재즈 설명. 재즈: 무엇인가(정의), 출현의 역사, 재즈의 발상지

재즈는 아프리카와 아프리카의 합성 결과로 발생한 음악 예술의 한 유형입니다. 유럽 ​​문화아프리카 계 미국인 민속을 특징으로합니다. 리듬과 즉흥 연주는 아프리카 음악에서, 하모니는 유럽에서 차용했습니다.

형성의 기원에 대한 일반 정보

재즈의 역사는 1910년 미국에서 시작됩니다. 전 세계로 빠르게 퍼졌습니다. 20세기 동안 음악의 이러한 방향은 많은 변화를 겪었다. 재즈 출현의 역사에 대해 간략히 이야기하면 형성 과정에서 여러 단계의 개발 단계가 통과되었다는 점에 유의해야합니다. 1930년대와 1940년대에는 스윙과 비밥 무브먼트의 영향을 많이 받았다. 1950년 이후 재즈는 그 결과로 발전한 모든 스타일을 포함하는 음악 장르로 간주되기 시작했습니다.

재즈는 이제 영역에서 그 자리를 차지했습니다. 고급 예술. 그것은 세계 음악 문화의 발전에 영향을 미치는 상당히 권위있는 것으로 간주됩니다.

재즈 출현의 역사

이 방향은 여러 음악 문화의 합병의 결과로 미국에서 발생했습니다. 재즈 기원의 역사는 북미에서 시작되며 대부분 영국과 프랑스 프로테스탄트가 거주했습니다. 종교 선교사들은 영혼의 구원에 관심을 갖고 흑인들을 그들의 신앙으로 개종시키려고 노력했습니다.

문화 합성의 결과는 영가와 블루스의 출현입니다.

아프리카 음악은 즉흥 연주, 폴리리듬, 폴리메트리, 선형성이 특징입니다. 여기에서 리드미컬한 시작에 큰 역할이 할당됩니다. 멜로디와 화음의 가치는 그다지 중요하지 않습니다. 이것은 아프리카 음악이 가지고 있다는 사실 때문입니다. 적용된 값. 그것은 노동 활동, 의식을 동반합니다. 아프리카 음악은 독립적이지 않으며 동작, 춤, 암송과 관련이 있습니다. 연주자의 감정 상태에 따라 달라지기 때문에 억양은 매우 자유 롭습니다.

보다 합리적인 유럽 음악에서 재즈는 모달 메이저-마이너 시스템, 멜로디 구성 및 하모니로 풍부해졌습니다.

문화 통합 과정은 18세기에 시작되어 20세기에 재즈의 출현으로 이어졌습니다.

뉴올리언스 학창시절

재즈의 역사에서 최초의 악기 스타일은 루이지애나에서 시작된 것으로 간주됩니다. 이 음악은 그 당시 매우 인기가 있었던 거리 브라스 밴드의 공연에 처음으로 등장했습니다. 이 항구 도시에서 재즈 출현의 역사에서 가장 중요한 것은 유흥 장소를 위해 특별히 할당된 도시 지역인 Storyville이었습니다. 재즈가 탄생한 곳은 바로 이곳, 흑인 프랑스계 크리올 음악가들 사이에서였습니다. 그들은 가벼운 클래식 음악을 알고 교육을 받았으며 유럽 연주 기술을 습득하고 유럽 악기를 연주하고 메모를 읽었습니다. 그들의 높은 수준의 공연과 유럽 전통에 대한 양육은 아프리카의 영향을 받지 않는 요소로 초기 재즈를 풍부하게 했습니다.

피아노는 또한 Storyville 시설의 일반적인 악기였습니다. 대부분 즉흥 연주가 여기에서 들리고 악기는 타악기로 더 많이 사용되었습니다.

초기 뉴올리언스 스타일의 예는 1895-1907년에 존재했던 Buddy Bolden Orchestra(코넷)입니다. 이 오케스트라의 음악은 다성 구조의 집단적 즉흥 연주에 기반을 두고 있습니다. 처음에는 밴드의 기원이 군악대에서 나왔기 때문에 초기 뉴올리언스 재즈 작곡의 리듬이 행진하고 있었다. 시간이 지남에 따라 브라스 밴드의 표준 구성에서 보조 악기가 제거되었습니다. 이러한 앙상블은 종종 대회를 조직했습니다. 그들은 또한 기술적 인 플레이로 구별되지만 덜 감정적 인 "백인"라인업이 참석했습니다.

행진곡, 블루스, 래그타임 등을 연주하는 오케스트라가 많았다.

Negro 오케스트라와 함께 백인 음악가로 구성된 오케스트라도 등장했습니다. 처음에 그들은 같은 음악을 연주했지만 "Dixielands"라고 불 렸습니다. 나중에 이러한 구성은 유럽 기술의 더 많은 요소를 사용하여 사운드 생성 방식을 변경합니다.

스팀보트 밴드

재즈 기원의 역사에서 미시시피 강을 순항하는 증기선에서 일했던 뉴올리언스 오케스트라가 특정한 역할을 했습니다. 유람선을 타고 여행하는 승객들에게 가장 매력적인 엔터테인먼트 중 하나는 그러한 오케스트라의 공연이었습니다. 그들은 재미있는 댄스 음악을 연주했습니다. 연주자에게 필수 요구 사항은 음악 문해력에 대한 지식과 악보에서 음표를 읽을 수 있는 능력이었습니다. 따라서 이러한 구성은 상당히 높은 전문 수준을 가졌습니다. 그런 오케스트라에서 나중에 Louis Armstrong의 아내가 된 재즈 피아니스트 Lil Hardin이 경력을 시작했습니다.

배가 정차하는 역에서 오케스트라는 지역 주민들을 위해 콘서트를 조직했습니다.

밴드 중 일부는 미시시피 강과 미주리 강을 따라 있거나 강에서 멀리 떨어진 도시에 남아있었습니다. 그런 도시 중 하나가 시카고였는데, 그곳에서 흑인들은 남미보다 더 편안함을 느꼈습니다.

빅 밴드

20세기 초 20년대 초반 재즈 음악사에서 발전한 빅밴드의 한 형태는 40년대 말까지 관련성을 유지했다. 그러한 오케스트라의 연주자들은 배운 부분을 연주했습니다. 오케스트레이션은 황동이 연주하는 풍부한 재즈 하모니의 밝은 사운드를 가정했으며 가장 유명한 재즈 오케스트라는 Glenn Miller, Benny Goodman, Count Basie, Jimmy Lunsford의 오케스트라였습니다. 이들은 스윙 멜로디의 진정한 히트곡을 녹음했고, 이는 다양한 리스너들에게 스윙 열풍을 불러일으켰다. 그 당시 열린 "오케스트라의 전투"에서 빅 밴드 솔로 즉흥 연주자들은 청중을 히스테리로 몰아 넣었습니다.

빅 밴드의 인기가 쇠퇴한 50년대 이후, 수십 년 동안 유명한 오케스트라는 순회 공연과 음반 녹음을 계속했습니다. 그들이 연주하는 음악은 새로운 방향의 영향을 받아 바뀌었습니다. 오늘날 빅밴드는 재즈 교육의 표준이다.

시카고 재즈

1917년, 미국은 제1차 세계대전에 참전합니다. 이와 관련하여 전략적 중요성의 도시로 선언되었습니다. 많은 뮤지션들이 일하는 모든 엔터테인먼트 장소를 폐쇄했습니다. 실직 상태로 남겨진 그들은 일제히 북부의 시카고로 이주했습니다. 이 기간 동안 뉴 올리언스와 다른 도시에서 온 최고의 뮤지션이 모두 있습니다. 가장 밝은 공연자 중 한 명은 뉴 올리언스에서 유명해진 Joe Oliver였습니다. 시카고 기간 동안 그의 밴드에는 Louis Armstrong(두 번째 코넷), Johnny Dodds(클라리넷), 그의 형제 "Babby" Dodds(드럼), 시카고의 젊고 교육받은 피아니스트 Lil Hardin 등 유명한 뮤지션이 포함되었습니다. 이 오케스트라는 즉흥적인 풀 텍스처 뉴올리언즈 재즈를 연주했습니다.

재즈 발전의 역사를 분석하면 시카고 시대에 오케스트라의 소리가 스타일적으로 변했다는 점에 주목해야 합니다. 일부 도구가 교체되고 있습니다. 정지된 공연은 필수 밴드 멤버가 되는 것을 허용할 수 있습니다. 윈드베이스 대신 더블베이스가 사용되며 밴조 대신 기타가 사용되며 코넷 대신 트럼펫이 사용됩니다. 드럼 그룹에도 변화가 있습니다. 이제 드러머는 그의 가능성이 더 넓어지는 드럼 세트에서 연주합니다.

동시에 색소폰은 오케스트라에서 사용되기 시작했습니다.

시카고 재즈의 역사는 악보를 읽고 편곡할 수 있는 음악 교육을 받은 젊은 연주자들의 새로운 이름으로 보충됩니다. 이 음악가들(주로 백인)은 진정한 뉴올리언스 재즈 사운드를 몰랐지만 시카고로 이주한 흑인 연주자들에게서 배웠습니다. 뮤지컬 청년들이 그들을 모방했지만 이것이 항상 잘 풀리지 않았기 때문에 새로운 스타일이 생겼습니다.

이 시기에 루이 암스트롱의 기량은 절정에 이르렀고 시카고 재즈의 본보기가 되었으며 최고 수준의 솔리스트로서의 역할을 확고히 하였다.

시카고에서 블루스가 다시 태어나 새로운 연주자들을 내세웁니다.

재즈와 무대가 융합되어 보컬리스트가 전경에 나타나기 시작합니다. 그들은 재즈 반주를 위한 자신만의 오케스트라 작곡을 만듭니다.

시카고 시대는 재즈 연주자들이 노래하는 새로운 스타일의 창조가 특징입니다. 루이 암스트롱은 이 스타일의 대표자 중 한 명입니다.

그네

재즈 창작의 역사에서 "스윙"(영어에서 "스윙"으로 번역됨)이라는 용어는 두 가지 의미로 사용됩니다. 첫째, 스윙은 이 음악에서 표현적인 수단이다. 그것은 템포 가속의 환상을 만드는 불안정한 리듬 맥동으로 구별됩니다. 그런 면에서 음악은 내면의 에너지가 크다는 인상을 받는다. 공연자와 청취자는 공통의 정신 물리적 상태로 통합됩니다. 이 효과는 리듬, 프레이징, 조음 및 음색 기술을 사용하여 달성됩니다. 모든 재즈 뮤지션은 자신만의 독창적인 스윙 음악 방식을 개발하기 위해 노력합니다. 앙상블과 오케스트라도 마찬가지입니다.

둘째, 이것은 20세기 후반 20년대에 등장한 오케스트라 재즈의 스타일 중 하나이다.

스윙 스타일의 특징은 상당히 복잡한 반주를 배경으로 한 솔로 즉흥 연주입니다. 이 스타일에서는 좋은 기술, 하모니에 대한 지식 및 기술 숙달을 가진 음악가가 작업할 수 있습니다. 음악적 발전. 이러한 음악 제작을 위해 오케스트라나 빅 밴드의 대규모 앙상블이 제공되어 30년대에 유행하였다. 오케스트라의 표준 구성에는 전통적으로 10-20 명의 뮤지션이 포함되었습니다. 이 중 3 ~ 5 개의 파이프, 같은 수의 트롬본, 클라리넷이 포함 된 색소폰 그룹, 피아노, 현악기, 기타 및 타악기로 구성된 리듬 섹션.

밥

20세기 40년대 중반에 새로운 재즈 스타일이 형성되었고 그 모습은 현대 재즈 역사의 시작을 알렸습니다. 이 스타일은 스윙에 대한 반대에서 시작되었습니다. Dizzy Gillespie와 Charlie Parker가 소개한 매우 빠른 템포를 가지고 있었습니다. 이것은 공연자의 범위를 전문가로만 제한하는 특정 목표로 수행되었습니다.

음악가들은 완전히 새로운 리듬 패턴과 멜로디 턴을 사용했습니다. 화성 언어가 더 복잡해졌습니다. 큰 드럼(스윙 중)의 리드미컬한 베이스가 심벌즈로 이동했습니다. 어떤 춤도 음악에서 완전히 사라졌습니다.

재즈 스타일의 역사에서 비밥은 대중 음악의 영역을 실험적 창의성으로, "순수한" 형태의 예술 영역으로 떠난 최초의 사람입니다. 이것은 학업에 대한 이러한 스타일의 대표자들의 관심과 관련하여 발생했습니다.

Bopers는 터무니없는 외모와 태도로 구별되어 개성을 강조했습니다.

비밥 음악은 작은 작곡의 앙상블에 의해 연주되었습니다. 전경에는 자신만의 스타일, 거장 기술, 창의적 사고, 자유로운 즉흥 연주의 숙달을 가진 솔리스트가 있습니다.

스윙과 비교할 때 이 방향은 보다 예술적이고 지적이지만 덜 거대합니다. 반상업적이었습니다. 그럼에도 불구하고 비밥은 빠르게 퍼지기 시작했고 독자적인 청중이 많았습니다.

재즈 영역

재즈의 역사에서 거주 국가에 관계없이 전 세계 음악가와 청취자의 끊임없는 관심에 주목할 필요가 있습니다. 이것은 Dizzy Gillespie, Dave Brubeck, Duke Ellington 및 기타 많은 재즈 아티스트가 다양한 음악 문화의 합성을 기반으로 작곡을 구성했기 때문입니다. 이 사실재즈는 전 세계적으로 이해되는 음악이라고 말합니다.

현재까지 재즈의 역사는 계속되고 있습니다. 이 음악의 발전 가능성이 상당히 크기 때문입니다.

소련과 러시아의 재즈 음악

소련의 재즈는 부르주아 문화의 표현으로 간주되어 당국에 의해 비판되고 금지되었습니다.

그러나 1922년 10월 1일은 소련 최초의 전문 재즈 오케스트라의 콘서트로 표시되었습니다. 이 오케스트라는 세련된 Charleston과 Foxtrot 댄스를 연주했습니다.

러시아 재즈의 역사에는 피아니스트이자 작곡가, 최초의 재즈 오케스트라 Alexander Tsfasman, 가수 Leonid Utyosov 및 트럼펫 연주자 Y. Skomorovsky와 같은 재능있는 음악가의 이름이 포함됩니다.

50년대 이후 본격적으로 활동하기 시작한 창의적인 활동크고 작은 많은 재즈 앙상블이 있으며 그중에는 오늘날까지 살아남은 Oleg Lundstrem의 재즈 오케스트라가 있습니다.

현재 모스크바에서는 세계적으로 유명한 재즈 밴드와 솔로 연주자들이 참여하는 재즈 페스티벌이 매년 열리고 있습니다.

재즈 발전의 역사

재즈

재즈 역사상 위대한 인물 인 루이 암스트롱 (Louis Armstrong)조차도 이해해야한다고 말한 사람이 그렇게하지 않았기 때문에 재즈가 무엇인지 감히 설명 할 사람은 없을 것입니다. 실제로 재즈, 그 역사, 기원, 수정 및 분기는 너무 다양하고 다면적이어서 간단하고 포괄적인 정의를 내릴 수 없습니다. 그러나이 음악적 방향의 본질을 명확히하는 순간이 있습니다.

