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바이올린은 어디에 있습니까? 현악기: 그룹 설명

현대 교향악단의 필수적인 부분. 아마도 다른 어떤 악기도 아름다움, 소리의 표현력 및 기술적 이동성의 조합을 가지고 있지 않을 것입니다.

오케스트라에서 바이올린은 다양하고 다면적인 기능을 수행한다.예외적 인 선율로 인해 바이올린은 주요 음악적 사고를 이끌 기 위해 선율적인 "노래"에 사용되는 경우가 많습니다. 바이올린의 장엄한 멜로디 가능성은 작곡가들에 의해 오랫동안 발견되었으며 이미 18세기의 고전들 사이에서 이 역할에 확고하게 자리 잡았습니다.

다른 언어로 된 바이올린 이름:

바이올린(이탈리아 사람);
바이올린(프랑스 국민);
바이올린또는 가이게(독일 사람);
바이올린또는 깡깡이(영어).

가장 유명한 바이올린 제작자는 다음과 같은 인물을 포함합니다. 안토니오 스트라디바리, 니콜로 아마티그리고 주세페 과르네리.

바이올린의 기원, 역사

그것은 가지고있다 민속 기원. 바이올린의 조상은 아랍어, 스페인어 피델, 독일어 회사, 형성된 합병 .

바이올린의 형태는 16세기에 확립되었습니다. 이 나이와 초기 XVII수세기 동안 잘 알려진 바이올린 제조업체인 Amati 가족이 있습니다. 그들의 악기는 훌륭한 모양과 우수한 재료입니다. 일반적으로 이탈리아는 바이올린 생산으로 유명했으며 그중 Stradivari 및 Guarneri 바이올린은 현재 높은 평가를 받고 있습니다.

바이올린은 17세기부터 독주 악기였습니다. 바이올린을 위한 첫 작품은 브레시아의 마리니가 작곡한 "Romanesca per violino solo e basso"(1620)와 그의 동시대인 Farin이 작곡한 "Capriccio stravagante"입니다. 설립자 예술적 게임바이올린은 A. Corelli로 간주됩니다. 그런 다음 Bravura 바이올린 연주 기술을 개발 한 Corelli의 학생 인 Torelli, Tartini, Pietro Locatelli (1693-1764)를 따르십시오.

바이올린은 16세기에 현대적인 형태를 갖추었고 17세기에 널리 보급되었습니다.

바이올린 장치

바이올린에는 5도로 조율된 4개의 현이 있습니다. g, d, a, e (작은 옥타브의 소금, 첫 번째 옥타브의 re, la, 두 번째 옥타브의 mi).

바이올린 범위 g(작은 옥타브의 소금)에서 a(네 번째 옥타브의 a) 이상까지.

바이올린 음색저음역은 두껍고 중간음은 부드러우며 고음역은 반짝입니다.

바이올린 본체"허리"를 형성하는 측면에 둥근 노치가있는 타원형입니다. 외부 윤곽과 "허리" 라인의 원형은 특히 높은 음역에서 연주의 편리함을 보장합니다.

상단 및 하단 데크껍질로 서로 연결되어 있습니다. 하단 데크는 단풍나무로 만들어졌으며 상단 데크는 Tyrolean 가문비나무로 만들어졌습니다. 둘 다 "볼트"를 형성하는 볼록한 모양을 가지고 있습니다. 아치의 기하학과 두께는 소리의 강도와 음색을 어느 정도 결정합니다.

바이올린의 음색에 영향을 미치는 또 다른 중요한 요소는 쉘의 높이입니다.

두 개의 공진기 구멍이 상부 데크에 만들어집니다-efs(모양이 비슷함) 라틴 문자에프).

상부 공명판 중앙에는 테일피스에 고정된 현이 통과하는 스탠드가 있습니다. 토막 귀틀현을 고정하는 방향으로 확장되는 흑단 조각입니다. 반대쪽 끝은 좁고 고리 형태의 두꺼운 정맥 끈이 있으며 껍질에있는 버튼에 연결됩니다. 서다악기의 음색에도 영향을 미칩니다. 스탠드를 약간만 이동해도 음색이 크게 변경된다는 것이 실험적으로 입증되었습니다(아래로 이동하면 소리가 약해지고 위로 이동하면 더 날카로운 소리가 납니다).

바이올린 본체 내부의 상부 데크와 하부 데크 사이에는 공명 가문비 나무로 만든 둥근 핀이 삽입됩니다-달링 ( "soul"이라는 단어에서 유래). 이 부분은 상부 데크에서 하부로 진동을 전달하여 공진을 제공합니다.

바이올린 지판- 흑단 또는 플라스틱의 긴 접시. 목의 아래쪽 부분은 소위 목이라고 불리는 둥글고 광택이 나는 막대에 부착됩니다. 또한 휘는 악기 소리의 강도와 음색은 악기를 만드는 재료와 니스의 구성에 따라 크게 영향을 받습니다.

바이올린 연주 기법

현은 왼손의 네 손가락으로 지판에 대고 누릅니다(엄지 제외). 현은 플레이어의 오른손에 활로 이어집니다.

프렛보드에 대고 손가락을 누르면 현이 짧아져 현의 피치가 높아집니다. 손가락으로 누르지 않는 현을 열린 현이라고 하며 0으로 표시합니다.

바이올린 파트철자가 모리시.

바이올린 범위- 작은 옥타브의 소금에서 최대 4옥타브까지. 높은 소리는 어렵습니다.

반압에서 특정 위치의 현을 얻습니다. 배음. 일부 하모닉 사운드는 위에 표시된 바이올린 범위를 벗어납니다.

왼손의 손가락을 사용하는 것을 호출합니다. 운지법. 손의 집게 손가락은 첫 번째, 중간 - 두 번째, 반지 - 세 번째, 작은 손가락 - 네 번째라고합니다. 위치서로 인접한 네 개의 손가락이 한 음 또는 반음 간격으로 운지하는 것을 운지법이라고 합니다. 각 문자열은 7개 이상의 위치를 가질 수 있습니다. 위치가 높을수록 더 어렵습니다. 5도를 제외한 각 현에서 주로 5도까지만 올라갑니다. 그러나 다섯 번째 또는 첫 번째 현, 때로는 두 번째 현에서 여섯 번째에서 열두 번째까지 더 높은 위치가 사용됩니다.

활을 지휘하는 방법성격, 힘, 소리의 음색, 그리고 실제로 프레이징에 큰 영향을 미칩니다.

바이올린에서는 일반적으로 인접한 현에서 두 개의 음을 동시에 연주할 수 있습니다( 이중 문자열), 예외적 인 경우-3 (강한 활 압력이 필요함), 동시에는 아니지만 매우 빠르게-3 ( 트리플 스트링) 및 4. 대부분 하모닉인 이러한 조합은 빈 현으로 연주하기 쉽고 빈 현 없이는 연주하기가 더 어려우며 일반적으로 솔로 작업에 사용됩니다.

매우 일반적인 오케스트라 기법 트레몰로- 두 소리의 빠른 교대 또는 동일한 소리의 반복으로 떨림, 떨림, 깜박임 효과 생성.

리셉션 게으른 경우(col legno)는 현에 활을 치는 소리를 의미하며 두드리는 소리를 내며 작곡가들이 교향곡에서 큰 성공을 거두기도 했습니다.

활을 가지고 노는 것 외에도 그들은 오른손 손가락 중 하나로 현을 만지는 것을 사용합니다. 피치카토(피치카토).

소리를 약화시키거나 음소거하려면 다음을 사용하십시오. 무음- 스탠드 또는 암말의 상단에 부착되는 현용 하부에 오목한 부분이 있는 금속, 고무, 고무, 뼈 또는 나무 판.

