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17세기에 유행했던 악기. 17세기 기악

17세기와 18세기의 음악

16-17세기로 접어들면서 르네상스 음악을 지배했던 폴리포니가 동음이의(그리스어 "homos" - "one", "same" 및 "background" - "sound")에 자리를 내주기 시작했습니다. "목소리"). 모든 성부가 동일한 다성음과 달리 동음성 다성음에서는 하나가 두드러져 주제를 연주하고 나머지는 반주(반주) 역할을 한다. 반주는 일반적으로 코드(화음) 시스템입니다. 따라서 음악을 작곡하는 새로운 방식의 이름은 호모포닉 하모닉입니다.

교회 음악에 대한 생각이 바뀌었습니다. 이제 작곡가들은 사람이 지상의 열정을 포기하도록 보장하는 것이 아니라 그의 영적 경험의 복잡성을 드러내려고 노력했습니다. 종교적 텍스트나 플롯에 대해 쓰여진 작품이 있었지만 교회에서 의무적으로 수행하기 위한 것이 아닙니다. (이러한 구성은 "영적"이라는 단어가 "교회"보다 더 넓은 의미를 갖기 때문에 영적이라고합니다.) 17-18 세기의 주요 영적 장르. - 칸타타와 오라토리오. 세속 음악의 중요성이 커졌습니다. 법원, 귀족 살롱, 공공 극장에서 연주되었습니다 (첫 번째 극장은 17 세기에 열렸습니다). 새로운 종류의 음악 예술인 오페라가 등장했습니다.

기악은 또한 새로운 장르, 특히 기악 협주곡의 출현으로 표시됩니다. 바이올린, 하프시코드, 오르간은 점차 솔로 악기로 바뀌었습니다. 그들을 위해 쓰여진 음악은 작곡가뿐만 아니라 연주자에게도 재능을 보여줄 수 있게 했다. 우선 기교(기술적 어려움에 대처하는 능력)가 중시되었고, 이는 점차 그 자체로 목적이 되었고 많은 음악가들에게 예술적 가치가 되었다.

17-18세기의 작곡가들은 일반적으로 작곡된 음악뿐만 아니라 훌륭한 악기 연주까지 연구했습니다. 교육 활동. 아티스트의 웰빙은 주로 특정 고객에 달려 있습니다. 원칙적으로 모든 진지한 음악가는 군주 또는 부유 한 귀족의 궁정 (귀족의 많은 구성원이 자체 오케스트라 또는 오페라 하우스를 가짐) 또는 사원에서 자리를 차지하려고했습니다. 더욱이 대부분의 작곡가들은 교회 음악 제작을 세속 후원자에 대한 봉사와 쉽게 결합했습니다.

오라토리오와 칸타타

독립적인 음악 장르로서 오라토리오(이탈리아어 오라토리오, 후기 라틴 오라토리엄에서 유래- "채플")는 16세기 이탈리아에서 형성되기 시작했습니다. 음악학자들은 전례 드라마에서 오라토리오의 기원을 봅니다("극장" 기사 참조). 중세 유럽")-성경적 사건에 대해 이야기하는 연극 공연.

비슷한 행동이 사원에서 진행되었으므로 장르의 이름입니다. 처음에는 오라토리오가 성경 본문에 기록되었으며 교회에서 공연하기 위해 고안되었습니다. 안에 XVII 세기작곡가들은 현대에 대한 오라토리오를 작곡하기 시작했습니다. 시적 텍스트영적 내용. 오라토리오의 구조는 오페라에 가깝습니다. 독창, 합창, 관현악을 위한 주요 작품으로 드라마틱한 구성을 가지고 있다. 그러나 오페라와 달리 오라토리오에는 무대 동작이 없습니다. 이벤트에 대해 이야기하지만 보여주지는 않습니다.

17세기 이탈리아에서. 또 다른 장르가 형성되었습니다-cantata (it. cantata, lat. canto- "sing"에서). 오라토리오와 마찬가지로 칸타타는 보통 솔리스트, 합창단, 오케스트라가 연주하지만 오라토리오보다 짧습니다. 칸타타는 영적 및 세속적 텍스트에 작성되었습니다.

이탈리아의 음악

16 세기 말에 이탈리아에서 바로크 양식이 발전했습니다 (um. barocco - "이상한", "기괴한"). 이 스타일은 표현력, 드라마, 엔터테인먼트, 합성(연결)에 대한 욕구가 특징입니다. 다른 유형미술. 이러한 특징은 XVI-XVII 세기의 전환기에 발생한 오페라에서 완전히 드러났습니다. 한 작품은 음악, 시, 드라마투르기, 연극 그림을 결합한 것으로 처음에는 오페라가 "음악을 위한 드라마"(it. dramma per musica)라는 다른 이름을 사용했습니다. "오페라"(it. 오페라- "작곡")라는 단어는 17 세기 중반에만 나타났습니다. "음악을위한 드라마"라는 아이디어는 피렌체의 예술계 Florentine Camerata에서 태어났습니다. 서클 회의는 집에있는 방 (이탈리아 카메라- "방")에서 열렸습니다. 1579년부터 1592년까지 깨달은 음악 애호가, 시인, 과학자들이 조반니 바르디 백작의 집에 모였습니다. 또한 유명한 과학자 Galileo Galilei의 아버지 인 가수이자 작곡가 인 Jacopo Peri (1561-1633)와 Giulio Caccini (1550-1618 년경), 이론가이자 작곡가 인 Vincenzo Galilei (1520-1591 년경)와 같은 전문 음악가도 방문했습니다.

Florentine Camerata 참가자들은 음악 예술의 발전에 열광했습니다. 그들은 음악과 드라마의 조합에서 미래를 보았습니다. 그러한 작품의 텍스트는 (16 세기의 복잡한 합창 다성 성가의 텍스트와 달리) 청취자가 이해할 수있게 될 것입니다.

서클 멤버들은 고대 극장에서 단어와 음악의 이상적인 조합을 찾았습니다. 구절은 노래하는 목소리로 불려졌고 모든 단어, 모든 음절이 명확하게 들렸습니다. 그래서 Florentine camerata는 monody (그리스어 "monos"- "one"및 "ode"- "song"에서 유래) 악기와 함께 솔로 노래에 대한 아이디어를 내놓았습니다. 새로운 스타일노래는 암송이라고 불리기 시작했습니다. 음악적 억양은 인상적이지 않았습니다. 캐릭터의 감정을 전달하는 것이 아니라 단어의 명확한 발음에 중점을 두었습니다.

초기 피렌체 오페라는 고대 신화의 장면을 기반으로 했습니다. 우리에게 내려온 새로운 장르의 첫 번째 작품은 작곡가 Peri (1600)와 Caccini (1602)가 같은 이름의 "Eurydice"라는 두 개의 오페라입니다. 그들은 오르페우스 신화의 줄거리에서 만들어졌습니다. 노래에는 쳄발로(피아노의 선구자), 거문고, 류트, 기타 등으로 구성된 기악 앙상블이 동반되었습니다.

첫 번째 오페라의 영웅들은 운명에 의해 지배되었고 그 의지는 메신저에 의해 선포되었습니다. 행동은 예술의 미덕과 힘이 노래되는 프롤로그로 시작되었습니다. 추가 공연에는 보컬 앙상블(여러 참가자가 동시에 노래하는 오페라 번호), 합창단, 댄스 에피소드가 포함되었습니다. 교대로 음악 구성이 만들어졌습니다.

오페라는 빠르게 발전하기 시작했고 무엇보다 궁중 음악으로 발전했습니다. 귀족은 예술을 후원했으며 그러한 관심은 아름다움에 대한 사랑뿐만 아니라 예술의 번영이 권력과 부의 필수 속성으로 간주되었습니다. 이탈리아의 주요 도시인 로마, 피렌체, 베니스, 나폴리에는 자체 오페라 학교가 있습니다.

다른 학교의 가장 큰 특징-시적 단어에 대한 관심 (플로렌스), 행동의 심각한 영적 하위 텍스트 (로마), 기념비 (베니스)-Claudio Monteverdi (1567-1643)의 작업에서 결합되었습니다. 작곡가는 출생 이탈리아의 도시의사 가족의 크레모나. 음악가로서 Monteverdi는 어린 시절에 발전했습니다. 그는 마드리갈을 쓰고 연주했다. 오르간, 비올라 및 기타 악기를 연주했습니다. Monteverdi는 당시 유명한 작곡가들과 함께 작곡을 공부했습니다. 1590년에 가수이자 음악가로서 그는 빈센조 곤차가 공작의 궁정인 만토바에 초대되었습니다. 나중에 그는 법원 예배당을 이끌었습니다. 1612년에 Monteverdi는 Mantua에서 봉사를 떠났고 1613년부터 베니스에 정착했습니다. 1637년 Monteverdi 덕분에 세계 최초의 공공 오페라 하우스가 베니스에 문을 열었습니다. 그곳에서 작곡가는 산 마르코 대성당의 예배당을 이끌었습니다. 클라우디오 몬테베르디는 죽기 전에 거룩한 명령을 받았습니다.

Peri와 Caccini의 작품을 연구한 후 Monteverdi는 이 장르에 대한 자신만의 작품을 만들었습니다. 이미 첫 번째 오페라 인 "Orpheus"(1607)와 "Ariadne"(1608)에서 작곡가는 음악적 수단으로 깊고 열정적 인 감정을 전달하여 긴장된 극적인 행동을 만들었습니다. Monteverdi는 많은 오페라의 저자이지만 "Orpheus", "Ulysses의 고향으로의 귀환"(1640; 고대 그리스 서사시 "Odyssey"의 음모를 기반으로 함) 및 "Poppea의 대관식"( 1642).

Monteverdi의 작품은 음악과 텍스트를 조화롭게 결합합니다. 오페라는 모든 단어가 명확하게 들리는 독백을 기반으로하며 음악은 유연하고 미묘하게 분위기를 전달합니다. 독백, 대화 및 합창 에피소드가 서로 원활하게 흐르고 동작이 천천히 발전하지만 (Monteverdi 오페라의 3-4 막) 역동적입니다. 작곡가는 오케스트라에 중요한 역할을 할당했습니다. 예를 들어 "Orpheus"에서 그는 당시 알려진 거의 모든 악기를 사용했습니다. 오케스트라 음악은 노래에 수반될 뿐만 아니라 그 자체로 무대에서 일어나는 사건과 등장인물의 경험에 대해 이야기합니다. Orpheus에서 서곡이 처음 등장했습니다 (French ouverture 또는 라틴어 apertura - "시작", "시작")-주요 음악에 대한 악기 소개. 클라우디오 몬테베르디의 오페라는 베네치아 작곡가들에게 지대한 영향을 미쳤으며 베네치아 오페라 학교의 토대를 마련했습니다.

Monteverdi는 오페라뿐만 아니라 종교 음악, 종교 및 세속 마드리갈도 작곡했습니다. 그는 다 성법과 동음 성법에 반대하지 않은 최초의 작곡가가되었습니다. 그의 오페라의 합창 에피소드에는 다성 기법이 포함됩니다. Monteverdi의 작업에서 새로운 것은 르네상스의 전통인 오래된 것과 결합되었습니다.

XVIII 세기 초까지. 나폴리에 오페라 학교가 설립되었습니다. 이 학교의 특징 - 음악의 지배적 역할인 노래에 대한 관심 증가. bel canto 보컬 스타일 (이탈리아어 bel canto - "아름다운 노래")이 만들어진 것은 나폴리에서였습니다. 벨 칸토는 사운드, 멜로디, 기술적 완벽함의 비범한 아름다움으로 유명합니다. 높은 음역 (음성 범위)에서 노래는 벨벳 같은 부드러움과 밀도로 낮은 음역에서 음색의 가벼움과 투명성으로 구별되었습니다. 연주자는 목소리 음색의 여러 음영을 재현할 수 있을 뿐만 아니라 메인 멜로디인 콜로라투라(콜로라투라 - "장식")에 겹쳐진 수많은 빠른 사운드 시퀀스를 능숙하게 전달할 수 있어야 했습니다. 특별한 요구 사항은 음성 소리의 균일성이었습니다. 느린 멜로디에서는 호흡이 들리지 않아야 합니다.

18 세기에 오페라는 이탈리아에서 음악 예술의 주요 유형이되었으며, 이는 음악원에서 공부 한 높은 전문 수준의 가수에 의해 촉진되었습니다 (it. conservatorio, err lat. conserve - "I guard")-훈련을받은 교육 기관 음악가. 그때까지 이탈리아 오페라의 중심인 베니스와 나폴리에 4개의 음악원이 세워졌습니다. 장르의 인기는 사회의 모든 부문에서 접근할 수 있는 국가의 여러 도시에 개장한 오페라 하우스에서도 제공되었습니다. 이탈리아 오페라는 주요 유럽 수도의 극장에서 상연되었으며 오스트리아, 독일 및 기타 국가의 작곡가는 이탈리아 텍스트를 기반으로 오페라를 썼습니다.

이탈리아 XVII-XVIII 세기 음악의 중요한 업적. 그리고 기악 장르 분야에서. 작곡가이자 오르가니스트인 Girolamo Frescobaldi(1583-1643)는 오르간의 창의성을 개발하기 위해 많은 노력을 기울였습니다. "교회 음악에서 그는 새로운 스타일의 토대를 마련했습니다. 오르간을 위한 그의 작곡은 환상적인(무료) 창고의 상세한 구성입니다. Frescobaldi는 거장 연주와 오르간 및 클라비에의 즉흥 연주로 유명해졌습니다. 바이올린 예술이 번창했습니다. .그 무렵 이탈리아에서 바이올린 생산 전통이 발전했습니다.Cremona 시의 Amati, Guarneri, Stradivari 가문의 세습 거장들은 바이올린의 디자인과 제조 방법을 개발했으며, 이는 깊은 비밀로 유지되고 전달되었습니다. 이 거장들이 만든 악기는 놀랍도록 아름답고 따뜻한 소리가 사람의 목소리와 비슷해 앙상블 및 독주 악기로 인기를 얻었습니다.

로마 바이올린 학교의 창립자는 협주곡 그로소 장르(음. 협주곡 그로소 - "위대한 연주회")의 창시자 중 한 명인 아르칸젤로 코렐리(1653-1713)입니다. 콘서트는 일반적으로 독주 악기(또는 악기 그룹)와 오케스트라로 구성됩니다. "Grand Concerto"는 솔로 에피소드의 교대와 전체 오케스트라의 사운드를 기반으로 만들어졌으며 17 세기에는 실내악과 대부분 현악기였습니다. Corelli의 솔리스트는 대부분 바이올린과 첼로였습니다. 그의 콘서트는 다른 성격의 부분으로 구성되었습니다. 그들의 숫자는 임의적이었습니다.

바이올린 음악의 뛰어난 거장 중 한 명은 Antonio Vivaldi(1678-1741)입니다. 그는 뛰어난 바이올린 거장으로 유명해졌습니다.

동시대인들은 예상치 못한 대조로 가득 찬 그의 극적인 공연 스타일에 매료되었습니다. Corelli의 전통을 이어가는 작곡가는 "훌륭한 콘서트"장르에서 작업했습니다. 그가 쓴 작품의 수는 엄청납니다 - 465 개의 협주곡, 40 개의 오페라, 칸타타 및 오라토리오.

콘서트를 만드는 Vivaldi는 밝고 특이한 사운드를 위해 노력했습니다. 그는 목소리를 섞었다 다른 악기, 종종 음악에 불협화음 (예리한 자음)이 포함되었습니다. 그는 당시 솔리스트로 희귀 악기 인 바순, 만돌린 (거리 악기로 간주 됨)을 선택했습니다. 비발디의 협주곡은 세 부분으로 구성되어 있는데 첫 번째와 마지막 부분은 빠른 속도로 연주되고 중간 부분은 느리게 연주됩니다. 많은 비발디 협주곡에는 프로그램이 있습니다. 주기 "The Seasons"(1725)는 프로그램의 초기 예 중 하나입니다. 오케스트라 음악. 이주기의 네 가지 콘서트- "봄", "여름", "가을", "겨울"- 자연의 그림을 다채롭게 그립니다. Vivaldi는 새의 노래 ( "봄", 첫 번째 부분), 뇌우 ( "여름", 세 번째 부분), 비 ( "겨울", 두 번째 부분)를 음악으로 전달했습니다. 기교, 기술적 복잡성은 청취자를 산만하게 만들지 않았지만 기억에 남는 이미지 생성에 기여했습니다. Vivaldi의 콘서트 작품은 기악에서 바로크 스타일의 생생한 구현이되었습니다.

오페라세리아와 오페라부파

XVIII 세기에. 오페라 세리아(오페라 세리아 - "진지한 오페라")와 오페라부파(오페라 부파 - "코믹 오페라")와 같은 오페라 장르가 형성되었습니다. Operaseria는 Alessandro Scarlatti (1660-1725)의 작품에서 설립되었습니다. 가장 큰 대표나폴리 오페라 학교. 그의 생애 동안 그는 그러한 작품을 100편 이상 작곡했습니다. 오페라 시리즈의 경우 일반적으로 신화적 또는 역사적 플롯이 선택되었습니다. 그것은 서곡으로 시작되었고 아리아, 암송 및 합창과 같은 완성된 숫자로 구성되었습니다. 주요 역할은 큰 아리아가 담당했습니다. 일반적으로 그들은 세 부분으로 구성되었고 세 번째 부분은 첫 번째 부분의 반복이었습니다. 아리아에서 캐릭터는 일어나는 사건에 대한 태도를 표현했습니다.

영웅적, 한심한 (열정적), 슬픔 등 여러 유형의 아리아가 있습니다. 각각에 대해 특정 범위의 표현 수단이 사용되었습니다. 평범한 것-영웅의 흥분을 보여주는 짧고 간헐적 인 음악 문구 등. 크기가 작은 작은 조각 인 암송은 마치 앞으로 나아가는 것처럼 극적인 내러티브를 펼치는 역할을했습니다. 영웅들은 추가 조치 계획을 논의하고 일어난 사건에 대해 서로에게 말했습니다. 암송은 두 가지 유형으로 나뉩니다. secco (이탈리아 secco에서- "dry")-하프시 코드의 평균 코드에 대한 빠른 혀 트위스터 및 반주 (It. Assotraniato- "반주 포함")-소리에 대한 표현 암송 오케스트라. Secco는 영웅의 생각과 감정을 전달하기 위해 반주 행동을 개발하는 데 더 자주 사용되었습니다. 합창단과 보컬 앙상블은 무슨 일이 일어나고 있는지에 대해 논평했지만 행사에는 참여하지 않았습니다.