재즈는 여러 음악 문화와 국가 전통의 조합으로 발생했습니다. 처음에는 아프리카 땅에서 유아기에 도착했으며 발달 된 서양 음악과 그 흐름 (블루스, 정규 시간) 및 음악 아프리카 민속과의 조합의 영향으로 오늘날까지 죽지 않는 스타일을 얻었습니다. - 재즈.

재즈는 리듬, 불일치, 교차점, 음조 및 피치를 준수하지 않는 상태로 살고 있습니다. 모든 음악은 대립과 모순을 바탕으로 만들어지지만, 하나의 음악에서 모든 것이 조화롭게 결합되어 그 멜로디와 특별한 매력을 발산합니다.

드문 예외를 제외하고 최초의 재즈 맨은 소리, 속도 또는 템포가있는 즉흥 연주가있는 재즈 오케스트라의 전통을 만들었으며 악기 및 연주자의 수를 확장하여 교향곡 전통을 끌어들였습니다. 많은 재즈맨들이 재즈 앙상블을 연주하는 예술의 전통을 발전시키는 데 그들의 예술을 투자했습니다.

재즈의 리듬 속에서 평생을 살았던 뛰어난 연주자의 등장 이후에도 여전히 전설로 남아 있습니다. 루이 암스트롱, 재즈 공연 예술은 그 자체로 새로운 특이한 지평을 보았습니다. 보컬 또는 기악 솔로 연주가 전체 공연의 중심이 됩니다. , 재즈에 대한 완전히 변화하는 아이디어.

그리고 이것은 재즈 스타일의 또 다른 특징을 설명할 기회가 발생하는 곳입니다. 이것은 재즈 거장의 독특한 개별 공연이며, 이것은 그 순간에 그와 음악 청취자들에 의한 그의 공연과 즐거움입니다. 그리고 재즈의 영원한 젊음의 열쇠는 즉흥 연주입니다. 재즈에는 정신이 있지만 모든 것을 하나로 묶을 뼈대가 없습니다. 색소폰을 피아노로 바꾸거나 의자를 내려놓고 마이크를 잡고 그래도 안되면 트럼펫으로 돌아가서 암스트롱과 베쳇이 연주하지 않은 것을 연주해 보세요.

재즈는 특정 유형의 음악 공연일 뿐만 아니라 특유의 경쾌한 시대이기도 합니다.

태생

재즈의 발상지에 대한 질문은 알려져 있습니다. 미국이지만 어디에서 왔습니까?

재즈는 독특한 퓨전으로 등장합니다. 그리고 원산지를 보장하는 구성 요소 중 하나는 아프리카 원산지로 간주됩니다. 아프리카 정착민들은 강력한 유럽과 미국의 영향력을 배경으로 발전한 고유한 문화를 가져왔습니다.

조상과의 연결이 실제로 끊어졌지만 공동체와 그 규칙 (행동 규범, 전통)은 도착한 사람들의 피 속에 있습니다. 그리고 원래 문화의 통합적 표현인 음악은 아프리카 원주민 문화와 다른 대륙의 새로운 삶을 연결하는 연결 고리 중 하나가 되었습니다.

리듬과 춤, 몸가소성, 박수 등으로 가미된 아프리카계 미국인의 성악은 새로운 음악 하위 문화로 성장했습니다. 아프리카 음악은 유럽 모델과 완전히 다르며 은하계 악기가 없으며 의식과 관습에 대한 애착을 대부분 유지했습니다.

재즈의 기원/역사

이 노예들의 음악은 결국 지휘봉의 지휘봉에 전적으로 복종하며 클래식 오케스트라가 군림하던 전체주의 정권을 무너뜨렸다. 역사 및 미국 문화 교수 인 Penny Van Eschen의 연구에 따르면 미 국무부는 재즈를 소련과 제 3 세계 국가에서 소련의 영향력 확대에 대한 이데올로기 적 무기로 사용하려고했습니다. 재즈의 기원은 블루스와 연결되어 있습니다.

재즈는 19세기 말 아프리카 리듬과 유럽의 하모니가 융합된 형태로 등장했지만, 그 기원은 아프리카에서 노예를 신대륙 영토로 데려온 순간부터 찾아야 한다. 가져온 노예는 같은 씨족 출신이 아니었고 일반적으로 서로를 이해하지도 못했습니다. 통합의 필요성으로 인해 많은 문화가 통합되었고 그 결과 아프리카계 미국인의 단일 문화(음악 포함)가 생성되었습니다. 아프리카 음악 문화와 유럽 (신세계에서도 심각한 변화를 겪음)을 혼합하는 과정은 18 세기부터 시작되어 19 세기에 "프로토 재즈"의 출현으로 이어졌고 일반적으로 받아 들여지는 재즈 감각.

즉흥 연주는 진정한 재즈에서 근본적인 역할을 합니다. 또한 재즈는 싱코페이션(약한 비트와 예상치 못한 악센트 강조)과 특별한 드라이브로 구별됩니다. 마지막 두 구성 요소는 래그타임으로 나타나며 오케스트라(밴드) 연주로 옮겨집니다. 그 후 "재즈"라는 단어가 이 새로운 음악 제작 스타일을 지정하는 것으로 나타나며 처음에는 "Jass"로 표기된 다음 "Jasz"로 표기됩니다. 그리고 1918년 이후로야 광산을 획득했습니다. 현대적인 모습. 또한 재즈의 많은 영역은 "록킹"또는 스윙과 같은 특별한 연주 기술로 구별됩니다. 재즈의 요람은 미국 남부, 특히 뉴올리언스였습니다. 1917년 2월 26일, 뉴올리언스 출신의 5명의 백인 음악가가 빅터 회사의 뉴욕 스튜디오에서 첫 번째 재즈 레코드를 녹음했습니다. 이 사실의 중요성을 과대 평가하는 것은 어렵습니다. 이 레코드가 출시되기 전에 재즈는 한계 현상, 음악적 민속으로 남아 있었고 그 후 몇 주 동안 미국 전체를 놀라게했습니다. 녹음은 전설적인 "Original Dixieland Jazz Band"에 속했습니다.

기원 / 재즈의 탄생

이 음악적 방향의 기원은 아프리카와 유럽 문화의 혼합에서 찾아야 합니다. 이상하게도 재즈는 Christopher Columbus 자신과 함께 시작되었습니다. 물론 위대한 여행자이자 발견자가 최초의 재즈 연주자는 아니었습니다. 미국을 유럽에 개방함으로써 콜럼버스는 아프리카와 유럽의 상호침투의 위대한 시작을 알렸습니다. 음악적 전통.

아메리카 대륙을 장악한 유럽인들은 1700년까지 10만 명을 넘는 수많은 흑인 적을 이곳으로 수송했습니다. 노예들은 대서양을 건너 아프리카 서해안에서 수송되었습니다.

유럽인들은 노예들과 함께 미국과 놀라운 음악 리듬으로 구별되는 아프리카 음악 문화로 옮겨 갔다는 것을 짐작조차 할 수 없었습니다. 아프리카에서는 옛날부터 음악이 다양한 의식에서 없어서는 안 될 요소였습니다. 여기에서 음악적 리듬이 엄청난 역할을 했습니다.

유럽 ​​문화는 하모니, 마이너 및 메이저 표준, 멜로디, 솔로 멜로디 시작을 재즈로 가져왔습니다.

재즈로 노래하기

재즈 노래는 일반적인 의미에서 노래하는 것과 동일시될 수 없습니다. 처음에는 재즈에 솔로 보이스가 없었고 악기만 있었으며 루이 암스트롱(그의 후기 작품을 의미함)의 공연 이후에만 보컬이 재즈맨의 "악기"의 일부가 되었습니다. 그러나 다시 - 재즈 보컬, 그리고 이것은 다른 것입니다.

재즈 보컬에는 연주자의 목소리를 의미하는 몇 가지 기능이 있어야 합니다. 즉흥 연주, 규칙의 부재라는 재즈의 기초를 고려할 때 연주자의 목소리에도 동일하게 적용된다는 점을 이해해야 합니다. 좋은 범위를 갖기 위해. 연주자는 프레이즈와 "공격"이라는 재즈 스타일의 공연을 고수해야 합니다.

"Scat sing" -이 용어는 루이 암스트롱이 연주한 것과 같은 방식으로 노래를 불렀던 무대에서 작업할 때 나타났습니다. 그의 목소리가 내는 소리는 트럼펫이 내는 소리와 매우 유사했습니다. 재즈 보컬은 "밥" 스타일이 유행할 때 조금 후에 변하기 시작하고 더 복잡해집니다. "bop"스케트를위한 시간이며 스타는 "재즈의 영부인"인 Ella Fitzgerald가됩니다.

재즈와 블루스 사이의 연결이 그다지 강하지 않다면 보컬 사이의 연결은 더 분명한 연결이 있습니다. 블루스의 소리(후두의 작용, 쌕쌕거림과 속삭임, 가성 등)를 추출하는 데 사용된 가능성은 재즈의 전통에 기꺼이 받아들여졌습니다.

그들의 노래로 재즈 역사에서 유명해진 보컬리스트의 이름: 물론 조상은 루이 암스트롱이고, 그 다음은 단순히 "목소리"라고 불리는 빙 크로스비, 프랭크 시나트라, 냇 킹 콜입니다. 여성들은 "블루스의 여제"라는 별명을 가진 Bessie Smith에 이어 Billy Holliday, Ella Fitzgerald, 독특한 가수 Sarah Voen의 이름을 따랐습니다.

재즈의 기원과 그 스타일.

소개

한때 세계 124개국에 배포되는 가장 유명한 미국 재즈 잡지 "Down Beat"의 편집장이 인터뷰 중에 한 기자로부터 "재즈란 무엇인가?"라는 질문을 받았습니다. "당신은 그렇게 단순한 질문에 그렇게 빨리 행동에 휩싸이는 사람을 본 적이 없습니다!" 편집자는 나중에 말했습니다. 대조적으로, 같은 질문에 대한 답변으로 다른 재즈 인물은 실제로는 정확하고 짧고 동시에 동시에 아직 없기 때문에 구체적으로 설명하지 않고 2 시간 이상 동안이 음악에 대해 말할 수 있습니다. 단어의 완전하고 객관적인 정의와 "재즈"라는 개념 자체를 위해.

그러나 King Oliver와 Miles Davis, Benny Goodman과 Modern Jazz Quartet, Stan Kenton과 John Coltrane, Charlie Parker와 Dave Brubeck의 음악 사이에는 엄청난 차이가 있습니다. 100년 동안 재즈의 많은 구성 요소와 매우 지속적인 개발로 인해 어제의 정확한 특성 세트조차 오늘 완전히 적용할 수 없으며 내일의 공식은 정반대일 수 있습니다(예: 딕시랜드와 비밥, 스윙 빅 밴드의 경우). 및 콤보 재즈 록).

재즈를 정의하는 데 어려움도 있습니다. 그들은 항상 이 문제를 직접적으로 해결하려고 노력하고 거의 결과가 없는 재즈에 대해 많은 말을 한다는 사실에 있습니다. 분명히 이것을 둘러싼 모든 특성을 정의함으로써 간접적으로 해결할 수 있습니다. 음악 세계사회에서 중심에 무엇이 있는지 이해하는 것이 더 쉬울 것입니다. 동시에 "재즈란 무엇인가?" "재즈는 무엇을 의미합니까?"로 대체됩니다. 그리고 여기서 우리는 이 단어가 다른 사람들에게 다양한 의미를 가지고 있음을 발견합니다. 각 사람은 자신의 재량에 따라 특정 의미로 이 어휘 신조어를 채웁니다.

이 단어를 사용하는 사람들에는 두 부류가 있습니다. 어떤 사람들은 재즈를 좋아하지만 다른 사람들은 재즈에 관심이 없습니다. 대부분의 재즈 애호가들은 이 단어를 매우 광범위하게 사용하지만 재즈가 어디서 시작되고 끝나는지 결정할 수 있는 사람은 아무도 없습니다. 그들은 그들 사이에서 공통 언어를 찾을 수 있지만 세부 사항에 들어 가지 않고 재즈가 무엇인지에 대한 자신의 정당성과 지식을 확신합니다. 라이브 재즈를 정기적으로 연주하는 전문 음악가들조차도 이 음악에 대해 매우 다르고 모호한 정의를 내립니다.

끝없는 다양한 해석은 순전히 음악적 관점에서 재즈가 무엇인지에 대한 단일하고 확실한 결론에 도달할 기회를 주지 않습니다. 그럼에도 불구하고 여기에서 다른 접근 방식이 가능합니다. 50 년대 후반에 세계적으로 유명한 음악 학자이자 New York Institute for Jazz Studies의 회장 겸 이사 인 Marshall Stearns (1908-1966)가 제안한 접근 방식은 변함없이 무제한으로 즐겼습니다. 구세계와 신세계의 모든 국가의 재즈 서클에서 존경합니다. 1956년에 처음 출판된 그의 훌륭한 교과서 "History of Jazz"에서 그는 순전히 역사적인 관점에서 이 음악을 정의했습니다.

Stearns는 다음과 같이 썼습니다. 북미 땅에서 서유럽과 서아프리카라는 두 가지 위대한 음악적 전통, 즉 백인과 흑인 문화의 실제 융합을 혼합하는 것입니다. 비록 유럽 전통이 음악적으로 지배적인 역할을 했지만 재즈를 그토록 독특하게 만든 리드미컬한 특성은 독특하고 쉽게 알아볼 수 있는 음악은 의심할 여지없이 아프리카에서 기원을 이룹니다. 따라서 이 음악의 주요 구성 요소는 유럽의 화성, 유로-아프리카 선율 및 아프리카 리듬입니다."

그러나 왜 재즈는 백인과 흑인도 충분한 남부나 중부가 아닌 북미에서 시작되었을까요? 결국 그들이 재즈의 발상지를 말할 때 미국은 항상 재즈의 요람이라고 부르지만 동시에 일반적으로 미국의 현대 영토를 의미합니다. 사실은 아메리카 대륙의 북부 절반이 역사적으로 주로 개신교(영어와 프랑스어)에 의해 거주되었고, 그중에는 흑인을 기독교 신앙으로 개종시키려는 많은 종교 선교사가 있었다면, 이 광대한 남부와 중앙 부분에 흑인 노예를 그들의 영혼을 구하는 데는 신경 쓰지 않고 단순히 징병 동물로 여겼던 대륙 가톨릭 신자(스페인과 포르투갈). 따라서 인종과 문화의 중요하고 충분히 깊은 상호 침투가 있을 수 없었으며, 이는 주로 리듬 분야에서 아프리카 노예의 원주민 음악 보존 정도에 직접적인 영향을 미쳤습니다. 지금까지 중남미 국가에서는 이교도 종파가 열렸습니다. 비밀 의식 Afro-Cuban (또는 라틴 아메리카) 리듬과 함께 만연한 카니발. 신대륙의 남쪽 부분이 이미 우리 시대 대중 음악의 전 세계에 상당한 영향을 미쳤던 반면, 북쪽은 현대 음악 예술의 보물창고에 또 다른 무언가를 주었다는 것이 바로 이러한 리듬적 측면에서 놀라운 일이 아닙니다. 예를 들어 영가와 블루스.

따라서 Stearns는 계속해서 역사적 측면에서 재즈는 6개의 주요 소스에서 원본으로 얻은 종합입니다. 여기에는 다음이 포함됩니다.