바이올린은 빈 줄을 가장 많이 사용할 수 있는 건반에서 연주하기가 더 쉽습니다. 가장 편리한 악절은 자연 키의 아르페지오뿐만 아니라 음계 또는 그 부분으로 구성된 악절입니다.

성인이 되어 바이올리니스트가 되는 것은 어렵지만 가능합니다! 근육 기억. 성인의 손가락 민감도는 젊은 사람보다 훨씬 낮고 근육 기억력이 발달하는 데 더 오래 걸립니다. 5세, 6세, 7세, 아마도 더 이른 나이부터 바이올린 연주를 배우는 것이 가장 좋습니다.

유명한 바이올리니스트

아르칸젤로 코렐리
안토니오 비발디
주세페 타르티니
장 마리 르끌레르
조반니 바티스타 비오티
Ivan Evstafievich Khandoshkin
니콜로 파가니니
루드비히 슈포어
샤를 오귀스트 베리오
앙리 비에탱
알렉세이 페도로비치 르보프
헨리크 비에니아프스키
파블로 사라사테
페르디난드 라우브
조셉 요아킴
레오폴드 아우어
유진 이자예
프리츠 크라이슬러
자크 티볼트
올렉 케이건
조지 에네스쿠
미론 폴리아킨
미하일 에르덴코
야샤 하이페츠
다비드 오이스트라흐
예후디 메뉴힌
레오니드 코간
헨리크 쉐링
줄리안 시트코베츠키
미하일 베이만
빅토르 트레티야코프
기돈 크레머
막심 벤게로프
야노스 비하리
앤드류 맨즈
핀커스 주커만
이자크 펄만

비디오: 비디오 + 사운드의 바이올린

이 비디오 덕분에 악기에 익숙해지고, 실제 게임을 보고, 소리를 듣고, 기술의 세부 사항을 느낄 수 있습니다.

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바이올린- 구부러진 현 악기높은 레지스터. 민속 기원이 있습니다 현대적인 모습 16세기에 획득되어 17세기에 널리 보급되었습니다. g, d1, a1, e²(작은 옥타브의 소금, re, 첫 번째 옥타브의 la, 두 번째 옥타브의 mi), g(작은 옥타브의 소금)에서 a4( 네 번째 옥타브의 la) 이상. 바이올린의 음색은 저음이 두껍고 중음이 부드러우며 고음이 화려합니다.

기원과 역사.

바이올린의 조상은 아랍인이었습니다. 레바브,스페인의 피델, 영국인 두더지, 그 합병으로 비올라가 형성되었습니다. 바이올린 형식은 16세기에 확립되었습니다. 유명한 바이올린 제조업체 인 Amati 가족은 금세기와 17 세기 초에 속합니다. 그들의 악기는 훌륭한 모양과 우수한 재료입니다. 일반적으로 이탈리아는 바이올린 생산으로 유명했으며 그중 Stradivari 및 Guarneri 바이올린은 현재 높은 평가를 받고 있습니다.

바이올린은 17세기부터 독주 악기였습니다. 바이올린을 위한 첫 작품은 브레시아의 마리니가 작곡한 "Romanesca per violino solo e basso"(1620)와 그의 동시대인 Farin이 작곡한 "Capriccio stravagante"입니다. Arcangelo Corelli는 예술적 바이올린 연주의 창시자로 간주됩니다. 그런 다음 Bravura 바이올린 연주 기술을 개발 한 Corelli의 학생 인 Torelli, Tartini, Pietro Locatelli (1693-1764)를 따르십시오.

바이올린 구조.

바이올린은 몸체와 목의 두 부분으로 구성되며 그 사이에 현이 늘어납니다.

액자.

바이올린의 몸체는 측면에 둥근 노치가 있는 타원형으로 "허리"를 형성합니다. 외부 윤곽과 "허리" 라인의 원형은 특히 높은 음역에서 연주의 편리함을 보장합니다. 차체의 하부 및 상부 평면-데크-는 나무 조각-껍질로 서로 연결됩니다. 볼록한 모양으로 "볼트"를 형성합니다. 금고의 기하학과 두께, 어느 정도의 분포는 소리의 강도와 음색을 결정합니다. 덮개의 진동을 바닥으로 전달하는 달링이 본체 내부에 삽입됩니다. 이 작은 디테일이 없으면 바이올린의 음색은 생동감과 충만함을 잃습니다.

바이올린 소리의 강도와 음색은 바이올린을 만드는 재료와 바니시의 구성에 크게 영향을 받습니다. 바이올린에 바니시를 함침시키면 원목의 밀도가 변합니다. 바이올린 소리에 대한 함침 효과의 정도는 주로 목재 자체의 구조와 특성에 따라 달라지므로 알 수 없습니다. 건조 후 바니시는 환경. 바니시는 밝은 황금색에서 진한 빨간색 또는 갈색까지 투명한 색상으로 바이올린을 칠합니다.

바닥 데크또는 "맨 아래"몸은 두 개의 대칭 반쪽에서 단풍 나무로 만들어집니다.

상단또는 "뚜껑"가문비 나무로 만든. 2개의 공진기 구멍이 있음 - 에파스(모양은 라틴 문자 f와 유사합니다). 상단 공명판 중앙에는 현 홀더(프렛보드 아래)에 고정된 현이 통과하는 스탠드가 있습니다.

껍질하부 데크와 상부 데크를 연결하여 바이올린의 측면을 형성합니다. 그들의 높이는 바이올린의 볼륨과 높이를 결정하며 근본적으로 소리의 음색에 영향을 미칩니다. 껍질이 높을수록 소리가 더 부드럽고 부드러 우며 낮을수록 바이올린 소리가 더 꿰뚫습니다. 껍질은 바닥처럼 단풍나무로 만들어졌습니다.

두쉬카- 공명판 진동을 바닥으로 전달하는 둥근 가문비나무 스트럿. 이상적인 위치는 실험적으로 발견되며 마스터는 때때로 많은 시간을 보냅니다.

무자비한 사람, 또는 토막 귀틀, 현을 고정하는 역할을 합니다. 견목 흑단 또는 마호가니(일반적으로 각각 흑단 또는 자단)로 제작되었습니다. 한편으로는 목에 고리가 있고 다른 한편에는 끈을 부착하기 위한 슬롯이 있는 4개의 구멍이 있습니다. 고정 원리는 간단합니다. 버튼이 있는 끈의 끝을 둥근 구멍에 끼운 다음 끈을 목 쪽으로 당겨 슬롯에 밀어 넣습니다.

루프- 두꺼운 창자 끈 또는 플라스틱 고리. 루프 길이 조절기가 있는 플라스틱 루프가 선호됩니다. 직경 2.2mm 이상의 가닥 고리를 합성 끈(직경 2.2mm)으로 교체할 때 쐐기를 삽입하고 직경 2.2의 구멍을 다시 뚫어야 합니다. 그렇지 않으면 합성 끈의 점압이 손상될 수 있습니다. 목제 서브 넥.

단추- 목의 반대쪽에 위치한 몸체의 구멍에 삽입된 나무못의 머리 부분은 목 고리를 고정하는 역할을 합니다. 쐐기는 크기와 모양에 따라 완전하고 단단히 원추형 구멍에 삽입됩니다. 그렇지 않으면 조각과 공명판이 깨질 수 있습니다. 버튼의 하중은 약 24kg으로 매우 높습니다.