활성 리아의 수는 플롯 유형에 따라 다르며 엄격하게 정의되었습니다. 캐릭터의 관계에도 동일하게 적용됩니다. 솔로 보컬 번호의 유형과 무대 동작에서의 위치가 설정되었습니다. 각 캐릭터는 자신의 음성 음색을 가졌습니다. 서정적 영웅-소프라노와 테너, 고귀한 아버지 또는 악당-바리톤 또는베이스, 치명적인여 주인공-콘트랄토.

XVIII 세기 중반까지. 오페라 시리즈의 단점이 분명해졌습니다. 공연은 종종 궁중 축하 행사와 일치하도록 시간이 맞춰졌기 때문에 작업은 행복하게 끝나야 했고 때로는 믿기지 않고 부자연스러워 보였습니다. 종종 텍스트는 인공적이고 정교하게 작성된 언어로 작성되었습니다. 작곡가들은 때때로 내용을 무시하고 시에나의 성격이나 상황에 맞지 않는 음악을 썼다. 우표가 많고 불필요한 외부 효과가있었습니다. 가수들은 작품 전체에서 아리아의 역할에 대해 생각하지 않고 자신의 기교를 보여주었습니다. Operauseria는 "의상을 입은 콘서트"라고 불리기 시작했습니다. 청중은 오페라 자체에 큰 관심을 보이지 않았지만 유명한 가수의 "크라운"아리아 공연에 갔다. 행동하는 동안 관중은 홀에 들어오고 나갔습니다.

Operabuffa는 또한 나폴리 마스터에 의해 형성되었습니다. 그러한 오페라의 첫 번째 고전적인 예는 작곡가 Giovanni Battista Pergolesi(1710-1736)의 The Maid's Servant(1733)입니다. 전경의 오페라 세리아에있는 경우-아리아, 오페라 부파-구어체 대화, 보컬 앙상블. opereuffa에서는 완전히 다른 메인 문자. 이들은 일반적으로 하인, 농민과 같은 평범한 사람들입니다. 줄거리는 옷차림, 어리석은 부자 주인을 하인 등으로 속이는 재미있는 음모를 기반으로했습니다. 음악에서 행동-신속성에서 우아한 가벼움이 필요했습니다.

Operubuffa는 국가 코미디 Carlo Goldoni의 제작자 인 이탈리아 극작가의 영향을 크게 받았습니다. 이 장르의 가장 재치 있고 생생하며 생생한 작품은 나폴리 작곡가 인 Niccolo Piccinni (1728-1800)- "Chekkina 또는 Good Daughter"(1760)에 의해 만들어졌습니다. Giovanni Paisiello (1740-1816) - "세비야의 이발사"(1782), "밀러"(1788); 가수, 바이올리니스트, 하프시코드 연주자 및 작곡가 Domenico Cimarosa(1749-1801) - "비밀 결혼"(1792).

현악기

바이올린, 비올라, 첼로 및 더블베이스와 같은 현대 현악기의 선구자는 비올라입니다. 그들은 15세기 말에서 16세기 초에 나타났습니다. 그리고 곧 그들의 부드럽고 온화한 소리 덕분에 그들은 오케스트라에서 주도적인 역할을 하기 시작했습니다.

점차적으로 비올라는 새롭고 더 발전된 현악기로 대체되었습니다. XVI-XVII 세기에 전체 장인 학교가 창작 작업을했습니다. 그들 중 가장 유명한 것은 이탈리아 북부의 크레모나와 브레시아 도시에서 발생한 바이올린 제작자 왕조입니다.

Cremonese 학교의 창립자는 Andrea Amati (약 1520-약 1580)입니다. 그의 손자인 Nicolo Amati(1596-1684)는 특히 그의 예술로 유명했습니다. 그는 바이올린 장치를 거의 완벽하게 만들고 악기 소리를 강화했습니다. 동시에 음색의 부드러움과 따뜻함이 보존되었습니다. Guarneri 가족은 17-18세기에 크레모나에서 일했습니다. 왕조의 창시자는 Andrea Guarneri(1626-1698)로 Nicolò Amati의 학생입니다. 뛰어난 거장 Azuseppe Guarneri(1698-1744)는 Amati 악기와 다른 새로운 바이올린 모델을 개발했습니다.

Amati 학교의 전통은 Antonio Stradivari(1644-1737)에 의해 이어졌습니다. 그는 Nicolò Amati와 함께 공부했고 1667년에 자신의 사업을 시작했습니다. Stradivari는 다른 마스터보다 바이올린 소리를 인간 목소리의 음색에 더 가깝게 가져 왔습니다.

Magini 가족은 Breche에서 일했습니다. 최고의 바이올린은 Giovanni Magini(1580-1630 또는 1632)가 만들었습니다.

가장 높은 음역의 현악기는 바이올린입니다. 음역대 내림차순으로 비올라, 첼로, 콘트라베이스 순이다. 바이올린의 몸체(또는 공명 상자)의 모양은 인체의 윤곽과 유사합니다. 본체에는 상단 및 하단 데크(독일 Decke - "뚜껑")가 있으며 첫 번째 데크는 가문비나무로, 두 번째 데크는 단풍나무로 만들어졌습니다. 데크는 소리를 반사하고 증폭하는 역할을 합니다. 상단에는 공진기 구멍이 있습니다 (라틴 문자 f 형태, "efs"라고 불리는 것은 우연이 아닙니다). 목은 몸에 붙어 있습니다. 보통 흑단으로 만들어집니다. 네 개의 줄이 늘어선 길고 좁은 판입니다. 페그는 현을 긴장시키고 조율하는 데 사용됩니다. 그들은 또한 fretboard에 있습니다.

비올라, 첼로, 더블베이스는 바이올린과 구조가 비슷하지만 바이올린보다 큽니다. 비올라는 그다지 크지 않고 어깨에 잡습니다. 첼로는 비올라보다 크고 연주할 때 연주자는 의자에 앉아 악기를 바닥, 다리 사이에 놓는다. 콘트라베이스는 첼로보다 크기 때문에 연주자는 높은 의자에 서거나 앉아 악기를 그 앞에 놓아야 합니다. 게임 중에 음악가는 말총이 늘어진 나무 지팡이 인 활로 현을 이끈다. 현이 진동하며 선율적인 소리를 냅니다. 음질은 활이 움직이는 속도와 활이 현을 누르는 힘에 따라 달라집니다. 연주자는 왼손의 손가락으로 현을 짧게 하여 지판에 대고 여러 위치에서 눌러 다양한 피치를 얻습니다. 이러한 유형의 악기에서는 활의 나무 부분으로 현을 뽑거나 쳐서 소리를 추출할 수도 있습니다. 구부러진 현의 소리는 매우 표현력이 풍부하며 연주자는 음악에 가장 미묘한 뉘앙스를 줄 수 있습니다.

관악기는 고대부터 중세까지 전래된 가장 오래된 악기입니다. 그러나 중세 서구 문명의 발전과 형성 과정에서 관악기의 범위가 크게 확장되었습니다. 환경과 전문 음악가 사이에서 트럼펫과 같은 다른 악기는 독점적으로 군용 악기가 됩니다.

가장 오래된 대표프랑스의 관악기는 아마도 fretel(프레텔) 또는 "Pan's flute"로 간주되어야 합니다. 11세기 필사본의 미니어처에서도 비슷한 악기를 볼 수 있습니다. 파리 국립 도서관에서 (그림 I). 길이가 다른 파이프 세트(갈대, 갈대 또는 나무)로 구성되어 있으며 한쪽 끝은 열려 있고 다른 쪽 끝은 닫혀 있는 다중 배럴 플루트입니다. Fretel은 XI-XII 세기의 소설에서 다른 유형의 플루트와 함께 자주 언급됩니다. 그러나 이미 XIV 세기에 있습니다. 프레텔은 마을의 명절에 연주되는 악기로만 말해지고 서민의 악기가 된다.

반대로 플루트(플루트)는 일반적인 민속 악기에서 궁중 악기로 "상승"을 경험하고 있습니다. 가장 오래된 플루트는 Gallo-Roman 문화 계층 (I-II 세기 AD)의 프랑스 영토에서 발견되었습니다. 대부분이 뼈입니다. 13세기까지 플루트는 보통 10세기 필사본의 축소판처럼 두 배입니다. 파리 국립 도서관(그림 3)에서 가져왔으며 튜브의 길이는 같거나 다를 수 있습니다. 플루트 배럴의 구멍 수는 다양할 수 있습니다(4개에서 6개, 7개). 플루트는 일반적으로 민스트럴, 저글러가 연주했으며 종종 그들의 연주는 엄숙한 행렬이나 일부 고위 인물이 나타나기 전에 연주되었습니다.

민스트럴은 또한 길이가 다른 트럼펫으로 이중 플루트를 연주했습니다. 그러한 플룻은 13세기 필사본의 삽화에 나와 있습니다. (그림 2). 미니어처 그림에서 세 명의 음유시인으로 구성된 오케스트라를 볼 수 있습니다. 현대 클라리넷과 유사한 유사한 플루트의 두 번째; 세 번째는 프레임 위에 늘어선 가죽으로 만든 사각형 탬버린을칩니다. 네 번째 캐릭터는 음악가들이 원기를 회복할 수 있도록 와인을 따른다. 플룻, 드럼, 바이올린으로 구성된 유사한 오케스트라가 19세기 초까지 프랑스 마을에 존재했습니다.

XV 세기에. 삶은 가죽으로 만든 플루트가 나타나기 시작했습니다. 또한 플루트 자체는 단면이 둥글고 팔각형 일 수 있으며 직선 일뿐만 아니라 물결 모양도 가능합니다. 유사한 도구가 개인 소장품미스터 포(그림 4). 길이는 60cm이고 가장 넓은 부분의 지름은 35mm입니다. 몸은 검은 삶은 가죽으로 만들어졌으며 장식 머리는 페인트가 칠해져 있습니다. 이러한 플룻은 세르판 파이프 제작을 위한 프로토타입 역할을 했습니다. Serpan 플루트는 교회의 예배와 세속 축제에서 모두 사용되었습니다. 가로 플루트와 편모는 14세기의 텍스트에서 처음 언급됩니다.

관악기의 또 다른 유형은 백파이프입니다. 중세 프랑스에도 여러 종류가 있었습니다. 이것은 chevrette - 염소 가죽 가방, 공기 튜브 및 duda로 구성된 관악기입니다. 이 악기를 연주하는 음악가(그림 6)는 14세기 원고에 묘사되어 있습니다. 파리 국립 도서관의 "장미의 로맨스". 일부 출처는 시보레와 백파이프를 분리하는 반면 다른 출처는 단순히 시보레를 "작은 백파이프"라고 부릅니다. 외관상 19 세기로 거슬러 올라가는 쉐브렛을 연상시키는 도구입니다. Burgundy와 Limousin의 프랑스 지방 마을에서 만났습니다.

또 다른 유형의 백파이프는 horo 또는 horum(choro)이었습니다. 성 베드로 수도원의 원고에서 발견된 설명에 따르면 Blaise (IX 세기), 이것은 공기 공급용 파이프와 파이프가있는 관악기이며 두 파이프는 같은 평면에 있습니다 (서로 연속됨). 호로의 중간 부분에는 옷을 입은 가죽으로 만들어진 완벽한 구형의 공기 저장고가 있습니다. 음악가가 호로를 불었을 때 "가방"의 피부가 진동하기 시작했기 때문에 소리가 다소 덜거덕거리고 날카로웠습니다(그림 6).

이 악기의 프랑스어 이름인 백파이프(coniemuese)는 라틴어 corniculans(뿔이 있는)에서 유래했으며 14세기의 필사본에서만 발견됩니다. 14세기 원고의 이미지에서 볼 수 있듯이 중세 프랑스에서 그 모양이나 사용은 우리에게 알려진 전통적인 스코틀랜드 백파이프와 다르지 않았습니다. (그림 9).

뿔과 뿔 (콘). 큰 올리펀트 뿔을 포함하여 이 모든 관악기는 디자인과 사용 면에서 서로 거의 다르지 않습니다. 그들은 나무, 삶은 가죽, 상아, 뿔 및 금속으로 만들어졌습니다. 그들은 보통 벨트에 착용했습니다. 울리는 뿔의 범위는 넓지 않지만 XIV 세기의 사냥꾼입니다. 특정 신호로 구성된 단순한 멜로디가 연주되었습니다. 우리가 이미 말했듯이, 사냥용 뿔은 처음에는 허리에 착용했고, 그 다음에는 16세기까지 어깨에 매는 슬링에 달았습니다. 8). 고귀한 영주의 사냥용 뿔은 귀중한 것입니다. 그래서 "니벨룽가의 노래"에서 지그프리드는 훌륭한 솜씨로 만든 황금 뿔을 사냥에 가지고 다녔습니다.

이와는 별도로 oliphant에 대해 말해야합니다. oliphant가 소유자의 오른쪽에 매달릴 수 있도록 특별히 만들어진 금속 고리가있는 거대한 뿔입니다. 그들은 코끼리 엄니로 올리펀트를 만들었습니다. 사냥과 군사 작전 중에 적의 접근을 알리는 데 사용됩니다. oliphant의 독특한 특징은 남작이 종속되는 주권 영주에게만 속할 수 있다는 것입니다. 이 악기의 명예로운 성격은 12세기 조각으로 확인됩니다. Vaselles의 수도원 교회에서 구세주의 탄생을 알리는 천사가 측면에 oliphant와 함께 묘사되어 있습니다 (그림 13).

사냥용 뿔은 음유시인이 사용하는 것과는 달랐습니다. 후자는 더 발전된 디자인의 도구를 사용했습니다. Vazelle에있는 같은 수도원 교회의 기둥 수도에는 파이프를 따라뿐만 아니라 종에도 구멍이 뚫린 뿔을 연주하는 민스트럴 (그림 12)이 묘사되어 변조가 가능했습니다. 더 크거나 작은 볼륨을 제공합니다.

파이프는 실제 파이프(trompe)와 1미터 이상의 곡선 파이프로 표현되었습니다. 엘더베리는 나무, 삶은 가죽으로 만들었지만 13세기 원고의 축소판에서 볼 수 있듯이 대부분 황동으로 만들었습니다. (그림 9). 그들의 소리는 날카롭고 컸다. 그리고 멀리서 들리기 때문에 장로들은 아침 모닝콜을 위해 군대에서 사용되었으며, 그들은 배를 항해하기 위해 캠프를 제거하라는 신호를 보냈습니다. 그들은 또한 로열티의 도착을 발표했습니다. 그래서 1414년에 장로들의 소리와 함께 샤를 6세의 파리 입성이 발표되었습니다. 중세 시대에는 소리의 특별한 크기 때문에 엘더베리를 연주함으로써 천사들이 심판의 날의 시작을 알릴 것이라고 믿었습니다.

트럼펫은 전적으로 군용 악기였습니다. 그녀는 군대에서 키우기 위해 봉사했습니다. 투혼, 군대를 모으기 위해. 파이프는 엘더베리보다 작고 끝에 소켓이 있는 금속 파이프(직선 또는 여러 번 구부러짐)입니다. 용어 자체는 15세기 말에 등장했지만 이러한 유형의 도구(직관)는 13세기부터 군대에서 사용되었습니다. XIV 세기 말까지. 파이프의 모양이 바뀌고 (몸체가 구부러짐) 파이프 자체는 반드시 팔의 외투가있는 페넌트로 장식됩니다 (그림 7).

특수한 유형의 파이프인 세르판(뱀)은 많은 현대 관악기의 원형으로 사용되었습니다. Fo 씨의 컬렉션에는 삶은 가죽으로 만든 낫 (그림 10)이 있으며 높이는 0.8m, 전체 길이는 2.5m이며 음악가는 양손으로 악기를 잡고 왼손은 구부러진 부분 (A), 오른손 손가락이 낫의 윗부분에 뚫린 구멍을 넘었습니다. 세르판의 소리는 강력했고, 이 관악기는 군악대와 교회 예배에서 모두 사용되었습니다.

오르간(orgue)은 관악기 계열에서 다소 떨어져 있습니다. 수십 개의 파이프(레지스터) 세트가 있는 이 건반 페달 악기는 벨로우즈에 의해 불어오는 공기에 의해 소리가 나도록 설정되어 있으며 현재는 교회 및 콘서트와 같은 대형 고정 기관에만 연결되어 있습니다(그림 14). 그러나 중세에는 아마도 이 악기의 또 다른 유형인 손 오르간(orgue de main)이 더 널리 퍼졌습니다. 그것은 밸브로 닫힌 개구부가있는 탱크에서 파이프로 들어가는 압축 공기의 도움으로 소리가 나는 "팬의 플루트"를 기반으로합니다. 그러나 고대에는 이미 아시아, 고대 그리스 및 로마에서 수압 제어 기능이 있는 대형 기관이 알려져 있었습니다. 서부에서는 이러한 악기가 8세기에만 나타났고, 그 후에도 비잔틴 황제가 서부 군주에게 선물로 선물했습니다(Konstantin V Copronymus는 이러한 오르간을 Pepin the Short에게, Konstantin Curopolat는 Charlemagne와 Louis the Louis에게 선물로 보냈습니다. 좋은).

손 기관의 이미지는 10세기에만 프랑스에 나타납니다. 음악가는 오른손으로 건반을 분류하고 왼손으로 공기를 펌핑하는 벨로우즈를 누릅니다. 악기 자체는 일반적으로 음악가의 가슴이나 배에 위치하며 수동 오르간에는 일반적으로 8개의 파이프와 그에 따라 8개의 건반이 있습니다. 13~14세기 동안 손 오르간은 거의 변하지 않았지만 파이프의 수는 다양했습니다. 15세기에 이르러서야 두 번째 줄의 파이프와 이중 건반(4개의 음역)이 수동 오르간에 등장했습니다. 파이프는 항상 금속이었습니다. 15세기 독일 작품의 수동 오르간. 뮌헨 피노텍에서 구할 수 있습니다(그림 15).

손 오르간은 악기 반주에 맞춰 노래를 부를 수 있는 순회 음악가들 사이에서 널리 퍼졌습니다. 그들은 마을 공휴일에 도시 광장에서 소리를 냈지만 결코 교회에서는 들리지 않았습니다.

교회보다 작지만 수동보다 많은 오르간은 한 번에 성 (예 : Charles V 법원)에 배치되거나 엄숙한 의식 중에 거리 플랫폼에 설치할 수 있습니다. 그래서 바이에른의 이사벨라가 도시에 엄숙하게 들어갔을 때 파리에서 비슷한 기관이 여러 개 들렸습니다.

