베토벤 작품에서 소나타-기악 장르의 위치와 특징. 베토벤의 교향곡: 작곡가의 창조적 유산에서 그들의 세계적 의미와 위치

베토벤에게 교향곡은 순전히 사회적 장르이며 주로 큰 홀꽤 견고한 큰 오케스트라. 장르는 이념적으로 매우 중요하여 작품을 연재하는 것을 허용하지 않습니다. 따라서 일반적으로 베토벤의 교향곡은 모차르트의 교향곡보다 훨씬 큽니다(1번과 8번 제외).

베토벤 교향곡의 순서에는 특정한 규칙성이 있습니다. 이상한 교향곡은 더 폭발적이고 영웅적이거나 극적이며 (1 번 제외) 교향곡조차도 더 "평화 롭고"장르 적입니다 (대부분-4, 6 및 8).

베토벤 교향곡 방식의 주요 특징:

1. 대립하는 요소들이 서로 싸우는 화합의 이미지를 보여준다. 베토벤의 주제는 종종 내부 통일성을 형성하는 대조되는 모티프를 기반으로 합니다.

2. 미분 대조의 큰 역할. 파생 대조는 새로운 대조 모티프 또는 주제가 이전 자료의 변형 결과인 개발 원리입니다.

3. 이미지의 발전과 질적 변화의 연속성. 개발은 노출로 시작됩니다. 박람회에서 시작하여 개발 프로세스는 개발뿐만 아니라 두 번째 개발로 전환되는 재현 및 코드도 포함합니다.

Haydn과 Mozart의 사이클과 비교하여 소나타-심포니 사이클의 질적으로 새로운 통일성. 교향곡은 각 부분이 하나의 뮤지컬 및 드라마틱 "액션"에서 필요한 연결 고리인 "기악 드라마"가 됩니다. 이 "드라마"의 정점은 피날레입니다. 베토벤 기악 드라마의 가장 밝은 예는 "영웅"교향곡으로, 모든 부분이 공통 개발 라인으로 연결되어 피날레에서 국가적 승리의 장대 한 그림으로 향합니다.

베토벤의 교향곡에 대해 말하면 그의 오케스트라 혁신을 강조해야 합니다. 혁신에서:

1. 구리 그룹의 실제 형성. 트럼펫은 여전히 ​​팀파니와 함께 연주되고 녹음되지만 기능적으로는 트럼펫과 호른이 하나의 그룹으로 취급되기 시작했습니다. 그들은 이전에 없었던 트롬본으로 연결됩니다. 심포니 오케스트라하이든과 모차르트.

2. "중간 계층"의 압축으로 인해 위아래에서 수직을 증가시킬 필요가 있습니다. 피콜로 플루트가 위에 나타나고 콘트라바순이 아래에 나타납니다. 그러나 어쨌든 베토벤 오케스트라에는 항상 두 개의 플루트와 바순이 있습니다.

하이든의 런던 교향곡과 모차르트의 후기 교향곡의 전통을 이어가는 베토벤은 트럼펫(레오노레 서곡 2번과 3번의 유명한 무대 뒤 솔로)과 팀파니를 포함한 거의 모든 악기 부분의 독립성과 기교를 강화합니다. 그는 종종 실제로 5개의 현 파트(더블 베이스는 첼로와 분리됨)를 가지고 있으며 때로는 더 많이 가지고 있습니다.

바순을 포함한 모든 목관 악기와 호른(교향곡 3번의 스케르초 트리오에서와 같이 합창에서 또는 개별적으로)은 매우 밝은 소재를 연주하여 솔로로 연주할 수 있습니다.

오페라는 교향곡 발전에 큰 역할을 했다. 오페라 극작술은 교향곡의 각색 과정에 상당한 영향을 미쳤습니다. 이것은 분명히 이미 모차르트의 작업에 있었습니다. 베토벤과 함께 교향곡은 진정으로 극적인 기악 장르로 성장합니다.

그는 단지 9개의 교향곡을 작곡했습니다.

3위, 영웅

№6, 목회

9번, 환희의 송가

그리고 11개의 서곡:

베토벤은 Gluck, Mozart, Cherubini의 교향곡 서곡 장르의 전통을 이어갑니다. 연극 공연. 그중 최고는 Egmont, Coriolanus, 오페라 Fidelio의 서곡 (Leonora 2 및 3)이며 베토벤은 서곡에서 시민 영웅 주제를 구현하고 연극의 주요 아이디어를 일반화합니다. 프로그램 서곡 (밝은 연극과 그림주의가 다름). 그들은 노래, 춤, 찬송가, 행진곡의 억양을 사용합니다.

루트비히 판 베토벤(1770-1827)

베토벤은 유럽 음악사에서 중요한 인물입니다. 그의 예술은 실제로 교향곡, 서곡, 협주곡, 소나타, 사중주와 같은 장르의 발전을 미리 결정했습니다. 취한 것은 기악곡이었다. 주요 위치베토벤 작품: 교향곡 9개, 서곡 10개, 현악 사중주 16개, 피아노 소나타 32개, 기악 협주곡 7개(피아노와 오케스트라 5개, 바이올린 1개, 트리플 1개 - 바이올린, 첼로, 피아노용).