서다악기의 음색에 영향을 줍니다. 브리지를 약간만 이동해도 음색이 크게 변경된다는 것이 실험적으로 입증되었습니다(프렛보드로 이동하면 소리가 약해지고 더 꿰뚫는 소리가 납니다). 스탠드는 활을 사용하여 각각에서 연주하기 위해 서로 다른 거리에서 상단 데크 위의 현을 들어 올리고 너트보다 평면에서 서로 더 먼 거리에 배포합니다. 스탠드에 있는 현의 오목한 부분은 오일을 사용하여 나무를 부드럽게 하는 흑연 그리스로 문지릅니다.

무자비한 사람.

바이올린 지판- 단단한 견목(검은 흑단 또는 자단)의 긴 바. 시간이 지남에 따라 목 표면이 마모되거나 고르지 않게 됩니다. 목의 아래쪽 부분은 머리에 들어가는 목에 붙어 있으며 페그 박스와 컬로 구성됩니다.

너트- 목과 머리 사이에 있는 흑단판으로 현을 위한 슬롯이 있습니다. 너트의 홈은 흑연 그리스 또는 흑연으로 문지릅니다. 흑연 연필) 현의 마찰을 줄이고 수명을 연장합니다. 너트의 구멍은 현을 균등하게 간격을 둡니다.

목- 연주자가 게임 중에 손으로 덮는 반원형 디테일. 넥 상단에는 넥과 너트가 부착되어 있습니다.

못 상자- 정면에 슬롯이 만들어지는 목 부분, 양쪽에 두 쌍의 못이 삽입되어 현이 조정됩니다. 못은 원추형 쐐기입니다. 쐐기는 못 상자의 원추형 구멍에 삽입됩니다. 서로 맞아야 하며, 회전하지 않고 상자에 눌러 넣지 말고 상자에 완전히 삽입해야 합니다. 이 조건을 준수하지 않으면 구조가 파손될 수 있습니다. 더 단단하거나 부드럽게 회전하려면 페그를 각각 상자에서 누르거나 빼내고 부드럽게 회전하려면 랩핑 페이스트 (또는 분필과 비누)로 윤활해야합니다. 페그는 페그 박스에서 많이 돌출되어서는 안되며 반드시 원추형 구멍에 들어가야 합니다. 튜닝 페그는 일반적으로 흑단으로 만들어지며 종종 자개 또는 금속(은, 금) 인레이로 장식됩니다.

곱슬 곱슬하다항상 기업 브랜드와 같은 역할을 해왔습니다. 제작자의 취향과 기술에 대한 증거입니다. 처음에는 컬이 신발의 여성 발과 비슷했지만 시간이 지남에 따라 유사성이 점점 줄어들었습니다. "발 뒤꿈치"만 인식 할 수 있고 "발가락"은 인식 할 수 없을 정도로 변경되었습니다. 일부 마스터는 예를 들어 Giovanni Paolo Magini (1580-1632)와 같이 사자 머리 조각과 같은 컬을 조각으로 대체했습니다. XIX 세기의 거장들은 고대 바이올린의 프렛보드를 연장하여 머리와 컬을 특권적인 "출생 증명서"로 보존하려고 했습니다.

문자열.

문자열목에서 다리를 통해 목 표면과 너트를 통해 머리에 감긴 못까지 통과합니다.

바이올린에는 네 개의 현이 있습니다.

첫 번째("fifth") - 어퍼, 튜닝됨 mi초 옥타브. 금속 솔리드 현 "mi"는 경쾌하고 화려한 음색을 가지고 있습니다.

두번째- 조정 첫 번째 옥타브에스. 결이 있는(창자 또는 특수 합금) 솔리드 "A"는 부드럽고 무광택 음색을 가집니다.

제삼- 조정 첫 번째 옥타브. 정맥 (장 또는 인공 섬유) "re"는 알루미늄 실로 얽혀 부드럽고 무광택 음색을 가지고 있습니다.

네번째("베이스") - 낮음, 조정됨 작은 옥타브 소금. 정맥 (장 또는 인공 섬유) "소금", 은색 실, 거칠고 두꺼운 음색으로 얽혀 있습니다.

액세서리 및 용품.

절하다- 한쪽 머리에 나무 지팡이가 통과하고 다른 쪽에는 블록이 부착됩니다. 포니테일 헤어(인공 또는 천연)가 머리와 블록 사이에 늘어납니다. 특히 두꺼운 말 털은 큰 비늘을 가지고 있으며 그 사이에는 소리에 유리하게 영향을 미치는 마찰 송진이 있습니다.

턱받침.음악가의 편의를 위해 설계되었습니다. 측면, 중간 및 중간 배열은 바이올리니스트의 인체 공학적 선호도에서 선택됩니다.

다리.또한 뮤지션의 연주 편의를 위한 것이기도 합니다. 바이올린 뒷면에 부착하여 연주자의 어깨에 장착할 수 있도록 제작되었습니다. 스탠드(직선 또는 곡선, 단단한 또는 부드러운 천, 나무, 금속 또는 탄소 섬유로 덮음)와 양쪽의 패스너로 구성됩니다. 금속 구조는 종종 마이크 증폭기와 같은 필수 전자 장치를 숨깁니다. 현대 교량의 주요 브랜드는 WOLF, KUN 등입니다.

사운드 픽업 장치.바이올린의 소리 진동을 전기 임펄스로 변환하기 위해 필요합니다(특수 장치를 사용하여 바이올린 소리를 녹음하거나 증폭하기 위해).

바이올린에서 추가 기능(사운드 증폭 또는 기타)을 수행하는 픽업 장치의 사운드가 구조적 요소(바디, 달링 등)에서 생성되는 사운드와 관련하여 중요하지 않은 경우 바이올린은 음향학 .

둘 다 소리 형성에 중요한 기여를 한다면 이것은 - 반음향 바이올린.

디자인 요소가 사운드에 큰 영향을 미치지 않는다면 이 전기 바이올린 .

사례(또는 케이스) 바이올린과 활, 모든 종류의 액세서리.

무음 2개 또는 3개의 "치아"가 있는 작은 나무 또는 고무 "빗"입니다. 스탠드 위에 착용하면 진동이 줄어들어 소리가 부드럽고 매우 부드럽습니다. 음소거는 일반적으로 친밀하고 서정적인 성격의 곡을 연주할 때 사용됩니다. 대부분의 경우 음소거는 오케스트라 및 앙상블 음악에 사용됩니다.

"재머"- 소음을 용납하지 않는 장소에서 수업은 물론 숙제에 사용되는 무거운 고무 또는 금속 음소거입니다. 재머를 사용할 때 악기는 거의 소리를 내지 않고 간신히 구별할 수 있는 피치 톤을 방출하므로 연주자가 인식하고 제어하기에 충분합니다.

타이프라이터- 목 구멍에 삽입된 나사와 반대쪽에 위치한 끈을 고정하는 고리로 구성된 금속 장치. 이 기계는 미세 조정이 가능하며, 이는 신축성이 거의 없는 모노 메탈 현에 가장 중요합니다. 바이올린의 각 크기에 대해 기계의 특정 크기가 의도되며 범용도 있습니다. 그들은 일반적으로 검정색, 금도금, 니켈 도금 또는 크롬 도금뿐만 아니라 이들의 조합입니다. 거트 현, E 현용으로 특별히 모델을 사용할 수 있습니다. 타자기 없이도 악기를 배우고 연주할 수 있습니다. 이 경우 현이 넥 구멍에 직접 삽입됩니다. 목의 무게를 가볍게 하기 위해 모든 현에 기계를 설치하는 것이 가능합니다. 일반적으로 이 경우 기계는 첫 번째 문자열에 배치됩니다.

기록.