드럼

아마도 드럼과 유사한 악기를 발명하지 않은 문명은 없을 것입니다. 냄비 위에 늘어진 마른 피부 또는 속이 빈 통나무-이미 드럼입니다. 그러나 북은 고대 이집트부터 알려져 있었지만 중세 초기에는 거의 사용되지 않았습니다. 십자군 전쟁 이후에야 북(탬버)에 대한 언급이 규칙적이 되었고 12세기부터 시작되었습니다. 이 이름에는 긴, 이중, 탬버린 등 다양한 형태의 악기가 있습니다. 12 세기 말까지. 전장과 연회장에서 소리를 내는 이 악기는 이미 음악가들의 관심을 끌고 있다. 동시에 그것은 13 세기에 널리 퍼졌습니다. 그들의 예술에서 고대 전통을 보존한다고 주장하는 Trouvers는 "더 고귀한" 악기를 대체하고 있는 드럼과 탬버린의 "우세"에 대해 불평합니다.

탬버린과 드럼은 노래, 극단의 공연뿐만 아니라 방황하는 댄서, 배우, 저글러에 의해 픽업됩니다. 여성들은 탬버린 연주와 함께 춤을 추며 춤을 춥니 다. 동시에 탬버린 (Tambour, bosquei)은 한 손에 들고 다른 손은 자유롭고 리드미컬하게칩니다. 때때로 플루트를 연주하는 민스트럴은 탬버린이나 드럼을 동반하여 끈으로 왼쪽 어깨에 고정했습니다. 음유시인은 13세기 조각상에서 볼 수 있듯이 탬버린을 리드미컬하게 치면서 노래를 부르며 플루트를 연주했습니다. Reims의 House of Musicians 정면에서 (그림 17).

House of Musicians, Saracen 또는 double의 조각품에 따르면 드럼도 알려져 있습니다 (그림 18). 십자군 시대에 그들은 안장 양쪽에 쉽게 설치되어 군대에서 분포를 찾았습니다.

프랑스 중세 시대에 흔히 볼 수있는 또 다른 유형의 타악기는 음색 (tymbre, cembel)-두 개의 반구, 나중에는 비트를 치는 데 사용되는 구리 및 기타 합금으로 만든 판, 춤의 리드미컬 한 반주였습니다. 12세기 리모주 필사본. 파리 국립 도서관에서 이 악기를 들고 있는 무용수가 묘사되어 있습니다(그림 14). 15세기까지 오케스트라에서 음색이 사용되는 O에있는 수도원 교회의 제단 조각 조각을 나타냅니다 (그림 19).

Timbre에는 심벌즈 (cymbalum)가 포함되어야합니다. 청동 튜브가 납땜 된 링이있는 악기로 흔들리면 종소리가 울리는이 악기의 이미지는 13 세기 원고에서 알려져 있습니다. Saint Blaise 수도원에서 (그림 20). 심벌즈는 당시 프랑스에서 흔했습니다. 초기 중세세속 생활과 교회 모두에서 사용되었습니다. 그들은 예배를 시작하라는 표시를 받았습니다.

종(chochettes)도 중세 타악기에 속합니다. 그들은 매우 널리 퍼져 있었고 콘서트 중에 종소리가 울리고 옷에 꿰매어지고 주거지의 천장에 매달 렸습니다. 교회에서 종을 사용하는 것은 말할 것도없고 ... 춤에도 종소리가 동반되었으며 이에 대한 예가 있습니다- 10세기 초로 거슬러 올라가는 미니어처의 이미지! 파리의 샤르트르, 상스, 대성당 입구에서 매달린 종을 치는 여성이 교양 가족의 음악을 상징하는 옅은 부조를 찾을 수 있습니다. 다윗 왕은 종을 치는 것으로 묘사되었습니다. 13세기 성경의 미니어처에서 볼 수 있듯이 그는 나무망치의 도움으로 그것들을 연주한다(그림 21). 종의 수는 다양할 수 있습니다. 일반적으로 5개에서 10개 이상입니다.

군용 악기인 터키 종도 중세 시대에 태어났습니다(어떤 사람들은 터키 종을 심벌즈라고 부릅니다).

XII 세기에. 옷에 꿰매는 종이나 종의 유행이 널리 퍼졌습니다. 그들은 여성과 남성 모두에 의해 사용되었습니다. 더욱이 후자는 XIV 세기까지 오랫동안이 패션에 참여하지 않았습니다. 그런 다음 두꺼운 금 사슬로 옷을 장식하는 것이 관례였으며 남자들은 종종 종을 걸었습니다. 이 패션은 높은 봉건 귀족에 속한다는 표시였습니다 (그림 8 및 22). 소 귀족과 부르주아지는 종을 착용하는 것이 금지되었습니다. 그러나 이미 XV 세기에 있습니다. 종은 광대의 옷에만 남아 있습니다. 이것의 오케스트라 생활 타악기오늘날까지 계속됩니다. 그리고 그는 그 이후로 많이 변하지 않았습니다.

구부러진 현

모든 중세 활 현악기 중에서 비올라(vièle)는 가장 고귀하고 연주하기 가장 어려운 악기입니다. XIII 세기에 Moravia의 Dominican 수도사 Jerome의 설명에 따르면. 비올에는 5개의 현이 있지만 초기 미니어처에는 3현 및 4현 악기가 모두 표시됩니다(그림 12 및 23, 23a). 동시에 현은 "말"과 갑판에서 직접 당겨집니다. 설명으로 판단하면 비올라는 크게 들리지 않았지만 매우 선율적이었습니다.

하우스 오브 뮤지션스(House of Musicians) 정면의 조각품은 흥미롭고 실물 크기의 음악가(그림 24)가 3현 비올라를 연주하는 모습을 보여줍니다. 현이 같은 평면에서 늘어나기 때문에 한 현에서 소리를 추출하는 활이 다른 현에 닿을 수 있습니다. 13세기 중반의 "현대화"는 특별한 주의를 기울일 가치가 있습니다. 활 모양.

XIV 세기 중반까지. 프랑스에서는 비올라의 모양이 현대 기타에 가까워 아마도 활로 연주하기가 더 쉬웠을 것입니다 (그림 25).

XV 세기에. 큰 비올라가 나타납니다-viola de gamba. 그들은 무릎 사이에 악기를 끼고 연주했습니다. 15세기 말에 비올라 데 감바는 7현이 됩니다. 나중에 비올라 데 감바는 첼로로 대체될 것입니다. 모든 유형의 비올라는 중세 프랑스에서 매우 널리 퍼졌으며 축제와 친밀한 저녁에 함께 연주되었습니다.

비올은 공명판에 현을 이중으로 고정하여 크라우트와 구별되었습니다. 이 중세 악기에 얼마나 많은 현이 있더라도(가장 오래된 원에는 3개의 현이 있음) 항상 "말"에 연결되어 있습니다. 또한 공명판 자체에는 현을 따라 두 개의 구멍이 있습니다. 이 구멍은 왼손으로 통과하여 통과하는 역할을하며 손가락은 번갈아 가며 현을 데크에 누른 다음 놓습니다. 연주자는 보통 오른손에 활을 들고 있었습니다. 크룻에 대한 가장 오래된 묘사 중 하나는 11세기 원고에서 발견됩니다. 성 리모주 수도원에서 무술 (그림 26). 그러나 크루트는 주로 영국과 색슨 악기라는 점을 강조해야 합니다. 원의 줄 수는 시간이 지남에 따라 증가합니다. 크루트는 활을 사용하는 모든 현악기의 시조로 여겨지지만 프랑스에서는 결코 뿌리를 내리지 못했습니다. 11세기 이후에 훨씬 더 흔합니다. ruber 또는 gigue는 여기에서 찾을 수 있습니다.

Gigue (gigue, gigle)는 분명히 독일인이 발명했으며 모양이 비올과 비슷하지만 갑판에 차단이 없습니다. 지그는 민스트럴이 가장 좋아하는 악기입니다. 이 악기의 연주 능력은 비올라보다 현저히 떨어졌지만 연주 기술도 덜 필요했습니다. 이미지로 판단하면 뮤지션들은 바이올린처럼 지그 (그림 27)를 연주하여 어깨에 시대를 걸었습니다. 15세기 초.

Ruber (rubère) - 아랍어 rebab을 연상시키는 현악기. 모양이 류트와 비슷하며, 루버는 "마루"(그림 29)에 단 하나의 현이 뻗어 있습니다. Blaise (IX 세기). XII-XIII 세기에 Jerome Moravsky에 따르면. 루버트는 이미 2현 악기이며 앙상블 연주에 사용되며 항상 "낮은" 베이스 부분을 리드합니다. Zhig, 각각 - "위". 따라서 어느 정도 더블 베이스의 시조 역할을 한 활을 휘감은 현악기인 모노코드(모노코드)도 일종의 루버라는 것이 밝혀졌습니다. 저음. Vaselles에있는 수도원 교회 정면의 조각에서 볼 수 있듯이 때때로 활없이 모노 코드를 연주하는 것이 가능했습니다 (그림 28).

광범위한 사용과 다양한 종류에도 불구하고 루버는 비올라와 동등한 악기로 간주되지 않았습니다. 그의 영역 - 오히려 거리, 민속 휴일. 그러나 일부 연구자(Jerome Moravsky)가 낮은 옥타브에 대해 이야기하는 반면 다른 연구자(Aymeric de Peyrac)는 루버의 소리가 날카롭고 "크다"고 주장하기 때문에 루버의 소리가 실제로 무엇인지는 완전히 명확하지 않습니다. "여성 비명"과 비슷합니다. 그러나 아마도 우리는 예를 들어 XIV 또는 XVI 세기와 같은 다른 시대의 악기에 대해 이야기하고 있습니다...

현 뽑은

아마도 어떤 악기가 고대인지에 대한 논쟁은 무관한 것으로 인식되어야 할 것입니다. 현악기인 거문고가 음악의 상징이 되었기 때문에 현악기의 이야기를 시작할 것입니다.

고대 거문고는 3~7개의 현이 나무 공명판에 장착된 두 개의 기둥 사이에 수직으로 뻗어 있는 현악기입니다. 거문고의 현은 핑거링되거나 플렉트럼 공명기의 도움으로 연주되었습니다. X-XI 세기 원고의 미니어처. (그림 30), 파리 국립 도서관에 보관되어 있는 12개의 현이 있는 리라를 볼 수 있습니다. 3개의 그룹으로 수집되고 다른 높이로 늘어납니다(그림 30a). 이러한 리라에는 일반적으로 양쪽에 아름답게 조각된 손잡이가 있습니다. 벨트를 조일 수 있었기 때문에 음악가가 연주하기가 더 쉬워졌습니다.

거문고는 중세 시대에 고대 그리스에서도 등장한 시타르(cithare)와 혼동되었습니다. 원래는 6현이다. 뽑아 낸 악기. Moravia의 Jerome에 따르면 중세 시대의 시타르는 모양이 삼각형이었고 (더 정확하게는 그리스 알파벳의 "델타"문자 모양을 가짐) 그 위에있는 현의 수는 12에서 24까지 다양했습니다. 이 유형의 시타르(9세기)는 성 베드로 수도원의 원고에 묘사되어 있습니다. Vlasia (그림 31). 그러나 악기의 모양은 다양할 수 있으며, 손잡이가 있는 불규칙하게 둥근 시타르의 이미지가 게임을 노출시키는 것으로 알려져 있습니다(그림 32). 그러나 시타르와 psalterion(아래 참조) 및 기타 현악기의 주요 차이점은 현이 어떤 종류의 "소리 나는 용기"가 아니라 단순히 프레임에서 당겨진다는 것입니다.

중세의 귀테른(guiterne)도 시타르에서 그 기원을 이끈다. 이 악기의 모양도 다양하지만 일반적으로 만돌린이나 기타(치터)와 비슷합니다. 이러한 악기에 대한 언급은 13세기부터 발견되기 시작했으며 여성과 남성 모두가 연주했습니다. gitern은 연주자의 노래를 동반했지만 공진기 플렉 트럼의 도움을 받거나 사용하지 않고 연주했습니다. Benoit de Saint-Maur (XIII 세기)의 원고 "The Romance of Troy"에서 민스트럴이 노래하며 연주합니다. 플렉트럼이 없는 지터(그림 34) . 또 다른 경우, 소설 "Tristan and Isolde"(13 세기 중반)에는 하이턴을 연주하여 동료의 춤에 동행하는 음유시인을 묘사하는 미니어처가 있습니다 (그림 33). 하이턴의 현은 암말 없이 곧게 뻗어 있지만 몸체에 구멍(로제트)이 있습니다. O에 있는 수도원 교회의 음악가 조각상에서 명확하게 볼 수 있는 엄지와 집게손가락으로 잡은 뼈 막대기가 중재자 역할을 했습니다(그림 35).

사용 가능한 이미지로 판단하면 Gitern은 앙상블 악기가 될 수 있습니다. Cluny Museum (XIV 세기) 컬렉션의 상자 뚜껑이 알려져 있으며 조각가는 상아에 매력적인 장르 장면을 조각했습니다. 두 젊은이가 정원에서 놀고 귀를 즐겁게합니다. 하나는 손에 류트가 있고 다른 하나는 하이턴이 있습니다 (그림 36).

때때로 기턴은 이전의 시타르처럼 중세 프랑스에서 회사(로테)라고 불렸으며 17개의 현을 가지고 있었습니다. 회사는 Lionheart Richard가 포로로 플레이했습니다.

XIV 세기에. 기테론과 유사한 또 다른 악기인 류트(luth)에 대한 언급이 있습니다. 15세기까지 그 모양은 이미 최종적으로 형성되고 있습니다. 공명판에 둥근 구멍이 있는 매우 볼록하고 거의 반원형인 본체입니다. "목"은 길지 않고 "머리"는 직각으로 위치합니다 (그림 36). 15세기에 만돌린, 만도라가 같은 악기 그룹에 속합니다. 가장 다양한 형태.

하프(하프)는 또한 그 기원의 고대를 자랑할 수 있습니다. 그 이미지는 이미 고대 이집트. 그리스인들 사이에서 하프는 시타르의 변형일 뿐이고 켈트족 사이에서는 삼부크라고 불립니다. 하프의 모양은 변하지 않습니다. 길이가 다른 현이 다소 열린 각도의 형태로 프레임 위에 늘어지는 악기입니다. 고대 하프는 온음계로 조율된 13현입니다. 그들은 수직 스탠드가 연주자의 가슴에 오도록 악기를 강화하고 두 손으로 서서 또는 앉아서 하프를 연주했습니다. XII 세기에는 현 수가 다른 작은 크기의 하프도 등장했습니다. Reims의 House of Musicians 정면에서 조각품에 특징적인 유형의 하프가 표시됩니다 (그림 37). 공연의 요술쟁이는 그것들 만 사용했으며 하프 연주자의 전체 앙상블을 만들 수 있습니다. Irish와 Bretons는 최고의 하프 연주자로 간주되었습니다. XVI 세기에. 하프는 프랑스에서 거의 사라졌고 불과 수세기 후에 현대적인 형태로 여기에 나타났습니다.

두 개의 뽑아낸 중세 악기에 대해 특별히 언급해야 합니다. 이들은 시편과 사이펀입니다.

고대 psalterion은 우리의 하프와 어렴풋이 닮은 삼각형 모양의 현악기입니다. 중세 시대에는 악기의 형태가 변경되었습니다. 정사각형 psalterion도 미니어처로 표시됩니다. 연주자는 그것을 무릎 위에 놓고 손가락이나 플렉트럼(악기의 범위는 3옥타브)으로 21개의 현을 연주했습니다. psalterion의 발명가는 전설에 따르면 새의 부리를 플렉 트럼으로 사용한 David 왕입니다. 스트라스부르 도서관에 있는 Gerard of Landsberg 원고의 축소판은 성서에 나오는 왕이 그의 자손에게 놀고 있는 모습을 묘사하고 있습니다(그림 38).

중세 프랑스 문학에서 psalterion은 초기 XII c. 악기의 모양은 매우 다를 수 있으며 (그림 39 및 40) 음유 시인뿐만 아니라 여성-귀족 및 그 후계자도 연주했습니다. XIV 세기까지. psalterion은 점차 무대를 떠나 하프시 코드로 넘어 갔지만 하프시 코드는 이중 현 psalterion의 특징 인 반음계 사운드를 얻을 수 없었습니다.

15세기에 이미 사실상 사라진 또 다른 중세 악기는 어느 정도 미장과 유사합니다. 이것은 러시아 휠 하프의 서양 버전인 사이포니아(chifonie)입니다. 그러나 손잡이를 돌리면 3개의 곧은 줄에 닿는 나무 브러시가 달린 바퀴 외에도 사이펀에는 소리를 조절하는 키도 장착되어 있습니다. 바퀴가 회전하는 반대쪽 끝에. 일반적으로 두 사람이 사이펀을 연주했는데 출처에 따르면 악기 소리는 조화 롭고 조용했습니다. Boshville(XII 세기)에 있는 기둥 중 하나의 수도에 있는 조각품에서 그림을 그리는 것은 비슷한 연주 방식을 보여줍니다(그림 41). 가장 널리 퍼진 사이펀은 XI-XII 세기였습니다. XV 세기에. 한 음악가가 연주하는 작은 사이포니아가 인기를 끌었습니다. 파리 국립 도서관의 "제라르 드 느베르의 로맨스와 아름다운 아리안" 원고에는 음유시인으로 변장한 주인공을 묘사한 미니어처가 옆구리에 비슷한 악기를 얹고 있다(그림 42).

2장. 유럽을 정복한 기타

17세기에 기타는 계속해서 유럽을 정복했습니다.
당시 기타 중 하나는 런던 왕립 음악 대학 박물관에 속해 있습니다. 특정 Melchior Dias에 의해 1581년 리스본에서 만들어졌습니다.
이 기타의 구조는 2세기 이상 동안 악기의 거장들이 작업에서 반복할 특징을 가지고 있습니다.

밀라노 스포르차 성 소장품의 17세기 이탈리아 바텐테 기타.

그 당시의 모든 기타는 화려하게 장식되어 있었습니다. 이러한 절묘한 제품을 제조하기 위해 장인은 희귀 목재 (특히 흑단-흑단), 상아, 대모갑과 같은 귀중한 재료를 사용합니다. 하부 데크와 측면은 인레이로 장식되어 있습니다. 반대로 상단 데크는 단순하며 침엽수 (대부분 가문비 나무)로 만들어집니다. 진동을 억제하지 않기 위해 공진기 구멍과 전체 둘레를 따라 케이스의 가장자리만 나무 모자이크로 장식되어 있습니다.
주요 장식 요소는 양각 가죽으로 만든 장미입니다. 이 로제트는 전체 캐비닛의 아름다움에 필적할 뿐만 아니라 생성되는 소리를 부드럽게 합니다. 분명히이 고급스러운 악기의 소유자는 소리의 정교함만큼 힘과 힘에 관심이 없었습니다.
우리에게 내려온 17 세기 기타의 첫 번째 예 중 하나는 파리 음악원의 악기 박물관 컬렉션에 있습니다. 그것은 장인의 이름인 Venetian Cristofo Coco와 1602년이라는 날짜를 담고 있습니다. 납작한 본체는 전체가 좁은 갈색 나무 조각으로 고정된 상아색 판으로 만들어졌습니다.

