심포니 오케스트라의 간략한 역사. 소리의 기적(심포니 오케스트라에 대하여) 어린이를 위한 심포니 오케스트라에 대한 이야기

음악은 무엇보다도 소리입니다. 시끄럽기도 하고 조용하기도 하고, 빠르기도 하고 느리기도 하고, 리드미컬하기도 하고 그렇지도 않은...

그러나 각각의 소리는 음악을 듣는 사람의 의식, 마음의 상태에 특정한 방식으로 영향을 미칩니다. 그리고 이것이 관현악이라면, 아무도 무관심하게 만들 수 없습니다!

오케스트라. 오케스트라의 종류

오케스트라는 악기를 연주하는 음악가 그룹이며 이러한 악기를 위해 특별히 설계된 작품입니다.

그리고 이 구성에서 오케스트라는 음색, 역동성, 표현력 측면에서 다양한 음악적 가능성을 가지고 있습니다.

어떤 종류의 오케스트라가 있습니까? 주요 내용은 다음과 같습니다.

• 교향곡;
• 수단이되는;
• 민속 악기 오케스트라;
• 바람;
• 재즈;
• 팝.

군악대(군가 연주), 스쿨밴드(학생 포함) 등도 있다.

심포니 오케스트라

이 유형의 오케스트라에는 현악기, 관악기 및 타악기가 포함됩니다.

작은 심포니 오케스트라와 큰 오케스트라가 있습니다.

Maly는 18세기 말에서 19세기 초 작곡가들의 음악을 연주하는 사람입니다. 그의 레퍼토리에는 현대적인 변형이 포함될 수 있습니다. 대규모 심포니 오케스트라는 구성에 더 많은 악기를 추가한다는 점에서 소규모 오케스트라와 다릅니다.

작은 구성에는 반드시 다음이 포함됩니다.

• 바이올린;
• 알토;
• 첼로;
• 더블베이스;
• 바순;
• 어느 한 쪽;
• 파이프;
• 팀파니;
• 플루트;
• 클라리넷;
• 오보에.

큰 도구에는 다음 도구가 포함됩니다.

• 플루트;
• 오보에;
• 클라리넷;
• 콘트라바순.

그건 그렇고, 각 가족의 악기를 최대 5개까지 포함할 수 있습니다. 그리고 또한 대형 오케스트라존재:

• 어느 한 쪽;
• 트럼펫(베이스, 스몰, 알토);
• 트롬본(테너, 테노베이스);
• 튜브.

물론 타악기도 마찬가지입니다.

• 팀파니;
• 종;
• 작고 큰 북;
• 삼각형;
• 그릇;
• 인도 톰톰;
• 하프;
• 피아노;
• 하프시코드.

작은 오케스트라의 특징은 20개 정도의 현악기가 있고, 큰 오케스트라에는 60개 정도가 있다는 것입니다.

지휘자는 심포니 오케스트라를 지휘합니다. 그는 오케스트라의 각 악기의 모든 부분에 대한 완전한 악보인 악보의 도움으로 오케스트라가 연주하는 작업을 예술적으로 해석합니다.

기악 오케스트라

이 유형의 오케스트라는 특정 그룹의 악기 수가 명확하지 않다는 점에서 형태가 다릅니다. 또한 그는 모든 음악을 연주할 수 있습니다(클래식만을 연주하는 심포니 오케스트라와 달리).

특정 유형의 기악 오케스트라는 없지만 일반적으로 다양한 오케스트라와 현대적인 처리로 클래식을 연주하는 오케스트라가 포함됩니다.

에 따르면 역사적 참조, 기악 Peter the Great 아래에서만 러시아에서 활발히 발전하기 시작했습니다. 물론 그녀는 서구의 영향을 받았지만 더 이상 이전과 같은 금지령을 받지 않았습니다. 그리고 연주하는 것뿐만 아니라 악기를 태우는 것이 금지되는 시점에 이르기 전에. 교회는 영혼도 마음도 없기 때문에 하나님께 영광을 돌릴 수 없다고 믿었습니다. 따라서 기악은 주로 서민들 사이에서 발전했습니다.

그들은 플루트, 거문고, 키타라, 플루트, 트럼펫, 오보에, 탬버린, 트롬본, 파이프, 노즐 및 기타 악기로 기악 오케스트라에서 연주합니다.

가장 인기 많은 기악 오케스트라 XX 세기 - 이것은 Paul Mauriat의 오케스트라입니다.

그는 지휘자, 리더, 편곡가였습니다. 그의 오케스트라는 자신의 작곡뿐만 아니라 20세기의 많은 대중 음악 작품을 연주했습니다.

포크 오케스트라

그런 오케스트라에서 주요 악기는 포크입니다.

예를 들어 러시아 민속 오케스트라의 경우 가장 일반적인 것은 domras, balalaikas, psaltery, 버튼 아코디언, 하모니카, zhaleika, 플루트, 블라디미르 호른, 탬버린입니다. 또한 이러한 오케스트라의 추가 악기는 플루트와 오보에입니다.

V. V.가 조직 한 민속 오케스트라는 19 세기 말에 처음 등장했습니다. Andreev. 이 오케스트라는 순회공연을 많이 했고 러시아와 해외에서 큰 인기를 얻었다. 그리고 20세기 초 민속 오케스트라클럽, 문화 궁전 등 모든 곳에서 나타나기 시작했습니다.

브라스 밴드

이러한 유형의 오케스트라는 다양한 관악기와 타악기를 포함하고 있음을 시사합니다. 소형, 중형 및 대형으로 제공됩니다.

재즈 오케스트라

이런 종류의 또 다른 오케스트라는 재즈 밴드라고 불렸습니다.

색소폰, 피아노, 밴조, 기타, 타악기, 트럼펫, 트롬본, 더블베이스, 클라리넷과 같은 악기로 구성됩니다.

일반적으로 재즈는 유럽의 하모니뿐만 아니라 아프리카 리듬과 민속의 영향으로 발전한 음악의 방향입니다.

재즈는 20세기 초 미국 남부에서 처음 등장했습니다. 그리고 곧 전 세계 모든 국가로 퍼졌습니다. 집에서이 음악적 방향은 새로운 방향으로 발전하고 보완되었습니다. 특징한 지역 또는 다른 지역에 나타났습니다.

한때 미국에서 "재즈"와 "대중 음악"이라는 용어는 동일한 의미를 가졌습니다.

재즈 오케스트라는 1920년대에 활발히 결성되기 시작했습니다. 그리고 그들은 40대까지 그대로 유지되었습니다.

일반적으로 참가자는 청소년기부터 이러한 음악 그룹에 참여하여 암기 또는 음표에서 특정 부분을 수행합니다.

1930년대는 재즈 오케스트라의 전성기였다. 당시 가장 유명한 재즈 오케스트라의 리더는 Artie Shaw, Glenn Miller 등이었습니다. 그들의 음악 작품은 그 당시 라디오, 댄스 클럽 등 모든 곳에서 들렸습니다.

요즘에는 재즈 오케스트라와 재즈 스타일로 쓰여진 멜로디도 매우 인기가 있습니다.

더 많은 유형의 뮤지컬 오케스트라가 있지만 기사에서는 주요 오케스트라에 대해 설명합니다.

오케스트라(그리스 오케스트라 출신) - 대규모 기악 연주자 팀. 실내악 앙상블과 달리 오케스트라에서는 일부 연주자들이 함께 연주하는 그룹을 형성합니다. 즉, 같은 부분을 연주합니다.
기악 연주자 그룹이 동시에 음악을 만든다는 아이디어는 고대로 거슬러 올라갑니다. 고대 이집트에서도 소그룹의 음악가들이 다양한 휴일과 장례식에서 함께 연주했습니다.
"오케스트라"( "오케스트라")라는 단어는 비극이나 희극에 참여한 고대 그리스 합창단이 있던 고대 그리스 극장의 무대 앞 원형 플랫폼의 이름에서 유래되었습니다. 르네상스와 그 이후 XVII 세기에 오케스트라는 오케스트라 피트로 변모하여 그 안에 위치한 뮤지션 그룹에 이름을 부여했습니다.
오케스트라에는 군용 금관악기 및 목관악기 오케스트라, 민속 악기 오케스트라, 현악 오케스트라 등 다양한 유형이 있습니다. 구성이 가장 크고 기능면에서 가장 풍부한 것은 심포니 오케스트라입니다.

교향곡현악기, 관악기 및 타악기 계열과 같은 여러 가지 이기종 악기 그룹으로 구성된 오케스트라라고합니다. 그러한 협회의 원칙은 유럽에서 다음과 같이 발전했습니다. XVIII 세기. 처음에 심포니 오케스트라에는 그룹이 포함되었습니다. 구부러진 악기, 몇 개의 타악기에 인접한 나무 및 금관 악기. 그 결과 각 그룹의 구성이 확장되고 다양해졌습니다. 현재 다양한 심포니 오케스트라 중에서 소규모와 대규모 심포니 오케스트라를 구분하는 것이 일반적입니다. 소규모 심포니 오케스트라는 주로 클래식 작곡(18세기 후반 ~ 19세기 초반 또는 현대 파스티셰 음악 연주)의 오케스트라입니다. 플루트 2개(드물게 작은 플루트), 오보에 2개, 클라리넷 2개, 바순 2개, 호른 2개(드물게 4개), 트럼펫 2개와 팀파니, 문자열 그룹 20개 이하의 악기(제1바이올린 5개, 제2바이올린 4개, 비올라 4개, 첼로 3개, 더블베이스 2개). 대규모 심포니 오케스트라(BSO)는 구리 그룹에 필수 트롬본을 포함하며 모든 구성을 가질 수 있습니다. 종종 목제 악기(플루트, 오보에, 클라리넷 및 바순)는 각 제품군의 최대 5개 악기(때로는 더 많은 클라리넷)에 도달하며 다양한 종류(픽 및 알토 플루트, 큐피드 오보에 및 잉글리쉬 오보에, 스몰, 알토 및 베이스 클라리넷, 콘트라바순)를 포함합니다. 구리 그룹은 최대 8개의 호른(특수 바그너 튜바 포함), 5개의 트럼펫(스몰, 알토, 베이스 포함), 3-5개의 트롬본(테너 및 테너베이스) 및 튜바를 포함할 수 있습니다. 색소폰이 자주 사용됩니다(재즈 오케스트라에서는 4가지 유형 모두). 스트링 그룹은 60개 이상의 악기에 도달합니다. 타악기는 많습니다 (팀파니, 벨, 크고 작은 드럼, 삼각형, 심벌즈 및 인디언 탐톰이 백본을 형성하지만) 하프, 피아노, 하프시 코드가 자주 사용됩니다.
오케스트라의 소리를 설명하기 위해 녹음을 사용하겠습니다. 마지막 콘서트"유튜브 심포니 오케스트라". 콘서트는 2011년 호주 시드니에서 열렸습니다. 안에 살다전 세계 수백만 명의 사람들이 텔레비전으로 시청했습니다. YouTube 심포니는 음악에 대한 사랑을 키우고 인류의 광대한 창의적 다양성을 보여주는 데 전념하고 있습니다.

콘서트 프로그램에는 잘 알려진 작곡가와 잘 알려지지 않은 작곡가의 잘 알려진 작품과 잘 알려지지 않은 작품이 포함되었습니다.

그의 프로그램은 다음과 같습니다.

