집 › 전기 장비 › 민속 악기 앙상블을 만들고 함께 작업하십시오. 방법 론적 개발 "추가 기관에서 혼합 연령의 앙상블 (뽑아 내고 갈대 민속 악기, 보컬, 활 악기)을 사용하는 교사-음악가 작업의 특성

민속 악기 앙상블을 만들고 함께 작업하십시오. 방법 론적 개발 "추가 기관에서 혼합 연령의 앙상블 (뽑아 내고 갈대 민속 악기, 보컬, 활 악기)을 사용하는 교사-음악가 작업의 특성

레퍼토리가 기본 창의적인 활동어느 예술 그룹. 러시아 앙상블을 위한 견고한 고품질 레퍼토리 민속 악기참가자들의 공연 및 예술 능력의 성장을 자극함과 동시에 대중의 예술적 취향 개발에 기여합니다.

흥미로운 내용과 형식의 완성도, 진정으로 관객을 사로잡을 수 있는 독창적이고 다양한 표현 방식과 연주자의 예술적 재능을 드러낼 수 있는 예술적 가치가 있는 작품을 엄선할 필요가 있다.

레퍼토리 구성에서 가장 중요한 것은 앙상블 멤버의 선택과 연주 기술 수준입니다. 단순하거나 예술적으로 설득력이 없는 곡을 연주하는 것으로 오늘날의 청취자를 사로잡는 것은 어렵습니다. 진정한 미적 만족을 주는 밝고 기억에 남는 감성적인 작품이 필요합니다.

러시아 민속 악기 앙상블의 레퍼토리를 선택할 때 교육 작업뿐만 아니라 작업의 궁극적 인 목표 인 콘서트 공연도 고려해야합니다. 예술적으로 본격적인 크리에이티브 팀은 다양한 장르와 스타일의 작업을 수행해야 합니다.

콘서트 공연의 레퍼토리는 준비성, 음악적 인식 수준, 대중의 취향을 고려하여 선택되고 편곡되어야 한다. 앙상블에게 맡겨진 위대한 교육 사명은 대중화와 관련이 있습니다. 최고의 작품가장 넓은 범위의 청취자에게. 성공적인 콘서트를 위해서는 솔로 가수의 공연과 함께 인식하기 어려운 작품을 더 인기있는 작품, 기악과 결합해야합니다.

콘서트 프로그램을 작성할 때 리더는 콘서트 방향도 고려해야합니다 (강연회, 콘서트 "점심 시간", 홀리데이 콘서트등) 및 장소(대형공연장, 동호회무대, 야영장 등)

안에 콘서트 프로그램숫자의 순서가 중요합니다. 프로그래밍 원칙 중 하나:

더 재미있는 숫자로 진지한 숫자를 번갈아 가며 사용합니다.

청중에게 가장 큰 성공을 거둔 숫자는 프로그램이 끝날 무렵에 연주되어야 합니다.

대조, detente 및 전환, 장르 다양성이 필요합니다.

악기 연주자의 주요 임무.

잘 만들어진 악기 편성은 성공적인 앙상블 연주를 위한 결정적인 요소 중 하나입니다. 작품의 성격에 따라 질감, 템포, 다이나믹스 등 악기 연주자는 기능 분할을 수행하고 악기의 특정 품질, 각 악기를 연주하는 방식에 따라 자료를 제시해야 합니다.

그러기 위해서는 앙상블을 구성하는 악기들의 구조와 음역대만 아는 것만으로는 부족하다. 사운드의 음색, 다이내믹, 스트로크 특성을 더 잘 표현하려면 이러한 악기를 연주하는 데 충분한 기술이 있어야 합니다.

실제 악기 연주자는 팀과 장기간 작업하는 동안에만 앙상블을 "듣기" 시작합니다. 영구적인 구성을 위한 악기 연주를 하면서 그는 악기 관계에 대한 모든 가능한 옵션을 상상하기 시작합니다. 적어도 하나의 악기 구성이 변경되면(한 악기를 다른 악기로 추가 또는 교체) 기능 분포가 달라지고 앙상블 전체의 소리가 달라집니다.

악기 연주자는 앙상블에서 악기의 기능이 오케스트라에서 전통적으로 사용되는 악기와 다르다는 점을 항상 염두에 두어야 합니다. 우선, 그들은 더욱 확장됩니다. 각 악기는 새로운 음악적 상황에 따라 솔로 및 반주 기능을 모두 수행할 수 있습니다.

또한 차이점은 일반적으로 솔로 연습에서 사용되는 다양한 연주 기술을 사용하여 각 악기의 표현 가능성을보다 완벽하게 사용한다는 것입니다.

악기 연주자는 앙상블을 위해 오케스트라 악보를 다시 악기로 연주할 때 매우 주의해야 합니다. 이 경우 악보에 모든 보이스를 완전히 넣을 필요는 없습니다. 주요 요소를 강조하는 것으로 충분합니다 : 멜로디, 고조파 반주,베이스 및 주인공을 결정하는 음악 구조의 기타 요소, 그리고이를 바탕으로 앙상블에서 얼굴을 잃지 않는 작품의 도구를 만듭니다. 하지만 재고로 인해 새로운 자질을 얻게 될 것입니다.

툴메이커, 제외 일반적인 문제, 혼합 구성을 위한 악기의 기능에 정통해야 합니다.

혼합 앙상블은 음원, 음향 제작 방법 및 음향 환경이 다른 악기를 사용하는 앙상블입니다.

혼합 앙상블의 각 악기는 고유의 자연스러운 소리와 음질(음색, 역학 및 스트로크 팔레트)과 관련된 다양한 표현 수단을 갖습니다.

음색은 가장 인상적인 표현 수단입니다. 앙상블의 얼굴, 독특한 특징을 결정하는 것은 음색의 착색입니다. 게임 혼합 앙상블음악 구조의 풍부함과 다양한 색상, 소리의 음영, 다양한 질감 조합의 음색 병치 등으로 구별됩니다.

현악기의 경우 각 현의 음색이 다른 테시투라(사운드 특징 특정 지역문자열); 음색의 변화는 나일론, 가죽, 플라스틱 등 피크가 만들어지는 재료의 품질과 이러한 악기를 연주하기 위한 다양한 연주 기법.

바얀의 경우 다른 테시투라의 자연스러운 음색, 오른손과 왼손으로 연주할 때의 소리 비율(스테레오 음향 효과), 레지스터 스위치를 켤 때 음색 변경, 뉘앙스 및 물론 사용 다양한 연주 기술의

순수한 음색은 상당히 단순한 반주와 함께 멜로디 또는 멜로디 시퀀스를 독주할 때 사용됩니다.