Augustine Quesnel 기타리스트 1610

17세기에 스페인에서 가져온 라즈게아도 양식이 인기를 끌면서 유럽 전역으로 퍼졌습니다. 기타는 진지한 음악가에게 가졌던 중요성을 즉시 잃습니다. 이제부터는 Louis de Briseno가 그의 "Method"(Paris, 1626) 서문에서 쓴 것처럼 "노래하고, 연주하고, 춤추고, 점프하고, 발을 구르기"위해 반주에만 사용됩니다.
보르도 출신의 이론가 피에르 트리셰(Pierre Trichet)도 유감을 표명했습니다(1640년경). 국가." 그녀는 춤추는 춤의 음악 반주 역할을 합니다. "온통 경련하고, 우스꽝스럽고 우스꽝스럽게 몸짓을 해서 악기 연주가 불분명하고 혼란스러워집니다." 그리고 그가 관찰해야 하는 것에 분개한 Pierre Trichet는 계속해서 이렇게 말합니다. “프랑스에서는 스페인 패션에 익숙한 숙녀와 창녀들이 그것을 모방하려고 합니다. 이런 점에서 그들은 자기 집에서 잘 먹지 않고 이웃집에 가서 베이컨, 양파, 흑빵을 먹는 사람들과 닮아 있다.

David Teniers 주니어 기타리스트

마티아 프레티 콘서트 1630년대

그럼에도 불구하고 기타는 프랑스에서 여전히 인기가 있습니다. 기타는 발레에서 쉽게 사용됩니다. 생제르맹 숲의 요정(1625)과 부자 과부(1626)에서는 스페인 의상을 입은 음악가들이 신뢰도를 높이기 위해 기타를 연주합니다. 첫 번째 발레에서 샤콘 연주자들은 "기타 소리를 발의 민첩한 움직임에 맞게 조정"합니다. 루브르 그레이트 홀에서 폐하가 연출한 두 번째 곡에서는 기타 반주에 맞춰 척탄병의 앙트레도 펼쳐집니다. Mercure de France에 따르면 루이 13세는 이 공연에서 두 명의 사라방드 무용수와 함께 기타를 연주했습니다.

Gerrit van Honthorst 기타 연주 1624

Jan Vermeer 기타리스트 1672

17세기 중반, 기타의 새로운 전성기가 시작됩니다. 이번에는 프랑스에서 업데이트가 왔습니다. 젊은 프랑스 왕에게 기타를 가르치기 위해 유명한 교사이자 음악가인 프란체스코 코르베타(1656)가 법정에 출두합니다. 루이 14세가 18개월 만에 그의 선생을 능가했다고 감히 주장하지는 못하지만(일부 신하들과는 달리) 악기에 대한 왕의 진정한 열정을 의심할 수는 없습니다. 그의 통치 기간 동안 기타는 다시 귀족과 작곡가의 사랑이되었습니다. 그리고 다시 기타의 유행은 유럽 전체를 정복합니다.

Pieces for Guitar 구판 표지의 판화. 1676년

프란시스코 고야 강변의 춤 1777

프란시스코 고야 눈먼 기타리스트 1788

Ramon Baie 기타를 가진 젊은 남자. 1789년 프라도 미술관. 마드리드

Louis XIV (d. 1715)의 통치가 끝날 무렵 기타 역사의 전환점이 왔습니다. 왕실은 그것에 무관심합니다.
그러나 여전히 사람들에게 인기가 있습니다. 그녀가 의뢰한 초상화의 Mademoiselle de Charolais는 손에 기타를 들고 현을 가볍게 뽑습니다. Watteau와 Lancret는 사랑 장면의 묘사에 기타를 도입했습니다. 그리고 동시에 익살스러운 배우와 순회 코미디언을 위한 도구입니다!
Watteau와 Lancret 및 기타의 작품은 프랑스 회화의 별도 페이지이므로 이 자료에서 이 예술가들에게 별도의 갤러리를 제공하기로 결정했습니다.

장 앙투안 와토
장 앙투안 와토

Rosalba Carriere Jean-Antoine Watteau의 초상화 1721

프랑스 화가이자 기안가, 로코코 양식의 창시자이자 거장. 1698-1701년에 Watteau는 지역 예술가 Gerin과 함께 공부했으며 그의 주장에 따라 그는 Rubens, Van Dyck 및 기타 Flemish 화가의 작품을 복사했습니다. 1702년 와토는 파리로 떠났고 곧 현대 극장의 삶의 장면을 그린 연극 예술가이자 장식가인 클로드 질로라는 사람에게서 교사이자 후원자를 찾았습니다. Watteau는 기술과 약에서 그의 선생님을 빠르게 능가했습니다. 1708은 데코레이터 Claude Audran의 스튜디오에 들어갔다. 1709 년 Watteau는 예술 아카데미 그랑프리 우승에 실패했지만 그의 작품은 여러 영향력있는 사람들의 관심을 끌었습니다. 그 중에는 박애주 의자이자 회화 감정가 인 Jean de Julienne, 미술 상인 Edmond Francois Gersin, 은행가 1712년에 Watteau는 학자라는 칭호를 받았고 1717년에는 Royal Academy of Painting and Sculpture의 회원이 되었습니다. Watteau는 1721년 7월 18일 Nogent-sur-Marne에서 사망했습니다.

Jean-Antoine Watteau 이탈리아 코미디 1714

Jean Antoine Watteau Pierre Crozat 1714-16의 공원에서 나무 사이로 보기

가족과 함께 있는 장 앙투안 와토 질 1716

장 앙투안 와토 피에로의 이야기

장 앙투안 와토 사랑의 노래 1717

장 앙투안 와토 메제탱 1717-19

니콜라 랑크레
니콜라스 랑크렛

니콜라 랑크르 자화상 1720

파리에서 태어난 프랑스 예술가. 그는 먼저 Pierre Dulin과 함께 공부했고, 1712년경부터 Claude Gillot의 지도 아래 몇 년 동안 일했으며, 그를 통해 그의 작업에 큰 영향을 미친 Jean Antoine Watteau를 만났습니다. Lancre는 Watteau와 같은 주제로 전환했습니다. 그는 이탈리아 commedia dell'arte의 캐릭터와 "용감한 축제"의 장면을 썼습니다. 또한 그는 La Fontaine의 우화를 설명하고 풍속화를 만들었습니다. 랑크레는 1743년 파리에서 사망했다.

Nicola Lancret 콘서트 인 더 파크 1720

정원에서 니콜라 랑크르 휴일

Nicola Lancre 콘서트 인 더 파크

Nicola Lancre 용감한 대화

Michel Brenet에 따르면 기타의 새로운 부상은 미용실에서 공연하는 두 명의 재능 있는 가수의 출현과 관련이 있습니다. 그들은 함께 듀엣을 연주합니다. 이들은 유명한 Pierre Geliot와 Pierre de la Garde입니다.
Michel Bartolomeo Olivier의 유명한 그림인 Tea in English and a Concert at the House of the Princess de Conti는 이러한 세속적 모임의 분위기를 전달합니다.

악기를 묘사한 수많은 그림이 있습니다. 예술가들은 고대부터 현재에 이르기까지 서로 다른 역사적 시대에서 유사한 주제로 전환했습니다.

장로 브뤼겔, 얀
청력 (조각). 1618년

작품에서 악기의 이미지가 빈번하게 사용되는 것은 음악과 회화의 밀접한 관계 때문이다.
예술가의 그림에서 악기 뿐만 아니라그 시대의 문화 생활과 당시 악기의 발전에 대한 아이디어를 제공할 뿐만 아니라 어떤 상징적 의미를 갖는다.

멜로조

예 포를리
천사
1484

사랑과 음악은 불가분의 관계에 있다고 오랫동안 믿어져 왔습니다. 그리고 악기는 수세기 동안 사랑의 감정과 연관되어 왔습니다.

중세 점성술에서는 모든 음악가를 사랑의 여신인 "비너스의 자식"으로 간주했습니다. 다양한 시대의 예술가들의 많은 서정적 장면에서 악기는 중요한 역할을 합니다.

얀 멘스 몰레나어
뒤의 아줌마
17 세기
오랫동안 음악은 사랑과 관련이 있었습니다. 17세기 네덜란드 속담에서 알 수 있듯이 “류트와 스피넷 연주법을 배우십시오.

안드레아 솔라리오
류트를 가진 여자

Vermeer의 몇몇 그림에서 음악은 메인 테마. 플롯에서 이러한 악기 그림의 등장은 캐릭터의 세련되고 낭만적인 관계에 대한 미묘한 암시로 해석됩니다.

"음악 수업"(, 왕립 의회, 세인트 제임스 궁전).

하프시코드의 일종인 버지날은 가정 음악용 악기로 매우 인기가 있었습니다. 전문가들은 이미지의 정확성에 따라 세계적으로 유명한 앤트워프의 Ruckers 작업장에서 제작되었음을 확인할 수 있었습니다. Virginal 뚜껑의 라틴어 비문에는 "음악은 기쁨의 동반자이자 슬픔의 치료자입니다."

음악가들은 종종 로코코 양식의 창시자인 프랑스 화가 Jean Antoine Watteau의 그림에서 등장인물이 되었습니다.

Watteau 작품의 주요 장르는 귀족 사회,
자연의 품에 위치하며 대화, 춤, 음악 연주, 유혹으로 분주합니다.

유사한 이미지 서클이 프랑스의 크리에이티브 서클에서 매우 인기가있었습니다. 이것은 Watteau의 그림 중 일부가 프랑스 작곡가이자 예술가의 동시대 작곡가인 작곡가 François Couperin의 하프시코드 작품과 동일한 제목을 가지고 있다는 사실에 의해 입증됩니다. 섬세하게 민감한 감정가들은 Watteau의 그림 같은 아름다움뿐만 아니라 그의 음악성도 높이 평가했습니다. “Watto는 F. Couperin과 C. F. E. 바흐”라고 위대한 예술 철학자 Oswald Spengler가 말했습니다(부록 II).

또한 악기는 신화적 인물과 연관될 수 있습니다.

많은 악기는 뮤즈를 상징하며 그들의 필수 불가결한 속성입니다. 따라서 Clio에게 역사의 뮤즈는 트럼펫입니다. Euterpe (음악, 서정시) - 플루트 또는 기타 악기; Thalia (코미디, 목가적시) - 작은 비올라; Melpomene (비극) - 나팔; Terpsichore (춤과 노래) - 비올라, 거문고 또는 기타 현악기;

Erato (서정시)의 경우-탬버린, 거문고, 덜 자주 삼각형 또는 비올라; Calliope (서사시) - 트럼펫; polyhymnia (영웅 찬송가)의 경우-휴대용 오르간, 덜 자주-류트 또는 기타 악기.

Urania를 제외한 모든 Muses는 기호 또는 속성 중 악기를 가지고 있습니다. 왜? 이것은 다음과 같은 사실에 의해 설명됩니다. 고대다양한 장르의 시를 노래하는 목소리로 불렀고 어느 정도 음악적 요소를 포함했습니다. 따라서 다양한 시적 장르를 애용했던 뮤즈들은 저마다 자신만의 악기를 가지고 있었다.

더크 할스
뮤지션
16 세기

악기의 상징적 의미는 이러한 문자와 정확하게 연결됩니다. 예를 들어, 중세와 르네상스 시대의 유럽 문화에서 하프는 시편의 전설적인 저자인 성경의 다윗 왕과 강하게 연관되어 있었습니다. 위대한 왕, 정치가, 전사는 또한 가장 위대한 시인이자 음악가였으며, 성 아우구스티누스는 다윗의 하프 열 줄의 상징을 통해 성경 십계명의 의미를 설명했습니다. 그림에서 다윗은 종종 이 악기를 연주하는 양치기로 묘사됩니다.

얀 데 브레이. 하프를 연주하는 다윗. 1670년

그런 해석 성경 이야기거문고를 연주하여 동물을 진정시킨 오르페우스에게 다윗 왕을 더 가까이 데려갔습니다.

(씨) 황금 하프는 켈트 신 다그다의 속성이었습니다. Celts는 하프가 세 가지 신성한 멜로디를 낼 수 있다고 말했습니다. 첫 번째 멜로디는 슬픔과 부드러움의 멜로디입니다. 두 번째는 잠을 유도하는 것입니다. 그것을 들으면 영혼이 평화로운 상태로 채워지고 잠이 듭니다. 하프의 세 번째 선율은 환희의 선율과 봄의 귀환

신성한 숲에서 하프 소리에 맞춰 켈트족의 사제 인 드루이드는 신에게로 향하고 그들의 영광스러운 행위를 노래하고 의식을 수행했습니다. 전투 중에 녹색 화환이 달린 작은 하프를 든 음유 시인이 언덕을 오르고 군가를 부르며 전사들에게 용기를 불어 넣었습니다.-

세계의 모든 국가 중에서 아일랜드의 국장만이 악기를 묘사합니다. 이것은 현이 은인 황금 하프입니다. 오랫동안하프는 아일랜드의 전령적 상징이었다. 1945년부터는 국장이기도 하다.

W. Bosch - "지상의 기쁨의 정원" -
이 악기의 줄에는 십자가에 못 박힌 남자의 이미지가 있습니다. 아마도 현 장력의 상징주의에 대한 아이디어가 반영되어 지상 생활 동안 사람이 경험하는 사랑과 긴장, 고통, 충격을 동시에 표현합니다.

기독교와 그 경전이 전파되면서 예술가들이 악기를 든 천사를 묘사하는 일이 잦아졌습니다. 악기를 연주하는 천사는 12세기 영문 원고에 등장한다. 앞으로 그러한 이미지의 수는 지속적으로 증가하고 있습니다.

천사의 손에 들려 있는 많은 악기들은 그 모양과 디자인, 조합의 특징에 대한 아이디어를 제공하며, 당시 존재했던 음악 앙상블에 대해서도 배울 수 있게 해줍니다.

르네상스 시대에 온다 최고의 시간» 천사를 위해. 회화의 거장들은 이러한 완벽하고 조화로운 창작물에서 점점 더 많은 영감을 받고 있습니다.

르네상스 예술가들의 작품에서 하나님을 찬양하는 장면은 실제 천사의 콘서트로 바뀌어 그 시대의 음악 문화를 공부할 수 있습니다. 오르간, 류트, 바이올린, 플루트, 하프, 심벌즈, 트롬본,비올라 다 감바 ... 이것은 천사가 연주하는 악기의 전체 목록이 아닙니다.

피에로 델라 프란체스카.
크리스마스. 런던. 국립 미술관. 1475년

악기 이미지는 여러 그룹으로 나눌 수 있습니다.

1) 악기는 서정적 플롯에 사용됩니다.

2) 악기의 이미지는 신화와 관련이 있습니다.

3) 기독교와 관련된 음모에서 악기는 가장 고귀한 사상과 이미지를 가장 자주 의인화하고 성경 역사의 절정에 수반됩니다.

4) 악기의 이미지는 또한 악기 앙상블과 음악적 기법에 대한 아이디어를 제공합니다.

에 존재하는 역사적 기간그림 만들기;

5) 종종 특정 도구의 이미지는 예를 들어 Vanitas를 주제로 한 정물에서와 같이 철학적 아이디어를 전달합니다.

6) 도구의 상징주의는 예를 들어 Bosch의 그림 The Garden of Earthly Delights에서와 같이 예술가의 의도와 그림의 일반적인 내용(컨텍스트)에 따라 달라질 수 있습니다.
매력적인 그리고 나그리고 때로는 예술의 신비로운 면모를 발견하기도 합니다.
결국, 많은 빈티지 악기, 음악 앙상블, 연주 기술은 이제 사진에서만 볼 수 있습니다.

헨드릭 반 발렌
아폴로와 뮤즈

주디스 레이스터
젊은 플루티스트
1635년

하프를 든 여인
1818년

존 멜리쉬 스트래드윅 베스퍼스
1897년

장 반 비글레르트
콘서트

E. 드가
바순(디테일)

플루트는 가장 오래된 악기 중 하나입니다. 그들은 가로 및 세로입니다. 세로 방향은 똑바로 고정되어 플루트 상단의 구멍으로 공기를 불어 넣습니다. 가로 방향은 수평 방향으로 유지되어 플루트의 측면 구멍으로 공기를 불어 넣습니다.

세로 플루트에 대한 최초의 언급은 그리스 신화와 이집트의 역사(기원전 3천년)에 존재합니다.

중국에서 5개 또는 6개의 손가락 구멍이 있는 가로 플루트에 대한 첫 번째 언급은 일본과 인도에서와 마찬가지로 기원전 1000년으로 거슬러 올라갑니다. 플루트 디자인의 혁명적인 변화는 Theobald Boehm의 도움으로 19세기 중반에 일어났습니다.

현대 플룻은 목관 악기이지만 일반적으로 금, 은, 심지어 백금을 사용한 금속 합금으로 만들어집니다. 이것은 지난 세기 동안 금속 플루트보다 앞선 나무 플루트보다 더 밝은 소리와 연주하기 쉬운 것을 제공합니다.

플룻은 심포니 오케스트라에서 가장 뛰어난 악기 중 하나입니다. 그녀의 파리아는 아르페지오와 패시지로 가득 차 있다.

금관 악기

금관 악기 - 그룹 관악기 , 불어오는 기류의 세기나 입술의 위치를 바꾸어 조화로운 협화음을 얻는 것이 연주의 원리이다.

"구리"라는 이름은 역사적으로 이러한 도구가 만들어진 재료로 거슬러 올라갑니다. 우리 시대에는 구리 외에도 종종 제조에 사용됩니다.황동, 덜 자주은 , 사운드 생성 방식이 유사한 중세 및 바로크 악기(예:뱀 ) 나무로 만들었습니다.

금관 악기에는 현대가 포함됩니다.호른, 트럼펫, 코넷, 플루겔호른, 트롬본, 튜바 . 별도의 그룹은색소폰 . 고대 금관 악기 -자루 (현대 트롬본의 전신),뱀 예를 들어 중앙 아시아와 같은 일부 민속 악기도 구리입니다.카르나이.