바이올린 부분은 고음 음자리표로 작성됩니다. 표준 바이올린 범위는 작은 옥타브에서 네 번째 옥타브까지입니다. 더 높은 소리는 연주하기 어렵고 일반적으로 솔로 거장 문학에서만 사용되지만 오케스트라 부분에서는 사용되지 않습니다.

손 배치.

현은 왼손의 네 손가락으로 지판에 대고 누릅니다(엄지 제외). 현은 플레이어의 오른손에 활로 이어집니다.

손가락으로 누르면 현의 진동 영역 길이가 줄어들어 주파수가 증가하여 더 높은 소리를 얻습니다. 손가락으로 누르지 않는 현을 개방현이라 하며 운지 표시 시 0으로 표시한다.

특정 위치에서 거의 압력을 가하지 않고 현을 만짐으로써 고조파가 얻어집니다. 일부 하모닉 사운드는 피치에서 표준 바이올린 범위를 넘어섭니다.

왼손 손가락의 적용 위치를 운지법 (applique라는 단어에서 유래)이라고합니다. 손의 집게 손가락은 첫 번째, 중간 - 두 번째, 반지 - 세 번째, 작은 손가락 - 네 번째라고합니다. 위치는 1음 또는 반음 간격으로 4개의 인접한 손가락을 운지하는 것입니다. 각 문자열은 7개 이상의 위치를 가질 수 있습니다. 위치가 높을수록 깔끔하게 플레이하기가 더 어렵습니다. 5도를 제외한 각 현에서 주로 5도까지만 올라갑니다. 그러나 다섯 번째 또는 첫 번째 현, 때로는 두 번째 현에서 더 높은 위치가 사용됩니다-최대 12 번째 현.

활을 잡는 방법에는 적어도 세 가지가 있습니다.

오래된("독일어") 방법 검지손톱 지골과 가운데 하나 사이의 접힌 부분에 대해 아래쪽 표면으로 활의 지팡이에 닿습니다. 손가락이 단단히 닫혀 있습니다. 엄지 손가락은 가운데 반대쪽에 있습니다. 활털은 적당히 팽팽하다.

새로운("Franco-Belgian") 검지 손가락이 중간 지골 끝과 비스듬히 지팡이에 닿는 방식; 검지와 중지 사이에 큰 간격이 있습니다. 엄지 손가락은 가운데 반대쪽에 있습니다. 단단히 팽팽한 활 머리; 지팡이의 기울어진 위치.

최신( "Russian") 방법, 검지 손가락이 중간 지골과 중수골 사이의 접힌 부분이있는 측면에서 지팡이에 닿습니다. 손톱 지골의 중간을 지팡이로 깊숙이 덮고 그것으로 형성 날카로운 모서리, 그는 그대로 활의 지휘를 지시합니다. 검지와 중지 사이에 큰 간격이 있습니다. 엄지 손가락은 가운데 반대쪽에 있습니다. 느슨하게 팽팽한 활 머리; 지팡이의 직선(기울지 않은) 위치. 활을 잡는 이 방법은 최소한의 에너지 소비로 최상의 음향 결과를 얻는 데 가장 적합합니다.

활을 잡는 것은 소리의 성격, 힘, 음색, 그리고 일반적으로 프레이징에 큰 영향을 미칩니다. 바이올린에서는 일반적으로 인접한 현에서 동시에 두 개의 음표(이중 음표)를 취할 수 있습니다. 예외적인 경우에는 세 개(강한 활 압력이 필요함), 동시에는 아니지만 매우 빠르게 세 개(삼중 음표) 및 네 개입니다. 대부분 하모닉인 이러한 조합은 열린 현에서 연주하기 쉽고 일반적으로 솔로 작업에 사용됩니다.

왼손 위치.

"오픈 스트링"- 왼손의 손가락은 현을 고정하지 않습니다. 즉, 바이올린은 g, d1, a1, e²(작은 옥타브의 소금, 첫 번째 옥타브의 re, la, 두 번째 옥타브).

첫 번째 위치-엄지 손가락을 제외한 왼손 손가락은 온음계로 열린 현에서 서로 분리 된 네 곳에서 현을 고정 할 수 있습니다. 열린 현과 함께 그들은 작은 옥타브의 음표 Sol에서 두 번째 옥타브의 C까지 20톤 범위의 사운드를 형성합니다.

첫 번째 위치.

엄지 손가락은 연주자를 향하여 바이올린 목이 놓인 "선반"을 형성하며 지원 기능 만 수행합니다. 왼손의 다른 손가락은 위에 위치하여 목을 잡지 않고 현을 누릅니다. 왼손다음을 기반으로 하는 총 17개의 "기본" 위치가 있습니다.

손가락은 피아노의 흰색 건반에 해당하는 위치에 있습니다.

손가락은 목을 따라 움직이지 않습니다.

같은 줄의 인접한 손가락 사이의 거리는 음 또는 반음입니다.

다음 현의 다섯 번째와 두 번째(극단적인 작업) 손가락 사이의 거리는 한 톤입니다.

기본 요령:

분리- 각 음표는 방향을 변경하여 별도의 활 움직임으로 추출됩니다.

마르텔레- 소리 자체의 길이가 음의 감쇠 기간보다 훨씬 짧은 활을 밀어서 수행하는 스트로크;

단음활과 함께 위아래로-정지 상태에서 활의 움직임;

스타카토 볼란트- 일종의 스타카토. 연주할 때 활이 점프하여 현에서 떨어져 나갑니다.

스피카토- 리바운드 스트로크, 매우 가벼운 스타카토;

리코셰 살타토- 현에 올려진 활의 털을 쳐서 수행하는 스트로크는 원칙적으로 연속 그룹에 의해 수행됩니다.

트레몰로- 하나의 소리를 여러 번 빠르게 반복하거나 인접하지 않은 두 소리, 두 개의 자음(간격, 화음), 단일 소리 및 자음의 빠른 교대.

레가토- 하나의 사운드에서 다른 사운드로 부드럽게 전환되는 연결된 사운드 성능, 사운드 사이에 일시 중지가 없습니다.

콜 레뇨- 활의 축으로 현을 친다. 교향곡 작곡가들에 의해 큰 성공을 거두며 사용되는 두드리는 죽은 소리를 일으킵니다.

활을 가지고 노는 것 외에도 그들은 오른손 손가락 중 하나로 현을 만지는 것을 사용합니다( 피치카토). 솔로 문학에서 주로 사용되는 왼손 피치카토도 있습니다.

소리가 나는 현의 음색 구성에서 배음을 분리하는 특별한 방법도 있습니다. 현의 길이를 2로 나눈 지점(현의 피치가 한 옥타브 올라감), 4로 나눈 지점(2옥타브) 등에서 현을 부분적으로 눌러 연주한다.

유명한 연주자.

17 세기

아르칸젤로 코렐리(1653-1713) - 이탈리아의 바이올리니스트이자 작곡가로 예술적 바이올린 연주의 창시자로 여겨집니다.

Antonio Vivaldi (1678-1741) - 베네치아 작곡가, 바이올리니스트, 교사, 지휘자. 가장 많은 것 중 하나 유명한 작품- 4개의 바이올린 협주곡 "계절" 주기.

Giuseppe Tartini(1692-1770) 이탈리아의 바이올리니스트이자 작곡가. 그는 활의 디자인을 개선하고 길이를 늘렸으며 활을 지휘하는 기본 방법을 개발하여 이탈리아와 프랑스의 모든 동시대 바이올리니스트가 인정하고 일반적으로 사용되었습니다.

18 세기

Ivan Khandoshkin (1747-1804) - 러시아의 거장 바이올리니스트, 작곡가 및 교사. 러시아 바이올린 학교의 창시자. 러시아 최초의 바이올린 거장. 그의 생애 동안 그는 러시아 사회의 광범위한 분야에서 인기를 얻었습니다.