용감한 베토벤 스타일은 시대의 사고 방식과 매우 일치하는 것으로 판명되었습니다. 프랑스 혁명그리고 나폴레옹 전쟁(1789-1812). 영웅적인 투쟁의 아이디어는 결코 유일한 아이디어는 아니지만 그의 작업에서 가장 중요한 아이디어가되었습니다. “우리 시대에는 강력한 정신을 가진 사람들이 필요합니다.”라고 작곡가는 말했습니다. 본질적으로 그는 "영웅적인"지배적 성격을 가진 예술가이자 확실한 리더였습니다 (그리고 이것이 그의 동시대 사람들이 그에게 가치를 부여한 것입니다). 베토벤이 헨델을 가장 좋아하는 작곡가라고 한 것은 우연이 아닙니다. 자랑스럽고 독립적 인 그는 자신을 모욕하려는 시도에 대해 누구도 용서하지 않았습니다.

효율성, 더 나은 미래에 대한 열망, 대중과 단결하는 영웅-많은 베토벤 작곡에서 전면에 등장합니다. 이것은 그가 동시대인 사교 행사뿐만 아니라 위대한 음악가의 개인적인 비극(점진적 난청)에 의해 촉진되었습니다. 베토벤은 운명에 맞서는 힘을 찾았고 저항, 극복의 사상이 그의 삶의 주요 의미가 되었습니다. 영웅적인 캐릭터를 "위조"한 것은 바로 그들이었습니다.

창작 전기의 주기화:

I - 1782-1792 -본 기간. 창의적인 길의 시작.

II - 1792-1802 -초기 비엔나 시대.

III - 1802-1812 -"영웅적인 10년"

IV - 1812-1815 -획기적인 해.

V - 1816-1827 -늦은 기간.

베토벤 피아노 소나타

모든 것 중에서 장르 다양성베토벤의 피아노 작품(협주곡, 환상곡, 변주곡부터 미니어처까지)은 당연히 소나타 장르가 가장 중요하게 부각됐다. 그에 대한 작곡가의 관심은 변함이 없었습니다. 이 분야에 대한 첫 번째 경험인 6개의 본 소나타는 1783년으로 거슬러 올라갑니다. 마지막 32번째 소나타(op. 111)는 1822년에 완성되었습니다.

현악 4중주와 함께 피아노 소나타 장르가 주를 이뤘다. 창조적인 실험실베토벤. 그의 스타일의 특징적인 특징이 처음 형성되었습니다. 베토벤의 소나타가 교향곡 장르의 발전을 월등히 앞섰다는 점은 의의가 있다(소나타 창작의 정점인 '열정'은 교향곡 3번 '영웅'과 동갑이었다). 소나타에서 가장 대담한 아이디어는 나중에 교향곡에서 기념비적 인 구현을 받기 위해 챔버 용어로 테스트되었습니다. 그래서 소나타 12번의 "영웅의 죽음에 대한 장례식 행진곡"은 교향곡 3번의 장례식 행진곡의 원형이었다. "열정"의 아이디어와 이미지는 교향곡 5번을 준비했습니다. "Aurora"의 목가적 모티프는 교향곡 6번 "Pastoral"에서 발전되었습니다.

베토벤 전통적인 소나타 사이클이 빠르게 업데이트되고 있습니다.미뉴에트는 스케르초(이미 2번째 소나타에 있지만 후속 소나타에서 두 번 이상 만나게 될 것입니다)로 넘어갑니다. 전통적인 부분과 함께 소나타에는 행진곡, 푸가, 기악 레치타티보, 아리오소가 포함됩니다. 놀랍도록 다양한 구성 솔루션. 소나타 19, 20, 22, 24, 27, 32는 두 악장만 있습니다. 1-4, 7, 11, 12, 13, 15, 18, 29 - 4. 나머지는 삼위일체입니다.

Haydn 및 Mozart와 달리 Beethoven은 피아노 만 인식하면서 하프시 코드로 향하지 않았습니다. 그는 훌륭한 피아니스트로서 자신의 가능성을 완벽하게 알고 있었습니다. 영광은 주로 콘서트 거장으로 그에게 왔습니다.

대중 앞에서 베토벤은 대개 자신의 작품만 연주했습니다. 대부분의 경우 그는 특정 스타일과 형식(소나타 형식 포함)으로 즉흥적으로 연주했습니다.

베토벤 피아노 스타일의 특징:

"고전압" 전압, 거의 잔인한 전력, "대형" 기술에 대한 선호, 밝은 동적 대비, "대화" 프레젠테이션에 대한 사랑.

베토벤과 함께 피아노는 처음으로 순전히 오케스트라의 힘을 가진 전체 오케스트라처럼 들렸습니다 (이것은 Liszt, A. Rubinstein이 개발할 것입니다). 동시대인들은 그의 공연 스타일을 연사의 불 같은 연설, 격렬하게 거품이 이는 화산.