혼합 음색은 서로 다른 악기의 "순수한" 음색의 조합으로 형성됩니다.

그들은 많은 조합을 가지고 있습니다. 가장 일반적인 것은 다음과 같습니다.

복제는 서로 다른 악기를 결합하여 질적으로 다른 음색을 만드는 것입니다. 멜로디를 제창 또는 옥타브로 연주할 때.

수직 - 화음 음색의 고조파 채우기.

또한 악기의 예술을 아는 음악가가 잘 느끼고 적용하는 더 미묘한 음색의 그라데이션이 있습니다. 이것은 한 악기의 음색이 다른 악기의 음색에 미치는 영향으로, 텍스처 기술, 등록 방법, 스트로크 통일성 등을 통해 음색 비호환성을 극복합니다.

다이나믹과 스트로크 측면에서 악기의 비율은 음색 관계와 밀접한 관련이 있습니다. 서로 분리하는 것조차 어렵습니다. 그것들의 통일성으로 소리의 특성을 형성하기 때문입니다.

앙상블의 역동성은 솔로 연주의 역동성보다 항상 더 넓고 풍부합니다. 이 점에서 가장 완벽한 악기라 할지라도 버튼 아코디언은 다른 악기와 결합될 때 추가적인 힘과 다양한 소리를 받습니다. 그러나 한 악기의 역동적인 가능성은 오케스트라 밴드의 가능성과 비교할 수 없습니다. 역동적 인 학교, 앙상블 사운드의 풍부함과 밀도는 오케스트라보다 열등하므로 악기의 동적 균형, 앙상블의 시끄러운 리소스의 매우 정확하고 신중하고 경제적 인 사용이 특별한 의미를 갖습니다.

각 부분의 하나 또는 다른 뉘앙스의 성능은 악기의 품질, 악기의 특성 및 다른 부분의 소리의 테시 투라와 함께 악기 앙상블과 불가분의 관계가 있지만 개별 의미 론적 의미는 말할 것도 없습니다. 전체 작업의 전반적인 음악적 발전에서 목소리와 그 기능.

당사자가 동등할 때 정신적으로 동적인 균형을 이루기 위해 악기 연주자는 앙상블의 동적으로 약한 악기에 집중해야 합니다. 타악기가 있는 러시아 민속 악기 5중주와 같은 혼합 구성에서는 돔라 알토, 로조 더블 베이스(보통 멜로딕 라인이 트레몰로의 더블 베이스에서 실행되는 폴리포닉 창고의 에피소드에서)입니다.

앙상블 공연에서는 기존의 모든 유형의 역학이 사용됩니다.

지속 가능한

점진적

밟은

대조

다양한 스트로크는 앙상블 성능의 두 가지 큰 스트로크 그룹으로 조건부로 나눌 수 있습니다. 유사 - "동등한 스트로크"및 "복잡한"-동시에 서로 다른 스트로크의 조합.

각 악구의 가장 표현력 있는 연주에 대한 열망은 음악적 이미지를 위한 가장 자연스러운 획의 선택으로 이어집니다. 이 경우 뮤지컬 패브릭이 필요한 경우 다른 악기하나의 소리로 병합, 점선 모순, 매끄럽게 처리해야 단일 소리 결과로 가져옵니다. 따라서 "동등한 스트로크"는 이 그룹에서 스트로크가 다를 수 있지만 사운드 결과는 동일해야 하기 때문에 가장 큰 어려움을 나타냅니다.

획 소리에 대한 통일된 이해와 구성의 기초에는 무엇이 있습니까? 우선, 사운드의 형태와 개발의 주요 단계: 공격, 리드, 제거 및 연결.

소리 공격.이 사운드 단계에서 현을 연주하는 다양한 기술은 현에서-핀치, 스윙에서-현에서 타격 및 트레몰로의 세 가지 주요 사운드 추출 방법으로 축소 될 수 있습니다.

문자열과 버튼 아코디언에 대한 적절한 사운드 어택 방법은 다음과 같습니다.

소프트 공격. 문자열의 문자열 트레몰로, 버튼 아코디언 - 탄성 공기 공급 및 키보드 동시 누르기.

견고한 공격. 문자열의 경우-아코디언 핀치-모피 챔버의 모피로 예비 압력을 가하고 키를 누릅니다.

강한 공격. 문자열의 경우-타격, 아코디언의 경우-모피 챔버의 모피와 키 입력으로 예비 압력.

사운드 리딩 단계에서 현에는 두 가지 유형의 사운드가 있습니다. 페이딩 - 뽑거나 두드린 후, 스트레칭 - 떨림으로 인해 발생합니다. 버튼 아코디언에서 첫 번째 유형은 모피 챔버의 압력 감소와 관련하여 감쇠됩니다. 아코디언 연주자는 현의 감쇠 특성과 속도에 적응합니다. 두 번째 형식에서는 현악기와 버튼 아코디언 모두에 대해 이 사운드 추출 단계에서 사운드의 모든 변경이 가능합니다. 여기서 특징적인 어려움 중 하나는 현악기 소리의 강도를 병합하는 것입니다(강도를 트레몰로 주파수와 혼동하지 마십시오).

소리를 제거합니다.사운드 개발의 이전 단계도 고려해야하기 때문에 사운드 단계는 조정 측면에서 가장 어렵습니다. 그래서 트레몰로나 비브라토에서 이 소리를 이어가지 않고 핀치와 타격으로 공격할 때 왼손의 손가락을 떼면 현의 소리가 끊긴다. 버튼 아코디언에서는 제거되는 소리의 특성에 따라 손가락을 떼고 털의 반응으로 소리를 차단하는 것이 적절할 것입니다. 트레몰로 현의 소리를 공격하고 이끌 때 버튼 아코디언에서 가장 정확한 소리 픽업은 벨로우즈의 동시 정지와 손가락 제거 때문입니다.

소리의 연결.인토네이션 과정에서 음악적 표현에 중요한 역할을 합니다.

음악의 특성에 따라 소리의 연결이 명확하게 구분되고 부드러우며 거의 감지할 수 없습니다. 한 소리의 끝과 다른 소리의 시작 및 그 관계에 대한 정확한 이해는 악기 연주자가 억양의 품질을 보다 의식적으로 프로그래밍하는 데 도움이 되며, 그 중 일부는 다양한 악기의 조음 기술 구성입니다.