1. 서아프리카의 리듬;

2. 노동요(노동요, 외침)

3. 흑인 종교 노래(영혼)

4. 흑인 세속 노래(블루스)

5. 지난 세기의 미국 민속 음악;

6. 음유시인과 거리 브라스 밴드의 음악.

1. 재즈의 기원

서 아프리카 해안의 기니 만에있는 최초의 백인 요새는 이미 1482 년에 생겼습니다. 정확히 10 년 후 콜럼버스가 미국을 발견 한 중요한 사건이 발생했습니다. 1620년에 최초의 흑인 노예가 미국의 현대 영토에 나타났으며, 이들은 서아프리카에서 대서양을 건너 배를 타고 편리하게 수송되었습니다. 그 후 100년 동안 그들의 수는 이미 십만 명으로 증가했으며 1790년까지 이 수는 10배 증가했습니다.

"아프리카 리듬"이라고 하면 서아프리카 흑인들은 "재즈"를 그런 식으로 연주한 적이 없다는 점을 명심해야 합니다. 우리 대화하는 중이 야복잡한 폴리 리듬과 다른 많은 리듬이있는 의식 "드럼 합창단"으로 대표되는 고국에서의 존재의 필수적인 부분으로서의 리듬에 관한 것입니다. 그러나 노예들은 신세계로 악기를 가져갈 수 없었고 미국에서 처음으로 수제 드럼을 만드는 것도 금지되었습니다. 그 샘플은 나중에 민족지 박물관에서만 볼 수 있습니다. 또한 어떤 피부색을 가진 사람도 준비된 리듬감으로 태어나지 않습니다. 그것은 모두 전통에 관한 것입니다. 따라서 세대와 환경의 연속성에서 흑인 관습과 의식은 미국에서 독점적으로 구두로 그리고 기억에서 아프리카 계 미국인 흑인 세대로 보존되고 전달되었습니다. 디지 길레스피(Dizzy Gillespie)가 말했듯이 "나는 그들이 같은 상황에 처해 있다면 신이 누군가에게 다른 사람보다 더 많은 것을 줄 수 있다고 생각하지 않습니다. 환경그러면 그의 인생 행로는 분명히 우리와 비슷할 것입니다."

재즈는 한편으로는 유럽 사람들의 재정착된 음악 문화의 수많은 요소와 다른 한편으로는 아프리카 민속의 합성의 결과로 미국에서 발생했습니다. 이러한 문화는 근본적으로 다른 특성을 가졌습니다. 아프리카 음악은 본질적으로 즉흥적이며 강력한 폴리리듬, 폴리메트리 및 선형성을 지닌 집단적 형태의 음악 제작이 특징입니다. 그것의 가장 중요한 기능은 크로스 리듬의 효과가 발생하는 리드미컬 한 시작, 리듬 폴리포니입니다. 선율, 그리고 더 나아가 화성 원리는 유럽 음악보다 아프리카 음악 제작에서 훨씬 덜 발달합니다. 아프리카인을 위한 음악은 유럽인보다 응용 가치에 더 가깝습니다. 그것은 종종 예배를 포함한 의식과 함께 노동 활동과 관련이 있습니다. 다양한 유형의 예술의 혼합주의는 음악 제작의 본질에 영향을 미칩니다. 독립적으로 수행되지 않고 춤, 가소성,기도, 암송과 함께 수행됩니다. 아프리카인의 흥분 상태에서 그들의 억양은 정규화된 음계에 묶인 유럽인보다 훨씬 더 자유롭습니다. 아프리카 음악에서는 질의 응답 형식의 노래(호출 및 응답)가 널리 개발되었습니다.

그 부분에서 유럽 음악은 미래의 합성에 많은 기여를 했습니다. 리드 보이스가 있는 선율 구성, 모달 메이저-마이너 표준, 화성 가능성 등이 있습니다. 일반적으로 상대적으로 말하면 직관적 인 시작 인 아프리카의 감성은 유럽 합리주의와 충돌했으며 특히 개신교의 음악 정책에서 나타납니다.

2. "제3의 흐름"

"제3의 흐름"이라는 용어는 비평가 존 윌슨에 의해 만들어졌습니다. 그는 첫 번째 및 두 번째 전류의 합성을 위한 대안 또는 오히려 옵션을 설명했습니다. 학술 음악과 재즈. 이 방향은 50년대에 형성되었으며 특정 스타일과 관련이 없습니다. 다양한 뮤지션들의 실험적인 작품들은 심포-재즈, 재즈-록, 아방가르드 트렌드를 포착했다.

20세기의 가장 독창적인 음악 예술 유형 중 하나인 재즈는 점차 전 세계를 정복하기 시작했고 결국 국제적인 성격을 갖게 되었습니다. 이것은 주로 그의 작곡가와 연주자들이 인도, 남미, 아랍 및 물론 자신의 민속과 같은 다른 국가 및 민족의 음악으로 전환했기 때문에 발생했습니다. 장르의 진화를 위한 새로운 방향을 모색하는 재즈맨들에게 가장 중요한 영감의 원천은 유럽 클래식 음악과 다소 대중적인 음악의 가장 좋은 예였습니다.

클래식 작곡가들에 의한 재즈와의 역사적인 접촉은 잘 알려져 있으며 여기에서 수십 명의 유명한 이름을 예로 언급할 수 있습니다(Dvorak, Stravinsky, Debussy, Ravel, Milhaud, Honegger, Krenek, Copland, Gershwin 및 Bernstein). 그러나 그들의 시도는 재즈의 개별 요소만을 학문적 음악계에 도입하려는 열망에 의해 인도되었습니다. 반대로 교향곡 개발의 특정 원칙을 적용하고 재즈 악보에 클래식 음악의 원래 원칙을 사용하려는 관심 있는 재즈맨 측의 실험적인 작업이 많이 있습니다.

수십 년 동안 그러한 실험은 때때로 스타일이 아니라면 새로운 스타일의 출현으로 이어졌고, 어쨌든 재즈 역사의 족보에 독립적 인 가지가 생겼습니다. 예를 들어 20 년대에는 "심포닉 재즈"였습니다 (Paul Whiteman , "재즈에서 숙녀 만들기"를 원했던 사람), 40 년대- "프로그레시브"(Stan Kenton), 60 년대- "세 번째 트렌드".

"Third Current"는 재즈 역사에서 정확하게 언급됩니다. 왜냐하면 당시 클래식이 아닌 재즈 맨이 그들 편에서 왔기 때문입니다. 그것은 현대 재즈의 실험적인 방향으로 대표자들이 학술 연주자와 재즈 즉흥 연주자를 모두 포함하는 오케스트라의 혼합 앙상블을 위해 세부적인 작품을 만들려고 노력했습니다.

"세 번째 흐름"의 작곡은 유럽 작곡 기법과 재즈 전통의 유기적 융합이 특징입니다. 미국에서 이러한 추세의 가장 두드러진 대표자는 음악가이자 작곡가인 Günther Schuller, John Lewis(Modern Jazz Quartet의 리더), Gary McFarland, Jimmy Giuffrey 등이었습니다.

예를 들어 Duke Ellington과 La Scala 오케스트라 및 London Symphony의 합동 공연(및 녹음)이 알려져 있습니다. 이 조합은 새로운 화음과 기악의 뉘앙스를 만들어내어 말하자면 현대적인 "지적인 음악"을 탄생시켰습니다. 주제에 대한 고전적인 접근 방식을 가지고 있지만 핵심은 매우 재즈적입니다. 재즈(즉흥 연주의 자유, 스윙의 느낌, 새로운 음색의 신선함)와 "진지한" 작곡 기법(12 분야의 기법)에 가까운 한 가지 유형의 음악으로 이 두 가지 구성 요소를 합성하는 것이 가능합니다. -톤 음악, 폴리포니, 폴리톤, 폴리리듬, 일반적인 주제 전개 등).

Dave Brubeck은 재즈 4중주와 심포니 오케스트라를 위한 작곡으로 3악장에 상당한 공헌을 했습니다. 심포니 오케스트라와 재즈 앙상블또는 심지어 오케스트라는 Wynton Marsalis와 그의 Lincoln Center Orchestra와 함께 계속됩니다.

3. 모던 블루스. 포스트 스윙 시대의 빅 밴드

역사적으로 블루스는 점차 대규모 산업 중심지에 침투하여 그곳에서 빠르게 인기를 얻었습니다. 아프리카계 미국인의 음악을 물려받은 특징을 확립하고 12마디 형식(가장 전형적인 형식)을 명확하게 정의하고 블루스 모드를 기반으로 화성 반주를 결정했습니다. 50년대와 60년대에 가장 유명한 재즈 블루스 연주자 중 한 명입니다. 지미 러싱(1903~1972)과 조 윌리엄스(1918~1999)였다.

40년대 후반과 50년대 초반에 "리듬과 블루스"라는 새로운 품종이 등장했습니다. 이것은 미국 최대 도시의 흑인 지역에 널리 퍼진 클래식 블루스의 도시적 변형이었습니다. 블루스의 기본 선율 및 화성 수단을 사용하는 "rnb"는 기악 반주, 표현적인 연주 방식, 더 빠른 템포, 명확하게 정의된 리듬 및 활기찬 비트의 현저한 증가로 구별되며, 이는 교대 형식으로 달성됩니다. 소절의 1박자와 3박자에는 거대하고 호황을 누리는 비트가 있고 2박자와 4박자에는 건조하고 갑작스러운 악센트가 있습니다. 이 공연은 끊임없는 감정적 긴장, 시끄러운 소리, "블루스 음표"에 대한 강조, 보컬리스트의 가성으로의 빈번한 전환, 사운드 반주의 최대 강도(압력, "드라이브")가 특징이며 짧은 "리프"의 안티폰을 기반으로 합니다. "가수와 반주.

40대 말까지. "라이브" 사운드 및 레코드(소위 "인종 레코드" 시리즈)의 "rnb"는 주로 대도시의 흑인 인구에게만 알려졌습니다. 그해에이 방향에서 가장 좋아하는 것은 색소폰 연주자 Louis Jordan과 Earl Bostic, 기타리스트 "T-Bone"Walker와 Muddy Waters, 피아니스트 Jay McShann, 그리고 다소 나중에는 보컬리스트 Big Joe Turner 인 Ray Charles였습니다.

그러나 1950년대 초반에 들어서면서 이 리드미컬한 음악에 대한 관심이 백인들 사이에서도 나타났다. 점차적으로 백인 젊은이들로부터 "r'n'b" 작품에 대한 수요가 증가했고 많은 음악가들이 이 방향으로 돌아섰고 그들은 그 해에 "rnb"의 적극적인 발기인이 되었습니다. 로큰롤의 등장. 백인 기타리스트 Bill Haley가 1954년 4월 12일 그의 밴드와 함께 유명한 리듬 앤 블루스 넘버 "Rock Around the Clock"을 녹음했을 때, 이 녹음의 발매일은 그 이후로 "로큰롤"의 탄생일로 여겨졌으며 이 주제 자체가 - 그의 애국가.

그 해에 백인 디스크 자키 Alan Freed(1922-1965)가 클리블랜드 라디오 방송국에 출연하여 "리듬 앤 블루스" 아티스트의 녹음을 정기적으로 방송하기 시작했으며 이제 Freed가 전체를 바꾸는 데 거의 전적으로 책임이 있다고 말할 수 있습니다. 물론 미국 대중음악. 인종적 장막 뒤에서 흑인 작가와 예술가 "리듬과 블루스"를 가져와 광범위한 백인 십대 청중에게 소개한 사람은 바로 그 사람이었습니다. 영감을 받아 그는 이러한 녹음을 "로큰롤"이라고 불렀고 전 세계 젊은이들 사이에서 이 용어를 대중화했습니다.

"rnb"의 이 개작 버전은 3개의 메인 코드, 몇 개의 간단한 일렉트릭 기타 "리프" 및 비트 2와 4에 무거운 악센트가 있는 무겁고 단조로운 비트(즉, "오프 비트")로 축소되었습니다. 그러나 "로큰롤"의 하모니는 여전히 12마디 블루스 방식에 기반을 두고 있었기 때문에 그의 주요 장점은 그가 백인 미국인들, 그리고 유럽인들의 대중적인 음악 의식에서 블루스의 기본 개념을 승인했다는 것입니다. , 리듬, 멜로디 및 하모니의 발전에 큰 잠재력을 가지고 있습니다. 블루스는 일반적으로 대중 음악을 되살렸을 뿐만 아니라 이전의 "백인" 유럽 방향을 변경하고 예를 들어 라틴 아메리카 음악과 같은 전 세계 다른 지역의 음악 문화에서 다양한 혁신과 차용의 문을 열었습니다.

제2차 세계대전 이후 어려운 경제 상황, 대중과 관리자의 이익 변화는 스윙 시대의 많은 빅 밴드에 근본적인 영향을 미쳤습니다. 그들 중 대부분은 영원히 사라졌습니다. 그러나 1950년대 초반에 장르의 부활이 시작되었습니다. 어려움이 있지만 Benny Goodman, Count Basie의 오케스트라, 조금 후에 Duke Ellington의 오케스트라가 복원되었습니다. 대중은 다시 전쟁 전 히트 곡을 듣고 싶어했습니다. 라인업의 대대적 인 갱신과 젊은 뮤지션의 등장에도 불구하고 리더는 청취자의 욕구에 부응하여 이전 레퍼토리를 복원했습니다. 스윙 시대의 세 가지 기둥 중 Duke Ellington만이 변화의 길에 있었습니다. 이것은 전쟁 중에 시작된 모음곡 형식의 광범위한 사용과 관련이 있습니다. 프로그램 콘텐츠가 포함된 대규모 모음곡이 그의 레퍼토리에 등장했습니다. 중요한 단계는 오케스트라, 합창단, 솔리스트 및 댄서를 위한 "신성한 음악 콘서트"(1965-66)를 만든 것입니다. Vibraphonist Lionel Hampton의 빅 밴드는 주로 리더의 음악성과 매력에 중점을 둔 에너지 넘치는 공연을 계속했습니다.

점차적으로 오케스트라의 일부는 기존의 전통을 지원하는 기념관으로 바뀌었습니다. 여기에는 1944년에 사망한 글렌 밀러 오케스트라, 1984년 지도자가 사망한 후 같은 이름으로 존재하는 카운트 베이시 오케스트라가 포함되며, 머서 엘링턴(듀크의 아들)이 이끌고 나중에는 그의 손자인 듀크 공작 폴 머서 엘링턴이 이끈다. 엘링턴 오케스트라(d. . 1974).

진보적인 오케스트라는 점차 실험 정신을 잃고 상대적으로 표준적인 레퍼토리를 획득했습니다. 가장 흥미로운 솔리스트를 배출한 Woody Herman과 Stan Kenton의 오케스트라는 젊은 동료들에게 지휘봉을 넘겼습니다. 그중에서도 밝은 편곡, 다양식, 금관악기, 주로 파이프 소리의 새로운 활용을 바탕으로 새로운 소리를 만들어낸 밴드들을 주목할 필요가 있다. 트럼펫 연주자 Maynard Fergusson과 Don Ellis의 밴드는 60년대 오케스트라 사운드의 발전에 있어 그러한 중심이 되었습니다. Cool의 창립자 중 한 명인 Gil Evans의 창의적인 실험실에서 선택한 방향으로 일관된 움직임이 일어났습니다. 자신의 공연, 50-60년대에 Miles Davis와의 녹음, 70년대 모달 음악 및 재즈 록 요소에 대한 추가 실험은 재즈 역사에서 중요한 개인 경향이었습니다.