소나타 8번 - "불쌍한"(c-moll),작전 1798년 13월 13일

주요 아이디어 - 인간과 운명의 투쟁 -은 뮤지컬 극장 XVIII 세기. "한심한"소나타의 음악이 강조된 연극 성으로 구별되는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 그녀의 이미지는 마치 드라마 속 캐릭터 같다.

안에 1부(c-moll) 베토벤이 가장 좋아하는 대화 대조 방법은 특히 클로즈업으로 제시됩니다. 느린 비극적 도입부(Grave)와 격렬하고 열정적이며 긴장된 소나타 알레그로 사이의 대조입니다.

거침없는 "운명의 목소리"가 서론에서 들린다. 여기에는 우울하고 명령적인 억양과 서정적으로 애도하는 억양의 대화가 있습니다. 그것은 Gluck의 오페라에서 Orpheus와 Furies의 장면과 유사하게 치명적인 힘을 가진 인간의 충돌로 인식됩니다. 베토벤은 도입부의 음악으로 두 번 돌아갑니다: 발전 초기와 코다 이전입니다. 동시에 테마의 진화는 비극적 인 절망감, 피로감을 강화하는 것을 목표로합니다 (테마 1과 3 비교). 또한 서론의 소재는 소나타 알레그로의 주요 주제와 대화를 시작하면서 개발 자체에서 발전합니다.

집테마(c-moll)는 의지가 강하고 영웅적인 성격을 가지고 있습니다. 하모닉 마이너 스케일을 따라 상향 이동을 기반으로 합니다.

서정적으로 애도 옆테마 (클래식 소나타의 일반적인 병렬 장조 대신 es-moll로 작성됨) 강한 비트의 모르 덴트가있는 3 분의 1 초가 우세합니다. 주제의 뚜렷한 대조와 함께 그들의 억양적이고 비유적인 혈연 관계 (포부, 폭풍우 같은 충동, 흥분된 열정)가 드러나고 일반적인 사소한 채색으로 강조됩니다. 또한 두 주제 모두 서론의 억양이 있습니다.

박람회는 메인 테마의 주요 버전으로 끝납니다. 마지막 파티.이것은 모든 개발이 지향하는 밝은 정점입니다.

개발대화 대조의 원칙을 유지합니다. 주요 섹션은 주요 주제와 도입 주제(부드럽고 서정적인 버전)의 반대를 기반으로 합니다. 개발의 통일성은 단일 리드미컬 한 맥동, 즉 메인 테마의 "끓는"리듬에 의해 촉진됩니다. 보복두 번째 주제는 처음에 하위 주제인 f-moll의 키에서 발생합니다.

마지막 갈등은 암호, 다시 한 번 Grave의 테마가 충돌하고 주요 주제알레그로. 동시에 "결정적인 단어"는 영웅적인 메인에 남아 있습니다.

음악 파트 II - Adagio cantabile (As-dur) - 가사 철학적 성격이 있습니다. 이 아다지오에서 가장 먼저 눈길을 끄는 것은 음악적 구조의 특별한 선율이다. 메인 테마는 "첼로" 레지스터에서 들립니다. 장식이 없으며 엄격하고 용감한 단순성을 강조합니다. 베토벤 교향곡과 소나타의 느린 악장에서 선두가 될 것은 바로 이런 유형의 멜로디입니다. 성숙기. 멜로디 라인의 엄격함은 중간 성부의 지속적인 리드미컬한 맥동에 의해 부드러워지며, 아다지오가 끝날 때까지 중단되지 않고 전체 음악 구조를 강화합니다.

Adagio는 두 개의 에피소드가 있는 론도 형식(ABACA)으로 작성됩니다. 에피소드는 후렴구와 서로를 대조합니다. 안에 첫 번째 에피소드(f-moll) 가사가 더 감성적이고 개방적입니다. 주제 두 번째 에피소드(as-moll)은 대화 구조를 가지고 있으며 불안한 삼중항 배경에 대해 소리가 나며, 이는 다음에서도 보존됩니다. 마지막그만두다.

마지막(c-moll, 론도-소나타 형식) 반항적이고 성급한 톤과 인토네이션 관계로 파트 I과 연결됩니다. 메인 테마는 알레그로 소나타 1번의 사이드 테마에 가깝다. 그러나 일반적으로 피날레의 음악은 더 많은 민속 장르 특성을 가지고 있습니다 (메인 테마의 댄스 음영). 일반 캐릭터는 특히 중앙 에피소드에서 더 객관적이고 낙관적입니다.

소나타 14번 - "MOON"(cis-moll),작전 1802년 27호 2호

"월광" 소나타의 음악은 작곡가의 영적 고백으로 간주될 수 있으며, 작곡 당시 "하일리겐슈타트 유서" 옆에 있는 것은 우연이 아닙니다. 드라마투르기법으로 따지면 이렇다. 서정적 극적 소나타. 베토벤이 불렀다 소나타 판타지, 전통적인 방식에서 멀리 벗어난 구성의 자유를 강조 ( 느린 속도 1악장에서 피날레 소나타 형식의 즉흥적 요소).