Giovanni Battista Viotti(1753-1824) - Niccolò Paganini 이전 세대의 유명한 이탈리아 바이올리니스트. 10개의 피아노 협주곡을 제외하고 비오티의 모든 작품은 현악기, 그 중 가장 중요한 것은 29개의 바이올린 협주곡입니다.

19 세기

Niccolo Paganini (1782-1840) - 이탈리아 바이올리니스트이자 거장 기타리스트, 작곡가. 가장 많은 것 중 하나 밝은 성격뮤지컬 역사 XVIII-XIX수세기. 세계 음악 예술의 인정받는 천재.

Henri Vietain(1820-1881) - 국립 바이올린 학교의 창립자 중 한 명인 벨기에 바이올리니스트이자 작곡가입니다. Vieuxtan은 오케스트라와 함께하는 7개의 협주곡, 수많은 환상, 변주곡, 콘서트 에튜드 등 여전히 매우 인기 있는 바이올린을 위한 수많은 작품의 저자입니다.

Leopold Auer(1845-1930) - 헝가리인, 러시아 바이올리니스트교사, 지휘자 및 작곡가. 그는 소위 러시아 바이올린 학교의 설립자입니다.

Eugène Ysaye (1858-1931) - 벨기에 바이올리니스트, 지휘자 및 작곡가. 그는 6개의 바이올린 협주곡, 파가니니 등의 주제에 대한 변주곡을 작곡했습니다.

20 세기

Jascha Heifetz(1901-1987) 유대인 미국인 바이올리니스트. 20세기 최고의 바이올리니스트 중 한 명으로 여겨진다.

David Oistrakh (1908-1974) - 소비에트 바이올리니스트, 비올리스트, 지휘자 및 교사, 모스크바 음악원 교수, 국민작가소련.

Yehudi Menuhin(1916-1999) 미국의 바이올리니스트이자 지휘자. 그는 또한 우표에 표식을 남겼으며 우표상 중 하나는 그의 이름을 따서 명명되었습니다.

XXI 세기

Vanessa May(1978년 10월 27일)는 국제적으로 유명한 바이올리니스트이자 작곡가입니다. 주로 클래식 작곡의 테크노 편곡으로 알려져 있습니다. 공연 스타일: "테크노-어쿠스틱 합금"

유명한 바이올린 작품.

J. S. 바흐. 바이올린 독주를 위한 3개의 소나타와 3개의 파르티타

클래식 음악 애호가들은 각 악기, 특히 바이올린의 소리를 높이 평가합니다. 활에 의해 현에서 추출된 소리는 살아있는 사람에게 닿아 작곡가가 청취자에게 전하고 싶었던 감정의 꽃다발을 전달합니다. 어떤 사람들은 이 악기를 연주하는 방법을 배우고 싶어하는 반면, 다른 사람들은 그것이 어떻게 작동하는지, 바이올린에 몇 개의 현이 있는지, 각각의 현이 무엇인지에 관심이 있습니다.

구조

바이올린은 몸과 목으로 구성되어 있으며 현이 늘어납니다. 데크라고 하는 두 개의 평면은 쉘로 연결되어 둥근 악기의 기초를 형성합니다. 달링이 내부에 설치되어 몸 전체로 전송됩니다. 음색의 소리, 생동감 및 충만감은 디자인에 따라 다릅니다. 더 친숙한 클래식 악기나무로 만들어졌지만 스피커에서 나오는 소리인 전기도 있습니다. 바이올린의 현이 몇 개인지 아십니까? 답은 간단합니다. 단 4개뿐이며 다음에서 만들 수 있습니다. 다른 재료, 살았다, 실크 또는 금속.

문자열 이름

그들 각각은 고유 한 이름을 가지고 있으며 특정 톤으로 조정됩니다. 따라서 왼쪽의 첫 번째 문자열은 작은 옥타브의 소금인 가장 낮은 사운드를 생성합니다. 일반적으로 은색 실로 얽힌 결이 있습니다. 다음 두 현은 첫 번째 옥타브에 있기 때문에 두께가 거의 다릅니다. 이것은 음표 re와 la입니다. 그러나 정맥 위의 두 번째는 알루미늄 실로 얽혀 있고 세 번째는 단단한 장 또는 특수 합금으로 늘어납니다. 가장 오른쪽에 있는 현은 가장 얇은 현으로 두 번째 옥타브의 미 소리에 맞춰져 있으며 단단한 금속으로 만들어졌습니다.

이제 바이올린의 현이 몇 개인지, 현이 무엇인지, 무엇으로 구성되어 있는지 알 수 있습니다. 때로는 추가 문자열이있는 5 문자열 모델을 찾을 수 있습니다. 작은 옥타브까지 소리를 냅니다.

스트라디바리우스 바이올린

유명한 대가는 바이올린뿐만 아니라 첼로와 더블베이스도 만들었습니다. 형태와 소리 모두에서 악기를 완벽하게 만든 사람은 바로 그 사람이었습니다. 80년이 넘는 기간 동안 그는 약 1100개의 악기를 만들었고 그 중 약 650개가 살아 남았습니다. 박물관 전시. 얼마나 많은 문자열이 공장 모델과 같은 번호 - 4. 주인은 악기에 우리가 현대 생활에서 만나는 것과 똑같은 형태를 부여했습니다.

바이올린의 현이 몇 개인지에 대한 질문이 더 이상 여러분을 혼란스럽게 하지 않기를 바랍니다. 멋진 음악 소리를 즐기십시오!

바이올린은 현이 늘어나는 몸체와 목의 두 가지 주요 부분으로 구성됩니다.

바이올린의 몸체는 특정한 둥근 모양을 가지고 있습니다. 케이스의 고전적인 형태와 달리 사다리꼴 평행사변형의 모양은 "허리"를 형성하는 측면의 둥근 오목한 부분으로 수학적으로 최적입니다. 외부 윤곽과 "허리" 라인의 원형은 특히 높은 위치에서 게임의 편안함을 보장합니다. 차체의 하부 및 상부 평면-데크-는 나무 조각-껍질로 서로 연결됩니다. 볼록한 모양으로 "볼트"를 형성합니다. 금고의 기하학과 두께, 어느 정도의 분포는 소리의 강도와 음색을 결정합니다. 사랑하는 사람이 차체 내부에 배치되어 스탠드에서 상부 데크를 통해 하부 데크로 진동을 전달합니다. 그것 없이는 바이올린의 음색이 생동감과 충만함을 잃습니다.

바이올린 소리의 강도와 음색은 바이올린을 만드는 재료와 바니시의 구성에 의해 크게 영향을 받습니다. Stradivarius 바이올린에서 바니시를 완전히 화학적으로 제거한 후 소리가 변하지 않은 실험이 알려져 있습니다. 래커는 바이올린이 환경의 영향으로 나무의 품질이 변하는 것을 방지하고 밝은 황금색에서 진한 빨간색 또는 갈색으로 투명한 색상으로 바이올린을 얼룩지게 합니다.

바닥 데크( 음악 용어) 단단한 단풍나무(기타 활엽수) 또는 두 개의 대칭 반으로 만들어집니다.

상단 데크는 공진 스프루스로 만들어졌습니다. 두 개의 공진기 구멍이 있습니다-efs (라틴 문자 f와 유사한 모양). 스탠드는 현 홀더(지판 아래)에 고정된 현이 놓이는 상부 데크의 중앙에 놓입니다. 하나의 스프링이 G 스트링 측면에 있는 스탠드 다리 아래의 상단 사운드보드에 부착되어 있습니다. 세로로 위치한 나무 판자는 상단 사운드보드의 강도와 공명 특성을 크게 보장합니다.