금관 악기의 역사

구멍을 뚫는 기술뿔 동물이나 껍질은 고대에 이미 알려졌습니다. 그 후 사람들은 뿔과 유사하고 군사, 사냥 및 종교적 목적을 위해 금속으로 특수 도구를 만드는 법을 배웠습니다.

현대 금관악기의 조상은 사냥용 호른, 군용 호른, 포스트 호른이었습니다. 메커니즘이 없었던 이러한 도구밸브 몇 가지 소리를 주었다자연 규모 , 연기자의 입술을 통해서만 검색됩니다. 여기에서 음악 연습에서 확고하게 자리 잡은 자연 음계의 소리를 기반으로 한 군사 및 사냥 팡파르와 신호가 나타났습니다.

금속 가공 기술의 향상과 금속 제품의 생산으로 일정한 치수와 원하는 마감 정도의 관악기용 파이프를 제조할 수 있게 되었습니다. 동관의 개량과 자연음계에서 상당한 양의 소리를 추출하는 기술의 발달로 그 개념이 등장했다.자연 악기 즉, 메카니즘이 없고 자연스러운 스케일만 생성할 수 있는 악기입니다.

19세기 초에 밸브 메커니즘이 발명되어 연주 기술이 획기적으로 바뀌고 금관 악기의 기능이 향상되었습니다.

구리 악기의 분류

금관악기는 여러 종류로 나뉩니다.

밸브 도구 연주자의 손가락으로 제어되는 여러 개의 게이트(보통 3개 또는 4개)가 있습니다. 밸브의 원리는 메인 튜브에 추가 크라운을 즉시 포함하여 기기의 길이를 늘리고 전체 시스템을 낮추는 것입니다. 길이가 다른 튜브를 연결하는 여러 밸브를 사용하면 반음계를 얻을 수 있습니다. 대부분의 현대 금관 악기는 호른, 트럼펫, 튜바, 색스혼 등 밸브가 있습니다. 밸브에는 "로터리"와 "스탠딩"(피스톤)의 두 가지 디자인이 있습니다.
멍에 도구 특수 U 자형 개폐식 튜브를 사용하십시오. 움직임이 채널의 공기 길이를 변경하여 추출 된 사운드를 낮추거나 높이는 단계입니다. 음악에 사용되는 주요 록 악기는 트롬본입니다.
자연 악기 별도의 튜브가 없으며 자연음계의 소리만을 추출할 수 있습니다. 18세기에는 특별한천연 호른 오케스트라 . 19세기 초까지 자연 악기는 음악에 널리 사용되었으나 밸브 메커니즘이 발명되면서 사용되지 않게 되었습니다. 자연 악기는 19-20세기 작곡가(Wagner, R. Strauss, Ligeti)의 악보에서도 가끔 발견됩니다. 음향 효과. 천연 악기에는 앤티크 트럼펫과 프렌치 호른이 포함됩니다.고산 뿔 , 팡파르, 나팔, 신호 뿔 (사냥, 우편) 등.
밸브 계기 몸에 구멍이 있고 연주자의 손가락으로 열고 닫을 수 있습니다.목관 악기 . 이러한 악기는 18세기까지 널리 보급되었지만 연주의 불편함 때문에 사용되지 않게 되었습니다. 기본 밸브 금관 악기 -코넷(아연), 뱀 , 오피클레이드, 밸브 파이프 . 그들은 또한 포함합니다우편 경적.

요즘에는 초기 음악에 대한 관심이 되살아나면서 자연 및 밸브 악기로 연주하는 것이 다시 관행이 되고 있습니다.

금관 악기는 음향 특성에 따라 분류할 수도 있습니다.

가득한― 하모닉 스케일의 기본 톤을 추출할 수 있는 악기.
반― 주음을 추출할 수 없고 음계가 제2조화음으로 시작하는 악기.

음악에서 금관 악기 사용

금관악기는 다양한 음악 장르와 작곡에 널리 사용됩니다. 의 일환으로심포니 오케스트라 그들은 주요 그룹 중 하나를 형성합니다. 심포니 오케스트라의 표준 구성은 다음과 같습니다.

뿔(2에서 8까지의 짝수, 대부분 4)
파이프(2~5개, 대부분 2~3개)
트롬본(보통 3개: 테너 2개와 베이스 1개)
튜브(보통 1개)

19세기의 악보에는 심포니 오케스트라도 종종 포함되었습니다.코넷 그러나 연주기술의 발달로 그 부품들이 파이프로 연주되기 시작하였다. 다른 금관 악기는 오케스트라에서 산발적으로만 나타납니다.

구리 악기는 기초입니다브라스 밴드 , 위의 도구 외에도 다음이 포함됩니다.색소폰 다른 크기.

황동에 대한 솔로 문학은 상당히 많습니다. 천연 파이프와 뿔을 연주하는 거장 연주자는 초기 바로크 시대에 이미 존재했으며 작곡가는 기꺼이 작곡을 만들었습니다. 낭만주의 시대에 관악기에 대한 관심이 다소 쇠퇴한 후 20세기에는 금관악기에 대한 새로운 연주 가능성이 발견되었고 그들의 레퍼토리가 크게 확장되었습니다.

실내악 앙상블에서 금관 악기는 상대적으로 드물게 사용되지만 그 자체로 앙상블로 결합될 수 있습니다.금관 오중주 (트럼펫 2개, 호른, 트롬본, 튜바).

트럼펫과 트롬본은 중요한 역할을 합니다.재즈 그리고 다른 여러 장르의 현대 음악.

목금



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관련 기기
Wikimedia Commons의 실로폰

목금(그리스어에서. ξύλον - 나무 + φωνή - 소리) -타악기 특정 피치로. 특정 음표에 맞춰진 다양한 크기의 일련의 나무 블록입니다. 막대는 작은 숟가락처럼 보이는 구형 팁 또는 특수 망치로 막대기를칩니다 (음악가의 전문 용어로 이러한 망치를 "염소 다리"라고 함).

음색 실로폰은 포르테에서 날카롭고 찰칵 소리가 나며 피아노에서 부드럽습니다.

악기의 역사

실로폰은 고대 기원을 가지고 있습니다. 이 유형의 가장 단순한 악기는 여러 민족 사이에서 발견되었으며 여전히 발견됩니다.아프리카, 동남아시아 , 라틴 아메리카 .

유럽에서 실로폰에 대한 첫 번째 언급은 16세기 초로 거슬러 올라갑니다. Arnolt Schlick은 악기에 관한 논문에서 hueltze glechter라는 유사한 악기를 언급합니다. 19세기까지 유럽의 실로폰은 약 24개의 나무 막대가 사슬에 묶여 있고 연주를 위해 평평한 표면에 놓여 있는 다소 원시적인 악기였습니다. 그러한 악기를 휴대할 수 있다는 편리함이 순회 음악가들의 관심을 끌었습니다.

Guzikov가 개선한 실로폰

실로폰의 발전은 1830년대로 거슬러 올라갑니다. 벨로루시 음악가미콜 구지코프 범위를 2.5 옥타브로 확장하고 디자인도 변경하여 막대를 4줄로 특별한 방식으로 배열했습니다. 이 모델의 실로폰은 100년 이상 사용되었습니다.

현대 실로폰에서 막대는 피아노 건반처럼 두 줄로 배열되어 있으며 주석 튜브 형태의 공진기가 장착되어 있으며 이동이 쉽도록 특수 테이블 스탠드에 배치됩니다.

음악에서 실로폰의 역할

오케스트라에서 실로폰을 처음으로 사용하는 것으로 알려진 것은 Seven Variations입니다.페르디난드 카우어 1810년에 쓰여진 년도. 프랑스 작곡가 Kastner는 그의 작품에 그의 파트를 포함시켰습니다. 실로폰이 관련된 가장 유명한 작곡 중 하나는 교향시입니다.카미유 생상스 "죽음의 춤" ( 1872 ).

현재 실로폰은심포니 오케스트라 , 무대에서 극히 드물게-독주 악기로 (실로폰과 오케스트라를위한 "일본 판화 주제에 대한 환상", Op. 211, ( 1964) 알라나 호바네스).

돔라

Domra는 늙은 러시아의 현악기입니다. 그의 운명은 놀랍고 독특합니다.

그것이 어디에서 왔는지, 언제 어떻게 domra가 Rus에 나타 났는지는 여전히 연구자들에게 미스터리로 남아 있습니다. 역사적인 출처에서 domra에 대한 정보는 거의 보존되지 않았으며 고대 러시아 domra의 이미지가 훨씬 적습니다. 그리고 Domras가 우리에게 내려온 문서에 묘사되어 있는지 아니면 그 당시에 흔히 볼 수 있었던 다른 뽑은 악기인지도 알 수 없습니다. domra에 대한 첫 번째 언급은 16세기 자료에서 발견되었습니다. 그들은 그 당시 Rus에서 이미 꽤 흔했던 도구로 domra에 대해 이야기합니다.

현재 domra의 기원에는 가장 가능성이 높은 두 가지 버전이 있습니다. 첫 번째이자 가장 일반적인 것은 러시아 돔라의 동부 뿌리에 관한 버전입니다. 실제로 디자인과 사운드 추출 방법이 유사한 악기가 존재했으며 여전히 동양 국가의 음악 문화에 존재합니다. Kazakh dombra, Turkish baglama 또는 Tajik rubab을 보거나 들어 본 적이 있다면 모두 원형 또는 타원형 모양, 평평한 공명판을 가지고 있으며 소리는 다른 주파수와 강도의 플렉 트럼을 쳐서 추출됩니다. 이 모든 악기에는 동부 탄부르라는 하나의 조상이 있다는 것이 일반적으로 인정됩니다. 타원형 모양과 평평한 공명판을 가진 것은 탠버였으며 즉석 재료 인 플렉 트럼으로 조각 된 특수 칩으로 연주했습니다. 아마도 나중에 domra로 변형 된 도구는 타타르-몽골 멍에 시대 또는 동방 국가와의 무역 관계 과정에서 가져 왔습니다. 그리고 "domra"라는 이름에는 의심 할 여지없이 Turkic 뿌리가 있습니다.

또 다른 버전은 domra가 유럽 류트에서 혈통을 이끈다는 가정에서 진행됩니다. 원칙적으로 중세에는 몸통, 목, 현이 있는 모든 현악기를 류트라고 불렀습니다. 류트 역시 동양 악기인 아랍어 al-ud에서 유래했습니다. 아마도 domra의 모양과 디자인은 폴란드-우크라이나어 kobza와 그 개선 된 버전 인 bandura와 같은 서부, 유럽, 슬라브 악기의 영향을 받았을 것입니다. 그냥 반두라가 류트에서 직접 많이 빌렸습니다. 중세의 슬라브인들이 끊임없이 복잡한 역사적, 문화적 관계에 있었다는 점을 감안할 때 물론 domra는 당시 유럽의 모든 현악기와 유사한 것으로 간주될 수도 있습니다.

따라서 지금까지 축적된 지식과 연구를 바탕으로 우리는 돔라가 우리 주의 문화와 역사에서와 마찬가지로 유럽과 아시아의 특징을 결합한 전형적인 러시아 악기라는 결론을 내릴 수 있습니다.

그럼에도 불구하고 domra의 진정한 기원이 무엇이든 간에 이 이름을 가진 악기가 Rus'에 존재했으며 16~17세기 러시아 문화의 필수적인 부분이었다는 것은 잘 알려져 있습니다. 연구원들에게 잘 알려진 속담 "버푼이 그들의 돔라에 대해 기쁘다"는 말에서 알 수 있듯이 버푼 뮤지션이 연주했습니다. 더욱이 왕실에는 일종의 뮤지컬 및 엔터테인먼트 그룹 인 전체 "Amusement Chamber"가 있었는데 그 기반은 돔라, 하프, 호른 및 기타 고대 러시아 악기가있는 광대였습니다. 또한 일부 연구자들에 따르면 당시 domra는 이미 앙상블 품종 제품군을 형성했습니다. 가장 작고 삐걱 거리는 소리는 "domrishka"라고 불렸고 가장 크고 가장 낮은 소리는 "bass domra"였습니다.

domra와 domra 공연자 인 buffoons와 "domrachi"가 사람들 사이에서 상당한 인기를 얻은 것으로도 알려져 있습니다. 모든 종류의 축하 행사, 축제 및 민속 축제는 항상 모든 민족 사이에서 노래와 악기 연주를 동반했습니다. 중세의 Rus'에서는 많은 "domracheev", "goosemen", "skrypotchikov"및 기타 음악가들이 사람들을 즐겁게했습니다. domra에서는 하프처럼 민속 서사시, 서사시, 전설을 동반했으며 민요에서 domra는 멜로디 라인을 지원했습니다. domras 및 domra 현의 수공예 생산이 확립되었으며 법원과 시베리아로의 배달 기록이 역사적 문서에 보존되어 있음이 확실하게 알려져 있습니다 ...

아마도 domra를 만드는 기술은 다음과 같습니다. 나무 한 조각에서 몸을 비우고 막대기 독수리를 부착하고 끈이나 동물 정맥을 뽑았습니다. 그들은 은색, 깃털, 생선 뼈를 가지고 놀았습니다. 상대적으로 간단한 기술 덕분에 Rus'에서 이 악기를 널리 사용할 수 있었던 것 같습니다.

그러나 여기 domra의 역사에서 가장 극적인 순간이 왔습니다. 세속 문화의 발전에 대해 걱정한 교회 목사들은 음악가들에 대항하여 무기를 들고 버푼의 공연을 "악마 게임"이라고 선언했습니다. 그 결과 1648 년 Tsar Alexei Mikhailovich는 "악마 게임"의 도구 인 무고한 도구의 대량 근절에 관한 법령을 발표했습니다. 유명한 법령은 다음과 같습니다. 17세기 독일 여행가 Adam Olearius에 따르면, 러시아인들은 일반적으로 기악 연주가 금지되었으며, 한번은 사람들에게서 가져온 악기를 실은 여러 대의 수레가 모스크바 강을 건너 그곳에서 불태워졌습니다. 일반적으로 음악가와 버푸 너리 모두 박해를 받았습니다.

아마도 이토록 참으로 비극적인 운명의 반전은 세상의 어떤 악기에도 일어나지 않았을 것입니다. 따라서 야만적 인 근절 및 금지의 결과이든 다른 이유이든 상관없이 17 세기 이후 연구자들은 오래된 돔라에 대한 중요한 언급을 찾지 못했습니다. 고대 러시아 악기의 역사는 여기서 끝나고 끝낼 수는 있지만 ... Domra는 말 그대로 재에서 다시 태어날 운명이었습니다!

이것은 뛰어난 연구원이자 음악가, 비정상적으로 재능 있고 비범 한 사람인 Vasily Vasilyevich Andreev의 활동 덕분에 일어났습니다. 1896년 Vyatka 지방에서 그는 반구형 몸체를 가진 알려지지 않은 도구를 발견했습니다. 이것이 domra라고 가정하고 그는 갔다. 유명한 거장세묜 이바노비치 날리모프. 그들은 함께 발견된 악기의 모양과 디자인을 기반으로 새로운 악기의 디자인을 개발했습니다. 역사가들은 Andreev가 발견한 악기가 정말 오래된 돔라인지에 대해 여전히 논쟁을 벌이고 있습니다. 그럼에도 불구하고 1896년에 재구성된 악기는 "domra"라고 불렸다. 둥근 몸체, 중간 길이의 목, 세 개의 현, 네 번째 시스템 - 이것이 재건된 돔라의 모습입니다.

그때까지 Andreev는 이미 발랄라이카 오케스트라를 가지고있었습니다. 그러나 그의 뛰어난 아이디어를 실현하기 위해 Great Russian Orchestra는 선도적 인 멜로디 악기 그룹이 필요했고 새로운 기능을 갖춘 복원 된 domra가이 역할에 이상적이었습니다. 위대한 러시아 오케스트라 창설의 역사와 관련하여 하나 더 언급할 가치가 있습니다. 뛰어난 사람, 아마도 아이디어가 그 구체화를 찾지 못했을 것입니다. 이것은 Andreev의 가장 가까운 동료 인 피아니스트이자 전문 작곡가 Nikolai Petrovich Fomin입니다. Fomin의 전문적인 접근 방식 덕분에 처음에는 아마추어였던 Andreev의 서클이 악보를 공부하고 전문적으로 서서 공연으로 러시아와 해외의 청취자를 정복했습니다. 그리고 Andreev가 주로 아이디어 생성자라면 Fomin은 실제로 domras와 balalaikas가 본격적인 학술 도구로 개발 경로를 시작한 덕분에 사람이되었습니다.

그러나 돔라로 돌아갑니다. 1896-1890 기간. V. Andreev와 S. Nalimov는 domra의 앙상블 품종을 설계했습니다. 그리고 새로 탄생한 후 처음 수십 년 동안 domra는 오케스트라와 앙상블 연주에 맞춰 발전했습니다.

그러나 거의 즉시 Andreev domra의 기능에 대한 몇 가지 제한 사항이 공개되어 건설적으로 개선하려는 시도가 이루어졌습니다. 주요 작업은 도구의 범위를 확장하는 것이 었습니다. 1908년 지휘자 G. Lyubimov의 제안에 따라 마스터 S. Burov는 다섯 번째 시스템을 갖춘 4현 돔라를 만들었습니다. "4 현"은 바이올린 범위를 받았지만 불행히도 음색과 색상면에서 "3 현"보다 열등했습니다. 그 후 다양한 앙상블과 4현 돔라 오케스트라도 등장했습니다.

domra에 대한 관심은 매년 증가하고 음악 및 기술 지평이 확장되며 거장 음악가가 나타났습니다. 마침내 1945년에 러시아 민속 악기 오케스트라와 함께 돔라를 위한 최초의 기악 협주곡이 만들어졌습니다. 유명한 콘서트 g-moll Nikolai Budashkin은 오케스트라 콘서트 마스터의 요청에 따라 작성되었습니다. 오시포프 알렉세이 시모넨코프 이 이벤트가 열렸습니다. 새로운 시대돔라의 역사에서. 최초의 기악 연주회가 열리면서 domra는 솔로의 거장 악기가 되었습니다.

1948 년 러시아 최초의 민속 악기 부서가 모스크바에서 I.I. 그네신. 최초의 돔라 교사가 됨 뛰어난 작곡가 Yu.Shishakov, 그리고 오케스트라의 젊은 솔리스트. Osipova V. Miromanov 및 A. Alexandrov - 3 현 domra 연주의 첫 번째 학교 창시자. 고등 전문 교육 덕분에 원래 민속 악기 domra는 짧은 시간에 학술 무대에서 길을 통과했으며 심포니 오케스트라의 악기로 수세기가 걸렸습니다 (결국 바이올린은 한때 민속 악기였습니다!).