각 악기의 특정 기능, 가장 유리한 품질, 악기와 악보 사이의 의도된 관계에 대한 표현 및 청각의 정확하고 완전한 사용. 앙상블의 밝고 다채로운 사운드 생성에 기여합니다.

기술 작업

앙상블 공연

앙상블 리허설 작업의 주요 목표는 공연 중인 작품의 예술적 이미지를 만드는 것입니다. 리허설 작업 과정에서 참가자는 연주되는 음악의 본질에 점점 더 깊이 침투하여 새로운 측면을 드러내고 아이디어를 가장 완벽하고 설득력있게 사운드로 구현할 수 있는 연주 수단을 찾으려고 노력합니다. 음악의 본질과 비 유적 영역.

이 작업은 일반적인 음악 및 특정 앙상블 표현 수단의 식별과 앙상블 연주 기술 형성에 대해 수행됩니다.

다음과 같은 필수 앙상블 연주 기술 개발에 대해 살펴보겠습니다.

앙상블에서의 멜로디 및 반주 연주;

동기식 시간(템포, 미터법, 리듬) 일치의 느낌;

부분을 음색으로 강조하고 동적으로 강조하거나 반대로 전체 사운드에 녹이는 기능;

앙상블 전체의 모든 부분과 자신의 부분을 듣는 관심의 분산.

앙상블의 구성원은 예술적 문제에 대한 동일한 이해와 해결책에 즉시 도달하지 않습니다. 이 화해에서 주역은 앙상블의 머리에 속합니다. 앙상블에서 리더의 역할을 맡을 수 있는 교육받은 음악가이자 훌륭한 연주자라는 것만으로는 충분하지 않습니다. 그는 악기의 모든 복잡성을 이해해야 하며, 이 구성을 위해 각 악기의 표현적 특징과 그 조합, 게임의 개별 연주 기능 및 각 참가자의 창의적인 열망, 교육적 성향 등을 배워야 합니다.

물론 이 지식은 즉시 오지 않습니다. 오직 지속적인 검색, 이 앙상블 또는 레퍼토리 고유의 특정 수단을 선택하면 리더가 앙상블 사운드를 제대로 들을 수 있습니다.

형성 및 개발 과정에서 앙상블은 여러 단계를 거칩니다. 일반적으로 기본, 보조 및 고급으로 나눌 수 있습니다.

~에 첫 단계앙상블은 동등한 수준의 음악 교육을 받은 개인의 그룹입니다. 음악의 표현적 요소에 대해 잘 선택되고 이해하기 쉬운 논거와 작업의 본질에 대한 생생하고 비유적인 전달을 통해 리더는 자신의 수행 의도를 구현합니다.

그러나 참가자들은 여전히 리더의 요구 사항을 항상 정확하게 이해하지 못하고 앙상블에서 서로를 충분히 느끼지 못합니다.

개발의 다음 단계는 리더가 각자의 개별 능력을 더 명확하게 상상하는 것입니다. 그 요구 사항은 더욱 구체적이고 집중됩니다. 앙상블 멤버들에게는 특히 성공적인 공연 후에 리더의 지시가 이해하기 쉽고 자연스러워집니다.

연주된 작곡에 대한 예술적 이해와 앙상블 연주의 특징에 대한 느낌, 즉 다른 악기에 대한 연주 기술의 세부 사항, 다이나믹 및 음색 기능 등에서 화해 과정이 있습니다.

가장 높은 단계는 앙상블 연주의 이상입니다. 참가자들은 음악적 행동의 발전 법칙, 각 당사자의 기능을 듣는 통합, 음악을 통한 서로 및 대중과의 의사 소통에 대한 공통된 이해를 가지고 있습니다.

리더는 참가자의 예술적 수준 향상을 신뢰하고 지원하며 동시에 모든 사람의 이니셔티브를 지시합니다. 모두에게 앙상블 연주는 친근하고 즐거운 창작 작업입니다.

문학.

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음악 학교 개발 및 미술 학교. 비교 V. 추닌. 모스크바. 1988.

러시아 연방

Novoshakhtinsk 행정부 교육부

추가 교육의 시립 예산 기관

Novoshakhtinsk시의 "아동 및 청소년 개발 센터"

체계적인 개발악장

People 's Branch Dyakonova S.G.

“레퍼토리 구성 문제

러시아인 포크 앙상블 ».

2012년

혼합 앙상블 작업

러시아 민속 악기

러시아 민속 악기 연주 분야의 현대적 추세는 다양한 교육 기관에서 필 하모닉 및 문화 궁전에서 다양한 유형의 앙상블 기능과 함께 앙상블 음악 제작의 집중적 인 개발과 관련이 있습니다. 따라서 민속 악기 부서 및 학부에서 각 앙상블 리더의 목표 교육이 필요합니다. 음악 학교그리고 국내 대학.

그러나 앙상블 연주자의 육성은 교육 실습, 일반적으로 알려진 제한 사항과 관련이 있습니다. 교사는 일반적으로 균질 앙상블을 이끌도록 지시받습니다. 이러한 유형의 구성은 전문 공연에서 널리 사용됩니다. 바얀 트리오 A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, 바얀 듀엣 A. Shalaev-N. Krylov, Ural 바얀 트리오, Kiev Philharmonic 4 중주, Skaz 앙상블 등과 같은 유명한 앙상블을 회상하는 것으로 충분합니다.

의심 할 여지없이 듀엣, 트리오, 바얀 4 중주, 트리오, 돔라 4 중주 및 5 중주, 발랄라이카 유니슨 등과 같은 동종 앙상블로 작업하는 것이 매우 중요합니다. 그럼에도 불구하고 학교 및 대학 교사의 활동에 대한 설명 된 제한은 실제로 음악 학교 졸업생이 혼합 앙상블을 이끌어야 할 필요성에 직면하는 경우가 많기 때문에 젊은 전문가의 본격적인 교육을 방해합니다. 대부분 후자는 현악기와 버튼 아코디언으로 구성됩니다. 그러한 팀과 함께하는 수업은 교육 과정의 필수적인 부분이 되어야 합니다.