헥토르 베를리오즈 - 로마의 사육제 - 서곡, Op. 9 (Android Jones 피처링 - 디지털 아티스트)
마리아 치오시 만나기
Percy Grainger - Arrival on a Platform Humlet from in a Nutshell - 모음곡
요한 제바스티안 바흐
Paulo Calligopoulos를 만나보세요 - 일렉트릭 기타와 바이올린
알베르토 히나스테라 - 발레 에스탄시아(일리치 리바스 지휘)의 Danza del trigo(밀 춤)와 마지막 Danza(말람보)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" 종 "idol mio" - Canon in three voices, K562 (Sydney Children's Choir와 소프라노 Renee Fleming이 비디오를 통해 출연)
Xiomara Mass - Oboe를 만나보세요
Benjamin Britten - The Young Person's Guide to the Orchestra, Op.34
William Barton - Kalkadunga (William Barton - Didgeridoo 출연)
티모시 컨스터블
Roman Riedel 소개 - 트롬본
리하르트 슈트라우스 - 빈 필하모닉을 위한 팡파르 (세라 윌리스, 호른, 베를린 필하모닉 출연, 에드윈 아웃워터 지휘)
*프리미어* Mason Bates - Mothership (YouTube 심포니 오케스트라를 위해 특별히 작곡됨 2011)
수창을 만나다
펠릭스 멘델스존 - 바이올린 협주곡 마단조 Op. 64(피날레)(Stefan Jackiw 출연, Ilyich Rivas 지휘)
Ozgur Baskin을 만나다 - 바이올린
Colin Jacobsen과 Siamak Aghaei - Ascending Bird - 현악 오케스트라를 위한 모음곡(Colin Jacobsen, 바이올린, Richard Tognetti, 바이올린, Kseniya Simonova - 모래 예술가 출연)
Stepan Grytsay 만나기 - 바이올린
이고르 스트라빈스키 - 불새 (Infernal Dance - Berceuse - Finale)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (피처링 Eugene Izotov - oboe, and Andrew Mariner - 클라리넷)

심포니 오케스트라의 역사

심포니 오케스트라는 수세기에 걸쳐 형성되었습니다. 개발 오랫동안오페라와 교회 앙상블의 깊이에서 일어났습니다. 이러한 팀은 XV - XVII 세기 작고 다양했다. 그들은 류트, 비올, 오보에가 있는 플루트, 트롬본, 하프, 드럼을 포함했습니다. 점차 현악기가 우세한 위치를 차지했습니다. 비올은 더 풍부하고 선율적인 소리를 내는 바이올린으로 대체되었습니다. 맨 위로 XVIII V. 그들은 이미 오케스트라에서 최고를 군림했습니다. 별도의 그룹과 관악기(플루트, 오보에, 바순)가 통합되었습니다. 교회 오케스트라에서 그들은 심포니 트럼펫과 팀파니로 전환했습니다. 하프시코드는 기악 앙상블에서 빼놓을 수 없는 멤버였습니다.
이러한 구성은 J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi의 전형이었습니다.
중간에서 XVIII V. 교향곡 장르가 발전하기 시작하고 기악 콘서트. 폴리포닉 스타일에서 벗어나 작곡가들은 음색의 다양성, 오케스트라 목소리에서 부조를 뽑아내려고 애쓰게 되었습니다.
새 도구의 기능이 변경됩니다. 약한 소리를 내는 하프시코드는 점점 주역의 역할을 잃어가고 있다. 곧 작곡가들은 주로 현과 관악기에 의존하여 완전히 포기했습니다. 말 XVIII V. 약 30개의 현, 2개의 플루트, 2개의 오보에, 2개의 바순, 2개의 파이프, 2-3개의 호른 및 팀파니 등 소위 오케스트라의 클래식 구성이 형성되었습니다. 클라리넷은 곧 황동에 합류했습니다. J. Haydn, W. Mozart는 그러한 작곡을 위해 썼습니다. L. Beethoven의 초기 작곡에 나오는 오케스트라입니다. 안에 XIX V.
오케스트라의 발전은 주로 두 가지 방향으로 진행되었습니다. 한편으로는 구성이 증가하면서 다양한 유형의 악기로 풍부해졌습니다 (주로 Berlioz, Liszt, Wagner와 같은 낭만적 인 작곡가의 장점은 이것에 좋습니다). 반면에 오케스트라의 내부 기능은 다음과 같이 발전했습니다. 음색이 더 깨끗해졌고 질감이 더 깨끗해졌으며 표현력이 풍부한 리소스가 더 경제적입니다(예: Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov의 오케스트라). 오케스트라 팔레트와 후기의 많은 작곡가를 크게 풍부하게 함 XIX - XX의 상반기 V. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich 등).

심포니 오케스트라의 구성

현대 심포니 오케스트라는 4개의 주요 그룹으로 구성됩니다. 오케스트라의 기초는 현악단(바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스)이다. 대부분의 경우 현악기는 오케스트라에서 멜로디 시작의 주요 전달자입니다. 현악기를 연주하는 뮤지션의 수는 전체 밴드의 약 2/3입니다. 목관 악기 그룹에는 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순이 포함됩니다. 그들 각각은 일반적으로 독립 정당을 가지고 있습니다. 음색의 채도, 역동적인 특성 및 다양한 연주 기법에서 구부러진 악기에 양보하는 관악기는 강력한 힘, 컴팩트한 사운드, 밝고 다채로운 색조를 가지고 있습니다. 오케스트라 악기의 세 번째 그룹은 금관악기(호른, 트럼펫, 트롬본, 트럼펫)입니다. 그들은 오케스트라에 새롭고 밝은 색상을 가져와 다이내믹한 기능을 풍부하게 하고 사운드에 힘과 광채를 부여하며 베이스 및 리드미컬한 지원 역할도 합니다.
모두 더 큰 가치심포니 오케스트라에서 타악기를 습득하십시오. 그들의 주요 기능은 리드미컬합니다. 또한 특수 사운드 및 노이즈 배경을 만들고 색상 효과로 오케스트라 팔레트를 보완하고 장식합니다. 소리의 특성에 따라 드럼은 두 가지 유형으로 나뉩니다. 일부는 특정 피치가 있고(팀파니, 벨, 실로폰, 벨 등) 정확한 피치가 없는 것(트라이앵글, 탬버린, 소형 및 대형 드럼, 심벌즈) . 주요 그룹에 포함되지 않은 악기 중에서 하프의 역할이 가장 중요합니다. 때때로 작곡가는 오케스트라의 첼레스타, 피아노, 색소폰, 오르간 및 기타 악기를 포함합니다.
심포니 오케스트라의 악기(현악기, 목관악기, 금관악기 및 타악기)에 대한 자세한 정보는 다음에서 찾을 수 있습니다. 대지.
게시물을 준비하는 동안 발견한 또 다른 유용한 사이트인 "음악에 관한 아이들"을 무시할 수 없습니다. 이곳이 어린이를 위한 사이트라는 사실에 겁먹을 필요가 없습니다. 그 안에는 좀 더 단순하고 이해하기 쉬운 언어로만 말하는 꽤 심각한 것들이 있습니다. 여기 링크그의 위에. 그건 그렇고, 심포니 오케스트라에 대한 이야기도 포함되어 있습니다.

수천 년의 역사를 통해 인류는 악기를 만들고 다양한 조합으로 결합했습니다. 그러나 이러한 악기의 조합이 이미 현대 오케스트라에 가까운 형태로 발전한 것은 불과 400년 전의 일입니다.

예전에는 음악가들이 모여서 연주할 때 주변에 있는 악기라면 무엇이든 사용했습니다. 류트에 세 명의 연주자가 있고 하프와 플루트에 두 명이 있다면 그렇게 연주했습니다. 르네상스로 알려진 시대인 16세기 초까지 "앙상블"이라는 단어는 함께 또는 "앙상블"로 음악을 연주하는 음악가, 때로는 가수 그룹을 가리키는 데 사용되었습니다.

작곡가 초기 르네상스그들은 일반적으로 파트를 작성한 악기를 지정하지 않았습니다. 이는 사용 가능한 모든 악기에서 부품을 연주할 수 있음을 의미했습니다. 그러나 17세기 초 이탈리아에서 작곡가 클라우디오 몬테베르디는 자신의 오페라 오르페우스(1607)에 어떤 악기를 곁들일지 선택했고, 어떤 악기에 대해 부품이 쓰여졌는지 정확하게 표시했습니다. 다양한 크기의 비올라 15개, 바이올린 2개, 플루트 4개( 2개의 대형 및 2개의 중간), 2개의 오보에, 2개의 코넷(작은 나무 파이프), 4개의 트럼펫, 5개의 트롬본, 1개의 하프, 2개의 하프시코드 및 3개의 작은 오르간.

본 것처럼, " 르네상스 오케스트라"몬테베르디는 이미 우리가 상상했던 오케스트라와 비슷했습니다. 악기는 그룹으로 구성되어 있고 활을 휘감는 현악기가 많고 매우 다양합니다.

다음 세기(J.S. Bach 시대인 1700년까지)에 오케스트라는 더욱 발전했습니다. 바이올린 계열(바이올린, 비올라, 첼로 및 베이스)이 비올을 대체했으며, 바로크 오케스트라에서는 바이올린 계열이 르네상스 오케스트라의 비올보다 훨씬 더 대표적이었습니다. 바로크 오케스트라의 음악적 지도력은 건반, 하프시코드나 오르간을 연주하는 음악가들이 지휘하는 역할을 했습니다. 바흐는 오케스트라와 함께 일할 때 오르간이나 하프시코드에 앉아 자기 자리에서 오케스트라를 이끌었다.

바로크 시대에는 지휘자가 서서 오케스트라를 지휘하는 경우도 있었지만 이것은 지금 우리가 알고 있는 지휘가 아니었습니다. 1600년대 프랑스 왕의 궁정에서 음악을 맡았던 장 밥티스트 륄리는 바닥에 긴 장대로 악사들을 위해 리듬을 두드리곤 했으나 어느 날 실수로 다리를 다쳐 괴저가 발생했고, 그리고 그는 죽었다!

하이든과 베토벤의 시대인 다음 19세기에는 오케스트라에 더욱 심오한 변화가 있었습니다. 현악기가 그 어느 때보다 중요해졌으며, 키보드 악기반대로 그들은 그림자 속으로 들어갔다. 작곡가들은 특정 악기를 위해 글을 쓰기 시작했습니다. 이것은 각 악기의 음색을 알고 어떤 종류의 음악이 더 잘 들리고 선택한 악기에서 연주하기 더 쉬운지 이해하는 것을 의미했습니다. 작곡가들은 더욱 풍부하고 다양한 사운드와 톤을 생성하기 위해 악기를 결합하는 데 있어 더욱 자유롭고 모험적입니다.

첫 번째 바이올리니스트(또는 반주자)는 의자에서 오케스트라의 연주를 지휘했지만 때로는 몸짓으로 지시해야 했으며 더 잘 보이기 위해 먼저 일반 흰색 종이를 튜브로 말아서 사용했습니다. 이것은 현대적인 지휘봉의 출현으로 이어졌습니다. 1800년대 초, 카를 마리아 폰 베버(Carl Maria von Weber)와 펠릭스 멘델스존(Felix Mendelssohn)과 같은 작곡가 겸 지휘자들은 오케스트라 앞 중앙의 연단에서 처음으로 음악가들을 이끌었습니다.

오케스트라가 점점 커짐에 따라 모든 음악가가 반주자를 보고 따라갈 수 있는 것은 아닙니다. 19세기 말에 오케스트라는 오늘날 우리가 알고 있는 규모와 비율에 이르렀고 심지어 현대를 능가하기도 했습니다. Berlioz와 같은 일부 작곡가는 그러한 거대한 오케스트라만을 위해 음악을 작곡하기 시작했습니다.