나는 헤어진다(cis-moll) - 베토벤의 전형적인 대비가 전혀 없는 아다지오. 그의 음악은 조용하고 조용한 슬픔으로 가득 차 있습니다. 그것은 바흐의 단조 전주곡의 드라마(균일한 질감, 오스티나토의 리드미컬한 맥동)와 공통점이 많다. 끊임없이 어조, 문구의 가치를 바꿉니다. 결론 부분에서 특히 강세를 보이는 점박이 리듬은 애도 행렬의 리듬으로 인식된다.

II 파트- Des-dur 키의 작은 알레그레토. 기운찬 댄스 멜로디가있는 우아한 미뉴에트를 닮은 활기차고 장엄한 음색으로 전체적으로 유지됩니다. 전형적인 미뉴에트는 트리오와 다카포가 반복되는 복잡한 3x 개인 형식입니다.

소나타의 중심 부분, 그 절정 - 마지막 (프레스토, 시스-몰). 이것은 모든 것이 지시되는 곳입니다. 비유적인 발전. Presto의 음악은 극한의 드라마와 파토스, 날카로운 악센트, 감정의 폭발로 가득 차 있습니다.

"Lunar" 피날레의 소나타 형식은 주요 주제의 특이한 상관 관계로 인해 흥미 롭습니다. 두 번째 주제는 모든 섹션 (제시, 전개, 재현 및 코다)에서 주도적 인 역할을합니다. 메인 테마는 "일반적인 형태의 움직임"(아르페지오의 격렬하게 물결치는 빠른 흐름)에 기반한 즉흥 도입부 역할을 합니다. .

열정적이고, 극도로 흥분되고, 사이드 테마한심하고 구두로 표현적인 억양을 기반으로합니다. 그녀의 키는 gis-moll이며, 활기차고 공격적인 마무리 테마에 더욱 고정되어 있습니다. 따라서 피날레의 비극적 이미지는 이미 음조 계획 (미성년자의 배타적 지배)에서 드러납니다.

전체 소나타의 절정의 역할은 다음과 같습니다. 암호, 개발보다 큽니다. 코다의 시작 부분에서 메인 테마가 잠깐 등장하고 메인 테마는 2차 테마에 집중됩니다. 한 가지 주제에 대한 고집스러운 회귀는 하나의 생각에 대한 집착으로 인식됩니다.

"월광" 소나타의 극단 부분의 비율에서 파생 대조의 원리가 나타났습니다.

· 음색의 통일성으로 인해 음악의 색깔이 확연히 다릅니다. 흐릿하고 투명한 Adagio는 Presto의 격렬한 사운드 눈사태에 반대됩니다.

· 극단적인 부분과 아르페지오 질감을 통합합니다. 그러나 Adagio에서 그녀는 묵상과 집중을 표현했고 Presto에서 그녀는 정신적 충격의 구체화에 기여했습니다.

초기 테마 코어 메인 파티엔딩은 1악장의 선율적이고 물결치는 시작 부분과 동일한 사운드를 기반으로 합니다.

소나타 23번, 열정

F단조 op. 57, 1806

이름 열정(라틴어에서 열정- 열정)은 권위적이지는 않지만 이 소나타의 본질을 매우 정확하게 반영합니다. 셰익스피어의 열정이 그녀의 음악에서 분노합니다. 베토벤 자신은 Appassionata를 최고의 소나타로 여겼습니다.

소나타 3부. 익스트림, 드라마로 가득 찬, 소나타 형식으로 작성, 중간 - 변주.

음악 1부극심한 투쟁의 느낌, 정신력의 궁극적 인 긴장을 일으 킵니다. 가혹하고 비극적 주요 주제(f-moll)은 반대되는 네 가지 요소의 대비를 기반으로 합니다. 1위– 마이너 트라이어드의 음색을 따라 일제히 움직입니다. 2위요소는 불만의 두 번째 모티프를 기반으로 합니다. 3위숨은 위협이 있는 저음으로 들리는 요소(v.10)는 교향곡 5번의 '운명의 모티프'를 예고한다. 메인 테마의 정점은 그녀 4일요소 - 마음의 소리에 따른 아르페지오의 신속한 파동. 5/3, 거의 전체 피아노 건반(14-15절)을 덮음 에프 .

주제의 두 번째 문장은 연결자의 기능을 수행한다. 오프닝 모티브는 이제 강력한 화음과 함께 ff. 또한 "고발 동기"(요소 2)가 대두됩니다.

사이드 테마(As-dur)는 Marseillaise와 같은 프랑스 혁명가를 연상시킵니다. 열정적이고 엄숙하게 들리지만 메인 테마와 밝게 대조되며 첫 번째 요소 (파생 대비)와 국가적으로 리드미컬하게 관련됩니다.

전시 전체의 정점은 클로징 테마(as-moll)-우울하고 분노하지만 타이타닉 강합니다.