70년대에는 Basie 밴드의 전 멤버였던 트럼펫 연주자 Thad Jones와 오케스트라 Stan Kenton. 10년 동안 이 밴드는 웅장한 현대적 편곡과 높은 수준의 악기 연주자 덕분에 최고로 여겨졌습니다. Jones가 덴마크로 이사하면서 오케스트라가 해체되었지만 Mel Louis는 오랫동안 트롬본 연주자이자 편곡가 인 Bob Brookmeier와 협력하여 그를 지원하려고했습니다. 1980년대에 일본 피아니스트이자 편곡가인 Toshiko Akiyoshi와 그녀의 남편인 색소폰 연주자 Lou Tabakin이 함께 만든 밴드가 세계 계층 구조의 1위를 차지했습니다. 이 오케스트라는 여성이 작곡하고 주로 그녀의 작품을 연주하지만 미국 오케스트라 전통을 계속 따르고 있다는 점에서 이례적입니다. 1985년 오케스트라는 해산하고 아키요시는 "아키요시 토시코의 뉴욕 재즈 오케스트라"라는 새로운 밴드를 조직했습니다.

90 년대에 빅 밴드 장르는 마르지 않았지만 아마도 강화되었을 것입니다. 동시에 오케스트라 스타일의 범위가 확장되었습니다. 추모 오케스트라 외에도 보수적 인 날개는 관료가 가장 선호하는 재즈 뮤지션 중 한 명인 재능있는 트럼펫 연주자이자 작곡가 인 Wynton Marsalis가 이끄는 Lincoln Center Orchestra로 대표됩니다. 이 오케스트라는 Duke Ellington의 라인을 따라 작품을 만들려고 노력하고 있습니다. 대형프로그래밍 방식. 더 다양한 것은 Charles Mingus (The Mingus Big Band)의 이름을 딴 매우 강력하고 현대적인 오케스트라의 작품입니다. 이 밴드는 창의적인 음악가들을 매료시킵니다. 보다 급진적인 아이디어는 일시적인 성격을 가진 다양한 "워크숍"과 보다 전위적인 아이디어를 공언하는 다양한 밴드에 의해 옹호됩니다. 그러한 오케스트라 중에는 수많은 유럽 대기업 인 Sam Rivers (Sam Rivers), George Gruntz (George Gruntz)의 밴드가 있습니다.

4. 하드밥. 겁내는

쿨한 스타일의 세련미와 시원함, 미국 동부 해안의 프로그레시브의 합리성과는 대조적으로 50년대 초반의 젊은 음악가들은 겉보기에 이미 지쳐버린 듯한 비밥 스타일을 계속 발전시켰다. 50년대의 특징인 아프리카계 미국인의 자기 인식의 성장이 이러한 추세에 중요한 역할을 했습니다. 아프리카 계 미국인 즉흥 연주 전통에 대한 충실도를 유지하는 데 다시 주목했습니다. 동시에 비밥의 모든 업적은 보존되었지만 하모니 분야와 리듬 구조 분야 모두에서 멋진 업적이 많이 추가되었습니다. 일반적으로 새로운 세대의 음악가들은 훌륭한 음악 교육을 받았습니다. "hardbop"이라고 불리는 이러한 추세는 매우 많은 것으로 밝혀졌습니다. 여기에는 트럼펫 연주자 Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown(Clifford Brown), Donald Byrd(Donald Byrd), 피아니스트 Thelonious Monk, Horace Silver, 드러머 Art Blakey(Art Blakey), 색소폰 연주자 Sonny Rollins(Sonny Rollins), 행크 모블리(Hank Mobley), Cannonball Adderley, 베이시스트 Paul Chambers 등이 있습니다.

새로운 스타일의 개발을 위해 또 다른 기술 혁신이 중요했는데, 이는 장기 재생 레코드의 출현으로 구성되었습니다. 이제 긴 솔로를 녹음할 수 있습니다. 모든 사람이 오랫동안 완전하고 간결하게 말할 수는 없기 때문에 뮤지션에게 이것은 유혹이자 어려운 테스트가되었습니다. 트럼펫 연주자들은 이러한 장점을 가장 먼저 활용하여 Dizzy Gillespie의 스타일을 더 차분하지만 깊은 연주로 수정했습니다. 가장 영향력있는 사람은 Fats Navarro와 Clifford Brown이었습니다 (두 운명 모두 인생 경로가 너무 짧았습니다). 이 음악가들은 고음역의 기교적인 고속 악절이 아니라 사려 깊고 논리적인 선율에 초점을 맞췄습니다.

예를 들어 복잡한 리듬 구조를 사용하는 Art Blakey가 도달한 음악적 복잡성은 재즈, 정서적 영성의 손실로 이어지지 않았습니다. Horace Silver의 즉흥 연주나 Sonny Rollins의 독주에서 폴리리듬적 형상화의 새로운 형태에도 동일하게 적용됩니다. 음악은 날카로움, 신랄함, 새로운 차원의 스윙을 선보였습니다. 1955년에 재즈 메신저 앙상블을 만든 Art Blakey는 하드밥 개발에서 특별한 역할을 했습니다. 이 구성은이 방향의 수많은 대표자들의 재능이 드러나고 번성하는 학교의 역할을했습니다. 그중에는 피아니스트 Bobby Timmons와 Horace Silver, 색소폰 연주자 Benny Golson, Hank Mobley, 트럼펫 연주자 Lee Morgan, Kenny Dorham, Wynton Marsalis 등이 있습니다. 어떤 형태로든 "재즈 메신저"는 여전히 존재하며 리더(1993)보다 오래 살았습니다.

테너 색소폰 연주자 Sonny Rollins는 하드 밥 뮤지션의 은하계에서 특별한 위치를 차지합니다. 그의 스타일은 Parker 라인과 Coleman Hawkins의 넓은 톤에서 발전했으며 혁신은 즉흥 연주자로서의 그의 기질과 자발성과 관련이 있습니다. 하모닉 소재를 특별히 자유롭게 사용하는 것이 특징입니다. 1950년대 중반, 롤린스는 주제에서 나오는 화성적 소재를 찢어발기는 장엄한 폴리리듬적 인물인 프레이징의 특징에 주목했습니다. 그의 멜로디 즉흥 연주에는 거친 소리, 음악적 풍자가 나타납니다.

"하드 밥" 시대에 등장한 음악의 일부는 뚜렷한 비트를 기반으로 특별한 표현으로 슬로우 또는 미디엄 템포로 사용되는 블루스를 자연스럽게 흡수했습니다. 이 스타일을 "펑키"(펑키)라고 불렀습니다. 이 단어는 속어이며 날카롭고 자극적인 냄새 또는 맛의 강화된 정의를 의미합니다. 재즈에서는 평범한 "진짜" 음악과 동의어입니다. 이 지점의 출현은 우연이 아닙니다. 50년대에는 재즈에서 재즈의 옛 흑인의 본질에서 벗어나 재즈 관용구의 약화가 눈에 띄게 되었다. 어떤 종류의 음악이 재즈로 인식되어야 하는지 결정하는 것이 점점 더 어려워졌습니다. 민속을 실험한 재즈 뮤지션 다른 사람들, 그들은 인상주의와 무조주의에 매료되어 초기 음악에 참여하기 시작했습니다. 이러한 모든 프로세스가 충분히 설득력이 있는 것은 아닙니다. 많은 음악가들이 전통적인 블루스와 종교적 성가의 소리로 매우 자극적인 작곡으로 눈을 돌렸습니다. 초기에 종교적 요소는 기능적이라기보다 장식적이었습니다. 때때로 목화밭의 고풍스러운 외침은 꽤 전통적인 비밥 인물을 소개하는 역할을 했습니다. 소니 롤린스(Sonny Rollins)는 이 스타일의 징후를 보이지만 가장 눈에 띄는 표현은 펑키 블루스를 만든 피아니스트 호레이스 실버(Horace Silver)에게서 찾을 수 있습니다. 그의 음악의 진정성은 음악가를 이끈 종교적 동기에 의해 강화되었습니다.

펑키 스타일에서 Charles Mingus의 모습은 더블 베이시스트, 작곡가 및 밴드 리더, 특정 스타일의 틀에 맞지 않는 음악가로 성장했습니다. Mingus는 청취자에게 매우 특정한 감정적 감각을 불러일으키는 작업을 스스로 설정했습니다. 동시에 작곡 자체와 즉흥 연주를해야하는 뮤지션들 사이에 부하가 분산되어 이러한 감정을 정확하게 경험했습니다. Mingus는 재즈 작곡가의 매우 작은 범주에 포함될 수 있습니다. 그는 자신을 Duke Ellington의 추종자라고 생각하고 펑키 한 기술을 사용해야하는 아프리카 계 미국인 문화, 종교성, 신비주의의 동일한 영역으로 향했습니다..

5. 프리 재즈

60년대 초, 재즈 스타일의 다음 단계 개발은 주로 흑인 음악가들의 인종적 자기 인식 강화에 기인했습니다. 그 당시 젊은이들 사이에서 이 과정은 항상 아프리카계 미국인 문화의 배출구였던 재즈를 포함하여 매우 급진적인 형태로 표현되었습니다. 음악에서 이것은 유럽 요소를 버리고 재즈의 근원으로 돌아가려는 욕구에서 다시 나타났습니다. 새로운 재즈에서 흑인 음악가들은 비기독교 종교, 주로 불교와 힌두교로 향했습니다. 한편, 이번에는 피부색 (히피 운동, 무정부주의, 동양 신비주의에 대한 열정)과 무관 한 항의의 물결, 사회적 불안정의 출현이 특징입니다. 당시 등장한 '프리재즈'는 재즈 발전의 본연의 방식, 주류에서 급격하게 외면했다. 영적 및 미적 경험의 충만 함과 음악 자료 구성에 대한 근본적으로 새로운 접근 방식의 결합은 대중 예술 영역에서 새로운 재즈를 완전히 차단했습니다. 그것은 boppers에 의해 시작된 프로세스의 극적인 가속화였습니다.

Dixieland와 스윙 스타일리스트는 멜로디 즉흥 연주를 만들었고 비밥, 쿨 및 하드밥 뮤지션은 솔로에서 코드 구조를 따랐습니다. 프리 재즈는 이전 스타일에서 급진적으로 출발했습니다. 이 스타일에서 솔리스트는 주어진 방향을 따르거나 알려진 표준에 따라 형식을 구축할 의무가 없기 때문에 예측할 수 없는 방향으로 갈 수 있습니다. 처음에 프리 재즈 리더들의 주요 열망은 리듬, 구조, 하모니, 멜로디에 대한 파괴적인 초점이었습니다. 그들에게 가장 중요한 것은 궁극적인 표현력, 영적 벌거벗음, 엑스터시였습니다. 새로운 재즈 뮤지션 Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler의 첫 경험은 주류 규범과의 관계를 끊지 않았습니다. 최초의 프리 재즈 녹음은 여전히 ​​조화 법칙에 호소합니다. 그러나 점차 이 과정은 전통과 단절되는 극단에 이르게 된다. Ornette Coleman이 뉴욕 청중들에게 무료 재즈를 완전히 소개했을 때(Cecil Taylor는 이전에 꽤 잘 알려져 있었지만) 많은 비밥 뮤지션과 재즈 감정가들은 이 음악이 재즈뿐만 아니라 실제로 음악으로 간주될 수 없다는 결론에 도달했습니다. . 따라서 이전의 급진주의자들은 15년 이내에 보수주의자가 되었습니다.

대포의 첫 번째 구축함 중 하나는 대부분의 시간에 매우 훈련 된 음악가였던 Cecil Taylor였습니다. 그는 음악원을 졸업하고 재즈를 잘 알고 작곡가 음악의 원리를 즉흥 연주 과정에 적용하는 것에 대해 생각했습니다. 1956년 색소폰 연주자 Steve Lacy와 함께 그는 새로운 재즈에 대한 몇 가지 아이디어가 담긴 레코드를 발표했습니다. 거의 같은 방식으로 일찍 사망한 Thelonious Monk, 피아니스트이자 작곡가인 Herbie Nichols가 이 시기에 걸었습니다. 일반적인 기준점을 포함하지 않는 음악을 받아들이는 어려움에도 불구하고 Cecil Taylor는 1958년에 이미 유명한 인물이 되었으며 이는 Five Spot 클럽에서의 공연으로 촉진되었습니다.

프리 재즈의 또 다른 창시자인 Taylor와 달리 Ornette Coleman은 오랜 연주 경력을 가지고 있었지만 "정확하게" 연주한 적이 없습니다. 아마도 Coleman은 그것을 깨닫지 못한 채 원시주의의 대가로 형성되었을 것입니다. 이것은 그에게 포켓 트럼펫을 연주한 트럼펫 연주자 Don Cherry와 함께 비표준 음악으로 쉽게 전환할 수 있는 기반을 제공했습니다. 음악가들은 운이 좋았고 음악적 환경에 무게가 있었던 더블 베이시스트 Red Mitchell과 피아니스트 John Lewis가 그들에게 관심을 갖게되었습니다. 1959년 뮤지션들은 "Something Else!!"라는 디스크를 발매했습니다. "Five Spot"에 참여했습니다. New Jazz의 이정표는 1960년 Ornette Coleman의 더블 라인업 "Free Jazz"로 녹음된 디스크였습니다.

프리 재즈는 예를 들어 리듬 구조의 형식과 순서를 사용할 수 있는 다른 아방가르드 무브먼트와 종종 교차합니다. 프리재즈는 초기부터 소수의 전유물로만 남아있고 보통 언더그라운드에서 발견되지만 현대의 주류에 매우 강력한 영향을 미치고 있다. 전면적인 거부에도 불구하고 프리 재즈에서는 특정 규범성이 발전하여 다른 새로운 재즈 트렌드와 구별할 수 있습니다. 이러한 관습은 작품의 일반적인 계획, 음악가의 상호 작용, 리듬 지원 및 물론 감정적 계획과 관련이 있습니다. 오래된 형태의 집단 즉흥 연주가 프리 재즈에서 다시 등장했다는 점에 유의해야 합니다. 특정 구조에 얽매이지 않는 '열린 형식'으로 작업하는 것이 프리재즈의 특징이 됐다. 이 접근 방식은 순전히 프리 재즈가 아닌 뮤지션들 사이에서 나타나기 시작했습니다. 예를 들어 Keith Jarrett의 단독 콘서트에서 즉흥 연주가 있습니다.

유럽의 음악 규범에서 "뉴 재즈"를 거부하면서 비유럽 문화, 주로 동양 문화에 큰 관심을 갖게 되었습니다. John Coltrane은 인도 음악, Don Cherry - 인도네시아 및 중국, Farow Sanders - 아랍어에 대해 매우 진지했습니다. 더욱이 이 방향은 피상적이고 장식적인 것이 아니라 해당 음악의 전체 특성뿐만 아니라 그 미적 및 영적 환경을 이해하고 흡수하려는 열망으로 매우 깊습니다.