악기의 디자인, 구성 및 품질은 지속적으로 개선되고 만들어졌습니다. 새로운 악기피콜로 (piccolo) 및 트럼펫과 같은 오케스트라에서 자신의 위치를 ​​찾았습니다. Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler 및 Richard Strauss를 포함한 많은 작곡가가 지휘자가되었습니다. 오케스트레이션(각 악기를 가장 효과적으로 사용하기 위해 오케스트라의 악기 간에 음악 자료를 분배하는 기술)에 대한 그들의 실험은 20세기로 향하는 길을 보여주었습니다.

Wagner는 더 나아가 베이스 트럼펫을 설계하고 제작했습니다. 바그너 트럼펫), 나팔과 트럼펫의 요소를 결합하여 그녀의 불후의 오페라 <니벨룽겐의 반지>에 새롭고 특별한 사운드를 소개합니다. 그는 또한 오케스트라를 더 잘 통제하기 위해 청중에게 등을 돌린 최초의 지휘자였습니다. 그의 교향곡 중 하나에서 Strauss는 다음과 같이 썼습니다. 알파인 혼용 부품, 12피트 길이의 목제 민속 악기. 이제 고산 뿔이 파이프로 교체되고 있습니다. Arnold Schoenberg는 150개의 악기로 오케스트라를 위해 "Songs Gurre"(Gurrelieder)라는 작품을 만들었습니다.

20세기는 오케스트라와 함께하는 자유와 새로운 실험의 세기였습니다. 지휘자들은 완전히 개인이 되었고 그들 사이에서 그들 자신의 슈퍼스타들이 떠올랐다. 책임감도 몇 배로 늘었지만 관객들의 인지도도 높아졌다.

오케스트라의 기본은 19세기 후반 그대로였고, 작곡가들은 원하는 효과에 따라 악기를 추가하기도 하고 빼기도 했다. 때로는 극도로 확장된 타악기나 목관악기, 금관악기 그룹이었습니다. 그러나 오케스트라의 구성은 고정되었고 기본적으로 일정하게 유지됩니다. 큰 그룹의 활 악기와 작은 그룹의 관악기, 타악기, 하프 및 건반 악기.

수년이 지난 후에도 여전히 작동합니다!

, 첼로 , 더블 베이스 . 지휘자의 의지에 따라 숙련된 음악가의 손에 함께 모여 어떤 음악적 내용, 모든 이미지, 생각을 소리로 표현하고 전달할 수 있는 악기를 형성합니다. 오케스트라 악기의 많은 조합은 천둥 소리, 귀머거리에서 거의 들리지 않는 소리, 날카로운 귀에서 애무하는 부드러운 소리에 이르기까지 거의 무한한 다양한 소리를 제공합니다. 그리고 복잡한 다층 화음, 이기종 멜로디 장식의 패턴이 있고 구불 구불 한 신경총, 거미줄처럼 얇은 천, 작은 소리 "파편" 비유적 표현 S. S. Prokofiev, "마치 오케스트라의 먼지를 털고 있는 것처럼", 그리고 같은 소리를 동시에 연주하는 여러 악기의 강력한 조화 - 이 모든 것이 오케스트라의 영향을 받습니다. 현악기, 관악기, 타악기, 플럭, 건반 등 모든 오케스트라 그룹은 다른 그룹과 분리되어 다른 그룹이 침묵하는 동안 자체 음악 내레이션을 이끌 수 있습니다. 그러나 그들 모두는 완전히, 부분적으로 또는 개별 대표자로서 다른 그룹이나 그 일부와 병합하여 복잡한 음색 합금을 형성합니다. 200년 이상 동안 작곡가들의 가장 소중한 생각, 소리 예술의 역사에서 가장 밝은 이정표는 음악을 구상하고, 작곡하고, 때로는 심포니 오케스트라를 위해 편곡하기도 했습니다.

심포니 오케스트라의 악기 편곡.

음악을 사랑하는 모든 사람은 J. Haydn, W. A. ​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi의 이름을 알고 기억합니다. , P. I. Tchaikovsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin. M. P. Mussorgsky, S. V. Rachmaninov, A. K. Glazunov, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev, N. Ya. Myaskovsky, D. D. Shostakovich, A. I. Khachaturian, K. Debussy, M. Ravel, B. Bartok 및 교향곡, 모음곡, 서곡, 교향시 등의 거장 , 그림, 환상, 오케스트라와 함께하는 기악 협주곡, 마지막으로 칸타타, 오라토리오, 오페라 및 발레는 심포니 오케스트라를 위해 작성되거나 참여합니다 . 그를 위해 글을 쓰는 능력은 깊은 전문 지식, 광범위한 경험, 연습, 그리고 가장 중요한 것은 특별한 음악 작곡 예술의 가장 높고 가장 복잡한 영역입니다. 음악적 능력, 재능, 재능.

심포니 오케스트라의 출현과 발전의 역사는 오래된 악기의 점진적인 구조 조정과 새로운 악기의 발명, 구성의 증가, 악기 조합 사용 방식의 개선의 역사, 즉, 오케스트레이션 또는 악기라고 불리는 음악 과학 분야의 역사, 그리고 마지막으로 교향곡, 오페라, 오라토리오 음악의 역사. "심포니 오케스트라" 개념의 네 가지 측면인 이 네 가지 용어는 모두 밀접하게 관련되어 있습니다. 서로에 대한 그들의 영향은 다양했고 여전히 다양합니다.

고대 그리스에서 "오케스트라"라는 단어는 Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes 시대의 극적인 공연에 없어서는 안될 참가자 인 합창단이있는 극장 무대 앞의 반원형 영역을 의미했습니다. 1702년경, 이 단어는 오페라에 반주하는 기악 연주자들의 앙상블을 위한 작은 공간을 처음으로 지칭했습니다. 실내악에서 기악 그룹이라고 합니다. XVIII 세기 중반. 오케스트라의 역사에 대한 결정적인 구별을 도입했습니다. 대규모 오케스트라는 소규모 실내악 인 앙상블에 반대했습니다. 그때까지 실내악과 오케스트라 음악 사이에 명확한 선이 그어지지 않았습니다.

"심포니 오케스트라"의 개념은 K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart가 살면서 일했던 고전주의 시대에 나타났습니다. 작곡가가 특정 음성, 특정 음악 라인을 연주하는 각 악기의 이름을 음표에 정확하게 쓰기 시작한 후에 이미 발생했습니다. 일찍이 17세기 초. K. Monteverdi는 "Orpheus"에서 각 번호 앞에 그것을 수행할 수 있는 악기만 나열했습니다. 누가 어떤 라인을 플레이해야 하는지에 대한 질문은 열려 있었습니다. 따라서 40대 중 아무 오페라 하우스그의 고향 베니스에서 오르페우스의 한 공연은 다른 공연과 다를 수 있습니다. 작곡가, 바이올리니스트, 지휘자인 J. B. Lully는 루이 14세의 궁정에서 결성되고 Lully 자신이 이끄는 현악 앙상블인 소위 "왕의 바이올린 24개"를 위한 특정 악기 세트를 위해 작곡한 최초의 사람일 것입니다. . 그는 오보에로 뒷받침되는 현악단의 윗목소리와 바순의 아랫목소리를 가졌습니다. 전체 구성과 달리 현이 없는 오보에와 바순이 작곡의 중간 부분에 참여했다.

17세기 내내 그리고 18세기 전반. 오케스트라의 초기 기반인 현악기 그룹이 형성됩니다. 점차적으로 바람 가족의 대표자가 추가됩니다-플루트, 오보에 및 바순, 그리고 뿔. 클라리넷은 당시 극도로 불완전했기 때문에 훨씬 나중에 오케스트라에 들어갔습니다. M. I. Glinka는 그의 "Notes on Instrumentation"에서 클라리넷의 소리를 "거위"라고 부릅니다. 아직 바람 그룹플루트, 오보에, 클라리넷 및 호른(총 2개)의 일부로 모차르트의 프라하 심포니에 등장하며, 그 이전에는 그의 동시대 프랑스인 F. 고섹과 함께 등장합니다. Haydn의 London Symphonies와 L. Beethoven의 초기 교향곡에는 두 개의 트럼펫과 팀파니가 등장합니다. 19세기 오케스트라의 윈드 그룹이 더욱 강화됩니다. 베토벤 교향곡 5번의 피날레에는 관현악 역사상 처음으로 오페라에서만 쓰이던 피콜로 플루트, 콘트라바순, 트롬본 3대가 참여한다. R. Wagner는 또 다른 튜바를 추가하고 파이프 수를 4개로 늘립니다. Wagner는 주로 오페라 작곡가이지만 동시에 뛰어난 심포니스트이자 심포니 오케스트라의 개혁가로 간주됩니다.

XIX-XX 세기 작곡가의 욕망. 사운드 팔레트를 풍부하게 하기 위해 특별한 기술 및 음색 기능을 갖춘 여러 악기를 오케스트라에 도입했습니다.

에게 XIX 후반 V. 오케스트라의 구성은 인상적이며 때로는 거대한 비율로 이루어집니다. 따라서 말러의 교향곡 8번은 우연히 "천 참가자의 교향곡"이라고 불리는 것이 아닙니다. R. Strauss의 교향곡 캔버스와 오페라에는 알토 및 베이스 플루트, 바리톤 오보에(haeckelphone), 소형 클라리넷, 콘트라베이스 클라리넷, 알토 및 베이스 파이프 등 다양한 종류의 관악기가 등장합니다.

XX 세기에. 오케스트라는 주로 타악기로 보충됩니다. 그 전에 오케스트라의 일반적인 멤버는 2-3 팀파니, 심벌즈, 베이스 및 스네어 드럼, 삼각형, 덜 자주 탬버린 및 톰톰, 벨, 실로폰이었습니다. 이제 작곡가들은 반음계인 첼레스타를 제공하는 일련의 관현악 종을 사용합니다. 그들은 오케스트라에 플렉사톤, 종, 스페인식 캐스터네츠, 덜거덕거리는 나무 상자, 딸랑이, 채찍 크래커(그 타격은 총알과 같습니다), 사이렌, 바람과 천둥 기계, 심지어 나이팅게일의 노래까지 도입합니다. 특별 레코드에 기록됨(V 사용됨) 교향시이탈리아 작곡가 O. Respighi "로마의 소나무").

XX 세기 후반. 재즈에서 심포니 오케스트라에 이르기까지 비브라폰, 톰톰, 봉고, 드럼 키트- "찰스턴"("하이햇"), 마라카스와 함께.

현악군과 관악군은 1920년까지 기본적으로 편성이 완료되었다. 오케스트라에는 때때로 색소폰 그룹(Wiese, Ravel, Prokofiev의 작품), 브라스 밴드(Tchaikovsky 및 Stravinsky의 코넷), 하프시코드, 돔라 및 발랄라이카, 기타, 만돌린 등의 개별 대표자가 포함됩니다. 심포니 오케스트라의 부분 작곡: 현악기만, 현과 금관악기, 현과 타악기가 없는 관악기, 타악기가 있는 현.