Domra 성능은 엄청난 속도로 발전하고 있습니다. 1974 년에 민속 악기에 대한 I All-Russian 연주자 대회가 열렸고 대회 우승자는 뛰어난 domra virtuosos-Alexander Tsygankov와 Tamara Volskaya였습니다 (창작 활동이 수십 년 동안 domra 예술의 발전 방향을 결정한 섹션 참조 공연 자체와 domra 레퍼토리 모두에서 오십시오.

오늘날 domra는 진정으로 러시아의 뿌리를 가지고 있음에도 불구하고 학문적 장르의 정점으로 올라간 거대하고 주로 음악적이고 표현적인 잠재력을 가진 젊은 유망한 악기입니다. 그의 무엇이 될 것인가 더 이상의 운명? 말씀은 당신의 것입니다, 친애하는 domrists!

발랄라이카

설명
몸은 별도의 (6-7) 세그먼트로 접착되어 있으며 긴 목의 머리는 약간 뒤로 구부러져 있습니다. 금속 현(18세기에는 그 중 2개가 결이 있었으며 현대 발랄라이카에는 나일론 또는 탄소 현이 사용됨). 현대 발랄라이카의 지판에는 16-31 개의 금속 프렛이 있습니다 (19 세기 말까지-5-7 강제 프렛).

소리는 크지만 부드럽습니다. 사운드 추출을 위한 가장 일반적인 기술: 래틀링, 피치카토, 더블 피치카토, 싱글 피치카토, 비브라토, 트레몰로, 분수, 기타 트릭.

짓다

발랄라이카는 19세기 말 바실리 안드레예프(Vasily Andreev)에 의해 콘서트 악기로 변형되기 전까지 영구적이고 유비쿼터스 시스템이 없었습니다. 각 연주자는 자신의 연주 스타일, 연주되는 곡의 일반적인 분위기, 지역 전통에 따라 악기를 조율했습니다.

Andreev가 도입 한 시스템 (일제히 두 개의 문자열-음표 "mi", 하나-쿼트 더 높음-음표 "la"(및 첫 번째 옥타브의 "mi"및 "la"))는 콘서트 발랄라이카 연주자들 사이에서 널리 퍼졌고 시작되었습니다. 첫 번째 줄은 "salt", 두 번째 줄은 "mi", 세 번째 줄은 "do"입니다. 개방 현 연주의 어려움입니다. 위 외에도 악기를 조율하는 지역 전통도 있습니다. 희귀 한 지역 설정은 24 개에 이릅니다 ..

품종

러시아 민속 악기의 현대 오케스트라에서는 프리마, 세컨드, 비올라, 베이스 및 더블 베이스의 다섯 가지 종류의 발랄라이카가 사용됩니다. 이 중 프리마만이 독주, 거장 악기이고 나머지는 순전히 오케스트라 기능을 담당합니다. 두 번째와 비올라는 코드 반주를 구현하고 베이스와 더블 베이스는 베이스 기능을 수행합니다.

널리 퍼짐

Balalaika는 러시아, 벨로루시, 우크라이나 및 카자흐스탄의 학술 음악 교육 기관에서 공부하는 상당히 일반적인 악기입니다.

어린이 음악 학교에서 발랄라이카 훈련 기간은 5-7년(학생의 나이에 따라 다름), 중등 교육 기관에서는 4년, 고등 교육 기관에서는 4-5년입니다. 레퍼토리: 민요 편곡, 고전 작품 편곡, 작가의 음악.

이야기
발랄라이카 출현 시점에 대한 단일 관점은 없습니다. 발랄라이카는 17세기 말부터 널리 퍼진 것으로 여겨진다. 마스터 Paserbsky 및 Nalimov와 함께 V. Andreev 덕분에 개선되었습니다. 피콜로, 프리마, 세컨드, 비올라, 베이스, 더블 베이스와 같은 현대화된 발랄라이카 제품군이 만들어졌습니다. 발랄라이카는 솔로 콘서트, 앙상블 및 오케스트라 악기로 사용됩니다.

어원
악기의 이름 자체가 이미 궁금합니다. 일반적으로 음절 소리와 함께 연주하는 특성을 전달하는 민속입니다. "balalaika"라는 단어의 뿌리 또는 "balabayka"라고도 불리는이 단어는 balakat, balabonit, balabolit, joker와 같은 러시아어 단어와의 친족 관계로 오랫동안 연구자들의 관심을 끌었습니다. 호출합니다(동일한 의미의 일반적인 슬라브어 *bolbol로 돌아갑니다). 서로를 보완하는 이러한 모든 개념은 발랄라이카의 본질을 전달합니다. 가볍고 재미 있고 "스트러밍"하지만 그다지 심각하지는 않습니다.

처음으로 "balalaika"라는 단어는 Peter I의 통치로 거슬러 올라가는 서면 기념물에서 발견됩니다.

발랄라이카에 대한 최초의 서면 언급은 1688년 6월 13일자 문서에 포함되어 있습니다. “<...>마을 사람 Savka Fedorov<...>예<...>농민 Ivashko Dmitriev와 그들과 함께 발랄라이카를 가져와 수레에 전차를 타고 Yausky 문으로 가서 노래를 부르고 toi에서 발랄라이카를 연주했으며 경비원으로 Yausky 문에 서 있던 경비 궁수들은 꾸짖었습니다.<...>».

발랄라이카가 언급 된 다음 서면 출처는 1715 년을 언급하는 Peter I이 서명 한 "Register"입니다. 상트 페테르부르크에서 "Prince-Papa"N. M. Zotov의 광대 결혼식을 축하하는 동안 다른 악기와 함께 mummers가 운반하는 4 개의 발랄라이카가 명명되었습니다.

처음으로 이 단어는 18세기 초(1717-1732년 문서에서) 우크라이나어에서 "balabaika"(분명히 이것은 더 오래된 형태이며 Kursk 및 Karachev 방언에서도 보존됨)의 형태로 증명되었습니다. ). V. I. Maikov의시 "Elisey", 1771, 노래 1에서 처음으로 러시아어로 : "당신은 나에게 휘파람이나 발랄라이카를 조율합니다."

첼로(이탈리아어 첼로, 약어. 첼로, 독일어 첼로, 프랑스어 첼로, 영어 첼로)

바이올린이나 비올라와 같은 구조이지만 훨씬 더 큰 16세기 전반부부터 알려진 베이스 및 테너 음역의 현악기. 첼로는 폭넓은 표현 가능성과 신중하게 개발된 연주 기법을 가지고 있으며 솔로, 앙상블 및 오케스트라 악기로 사용됩니다.

악기의 출현과 발전의 역사

첼로의 등장은 16세기 초로 거슬러 올라간다. 처음에는 노래를 부르거나 더 높은 음역의 악기를 연주할 때 베이스 악기로 사용되었습니다. 크기, 현의 수, 조율이 서로 다른 수많은 종류의 첼로가 있었습니다(가장 일반적인 조율은 현대의 것보다 낮은 음조였습니다).
17~18세기에 이탈리아 유파의 뛰어난 음악 거장들(Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana 등)의 노력으로 바디 사이즈가 확고하게 자리잡은 클래식 첼로 모델이 탄생했습니다. 17세기 말에 조반니 가브리엘리(Giovanni Gabrieli)의 소나타와 라이서카(Ricercars)라는 첫 번째 첼로 솔로 작품이 등장했습니다. 18세기 중반에 첼로는 더 밝고 풍부한 소리와 개선된 연주 기술로 인해 콘서트 악기로 사용되기 시작했고 마침내 비올라 다 감바를 음악 연습에서 대체했습니다. 첼로는 심포니 오케스트라와 실내악 앙상블의 일부이기도 합니다. 첼로가 음악의 주요 악기 중 하나로 최종 승인된 것은 뛰어난 음악가 파블로 카잘스의 노력을 통해 20세기에 이루어졌습니다. 이 악기에 대한 연주 학교의 발전은 정기적으로 단독 콘서트를 연주하는 수많은 거장 첼리스트의 출현으로 이어졌습니다.
첼로 레퍼토리는 매우 광범위하며 수많은 협주곡, 소나타, 무반주 작곡을 포함합니다.

]첼로 연주 기법

스트라디바리의 뒤포르 첼로를 연주하는 므스티슬라프 로스트로포비치.
첼로를 연주할 때 연주와 스트로크의 원리는 바이올린과 같지만 악기의 크기가 크고 연주자의 위치가 다르기 때문에 첼로를 연주하는 기술은 다소 제한적입니다. Flageolets, pizzicato, 엄지 내기 및 기타 게임 기술이 사용됩니다. 첼로의 소리는 육즙이 많고 선율이 풍부하며 긴장되며 고음역에서 약간 압축됩니다.
첼로 현 구조: C, G, d, a(도, 큰 옥타브의 소금, 작은 옥타브의 레, 라), 즉 비올라보다 한 옥타브 아래에 있습니다. 첼로의 음역은 a 현에서 연주하는 개발된 기술 덕분에 C(큰 옥타브까지)에서 a4(4 옥타브의 A) 이상까지 매우 넓습니다. 음표는 실제 소리에 따라 저음, 테너 및 고음 음자리표로 작성됩니다.

다리의 종아리로 악기를 잡았습니다.
연주할 때 연주자는 19세기 말에야 널리 퍼진 캡스턴으로 첼로를 바닥에 눕힙니다(그 이전에는 악기가 종아리로 잡혔습니다). 현대 첼로에서는 프랑스 첼리스트 P. Tortelier가 발명한 곡선형 캡스턴이 널리 사용되어 악기의 위치가 더 평평해지고 연주 기술이 어느 정도 용이해집니다.
첼로는 독주 악기로 널리 쓰이고, 첼로군은 현악과 교향악단에서 쓰이며, 첼로는 현악 4중주에서 가장 낮고 현악 4중주의 필수 멤버다. 그것) 소리 측면에서 악기의 다른 챔버 앙상블에서도 자주 사용됩니다. 오케스트라 악보에서 첼로 파트는 비올라 파트와 더블베이스 파트 사이에 쓰여집니다.

바이올린 창조의 역사

음악의 역사는 가장 완벽한 형태의 바이올린이 16세기에 등장했다고 생각합니다. 그때까지 중세에 걸쳐 활동했던 모든 구부러진 악기는 이미 알려져 있었습니다. 그들은에 위치했다 특정 순서그 당시의 학자들은 크든 작든 그들의 전체 계보를 알고 있었습니다. 그들의 숫자는 엄청났고 이제 이 문제의 깊이를 파헤칠 필요가 없습니다.

최신 연구자들은 바이올린이 결코 축소된 "비올라 다 감바"가 아니라는 결론에 도달했습니다. 또한 장치에 있는 이러한 두 가지 유형의 도구가 서로 크게 다른 기능을 가지고 있다는 것이 충분한 정확도로 확립되었습니다. "viole da gamba"와 관련된 모든 악기는 평평한 뒷면, 평평한 가장자리, 프렛으로 나뉘는 목, 덜 자주 삼엽충 형태의 머리, 더 자주 동물이나 인간의 머리 이미지, 컷 아웃이 있습니다. 라틴 문자 "C"의 윤곽선에 있는 악기의 윗면, 마지막으로 4도 및 3도의 현 튜닝. 반대로 현대 바이올린의 바로 전신 인 "viola da brachio"는 현의 다섯 번째 조율, 볼록한 뒷면, 가장자리가 다소 올라간 것, 프렛이없는 지판, 형태의 헤드를 가졌습니다. 두루마리와 노치 또는 "efs", 서로 마주 보는 소문자의 윤곽선 라틴어 f 이탤릭체.
이러한 상황은 적절한 비올 계열이 감바의 연속적인 감소로 구성되었다는 사실로 이어졌습니다. 이렇게 일어났다 풀 스쿼드다양한 크기의 비올로만 구성된 오래된 "4중주" 또는 "5중주". 그러나 완전한 비올 계열의 출현과 함께 현대 바이올린의 독특하고 가장 특징적인 특징을 모두 갖춘 악기가 개발되고 개선되었습니다. 그리고 이 악기는 사실 "손 비올라"도 아닙니다. 직접적인 의미단어이지만 슬라브 땅의 민속 악기로서 현대 바이올린 제품군의 기초를 형성 한 소위 "손 거문고"입니다. 위대한 라파엘(1483-1520)은 1503년 그의 그림 중 하나에서 이 악기를 훌륭하게 묘사합니다. 그것을 생각하면 "손 거문고"가 우리 시대의 완벽한 바이올린으로 완전히 변모하는 데 남은 것이 거의 없다는 데 조금도 의심의 여지가 없습니다. Raphael의 이미지와 현대 바이올린을 구별하는 유일한 차이점은 현의 수에 있습니다. 두 개의베이스가있을 때 현이 5 개가 있습니다. 오래된 비올.
그 이후로 증거는 놀라운 속도로 증가했습니다. 고대 "lyre da brachio"의 이미지에 약간의 수정을 가하면 현대 바이올린과 가장 완벽하게 유사합니다. 오래된 바이올린 형태의 이 증언은 1516년과 1530년으로 거슬러 올라갑니다. 오래된 바이올린당신의 상표로. 동시에 프랑스어 스타일의 바이올린으로 "바이올린"이라는 단어가 16세기 초 프랑스 사전에 처음 등장했습니다. Henri Pruner(1886-1942)는 빠르면 1529년에 이 단어가 당시의 일부 비즈니스 문서에 포함되어 있다고 주장합니다. 그러나 "바이올론"의 개념이 1490년경에 등장했다는 징후는 의심스러운 것으로 간주되어야 합니다. 이탈리아에서는 비올 연주자를 의미하는 violonista라는 단어가 1462년부터 나타나기 시작했고, "바이올린"이라는 의미의 violino라는 단어 자체는 널리 퍼진 100년 후에야 사용되기 시작했습니다. 영국인은 1555년에야 프랑스어 철자를 채택했지만 3년 후 완전한 영어 "바이올린"으로 대체되었습니다.
가장 오래된 기념물의 증언에 따르면 Rus '에서는 활 악기가 아주 오랫동안 알려져 있었지만 나중에 심포니 오케스트라의 악기가 될만큼 발전한 악기는 없었습니다. 가장 오래된 고대 러시아 활 악기는 경고음입니다. 가장 순수한 형태는 타원형의 약간 배 모양의 나무 몸체에 세 개의 줄이 늘어져 있습니다. 그들은 아치형 활로 휘파람을 불었습니다. 현대 활과는 아무런 관련이 없습니다. 휘파람이 시작된 시간은 정확히 알려지지 않았지만 "동부"악기 (domra, surna 및 smyk)의 침투와 함께 Rus에 "삐"가 나타났다는 가정이 있습니다. 이 시간은 일반적으로 XIV 후반과 XV 세기 초에 결정됩니다. 문자 그대로의 의미에서 "바이올린"이 언제 등장했는지 말하기는 어렵습니다. 16 ~ 17 세기 알파벳 책에서 바이올리니스트에 대한 첫 번째 언급은 "해석자들이 그것에 대해 전혀 몰랐다는 것을 똑같이 보여 준다"는 것만 확실하게 알려져 있습니다. 어쨌든 P. F. Findeisen (1868-1928)에 따르면이 악기는 모스크바 Rus의 국내 및 공공 생활에서 아직 알려지지 않았으며 완전히 완성 된 형태의 첫 번째 바이올린은 분명히 처음에만 모스크바에 나타났습니다. XVIII 세기. 그러나 한 때 진짜 바이올린을 본 적이 없었던 알파벳 책의 편집자들은 이 악기가 현악기여야 한다는 것을 이해했을 뿐이고 따라서 "gusli"와 "Little Russian lira"에 잘못 비유했습니다. 물론 사실이 아니었다.
서양의 새로운 바이올린에 대한 다소 자세한 설명은 16세기 중반부터 나타나기 시작합니다. 따라서 Philibert Jambes de Fair(1526-1572)는 현대 바이올린의 특징과 독특한 특징을 설명하면서 "바이올린 계열"이 바이올린의 모델과 유사성을 기반으로 만들어졌다는 결론을 내릴 수 있는 여러 이름을 인용합니다. 비올라. 바이올린은 1556년부터 17세기 말까지 여러 변종으로 존재했습니다. 프랑스어 이름데수, 퀸트, 오뜨 꽁트르, 테일레, 바스. 이 형식에서 바이올린 가족의 구성은 Peer Maryann (1588-1648)이 그에 대해 쓰기 시작했을 때 확립되었습니다. 한때 Les vingt-quatre라고 불렸던 "Gang of 24"는 동일한 악기로 구성되었지만 이름은 이미 옮겨졌습니다. dessus 다음에는 haute-contre가 이어졌고 quinte는 tailee와 basse 사이에 있었지만 그 볼륨은 방금 언급 한 이전 데이터와 정확히 일치했습니다. 나중에이 바이올린 구성에 또 다른 변화가 있었는데, 그로 인해 haute-contre가 완전히 사라지고 dessus에게 양보하고 tailee는 quinte와 결합하여 후자의 순서를 채택했습니다. 따라서 dessus가 첫 번째 및 두 번째 바이올린, tailee 또는 quinte-violas 및 basse-cellos에 해당하는 새로운 유형의 4 부분 활 조합이 확립되었습니다.
이제 "바이올린"이라는 이름으로 알려진 그 악기의 최종 완성이 언제 이루어졌는지 정확하게 확인하기가 어렵습니다. 대부분이 개선은 연속 시리즈로 진행되었으며 각 마스터는 자신의 것을 가져 왔습니다. 그럼에도 불구하고 17세기는 바이올린의 구조적 관계가 최종적으로 완성되고 그 완성도에 도달하여 그 어떤 '개량'도 시도하지 않았던 바이올린의 '황금기'였다고 분명히 말할 수 있다. 이미 넘어갈 수 있습니다. 역사는 위대한 바이올린 트랜스듀서의 이름을 기억 속에 간직했으며 이 악기의 개발을 바이올린 제작자의 세 가족 이름과 연결했습니다. 우선 이것은 Andrea Guarneri(1626?-1698)와 Antonio Stradivari(1644-1736)의 스승이 된 Cremonese 마스터의 Amati 가족입니다. 그러나 바이올린의 최종 완성은 무엇보다도 Giuseppe-Antonio Guarneri(1687-1745), 특히 현대 바이올린의 가장 위대한 창시자로 추앙받는 Antonio Stradivari에게 빚지고 있습니다.
그러나 그 당시 위대한 Cremonese가 이미 확립 한 바이올린의 모든 것을 모든 사람이 좋아하는 것은 아닙니다. 많은 사람들이 Stradivari가 채택한 비율을 변경하려고 시도했지만 물론 아무도 성공하지 못했습니다. 그러나 무엇보다 가장 궁금한 것은 바이올린을 최근의 과거로 되돌리고 비올라의 낡은 특징을 바이올린에 부여하려는 가장 후진적인 거장들의 바람이었습니다. 아시다시피 바이올린에는 프렛이 없었습니다. 이를 통해 음량을 확장하고 바이올린 연주 기술을 완성할 수 있었습니다. 그러나 영국에서는 바이올린의 이러한 특성이 "의심스러운" 것처럼 보였고 악기의 "억양"이 충분히 정확하지 않았습니다. 따라서 소리 추출의 "부정확성"을 제거하기 위해 바이올린 지판에 프렛을 도입했고, John Playford(1623-1686?)가 이끄는 출판사는 1654년부터 1730년까지 매뉴얼을 재인쇄했습니다. "모달 tablature"에 따라 컴파일됩니다. 그러나 정의는 일반적으로 유일한 경우, 바이올린 연주의 역사에서 유명합니다. 이 악기의 연주를 개선하고 용이하게 하려는 다른 시도는 현악기 튜닝 또는 소위 "scordatura"로 축소되었습니다. 이것은 이치에 맞았고 Tartini(1692-1770), Lolli(1730-1802), Paganini(1784-1840) 및 몇몇 다른 사람들과 같은 많은 저명한 바이올리니스트들은 각자 자신의 방식으로 악기를 조율했습니다. 때때로 이 현 조율 방법은 특별하고 예술적인 목표를 추구하기 위해 지금도 사용되고 있습니다.
스트라디바리우스 바이올린. gruhn.com의 사진 그래서 바이올린은 17세기 말에 가장 완벽한 화신이 되었습니다. 안토니오 스트라디바리가 마지막으로 현재의 모습을 갖추게 했으며, 18세기의 거장 프랑수아 투르트는 현대 활의 창시자로 추앙받고 있습니다. 그러나 바이올린의 개발과 실생활에서의 구현에서는 덜 성공적이었습니다. 바이올린 기술의 이러한 발전과 개선의 길고 다양한 전체 역사를 몇 마디로 전달하는 것은 매우 어렵습니다. 바이올린의 출현으로 많은 상대가 발생했다고 말하면 충분합니다. 많은 사람들은 비올라의 잃어버린 아름다움을 단순히 후회했지만 다른 사람들은 초대받지 않은 낯선 사람에 대한 전체 "치료"를 내놓았습니다. 결정적으로 바이올린 연주 기술을 발전시킨 위대한 바이올리니스트 덕분에 바이올린은 정당한 자리를 차지했습니다. 17세기에 이 거장 바이올리니스트들은 Giuseppe Torelli와 Arcangelo Corelli였습니다. 앞으로 Antonio Vivaldi (1675-1743)는 바이올린을 위해 많은 노력을 기울였으며 마침내 Niccolò Paganini가 이끄는 멋진 바이올리니스트 은하계 전체를 만들었습니다. 현대 바이올린에는 5도로 조율된 4개의 현이 있습니다. 상단 현은 때때로 다섯 번째 현이라고 하고 하단 현은 베이스라고 합니다. 바이올린의 모든 현은 결이 있거나 내장이 있으며 "베이스"만 얇은 은색 실 또는 "김프"와 얽혀 소리의 충만 함과 아름다움을 더합니다. 현재 모든 바이올리니스트들은 "5도"에 금속 현을 사용하고 정확히 동일하지만 부드러움을 위해 얇은 알루미늄 실인 A 현으로 만 감쌌습니다. 일부 뮤지션은 "김프"가 없는 순수한 알루미늄 A 현을 사용하기도 합니다. 이와 관련하여 mi의 금속 현과 la의 알루미늄 현은 re 현의 울림을 강화해야 했습니다. "바스크어", 후자, 그런데 그녀에게 도움이되었습니다. 그럼에도 불구하고 이러한 모든 사건은 진정한 감정가를 크게 화나게합니다. 다른 경우 금속 현 소리의 울림과 선명도는 매우 눈에 띄고 불쾌하지만 할 일이 없으며 상황을 참아야하기 때문입니다.
악기의 요구 사항에 따라 조율된 바이올린의 현은 개방 또는 비어 있으며 두 번째 옥타브의 mi에서 작은 소금까지 순 5도 내림차순으로 소리가 납니다. 현의 순서는 항상 위에서 아래로 고려되며, 이 관습은 "손잡이" 또는 "목"이 있는 모든 활과 현악기와 관련하여 고대부터 보존되어 왔습니다. 바이올린에 대한 음표는 " 모리시" 또는 키 솔트.
"개방형" 또는 오케스트라 사용의 개념(빈 현)은 스탠드에서 너트까지의 전체 길이, 즉 튜닝 중 실제 높이를 결정하는 두 지점 사이의 현 소리를 의미합니다. 현의 길이는 일반적으로 동일한 지점에 의해 결정됩니다. 오케스트라에서는 서브 넥과 페그 사이에 둘러싸인 "절대 값"이 아니라 고려되는 현의 소리 부분이기 때문입니다. 악보에서 열린 현은 음표 위나 아래에 작은 원이나 0으로 표시됩니다.
경우에 따라 작품의 음악적 구조에 필요한 경우 "바스크"에 대해 작은 옥타브의 F 샤프 또는 "5도"에 대한 두 번째 D 샤프를 얻기 위해 현을 반음 낮출 수 있습니다.
출처 music-instrument.ru