쉘은 하부 데크와 상부 데크를 결합하여 바이올린 본체의 측면을 형성합니다. 그들의 높이는 바이올린의 음량과 음색을 결정하며 근본적으로 음질에 영향을 미칩니다. 쉘이 높을수록 사운드가 부드럽고 부드럽고, 낮을수록 상위 음이 더 꿰뚫고 투명합니다. 껍질은 데크와 마찬가지로 단풍나무로 만들어집니다.

달링은 향판을 기계적으로 연결하고 현 장력과 고주파 진동을 하부 향판으로 전달하는 가문비나무로 만든 원형 스페이서입니다. 이상적인 위치는 실험적으로 발견되며 일반적으로 homie의 끝은 E 현 측면의 스탠드 다리 아래 또는 그 옆에 있습니다. Dushka는 약간의 움직임이 악기의 소리에 큰 영향을 미치기 때문에 마스터에 의해서만 재배열됩니다.

넥 또는 현 홀더는 현을 고정하는 데 사용됩니다. 이전에는 흑단 또는 마호가니(보통 각각 흑단 또는 자단)의 활엽수로 만들어졌습니다. 요즘에는 플라스틱이나 가벼운 합금으로 만들어지는 경우가 많습니다. 한편으로는 목에 고리가 있고 다른 한편에는 끈을 부착하기 위한 스플라인이 있는 4개의 구멍이 있습니다. 버튼이있는 끈의 끝 (mi 및 la)을 둥근 구멍에 끼운 다음 끈을 목쪽으로 당겨 슬롯에 밀어 넣습니다. D현과 G현은 종종 구멍을 통과하는 고리로 넥에 고정됩니다. 현재 목 구멍에는 레버 나사 기계가 종종 설치되어 튜닝이 매우 용이합니다. 기계가 구조적으로 통합된 경합금 넥이 연속 생산됩니다.

두꺼운 끈 또는 강철 와이어로 만든 루프. 직경 2.2mm 이상의 가닥 고리를 합성 끈(직경 2.2mm)으로 교체할 때 쐐기를 삽입하고 직경 2.2의 구멍을 다시 뚫어야 합니다. 그렇지 않으면 합성 끈의 점압이 손상될 수 있습니다. 목제 서브 넥.

버튼 -목의 반대쪽에 위치한 몸체의 구멍에 삽입 된 나무 못의 모자는 목을 고정시키는 역할을합니다. 쐐기는 크기와 모양에 해당하는 원추형 구멍에 완전하고 단단히 삽입됩니다. 그렇지 않으면 조각과 껍질이 깨질 수 있습니다. 버튼의 하중은 약 24kg으로 매우 높습니다.

스탠드는 악기의 음색에 영향을 미칩니다. 스탠드를 약간만 움직여도 음계의 변화와 음색의 약간의 변화로 인해 악기의 튜닝이 크게 변경된다는 것이 실험적으로 입증되었습니다. 더 밝게. 스탠드는 활로 각각 연주 할 수 있도록 상단 공명판 위의 현을 다른 높이로 올리고 너트보다 더 큰 반경의 호에서 서로 더 먼 거리에 배포합니다.

악기: 바이올린

바이올린은 가장 세련되고 정교한 악기 중 하나이며, 인간의 목소리와 매우 유사한 매력적인 선율의 음색을 가지고 있으면서도 동시에 매우 표현력이 풍부하고 거장적입니다. 바이올린이 "의 역할을 부여받은 것은 우연이 아닙니다. 오케스트라 퀸즈».

바이올린의 목소리는 인간과 비슷하며 "노래하다", "울다"라는 동사가 자주 사용됩니다. 그것은 기쁨과 슬픔의 눈물을 가져올 수 있습니다. 바이올리니스트는 강력한 조수의 현을 통해 행동하면서 청중의 영혼의 현을 연주합니다. 바이올린 소리가 시간을 멈추고 다른 차원으로 데려간다는 믿음이 있습니다.

역사 바이올린그리고 많은 흥미로운 사실우리 페이지에서 이 악기에 대해 읽어보세요.

소리

바이올린의 표현력있는 노래는 작곡가의 생각, 캐릭터의 감정을 전달할 수 있습니다. 오페라 그리고 발레 다른 모든 악기보다 정확하고 완벽합니다. 육즙이 풍부하고 소울이 넘치며 우아하고 독단적인 동시에 바이올린 소리는 이 악기 중 적어도 하나가 사용되는 모든 작업의 기초입니다.

소리의 음색은 악기의 품질, 연주자의 기술 및 현의 선택에 따라 결정됩니다. 저음은 두껍고 풍부하며 약간 엄격하고 거친 소리로 구별됩니다. 중간 현은 마치 벨벳처럼 매트한 것처럼 부드럽고 소울풀한 사운드를 냅니다. 고음역은 밝고 맑고 시끄럽게 들립니다. 악기와 연주자는 이러한 사운드를 수정하고 다양성과 추가 팔레트를 추가할 수 있습니다.

사진:

흥미로운 사실

2003년 인도의 Athira Krishna는 Trivandrum City Festival의 일환으로 32시간 동안 계속해서 바이올린을 연주한 결과 기네스북에 올랐습니다.
바이올린 연주는 시간당 약 170칼로리를 소모합니다.
롤러스케이트의 발명가, 벨기에의 악기 제조업자 Joseph Merlin. 참신함을 제시하기 위해 금속 바퀴가 달린 스케이트는 1760 년 런던에서 바이올린을 연주하면서 의상 무도회에 입장했습니다. 청중은 아름다운 악기의 반주에 맞춰 쪽모이 세공 마루를 따라 우아하게 미끄러지는 것을 열광적으로 맞이했습니다. 성공에 영감을 받아 25 세의 발명가는 더 빨리 회전하기 시작했고 최고 속도로 값 비싼 거울에 충돌하여 바이올린 인 산산조각이 나고 심각한 부상을 입었습니다. 당시 그의 스케이트에는 브레이크가 없었습니다.

2007년 1월 미국은 가장 뛰어난 바이올린 연주자 중 한 명인 조슈아 벨이 참여하는 실험을 하기로 결정했습니다. 거장은 지하철로 내려가 평범한 거리의 악사처럼 45분 동안 스트라디바리 바이올린을 연주했다. 안타깝게도 지나가는 사람들이 바이올리니스트의 화려한 연주에 특별히 관심이 없었고 모두가 소란에 휩싸였다는 사실을 인정해야했습니다. 대도시. 이 기간 동안 지나간 1,000명 중 7명만이 주의를 기울였습니다. 유명한 음악가또 다른 20명은 돈을 던졌다.이 기간 동안 총 $32를 벌었습니다. 보통 조슈아벨 콘서트는 평균 티켓 가격이 100달러로 매진된다.
2011년 장화(대만) 경기장에 모인 최대 규모의 젊은 바이올리니스트 앙상블은 7~15세 학생 4645명으로 구성됐다.
1750년까지 바이올린 현은 양의 내장으로 만들어졌다. 이 방법은 이탈리아인에 의해 처음 제안되었습니다.
바이올린을 위한 첫 번째 작품은 1620년 말 작곡가 마리니에 의해 만들어졌습니다. 그것은 "Romanesca per violino solo e basso"라고 불 렸습니다.
바이올리니스트와 바이올린 제작자종종 작은 악기를 만들려고 합니다. 그래서 중국 남부 광저우에서 길이가 1cm에 불과한 미니 바이올린이 만들어졌고 마스터는이 작품을 완성하는 데 7 년이 걸렸습니다. 에서 뛰었던 Scot David Edwards 국립 오케스트라, 1.5cm 바이올린을 만들었습니다 1973 년 Eric Meisner는 4.1cm 길이의 멜로디 사운드를 가진 악기를 만들었습니다.