프리 재즈 관용구는 종종 다양식 음악의 필수적인 부분이 되었습니다. 이 접근 방식의 가장 두드러진 징후 중 하나는 AACM(Association for the Advancement of Creative Musicians)의 후원으로 60년대에 공연을 시작한 시카고 흑인 음악가 밴드의 작업입니다. 나중에 이 음악가들(Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favors, Don Moye)은 "Chicago Art Ensemble"을 만들어 아프리카 의식 주문과 가스펠에서 프리 재즈에 이르기까지 다양한 스타일을 전파했습니다. 같은 과정의 다른 측면은 "Chicago Art Ensemble"과 밀접하게 관련된 클라리넷 연주자이자 색소폰 연주자 Anthony Braxton의 작업에 나타납니다. 그의 음악은 자유롭고 지적이다. 때때로 Braxton은 그룹 이론과 같은 그의 작곡에 수학적 원리를 사용하지만 이것이 그의 음악의 감정적 영향을 감소시키지는 않습니다. 이런 종류의 음악의 가능성에 대한 논쟁은 오늘날까지 가라앉지 않습니다. 따라서 미국 재즈 기관의 공식 기관인 Wynton Marsalis는 Braxton을 "좋은 체스 플레이어"라고 경멸하는 동시에 American Association of Jazz Journalists의 여론 조사에서 Marsalis는 Braxton에 이어 다음 라인을 차지합니다. 재즈 작곡가의 지명.

1970년대 초 프리 재즈에 대한 관심은 종종 "자유"의 원칙을 20세기 유럽 음악 관행의 발전과 결합한 유럽의 창의적인 음악가들을 사로잡기 시작했다는 점에 유의해야 합니다. , aleatoric, sonoristics 등 반면에 프리 재즈의 일부 리더는 극단적 인 급진주의에서 벗어나고 있으며 80 년대에는 원래 버전의 음악이지만 약간의 타협을 향해 나아가고 있습니다. 그중에는 Prime Time 프로젝트의 Ornette Coleman, Archie Shepp 등이 있습니다.

6. 퓨전의 발전: 재즈 록. 퓨전. ECM. 월드 재즈

"재즈 록"의 원래 정의는 가장 명확했습니다. 재즈 즉흥 연주와 록 음악의 에너지 및 리듬을 결합한 것입니다. 1967년까지 재즈와 록의 세계는 거의 별개로 존재했습니다. 하지만 이때쯤이면 록은 더 창의적이고 복잡해지고 사이키델릭한 록, 소울 음악이 등장한다. 동시에 일부 재즈 연주자들은 순수한 하드밥에 싫증이 나기도 했지만, 인지하기 어려운 아방가르드 음악을 연주하고 싶지도 않았습니다. 그 결과 서로 다른 두 관용구가 아이디어를 교환하고 힘을 합치기 시작했습니다. 1967 년부터 기타리스트 Larry Coryell, 비브라폰 연주자 Gary Burton, 1969 년 Brecker Brothers (Brecker Brothers)를 연주 한 "Dreams"그룹의 드러머 Billy Cobham이 새로운 스타일을 마스터하기 시작했습니다. 60년대 말에 Miles Davis는 재즈 록으로 전환할 가능성이 있었습니다. 그는 8/8 리듬과 전자 악기를 사용하여 Miles가 "Bitches Brew", "In a Silent Way"앨범을 녹음하여 새로운 발걸음을 내딛는 모달 재즈의 제작자 중 한 명이었습니다. 현재 그와 함께 화려한 음악가 은하계가 있으며, 이들 중 많은 사람들이 나중에이 방향의 기본 인물이되었습니다. John McLaughlin (John McLaughlin), Joe Zawinul (Joe Zawinul), Herbie Hancock. Davis의 특징 인 금욕주의, 간결함 및 철학적 묵상은 새로운 스타일에서 가장 환영받는 것으로 판명되었습니다. 1970년대 초까지 재즈 록은 많은 재즈 순수주의자들에 의해 비웃음을 받았지만 독창적인 재즈 스타일이라는 고유한 정체성을 갖게 되었습니다. 새로운 방향의 주요 그룹은 "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", 다양한 Miles Davis 앙상블이었습니다. 그들은 재즈와 록의 방대한 기술을 결합한 고품질 재즈 록을 연주했습니다.

퓨전

재즈 록의 가장 흥미로운 구성은 즉흥 연주, 작곡 솔루션과 결합, 록 음악의 조화 및 리듬 원리 사용, 동양의 멜로디와 리듬의 적극적인 구현, 전자 처리 수단의 강력한 도입 및 소리를 음악으로 합성하는 것. 이 스타일에서는 모달 원칙의 적용 범위가 확장되고 이국적인 모드를 포함한 다양한 모드 세트가 확장되었습니다. 70 년대에 재즈 록은 엄청난 인기를 얻었고 가장 활발한 음악적 힘이 들어 왔습니다. 다양한 음악적 수단의 합성과 관련하여 더욱 발전된 재즈 록은 "퓨전"(합금, 퓨전)이라고 불 렸습니다. "퓨전"에 대한 추가 충동은 유럽 학술 음악에 대한 또 다른 (재즈 역사상 최초가 아님) 고개를 끄덕이는 것입니다. 사실 이 단계에서 퓨전은 50년대의 "제3의 흐름"을 이어가고 있다.

가장 흥미로운 앙상블의 구성에서도 다양한 문화적 영향의 조합이 분명합니다. 주목할만한 예는 초기 미국화 된 오스트리아 키보드 연주자 Joseph Zawinul과 미국 색소폰 연주자 Wayne Shorter가 감독 한 "Weather Report"입니다. 다른 시간 Miles Davis 학교를 다녔습니다. 앙상블은 브라질, 체코 슬로바키아, 페루의 음악가들을 통합했습니다. 앞으로 거의 전 세계의 악기 연주자와 보컬리스트가 Zawinul과 협력하기 시작했습니다. "Weather Report"의 후속작인 "Syndicat" 프로젝트에서 음악가의 지리는 Tuva에서 남미까지 확장됩니다.

불행히도 시간이 지남에 따라 재즈 록은 상업 음악의 특징을 대부분 획득하는 반면 록 자체는 1970 년대 중반에 이루어진 많은 창의적인 발견을 거부합니다. 많은 경우 퓨전은 실제로 재즈와 일반 팝 및 가벼운 리듬 및 블루스의 조합이 됩니다. 크로스오버. "Tribal Tech" 및 Chick Corea의 앙상블과 같은 드문 경우에 검색이 계속되지만 퓨전 음악의 음악적 깊이와 권한 부여에 대한 야망은 아직 충족되지 않았습니다.

일렉트릭 재즈

전자 사운드 변환기 및 신디사이저의 사용은 주로 록 또는 상업 음악과 경계에 있는 음악가에게 매우 매력적임이 입증되었습니다. 사실, 전자 음악의 일반적인 대중에서 유익한 예는 상대적으로 적습니다. 예를 들어 "Weather Report" 프로젝트의 Joe Zawinul은 민족적 요소와 색조 요소를 매우 효과적으로 융합했습니다. Herbie Hancock은 70년대와 80년대에 신디사이저, 수많은 키보드 및 다양한 종류의 전자 트릭을 사용하여 뮤지션만큼 대중이 아닌 오랫동안 우상이되었습니다. 90년대 들어 이 음악 영역은 점점 비재즈 영역으로 옮겨가고 있다. 이는 향상된 컴퓨터 생성특정 장점과 기회가 있는 음악은 주요 재즈 품질인 즉흥 연주와 접촉을 잃습니다.

70년대 초반부터 재즈 스타일 커뮤니티의 별도 틈새 시장은 독일 회사 ECM(Edition of Contemporary Music - Publishing House)이 차지했습니다. 현대 음악), 특정 스타일에 국한되지 않고 다양한 예술적 작업을 해결할 수있는 능력만큼 재즈의 아프리카 계 미국인 기원에 대한 애착이 아니라 라인에서 공언 한 음악가 협회의 중심이되었습니다. 창의적인 즉흥적 과정을 통해 그러나 시간이 지남에 따라 회사의 특정 얼굴이 개발되어이 레이블의 아티스트가 대규모의 뚜렷한 문체 방향으로 분리되었습니다. 다양한 재즈 관용구, 세계 민속 및 새로운 학술 음악을 하나의 인상주의 사운드로 결합하려는 Manfred Eicher(만프레드 아이허) 레이블 설립자의 방향은 이러한 수단을 사용하여 삶의 가치에 대한 깊이와 철학적 이해를 주장할 수 있게 했습니다.

오슬로에 기반을 둔 이 회사의 메인 녹음 스튜디오는 스칸디나비아 음악가 목록에서 주도적인 역할을 하는 것과 분명히 관련이 있습니다. 우선 이들은 노르웨이인 Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer, Jon Christensen입니다. 그러나 ECM의 지리는 전 세계를 포괄합니다. 유럽인 John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mikhail Alperin 및 비유럽 문화 대표 Egberto Gismonti, Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem 등이 있습니다. 기타. American Legion은 그다지 대표적이지 않습니다-Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Dewey Redman (Redman Dewey), Bill Frisell, John Abercrombie ( John Abercrombie, Leo Smith. 회사 출판물의 초기 혁명적 충동은 시간이 지남에 따라 명상적으로 분리된 소리로 바뀌었습니다. 열린 양식세심하게 연마된 사운드 레이어. Aicher는 재즈와 학문적인 유럽 음악을 결합하려는 수많은 시도를 구분하는 보이지 않는 선을 자연스럽게 넘었습니다. 이것은 더 이상 세 번째 추세가 아니라 재즈 릴리스에 매우 가까운 학문적 음악과 함께 ECM의 "New Series"로 원활하게 흘러가는 흐름입니다. 그러나 대중문화의 경계를 벗어난 레이블의 정책 방향은 이러한 음악의 대중화로 이어져 일종의 패러독스라고 볼 수 있다. 일부 주류 지지자들은 이러한 방향으로 음악가들이 선택한 길을 거부합니다. 그러나 이러한 반대에도 불구하고 세계문화로서의 재즈는 발전하여 매우 인상적인 결과를 낳는다.

월드 재즈

"월드재즈" (World Jazz)는 제3세계 음악 또는 "세계 음악"과 재즈의 융합을 가리키는 이상하게 들리는 러시아어 용어입니다. 이 매우 분기된 방향은 여러 유형으로 나눌 수 있습니다.

라틴 재즈와 같은 재즈 즉흥 연주가 포함된 민족 음악. 이 경우 때때로 솔로 만 즉흥 연주됩니다. 반주와 구성은 본질적으로 민족 음악 자체와 동일합니다.

비 서양 음악의 제한된 측면을 포함하는 재즈. Dizzy Gillespie의 오래된 "Night in Tunisia" 녹음, 1970년대에 Impulse! 레이블로 발매된 일부 Keith Jarrett 4중주 및 5중주 LP의 음악은 약간 변경된 중동 악기 및 유사한 화음 기술을 사용합니다. 여기에는 아프리카 리듬이 포함된 50년대부터 90년대까지의 Sun Ra의 음악 일부, 전통 이슬람 악기 및 기술을 사용한 Yusef Lateef의 녹음 일부가 포함됩니다.

재즈 즉흥 연주와 기존 민족 전통의 독창적인 아이디어 및 악기, 하모니, 작곡 기법 및 리듬을 유기적으로 결합하는 새로운 음악 스타일. 결과는 독창적이며 민족성의 본질적인 측면을 명확하게 반영합니다. 이 접근 방식의 예는 다양하며 Don Cherry, Codona 및 Nu 앙상블을 포함합니다. 인도의 전통을 기반으로 한 70년대부터 90년대까지의 John McLaughlin의 일부 음악; 인도와 불가리아의 음악에서 아이디어를 차용한 70년대 Don Ellis의 음악 중 일부; 재즈와 펑크의 즉흥 연주와 트리니다드의 음악과 악기를 혼합한 90년대 Andy Narell의 작품.

"월드 퓨전 재즈"는 재즈의 역사에서 이 길을 택한 것이 처음이 아니며, 경향 자체가 미국 재즈에만 국한된 것은 아닙니다. 예를 들어, 폴리네시아 음악은 20세기 초에 서양 팝 스타일과 혼합되었으며 그 사운드는 초기 재즈 뮤지션 중 일부에서 나왔습니다. 카리브해 댄스 리듬 20세기 내내 미국 대중문화의 중요한 부분이 되었고, 재즈 뮤지션들은 종종 팝 주제를 즉흥적으로 연주했기 때문에 거의 지속적으로 섞였습니다. Django Reinhardt는 집시 음악의 전통, 프랑스 인상주의와 프랑스의 30년대 재즈 즉흥 연주를 결합했습니다. 접경지역에서 활동하는 음악인의 명단에는 수백, 수천의 이름이 포함될 수 있다. 예를 들어 Al DiMeola (Al DiMeola), "Dead Can Dance"그룹, Joe Zawinul, "Shakti"그룹, Lakshminarayana Shankar (Lakshminarayana Shankar), Paul Winter (Paul Winter), Trilok Gurtu와 같은 다양한 사람들이 있습니다. 그리고 다른 많은 것.

7. 팝 - 재즈 : 펑크, 애시드 재즈, 크로스오버, 스무스 재즈

펑키 재즈

모던 펑크는 70년대와 80년대의 인기 있는 재즈 스타일을 말하며 반주자는 블랙 팝 소울 및 펑크 음악 스타일로 연주하는 반면 광범위한 솔로 즉흥 연주는 본질적으로 더 창의적이고 재즈적입니다. 현대 재즈 색소폰 연주자(Charlie Parker, Lee Konitz, John Coltrane, Ornette Coleman)의 풍부하고 축적된 재즈 관용구 세트를 사용하는 대신, 이 스타일의 대부분의 색소폰 연주자는 블루스 샤우트로 구성된 간단한 프레이즈 세트를 사용합니다. 그리고 신음. 그들은 Paul Butterfield (Paul Butterfield)의 "Blues Band"와 함께 King Curtis on the Coastrs, Junior Walker with Motown 보컬 그룹, David Sanborn Sanborn과 같은 R&B 보컬 녹음에서 색소폰 솔로에서 이어진 전통을 기반으로 합니다. 이 장르에서 눈에 띄는 인물은 펑크 같은 반주와 함께 Hank Crawford 스타일의 솔로를 자주 연주했던 Grover Washington, Jr.입니다. 워싱턴은 다른 스타일의 재즈로 음악을 연주할 수 있지만 이것이 그의 가장 유명한 녹음에서 보이는 방식입니다. The Jazz Crusaders의 멤버인 Felder Wilton과 Joe Sample은 1970년대에 레퍼토리를 바꾸고 밴드 이름에서 "jazz"라는 단어를 제거함으로써 광범위한 인기를 얻었습니다. Michael Brecker, Tom Scott 및 그들의 학생들의 음악 대부분은 John Coltrane 또는 Joe Henderson의 스타일로 연주할 수도 있지만 이러한 접근 방식을 취합니다. "Najee", Richard Elliott (Richard Elliott) 및 동시대 사람들도 "모던 펑크"스타일로 작업합니다. 1971년과 1992년 사이에 Miles Davis는 이 스타일의 복잡한 다양성을 연주하는 앙상블을 이끌었지만 그의 밴드의 색소폰 연주자는 John Coltrane의 영향을 받았으며 그의 기타리스트는 Jimy Hendrix의 영향과 함께 현대 재즈 사고를 보여주었습니다. 많은 현대 펑크도 "크로스오버"로 분류할 수 있습니다.