20세기의 작곡가 챔버 오케스트라를 위해 많은 음악을 씁니다. 그것은 15-20 개의 현, 각각 목 관악기 1 개, 호른 1 개 또는 2 개, 연주자가 한 명인 타악기 그룹, 하프 (대신 피아노 또는 하프시 코드가있을 수 있음)로 구성됩니다. 이와 함께 솔로이스트 앙상블을 위한 작품이 등장하는데, 여기에는 각 다양성(또는 그 중 일부)에서 한 명의 대표가 있습니다. A. Schoenberg, A. Webern, Stravinsky의 모음곡 "The Story of a Soldier", 소련 작곡가의 작품-당시 M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov 등의 실내 교향곡과 연극이 있습니다. 점점 더 작가들은 비정상적이거나 긴급한 구성으로 눈을 돌리고 있습니다. 음색의 역할이 있기 때문에 독특하고 희귀한 소리가 필요합니다. 현대 음악전에 없이 성장했습니다.

그럼에도 불구하고 항상 오래된 음악과 새로운 음악, 최신 음악을 연주할 수 있는 기회를 갖기 위해 심포니 오케스트라의 구성은 안정적입니다. 현대 심포니 오케스트라는 대교향악단(연주자 약 100명), 중형(70~75명), 소형(50~60명)으로 세분됩니다. 대규모 심포니 오케스트라를 기반으로 A.K. » Stravinsky 또는 Ravel의 불타는 볼레로의 "8 개의 러시아 민요" 중 하나를 연주에 필요한 작곡을 각 작품에 대해 선택할 수 있습니다.

무대 위의 뮤지션들은 어떤가요? XVIII-XIX 세기에. 첫 번째 바이올린은 지휘자의 왼쪽에, 두 번째 바이올린은 오른쪽에, 비올라는 첫 번째 바이올린 뒤에, 첼로는 두 번째 바이올린 뒤에 앉았습니다. 현악기 그룹 뒤에는 목관 그룹 앞에, 금관 그룹 뒤에 줄을 지어 앉았습니다. 더블베이스는 오른쪽 또는 왼쪽 배경에 위치했습니다. 나머지 공간은 하프, 첼레스타, 피아노 및 타악기에 할애되었습니다. 우리나라에서 음악가들은 미국 지휘자 L. Stokowski가 1945년에 도입한 계획에 따라 앉습니다. 이 계획에 따르면 지휘자의 오른쪽에 두 번째 바이올린 대신 첼로가 전경에 배치됩니다. 그들의 이전 장소는 이제 두 번째 바이올린이 차지하고 있습니다.

심포니 오케스트라는 지휘자가 지휘합니다. 그는 오케스트라의 연주자들을 하나로 묶고 리허설과 콘서트에서 연주 계획을 실현하기 위해 모든 노력을 기울입니다. 지휘는 특별히 고안된 손 움직임 시스템을 기반으로 합니다. 지휘자는 보통 오른손에 지휘봉을 잡습니다. 가장 중요한 역할은 그의 얼굴, 외모, 표정입니다. 지휘자는 고등 교육을 받은 사람이어야 합니다. 그는 다양한 시대와 스타일의 음악에 대한 지식, 오케스트라 악기 및 그 기능, 예리한 귀, 작곡가의 의도에 깊이 침투하는 능력이 필요합니다. 연기자의 재능은 그의 조직 및 교육 능력과 결합되어야 합니다.

• 배경
• 오케스트라 장르및 양식
• 만하임 예배당
• 궁정 악사

배경

고대부터 사람들은 악기 소리가 인간의 기분에 미치는 영향에 대해 알고 있었습니다. 하프, 거문고, 키타라, 케만차 또는 리드 플루트의 부드럽지만 선율적인 연주는 기쁨, 사랑 또는 평화의 감정을 불러일으키고 소리는 동물의 뿔(예: 히브리 쇼파르) 또는 금속 파이프는 종교적 감정. 호른과 트럼펫에 추가된 드럼과 기타 타악기는 두려움에 대처하는 데 도움이 되었고 공격성과 호전성을 일깨웠습니다. 유사한 여러 악기의 합주 연주가 소리의 밝기뿐만 아니라 청취자에 대한 심리적 영향(많은 사람이 같은 멜로디를 함께 부를 때 발생하는 것과 동일한 효과)을 향상시킨다는 사실은 오래 전부터 알려져 왔습니다. 따라서 사람들이 정착하는 곳마다 성전 의식, 결혼, 매장, 대관식, 군사 퍼레이드, 궁전에서의 오락과 같은 연주와 함께 전투 또는 공개 엄숙한 행사와 함께 음악가 협회가 점차 등장하기 시작했습니다.

그러한 협회에 대한 최초의 서면 언급은 모세 오경과 다윗의 시편에서 찾을 수 있습니다. 일부 시편의 시작 부분에는 어떤 악기를 반주해야 하는지에 대한 설명과 함께 합창단 지도자에게 호소가 있습니다. 이것 또는 저 텍스트. 메소포타미아와 이집트 파라오, 고대 중국과 인도, 그리스와 로마에는 음악가 그룹이 있었습니다. 비극을 공연하는 고대 그리스 전통에는 악기를 연주하는 배우와 무용가의 공연과 함께 음악가가 앉는 특별한 플랫폼이있었습니다. 이러한 플랫폼 높이를 "오케스트라"라고 불렀습니다. 따라서 "오케스트라"라는 단어의 발명에 대한 특허는 고대 그리스인들에게 남아 있지만 사실 오케스트라는 훨씬 더 일찍 존재했습니다.

Boscoreal에 있는 로마 빌라의 프레스코화. 기원전 50-40년대 이자형.메트로폴리탄 미술관

서유럽 문화에서 오케스트라로서의 음악가 협회는 즉시 호출되기 시작하지 않았습니다. 처음에는 중세와 르네상스 시대에 예배당이라고 불렸습니다. 이 이름은 음악이 연주되는 특정 장소에 속하는 것과 관련이 있습니다. 그러한 예배당은 처음에는 교회에 있었고 그 다음에는 법정에 있었습니다. 그리고 아마추어 음악가들로 구성된 마을 예배당도 있었다. 이 채플은 사실상 대중 현상이었습니다. 그리고 마을 연주자들과 그들의 악기의 수준은 전문 궁정 및 사원 예배당과 비교할 수 없지만 마을의 전통과 이후의 도시 민속 기악이 위대한 작곡가와 유럽 음악 문화 전체에 미치는 영향을 과소 평가해서는 안됩니다. Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti의 음악은 문자 그대로 민속 기악 음악 제작의 전통에 의해 수정되었습니다.

고대 문화와 마찬가지로 유럽에서도 성악과 기악으로의 초기 구분이 없었습니다. 중세 초기부터 기독교 교회는 모든 것을 지배했고 교회의 기악은 항상 지배적이었던 복음 말씀을 뒷받침하는 반주로 발전했습니다. 결국 "태초에 말씀이 있었다". 따라서 초기 채플은 노래하는 사람과 가수를 동반하는 사람입니다.

어느 순간 '오케스트라'라는 단어가 등장한다. 동시에 모든 곳은 아니지만. 예를 들어 독일에서는 이 단어가 로맨스 국가보다 훨씬 늦게 확립되었습니다. 이탈리아에서 오케스트라는 항상 음악의 보컬 부분이 아니라 기악을 의미했습니다. 오케스트라라는 단어는 그리스 전통에서 직접 차용되었습니다. 이탈리아 오케스트라는 오페라 장르의 출현과 함께 16-17세기 초에 생겨났습니다. 그리고이 장르의 엄청난 인기로 인해이 단어는 전 세계를 빠르게 정복했습니다. 따라서 현대 오케스트라 음악에는 사원과 극장이라는 두 가지 소스가 있다고 말하는 것이 안전합니다.

크리스마스 미사. Limburg 형제가 만든 Berry 공작의 장엄한 시간의 책 미니어처. 15세기양 65/1284, fol. 158r / 콩데 미술관 / Wikimedia Commons

그리고 독일에서는 오랫동안 중세 부흥 시대의 "채플"이라는 이름을 고수했습니다. 20세기까지 많은 독일 궁정 오케스트라는 채플이라고 불렸습니다. 오늘날 세계에서 가장 오래된 오케스트라 중 하나는 드레스덴에 있는 Saxon State(과거에는 Saxon Court) 예배당입니다. 그 역사는 400년 이상 거슬러 올라갑니다. 그녀는 항상 아름다움을 높이 평가하고 이와 관련하여 모든 이웃보다 앞서 있던 색슨 선거인의 법정에 나타났습니다. 베를린과 바이마르 주립 예배당은 물론 리하르트 슈트라우스가 밴드 마스터(현재 지휘자)로 시작했던 유명한 마이닝겐 궁정 예배당도 있습니다. 그건 그렇고, 독일어 "kapellmeister"(채플 마스터)라는 단어는 오늘날에도 음악가들에 의해 "지휘자"라는 단어와 동등한 의미로 사용되지만 더 자주 아이러니하게도 때로는 부정적인 의미로 사용됩니다(장인의 의미에서, 아티스트가 아닙니다). 그리고 그 당시이 단어는 "음악을 작곡하는 합창단이나 오케스트라의 리더"라는 복잡한 직업의 이름으로 정중하게 발음되었습니다. 사실, 일부 독일 오케스트라에서는 이 단어가 위치 지정으로 보존되었습니다. 예를 들어 Leipzig Gewandhaus Orchestra에서 수석 지휘자는 여전히 Gewandhaus Kapellmeister라고 불립니다.

XVII-XVIII 세기: 궁정 장식으로서의 오케스트라

장 밥티스트 륄리의 밤의 왕립 발레단의 루이 14세. Henri de Gisset의 스케치. 1653년극 중 왕은 떠오르는 태양 역을 맡았다. 위키미디어 공용

르네상스 오케스트라와 이후의 바로크 오케스트라는 대부분 궁정이나 교회에서 사용되었습니다. 그들의 목적은 예배에 동행하거나 권력자들을 달래고 즐겁게 하는 것이었습니다. 그러나 많은 봉건 통치자들은 상당히 발달된 미적 감각을 가지고 있었고, 게다가 그들은 서로 자랑하기를 좋아했습니다. 누군가는 군대를 자랑했고 누군가는 기괴한 건축물을 가지고 있었고 누군가는 정원을 가꾸었고 누군가는 법원 극장이나 오케스트라를 유지했습니다.

예를 들어, 프랑스 왕 루이 14세는 관악기와 타악기로 구성된 왕립 마굿간 앙상블과 왕이 이끄는 소위 "왕의 바이올린 24대"라는 두 개의 오케스트라를 가졌습니다. 유명한 작곡가 Moliere와 협력하여 프랑스 오페라의 창시자이자 최초의 전문 지휘자로 역사에 남을 Jean Baptiste Lully. 나중에 1660 년 군주제 복원 기간 동안 프랑스에서 돌아온 영국 왕 찰스 2 세 (처형 된 찰스 1 세의 아들)도 프랑스 모델에 따라 왕실 예배당에 "24 왕의 바이올린"을 만들었습니다. Royal Chapel 자체는 14 세기부터 존재했으며 Elizabeth I 통치 기간에 절정에 이르렀습니다. 법원 오르간 연주자는 William Bird와 Thomas Tallis였습니다. 그리고 Charles II의 법정에서 훌륭한 영국 작곡가 Henry Purcell이 봉사하여 Westminster Abbey와 Royal Chapel에서 오르간 연주자의 위치를 ​​결합했습니다. 16-17 세기 영국에는 오케스트라에 대한 또 다른 특정 이름이 있었는데 일반적으로 작은 이름 인 "배우자"였습니다. 후기 바로크 시대에 "배우자"라는 단어는 사용되지 않게 되었고 실내악이라는 개념, 즉 "룸" 음악이 대신 등장했습니다.