의 역사 일렉트릭 기타 만들기 (일렉트릭 기타)

20세기 기술의 발달은 인간 존재의 문화적 측면을 무시하지 않았다. 재생 및 가장 중요한 사운드 처리를 위한 전자 장치의 출현은 결국 악기 자체에 영향을 미칠 수 밖에 없습니다. 근본적으로 새로운 악기를 만들려는 시도 외에도 잘 알려진 오래된 악기를 "현대화"하려는 시도도 있었습니다. 그래서 Lloyd Loher는 1924년에 금속 줄의 진동을 전기 신호로 변환하는 장치인 최초의 자기 픽업을 설계했습니다. 이 재능있는 엔지니어는 그 당시에 일했습니다. 어디에서 생각하십니까? - 깁슨에서! 그러나 너희가 알다시피 창조 이전에 레스폴깁슨이 최초의 대량 생산 일렉트릭 기타를 출시하지 않았기 때문에 28년이라는 긴 시간이 걸렸습니다. 그리고 이것은 Electro String Company라는 회사에 의해 이루어졌습니다. 창립자 중 한 명은 Adolf Rickenbacker였습니다. 그는 이미 짐작할 수 있듯이 John Lennon의 시그니처 기타 인 325JL을 출시 한 매우 유명한 Rickenbacker 회사를 설립했습니다. 이 첫 번째 기타의 본체는 알루미늄으로 만들어졌기 때문에 "프라이팬"이라는 이름을 진지하게 받았습니다. 이 사건은 1931년에 일어났다. 기타에 픽업을 부착하려는 다른 시도가 있었는지는 모르겠지만 아마도 그랬을 것입니다. 그러나 그들은 1951년에야 매우 고전적이고 인식 가능한 형태를 얻었습니다. 그리고 레오 펜더(Leo Fender)는 그의 유명한 텔레캐스터(Telecaster)를 출시함으로써 이것을 해냈고 그것은 이미 돌파구였습니다. 물론 사람이 탑승한 채 우주선을 궤도에 진입시키는 것과 같았습니다. 선체는 나무로 만들어졌지만 클래식 기타. 어떤 이유로 많은 사람들은 일렉트릭 기타가 무엇을 아는 사람으로 만들어 졌다고 생각합니다: 금속, 플라스틱 및 기타 초현대적 재료, 아니요. 기타는 사람처럼 주로 나무로 만들어졌으며 오늘날까지 만들어졌습니다. 70% 물.
그 순간부터 일렉트릭 기타는 악기이자 하나의 문화 현상으로 자리잡았다고 할 수 있습니다. 물론 Gibson은 뒤처지지 않고 1952년 전설적인 Les Paul을 출시했습니다. 테스트 샷은 Fender가 Stratocaster를 궤도에 진입시킨 1954년에 나왔습니다. 블루스, 록 및 컨트리 음악가들은 이러한 모델 및 제조업체의 기타를 연주하기 시작했습니다. 물론 그 이후로 아름답고 인기가없고 인기가없는 기타가 많이 있었지만 오늘날까지 사운드 처리를 고려하지 않으면 누군가가 더 중요한 것을 내놓았을 것 같지 않습니다. 물론 7번째 현과 심지어 8번째 현을 추가하는 등 다양한 혁신이 있지만(일반적으로 이들은 극단적인 스타일과 트렌드의 밴드와 뮤지션을 위한 기타입니다) "발견" 위에 나열된 것들에 대한 의미에서 "가까이 가십시오".
그러나 가장 흥미로운 점은 기타가 여전히 기타로 남아 있다는 것입니다. 왠지 음악과 거리가 먼 많은 사람들은 일렉트릭 기타가 클래식 기타와 아무런 관련이 없는 악기라고 생각합니다. 물론 외모부터 연주법까지 차이는 크지만 여전히 (일부 예외를 제외하고) 조율과 코드 운지법이 같은 하나의 동일한 악기입니다. 즉, 노래의 코드를 알면 일렉트릭 기타와 어쿠스틱 기타 모두에서 동일한 성공을 거두었습니다.

기타의 간략한 역사와 현재 상태

아시다시피 기타는 스페인의 국가 악기입니다. 지금까지 기타의 기원은 정확히 밝혀지지 않았습니다. 그 원형이 아시리아-바빌로니아 케파라 또는 이집트 시타라라고 가정해야 합니다. 로마인(라틴 기타)이나 아랍인(무어인 기타)이 이베리아 반도로 가져왔을 수 있습니다. 첫 번째에서 그들은 "punteado"기법, 즉 꼬집음으로 연주했고 두 번째에서 더 날카로운 울림을 가진 "rasgueado"기법으로 연주했습니다. 오른손의 손가락.

현대식 기타 또는 어쨌든 이와 유사한 기타는 아마도 16세기 이전에 고대 키타라의 이 두 변종의 융합에서 유래했을 것입니다. 우리는 현재와 다른 방식으로 기타를 연주하는 이 이중 기원에 대한 간접적인 표시를 가지고 있습니다: 민속 - "rasgueado", - 무어인 기타 연주에서 유래, 전문 - "punteado", - 라틴 기타에서 유래 .

다른 유럽 국가 (XVI-XVII 세기)에 침투했을 때 기타에는 관련 류트와 같이 1/4 비율로 조정 된 5 개의 현이 있습니다. 여섯 번째 문자열이 독일에서 추가되었는지 이탈리아에서 추가되었는지는 확실하지 않습니다. 이 최종 형태에서 기타는 진지한 악기의 권리를 획득했습니다. 이러한 음악적 가능성의 증가를 바탕으로 6현 기타는 첫 번째 전성기를 맞았습니다(18세기 말부터 19세기 중반까지). 이 기간 동안 기타는 발전했습니다. 전선스페인인 Aguado와 Sor, 이탈리아인 Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Tsani de Ferranti, Regondi, Moretti 등과 같은 뛰어난 거장과 작곡가. 유럽 \u200b\u200b국가에서이 기타리스트의 콘서트 활동은 기타를 높은 전문 수준으로 끌어 올렸고 가장 큰 음악가, 시인 및 작가 중에서 많은 지지자를 얻었습니다. 그들 중 일부 - 작곡가 Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - 오페라에서 기타를 사용했습니다. 기타-작곡가 Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod-기타를 직접 연주했습니다. 기타-Glinka, Tchaikovsky-기타 듣기를 좋아했습니다. 특히 유명한 바이올리니스트 Paganini는 동시에 훌륭한 기타리스트였으며 기타를 위해 여러 작품을 썼습니다. 시인 및 작가: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Pushkin, Lermontov, L. Tolstoy, Baudelaire 및 기타 많은 사람들이 기타를 사랑했으며 작품에서 한 페이지 이상을 할애했습니다.

거의 19세기 말까지 지속되었던 기타의 전성기는 주로 피아노포르테의 등장으로 인해 그 쇠퇴로 대체되었습니다. 그러나 20세기 초부터 우리는 기타의 새로운 전성기를 목격하고 있습니다. 이는 고대의 가장 표현력이 풍부한 민속 악기 중 하나로서 기타에 대한 일반 대중의 태도 변화로 인한 것 같습니다. . 그 결과 타레가(Tarrega), 로베트(Llobet), 세고비아(Segovia), 푸졸(Pujol) 등 기타 연주 기술을 완성하고 기타를 다른 전통적인 솔로 악기와 동등한 수준으로 끌어올린 다른 사람들과 같이 대부분 스페인 사람들인 뛰어난 재능을 가진 기타 거장들이 많이 등장했습니다. 그리고 다시 첫 번째 전성기 시대와 마찬가지로 기타는 Turin, de Falla, Pons, Roussel 등과 같은 가장 저명한 작곡가들 사이에서 많은 친구들을 끌어들입니다.

우리 나라에서는 이와 함께 널리 보급되었다. 6현 기타그 다양성은 주로 세 번째 튜닝이 있는 7현 기타입니다.

아코디언, 버튼 아코디언

역사와 품종 리드 악기(아코디언, 버튼 아코디언 등)

아코디언은 벨로우즈에 의해 펌핑되는 공기 흐름의 작용으로 진동하는 얇은 판인 금속 갈대를 자유롭게 미끄러지면서 소리가 나는 악기입니다. 연주자는 왼손으로 벨로우즈를 제어하고 베이스와 코드 버튼을 눌러 오른손으로 연주하는 멜로디를 반주합니다.

러시아의 모스크바에는 세계에서 가장 훌륭하고 가장 광범위한 고조파 박물관이 있습니다(세계에는 4개의 박물관이 있습니다. 독일의 국립 고조파 박물관은 Klingenthal에, 이탈리아의 고조파 박물관은 Castelfidardo에 있습니다. 및 .Super Ior-Delucy의 미국 아코디언 박물관).

리드 악기 개발의 일반적인 역사

소리 추출의 리드 원리를 가진 최초의 알려진 악기는 고대 동부 Sheng(버마, 티베트, 라오스 및 중국에서 기원)입니다. 이 악기가 만들어진 정확한 날짜는 알 수 없지만 2,000년 이상 된 것으로 여겨집니다. 그것은 신성한 음악 연주에 적합한 "순수한" 악기로 간주되었습니다. 서기 700년경 셩은 12개의 키로 연주할 수 있는 개선된 대중 악기였으며 이러한 악기에 대한 하모니 교과서가 만들어졌습니다.

러시아의 하모니카, 버튼 아코디언 및 아코디언의 출현

러시아에서 고조파의 출현은 XIX 세기의 40년대 초로 거슬러 올라갑니다. 에 표시된대로 인구의 특권층 문학적 출처, 해외에서 손으로 하모니카를 구입하고 농노를 통해 하모니카가 등장하여 마을에서 인기를 얻었습니다. Tula 무기 공장에 주문한 외국 장인이 하모니카를 수입 할 수 있다는 가정이 있습니다.
Tula 장인들 사이에서 gunsmith Sizov와 Shkunaev가 하모니카를 발명했다는 의견이있었습니다. 일부 보고서에 따르면 XIX 세기의 30 대에 생산되었습니다. 그러나 Tula 지방에서는 마우스 피스 또는 수동에 대해 어떤 종류의 고조파에 대해 이야기하고 있는지 알 수 없습니다.

고조파 장치에 대한 일반 정보

하모니카는 공기 흐름의 작용에 따라 진동하면서 자유롭게 미끄러지는 금속 혀 (목소리)로 재생되는 모든 악기라고 할 수 있습니다. 하모니카의 공기는 손 또는 발 벨로우즈(손 하모니카, 하모니움), 팬(오르가놀라, 오가넷)의 도움으로 공급되거나 연주자의 폐(입 하모니카)에 의해 내쉬고 흡입됩니다. 모든 현대 하모니카에서 리드는 프레임(섀시)이라고 하는 금속 베이스의 한쪽 끝을 리벳으로 고정합니다. 리벳이 달린 텅과 함께 프레임을 바라고 합니다.

Sheng (고노후이, 켄, 루셩)

Sheng은 버마, 티베트, 라오스 및 중국에서 시작된 하모니카 계열의 가장 오래된 악기 중 하나입니다. 고대 중국 원고(기원전 2-3천년)에 따르면 과학자들은 악기의 초기 이름인 Yu를 정했습니다. 그런 다음 제조에 사용되는 모양과 재료에 따라 chao, ho, sheng이라고 불리기 시작했습니다. chonofui 또는 gonofui (일본), ken (라오스), lusheng 및 hulusheng (중국 남서부)과 같은 다른 종류의 sheng도 알려져 있습니다. 러시아와 다른 유럽 국가에서 셩은 때때로 중국 구강 기관이라고 불렸습니다.

비벨하모니카, 오케스트라, 엘로디콘

소리 생성의 새로운 원리(미끄러지는 금속 혀)에 따라 제작된 최초의 악기가 유럽에 등장했을 때 오르간 제작자는 휴대용 오르간, 레갈리아, 포지티브(휴대용) 오르간 등과 같은 오래된 형태의 악기를 사용했습니다. 그러한 종류의 첫 번째 도구의 예에서.

신디사이저

하나 이상의 음파 발생기를 사용하여 소리를 합성하는 전자 악기. 전기 신호의 속성을 변경하거나(아날로그 신디사이저에서) 중앙 프로세서의 매개변수를 조정하여(디지털 신디사이저에서) 원하는 사운드를 얻을 수 있습니다.

건반과 함께 케이스 형태로 만들어진 신디사이저를 건반 신디사이저라고 합니다.
키보드가 없는 케이스 형태로 만들어진 신디사이저를 신디사이저 모듈이라고 하며 MIDI 키보드에서 제어합니다.
키보드 신디사이저에 시퀀서가 내장되어 있으면 워크스테이션이라고 합니다.
신디사이저의 종류:

사용된 기술에 따라 신디사이저는 여러 유형으로 나뉩니다.

아날로그 합성기는 가산 및 감산 유형의 합성을 구현합니다. 아날로그 신디사이저의 주요 특징은 사운드가 실제 전기 회로를 사용하여 생성되고 처리된다는 것입니다. 종종 다양한 합성 모듈의 연결은 특수 케이블(패치 와이어)을 사용하여 이루어지므로 "패치"는 음악가들 사이에서 신디사이저의 특정 음색에 대한 일반적인 이름입니다.

아날로그 신디사이저의 가장 큰 장점은 필터 차단 주파수의 움직임과 같이 시간이 지남에 따라 사운드 특성의 모든 변화가 매우 매끄럽게(지속적으로) 발생한다는 것입니다. 단점은 다음과 같습니다. 높은 레벨노이즈, 튜닝 불안정성 문제가 이제 극복되었습니다. 오늘날 사용되는 가장 유명한 아날로그 신디사이저는 Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6입니다.