일을 시작하면서 현대 교사는 불가피한 어려움에 직면합니다. 첫째, 심각한 부족 방법론적 문헌러시아 민속 악기의 혼합 앙상블 전용; 둘째, 흥미로운 오리지널 작곡, 필사본, 필사본, 콘서트 연습에 의해 입증되고 고려된 레퍼토리 컬렉션의 수가 제한되어 있습니다. 다양한 수준표시된 작곡의 준비 및 창작 방향. 출판된 방법론적 문헌의 대부분은 학문적 프로필의 실내악 앙상블에 대한 것입니다. 구부러진 악기피아노. 그러한 간행물의 내용은 민속 앙상블 음악 제작의 특성을 고려하여 상당한 조정이 필요합니다.

이 개발은 러시아 민속 악기의 혼합 앙상블 작업의 기본 원칙을 특징으로 합니다. 여기서 전선 실용적인 조언아래 권장 사항은 다른 유형의 혼합 앙상블에 적용됩니다.

이 그룹과 작업하는 과정에서 해결되는 주요 문제는 현악기와 버튼 아코디언의 최적의 음색, 라우드니스 다이내믹 및 스트로크 비율을 결정하는 것입니다(음원의 불일치, 사운드 생성 방법 및 다양한 음향 환경을 기반으로 함).

음색악기는 혼성 앙상블의 무기고에서 가장 눈에 띄는 표현 수단 중 하나입니다. 연주 과정에서 발생하는 다양한 음색 관계에서 악기의 자율적 특성(순수 음색)과 함께 소리를 낼 때 발생하는 조합(혼합 음색)을 구분할 수 있습니다. 순수한 음색은 일반적으로 악기 중 하나에 멜로디 솔로가 지정될 때 사용됩니다.

모든 악기의 소리에는 많은 "내부" 음색이 포함되어 있다는 점을 강조해야 합니다. 현악기의 경우 각 현의 음색 "팔레트"를 고려해야 합니다. 이 음색은 테시투라(현의 특정 부분의 사운드 특징을 의미함), 다양한 접촉점에서 음색 간의 불일치, 현(곡괭이 또는 손가락), 곡괭이를 만드는 재료(카프론, 가죽, 플라스틱 등)의 특성 및 다양한 연주 기술의 해당 잠재력. 버튼 아코디언에는 음색의 테시 투라 이질성, 오른쪽 및 왼쪽 키보드의 상관 관계, 모피 챔버의 특정 수준의 압력 및 밸브를 여는 다양한 방법 및 큰 변화에 따른 음색 변화가 있습니다.

현악기 중 하나(앙상블 멤버)의 음색을 강조하려면 바로 선택할 수 있는 최신 다중 음색 버튼 아코디언에서 사용할 수 있는 레지스터 조합을 사용하는 것이 좋습니다. 버튼 아코디언과 반주 악기의 음색 융합은 1음성 및 2음성 레지스터에 의해 제공됩니다. 텍스처의 특성에 따라 동일한 바얀 음색을 "강조"하는 것은 현과 함께 필요한 음색 릴리프를 제공하는 모든 다성음 레지스터 조합에 의해 촉진됩니다.

혼합음은 순음의 조합으로 발생하며 다양한 조합을 형성합니다.

악기의 라우드 다이내믹 및 스트로크 특성은 음색과 밀접한 관련이 있습니다. 앙상블 음악 연주에서는 라우드니스-다이내믹 밸런스합리적이고 예술적으로 정당한 적절한 자원의 사용에 의해 조절됩니다. 각 부분의 시끄러운 "릴리프"는 앙상블의 구성, 다른 부분의 악기 및 테시투라의 특징, 특정 작품 전체의 음악적 발전에서 개별 성부의 기능에 따라 결정됩니다. 혼합 앙상블과 관련하여 라우드니스 레벨을 구별하는 기본 원칙은 다음과 같이 공식화할 수 있습니다. 하한은 극도로 조용한 음향 조건에서 고품질 인토네이션이고, 상한은 현악기의 딱딱거리는 소리 없이 음색이 풍부합니다. 즉, 악기의 라우드 다이내믹 기능을 사용할 때 각 악기의 색상이 왜곡되거나 고갈되지 않도록 조치를 취해야 합니다.

스트로크 비율공동 작곡 과정에서 악기는 아마도 앙상블 연주에서 가장 어려운 문제일 것입니다. 이러한 복잡성은 스트로크 기술의 이론적 측면이 충분히 발전하지 못한 것으로 설명됩니다. 끈으로 뽑은및 바얀 방법.

앙상블 연주에 사용되는 수많은 스트로크는 조건부로 "등가"(관련) 및 "복합"(서로 다른 스트로크의 동시 조합)이라는 두 개의 큰 그룹으로 나눌 수 있습니다. 프레젠테이션의 특성이 앙상블의 연속적인 사운드를 의미하는 경우, 뽑아낸 사운드 추출과 버튼 아코디언의 다른 특성으로 인한 규칙적인 불일치가 가능한 한 매끄럽게 처리되어 단일 사운드 "분모"로 축소됩니다. ". 따라서 혼합 앙상블에서 가장 큰 어려움은 "동등한" 스트로크를 실행하는 것입니다.

이러한 스트로크의 집합적 구현에서 주목되는 통일성을 형성하는 데 기여하는 것은 무엇입니까? 우선 공부는 주요 특징들사운드 형성 및 사운드 개발 (공격, 리드, 제거) 및 다음 사운드와의 연결 원리. 특정 악기에 내재된 사운드 추출의 세부 사항에 따라 사운드 바디(현, 금속판) 및 여기 방법(손가락 또는 픽-뽑기, 금속 혀의 공기압 및 특정 키 입력- 버튼 아코디언), 사운드의 각 단계와 관련하여 특정 특성에 불일치가 있습니다.

소리 공격. 소리를 내는 이 단계에서 현은 떨림, 뽑기, 타악기의 세 가지 주요 연주 기술을 사용합니다. 현과 버튼 아코디언 사이의 공격 방법에서 다음과 같은 대응이 발견됩니다.

소프트 어택: 현악기용 트레몰로는 버튼 아코디언의 건반을 동시에 눌러 탄력적인 공기 공급에 적합하다.
견고한 공격: 현의 핀치는 버튼 아코디언에 있는 버튼의 날카로운 압력(누름)으로 벨로우즈 챔버에 압력을 생성하는 벨로우즈의 예비 리드에 해당합니다. 강한 공격: 현을 치는 것은 벨로우즈 챔버의 예압에 해당하고 아코디언의 키를 치는 것과 같습니다.