Royal Ballet of the Night의 전사 복장. Henri de Gisset의 스케치. 1653년위키미디어 공용

바로크 양식의 엔터테인먼트가 17세 말- XVIII 세기의 시작, 점점 더 고급스러워집니다. 그리고 더 이상 적은 수의 도구로 관리할 수 없었습니다. 고객은 "더 크고 더 비싼" 것을 원했습니다. 물론 모든 것은 "저명한 후원자"의 관대함에 달려 있습니다. Bach가 그의 주인에게 편지를 써서 기악 파트 당 적어도 2 ~ 3 개의 바이올린을 할당하도록 설득했다면 Handel에서는 동시에 24 명의 오보에 연주자, 12 명의 바순 연주자, 9 명의 호른 연주자가 첫 공연에 참여했습니다. "왕실 불꽃놀이를 위한 음악", 9명의 트럼펫 연주자와 3명의 팀파니 연주자(예: 13개의 지정된 파트에 57명의 연주자). 그리고 1784년 런던에서 열린 헨델의 "메시아" 공연에는 525명이 참여했습니다. 대부분의 바로크 작가는 오페라를 썼고 연극 오페라 오케스트라는 항상 작곡가를위한 일종의 창의적인 실험실이었습니다. 특이한 악기를 포함하여 모든 종류의 실험을위한 장소였습니다. 예를 들어, 17세기 초에 Monteverdi는 지옥의 분노를 묘사하기 위해 역사상 최초의 오페라 중 하나인 그의 오페라 Orfeo의 오케스트라에 트롬본 부분을 도입했습니다.

Florentine Camerata (16-17 세기 전환기) 이후로 모든 오케스트라에는 전체 뮤지션 그룹이 연주하고베이스 음자리표의 한 줄에 녹음되는 저음 연속 부분이있었습니다. 베이스 라인 아래의 숫자는 특정 하모닉 시퀀스를 나타냅니다. 연주자는 모든 음악적 질감과 장식을 즉석에서 즉석에서 즉석에서 새로 만들어야 했습니다. 예, 구성은 특정 예배당에서 사용할 수 있는 악기에 따라 달라집니다. 하나의 건반 악기, 가장 자주 하프시 코드의 존재는 의무적이었습니다. 교회 음악이 악기는 대부분 오르간이었습니다. 하나의 현 활 - 첼로, 비올라 다 감바 또는 비올론(현대 더블 베이스의 선구자); 하나의 현을 뽑은 류트 또는 테오르보. 그러나 통주 저음 그룹에서는 여러 하프시코드를 포함하여 6~7명이 동시에 연주했습니다(Purcell과 Rameau는 3~4개를 가지고 있었습니다). 19세기에 오케스트라에서 건반과 뽑아내는 악기가 사라졌다가 20세기에 다시 등장했습니다. 그리고 1960년대 이후로 심포니 오케스트라에서 전 세계 거의 모든 악기를 사용할 수 있게 되었습니다. 즉, 악기 편성에 대한 접근 방식이 바로크식에 가깝습니다. 따라서 바로크가 현대 오케스트라를 탄생시켰다고 볼 수 있다.

계측, 구조, 표기법

San Millan de la Cogoglia의 수도원 목록에 있는 Lieban의 비트 묵시록에 대한 주석의 축소판. 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderón y de San Millán de la Cogolla

현대 청취자에게 "오케스트라"라는 단어는 베토벤, 차이코프스키 또는 쇼스타코비치의 음악에서 발췌한 것과 가장 관련이 있습니다. 라이브와 녹음에서 현대 오케스트라를 들으면서 우리의 기억에 쌓인 엄청나게 기념비적이며 동시에 부드러운 사운드로. 그러나 오케스트라가 항상 이렇게 들리는 것은 아닙니다. 고대 오케스트라와 현대 오케스트라의 많은 차이점 중 가장 중요한 것은 음악가가 사용하는 악기입니다. 특히, 음악이 연주되는 방은 (일반적으로) 현대적인 것보다 훨씬 작았기 때문에 모든 악기는 현대적인 것보다 훨씬 조용하게 들렸습니다. 콘서트 홀. 그리고 공장 경적도, 핵 터빈도, 내연 기관도, 초음속 항공기도 없었습니다. 인간 생활의 일반적인 소리는 오늘날보다 몇 배 더 조용했습니다. 그 소리의 크기는 여전히 자연 현상으로 측정되었습니다. 야생 동물의 포효, 뇌우 동안의 천둥, 폭포 소리, 떨어지는 나무의 딱딱 거리는 소리 또는 산이 떨어지는 소리, 박람회장에서 도시 광장에 모인 군중의 포효 낮. 따라서 음악은 자연 그 자체와만 밝음에서 경쟁할 수 있었다.

현악기에 매달린 현은 소 힘줄 (오늘날 금속으로 만들어짐)로 만들어졌으며 활은 더 작고 가벼우 며 모양이 약간 다릅니다. 이로 인해 현의 소리는 오늘날보다 "따뜻하지만" 덜 "부드럽습니다". 멍청한 관악기보다 자신 있고 정확하게 플레이할 수 있는 모든 최신 밸브 및 기타 기술 장치가 없었습니다. 그 당시의 목관 악기는 음색 측면에서 더 개별적으로 들렸으며 때로는 다소 어긋나고 (연주자의 기술에 따라 다름) 현대 목 관악기보다 몇 배 더 조용했습니다. 금관악기는 모두 완전히 자연스러웠습니다. 즉, 자연스러운 음계의 소리만 낼 수 있었는데, 대부분의 경우 짧은 팡파르만 연주할 수 있을 뿐 확장된 멜로디는 연주할 수 없었습니다. 동물 가죽은 드럼과 팀파니 위로 늘어졌습니다 (이 관행은 오늘날에도 여전히 존재하지만 플라스틱 막이있는 타악기는 오랫동안 등장했습니다).

오케스트라의 순서는 일반적으로 오늘날보다 낮았습니다. 평균적으로 반음, 때로는 온음이었습니다. 그러나 여기에도 단일 규칙이 없었습니다. 루이 14 세의 궁정에서 첫 번째 옥타브 (오케스트라가 전통적으로 조정되는 방식에 따라)의 톤 시스템은 Hertz 스케일에서 392였습니다. Charles II의 궁정에서 그들은 A를 400에서 408Hz로 조정했습니다. 동시에 사원의 오르간은 종종 궁전 방에 서 있던 하프시 코드보다 높은 톤으로 조정되었습니다 (아마도 이것은 난방 때문이었을 것입니다. 현악기는 건조한 열에서 조정되고 반대로 감소하기 때문입니다. 추위로부터, 관악기는 종종 반대 경향을 보입니다). 따라서 Bach 시대에는 소위 kammer-ton (현대 "음차"-그것에서 파생 된 단어), 즉 "룸 시스템"과 orgel-ton, 즉 두 가지 주요 시스템이있었습니다. , "오르간 시스템"(일명 "합창음"). 그리고 A의 룸 튜닝은 415헤르츠인 반면 오르간 튜닝은 항상 더 높았고 때때로 465헤르츠에 도달했습니다. 그리고 현대 콘서트 튜닝 (440 헤르츠)과 비교하면 첫 번째는 반음 낮고 두 번째는 현대보다 반음 높습니다. 따라서 오르간 시스템을 염두에 두고 쓴 바흐의 일부 칸타타에서 저자는 관악기의 부분을 즉시 조바꿈, 즉 합창단과 통주저음 부분보다 반음 높게 썼다. 이것은 궁정 실내악에서 주로 사용되는 관악기가 오르간의 높은 조율에 적합하지 않았기 때문입니다(플루트와 오보에가 카머톤보다 약간 낮을 수 있으므로 세 번째 악기도 있었습니다). - 낮은 카머톤) 톤). 그리고 이것을 모르고 오늘 음표에서 문자 그대로 그러한 칸타타를 연주하려고하면 저자가 의도하지 않은 불협화음을 얻게 될 것입니다.

"플로팅" 시스템이 있는 이러한 상황은 2차 세계대전까지 지속되었습니다. 다른 나라, 그러나 같은 국가의 다른 도시에서는 시스템이 서로 크게 다를 수 있습니다. 1859년에 프랑스 정부는 A-435Hz의 조율을 승인하는 법률을 공표하여 조율을 표준화하려는 첫 번째 시도를 했지만 다른 국가에서는 조율이 계속 극도로 달랐습니다. 그리고 1955년에만 국제기구표준화에 관해서는 440Hz의 콘서트 튜닝에 관한 법률이 오늘날까지 채택되었습니다.

하인리히 이그나츠 비버. 1681년 판화위키미디어 공용

바로크 및 고전 작가들은 현악기 음악과 관련된 튜닝 분야에서 다른 작업도 수행했습니다. 우리는 "scordatura", 즉 "현 튜닝"이라는 기술에 대해 이야기하고 있습니다. 동시에 바이올린이나 비올라와 같은 일부 현은 악기에 대해 다른 비정형 음정으로 조율되었습니다. 덕분에 작곡가는 작곡의 키에 따라 더 많은 수의 열린 현을 사용할 기회를 얻었고 악기의 더 나은 공명을 이끌어 냈습니다. 그러나이 scordatura는 종종 실제 사운드가 아니라 조옮김으로 녹음되었습니다. 따라서 악기(및 연주자)의 사전 준비 없이는 이러한 구성을 제대로 수행할 수 없습니다. scordatura의 유명한 예는 Heinrich Ignaz Bieber의 바이올린 소나타 묵주기도(신비)(1676)입니다.

르네상스 시대와 초기 바로크 시대에는 작곡가가 작곡할 수 있는 선법의 범위와 이후의 조가 자연적인 장벽에 의해 제한되었습니다. 이 장벽의 이름은 피타고라스식 쉼표입니다. 위대한 그리스 과학자 피타고라스는 자연 음계의 첫 번째 음정 중 하나인 순수 5도에 따라 튜닝 악기를 제안한 최초의 인물입니다. 그러나 이런 식으로 현악기를 조율하면 5도(4옥타브)의 전체 원을 통과한 후 C-샤프 음이 C에서 훨씬 더 높게 들립니다. 그리고 고대부터 음악가와 과학자들은 자연스러운 음계의 자연스러운 결함인 불균일성을 극복하여 모든 음조를 동등하게 사용할 수 있는 이상적인 악기 튜닝 시스템을 찾으려고 노력했습니다.

각 시대에는 고유한 질서 체계가 있었습니다. 그리고 각각의 시스템은 고유한 특성을 가지고 있었는데, 현대 피아노의 소리에 익숙한 우리의 귀에는 그것이 거짓으로 보입니다. 19세기 초부터 모든 건반 악기는 한 옥타브를 12개의 완벽하게 동일한 반음으로 나누는 균일한 음계로 조율되었습니다. 고른 튜닝은 피타고라스의 쉼표 문제를 단번에 해결할 수 있었지만 순수한 3도 및 5도 소리의 자연스러운 아름다움을 희생시키는 현대 정신에 매우 가까운 타협입니다. 즉, 현대 피아노에서 연주되는 모든 음정(옥타브 제외)은 자연 음계에 해당하지 않습니다. 그리고 중세 후기부터 존재해 온 수많은 튜닝 시스템에서 일정한 수의 순수한 음정이 보존되어 모든 키가 매우 개별적인 사운드를 받았습니다. 하프시코드나 오르간의 모든 키를 사용할 수 있게 해주는 좋은 평균율(Bach의 평균율 클라비에 참조)이 발명된 후에도 키 자체는 여전히 개별 색상을 유지했습니다. 따라서 바로크 음악의 근본이 되는 정서 이론의 출현 표현 수단- 멜로디, 하모니, 리듬, 템포, 질감 및 음조 자체의 선택은 특정 감정 상태와 불가분의 관계가 있습니다. 또한 사용되는 톤에 따라 동일한 톤이 될 수 있습니다. 이 순간목가적이거나 순진하거나 관능적이거나 엄숙하게 슬퍼하거나 악마처럼 위협적으로 들리도록 건물을 짓습니다.