세계에는 돌로 바이올린을 만드는 장인이 있는데, 소리가 나무보다 열등하지 않습니다. 스웨덴의 조각가 Lars Wiedenfalk는 diabase 블록으로 건물의 외관을 장식하는 동안 끌과 망치 아래에서 놀랍도록 선율적인 소리가 날아 갔기 때문에이 돌로 바이올린을 만드는 아이디어를 내놓았습니다. 그는 그의 돌 바이올린을 "The Blackbird"라고 명명했습니다. 제품은 놀랍게도 보석으로 밝혀졌습니다. 공진기 상자의 벽 두께는 2.5mm를 초과하지 않으며 바이올린의 무게는 2kg입니다. 체코에서 Jan Roerich는 대리석 악기를 만듭니다.
유명한 모나리자를 작곡할 때 Leonardo da Vinci는 음악가들을 초대하여 바이올린을 포함한 현악기를 연주했습니다. 동시에 음악은 성격과 음색이 달랐습니다. 많은 사람들은 모나리자 미소("천사 또는 악마의 미소")의 모호함을 다양한 음악 반주의 결과로 생각합니다.
바이올린은 뇌를 자극합니다. 이 사실은 바이올린 연주 방법을 알고 즐겼던 유명한 과학자들에 의해 반복적으로 확인되었습니다. 예를 들어, 6세의 아인슈타인은 이 악기를 훌륭하게 연주했습니다. 심지어 유명한 셜록 Holmes(복합 이미지)는 어려운 문제에 대해 생각할 때 항상 그녀의 소리를 사용했습니다.

연주하기 가장 어려운 작품 중 하나는 "카프리스"입니다. 니콜로 파가니니 그의 다른 작곡, 협주곡 브람스 , 차이코프스키 , 시벨리우스 . 또한 가장 신비로운 작업-“ 악마의 소나타 "(1713) 거장 바이올리니스트였던 G. Tartini는
돈으로 가장 가치있는 것은 Guarneri와 Stradivari의 바이올린입니다. 2010년 과르네리의 바이올린 '비에탕트'가 최고가를 기록했다. 시카고 경매에서 $18,000,000에 팔렸습니다. 가장 비싼 Stradivarius 바이올린은 "Lady Blunt"로 간주되며 2011년에 거의 1,600만 달러에 판매되었습니다.
독일이 가장 많이 만든 큰 바이올린세상에. 길이는 4.2m, 너비는 1.4m, 활의 길이는 5.2m입니다. 그것은 세 사람에 의해 재생됩니다. 이러한 독특한 창조물은 Vogtland의 장인이 만들었습니다. 이 악기는 18세기 말에 제작된 요한 게오르그 2세 쇤펠더(Johann Georg II Schoenfelder)의 바이올린을 스케일 복사한 것입니다.
바이올린 활은 일반적으로 150-200개의 털로 묶여 있으며, 이는 말총이나 나일론으로 만들 수 있습니다.
일부 활의 가격은 경매에서 수만 달러에 이릅니다. 가장 비싼 활은 거장 프랑수아 자비에르 투르트(Francois Xavier Tourt)의 작품으로 약 20만 달러로 추정된다.
바네사 메이, 녹음한 최연소 바이올리니스트 인정 차이코프스키의 바이올린 협주곡 그리고 베토벤 13세 때. Vanessa-Mae는 런던에서 데뷔했습니다. 필하모닉 오케스트라 1989년 10살에 11살에 왕립음악대학에서 최연소 학생이 되었다.

오페라의 에피소드 차르 살탄 이야기 » 림스키코르사코프 "Flight of the Bumblebee"는 기술적으로 수행하기 어렵고 빠른 속도로 재생됩니다. 전 세계의 바이올리니스트들이 이 작품의 연주 속도를 놓고 경쟁을 벌입니다. 그래서 2007년 D. Garrett은 1분 6.56초로 기네스북에 올랐습니다. 그 이후로 많은 연주자들이 그를 추월하고 "세계에서 가장 빠른 바이올리니스트"라는 칭호를 얻으려고 노력해 왔습니다. 일부는이 작업을 더 빨리 수행했지만 동시에 성능 품질이 많이 떨어졌습니다. 예를 들어, Discovery TV 채널은 "Flight of the Bumblebee"를 58.51초 만에 연주한 Briton Ben Lee를 가장 빠른 바이올리니스트일 뿐만 아니라 세계에서 가장 빠른 사람으로 간주합니다.

인기 바이올린 작품

Camille Saint-Saens - 소개 및 Rondo Capriccioso (듣기)

안토니오 비발디: "사계" - Summer Storm (듣기)

Antonio Bazzini - "Dwarf Round Dance"(듣기)

P. I. 차이코프스키 - "Waltz-Scherzo"(듣기)

Jules Masnet - "명상"(듣기)

모리스 라벨 - "집시"(듣기)

J.S. Bach - d-moll의 partita 중 "Chaconne"(듣기)

바이올린의 응용과 레퍼토리

다양한 음색으로 인해 바이올린은 다양한 분위기와 성격을 전달하는 데 사용됩니다. 현대에서 심포니 오케스트라이 악기는 작곡의 거의 1/3을 차지합니다. 오케스트라의 바이올린은 두 그룹으로 나뉩니다. 하나는 높은 성부 또는 멜로디를 연주하고 다른 하나는 낮은 성부 또는 반주를 연주합니다. 제1바이올린과 제2바이올린이라고 합니다.

이 악기는 실내악 앙상블과 솔로 연주 모두에서 훌륭하게 들립니다. 바이올린은 관악기, 피아노 및 기타 현과 쉽게 조화를 이룹니다. 앙상블 중에서 가장 일반적인 현악 사중주, 여기에는 2개의 바이올린이 포함되어 있습니다. 첼로 그리고 알토 . 사중주를 위해 다양한 시대와 스타일의 수많은 작품이 작성되었습니다.

거의 모든 뛰어난 작곡가바이올린과 관현악을 위한 협주곡 작곡 모차르트 , 비발디, 차이코프스키 , 브람스, 드보르자크 , 하차투리안, 멘델스존, 세인트 산세 , Kreisler, Venyavsky 및 기타 다수. 바이올린은 또한 여러 악기의 협주곡에서 독주 파트를 맡았습니다. 예를 들어, 바흐 바이올린과 오보에를 위한 협주곡이다. 현악 앙상블, 그리고 베토벤은 바이올린, 첼로, 피아노, 오케스트라를 위한 3중 협주곡을 작곡했습니다.

20세기에 바이올린은 다양한 용도로 사용되기 시작했습니다. 현대 방향음악. 재즈에서 독주 악기로 바이올린을 사용한 최초의 언급은 20세기 초반에 기록되어 있습니다. 첫 번째 중 하나 재즈 바이올리니스트함께 공연한 Joe Venuti였습니다. 유명한 기타리스트에디 랭.

바이올린은 70개 이상의 서로 다른 나무 부품으로 조립되지만 제조의 가장 큰 어려움은 나무를 구부리고 가공하는 데 있습니다. 예를 들어 최대 6가지 유형의 목재가 있을 수 있으며 마스터는 포플러, 배, 아카시아, 호두 등 점점 더 많은 새로운 옵션을 사용하여 지속적으로 실험했습니다. 최고의 재료극한의 온도와 습기에 대한 저항성 때문에 산에서 자란 나무로 간주됩니다. 현은 정맥, 실크 또는 금속으로 만들어집니다. 대부분의 경우 마스터는 다음을 수행합니다.