애시드 재즈

많은 사람들이 Miles Davis의 후기 작곡을 이러한 추세의 조상이라고 생각합니다. "산 재즈"( "산 재즈")라는 용어는 주로 댄스 장르 인 가벼운 재즈 음악 유형 중 하나에 할당되었으며 부분적으로는 "라이브"뮤지션이 연주하고 나머지는 취한다는 사실로 통합되었습니다. 샘플링 된 형태 또는 디스코 용으로 생산되는 가장 오래된 비닐 까치 레코드를 사용하여 얻은 사운드 형태입니다. 음악적 결과는 사운드가 변경된 어떤 스타일이든 될 수 있습니다. 이러한 목적을 위해 더 바람직한 것은 급진적 인 "펑크 재즈", "소울", "퓨전"입니다. 애시드 재즈는 또한 영국 기타리스트 데릭 베일리의 작품과 같이 보다 급진적인 아방가르드적 날개를 가지고 있습니다. 그러나 뮤지션의 "라이브" 연주가 크게 기여한다는 점에서 디스코 버전의 애시드 재즈와 다릅니다. 분명히이 방향에는 발전 할 수있는 미래가 있습니다.

크로스오버

70년대 초부터 록 음악 활동(예술적 관점에서)이 점진적으로 감소하고 록 세계에서 아이디어의 흐름이 감소함에 따라 퓨전 음악(재즈 즉흥 연주와 록 리듬을 결합)은 더욱 간단해졌습니다. 동시에 많은 사람들이 일렉트릭 재즈가 더 상업적이 될 수 있다는 것을 깨닫기 시작했고 프로듀서와 일부 뮤지션은 판매를 늘리기 위해 이러한 스타일 조합을 찾기 시작했습니다. 그들은 일반 청취자가 더 쉽게 접근할 수 있는 일종의 재즈를 만드는 데 정말 성공했습니다. 지난 20년 동안 다양한 조합이 등장했으며 프로모터와 홍보 담당자는 " 컨템포러리 재즈", 팝 음악, 리듬 앤 블루스 및 "월드 뮤직"의 요소와 재즈의 "퓨전"을 설명하는 데 사용됩니다. 그러나 "크로스 오버"라는 단어는 문제의 본질을 설명하는 데 더 정확합니다. 크로스 오버와 퓨전은 목표를 달성했습니다. 특히 다른 스타일에 싫증이 난 사람들 때문에 재즈의 청중이 증가했습니다. 대부분의 경우 재즈 콘텐츠가 0으로 줄어들지만 어떤 경우에는 이 음악에 주목할 가치가 있습니다. 즉흥 연주가 약간 산재된 팝 음악은 재즈를 넘어선 음악으로 "기악 팝"이 가장 적합합니다. 크로스오버 스타일의 예는 Al Jarreau 및 George Benson 보컬 녹음에서 Kenny G, Spyro Gyra 및 Rippingtons에 이르기까지 다양합니다. 재즈의 영향이 있지만 그럼에도 불구하고 이 음악은 Gerald Albright, David Benoit, Michael Brecker, Randy Brecker, "The Crusaders", George Duke, 색소폰 연주자 Bill Evans, Dave Grusin, Quincy Jones, Earl Klugh, Hubert Laws, Chuck Mangione(Chuck Mangione), Lee Ritenour, Joe Sample, Tom Scott, Grover Washington Jr.

매끄러운

"Smooth Jazz"(부드러운 재즈)는 음악의 부드럽고 매끄러운 면을 강조한 퓨전 스타일의 산물이다. 일반적으로 "부드러운 재즈"는 즉흥 연주보다는 리듬과 멜로디 라인에 더 의존합니다. 신디사이저 사운드 레이어, 펑크 리듬, 펑크 베이스, 기타와 트럼펫의 탄성 라인, 알토 또는 소프라노 색소폰을 사용합니다. 하드밥처럼 지적인 음악도 아니고 펑크나 소울재즈처럼 지나치게 에너제틱하지도 않다. "부드러운 재즈" 구성은 단순하고 피상적이며 세련된 것처럼 보이며 전체적인 사운드는 더 큰 가치개별 부품보다 "부드러운" 스타일의 특징적인 대표자는 George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman입니다.

재즈는 이전 세기의 미국 음악, 아프리카 리듬, 세속적, 노동 및 의식 노래를 결합한 특별한 종류의 음악입니다. 이런 종류의 음악적 방향의 팬은 http://vkdj.org/ 사이트를 사용하여 좋아하는 곡을 다운로드할 수 있습니다.

재즈 기능

재즈는 다음과 같은 특정 기능으로 구별됩니다.

• 율;
• 즉흥 연주;
• 폴리리듬

그는 유럽의 영향으로 조화를 이루었습니다. 재즈는 아프리카 기원의 특정 리듬을 기반으로 합니다. 이 스타일은 기악 및 성악 방향을 다룹니다. 재즈는 악기의 사용을 통해 존재하며 일반 음악에서는 이차적으로 중요합니다. 재즈 뮤지션은 솔로와 오케스트라에서 즉흥 연주할 수 있는 능력이 있어야 합니다.

재즈 음악의 특징

재즈의 주된 특징은 연주자에게 가벼움, 이완, 자유 및 지속적인 움직임을 일깨우는 리듬의 자유입니다. 이런 종류의 음악은 고전 작품에서와 마찬가지로 고유의 크기와 리듬을 가지고 있는데, 이를 스윙이라고 합니다. 이 방향에서는 일정한 맥동이 매우 중요합니다.

재즈는 고유한 레퍼토리와 특이한 형식을 가지고 있습니다. 주요 음악은 모든 종류의 뮤지컬 버전의 기초 역할을 하는 블루스와 발라드입니다.

이 음악의 방향은 그것을 연주하는 사람들의 창의성입니다. 그 기초를 형성하는 것은 음악가의 특이성과 독창성입니다. 노트만으로는 배울 수 없습니다. 이 장르는 자신의 감정과 영혼을 작품에 담는 연기자의 창의성과 영감에 전적으로 의존합니다.

이 음악의 주요 특징은 다음과 같습니다.

• 조화;
• 선율;
• 율.

즉흥성 덕분에 매번 새로운 작품이 탄생한다. 인생에서 다른 음악가가 연주하는 두 곡이 같은 소리를 내는 일은 결코 없을 것입니다. 그렇지 않으면 오케스트라는 서로를 모방하려고 할 것입니다.

이 현대적인 스타일에는 아프리카 음악의 많은 특징이 있습니다. 그 중 하나는 각 악기가 타악기 역할을 할 수 있다는 것입니다. 재즈 작곡을 할 때 잘 알려진 구어체 톤이 사용됩니다. 또 다른 차용 기능은 악기 연주가 대화를 복사한다는 것입니다. 시간이 지남에 따라 크게 변화하는 이러한 전문 음악 예술에는 엄격한 경계가 없습니다. 공연자의 영향에 완전히 열려 있습니다.

재즈는 무엇보다도 즉흥 연주, 삶, 단어, 진화입니다. 진정한 재즈는 Storyville 바의 피아니스트나 시카고 외곽의 조용한 곳에서 연주하는 뮤지션 그룹의 손에서 나오는 미시시피에 살고 있습니다.

실제 출생지

재즈의 역사는 음악에서 가장 독창적인 이야기 중 하나입니다. 그의 성격과 스타일, 그의 강한 성격 특성은 매우 매력적이지만 일부 경향은 청취자 측에서 더 높은 준비성을 요구합니다. 미국의 밴드 리더인 존 필립 소사(John Philip Sousa)가 말했듯이 재즈는 머리가 아닌 발로 들어야 합니다.하지만 그것은 30년대 뉴올리언스의 재즈 밴드인 Buddy Bolden이나 오스틴 고교의 남자들이 시카고의 불법 술집에 모여들었을 때였습니다. 그들은 춤을 추기 위해 음악을 연주했습니다.

그러나 1940년대부터 대중은 발 대신 머리로 재즈를 듣기 시작했다. 새로운 형태의 사운드가 나타납니다-지적이고 시원하고 자유로운 청취자를 유치하려고 시도합니다-조금 옆에 남아 있습니다 Souza의 나쁜 진술과 공격에도 불구하고 청중은 재즈를 훨씬 더 열정적으로 인식합니다. 엄청난 생명력의 비결은?

아프리카계 미국인 음악처럼 재즈에 대해 이야기하면 할 말이 많지 않습니다.
즉흥, 자유, 항의의 노래, 소외의 노래 등이 그것이다. 목화 농장에서 첫 번째 씨앗과 새싹이 싹트고 서양 음악 역사상 마지막 인기 장르의 첫 곡과 멜로디가 이곳에 놓였습니다. 19세기 말과 20세기 초 뉴올리언스의 블랙 카페에서 부활하기 시작한 일종의 도시적 표현.

통계에 따르면 아프리카 노예 시장은 약 1,500 만 명이었습니다. 남성, 여성 및 어린이는 세계 여러 지역에서 판매됩니다. 이 사람들의 대부분은 미국에서 끝났습니다. 목화 농장과 담배밭에는 많은 일이 필요했습니다. 흑인 아프리카인은 강했고 적은 일을 위해 일했습니다. 임금, 음식과 피난처. 게다가 그들은 고국 아프리카의 잊을 수 없는 노래와 춤에 대한 기억 외에는 아무것도 가지고 있지 않았습니다. 따라서 음악은 노예 생활의 중심이며 노예 생활의 모든 고난과 고통을 극복하는 데 도움이 됩니다. 이것은 노예 리듬과 멜로디의 주요 수하물입니다.

종교심이 강한 흑인 아프리카인들은 기독교를 쉽게 받아들였습니다. 그러나 노래와 춤으로 종교 의식을 시작하는 데 익숙해진 그들은 곧 남부 진영에서 열리는 집회와 예식에 박수와 리드미컬한 움직임을 도입하기 시작했습니다. 피부색이 짙은 사람들의 목소리는 매우 독특한 음색을 가지고 있었고 멜로디를 부르면 정말 감동했습니다. 흑인 개신교 종교 공동체는 반항을 촉구하는 자체 찬송가를 만들었습니다.

이 주제, 기도 및 간구에 일에 관한 노래가 추가되었습니다. 왜? 예, 노예는 노래로 일하는 것이 훨씬 더 쉽다는 것을 깨달았기 때문입니다.
이 문구의 단순함은 아마도 식민지 주민들의 언어에 대한 지식이 부족하기 때문일 것이며 활기찬 시와 부드러움으로 발전했습니다. 장 콕토(Jean Cocteau)에 따르면 블루스 운문은 자동적으로 인기 있는 시의 마지막 등장이며 장르로서의 블루스는 일반적으로 재즈입니다.

미국, 문화를 찾아서.

Jazz for the USA는 최고의 명함 중 하나이며 모든 음악 역사가는 세계 문화에 대한 가장 중요한 기여에 동의합니다.

이 문화적 정체성의 과정은 상대적으로 짧습니다. 다음 단계는 식민지의 독립이었습니다. 하지만... 그것들을 만들기 위해 무엇을 해야 했는지 문화 유산? 한편으로는 토착민의 유럽 유산입니다. 오랜 노예 생활을 마친 옛 정착민의 후손, 최근 이민자, 다른 한편으로는 미국 흑인 시민입니다. 그리고 노예가 있는 곳에 음악이 있다.이로부터 적어도 남부에서는 흑인 음악이 어느 정도 더 인기가 있었다는 결론이 나온다.

공식적인 보호 및 인정.

통치자들은 이것이 새로운 음악 현상이라는 것을 깨달았습니다. 그 동안 국무부는 미국인 "재즈맨"의 국제 투어를 통제하고 심지어 조직했습니다. Louis Armstrong, Duke Ellingtong, Dizzy Gillespie, Jack Teagarden, Stanz Getz, Keith Jarrots 등이 전 세계적으로 스타일을 선보였습니다. 왕과 왕비 앞에서 공연된 루이 암스트롱은 바티칸에서 교황의 환영을 받았고 베니 굿맨과 그의 오케스트라는 1962년 여름 러시아를 순회했습니다. 박수는 귀머거리였으며 Nikita Khrushchev조차도 기립 박수를 보냈습니다.
당연히 블루스는 진화하여 고유한 언어인 재즈를 만들었습니다. 그러한 언어는 무엇입니까? 리드미컬한 지속성, 특이한 악기 음색, 다른 유형의 음악에서 찾기 어려운 복잡한 솔로 즉흥 연주의 사용, 이것이 재즈의 언어이자 영혼입니다. 모든 것은 스윙이라는 마법의 단어로 스며듭니다. 듀크 엘링통이 말했듯이 "스윙은 그 자체의 해석을 넘어서는 것입니다. 뮤지컬 텍스트에는 존재하지 않으며 지속적인 연주에서만 나타납니다.
사실, 재즈는 흑인 미국 음악을 이해하는 가장 일반적인 방법 중 하나였으며 지금도 그렇습니다. 사랑과 슬픔을 표현하는 음악은 영웅들의 삶, 일상의 괴로움과 실망을 묘사합니다. 초기 재즈는 일종의 실망감의 감정적 밸브였으며, 백인 세계의 흑인이었습니다.

뉴올리언스 생활의 기쁨

New Orleans라는 이름은 우리가 재즈를 찾고 인식하고 사랑하는 데 도움이 되는 마법의 열쇠입니다. 주로 프랑스와 스페인 이민자들이 건설하고 거주하는 이 도시는 다른 주(州)와는 분위기가 달랐다. 문화적 수준이 더 높았습니다. 많은 주민들이 귀족이었고 구대륙에서 온 부르주아가 더 많았습니다. 더 높은 수입과 물론 좋은 레스토랑과 아름다운 집이있었습니다. 오래된 유럽에서 가져온 모든 것-섬세한 가구, 크리스탈,은, 책, 악보 및 따뜻한 봄 저녁을 밝게하는 다양한 악기, 건반, 바이올린, 플루트 등 그것은 모두 뉴 올리언스에서 먼저 끝났습니다. 도시는 인디언의 공격을 격퇴하기 위해 높은 성벽으로 둘러싸여 있었고, 도시는 물론 군사 행진을 수행하기 위해 자체 오케스트라를 보유한 프랑스 군인 수비대에 의해 방어되었습니다. 이러한 우연의 일치 덕분에 뉴올리언스는 더욱 활기차고 자신감 있게 변했습니다.
흑인과의 관계를 포함하여 모든 면에서 관용적인 도시로 간주되었습니다.
내전은 국가에 큰 변화를 가져왔습니다. 노예 제도는 흑인을 위해 폐지되었고 그들은 일하기 위해 도시로 이동하기 시작했고 그들과 함께 음악을 듣기 시작했습니다.

뉴올리언스에서는 노예였던 사람들이 마침내 레코드 가게에서 본 것을 살 수 있게 되었습니다. 그 전에는 박, 뼈, 강판, 금속 그릇으로 도구를 직접 만들었습니다. 이제 그들은 밴조와 하모니카 외에도 트롬본, 호른, 클라리넷, 드럼을 구입할 수 있었습니다. 문제는 이전 노예들이 악보, 솔페지오, 음표에 대해 전혀 몰랐고 어떤 음악적 기술에 대해서도 몰랐다는 것입니다.

