질 광학 장치가 등장하기 전에 100년이 남았고 거울의 도움으로 얻은 프로젝션의 크기가 매우 작기 때문입니다. . 30평방 센티미터보다 큰 그림을 그리는 방법은 무엇입니까? 그들은 콜라주로 만들어졌습니다. 다양한 관점에서 볼 때 소실점이 많은 일종의 구형 비전이 나타났습니다. Hockney는 자신이 그러한 사진에 참여했기 때문에 이것을 깨달았습니다. 그는 정확히 동일한 효과를 얻는 많은 사진 콜라주를 만들었습니다.

거의 1세기 후인 1500년대에 마침내 유리를 잘 구하고 처리하는 것이 가능해졌습니다. 대형 렌즈가 등장했습니다. 그리고 그들은 고대부터 작동 원리가 알려진 카메라 옵스큐라에 마침내 삽입될 수 있었습니다. 렌즈가 있는 카메라 옵스큐라는 시각 예술의 놀라운 혁명이었습니다. 이제 프로젝션의 크기는 얼마든지 될 수 있기 때문입니다. 그리고 한 가지 더, 이제 이미지는 "광각"이 아니라 일반적인 측면에 관한 것입니다. 즉, 초점 거리가 35-50mm 인 렌즈로 사진을 찍을 때와 거의 동일합니다.

그러나 카메라 옵스큐라를 렌즈와 함께 사용할 때의 문제점은 렌즈에서 직접 투영되는 것이 반사광이라는 것입니다. 이로 인해 광학 사용 초기 단계에서 많은 왼손잡이가 그림을 그렸습니다. 프란스 할스 박물관에 소장된 1600년대의 이 그림처럼 왼손잡이 부부가 춤을 추고 왼손잡이 노인이 손가락으로 그들을 위협하고 왼손잡이 원숭이가 여인의 드레스 밑을 들여다보고 있다.

이 사진의 모든 사람은 왼손잡이입니다.

렌즈가 향하는 거울을 설치하여 올바른 투사를 얻음으로써 문제가 해결됩니다. 그러나 분명히 좋고 크고 큰 거울은 많은 비용이 들기 때문에 모든 사람이 가지고 있지는 않았습니다.

또 다른 문제는 초점이었습니다. 사실 투영 광선 아래 캔버스의 한 위치에있는 그림의 일부가 명확하지 않고 초점이 맞지 않았습니다. 광학의 사용이 매우 명확하게 보이는 Jan Vermeer의 작품에서 그의 작품은 일반적으로 사진처럼 보이며 "초점"에서 벗어난 곳도 볼 수 있습니다. 렌즈가 제공하는 패턴인 악명 높은 "보케"도 볼 수 있습니다. 예를 들어, 그림 "The Milkmaid"(1658)에서 바구니, 그 안의 빵, 파란색 꽃병은 초점이 맞지 않습니다. 그러나 인간의 눈은 "아웃포커스"를 볼 수 없습니다.

사진의 일부 세부 사항이 초점이 맞지 않습니다.

그리고 이 모든 것에 비추어 볼 때, 좋은 친구 Jan Vermeer는 과학자이자 미생물학자인 Anthony Phillips van Leeuwenhoek였습니다. 독특한 마스터자신의 현미경과 렌즈를 만든 사람. 과학자는 예술가의 사후 관리자가되었습니다. 그리고 이것은 Vermeer가 "지리학자"와 "천문학자"라는 두 개의 캔버스에 그의 친구를 정확히 묘사했음을 시사합니다.

초점이 맞는 부분을 보려면 투영 광선 아래에서 캔버스의 위치를 ​​변경해야 합니다. 그러나이 경우 비율의 오류가 나타났습니다. 여기에서 볼 수 있듯이 Parmigianino(약 1537)의 Anthea의 거대한 어깨, Anthony van Dyck의 "Lady Genovese"(1626)의 작은 머리, Georges de La Tour의 그림에서 농부의 거대한 발.

비율의 오류

물론 모든 아티스트는 렌즈를 다른 방식으로 사용했습니다. 스케치를 위한 누군가, 다른 부분으로 구성된 누군가 - 결국 이제 초상화를 만들고 다른 모델이나 마네킹으로 다른 모든 것을 마무리할 수 있게 되었습니다.

Velasquez가 남긴 그림은 거의 없습니다. 그러나 그의 걸작은 교황 인노첸시오 10세의 초상화(1650)로 남았다. 교황의 망토(분명 비단)에는 아름다운 빛의 유희가 있습니다. 섬광. 그리고이 모든 것을 하나의 관점에서 쓰려면 매우 열심히 노력해야했습니다. 그러나 프로젝션을 만들면이 모든 아름다움이 어디로도 사라지지 않을 것입니다. 눈부심이 더 이상 움직이지 않고 Velazquez와 같은 넓고 빠른 스트로크로 정확하게 쓸 수 있습니다.