작곡가에게 하나의 키 또는 다른 키의 선택은 18-19세기로 전환될 때까지 특정 감정 세트와 불가분의 관계가 있었습니다. 또한 하이든 D장조가 "장엄한 감사, 전투"처럼 들렸다면 베토벤에게는 "고통, 고뇌 또는 행진"처럼 들렸습니다. Haydn은 E 장조를 "죽음에 대한 생각"과 연관 시켰고 Mozart에게는 "엄숙하고 숭고한 초월"을 의미했습니다 (이 모든 별명은 작곡가 자신의 인용문입니다). 따라서 초기 음악을 연주하는 음악가의 의무적 덕목 중에는 감정 구조와 "코드"를 인식할 수 있게 해주는 음악 및 일반 문화 지식의 다차원 시스템이 있습니다. 다른 구성다양한 작가와 동시에 게임에서 기술적으로 구현하는 능력.

또한 표기법에도 문제가 있습니다. 17-18 세기의 작곡가는 다가오는 작품 공연과 관련된 정보의 일부만 의도적으로 녹음했습니다. 프레이즈, 뉘앙스, 아티큘레이션, 특히 절묘한 장식 - 바로크 미학의 필수 부분 - 이 모든 것은 음악가의 자유로운 선택에 맡겨졌고, 따라서 작곡가의 공동 창작자가 되었으며 그의 의지에 순종하는 집행자가 되었습니다. 따라서 바로크 및 초기 클래식 음악의 진정으로 뛰어난 연주는 빈티지 악기현대 악기로 후기 음악을 마스터링하는 거장 못지않게 어려운 작업입니다. 60여 년 전에 고대 악기 연주에 열광하는 최초의 애호가("진정주의자")가 나타났을 때 그들은 종종 동료들 사이에서 적대감을 느꼈습니다. 이것은 부분적으로는 전통파 음악가들의 관성 때문이었고, 부분적으로는 음악적 진정성 개척자 자신의 기술 부족 때문이었습니다. 음악계에서는 "시든 나무"(목관 악기) 또는 "녹슨 고철"(금관 악기)에 애처로운 가짜 울음 소리를 게시하는 것보다 자신을 위해 더 나은 용도를 찾지 못한 패자로서 그들에 대해 일종의 오만하고 아이러니 한 태도가있었습니다. 그리고 이러한 (확실히 불행한) 태도는 최근까지 지속되었고, 고대 악기 연주 수준이 지난 수십 년 동안 너무 많이 성장하여 적어도 바로크와 초기 고전 분야에서는 정통파들이 오랫동안 따라 잡고 더 단조롭고 무겁게 들리는 현대 오케스트라를 능가했습니다.

오케스트라 장르와 형식

가족과 함께 있는 피에르 무쉐론의 초상화 조각. 저자 불명. 1563년암스테르담 국립 박물관

"오케스트라"라는 단어가 오늘날 우리가 의미하는 바를 항상 의미하는 것은 아니었듯이 "심포니"와 "콘서트"라는 단어는 원래 약간 다른 의미를 가졌고 시간이 지남에 따라 점차적으로 현대적인 의미를 얻었습니다.

콘서트

"콘서트"라는 단어에는 몇 가지 가능한 기원이 있습니다. 현대 어원은 이탈리아어 콘체르타레에서 "합의에 도달하다" 또는 라틴어 concinere, concino에서 "함께 노래하다, 찬양하다"로 번역하는 경향이 있습니다. 또 다른 가능한 번역은 라틴어 콘체르타레의 "분쟁, 경쟁"입니다. 개별 연주자(솔리스트 또는 솔리스트 그룹)가 팀(오케스트라)과 음악에서 경쟁합니다. 초기 바로크 시대에 성악 악기 작품은 종종 협주곡이라고 불렸으며 나중에는 라틴 칸토인 칸타레("노래하다")에서 칸타타로 알려지게 되었습니다. 시간이 지나면서 콘서트는 순전히 기악 장르(20세기 작품 중에서 Reinhold Gliere의 음성 협주곡과 관현악 협주곡 같은 희소성도 찾을 수 있습니다). 바로크 시대독주 협주곡(하나의 악기와 반주 오케스트라)과 소규모 독주자 그룹(concertino)과 더 많은 악기가 있는 그룹(ripieno, 즉 , "채우기", "채우기"). 리피에노 그룹의 음악가들은 리피에니스트라고 불렸다. 현대 오케스트라 연주자의 선구자가 된 것은 바로 이러한 리피에니스트였습니다. 리피에노로서 현악기와 통주저음만 사용되었습니다. 솔리스트는 바이올린, 첼로, 오보에, 리코더, 바순, 비올라 다모르, 류트, 만돌린 등 매우 다를 수 있습니다.

Concerto Grosso에는 Concerto da chiesa("교회 콘서트")와 Concerto da Camera("실내 콘서트")의 두 가지 유형이 있습니다. 둘 다 주로 12개의 협주곡을 작곡한 Arcangelo Corelli 덕분에 사용되었습니다(1714). 이 사이클은 이 장르의 걸작으로 인정받는 두 개의 협주곡 그로소 사이클을 남긴 헨델에게 강한 영향을 미쳤습니다. 바흐의 브란덴부르크 협주곡도 협주곡 그로소의 특징이 뚜렷하다.

바로크 독주 협주곡의 전성기는 일생 동안 현악기와 통주저음을 동반한 다양한 악기를 위한 500곡 이상의 협주곡을 작곡한 안토니오 비발디의 이름과 관련이 있습니다. 기악 교향곡). 리사이틀은 일반적으로 템포가 번갈아 가며 세 부분으로 구성되었습니다. 빠름-느림-빠름; 이 구조는 21세기 초까지 기악 협주곡의 후기 샘플에서 지배적이 되었습니다. 비발디의 가장 유명한 창작물은 바이올린과 현악 오케스트라를 위한 "The Seasons"(1725) 사이클로, 각 협주곡 앞에 시(아마도 비발디 자신이 쓴 것임)가 나옵니다. 시는 특정 계절의 주요 분위기와 사건을 묘사하며, 이는 음악 자체에 구현됩니다. Contest of Harmony and Invention이라는 제목의 12개의 협주곡으로 구성된 더 큰 주기의 일부였던 이 4개의 협주곡은 오늘날 프로그램 음악의 첫 번째 사례 중 하나로 간주됩니다.

이 전통은 Handel과 Bach에 의해 계속되고 발전되었습니다. 게다가 헨델은 무엇보다도 16개의 오르간 협주곡을 작곡했고, 바흐는 당시 바이올린 한 대와 두 대를 위한 전통적인 협주곡 외에도 지금까지 전적으로 저저음 그룹의 악기였던 하프시코드를 위한 협주곡도 작곡했습니다. . 따라서 바흐는 현대 피아노 협주곡의 창시자로 간주될 수 있습니다.

교향곡

그리스어로 심포니는 "협화음", "공동 소리"를 의미합니다. 고대 그리스와 중세 전통에서 교향곡은 하모니의 유포니(오늘날의 음악 언어 - 협화음)라고 불렸으며, 최근에는 덜시머, 허디 거디, 스피넷 또는 처녀. 그리고 XVI-XVII 세기의 전환기에 "심포니"라는 단어가 음성 및 악기 구성의 이름으로 사용되기 시작했습니다. 이러한 교향곡의 초기 사례로는 Lodovico Grossi da Viadana의 음악 교향곡(1610), Giovanni Gabrieli의 신성한 교향곡(1615), Heinrich Schütz의 신성한 교향곡(op. 6, 1629 및 op. 10, 1649)이 있습니다. 일반적으로 바로크 시대 전체에 교회와 세속의 다양한 작곡을 교향곡이라고 불렀습니다. 대부분의 경우 교향곡은 더 큰 주기의 일부였습니다. 주로 Scarlatti라는 이름과 관련된 이탈리아 오페라 세리아("진지한 오페라") 장르의 출현과 함께 서곡이라고도 하는 오페라의 기악 소개는 일반적으로 세 부분으로 구성된 교향곡이라고 불렸습니다. 천천히-빠르게. 즉, 오랫동안 "심포니"와 "서곡"은 거의 같은 의미였습니다. 그건 그렇고, 이탈리아 오페라에서 서곡을 교향곡이라고 부르는 전통은 19 세기 중반까지 살아 남았습니다 (예를 들어 Nebuchadnezzar와 같은 Verdi의 초기 오페라 참조).

18세기 이후 여러 부분으로 구성된 기악 교향곡의 유행이 유럽 전역에서 발생했습니다. 그들은 두 가지 모두에서 중요한 역할을 했습니다. 공공 생활교회 예배에서도 마찬가지입니다. 그러나 교향곡의 주요 발생지와 연주는 귀족의 영지였습니다. 18세기 중반(최초의 하이든 교향곡이 등장한 시기)에는 유럽에서 교향곡 작곡을 위한 세 개의 주요 센터(밀라노, 비엔나, 만하임)가 있었습니다. 이 세 센터의 활동, 특히 만하임 궁정 예배당과 그 작곡가들, 그리고 당시 유럽에서 교향곡 장르가 처음 꽃을 피운 것은 요제프 하이든의 작품 덕분이었습니다.

만하임 예배당

얀 슈타미츠위키미디어 공용

하이델베르크에서 카를로스 3세 필립 선제후가 세운 채플은 1720년 이후 만하임에 계속 존재했으며 현대 오케스트라의 첫 번째 원형으로 간주될 수 있습니다. 만하임으로 이사하기 전에도 예배당은 주변 공국에서 가장 많았습니다. 만하임에서는 더욱 성장했고 당시 가장 재능있는 뮤지션들의 참여로 인해 연주의 질도 크게 향상되었습니다. 1741년부터 합창단은 체코의 바이올리니스트이자 작곡가인 Jan Stamitz가 이끌었습니다. 이때부터 만하임 학교의 창설에 대해 이야기 할 수 있습니다. 오케스트라에는 플루트 2개, 오보에 2개, 클라리넷 2개(오케스트라에서는 여전히 드문 게스트), 바순 2개, 호른 2~4개, 트럼펫 2개, 팀파니 등 30개의 현악기, 한 쌍의 관악기가 포함되어 있었습니다. 예를 들어, Haydn이 밴드 마스터로 거의 30 년 동안 봉사했던 Prince Esterhazy의 예배당에서 그의 활동 초기에 음악가의 수는 Esterhazy보다 몇 년 전에 Haydn이 봉사했던 Morzin 백작에서 13-16 명을 초과하지 않았습니다. 그의 첫 번째 교향곡을 썼고 더 많은 음악가가있었습니다 덜-그해 하이든의 악보로 판단하면 플루트조차 없었습니다. 1760년대 후반에 Esterhazy Chapel은 16-18명의 음악가로 성장했고 1780년대 중반에는 최대 24명의 음악가 수에 도달했습니다. 그리고 만하임에는 현의 30명만 있었습니다.