무지의 문제는 어렵게 해결되었습니다. 그러나 그들은 노래뿐만 아니라 연주도 필요하다는 것을 이해했습니다. 악기목소리의 연속이 되어야 하고 훈련이 시작되었다.
군악대가 거리를 지나갈 때마다 흑인들이 항상 맨 앞줄에 서서 주의 깊게 귀를 기울였고, 교회에서는 성가를 한 소절도 빠뜨리지 않았습니다. 점차적으로 그들은 약간의 손 비트를 혼합하고 박수 몇 마디를 추가하고 (발을 들음) 과거 (노예 제도)를 블루스에 도입하기 시작하여 마음에서 만들어지고 매우 시적인 새로운 음악이 부활하기 시작했습니다.

이 음악의 사용은 사회의 최하층인 흑인들이 장례식에서 사용했고, 자선 단체또는 회사는 공적 생활에서 이전 노예의 경제적 평화를 그다지 지원하지 않았지만 죽음에 이르면 일정 금액을 기부하여 친척들이 성대한 장례식을 조직했으며 음악가 그룹과 여러 지원을 받았습니다. 가족, 친구, 이웃들로부터. 긴 행렬 속에서 느리고 슬픈 음악이 묘지에 울려 퍼졌다. 돌아오자 주제가 바뀌고 빠른 음악이 연주되거나 재즈 즉흥 연주가 되었다. 일반적으로 고인은 천국에 있고, 그들은 그분과 함께 기뻐해야 합니다. 또한 긴 한숨과 감정의 여유가 부족해 음악가들에게 식의 마지막 부분은 항상 즐거워야 한다는 환경이 늘 요구됐다.
따라서 전문가들은 흑인의 장례식에서 그들이 처음으로 재즈를 연주하기 시작했다고 믿습니다.

수십 년 동안 그들은 재즈를 금지하고 침묵하고 무시하려고 노력했고 싸우려고 노력했지만 음악의 힘은 모든 교리보다 더 강했습니다. 에게 XXI 세기재즈는 다음 중 하나에 도달했습니다. 최고점개발 속도를 늦추지 않습니다.

전 세계적으로 1917년은 여러 면에서 획기적인 전환점이었습니다. 러시아 제국에서 두 가지 혁명이 일어나고 있습니다. Woodrow Wilson은 미국에서 두 번째 임기로 재선되고 미생물 학자 Felix d' Herelle은 박테리오파지의 발견을 발표합니다. 그러나 올해도 역사에 영원히 남을 사건이 일어났다. 1917년 1월 30일 빅터의 뉴욕 스튜디오에서 최초의 재즈 레코드가 녹음되었습니다. 이들은 백인 음악가들의 앙상블인 Original Dixieland Jazz Band가 연주한 "Livery Stable Blues"와 "Dixie Jazz Band one Step"의 두 곡이었습니다. 맏형 뮤지션인 트럼펫 연주자 Nick LaRocca는 28 세 였고 막내 드러머 Tony Sbarbaro는 20 세였습니다. 물론 뉴올리언스의 원주민들은 "흑인 음악"을 듣고 좋아했으며 자신의 연주로 재즈를 연주하기를 열정적으로 원했습니다. 디스크를 녹음한 후 아주 빨리 Original Dixieland Jazz Band는 유명하고 값비싼 레스토랑과 계약을 맺었습니다.

최초의 재즈 레코드는 어떤 모습이었습니까? 축음기 레코드는 다양한 구성의 플라스틱을 압착하거나 성형하여 만든 얇은 디스크로 표면에 소리 녹음이 있는 특수 홈이 나선형으로 새겨져 있습니다. 레코드의 소리는 축음기, 축음기, 전자 전화와 같은 특수 기술 장치를 통해 재생되었습니다. 즉흥 연주의 모든 세부 사항을 악보로 정확하게 전달하는 것이 거의 불가능하기 때문에 이 사운드 녹음 방법은 재즈를 "영속화"하는 유일한 방법이었습니다. 이 때문에 다양한 재즈 작품을 논하는 과정에서 음악 전문가들은 우선 이 작품이나 저 곡이 녹음된 음반의 번호를 참고한다.

원래 Dixieland Jazz Band의 데뷔 데뷔 5년 후, 흑인 뮤지션들이 스튜디오에서 녹음을 시작했습니다. 처음으로 녹음된 것 중에는 Joe King Oliver와 Jelly Roll Morton의 앙상블이 있습니다. 그러나 흑인 재즈맨의 모든 녹음은 미국 흑인 인구 사이에서만 배포된 특별한 "인종 시리즈"의 일부로 미국에서 공개되었습니다. "인종 시리즈"로 발표된 기록은 XX세기 40년대까지 존재했습니다. 재즈 외에도 그들은 아프리카 계 미국인의 영적 합창곡 인 블루스와 영가도 녹음했습니다.

최초의 재즈 레코드는 78rpm에서 직경 25cm였으며 음향적으로 녹음되었습니다. 그러나 1920년대 중반 이후 20세기에는 녹음이 전기기계식으로 이루어졌고 이는 음질 향상에 기여했습니다. 그 후 직경 30cm의 레코드가 40 년대에 출시되었습니다. 이러한 레코드는 Louis Armstrong, Count Basie, Sidney Bechet, Art Tatum, Jack Teagarden, Thomas Fets Waller, Lionel Hampton, Colman Hawkins, Roy Eldridge가 연주한 이전 작곡과 새 작곡을 모두 발표하기로 결정한 여러 음반사에서 대량 생산되었습니다. 그리고 많은 다른 사람.

이러한 축음기 레코드에는 "V-disc"( "Victory 디스크"의 줄임말)라는 특수 레이블 표시가 있으며 제 2 차 세계 대전에 참전 한 미군을 대상으로했습니다. 이 릴리스는 판매용이 아니었고 일반적으로 재즈 맨은 제 2 차 세계 대전에서 모든 비용을 Victory Fund로 이체했습니다.

이미 1948년에 Columbia Records는 사운드 그루브가 조밀하게 배치된 최초의 장기 재생 레코드(소위 "longplay", LP)를 음악 녹음 시장에 출시했습니다. 레코드는 직경이 25cm이고 33 1/3rpm으로 회전했습니다. LP에는 이미 10개의 플레이가 포함되어 있습니다.

Columbia에 이어 1949년 RCA Victor의 대표자들이 자체 장편 연극 제작을 시작했습니다. 그들의 기록은 분당 45 회전 속도로 직경 17.5cm였으며 나중에 유사한 기록이 이미 분당 33 1/3 회전 속도로 생성되기 시작했습니다. 1956년 직경 30cm의 LP가 발매되기 시작했고, 이 음반의 양면에 12곡을 싣고 재생시간을 50분으로 늘렸다. 2년 후, 2채널 녹음이 있는 스테레오 레코드가 모노포닉 레코드를 대체하기 시작했습니다. 제조업체는 또한 16rpm 레코드를 음악 시장에 밀어 넣으려고 시도했지만 이러한 시도는 실패로 끝났습니다.

그 후 수년 동안 레코드 생산의 혁신이 말랐지만 이미 60 년대 후반입니다. 4채널 녹음 시스템을 갖춘 4중음반 레코드가 음악 애호가들에게 소개되었습니다.

LP의 생산은 음악으로서의 재즈에 큰 도약을 가져왔고 이 음악의 발전, 특히 더 큰 형태의 작곡의 출현에 기여했습니다. 수년 동안 한 번의 재생 시간은 3분을 넘지 않았습니다. 이것이 표준 축음기 레코드에 사운드 녹음을 위한 조건이었습니다. 동시에 레코드 출시의 발전에도 불구하고 재즈 곡의 길이는 50 년대에 즉시 증가하지 않았습니다. LP는 주로 이전 연도의 출판물 매트릭스를 기반으로 만들어졌습니다. 거의 같은 시기에 스콧 조플린과 다른 유명한 래그타임 연주자들의 녹음과 함께 19세기 말과 20세기 초에 녹음된 음반이 발표되었습니다. 기계식 피아노용 골판지 천공 실린더와 축음기용 왁스 롤러.

시간이 지남에 따라 더 큰 형식의 작품과 라이브 콘서트를 녹음하는 데 장편 레코드가 사용되기 시작했습니다. 2 ~ 3 개의 레코드 또는 특정 아티스트의 특별 선집 및 음반의 앨범 출시도 널리 퍼졌습니다.

그러나 재즈 자체는 어떻습니까? 수년 동안 그것은 "열등한 인종의 음악"으로 간주되었습니다. 미국에서는 미국 상류 사회에 합당하지 않은 흑인의 음악으로 간주되었고, 나치 독일에서는 재즈를 연주하고 듣는 것이 "흑인-유대인 불협화음의 지휘자"가 되는 것을 의미했으며 소련에서는 "부르주아를 위한 변증가"로 간주되었습니다. 삶의 방식"과 "세계 제국주의의 대리인".

재즈의 특징은 이 음악이 수십 년 동안 성공과 인정을 받기 위해 노력했다는 것입니다. 다른 모든 스타일의 뮤지션이 경력 초기부터 가장 큰 장소와 경기장에서 연주하기 위해 노력할 수 있고 이에 대한 많은 예가 있었다면 재즈 맨은 큰 장소를 꿈꾸지도 않고 레스토랑과 클럽에서만 연주 할 수 있습니다. .

스타일로서의 재즈는 1세기 전에 목화 농장에서 시작되었습니다. 흑인 노동자들이 개신교 성가, 아프리카 영적 합창 찬송가 "영적", 가혹하고 죄 많은 세속적, 거의 "범죄"노래-블루스, 더러운 길가 식당에 널리 퍼져있는 노래에서 융합 된 노래를 불렀습니다. 미국인은 밟지 않을 것입니다. 이 "칵테일"의 최고의 성과는 맨발의 아프리카계 미국인 어린이들이 폐기된 악기를 집어 들고 온갖 종류의 것을 연주하기 시작하는 것처럼 들리는 브라스 밴드였습니다.

20세기의 20년대는 "재즈 시대"가 되었습니다. 작가 Francis Scott Fitzgerald는 이를 이렇게 불렀습니다. 대부분의 흑인 노동자들은 당시 미국의 범죄 수도인 캔자스시티에 집중되어 있었습니다. 이 도시의 재즈 확산은 마피아가 시간을 보내는 것을 좋아하는 수많은 레스토랑과 식당에 의해 촉진되었습니다. 이 도시는 빠른 블루스를 연주하는 빅 밴드의 스타일인 특정 스타일을 만들었습니다. 이 기간 동안 찰리 파커라는 흑인 소년이 캔자스 시티에서 태어났습니다. 20여 년 후 재즈 개혁가가 된 사람은 바로 그 소년이었습니다. 캔자스시티에서 그는 콘서트가 열리는 장소를 지나며 말 그대로 그가 사랑하는 음악을 흡수했습니다.

뉴올리언스에서 재즈의 엄청난 인기와 캔자스시티에서의 광범위한 분포에도 불구하고 많은 재즈맨들은 여전히 ​​시카고와 뉴욕을 선호했습니다. 미국 동부 해안의 두 도시는 재즈의 집중과 발전의 가장 중요한 요충지가 되었습니다. 두 도시의 스타는 젊은 트럼펫 연주자이자 뉴올리언스 최고의 트럼펫 연주자인 King Oliver의 후계자인 보컬리스트 Louis Armstrong이었습니다. 1924 년에 또 다른 뉴 올리언스 출신 인 피아니스트이자 가수 인 Jelly Roll Morton이 시카고에 도착했습니다. 젊은 음악가는 겸손하지 않았고 모든 사람에게 그가 재즈의 창시자라고 대담하게 선언했습니다. 그리고 이미 28 세에 그는 뉴욕으로 이사했는데 그 당시 젊은 워싱턴 피아니스트 Duke Ellington의 오케스트라가 인기를 얻었고 이미 Fletcher Henderson 오케스트라를 영광의 광선에서 몰아 내고있었습니다.

"흑인 음악"의 인기 물결이 유럽에 침입합니다. 그리고 "선술집"이 아니라 귀족 살롱과 콘서트 홀에서 1 차 세계 대전이 시작되기 전에도 파리에서 재즈를 들었다면 20 년대 런던은 항복했습니다. 흑인 재즈 맨은 영국 수도로 여행하는 것을 좋아했습니다. 특히 미국과 달리 그곳에서뿐만 아니라 배후에서 존경과 인도적 대우를 받았다는 사실을 고려하면 더욱 그렇습니다.

시인, 번역가, 댄서 및 안무가 Valentin Parnakh가 1922년 모스크바에서 첫 번째 재즈 콘서트의 주최자가 되었고 6년 후 이 음악의 인기가 상트페테르부르크에 이르렀다는 점은 주목할 만합니다.

1930년대의 시작은 새로운 시대-빅 밴드, 대규모 오케스트라 및 새로운 스타일의 시대가 댄스 플로어에서 흔들리기 시작했습니다. Duke Ellinton의 오케스트라는 비표준 음악 동작의 도움으로 Fletcher Henderson 오케스트라의 동료를 인기로 추월 할 수있었습니다. 트레이드마크가 된 집단동시즉흥연주 뉴올리언스 학교재즈는 과거의 것이 되어가고 있으며 대신 복잡한 악보, 반복되는 리드미컬한 프레이즈, 오케스트라 그룹의 롤콜이 인기를 얻고 있습니다. 오케스트라의 일원으로서 팀 전체의 성공의 열쇠가 된 오케스트레이션을 작성하는 편곡자의 역할이 증가하고 있습니다. 동시에 솔로이스트-즉흥 연주자는 오케스트라의 리더로 남아 있으며 완벽한 오케스트레이션을 가진 팀조차도 눈에 띄지 않을 것입니다. 동시에 지금부터 솔리스트는 음악의 "사각형"수를 엄격하게 준수하고 나머지는 서면 배열에 따라 지원합니다. Duke Ellington 오케스트라의 인기는 편곡의 비표준 솔루션뿐만 아니라 트럼펫 연주자 Bubber Miley, Rex Stewart, Cootie Williams, 클라리넷 연주자 Barney Bigard, 색소폰 연주자 Johnny Hodges 및 Ben과 같은 오케스트라 자체의 일류 구성으로 인해 가져 왔습니다. Webster, 더블 베이시스트 Jimmy Blanton은 자신의 직업을 누구보다 잘 알고 있었습니다. 다른 재즈 오케스트라도 이 문제에서 팀워크를 보여주었습니다. 색소폰 연주자 Lester Young과 트럼펫 연주자 Buck Clayton은 Count Basie에서 연주했으며 오케스트라의 중추는 "세계에서 가장 스윙이 많은" 리듬 섹션이었습니다. 피아니스트 Basie, 더블 베이시스트 Walter Page, 드러머 Joe Jones 및 기타리스트 프레디 그린.

전적으로 백인 뮤지션으로 구성된 클라리넷 연주자 베니 굿맨의 오케스트라는 30대 중반에 압도적인 인기를 얻고, 30대 후반에는 재즈의 모든 인종적 제약에 결정타를 날린다. Goodman은 동시에 흑인과 백인 뮤지션이 공연했습니다! 물론 이러한 이벤트는 세련된 음악 애호가에게는 새로운 것이 아니지만 그해에 백인 (클라리넷 연주자 Goodman과 드러머 Gene Krupa)과 흑인 (피아니스트 Teddy Wilson과 비브라폰 연주자 Lionel Hampton)의 공연은 말 그대로 모든 패턴을 찢어 버렸습니다. 조각으로.