Hockney는 Velasquez의 그림을 재현합니다.

그 후, 많은 예술가들이 카메라 옵스큐라를 살 여유가 생겼고, 큰 비밀. Canaletto는 카메라를 적극적으로 사용하여 베니스에 대한 자신의 견해를 숨기지 않았습니다. 이 그림들은 정확성 덕분에 다큐멘터리 영화 제작자로서 Canaletto에 대해 말할 수 있습니다. Canaletto 덕분에 아름다운 사진뿐만 아니라 역사 자체도 마찬가지입니다. 1746년 런던에 최초의 웨스트민스터 다리가 있었는지 볼 수 있습니다.

카날레토 "웨스트민스터 다리" 1746

영국 예술가 Joshua Reynolds 경은 카메라 옵스큐라를 소유하고 있었으며 그의 카메라가 접혀서 책처럼 보이기 때문에 아무에게도 말하지 않은 것으로 보입니다. 오늘은 런던 과학 박물관에 있습니다.

책으로 위장한 카메라 옵스큐라

마침내 19세기 초 William Henry Fox Talbot은 한 눈으로 보고 손으로 그려야 하는 루시다 카메라를 사용하여 이런 불편함을 한 번에 없애야겠다고 욕을 먹었다. 그리고 모두를 위해 화학 사진의 발명가 중 한 사람이 되었고 나중에는 그것을 대량으로 만든 대중화자가 되었습니다.

사진의 발명으로 그림의 리얼리즘에 대한 회화의 독점은 사라지고 이제 사진은 독점이 되었다. 그리고 마침내 여기에서 회화는 렌즈에서 해방되어 1400년대에 방향을 틀었던 길을 이어갔고 반 고흐는 20세기 모든 예술의 선구자가 되었습니다.

왼쪽: 비잔틴 모자이크 12세기. 오른쪽: 빈센트 반 고흐 "트라북 씨의 초상" 1889년

사진의 발명은 전체 역사에서 회화에 일어난 최고의 일입니다. 더 이상 독점적으로 실제 이미지를 만들 필요가 없었고 아티스트는 자유로워졌습니다. 물론 대중이 시각 음악에 대한 이해에서 예술가들을 따라잡고 반 고흐와 같은 사람들이 "미쳤다"는 생각을 멈추는 데 100년이 걸렸습니다. 동시에 예술가들은 사진을 " 참고 자료". 그런 다음 러시아 아방가르드 인 Wassily Kandinsky, Mark Rothko, Jackson Pollock과 같은 사람들이있었습니다. 회화에 이어 건축, 조각, 음악이 나왔다. 사실, 러시아 회화 학교는 시간에 갇히고 오늘날에도 사진을 사용하여 도움을주는 것은 여전히 ​​학원과 학교에서 부끄러운 일로 간주되며 맨손으로 가능한 한 사실적으로 그릴 수있는 순전히 기술적 인 능력이 최고의 업적으로 간주됩니다 .

David Hockney와 Falco의 연구에 참석한 저널리스트 Lawrence Weshler의 기사 덕분에 또 다른 흥미로운 사실: Van Eyck의 Arnolfinis 초상화는 Bruges의 이탈리아 상인 초상화입니다. Arnolfini 씨는 피렌체 사람이며 또한 Medici 은행의 대표자입니다 (실제로 이탈리아 르네상스 예술의 후원자로 간주되는 르네상스 플로렌스의 거장). 무슨 말을하는 거니? 그가 전통 역사에 따르면 르네상스가 시작된 피렌체와 브뤼헤의 예술가들 (따라서 다른 거장들)이 그와 함께 거울 인 성 루크 길드의 비밀을 쉽게 가져갈 수 있다는 사실은 "기본"으로 간주됩니다.

Hockney-Falco 이론을 둘러싼 많은 논란이 있습니다. 그러나 거기에는 확실히 진실이 있습니다. 미술 평론가, 평론가, 역사가들은 상상조차 하기 어렵습니다. 과학 논문사실 역사와 예술에 관한 것은 완전히 말도 안되는 것으로 판명되었지만 이것은 예술의 전체 역사, 모든 이론 및 텍스트를 바꿉니다.

광학 사용의 사실은 예술가의 재능을 최소한으로 손상시키지 않습니다. 결국 기술은 예술가가 원하는 것을 전달하는 수단입니다. 그리고 반대로, 이 사진들에 있는 것이 가장 진짜 현실, 그들에게 무게를 더할뿐입니다. 결국 이것은 그 당시의 사람들, 사물, 건물, 도시의 모습입니다. 이것들은 실제 문서입니다.