노출이 반복되지 않음(클래식 소나타 형식의 역사상 처음으로). 개발은 E-dur의 주요 주제로 시작하여 전시 계획을 반복합니다. 모든 주제는 향상된 형식으로 제공됩니다. 매우 활동적인 음색-고조파, 레지스터, 인토네이션 개발을 동반합니다. 마지막 파트의 주제적 특성은 메인 테마의 "운명의 모티프"에 의해 팡파르처럼 끊어지는 마음에 대한 아르페지오의 논스톱 흐름 VII f-moll로 변형됩니다. 그는 "울퉁불퉁" ff이제 대문자로, 그 다음 소문자로, 개발의 정점을 표시하고 지배적 인 것으로 이어집니다. 술부. 이 술어의 특이점은 주 주제의 전체 요약이 그 배경에 대해 일어난다는 사실에 있습니다. 코다파트 I은 장대 한 규모로 구별되며 "두 번째 개발"이됩니다.

Appassionata의 Part II는 철학적 깊이와 집중으로 유명합니다. 이것 안단테변형의 형태로 Des-dur에서. 장엄하고 차분하게 엄숙한 주제는 합창과 찬송가의 특징을 결합합니다. 4가지 변주는 숭고한 깨달음의 분위기로 통합됩니다.

더 비극적이다 마지막(f-moll) 침입 attacca (중단 없이). 그의 모든 음악은 충동, 열망, 투쟁입니다. 파동의 회오리 바람은 반복되기 전에 한 번만 멈 춥니 다.

피날레의 소나타 형식에는 연장된 완성 선율이 없습니다. 그 대신에, 때로는 영웅적이고 자랑스럽고 도발적이며 때로는 고통스럽게 슬퍼하는 짧은 모티프가 발생합니다.

전체 소나타의 의미론적 결과는 암호. 그것은 5 번째 교향곡에서 들릴 아이디어를 예상합니다. 다른 사람들과 단결해야만 대중과 함께 사람이 이기고 힘을 얻을 수 있습니다. coda의 주제는 새로운 것입니다. 전시도 아니고 개발도 아니었습니다. 단순한 리듬의 강력한 영웅적 춤으로 사람들의 이미지를 만들어냅니다.

베토벤의 교향곡

베토벤은 가장 위대한 교향곡 연주자였으며 그의 주요 예술적 원리가 가장 완벽하게 구현된 것은 교향곡이었습니다.

교향곡 연주자로서 베토벤의 길은 거의 사반세기에 달했습니다. 작곡가는 1800년 30세에 첫 교향곡을 작곡했습니다. 마지막 교향곡 9번은 1824년에 완성되었다. 수많은 하이든이나 모차르트 교향곡에 비해 베토벤의 9개 교향곡은 적습니다. 그러나 그것들이 작곡되고 연주되는 조건은 하이든과 모차르트의 조건과는 근본적으로 달랐다. 베토벤에게 교향곡은 장르입니다. 약실이 아니다, 당시 기준에 따라 다소 큰 오케스트라가 연주했습니다. 그리고 두 번째로 장르 이념적으로 매우 중요한, 그러한 에세이를 한 번에 6편의 시리즈로 작성하는 것을 허용하지 않습니다.

일반적으로 베토벤은 자신의 교향곡을 쌍으로 생각하고 동시에 또는 서로 직후에 만들었습니다 (초연에서 5와 6은 "교환"번호, 7과 8은 연속으로 이어짐). 대부분의 "이상한" 교향곡(3번, 5번, 9번)은 영웅적인 유형입니다. 그들의 주요 내용은 어려움과 고통을 통해 기쁨과 행복으로 나아가는 인민의 영웅적인 투쟁입니다. . 시적 텍스트의 도입 덕분에 교향곡 9번 피날레에서 고통 극복과 빛의 승리에 대한 생각이 최대한 구체적으로 표현된다. 이것은 합창단과 4명의 솔리스트에게 맡겨진 실러의 송시 "To Joy"의 텍스트입니다. 심포니 오케스트라의 악기와 노래하는 목소리를 결합함으로써 베토벤은 완전히 새로운 유형교향곡-칸타타.

베토벤의 "짝수" 교향곡은 더 "평화롭고" 갈등이 없으며 가사 장르 유형의 교향곡에 속합니다.

진기함 이념적 내용베토벤의 교향곡에서 혁신에 직접 반영되었습니다. 음악적 기술:

· 교향곡이 바뀌었다 "기악극"에서 모든 부분은 피날레로 향하는 공통 개발 라인으로 연결됩니다. 동시에 베토벤의 교향곡은 일반적으로 거대한 범위와 엄청난 규모로 구별됩니다.

· 소나타 형식의 외부 윤곽이 급격하게 변경되었습니다. 주제의 전개는 말 그대로 프리젠테이션의 맨 처음부터 시작된다는 사실 때문에, 주요 소나타 섹션이 비정상적으로 성장했습니다.. 우선 이것은 "두 번째 개발"의 의미를 획득하는 개발 및 코드에 적용됩니다.

· 이미 베토벤의 교향곡 2번에서 전통적인 미뉴에트는 스케르초로 대체되었습니다. 교향곡 3번에서 장례식 행진곡이 느린 악장으로 처음 사용된다. 교향곡 9번에서 느린 악장은 피날레에 가까워지고 연속 세 번째가 되어 스케르초를 2위로 "건너뜁니다".