소리 안내. 이 단계에서 현에는 두 가지 유형의 소리가 있습니다. 페이딩(뜯거나 불어서 공격한 후) 및 늘어남(흔들림을 통해). 버튼 아코디언에서 감소하는 소리는 현에서 소리가 감소하는 특성과 속도에 의해 미리 결정되는 "내림차순" 라우드니스 다이내믹스(모피 챔버의 압력 완화)와 관련됩니다. 현과 버튼 아코디언 모두에서 두 번째 유형의 사운드와 관련하여 모든 라우드니스-다이내믹 변경이 가능합니다.

사운드 픽업- 가장 복잡한 단계(앙상블 조정 측면에서)는 위에서 언급한 단계에 대한 추가 분석이 필요합니다. 따라서 "피킹"리드(트레몰로 또는 비브라토) 없이 핀치나 타격으로 공격할 때 왼손 손가락을 떼면 현의 소리가 중단됩니다(때로는 오른손으로 머플러). 버튼 아코디언에서 표시된 기술은 제거의 특성으로 인해 손가락을 제거한 다음 털을 멈추는 것에 해당합니다. 트레몰로 소리를 어택하고 이끌 때 피크를 멈추고 손가락을 떼는 동시에 현의 제거가 수행됩니다. 버튼 아코디언에서는 벨로우즈를 멈추고 동시에 건반에서 손가락을 떼면 적절한 사운드 결과를 얻을 수 있습니다.

와 함께소리의 조합음악적 표현을 포함하여 억양 과정에서 중요한 역할을 합니다. 음악의 성격에 따라 적용 다양한 방법연결 - 소리의 최대 차별화에서 궁극의 융합까지. 이와 관련하여 앙상블 작업에서 동시성을 달성하는 것이 매우 중요합니다. "모든 연주자에게 가장 작은 지속 시간 (사운드 또는 일시 중지)의 최대 정확도와 일치"입니다. 동시성은 파트너의 템포 및 메트릭 매개변수, 리드미컬한 맥동, 각 사운드의 어택 및 제거에 대한 공통된 이해와 느낌으로 인해 발생합니다. 함께 연주할 때 약간의 동기화 중단은 통일성, 앙상블 통일성의 인상을 파괴합니다. 이런 상황에서 최적의 템포를 선택하는 것은 매우 중요하며, 이는 작품을 작업하는 과정에서 바뀔 수 있습니다. 리허설의 마지막 단계에서 템포 특성은 팀의 능력(기술 장비, 개별 사운드 제작의 특성)에 따라 결정되며 가장 중요한 것은 - 비유적인 형성공장.

앙상블 사운드의 리드미컬한 통일성을 보장하는 것은 모든 참가자 사이에 미터법 지원을 형성함으로써 촉진됩니다. 앙상블에서 해당 기초의 역할은 일반적으로 다른 악기 소리의 배경에 대해 특징적인 음색이 두드러지는 더블베이스 발랄라이카에 할당됩니다. 박자의 강한 박자를 강조함으로써 더블베이스 발랄라이카 연주자는 멜로디의 프레이징에 따라 악장의 전반적인 성격에 적극적인 영향을 미친다.

앙상블 연주에서 동시성을 달성하려면 리듬 맥동의 통일성을 느끼는 것이 중요합니다. 한편으로는 소리에 필요한 질서를 부여하고 다른 한편으로는 작은 길이의 다양한 조합에서 불일치를 피할 수 있습니다. , 특히 주어진 템포에서 벗어날 때. 후자와 수행되는 구성의 비 유적-감정적 구조에 따라 앙상블의 모든 구성원에 대해 동일한 유형의 맥동 단위가 선택됩니다. 일반적으로 기술 학습의 초기 단계에서 복잡한 작업가장 짧은 기간이 맥동 단위로 선택됩니다. 앞으로 속도가 빨라지면 더 커질 것입니다. 동시에 상대적으로 느린 속도로, 물론 적절한 맥동 단위로 돌아가는 것이 좋습니다.

설명으로 F. Mendelssohn의 Scherzo (W. Shakespeare의 코미디 "Dream in의 음악에서 발췌) 다음 예를 들어 보겠습니다. 한여름 밤"). 여기에서 느린 템포의 박동 단위는 16분의 1이 되며, 이는 8분의 1과 16의 정확한 병치에 기여합니다. 안에 빠른 속도유사한 기능이 점이 있는 4분의 1이나 8분의 1에 주어집니다.

또한 "The Tale of 조용한 돈» V. 세메노프:

8분의 1 지속 시간을 맥동의 단위로 삼아 연주자는 두 번째 소절의 점으로 절반을 정확하게 계산할 수 있고 8분의 1 움직임과 프레이즈 끝에서 동시성을 얻을 수 있습니다. 전체 앙상블이 입장하기 전의 휴지기는 맥동의 연속성을 깨고 다음 포메이션의 자신감 있는 동시 시작을 방지합니다. 이 경우 구조에 온다 조건부 제스처. 현악기의 파트는 예비 스윙(현에서 나오는 트레몰로) 없이 어택 기법을 사용하기 때문에 아코디언 연주자는 앙상블 도입부를 보여주어야 합니다. 이전 철수와 두 문구 사이의 휴지기의 존재를 고려하여 그는 다음 구성의 특성에 따라 신체의 약간 눈에 띄는 움직임으로 auftact를 표시합니다.

연주 과정에서 주 템포와의 편차는 드문 일이 아닙니다. 루바토. 이러한 포인트가 필요합니다 힘든 일미래의 템포 변화에 대한 명확한 예지를 바탕으로 음악가의 행동에서 자연스러움과 균일성을 달성하는 것을 목표로 합니다. 이러한 각 편차는 이전 개발과 관련하여 논리적으로 정당화되어야 하며 모든 연주자에게 구속력이 있어야 합니다. 밴드 멤버 중 누군가가 이전에 고정된 가속(감속) 한계에서 벗어나도록 허용한 경우 다른 앙상블 연주자는 템포 맥동의 비동기를 피하기 위해 유사한 조정을 수행해야 합니다.

그러한 상황에서 기존의 수화는 악기 연주자의 도움을 받기도 합니다. 우선, 공사 시작과 끝 순간에 최대한의 행동 일관성을 달성하는 것이 필요합니다. 시각적이고 쉽게 포착되는 제스처는 다음과 같습니다. 아코디언 연주자의 경우 - 몸의 움직임과 벨로우즈의 움직임 중지, 현악기 연주자의 경우 - 오른손 아래로의 움직임(예비 스윙 사용 - "auftact") , 이 에피소드의 특성에 해당) 사운드 시작 시 및 사운드가 제거될 때 위로 이동(유사한 하향 이동은 알려진 어려움이 있는 파트너가 시각적으로 인식하기 때문에 결말의 동기화에 기여하지 않음) .