그러나 만하임 거장의 주된 미덕은 양이 아니라 그 당시 집단 공연의 놀라운 품질과 일관성이었습니다. Jan Stamitz와 그 뒤를 이어 이 오케스트라를 위해 음악을 작곡한 다른 작곡가들은 만하임 예배당의 이름과 관련이 있는 점점 더 정교하고 지금까지 들어본 적이 없는 효과를 발견했습니다. (diminuendo), 게임의 갑작스러운 공동 중단(일반 일시 중지), Mannheim 로켓(분해된 화음 소리에 따른 멜로디의 급속한 상승), Mannheim 새( 독주 악절에서 지저귀는 새의 모방) 또는 만하임 절정(크레센도를 위한 준비, 그리고 결정적인 순간에 모든 관악기 연주의 중단과 일부 현의 ​​능동적이고 에너지 넘치는 연주). 이러한 효과 중 많은 부분이 만하임의 젊은 동시대인 Mozart와 Beethoven의 작품에서 제2의 삶을 찾았고 일부는 오늘날에도 여전히 존재합니다.

또한 Stamitz와 그의 동료들은 교회 소나타와 실내 소나타의 바로크 원형과 이탈리아 오페라 서곡에서 파생된 4성부 교향곡의 이상적인 유형을 점차 발견했습니다. 하이든은 수년간의 실험 결과 동일한 4부작 주기에 도달했습니다. 젊은 모차르트는 1777년에 만하임을 방문했고 그곳에서 들었던 음악과 관현악 연주에 깊은 감명을 받았습니다. Stamitz의 죽음 이후 오케스트라를 이끌었던 Christian Cannabih와 Mozart는 만하임 방문 이후 개인적인 우정을 쌓았습니다.

궁정 악사

월급을받는 궁중 악사들의 지위는 당시 매우 유리했지만 당연히 많은 의무가 있었다. 그들은 매우 열심히 일했고 주인의 음악적 변덕을 충족시켜야 했습니다. 그들은 아침 3-4시에 데리러 올 수 있고 주인이 일종의 세레나데를 듣기 위해 엔터테인먼트 음악을 원한다고 말했습니다. 가난한 음악가들은 홀에 들어가 램프를 켜고 연주해야 했습니다. 매우 자주 음악가들은 일주일 내내 일했습니다. 물론 생산 속도 또는 8 시간 근무와 같은 개념은 존재하지 않았습니다 (현대 표준에 따르면 오케스트라 음악가는 하루 6 시간 이상 일할 수 없습니다. 콘서트나 연극 공연을 위한 리허설의 경우). 우리는 하루 종일 놀아야 했기 때문에 하루 종일 놀았습니다. 그러나 소유자 음악 애호가, 음악가는 몇 시간 동안 쉬지 않고 연주 할 수 없다는 것을 가장 자주 이해했습니다. 그는 음식과 휴식이 모두 필요합니다.

Nicola Maria Rossi의 그림 세부. 1732년 Bridgeman 이미지/Fotodom

하이든과 에스테르하지 왕자 예배당

전설에 따르면 유명한 고별 교향곡을 작곡한 하이든은 그의 스승인 에스테르하지에게 약속했지만 잊혀진 휴식에 대해 암시했습니다. 피날레에서 뮤지션들은 모두 차례로 일어 서서 촛불을 끄고 떠났습니다. 힌트는 꽤 이해할 수 있습니다. 그리고 주인은 그들을 이해하고 휴가를 보내도록했습니다. 이는 그를 통찰력과 유머 감각을 가진 사람으로 말합니다. 허구이더라도 그 시대의 정신을 놀랍게 전달합니다. 다른 경우에는 당국의 실수에 대한 그러한 힌트가 작곡가에게 상당한 비용을 들이게 될 수 있습니다.

Haydn의 후원자들은 충분히 교육받은 사람들이었고 음악에 민감했기 때문에 그는 6악장 또는 7악장으로 된 교향곡이든 소위 발달 에피소드의 놀라운 음조 합병증이든 상관없이 그의 실험이 실패하지 않을 것이라는 사실을 믿을 수 있었습니다. 정죄로 받았습니다. 그 반대의 경우도 있습니다. 양식이 더 복잡하고 특이할수록 더 좋아했습니다.
그럼에도 불구하고 하이든은 최초의 뛰어난 작곡가, 겉보기에 편리해 보이지만 일반적으로 궁중의 노예적인 존재에서 해방되었습니다. Nikolaus Esterházy가 사망했을 때 그의 상속인은 오케스트라를 해산했지만 Haydn의 직함과 밴드 마스터의 (감소된) 급여는 유지했습니다. 따라서 Haydn은 무의식적으로 무기한 휴가를 받았고 Impresario Johann Peter Salomon의 초대를 이용하여 다소 노년기에 런던으로갔습니다. 그곳에서 그는 실제로 새로운 오케스트라 스타일을 창조했습니다. 그의 음악은 더욱 견고하고 단순해졌습니다. 실험이 취소되었습니다. 이것은 상업적 필요성 때문이었습니다. 그는 일반 영국 대중이 Esterhazy 부동산의 세련된 청취자보다 교육 수준이 훨씬 낮다는 것을 발견했습니다. 그녀에게는 더 짧고 명확하며 간결하게 작성해야 합니다. Esterhazy가 쓴 각 교향곡은 독특하지만 런던 교향곡은 같은 유형입니다. 그들 모두는 네 부분으로 만 작성되었습니다 (당시 만하임 학교와 모차르트의 작곡가들이 이미 완전히 사용하고 있던 가장 일반적인 교향곡 형식이었습니다). 덜 느린 두 번째 부분, 미뉴에트 및 빠른 피날레. 하이든의 마지막 교향곡에서 사용된 주제의 기술적인 발전은 물론 오케스트라와 음악 형식의 유형은 이미 베토벤의 모델이 되었습니다.

18세기 후반 - 19세기: 빈 악파와 베토벤

비엔나 극장 안 데어 빈(Theater an der Wien)의 내부. 조각. 19 세기 Brigeman 이미지/Fotodom

하이든은 자신보다 24살 어린 모차르트보다 오래 살았고 베토벤 경력의 시작을 찾았습니다. Haydn은 그의 삶의 대부분을 오늘날의 헝가리에서 일했으며 그의 생애가 끝날 무렵 런던에서 엄청난 성공을 거두었고 Mozart는 잘츠부르크 출신이었고 Beethoven은 Bonn에서 태어난 Fleming이었습니다. 그러나 음악의 세 거인 모두의 창의적인 길은 Maria Theresa 황후와 그녀의 아들 Joseph II 황제의 통치 기간 동안 비엔나와 함께 세계 음악 수도의 지위를 차지한 도시와 연결되었습니다. 따라서 Haydn, Mozart 및 Beethoven의 작품은 "비엔나 클래식 스타일"로 역사에 기록되었습니다. 사실, 작가 자신은 스스로를 "고전"이라고 생각하지 않았고 베토벤은 자신을 혁명가, 개척자, 심지어 전통의 파괴자라고 생각했습니다. "클래식 스타일"이라는 개념 자체는 훨씬 나중에 발명된 것입니다. XIX 중반세기). 이 스타일의 주요 특징은 형식과 내용의 조화로운 통일성, 바로크 양식의 과잉이 없는 소리의 균형, 음악 건축학의 고대 조화입니다.

비엔나의 왕관 고전적인 스타일관현악 분야에서는 하이든의 런던 교향곡, 모차르트의 마지막 교향곡, 베토벤의 모든 교향곡을 다룬다. Haydn과 Mozart의 후기 교향곡에서 클래식 스타일의 음악 어휘와 구문이 마침내 확립되었으며 만하임 학교에서 이미 결정화되고 여전히 클래식으로 간주되는 오케스트라 구성이 확립되었습니다. 첫 번째 및 두 번째 바이올린, 비올라, 첼로 및 더블베이스), 한 쌍의 목관 악기 구성 - 일반적으로 플루트 2 개, 오보에 2 개, 바순 2 개. 그러나 모차르트의 마지막 작품을 기점으로 클라리넷도 오케스트라에 확고히 진입하며 자리를 잡았다. 클라리넷에 대한 모차르트의 열정은 오케스트라 관악기 그룹의 일부로서 이 악기가 널리 보급되는 데 크게 기여했습니다. Mozart는 Stamitz의 교향곡에서 1778년 Mannheim에서 클라리넷을 들었고 그의 아버지에게 보낸 편지에서 "오, 우리에게 클라리넷이 있었다면!" - 1804년에야 클라리넷을 도입한 잘츠부르크 궁정 예배당 "우리"를 의미합니다. 그러나 일찍이 1769년에 클라리넷이 대주교 대주교 군악대에서 정기적으로 사용되었다는 점에 유의해야 합니다.

이미 언급한 목관악기에 보통 두 개의 호른이 추가되었고, 때로는 군대에서 교향곡으로 온 두 개의 트럼펫과 팀파니가 추가되었습니다. 그러나이 악기는 교향곡에서만 사용되었으며 그 키는 일반적으로 D 또는 C 장조의 몇 가지 튜닝에만 존재하는 천연 파이프의 사용을 허용했습니다. 때때로 트럼펫은 G 장조로 쓰여진 교향곡에도 사용되었지만 팀파니는 사용되지 않았습니다. 트럼펫이 있지만 팀파니가 없는 그러한 교향곡의 예는 모차르트의 교향곡 32번입니다. 팀파니 부분은 나중에 신원이 확인되지 않은 사람에 의해 악보에 추가되었으며 정품이 아닌 것으로 간주됩니다. 팀파니와 관련하여 G 장조에 대한 18 세기 저자의 이러한 싫어함은 바로크 팀파니 (편리한 현대 페달이 아니라 수동 장력 나사로 조정)의 경우 전통적으로 이 음표를 연주하는 파이프를 지원하기 위해 요구되는 강장제(음조 1도)와 도미넌트(음조 5도)의 두 음으로만 구성된 음악을 썼지만 주요 G 장조의 주요 음은 팀파니의 상위 옥타브는 너무 날카롭게 들렸고 하위 옥타브는 너무 약하게 들렸습니다. 따라서 G 장조의 팀파니는 불협화음 때문에 피했습니다.

다른 모든 악기는 오페라와 발레에서만 허용되는 것으로 간주되었으며 일부는 교회에서도 들렸습니다 (예 : 레퀴엠의 트롬본 및 바셋 호른, The Magic Flute의 트롬본, 바셋 호른 및 피콜로, 타악기 "Janissary"음악 "The Abduction from seraglio" 또는 모차르트의 "Don Giovanni"의 만돌린, 베토벤의 발레 "The Works of Prometheus"의 바셋 호른과 하프).

바소 콘티누오는 점차 사용되지 않게 되었고 처음에는 오케스트라 음악에서 사라졌지만 레치타티보를 반주하기 위해 얼마 동안 오페라에 남아 있었습니다(피가로의 결혼, 모든 여성이 하는 일, 모차르트의 돈 조반니 참조, 그러나 나중에 - V 초기 XIX세기, Rossini와 Donizetti의 일부 코믹 오페라에서).