· 영웅적인 교향곡의 주제는 일반적으로 서로 대조되는 모티프에 기반한 내부 갈등을 특징으로 합니다. 그러나 주제 요소와 개별 주제 사이의 대조는 종종 유도체.

드라마투르기의 측면에서 서정적 장르의 교향곡은 영웅적인 교향곡과 매우 다릅니다.

모든 베토벤 교향곡의 공통점은 오케스트라 혁신.혁신에서:

a) 구리 그룹의 형성. 트럼펫과 호른은 하이든과 모차르트의 심포니 오케스트라에는 없었던 트롬본으로 연결됩니다. 트롬본은 교향곡 5번의 피날레, 6번의 뇌우 장면, 9번의 일부 부분에서 연주됩니다.

b) 피콜로 플루트와 콘트라바순으로 인한 오케스트라 음역의 "확산"(교향곡 5번과 9번의 결승에서)

c) 거의 모든 악기 부품의 독립성과 기교를 강화합니다. 모든 목관 악기는 솔로 연주가 가능하며 매우 밝은 소재(예: 교향곡 5번 파트 I의 반복에 나오는 오보에 레치타티보 또는 교향곡 6번 "Scene by the Stream"의 "버드 콘서트")과 호른을 연주할 수 있습니다. (교향곡 3번의 스케르초 트리오).

d) 새로운 연주 기법의 사용

교향곡 3번 "영웅",

Es-dur, op. 55 (1804)

"영웅" 교향곡은 나폴레옹 보노파르트와 관련하여 고안되었지만 나중에 작곡가는 원래 헌정을 파괴했습니다.

이것은 교향곡 장르의 전체 역사에서 가장 기념비적인 교향곡 중 하나입니다. 그것은 개인이 아닌 전체 국민의 운명에 대해 이야기하기 때문에 교향곡 3번은 영웅 서사시 교향곡의 종류.

교향곡의 네 부분은 단일 기악극의 네 막으로 인식됩니다. 나는 헤어진다압력, 드라마 및 승리의 승리로 영웅적인 전투의 파노라마를 그립니다. 2 부타락한 영웅을 기리기 위해 바쳐졌습니다. 콘텐츠 3파트슬픔을 극복하는 것입니다. 4부-프랑스 혁명의 대규모 축제 정신을 담은 장대 한 그림.

주요 주제 1부(Es-dur, cello)는 대중적인 혁명적 장르의 정신으로 일반화된 인토네이션으로 시작합니다. 그러나 이미 5소절에서는 주제에 반음계의 "시스"가 등장하며 당김음과 g-moll의 편차가 강조된다. 이는 당초의 용감한 이미지에 상반된 원리를 즉각 도입한다.

안에 사이드 파티하나가 아니라 세 가지 테마. 첫 번째그리고 제삼멜로디 서정적 창고 인 B-dur의 키에서 서로 가깝습니다. 2부 테마극단과 대조된다. 그것은 격렬한 에너지로 가득 찬 영웅적이고 극적인 성격을 가지고 있습니다. 마음에 대한 의존 VII 7은 마음을 불안정하게 만듭니다. 음색과 오케스트라 색상으로 대비가 강화됩니다(현악기용 g-moll의 2가지 측면 테마 사운드, 목관악기용 I 및 3).

유쾌하게 낙관적인 캐릭터라는 또 다른 주제는 다음에서 발생합니다. 마지막 파티.

개발그것은 다중 어둡고 거의 모든 박람회 자료가 그 안에 개발됩니다 (가장 선율적인 세 번째 보조 테마 만 누락됨). 테마는 서로 충돌하는 상호 작용으로 제공되며 모양이 크게 바뀝니다. 예를 들어 개발 초기의 주요 부분 주제는 우울하고 긴장된 것처럼 들립니다 (단조, 낮은 음역). 조금 후에 2차 주제와 다성적으로 연결된다.

일반적인 클라이맥스는 실신 리듬과 다이내믹이 증가하는 날카로운 코드를 기반으로 합니다. 당시 청취자에게이 순간은 특히 불협화음 뿔로 인해 불협화음 허위의 인상을주었습니다. 강력한 주입의 결과 오보에의 부드럽고 슬픈 주제의 등장- 소나타 개발의 틀 안에서 완전히 새로운 에피소드. 새로운 테마는 e-moll과 f-moll에서 두 번 들립니다. 그 후 박람회 이미지가 돌아옵니다.

코다보다 간결한 형태로 개발 경로를 반복하지만이 경로의 결과는 다릅니다. 단조의 슬픈 절정이 아니라 승리의 영웅적 이미지를 주장합니다. 팀파니의 흥얼거림과 금관악기의 팡파르가 어우러진 풍부한 관현악적 질감은 국가적인 축하 분위기를 조성합니다.

두 번째 부분(c-moll) 베토벤은 "장례식 행진곡"이라고 불렀습니다. 행진의 주요 주제는 애절한 행렬의 멜로디입니다. 느낌표 (소리 반복)와 울음 (두 번째 한숨)의 억양은 "육포"실신, 조용한 울림 및 작은 색상과 결합됩니다. 애도 주제는 영웅의 영광으로 인식되는 Es-dur의 또 다른 남성적 멜로디와 번갈아 나타납니다.