중요한 전제 조건 성공적인 작업집단은 숙소회원. 동시에 음악가를 위한 편안한 자세, 그들 사이의 시각적 및 청각적 접촉, 그리고 가장 중요한 것은 모든 악기의 자연스러운 사운드 균형(음량-다이내믹 기능 및 이 홀의 음향 특성을 고려하여)이 되어야 합니다. 보장. 가장 적절한 것은 다음과 같은 악기 배치(오른쪽에서 왼쪽으로, 반원형, 청중을 향함): 소형 돔라, 알토 돔라, 버튼 아코디언, 더블 베이스 발랄라이카 및 프리마 발랄라이카입니다. 이러한 성향으로 인해 솔로 악기는 작은 돔라와 프리마 발랄라이카와 같이 청취자에게 가능한 한 가깝습니다. 더블 베이스 발랄라이카와 알토 돔라는 가능한 한 같은 줄에 위치하면서 무대의 깊이로 다소 이동합니다. 라우드니스와 다이내믹스 측면에서 파트너보다 우월한 Bayan은 청중과 더 멀리 떨어져 있습니다.

러시아 민속 악기의 혼합 앙상블에서 악기 연주자의 의도에 따라 하나 또는 다른 기능을 어느 부분에 맡길 수 있습니다. 따라서 각 참가자는 예술적으로 표현되는 앙상블 공연의 주요 구성 요소를 완벽하게 마스터해야 합니다. 다음 구성 요소를 나열해 보겠습니다.

적절한 순간에 주도권을 잡고 이 단계에서 솔리스트로 활동할 수 있는 능력, 그러나 반주와의 연결을 잃지 않고 그 화성, 질감, 리드미컬한 특징, 멜로디와 반주 사이의 음량-동적 그라데이션의 최적 비율을 결정합니다. 필요한 품질또한 리더는 음악적 이미지에 대한 해석적 의도, 깊이 및 유기적 해석으로 파트너에게 영감을 줄 수 있는 능력을 인식해야 합니다.
멜로디를 다른 악기로 "베일"로 전송하는 기술을 소유합니다. 이러한 에피소드에 참여하는 연주자는 최대의 부드러움, 멜로디 음성의 "움직임"의 보이지 않음, 정신적으로 처음부터 끝까지 그것을 억양하고 캐릭터의 통일성, 해당 구성 또는 섹션의 비 유적-감정적 구조를 유지하기 위해 노력해야합니다.
솔로에서 반주로 또는 그 반대로 원활하게 전환하는 기술을 습득합니다. 이러한 상황에서 심각한 문제는 일반적으로 멜로디 조각의 지나치게 성급하고 까다로운 완성 또는 반주의 과장된 "스케일"(리듬 맥동의 실패, 동일한 유형의 뉘앙스 등)으로 인해 발생합니다.
멜로디의 특성에 맞게 반주를 연주하는 능력. 보통 반주는 보컬, 페달, 코드로 나뉩니다. 언더톤은 리드 보이스에서 자라나며 이를 보완하고 음영 처리합니다. 페달은 멜로디의 표현적이고 엠보싱된 사운드의 배경 역할을 하며, 어떤 경우에는 후자를 반주와 연결하고, 다른 경우에는 필요한 풍미를 생성합니다. 화음 반주는 베이스와 함께 조화롭고 리드미컬한 기반 역할을 합니다. 멜로디와 교감하는 반주가 유기적으로 보완해주는 것이 매우 중요한 것 같습니다.

반주를 다성음으로 표현하는 경우 필요한 음량-동적 및 음색 그라데이션을 설정하여 다른 음성과 관련하여 각 음성의 역할과 중요성을 결정하는 것이 좋습니다. 동시에 앙상블 텍스처의 모든 요소의 사운드를 완화하는 것이 필요합니다.

혼합 앙상블을 만들 때 교사는 문제에 직면합니다. 오리지널 레퍼토리의 형성- 앙상블 공연의 메인 중 하나. 후자는 다른 독립적인 유형의 공연 예술과 마찬가지로 "독점적인" 독특한 레퍼토리를 기반으로 해야 합니다. 그러나 현재 작곡가는 특정 그룹을 위해 작곡하는 것을 선호하며 일반적으로 지속적으로 창의적인 접촉을 유지합니다. 다른 작곡의 앙상블은 종종 작가의 의도와 일치하지 않는 편곡으로 만족할 수밖에 없습니다.

이 문제에 대한 해결책은 앙상블의 머리가 차지하는 능동적 창의적 위치의 조건에서 가능합니다. 팀이 직면한 과제에 따라 리더는 다양한 소스를 사용하여 레퍼토리를 선택합니다. 여기에는 출판된 레퍼토리 컬렉션, 학생 악기 작업 및 기타 관련 앙상블의 동료 멤버로부터 받은 원고가 포함됩니다.

이러한 종류의 각 그룹이 계측 분야에서 진정한 창의적 실험실이 되는 것이 매우 바람직합니다. 오케스트라에 비해 악보 생성에서 앙상블 연주까지의 경로가 크게 단축됩니다. 즉석 악기 분석을 통해 즉시 수정하고 최상의 사운드 옵션을 결정할 수 있습니다.

정교하게 제작된 계측기는 당연히 다음 중 하나로 간주됩니다. 중요한 요소앙상블의 성공적인 연주에 기여합니다. 악기 연주자에게 주어진 책임의 부담은 매우 큽니다. 작업의 특성, 주어진 질감, 템포, 음량 역학 및 기타 매개변수에 따라 앙상블 부분의 기능이 분할되고 음악 자료의 표현이 조정됩니다. 특정 기능악기, 연주 스타일, 이 팀 구성원의 기술적 잠재력.

실제 악기 연주자는 특정 악기 구성으로 장기간 작업하는 과정에서만 앙상블 "청각"을 마스터합니다. 반복되는 오디션과 수정을 통해 비교 분석다양한 버전은 청각 경험을 축적하여 악기 조합에 대한 가능한 옵션을 고려할 수 있습니다. 앙상블에서 적어도 하나의 위치를 변경하고 악기를 다른 악기로 추가하거나 교체하면 집단의 전체 사운드에 대한 기능 분배에 대한 다른 태도가 수반됩니다.