하이든이 이 분야에서 가장 위대한 발명가로 역사에 남게 된다면 교향곡, 그런 다음 모차르트는 그의 교향곡보다 오페라에서 오케스트라와 훨씬 더 많은 것을 실험했습니다. 후자는 당시의 규범을 준수하는 데 비교할 수 없을 정도로 엄격합니다. 물론 예외가 있지만 예를 들어 프라하 또는 파리 심포니에는 미뉴에트가 없습니다. 즉, 세 부분으로 만 구성됩니다. G 장조의 1 악장 교향곡 32 번도 있습니다 (그러나 이탈리아 서곡의 모델을 기반으로 빠르게-느리게-빠르게, 즉 이전의 Haydnian 이전 규범에 해당합니다) . 그러나 반면에이 교향곡에는 4 개의 호른이 포함됩니다 (그런데 교향곡 25 번 G 단조와 오페라 Idomeneo에서와 같이). 클라리넷은 교향곡 39번에 도입되지만(이 악기에 대한 모차르트의 사랑은 이미 언급되었습니다) 전통적인 오보에는 없습니다. 그리고 교향곡 40번은 클라리넷이 있는 것과 없는 두 가지 버전으로도 존재합니다.

형식적 매개변수 측면에서 모차르트는 만하임과 하이든의 계획에 따라 대부분의 교향곡을 움직입니다. 물론 그의 천재적인 힘으로 심화하고 정제하지만 구조나 구성 수준에서 필수적인 것은 변경하지 않습니다. 그러나 그의 생애 말년에 Mozart는 과거의 위대한 다 성음 연주자 인 Handel과 Bach의 작업을 자세하고 깊이 연구하기 시작했습니다. 덕분에 그의 음악의 질감은 다양한 다성적 기교로 점점 풍성해진다. 18세기 후반의 교향곡에 전형적인 호모포닉 창고와 바흐형 푸가의 결합에 대한 훌륭한 예는 모차르트의 마지막 41번째 교향곡 "주피터"입니다. 다성음악의 가장 중요한 발달 방법으로 부활을 시작한다. 교향곡 장르. 사실, 모차르트는 다른 사람들이 그보다 먼저 밟은 길을 따랐습니다. 마이클 하이든의 두 교향곡 39번(1788)과 41번(1789)의 피날레는 확실히 그렇습니다. 모차르트에게 알려진, 또한 푸가 형식으로 작성되었습니다.

루트비히 판 베토벤의 초상. 조셉 칼 스틸러. 1820년위키미디어 공용

오케스트라 발전에서 베토벤의 역할은 특별합니다. 그의 음악은 클래식과 낭만주의라는 두 시대의 거대한 조합입니다. First Symphony (1800)에서 Beethoven이 충실한 학생이자 Haydn의 추종자이고 발레 The Works of Prometheus (1801)에서 그는 Gluck 전통의 후계자라면 세 번째, Heroic Symphony (1804)에서 보다 현대적인 키로 Haydn-Mozart 전통을 최종적으로 다시 생각합니다. 교향곡 2번(1802)은 겉으로 보기에는 여전히 뒤따르고 있습니다. 클래식 패턴, 그러나 그것에는 많은 혁신이 있으며 주요한 것은 전통적인 미뉴에트를 거친 농민 스케르초 (이탈리아어로 "농담")로 대체하는 것입니다. 그 이후로 미뉴에트는 더 이상 베토벤의 교향곡에서 발견되지 않습니다. 단, 교향곡 8번 3악장의 제목에 "미뉴에트"라는 단어가 아이러니하게도 향수를 불러일으키게 사용되었습니다. 8번이 작곡된 1812년에는 미뉴에트가 이미 모든 곳에서 사용되지 않았으며 여기서 베토벤은 이 장르에 대한 언급을 "달콤하지만 먼 과거"의 표시로 분명히 사용합니다. 그러나 또한 풍부한 다이나믹 콘트라스트, 1악장의 주요 주제를 첼로와 더블베이스로 의식적으로 전달하는 반면 바이올린은 반주자로서 특이한 역할을 하고 첼로와 더블베이스의 기능을 자주 분리합니다. (즉, 독립된 성부로서의 더블베이스의 해방), 극단 부분의 코다를 확장하고 발전시키는 것(실질적으로 2차 발전으로 전환)은 모두 새로운 스타일의 흔적이며, 세 번째 교향곡.

동시에 교향곡 2번은 거의 모든 베토벤의 후속 교향곡, 특히 3번과 6번, 9번의 시작 부분을 담고 있습니다. 2악장 1악장의 도입부에는 9악장 1악장의 메인테마와 유사한 두 방울의 D단조 모티프가 있고, 2악장 피날레의 연결 부분은 거의 스케치 수준이다. 같은 악기를 사용해도 같은 9번의 피날레에 나오는 "환희의 송가".

교향곡 3번은 지금까지 작곡된 모든 교향곡 중에서 가장 길고 복잡하며, 음악적 언어, 그리고 자료에 대한 가장 집중적 인 연구. 그것은 그 시대에 유례가 없었던 역동적인 대조(피아노 3대에서 포르테 3대로!)와 모차르트와 비교할 때조차 전례가 없는, 원래 동기의 "셀룰러 변형"에 대한 작업을 포함하고 있습니다. 그러나 그대로 네 부분으로 된 전체 주기에 스며들어 단일하고 분리할 수 없는 내러티브의 감각을 만듭니다. Heroic Symphony는 더 이상 기악주기의 대조되는 부분의 조화로운 시퀀스가 ​​아니라 완전히 새로운 장르, 사실 음악 역사상 최초의 교향곡 소설입니다!

베토벤의 오케스트라 사용은 비르투오소에 그치지 않고 기악 연주자들을 극한까지 몰아붙이며 종종 각 악기의 상상할 수 있는 기술적 한계를 넘어섭니다. 많은 베토벤 4중주단의 첫 번째 연주자인 바이올리니스트이자 Count Lichnowsky Quartet의 리더인 Ignaz Schuppanzig에게 한 베토벤 구절의 "불가능"에 대한 비판적 발언에 대한 베토벤의 유명한 구절은 기술적 문제에 대한 작곡가의 태도를 현저하게 특징짓습니다. 음악에서: "영이 나에게 말할 때 그의 불행한 바이올린에 내가 무슨 상관이야?!" 항상 음악적 아이디어가 먼저 나오고 그것을 구현하는 방법이 있어야 합니다. 그러나 동시에 베토벤은 당시 오케스트라의 가능성을 잘 알고 있었습니다. 그건 그렇고, 베토벤의 청각 장애의 부정적인 결과에 대한 널리 알려진 의견은 그의 후기 작곡에 반영되어 모든 종류의 수정 형태로 그의 악보에 대한 나중에 침입을 정당화하는 것은 신화에 불과합니다. 듣기에 충분하다 좋은 성능진정한 악기에 대한 그의 후기 교향곡 또는 4중주곡은 결함이 없는지 확인하고 당시의 악기와 기능에 대한 자세한 지식을 바탕으로 예술에 대한 매우 이상주의적이고 타협하지 않는 태도를 나타냅니다. 베토벤이 현대적인 기술을 마음대로 사용할 수 있는 현대적인 오케스트라를 가지고 있었다면 그는 확실히 완전히 다른 방식으로 작곡했을 것입니다.

악기 편성 측면에서 베토벤은 처음 네 개의 교향곡에서 하이든과 모차르트의 후기 교향곡 표준에 충실했습니다. Heroic Symphony는 전통적인 두 개 또는 드물지만 전통적으로 허용되는 네 개 대신 세 개의 호른을 사용합니다. 즉, 베토벤은 모든 전통을 따르는 매우 신성한 원칙에 의문을 제기합니다. 그는 오케스트라에서 세 번째 호른 목소리가 필요하고 그것을 소개합니다.

그리고 이미 교향곡 5번(1808)에서 베토벤은 피콜로 플루트, 콘트라바순, 트롬본과 같은 군(또는 연극) 오케스트라의 악기를 피날레에 소개합니다. 그건 그렇고, 베토벤보다 1년 앞서 스웨덴 작곡가 요아킴 니콜라스 에거트는 그의 교향곡 E플랫장조(1807)에서 베토벤처럼 피날레뿐만 아니라 세 악장 모두에서 트롬본을 사용했습니다. 따라서 트롬본의 경우 손바닥은 위대한 작곡가를 위한 것이 아니라 훨씬 덜 유명한 동료를 위한 것입니다.

교향곡 6번(전원)은 교향곡 역사상 첫 번째 프로그램 주기로, 교향곡 자체뿐만 아니라 각 부분도 일종의 내부 프로그램에 대한 설명, 즉 한 사람의 감정에 대한 설명이 선행됩니다. 자연에서 자신을 찾는 도시 거주자. 사실 음악에서 자연에 대한 묘사는 바로크 시대 이후로 새로운 것이 아니다. 그러나 비발디의 <사계>를 비롯한 바로크 양식의 프로그램 음악과는 달리 베토벤은 소리 쓰기 자체를 목적으로 다루지 않고, 자신의 표현대로 6번 교향곡은 "그림보다는 감정의 표현"이다. 목가적 교향곡은 베토벤의 작품에서 4부 교향곡 주기를 위반한 유일한 교향곡입니다. 다음과 같습니다. 따라서 이 교향곡에는 다섯 개의 악장이 있습니다.

이 교향곡의 오케스트레이션에 대한 베토벤의 접근 방식은 매우 흥미 롭습니다. 첫 번째 악장과 두 번째 악장에서 그는 현, 목관 악기 및 두 개의 뿔만 엄격하게 사용합니다. 스케르초에서는 두 개의 트럼펫이 연결되고, The Thunderstorm에서는 팀파니, 피콜로 플루트 및 두 개의 트롬본이 합류하고 피날레에서는 팀파니와 피콜로가 다시 조용해지며 트럼펫과 트롬본은 전통적인 팡파르 기능을 중단하고 범신론적 송영의 일반적인 바람 합창단에 합류합니다.

오케스트레이션 분야에서 베토벤 실험의 정점은 교향곡 9번이었습니다. 피날레에는 이미 언급한 트롬본, 피콜로 플루트, 콘트라바순뿐만 아니라 베이스 드럼, 심벌즈와 같은 "터키" 타악기 전체 세트가 사용되었습니다. 그리고 삼각형, 그리고 가장 중요한 것은 합창단과 솔리스트입니다! 그건 그렇고, Ninth 피날레의 트롬본은 합창 부분의 증폭으로 가장 자주 사용되며 이것은 특히 Haydnian-Mozartian 굴절에서 교회 및 세속 오라토리오 음악의 전통에 대한 참조입니다 ( " 창조의 세계" 또는 하이든의 "사계", 단조 이전의 미사 또는 모차르트의 진혼곡), 이는 이 교향곡이 교향곡 장르와 영적 오라토리오의 융합이라는 것을 의미하며, 실러의 시적이고 세속적인 텍스트로만 쓰여졌습니다. 교향곡 9번의 또 다른 중요한 형식적 혁신은 느린 악장과 스케르초의 재배치였습니다. 2 위인 9 번째 scherzo는 더 이상 피날레를 시작하는 쾌활한 대조 역할을하지 않고 비극적 인 첫 번째 부분의 가혹하고 완전히 "군사적"인 연속으로 변합니다. 그리고 느린 세 번째 악장은 교향곡의 철학적 중심이되어 황금 섹션 영역에 정확하게 떨어집니다. 첫 번째이지만 결코 교향곡 역사상 마지막 사례는 아닙니다.

9번 교향곡(1824)으로 베토벤은 새로운 시대로 도약합니다. 이것은 가장 심각한 사회적 변혁의 기간과 일치합니다. 계몽주의에서 새로운 산업 시대로의 최종 전환과 함께 첫 번째 사건은 지난 세기가 끝나기 11년 전에 발생했습니다. 비엔나 고전 학교의 세 대표 모두가 목격한 행사. 물론 우리는 프랑스 혁명에 대해 이야기하고 있습니다.