행진의 구성은 단지 3을 기반으로합니다. 엑스-메이저 라이트 트리오(C-dur)가 있는 개인 형식.

가장 눈에 띄는 대조는 장례식 행진곡과 성급한 스케르초(Es-dur, 복잡한 3부분 형식). 그의 민속 이미지결승전 준비. Scherzo의 음악은 지속적인 움직임과 충동으로 가득 차 있습니다. 주요 주제는 의지를 불러 일으키는 동기의 급진적 인 흐름입니다. 안에 트리오사냥 신호를 연상시키는 세 개의 솔로 호른의 팡파르 테마가 있습니다.

IV 부분교향곡의 (Es-dur)는 국가적 승리의 아이디어를 확인합니다. 이중 변형 형태로 작성됩니다. 첫 번째 주제변형이 신비하고 모호하게 들림: 거의 일정함 PP, 일시 중지, 투명한 오케스트레이션(피치카토 현의 조화).

피날레의 제2주제가 등장하기 전에 베토벤은 제1주제에 두 가지 장식적 변주를 준다. 그들의 음악은 점진적인 각성, "개화"의 인상을줍니다. 리드미컬 한 맥동이 되살아나고 질감이 지속적으로 두꺼워지며 멜로디는 더 높은 음역으로 이동합니다.

두 번째 주제변주곡에는 포크, 노래 및 댄스 특성이 있으며 오보에 및 클라리넷과 함께 밝고 즐겁게 들립니다. 이와 동시에 제1주제가 저음으로 들린다. 앞으로 최종 사운드의 두 테마는 동시에 또는 개별적으로(첫 번째는 베이스에서 더 자주 발생함). 그들은 비 유적 변형을 겪습니다. 밝게 대조되는 에피소드가 있습니다. 때로는 발달 적 성격을 띠고 때로는 자료 측면에서 완전히 독립적입니다 (예 : 6번째 변형 - 지몰 영웅적인 행진베이스의 1번 테마 또는 9번째 변형 , 테마 2 기반: 느린 템포, 조용한 울림, 표절 하모니가 완전히 바꿉니다).

전체 변주 주기의 일반적인 절정은 10번째 변주에서 거창한 환희의 이미지가 떠오릅니다. 두 번째 주제는 여기에서 기념비적이고 엄숙하게 들립니다.

교향곡 5번

(op. 67, c-moll)

1808년에 완성되어 같은 해 12월에 작가의 지휘 아래 비엔나에서 초연되었으며 동시에 교향곡 6번이 연주되었다. 교향곡 5번에서는 베토벤 교향곡의 주요 주제인 투쟁의 영웅주의가 드러납니다. 5번 교향곡의 4악장 주기는 보기 드문 통일성으로 유명합니다.

· 전체 구성은 "운명의 모티프"의 두근거리는 리듬으로 스며든다.

· 파트 3과 4는 서술어로 연결되어 있습니다. 덕분에 파이널의 승리 행진은 아타카뿐만 아니라 즉시 절정에 이릅니다.

· 교향곡의 일부는 인토네이션 연결을 결합합니다. 예를 들어 악장 III의 c-moll 행진은 피날레의 전개에서 반복되고 대중 영웅 장르의 요소는 피날레와 관련된 Andante의 가사를 만듭니다.

소나타 알레그로 파트 1( c-moll)은 거의 전적으로 미분 대비 원리에 기초합니다. 에서 이미 명백하다. 메인 파티의 테마 . 대조인지 동질인지 일률적으로 말할 수 없다. 한편으로 첫 번째 소절의 오케스트라 투티의 단호하고 강력한 조화는 추가 연속에 대한 강한 의지의 열망과 날카롭게 반대됩니다. 그러나 대조의 바탕은 같은 모티브이다. 그것은 "치명적인 요소"와 반대되는 바위의 시작의 표현으로 동시에 인식됩니다.

운명을 모티브로 한 리듬에 프렌치 호른의 격투 팡파르가 세워져 측면부(인대)로 이어지며, 서정에 베이스 반주가 사이드 토픽 (Es-두르). 서정적 시작의 활성화는 영웅주의의 주장으로 이어진다. 결승전 (Es-dur) - 활기차고 팡파르.

주요 특징 개발 - 단조로움. 사이드 테마는 거의 완전히 제거되고 모든 개발은 "운명의 동기"라는 표시로 이루어집니다. 두 가지 대조되는 버전으로 들립니다. 엄격하게 명령적이고 비참하게 안절부절 못합니다. 결과적으로 전체 개발은 무결성에 기여하는 단일 리드미컬한 맥동으로 스며듭니다.

개발의 정점에서 ff마음의 배경에 대한 오케스트라 투티에서 VII 7, "운명의 모티브"가 들립니다. 이 순간은 재현의 시작과 일치합니다. 주요 부분의 반복에서 슬픈 시작이 강화됩니다. 오보에의 슬픈 암송이 나타납니다. 큰 드라마의 첫 번째 부분 암호 발달적 성격.