공명 스프루스 탑.
목, 등, 메이플 컬.
침엽수, 알더, 린든, 마호가니 후프.
침엽수 패치.
흑단 목.
Chinrest, 못, 단추, 회양목, 흑단 또는 자단으로 만든 풀무.

때때로 마스터는 다른 유형의 목재를 사용하거나 재량에 따라 위에 제시된 옵션을 변경합니다. 클래식 오케스트라 바이올린에는 "바스크"(작은 옥타브의 소금)에서 "다섯 번째"(두 번째 옥타브의 마일)까지 4개의 현이 있습니다. 일부 모델에서는 다섯 번째 알토 현이 추가될 수도 있습니다.

다른 마스터 학교는 매듭, 후프 및 컬로 식별됩니다. 특히 컬이 돋보인다. 비 유적으로 "작가의 그림"이라고 할 수 있습니다.

상당히 중요한 것은 나무 부분을 덮는 바니시입니다. 이것은 제품에 붉은색 또는 갈색 광택이 있는 황금색에서 매우 어두운 색조를 줍니다. 악기가 "라이브"하는 기간과 사운드가 변경되지 않는지 여부는 래커에 따라 다릅니다.

바이올린이 많은 전설과 신화에 싸여 있다는 것을 알고 있습니까? 또한 음악 학교아이들은 Cremonese 마스터와 마술사에 대한 오래된 전설을 듣습니다. 오랫동안악기 소리의 비밀을 풀려다 유명한 거장이탈리아. 답은 특수 코팅에 있다고 믿어집니다. 바니시는 그것을 증명하기 위해 Stradivari 바이올린에서 씻어 내었지만 모두 헛된 것입니다.

현을 뽑아 연주하는 피치카토 기법을 제외하고 바이올린은 일반적으로 활로 연주합니다. 활은 나무로 된 받침과 그 위에 말총을 팽팽하게 펴고 연주하기 전에 송진으로 문지릅니다. 일반적으로 길이는 75cm이고 무게는 60g입니다.

현재이 악기의 여러 유형을 찾을 수 있습니다 - 나무 (어쿠스틱) 및 전기 바이올린, 특수 증폭기 덕분에 소리가 들립니다. 한 가지는 변함이 없습니다. 이것은 아름다움과 선율을 지닌이 악기의 놀랍도록 부드럽고 선율적이고 매혹적인 소리입니다.

치수

표준 풀 사이즈 바이올린(4/4) 외에도 어린이 교육을 위한 더 작은 악기가 있습니다. 바이올린은 학생과 함께 "성장"합니다. 그들은 길이가 32-43cm 인 가장 작은 바이올린 (1/32, 1/16, 1/8)으로 훈련을 시작합니다.

전체 바이올린의 치수: 길이 - 60cm, 몸 길이 - 35.5cm, 무게 약 300 - 400g.

바이올린 연주 요령

풍부한 소리의 파동으로 듣는 이의 영혼을 꿰뚫는 바이올린의 진동이 유명하다. 음악가는 사운드를 약간만 올리거나 내릴 수 있어 훨씬 더 다양하고 폭넓은 사운드 팔레트를 음악 범위로 가져올 수 있습니다. 글리산도 기술도 알려져 있으며, 이 연주 스타일을 사용하면 지판에 프렛이 없는 것을 사용할 수 있습니다.

현을 세게 꼬집지 않고 약간 만지면서 바이올리니스트는 플루트 소리를 연상시키는 원래의 차갑고 휘파람 소리를 추출합니다 (고조파). 연주자의 두 손가락이 참여하고 서로 쿼트 또는 퀸트를 배치하는 하모닉스가 있으며 특히 수행하기 어렵습니다. 가장 높은 기술 범주는 빠른 속도로 편모를 수행하는 것입니다.

바이올리니스트들은 또한 다음과 같은 흥미로운 연주 기법을 사용합니다.

Col Legno - 활 갈대로 현을 치는 것. 이 접근 방식은 다음에서 사용됩니다. 생상스의 "죽음의 춤"춤추는 해골의 소리를 시뮬레이트합니다.
Sul ponticello-스탠드에서 활을 가지고 노는 것은 부정적인 캐릭터의 불길하고 쉿하는 소리를냅니다.
술타스토(Sul tasto) - 프렛보드 위에서 활을 가지고 노는 것. 부드럽고 미묘한 사운드를 생성합니다.
Ricochet - 프리 리바운드로 현에 활을 던짐으로써 수행됩니다.

또 다른 트릭은 음소거를 사용하는 것입니다. 현의 진동을 줄여주는 나무나 금속으로 만든 빗입니다. 음소거 덕분에 바이올린은 부드럽고 약한 소리를 냅니다. 비슷한 기술이 서정적이고 감정적인 순간을 수행하는 데 자주 사용됩니다.

바이올린에서는 이중 음표, 화음, 다성 작업을 수행 할 수 있지만 대부분의 경우 다양한 소리와 음영이 주요 이점이기 때문에 다방면 음성이 솔로 파트에 사용됩니다.

바이올린 창조의 역사

최근까지 바이올린의 시조로 여겨졌다. 비올라 그러나 이들은 완전히 다른 두 가지 도구라는 것이 입증되었습니다. XIV-XV 세기의 개발은 동시에 진행되었습니다. 비올라가 귀족의 것이었다면 바이올린은 민중에게서 나왔다. 대부분 농민, 순회 예술가, 민스트럴이 연주했습니다.

이 비정상적으로 다양한 소리를 내는 악기는 인도 거문고, 폴란드 바이올리니스트(레베카), 러시아 바이올리니스트, 아랍 레바브, 영국 두더지, 카자흐스탄 코비즈, 스페인 피델 등 전임자라고 할 수 있습니다. 이 모든 악기는 바이올린의 시조가 될 수 있습니다. 각각이 현악기 가족의 탄생 역할을 하고 고유한 장점으로 보상했기 때문입니다.

바이올린이 상류 사회에 도입되고 귀족 악기들 사이에서 계산이 시작된 것은 1560년 Charles IX가 그의 궁전 음악가들을 위해 현악기 제작자 Amati에게 24개의 바이올린을 주문했을 때 시작되었습니다. 그들 중 하나는 오늘날까지 살아 남았습니다. 이것 가장 오래된 바이올린세계에서 그녀는 "Charles IX"라고 불립니다.

오늘날 우리가 보는 바이올린 제작은 Andrea Amati와 Gasparo de Solo라는 두 가문이 경쟁하고 있습니다. 일부 소식통은 나중에 Amati 하우스에서 악기를 완성한 Gasparo Bertolotti(Amati의 교사)에게 손바닥을 주어야 한다고 주장합니다. 이것이 16세기 이탈리아에서 일어났다는 것은 확실히 알려져 있습니다. 조금 후에 그들의 후계자는 Guarneri와 Stradivari로 바이올린 본체의 크기를 약간 늘리고 악기의 더 강력한 소리를 위해 더 큰 구멍(efs)을 만들었습니다.

안에 17세 말세기에 영국인들은 바이올린 디자인에 프렛을 추가하려고 시도했고 유사한 악기를 연주하는 방법을 가르치는 학교를 만들었습니다. 그러나 소리의 상당한 손실로 인해 이 아이디어는 곧 포기되었습니다. Paganini, Lolli, Tartini와 같은 바이올린 거장과 대부분의 작곡가, 특히 Vivaldi는 깨끗한 목으로 연주하는 자유로운 스타일의 가장 열렬한 지지자였습니다.

비디오: 바이올린 듣기