악보 작성자는 악기의 앙상블 기능이 오케스트라 기능과 다르다는 점을 고려해야 합니다. 우선 각 부분은 문맥에 따라 선율이나 반주로 사용할 수 있다. 차이점은 일반적으로 솔로 연습에서 사용되는 연주 기술에 의해 촉진되는 악기의 표현 가능성을 더 많이 사용한다는 것입니다.

앙상블을 위해 오케스트라 악보를 재작업하는 것은 종종 재현할 수 없는 많은 수의 목소리로 인해 특정한 어려움을 수반합니다. 챔버 구성. 그런 상황에서 음악적 구조의 주요 요소인 멜로디, 화음 반주, 저음 및 작품의 예술적 이미지를 결정하는 특징적인 세부 사항만이 다시 언급될 수 있습니다. 악기의 특정 표현 능력, 가장 눈에 띄는 품질, 최적의 음색 조합에 대한 명확한 기대를 가장 민감하고 완벽하게 사용하면 앙상블 사운드의 풍부함과 광채를 얻을 수 있습니다.

이러한 악보를 만들 때 오케스트라 악기 그룹(domra, wind, bayans, percussion, balalaikas)을 자동으로 저장하는 것은 정당하지 않은 것 같습니다. 스몰 돔라, 프리마 발랄라이카, 알토 돔라, 버튼 아코디언 및 더블 베이스 발랄라이카와 같은 사운드 범위에 따라 부품의 위치가 더 적절합니다. 종의 차이(작은 돔라, 알토 돔라, 프리마 발랄라이카, 더블 베이스 발랄라이카, 버튼 아코디언)의 원리에 기초한 다른 편곡은 순차적으로 읽히지 않고 읽어야 하는 악보의 디자인 및 인식의 어려움과 관련이 있으며, 그러나 지그재그 방식으로. 솔리스트의 참여가 예상되는 경우 그는 악보의 상단 또는 하단에 지정됩니다.

결론적으로 앙상블의 미래 리더의 보편적 훈련을 언급해야합니다. 그는 교육받은 음악가이자 뛰어난 연주자여야 할 뿐만 아니라 악기의 모든 복잡성을 이해하고 각 악기의 표현적 특징과 합음 소리, 개별 기술 능력 및 팀 구성원의 창의적인 열망을 알고 교육적 기술을 보유해야 합니다. 그것은 끊임없는 탐색과 결합된 보편주의이며, 새로운 것을 위해 노력합니다. 예술적 발견, 국가 민속 앙상블 공연의 추가 진행을위한 전제 조건입니다.

문학

1. Raaben L. 사중주 연주에 대한 질문. M., 1976.
2. Gottlieb A. 앙상블 기법의 기초. M., 1971.
3. Rozanov V. 러시아 민속 기악 앙상블. M., 1972.

악기를 함께 연주하는 것은 아이들에게 음악적 창의성을 교육하고 가르치는 강력한 수단입니다. 앙상블 분야에서 연주, 책임감 개발, 활성화 음악적 능력, 작업에 포함하고 미묘한 신경 활동을 담당하는 정신 메커니즘을 훈련시킵니다.

각 학교에는 집에 악기가 있는 8-10명의 학생을 찾을 수 있습니다. 버튼 아코디언, 아코디언, 아코디언이 될 수 있습니다. 친척, 친구, 이웃에게서 게임 도구를 찾을 수 있습니다. 민속 악기로 어린이 오케스트라를 만든 경험을 통해 항상 충분한 수의 악기가 있다고 말할 수 있습니다. 또한 창고와 다락방에서 버튼 아코디언, 아코디언, 하모니카의 거의 드문 박물관 사본이 나옵니다. 물론 많은 악기는 심각한 수리가 필요하지만 그것은 또 다른 이야기입니다.

그래서 악기를 가지고 있고 연주하는 방법을 배우고 싶어하는 어린이들로부터 악기 앙상블이 만들어집니다.

미래 팀의 최소 구성이 선택된 후 악기가있는 어린이, 가급적이면 부모와 함께 첫 수업에 초대됩니다. 입문 수업에서 리더는 아이들을위한 과제를 설정하고, 교수법을 설명하고, 작업을 위해 팀을 구성하고, 수업의 체계적인 특성, 숙제에 대한 성실한 태도에 중점을 둡니다. 당연히 그러한 팀을 만들려면 모든 것이 계획되고, 칠해지고, 분류되는 견고한 이론적 기반이 필요합니다.

리더가 주제별 계획, 레퍼토리 응용 프로그램이 포함된 오케스트라(앙상블) 프로그램을 가지고 있으면 좋습니다. 이러한 프로그램은 패션에 대한 찬사가 아니라 모든 훈련의 기초입니다. 이 문서의 규정에 따라 교사는 팀의 리허설 및 콘서트 활동을 명확하게 설정하고 구성할 수 있습니다. 첫 번째 수업에서 리더는 앙상블의 일부가 될 악기에 대해 이야기하고 그 능력을 보여줍니다. 물론 리더는 이러한 도구에 능통해야 합니다. 수업 일정을 논의하고 발생한 조직 문제를 해결하면 바로 게임을 진행할 수 있습니다. 첫 번째 수업에서 배워야 할 내용은 다음과 같습니다.

1. 키보드에서 손가락의 올바른 맞춤과 위치.

2. "to"라는 음표의 개별적 및 집합적 추출.

3. 다른 템포와 길이로 메트로놈 아래에서 "do" 음을 재생합니다.

4. 합리성 - 소리를 추출할 때 모피로 작업을 수정합니다.

그리고이 첫 만남을 계속해서 아이들이 "신이 냄비를 태우지 않는다"는 것을 이해하고 버튼 아코디언, 아코디언, 아코디언 연주를 배우는 것이 아주 현실적이라는 것을 이해하게하십시오.

어린이가 악기를 더 완벽하게 숙달하려면 리더가 계획하고 조직해야 합니다. 개인 레슨. 그것들은 단지 행위의 학습에만 국한되어서는 안 됩니다. 여기에서 악기를 사용하는 초보 음악가의 음악 이론, 방법 및 원리의 문제를 이해할 수 있습니다. 여기에는 모든 종류의 발달 운동도 포함됩니다. 뮤지컬 귀그리고 리듬감. 그리고 전제 조건은 개별 세션지루하지 않고 일상적이어야 합니다.