30년대 후반 글렌 밀러의 화이트 오케스트라가 인기를 끌었다. 관중과 청취자들은 즉시 특징적인 "크리스탈 사운드"에 주목하고 편곡을 훌륭하게 수행했지만 동시에 오케스트라 음악에는 최소한의 재즈 정신이 있다고 말했습니다. 제 2 차 세계 대전 중에 "스윙 시대"가 끝났습니다. 창의성은 그림자 속으로 들어갔고 "엔터테인먼트"는 무대에서 빛났고 음악 자체는 특별한 프릴이 필요하지 않은 소비자 대중으로 변모했습니다. 전쟁과 함께 재즈 맨 진영에 낙담이 생겼습니다. 그들이 가장 좋아하는 음악이 존재의 일몰 속으로 순조롭게 움직이는 것 같았습니다.

그러나 새로운 재즈 혁명의 시작은 이러한 스타일의 음악을 위한 토착 도시 중 하나인 뉴욕에서 시작되었습니다. 대부분이 흑인인 젊은 음악가들은 공식 클럽의 오케스트라에서 음악의 쇠퇴를 견디지 ​​못하고 늦은 밤 콘서트가 끝난 후 52번가에 있는 자신의 클럽에 모였습니다. 그들 모두에게 메카는 밀턴 플레이하우스 클럽이었습니다. 이 뉴욕 클럽에서 젊은 재즈맨은 상상할 수 없고 근본적으로 새로운 일을 했습니다. 그들은 단순한 블루스 코드를 가능한 한 즉흥적으로 연주하여 겉보기에 완전히 부적절해 보이는 순서로 코드를 만들고 뒤집고 재배치하고 극도로 복잡하고 긴 연주를 했습니다. 소절 중간에서 시작해서 거기에서 끝나는 멜로디. 그 당시 Milton Playhouse에는 많은 방문객이있었습니다. 모두가 무대에서 화려하고 상상할 수 없을 정도로 태어난 이상한 짐승을보고 듣고 싶어했습니다. 종종 무대에 올라가 뮤지션과 즉흥적으로 연주하는 것을 좋아하는 불경스러운 사람들을 차단하기 위해 재즈맨은 높은 템포의 작곡을 시작했으며 때로는 전문가만이 처리할 수 있는 놀라운 속도로 가속했습니다.

이것이 바로 혁신적인 재즈 스타일인 비밥이 탄생한 방식입니다. 캔자스 시티에서 자란 알토 색소폰 연주자 Charlie Parker, "Dizzy"("Dizzy")라는 별명을 가진 트럼펫 연주자 John Berks Gillespie, 기타리스트 Charlie Christian(하모닉 언어의 창시자 중 한 명), 드러머 Kenny Clarke 및 Max Roach - 이 이름은 영원합니다. 재즈, 특히 비밥의 역사에 황금 글자로 새겨져 있습니다. 비밥 드럼의 리듬 기반이 판으로 옮겨졌고 뮤지션의 특별한 외부 속성이 나타 났으며 이러한 콘서트의 대부분은 소규모 폐쇄 클럽에서 열렸습니다. 이것이 밴드의 음악 제작을 설명 할 수있는 방법입니다. 그리고이 혼란스러워 보이는 모든 것보다 Parker의 색소폰이 상승했습니다. 수준, 기술 및 기술면에서 그와 동등하지 않았습니다. 뮤지션의 기질이 단순히 그의 주인을 불태운 것은 놀라운 일이 아닙니다. Parker는 1955 년에 색소폰, 술 및 마약을 지속적으로 고속으로 연주하여 "탈진"하여 사망했습니다.

재즈의 발전에 자극을 주었을 뿐만 아니라 출발점, 재즈의 분기가 시작되었습니다. Be-bop은 작은 공연장, 엄선되고 헌신적인 청취자, 일반적으로 음악의 뿌리에 관심이 있는 언더그라운드 방향으로 나아갔고, 두 번째 지점은 소비자 시스템 영역에서 재즈를 대표했습니다. 이것이 바로 팝 재즈가 있었던 방식입니다. 오늘날까지 존재하는 탄생. 그래서 수년에 걸쳐 Frank Sinatra, Sting, Kathy Melua, Zaz, Amy Winehouse, Kenny G, Norah Jones 등과 같은 음악 스타들이 팝 재즈의 요소를 사용했습니다.

덜 인기있는 재즈 분야는 하드 밥이 비밥을 따랐습니다. 이 스타일에서는 황홀한 시작으로 블루스에 내기를 걸었습니다. 하드 밥의 발전은 색소폰 연주자 Sonny Rollins, 피아니스트 Horace Silver, 트럼펫 연주자 Clifford Brown 및 드러머 Art Blakey의 연주에 영향을 받았습니다. 그건 그렇고, Blakey 팀은 라는 제목의 Jazz Messengers는 1990년 뮤지션이 사망할 때까지 전 세계 재즈 재능의 원천이 되었습니다. 동시에 다른 나만의 스타일: 동해안에서 흔히 볼 수 있는 쿨 재즈가 청취자의 마음을 사로잡았고, 서해안 스타일은 이웃에 대항할 수 있었습니다. Parker Orchestra의 멤버인 흑인 트럼펫 연주자 Miles Davis는 편곡가 Gil Evans와 함께 비밥의 새로운 하모니를 사용하여 쿨 재즈("쿨 재즈")를 만들었습니다. 강조점은 음악의 높은 템포에서 편곡의 복잡성으로 옮겨졌습니다. 동시에 화이트 바리톤 색소폰 연주자 Gerry Mulligan과 그의 앙상블은 뉴올리언스 학교에서 나온 동시 집단 즉흥 연주와 같이 쿨 재즈의 다른 악센트에 의존했습니다. 백인 색소폰 연주자 Stan Getz와 Zoot Sims가 West Coast("West Coast")를 연주하는 The West Coast는 Charlie Parker보다 가벼운 사운드를 만들어 내며 비밥의 다른 그림을 제시했습니다. 그리고 피아니스트 John Lewis는 기본적으로 클럽에서 연주하지 않는 Modern Jazz Quartet의 창립자가 되어 재즈에 넓고 진지한 형식의 콘서트를 제공하려고 했습니다. 그건 그렇고, 피아니스트 Dave Brubeck의 4 중주도 거의 동일하게 달성했습니다.

따라서 재즈는 고유한 형태를 갖추기 시작했습니다. 재즈맨의 작곡과 솔로 부분이 길어졌습니다. 동시에 하드 밥과 쿨 재즈에 트렌드가 나타났습니다. 한 곡은 7 ~ 10 분 동안 지속되었고 한 곡은 5, 6, 8 "스퀘어"입니다. 동시에 스타일 자체는 다양한 문화, 특히 라틴 아메리카에 의해 풍부해졌습니다.

1950년대 후반에 재즈에 새로운 개혁이 이루어졌고 이번에는 조화로운 언어 분야에서 이루어졌습니다. 이 부분의 혁신가는 다시 1959년 유명한 녹음 "Kind of Blue"를 발표한 Miles Davis였습니다. 전통적인 키와 코드 진행이 변경되어 뮤지션은 몇 분 동안 두 개의 코드를 남길 수 없었지만 동시에 청취자가 단조 로움조차 느끼지 못하는 방식으로 음악적 사고의 발전을 보여주었습니다. Davis의 테너 색소폰 연주자 John Coltrane도 개혁의 상징이 되었습니다. 콜트레인의 연주 기술과 음악적 사고는 60년대 초반 녹음에서 입증되었으며 오늘날까지 타의 추종을 불허합니다. 프리 재즈("프리 재즈") 스타일을 만든 알토 색소폰 연주자 Ornette Coleman도 재즈에서 50년대와 60년대 전환의 상징이 되었습니다. 이 스타일의 하모니와 리듬은 거의 존중되지 않으며 뮤지션은 가장 터무니없는 멜로디라도 따릅니다. 조화로운 용어로 프리 재즈가 절정이되었습니다. 그런 다음 절대적인 소음과 불협화음 또는 완전한 침묵이있었습니다. 이러한 절대적인 한계는 Ornette Coleman을 일반적으로 음악, 특히 재즈의 천재로 만들었습니다. 아마도 아방가르드 음악가인 John Zorn만이 그의 작업에서 그에게 가장 가까이 다가갔을 것입니다.

60년대도 재즈의 무조건적인 인기의 시대가 되지는 않았다. 녹음 기술, 음량, 전자 장치, 사운드 왜곡, 학문적 아방가르드, 연주 기술을 기꺼이 실험 한 록 음악이 등장했습니다. 전설에 따르면 거장 기타리스트 지미 헨드릭스와 전설적인 재즈맨 존 콜트레인의 합동 녹음 아이디어가 당시 부화됐다고 한다. 그러나 이미 1967년에 Coltrane이 죽었고 몇 년 후 Hendrix가 죽었고 이 아이디어는 전설로 남아 있었습니다. Miles Davis는 또한이 장르에서 성공했습니다. 60 년대 후반에 그는 록 음악과 재즈를 성공적으로 교차하여 재즈 록 스타일을 만들 수 있었으며 젊었을 때 주로 Davis의 밴드 인 키보드 연주자 Herbie Hancock에서 연주 한 주요 대표자가되었습니다. Chick Corea, 기타리스트 John McLaughlin, 드러머 Tony Williams. 동시에 퓨전이라고도 알려진 재즈 록은 베이스 기타리스트 Jaco Pastorius, 기타리스트 Pat Metheny, 기타리스트 Ralph Towner와 같은 저명한 개별 대표자를 탄생시킬 수 있었습니다. 그러나 60년대 후반에 생겨나 70년대에 인기를 끌었던 퓨전의 인기는 빠르게 쇠퇴했고 오늘날 이 스타일은 완전히 상업적인 제품이 되어 리듬과 멜로디 라인은 즉흥 연주에 자리를 내주었습니다. 부드러운 재즈는 George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman 등으로 대표됩니다.

70 년대에는 소위 "worlmusic"(주로 제 3 세계 국가의 민족 음악)의 융합으로 얻은 특별한 융합 인 세계 재즈 ( "세계 음악")가 별도의 틈새 시장을 차지했습니다. 그리고 재즈. 이 스타일에서는 오래된 재즈 학교와 민족 구조 모두에 동등하게 강조된 것이 특징입니다. 예를 들어 다음과 같은 동기로 알려져 있습니다. 민속 음악 라틴 아메리카(솔로 만 즉흥 연주, 반주 및 구성은 민족 음악과 동일), 중동 모티브 (Dizzy Gillespie, Keith Jarrett의 4 중주 및 5 중주), 인도 음악 모티브 (John McLaughlin), 불가리아 (Don Ellis) 및 트리니다드 ( 앤디 나렐).

60년대가 재즈와 록 및 에스닉 음악을 혼합하는 시대가 되었다면 70년대와 80년대에 음악가들은 다시 실험을 시작하기로 결정했습니다. 모던 펑크는 반주자가 블랙 팝 소울과 펑크 음악을 연주하는 반면, 광범위한 솔로 즉흥 연주는 더 창의적이고 재즈적입니다. 이 스타일의 저명한 대표자는 The Crusaders Felder Wilton과 Joe Semple의 멤버인 Grover Washington Jr.였습니다. 그 후 모든 혁신으로 더 넓은 범위의 재즈 펑크가 탄생했으며 가장 밝은 대표자는 Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics였습니다.

또한 가벼움과 '춤'이 특징 인 애시드 재즈 ( "acid jazz")가 점차 무대에 등장하기 시작했습니다. 뮤지션들의 공연의 특징은 비닐 까치에서 가져온 샘플을 반주하는 것입니다. 유비쿼터스 Miles Davis는 다시 애시드 재즈의 선구자가 되었고 Derek Bailey는 아방가르드 계획의 보다 급진적인 날개를 대표하기 시작했습니다. 미국에서 "애시드 재즈"라는 용어는 거의 인기가 없습니다. 그런 음악을 그루브 재즈와 클럽 재즈라고합니다. 애시드 재즈의 인기 절정은 90년대 전반기에 왔고 "0"에는 스타일의 인기가 떨어지기 시작했습니다. 새로운 재즈가 애시드 재즈를 대체하게 되었습니다.

소련의 경우 피아니스트이자 작곡가 인 Alexander Tsfasman의 모스크바 오케스트라는 라디오에서 공연하고 디스크를 녹음 한 최초의 전문 재즈 앙상블로 간주됩니다. 그 이전에는 젊은 재즈 밴드가 주로 그 해의 댄스 음악인 Foxtrot, Charleston 공연에 집중했습니다. 배우이자 가수인 Leonid Utyosov와 트럼펫 연주자 Ya. B. Skomorovsky가 이끄는 레닌그라드 앙상블 덕분에 재즈는 대규모 사이트소련은 이미 30대입니다. 1934 년에 촬영되고 젊은 재즈 뮤지션에 대해 이야기하는 Utyosov가 참여한 코미디 "Merry Fellows"에는 Isaac Dunayevsky의 해당 사운드 트랙이 있습니다. Utyosov와 Skomorovsky는 차 재즈 ( "연극 재즈")라는 특별한 스타일을 만들었습니다. 유럽에서 소련으로 건너가 스윙의 대중화가 된 에디 로스너는 30~40년대 모스크바 밴드들과 함께 소련 재즈 발전에 기여했다. Alexander Tsfasman과 Alexander Varlamov의지도하에 있습니다.

소련 정부 자체는 재즈에 대해 다소 모호했습니다. 재즈 곡 연주와 재즈 레코드 배포에 대한 공식적인 금지는 없었지만 일반적으로 서구 이데올로기에 대한 거부에 비추어 이러한 스타일의 음악에 대한 비판이 있었습니다. 이미 40 년대에 시작된 박해로 인해 재즈는 지하로 가야했지만 이미 60 년대 초반 Khrushchev의 "해동"이 등장하면서 재즈 맨이 다시 나왔습니다. 그러나 재즈에 대한 비판은 그때도 멈추지 않았다. 따라서 Eddie Rozner와 Oleg Lundstrem의 오케스트라는 활동을 재개했습니다. Joseph Weinstein (Leningrad)과 Vadim Ludvikovsky (Moscow)의 오케스트라와 Riga Variety Orchestra (REO)가 눈에 띄는 새로운 작곡도 등장했습니다. Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin과 같은 재능 있는 편곡자와 즉흥 연주자도 무대에 오릅니다. Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor를 지지하는 챔버 및 클럽 재즈가 발전하고 있습니다. 브릴과 레오니드 치직. 소련과 러시아 재즈의 메카는 1964년부터 2009년까지 존재했으며 Alexander와 Dmitry Bril 형제, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko 등과 같은 음악가를 키운 Blue Bird 클럽이었습니다.

"제로"에서 재즈는 새로운 숨결을 찾았고 인터넷의 급속한 확산은 상업적으로 성공한 녹음뿐만 아니라 언더그라운드 공연자들에게도 엄청난 자극제가 되었습니다. 오늘날 누구나 미친 실험가 John Zorn과 "공기있는"재즈 팝 가수 Cathy Malua의 콘서트에 갈 수 있습니다. 러시아 거주자는 Igor Butman을 자랑스럽게 생각할 수 있으며 쿠바 인은 Arturo Sandoval을 자랑스럽게 생각할 수 있습니다. 수십 개의 방송국이 라디오에 나타나 모든 형태의 재즈를 방송합니다. 의심 할 여지없이 21 세기는 모든 것을 제자리에 놓고 다른 클래식 스타일과 함께 받침대 위에 재즈가 있어야 할 장소를 제공했습니다.