버추얼 아날로그 신디사이저는 아날로그 신디사이저와 디지털 신디사이저의 하이브리드로 본체에 소프트웨어 구성 요소가 들어 있습니다. 그중 가장 유명한 것은 Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver입니다.

디지털 신디사이저에는 디지털 신디사이저 자체와 가상 신디사이저 플러그인/독립형 및 대화형 신디사이저와 같은 변형이 포함됩니다. 다양한 유형의 합성을 구현합니다. 원본 파형 생성 및 재생, 필터, 엔벨로프 등으로 사운드 수정 하나의 중앙 프로세서와 여러 개의 보조 프로세서를 기반으로 하는 디지털 장치가 사용됩니다.

사실 디지털 신디사이저는 고도로 전문화된 컴퓨터입니다. 최신 디지털 신디사이저(Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros)의 최신 모델은 개인용 컴퓨터와 마찬가지로 운영 체제를 업데이트하고 페이지 메뉴, 내장 도움말 파일, 화면 보호기 등을 포함할 수 있습니다.

버추얼 신디사이저는 디지털 신디사이저의 하위 집합이지만 특별한 종류의 소프트웨어입니다. 소리를 내기 위해서는 개인용 컴퓨터의 중앙처리장치와 RAM을 사용하고, 소리를 재생장치로 출력하기 위해서는 PC사운드카드를 사용한다.

버추얼 신디사이저는 호스트 프로그램 내부에서 실행되도록 설계된 특정 형식(VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA 등)의 독립 실행형 소프트웨어 제품 및 플러그인일 수 있으며, 일반적으로 다중 채널 레코더(Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour 등). 높은 가용성으로 인해 실제 악기 모델(예: Native Pro53 - Prophet 신디사이저 에뮬레이터, Novation V-Station - Novation K-Station 신디사이저 에뮬레이터, Korg Legacy - Korg M1 신디사이저 에뮬레이터, Wavestation)을 포함한 가상 신디사이저의 인기가 높아지고 있습니다. , 폴리식스, MS20 등).

>인터랙티브 또는 홈 신디사이저는 홈 및 살롱 아마추어 음악 제작 및 인터랙티브 음악 교육을 위해 특별히 설계된 다양한 디지털 신디사이저이기도 합니다. 일반적으로 이러한 신디사이저에는 실시간 컨트롤을 포함한 고급 사운드 편집 수단이 없습니다. 다양한 오케스트라 악기의 사실적인 모방과 자동 반주 기능 사용에 중점을 둡니다. 이 경우 연주자는 음악을 연주하기 위해 음성을 프로그래밍하거나 시퀀서에 파트를 녹음할 필요가 없습니다. 멜로디에 대한 기성 음성과 자동 반주에 대한 스타일을 선택하기만 하면 됩니다.

물론 이러한 신디사이저의 제어는 전문 공연 모델보다 훨씬 간단하며 종종 어린이도 접근할 수 있습니다. 이러한 유형의 많은 신디사이저에는 "음표 추측" 또는 "화음 추측"과 같은 교육용 게임, 듣기 및 학습을 위한 기성 음악 컬렉션, 화면에 가사를 표시하는 가라오케 기능 등이 포함됩니다. 이 신디사이저 범주에는 Yamaha PSR, Casio CTK/WK, Roland E/VA/EXR 제품군 등이 포함됩니다.

사운드 합성 유형:

음파를 생성하는 방법과 그 변형에 따라 소리 합성은 다음과 같이 분류할 수 있습니다.

주파수와 진폭이 다른 단순(일반적으로 정현파) 모양의 여러 파동의 중첩(중첩) 원리를 사용하는 합산(가산) 합성. 전기 기관과 유사하게 이러한 파동을 성구라고 하며 16'(취한 것보다 한 옥타브 낮은 음), 8'(초기 음), 4'(취한 것보다 한 옥타브 높은 음) 등으로 표시됩니다. (그림은 해당 오르간 레지스터의 파이프 길이(피트)입니다.) 순수한 형태로 전자 오르간(Hammond, Farfisa)과 디지털 에뮬레이터(Korg CX-3, Roland VK-8 등)에서 찾아볼 수 있습니다. 악기의 소리가 풍부할수록 구성에 더 많은 레지스터가 사용됩니다.

원본 임의 파형이 다양한 필터, 엔벨로프 생성기, 효과 프로세서 등을 통과할 때 음색이 변경되는 감산(감산) 합성 하위 집합으로서 이러한 유형의 합성은 거의 모든 최신 신디사이저 모델에서 널리 사용됩니다.

간단한 형태의 여러 파동의 상호 작용(주파수 변조 및 합산)이 발생하는 연산자(FM, 영어 주파수 변조) 합성. 각 파동은 특성과 함께 연산자라고 하며, 연산자의 특정 구성이 알고리즘을 구성합니다. 신디사이저 설계에 사용되는 오퍼레이터가 많을수록 악기의 사운드가 더욱 풍부해집니다. 예를 들어 오늘날까지도 여전히 인기 있는 Yamaha DX-7 신디사이저(1984)에는 36개의 서로 다른 알고리즘으로 구성된 6개의 오퍼레이터가 있습니다.

강력한 프로세서의 사용으로 인해 실제 물리적 프로세스가 한 유형 또는 다른 악기에서 시뮬레이션되는 물리적 합성. 예를 들어, 플루트와 같은 바람 휘파람 악기의 경우 매개변수는 파이프의 길이, 프로필 및 직경, 공기 유량, 본체 재질입니다. 현악기의 경우 - 본체 크기, 재질, 현 길이 및 장력 등 물리적 합성은 Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion 등과 같은 악기에서 사용됩니다.

Wavetable(PCM) 합성, 이전에 악기의 메모리에 녹음된 실제 악기(샘플 및 멀티샘플)의 사운드 조각을 재생하여 사운드를 생성합니다. 이 그룹에서 가장 유명한 신디사이저는 세계에서 가장 비싼 신디사이저로도 알려진 Waldorf Wave입니다.

예를 들어 "합산 + 빼기", "파동 + 빼기", "연산자 + 빼기" 등과 같이 서로 다른 사운드 합성 방법의 하나 또는 다른 조합을 사용하는 하이브리드 합성 대부분의 최신 악기는 가장 넓은 범위에서 음색을 변화시키는 매우 강력한 도구를 가지고 있기 때문에 하이브리드 합성을 기반으로 만들어집니다.

최신 신디사이저 제어:

현대의 전문 신디사이저 제어는 사운드의 특정 측면을 담당하는 수백 또는 수천 개의 다양한 매개변수 제어와 관련된 복잡한 프로세스입니다. 일부 매개변수는 회전 노브, 휠, 페달, 버튼을 사용하여 실시간으로 제어할 수 있습니다. 다른 매개변수는 특정 특성의 시간에 대해 사전 프로그래밍된 변경에 사용됩니다. 이와 관련하여 디지털 신디사이저의 음색(패치)은 종종 프로그램이라고도 합니다.

키보드 및 동적 추적은 키 입력의 위치와 속도를 추적하는 데 사용됩니다. 예를 들어 낮은 건반에서 높은 건반으로 이동할 때 음색이 첼로에서 플루트로 부드럽게 바뀔 수 있으며, 건반을 더 세게 누르면 팀파니가 전체 사운드에 추가됩니다.

엔벨로프는 사운드의 특정 매개변수를 비주기적으로 변경하는 데 사용됩니다. 일반적으로 엔벨로프 그래프는 어택(Attack), 디케이(Decay), 서포트(Sustain) 및 디케이(Release)로 구성된 파선이지만(ADSR 엔벨로프 참조) 다양한 신디사이저 모델에서 더 간단하게 발견됩니다( ADR )뿐만 아니라 더 복잡한 다단계 봉투. 엔벨로프의 총 수는 신디사이저의 중요한 특성입니다.

필터는 전체 신호 스펙트럼에서 특정 주파수 대역을 잘라내는 데 사용됩니다. 종종 필터에는 공진도 장착되어 차단 경계에서 주파수 대역을 급격히 증가시킬 수 있습니다. 실시간 제어, 키보드 트래킹 및/또는 엔벨로프를 사용하여 필터 특성을 변경하면 매우 다양한 사운드 옵션을 얻을 수 있습니다. 총 필터 수는 신디사이저의 중요한 특성입니다.

링 변조기를 사용하면 원래 신호를 특정(고정 또는 부동) 주파수를 가진 다른 신호로 변조할 수 있으므로 고조파가 크게 강화됩니다. "Ring"(eng. "call")이라는 이름은 이 노드가 종종 악기의 "종과 같은" 소리를 얻는 데 사용된다는 사실 때문입니다.

Low Frequency Oscillator는 피치, 볼륨, 필터 차단 주파수 등과 같은 사운드의 특정 매개변수를 주기적으로 변경하는 데 사용됩니다. 볼륨이 주기적으로 변경되는 경우 트레몰로 효과가 생성되고, 피치가 변경되면 비브라토 효과가 생성되며, 필터 차단 주파수가 주기적으로 변경되는 것을 "와와" 효과라고 합니다.

효과 처리는 사운드를 마무리하는 데 사용됩니다. 최신 신디사이저에는 일반적으로 상당히 많은 수의 효과 프로세서가 장착되어 있습니다(예: Korg Karma - 8 프로세서, Roland Fantom - 6 프로세서 등). 프로세서는 서로 독립적으로 작동하지만 원하는 경우 직렬 회로로 결합할 수 있습니다. 최신 효과 프로세서는 많은 수의 공간(리버브, 지연, 에코), 변조(플랜지, 코러스, 페이저) 및 기타(오버앰프, 주파수 편이, 고조파 농축) 효과 알고리즘을 구현합니다.

가장 진보된 모델에는 실시간 컨트롤, 엔벌로프, LFO 등에서 효과 매개변수를 제어하는 수단이 있습니다.

현대 피아노의 역학은 17세기 말(공식적인 날짜는 약 1709년) 이탈리아 거장 크리스토포리에 의해 발명되었으며, 그의 디자인에서 망치는 현 아래에 있었습니다. 이 악기는 그라비쳄발로 콜 피아노 에 포르테(gravicembalo col piano e forte, - 피아노포르테)라고 불렸고 나중에 피아노의 이름이 고정되었습니다.

Cristofori의 발명은 영국 시스템의 역학 개발의 시작을 알렸습니다. 다른 유형의 역학은 프랑스의 Marius(1716)와 독일의 Schroeter(1717-21)에 의해 개발되었습니다. 세바스찬 에라르(Sebastian Erard)는 이중 리허설 메커니즘을 발명했는데, 이는 키를 반쯤에서 다시 빠르게 눌러 사운드를 추출할 수 있도록 했습니다. 영어 시스템의 역학에서 이러한 반복은 키를 완전히 올린 경우에만 가능했습니다.

러시아에서 피아노 사업은 주로 상트페테르부르크와 관련이 있었습니다. 18세기에만 50명이 넘는 피아노 대가들이 그곳에서 일했습니다. 19세기 전반에 피아노 공장 생산의 발전은 러시아 최초의 피아노 제조업체, 황실 공급업체, 영국 마스터 G. Faverier, 독일 마스터 I.-A. Tischner, K.-I. Wirth, A.-H. Schroeder, I.-F. Schroeder 및 1840년부터 벨기에 G.-G. Lichtental. 현재까지 1917년 혁명 이전에 러시아에서 일했던 600명 이상의 피아노 마스터의 이름이 알려져 있으며, 문헌학 후보자인 상트페테르부르크 음악원의 피아노 마스터인 Sergeev M. V.가 이 연구에 참여하고 있습니다.
19 세기 중반에 J. Blutner, K. Bechstein의 공장이 독일, 미국에 문을 열었습니다. Steinway and Sons는 수년 동안 동등하지 않았습니다.
20세기에는 근본적으로 새로운 악기인 전자 피아노와 신디사이저, 그리고 특별한 형태의 음향 제작인 준비된 피아노가 등장했습니다.

피아노를 위해 특별히 작곡된 첫 번째 음악은 1732년에 등장했습니다(Lodovico Giustini의 소나타). 그러나 작곡가들은 하이든과 모차르트 시대인 40~50년 후 집단적으로 하프시코드보다는 피아노에 집중하기 시작했습니다.

피아노는 그랜드 피아노(가로 현이 있는 악기)와 업라이트 피아노로 나뉩니다. 알려진 최초의 수직 피아노는 K.-E. Friederici(독일 게라)가 1745년에 만든 것으로 알려져 있습니다. 1748년에 그러한 G. Silbermann도 같은 악기를 만들었습니다. 수직 피아노의 종류 - 피라미드형, 피아노 거문고, 피아노 국, 피아노 하프 등 19세기 중반부터 피아노와 그랜드 피아노만 생산되었습니다.

피아노의 소리는 망치로 현을 두드려 소리를 냅니다. 현은 공진 데크에 접착된 고음 및 저음 페그를 통과하는 핀(페그)의 도움으로 주철 프레임에 늘어납니다(피아노에서 데크는 그랜드 피아노에서 수직 위치에 있습니다. 수직적 지위). 각 소리에는 현의 합창단이 있습니다. 중간 및 고음에는 3개, 저음에는 2개 또는 1개가 있습니다. 대부분의 피아노의 범위는 A 서브컨트록타브에서 5번째 옥타브까지 88반음입니다(오래된 악기는 위에서 4번째 옥타브의 A 음표로 제한될 수 있습니다. 더 넓은 범위의 악기를 찾을 수 있습니다). 중립 위치에서 마지막 1.5옥타브에서 2옥타브를 제외한 현은 댐퍼(머플러)와 접촉합니다. 건반을 누르면 피아노 역학이라고 하는 레버, 스트랩 및 해머 장치가 활성화됩니다. 누른 후 댐퍼는 현이 자유롭게 소리를 낼 수 있도록 해당 현 합창단을 떠나고 펠트 (펠트)로 덮힌 해머가 현을칩니다.
피아노 페달
현대 피아노에는 페달이 2개 또는 3개(최신 모델에는 4개 있음)가 있습니다. 이전 악기에서는 접을 수 있는 레버가 피아니스트가 무릎으로 눌러야 하는 같은 목적으로 사용되었습니다.
오른쪽 페달(가장 자주 사용되기 때문에 간단히 "페달"이라고도 함)은 모든 댐퍼를 한 번에 올리므로 건반에서 손을 떼면 해당 현이 계속 소리를 냅니다. 또한 악기의 다른 모든 현도 진동하기 시작하여 2차 음원이 됩니다. 오른쪽 페달은 기술적인 어려움으로 인해 손가락으로 연주할 수 없는 추출된 사운드의 시퀀스를 분리할 수 없게 만드는 것(레가토 연주)과 새로운 배음으로 사운드를 풍부하게 하는 두 가지 목적으로 사용됩니다. 페달을 사용하는 방법에는 두 가지가 있습니다. 다이렉트 페달 - 키를 누르기 전에 페달을 밟아 홀드 상태를 유지하고, 지연 페달은 키를 누른 직후와 발을 떼기 직전에 페달을 밟는 것입니다. 악보에서 이 페달은 문자 P(또는 약어 Ped.)로 표시되며 제거는 별표로 표시됩니다. 낭만주의와 인상주의 시대의 작곡가들의 음악에서 이러한 지정은 일반적으로 사운드에 특별한 풍미를 부여하기 위해 종종 발견됩니다.
왼쪽 페달은 사운드를 감쇠시키는 데 사용됩니다. 그랜드 피아노에서는 해머를 오른쪽으로 이동하여 합창단의 현 3개 대신 현 2개만 칩니다(예전에는 때로는 하나만 쳤습니다). 피아노에서는 해머가 현에 더 가깝게 움직입니다. 이 페달은 훨씬 덜 자주 사용됩니다. 악보에서는 una corda로 표시되고 제거되면 tre corde 또는 tutte le corde로 표시됩니다. 소리를 감쇠시키는 것 외에도 피아노를 연주할 때 왼쪽 페달을 사용하면 소리를 부드럽게 하고 풀린 합창 현의 진동으로 인해 더 따뜻하고 아름답게 만들 수 있습니다.
중간(또는 역사적으로 마지막에 추가된 세 번째) 페달 또는 소스테누토 페달은 댐퍼를 선택적으로 올리는 역할을 합니다. 중간 페달을 밟으면 건반을 눌렀을 때 올라간 댐퍼가 페달을 뺄 때까지 올라간 상태를 유지합니다. 오른쪽 페달과 마찬가지로 레가토 연주에 사용할 수 있지만 다른 현의 진동으로 소리를 풍부하게 만들지는 못합니다. 이 페달은 오늘날 대부분의 피아노에는 없고 대부분의 그랜드 피아노에 있습니다. 중간 페달이 왼쪽으로 "미끄러져" 고정되는 피아노가 있으며, 해머와 현 사이에 특수 천이 배치되어 소리가 매우 조용해져 음악가가 연주할 수 있습니다. 밤에.
피아노는 솔로 악기로 사용하거나 오케스트라와 함께 사용할 수 있습니다(예: 오케스트라와 함께하는 피아노 협주곡). 피아노 연주는 좋은 기술, 관심 및 헌신이 필요한 활동입니다. 에서 교육을 시작하는 것이 좋습니다. 어린 시절. 러시아의 어린이 음악 학교(DMSH)에서 훈련은 프로그램에 따라 5년 또는 7년이 걸리며 일부 학생들은 음악 학교에 입학하기 전에 졸업 후 추가로 1년 또는 2년을 더 머물게 됩니다. 음악 학교 또는 이와 동등한 교육을 마친 후 음악 학교 또는 대학에서 공부를 계속한 다음 음악원, 대학에서 전문 피아니스트가 될 수 있습니다. 음악 학교에서 일반 피아노는 거의 모든 전공의 필수 과목이기도 합니다. 20세기의 뛰어난 피아니스트 - Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould 등.
피아노는 시간이 지남에 따라 악기 현의 장력이 약해지기 때문에 올바른 유지 관리와 정기적인 조율이 필요합니다. 튜닝 빈도는 기기의 등급, 제조 품질, 연식, 유지 보수 및 작동 조건에 따라 다릅니다. 일반적으로 튜닝은 연주자가 직접 수행하는 것이 아니라 피아노 마스터 튜너 전문가가 수행하지만 이론적으로는 전자 튜너가 있고 각 현의 정확한 주파수 특성을 알고 있으면 누구나 할 수 있습니다. 그가 음악적 귀가 없더라도 튜닝.
Delphic Games의 후보 중 하나입니다.