아코디언 앙상블을 구성하면서 "손으로"악기를 연주하는 법을 배우는 당연히 잊혀진 방법을 사용했습니다. 이 방법은 고대에 생산적으로 작동했습니다. 결국, 19세기 말과 20세기 초에 민속 악기를 연주하는 거의 모든 음악가들은 발랄라이카, 돔라스, 아코디언을 교사나 숙련된 음악가의 "손에서" 정확히 연주하는 법을 배웠습니다.

이 기술을 성공적으로 사용 유명한 음악가-포퓰리스트 V. Andreev. 그의 제자들은 빠르고 효율적으로 악기를 마스터하고 집중적인 콘서트 활동을 수행하며 최고의 숙달을 달성했습니다. 당연히 그들은 마지 못해 나중에 음악 이론을 시작해야했습니다. 그러나 시작은 선생님의 게임을 복사하는 것으로 정확하게 이루어졌습니다.

앙상블 멤버들이 선생님의 멜로디, 매너, 악절, 악센트를 매우 빠르게 가로채기 때문에 "손으로" 집단적으로 악기 연주를 배우는 것이 좋습니다. 그리고 말 그대로 2~3교시에서는 제 역할을 아주 자유롭고 안정적으로 연기한다. 이것은 앞으로 나아갈 훌륭한 동기입니다. 결국 그의 수고의 결과는 어린이에게 매우 중요합니다. 그리고이 경우 결과는 분명합니다. 단순한 소리, 단순한 부분에서 결과적으로 넓고 넓고 선율적인 멜로디가 조립되었습니다. 앙상블의 각 구성원은 장군과 자신의 연주를 모두 잘 듣습니다. 이 모든 집중은 어린이의 음악적 능력을 개발합니다.

하지만 어떻습니까 악보? 우리는 그녀에게 돌아갈 것입니다. 그리고 아이들은 버튼 아코디언을 마스터하기 위한 실제적이고 강력한 도구로서 필수품으로 인식할 것입니다. 그리고 앙상블에서 "손으로"연주하면 악보의 "구불 구불 한 부분"에 더 쉽게 대처할 수 있습니다.

따라서 도구가있는 어린이는 서로 약 50cm 떨어진 반원형 의자에 앉습니다. 이 거리는 교사가 각 연주자(앞, 뒤, 옆)에 전방위적으로 접근할 수 있도록 하기 위해 필요합니다. 그리고 많이 움직일 필요가 없습니다.

새로운 작품을 배우기 시작합시다. 앙상블 멤버들은 부분적으로 엄격하게 자리 잡고 있습니다. 교사는 첫 번째 아코디언 연주자 뒤에 서서 배우고 있는 곡의 초기 비트를 보여줍니다. 쇼는 느린 속도로 여러 번 반복됩니다. 학생은 듣고 본 것을 반복하고 주어진 멜로디의 일부를 배웁니다. 이때 교사는 두 번째 학생에게 가서 첫 번째 학생과 유추하여이 세그먼트에서 무엇을 어떻게 연주하는지 보여줍니다 (측정). 앙상블의 모든 구성원에게 (부분적으로) 첫 번째 소절 게임을 보여준 후 리더는 첫 번째 구성원으로 돌아가 배운 내용을 반복하여 실수를 수정합니다. 모든 사람은 미리 하나씩 확인합니다. 그런 다음 앙상블에게 파트를 암기할 시간이 2-3분 주어집니다.

모든 참가자가 작업의 한 소절을 오류없이 배우면 교사는 배운 것을 함께 연주하고 자신이 메인 멜로디와 왼손 부분을 연주합니다.

학습된 작업 조각은 통합을 위해 앙상블에 의해 여러 번 반복됩니다. 이 단계에서 교사는 학생들의 착륙, 모피의 움직임, 손가락의 위치, 당사자의 정확성을 모니터링합니다.

작품이 끝날 때까지 후속 조치와 함께 유사한 작업이 수행됩니다.

보시다시피 복잡한 것은 없습니다. 학교의 모든 음악 교사는 그러한 앙상블이나 오케스트라를 조직할 수 있으며 몇 달 안에 꽤 잘 연주될 것입니다.

행운을 빌어요! 여가 시간에 들으십시오.

러시아 민속 악기 연주 분야의 현대적 추세는 다양한 교육 기관에서 필 하모닉 및 문화 궁전에서 다양한 유형의 앙상블 기능과 함께 앙상블 음악 제작의 집중적 인 개발과 관련이 있습니다. 따라서 국가의 음악 학교 및 대학의 민속 악기 부서 및 학부에서 각 앙상블 리더의 목표 교육이 필요합니다.

그러나 일반적으로 교육 실습에서 앙상블 연주자의 교육에는 특정 제한 사항이 있습니다. 교사는 일반적으로 균질 앙상블을 이끌도록 지시받습니다. 이러한 유형의 구성은 전문 공연에서 널리 사용됩니다. 바얀 트리오 A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, 바얀 듀엣 A. Shalaev-N. Krylov, Ural 바얀 트리오, Kiev Philharmonic 4 중주, Skaz 앙상블 등과 같은 유명한 앙상블을 회상하는 것으로 충분합니다.

작업을 시작하면서 현대 교사는 불가피한 어려움에 직면합니다. 첫째, 러시아 민속 악기의 혼합 앙상블에 대한 방법론 문헌이 급격히 부족합니다. 둘째, 콘서트 연습에 의해 입증된 흥미로운 원본 작곡, 필사본, 필사본을 포함하고 이러한 작곡의 다양한 수준의 교육 및 창의적 방향을 고려한 제한된 수의 레퍼토리 컬렉션이 있습니다. 출판된 방법론적 문헌의 대부분은 구부러진 피아노 악기가 포함된 학문적 프로필의 실내악 앙상블에 관한 것입니다. 그러한 간행물의 내용은 민속 앙상블 음악 제작의 특성을 고려하여 상당한 조정이 필요합니다(예를 들어 참조).

이 기사는 러시아 민속 악기의 혼합 5 중주로 작업하는 기본 원칙을 설명합니다. 동시에 아래에 표현된 많은 실용적인 팁과 권장 사항이 다른 유형의 혼합 앙상블에 적용됩니다.

음색악기는 혼성 앙상블의 무기고에서 가장 눈에 띄는 표현 수단 중 하나입니다. 연주 과정에서 발생하는 다양한 음색 관계에서 악기의 자율적 특성(순수 음색)과 함께 소리를 낼 때 발생하는 조합(혼합 음색)을 구분할 수 있습니다. 깨끗한 음색은 일반적으로 악기 중 하나에 멜로디 솔로가 지정될 때 사용됩니다.