II 파트– Andante, As-dur, 이중 변주. 이 음악의 많은 부분은 무엇보다도 피날레를 예상합니다. 첫 번째는 행진과 같은 두 번째 주제로, 도발적인 찬송가 인토네이션, 행진하는 쫓기는 발걸음, C-dur의 축제적인 울림이 있습니다. 변주곡의 첫 번째 주제는 더 차분하고 노래적이며 서정적인 요소를 포함합니다. 동시에 그것은 분명히 두 번째와 관련이 있습니다. 변주 과정에서 주제의 내적 관계가 완전하게 드러나는데, 첫 번째 주제도 점차 활성화되면서 행진곡으로 변모하기 때문이다.

III부장르 지정("minuet" 또는 "scherzo")을 포함하지 않습니다. 그녀의 불안하고 엄격한 음악에는 춤도 재미도 없습니다 (캐릭터의 트리오 제외) 포크 댄스). 이것은 원래 조성의 반환과 "운명의 모티프"의 발전에서 알 수 있듯이 록과의 또 다른 전투입니다. 세 번째 부분의 구성에서 트리오가 있는 복잡한 3부 형식의 외부 윤곽은 보존되지만 극적 전개의 논리는 깊이 재고됩니다.

첫 번째 섹션의미가 반대인 두 가지 테마(둘 다 c-moll에서)를 기반으로 합니다. 비올라와 첼로를 위한 제1주제 PP, 불안한 질문과 슬픈 대답의 대화입니다. 두 번째 주제가 갑자기 끼어든다. ff바람에. 그것은 여기에서 특히 오만하고 끈질긴 성격을 얻은 "운명의 모티브"에서 자랐습니다. 3부 구성에도 불구하고 이 주제는 행진의 기미가 뚜렷하다. 두 주제의 세 가지 대조되는 교대는 론도 모양의 구조를 형성합니다. C-dur-n에서 트리오민속 생활의 낙관적 이미지가 있습니다. 강력한 의지력으로 가득 찬 능동적인 감마 같은 테마가 후가토의 형태로 전개된다. 재현부파트 III는 단축되고 크게 변형됩니다. 두 개의 초기 테마를 구별하는 대조가 사라졌습니다. 모든 것이 견고하게 들립니다. PP, 피치카토. 불안한 기대의 단일 분위기가 우세합니다. 그리고 갑자기 부분의 맨 끝에 주요 피날레로의 전환이 이루어지는 새로운 동기가 나타납니다.

마지막전체 교향곡의 축제 정점이됩니다. 그 독특한 특징은 프랑스 혁명의 음악과 가장 밀접한 관련이 있다는 것입니다 : 영웅적인 노래와 행진, 대규모 라운드 댄스, 호전적인 팡파르, 승리의 외침, 웅변의 파토스. 이러한 이미지는 오케스트라 리소스를 강화해야 했습니다. 교향곡에서 처음으로 피날레 악보에는 3개의 트롬본, 작은 플루트 및 콘트라바순이 포함되었습니다. 피날레의 소나타 형식의 다중 어둠은 또한 승리 축하의 대중적 성격에 대한 인상에 기여합니다. 박람회의 4개 주제는 각각 독립적인 재료를 기반으로 합니다. 동시에 테마의 풍부함은 대조로 이어지지 않습니다. 모든 테마는 쫓기고 단순하며 거의 기본 멜로디 공식 (트라이 어드 톤에 따른 움직임, 단계적 상승 및 하강 등)을 기반으로 주요하고 축제입니다. 차이점은 장르 성격주제: 주요 주제 - 행진, 연결 - 찬송가의, 옆이 가깝다 라운드 댄스춤을 춰, 승리의 함성과 같은 피날레 .

베토벤

초록)

예를 들어 작곡가는 그의 후원자 중 한 명인 Likhnovsky 왕자에게 이렇게 말했습니다. "수천 명의 왕자가 있었고 앞으로도 그럴 것입니다. 베토벤은 단 한 명입니다."

32개의 베토벤 소나타 모음집에는 포함되지 않았습니다.

Juliette Guicciardi에게 바칩니다. 독일의 낭만주의 시인 루드비히 렐스타브(Ludwig Relstab)가 이름을 붙였습니다.

출판사 중 한 곳에서 제공되었습니다.

교향곡 작품에는 베토벤의 서곡(가장 유명한 것은 코리올라누스, 에그몬트, 레오노라 1번, 레오노라 2번, 레오노레 3번), 프로그램 오케스트라 작품인 비토리아 전투와 기악 콘서트(5 피아노, 바이올린 및 트리플 - 피아노, 바이올린 및 첼로.

파생 대조는 새로운 대조 모티프 또는 주제가 이전 자료의 변형 결과인 개발 원리입니다.

나폴레옹이 자신을 프랑스의 황제로 선포했다는 사실을 알게 되었을 때

제6번 전원 교향곡(F-dur, op. 68, 1808)은 베토벤의 작품에서 특별한 위치를 차지합니다. 이 교향곡에서 낭만적 프로그램 교향곡의 대표자들이 크게 반발했습니다. 교향곡 6번의 열렬한 팬은 베를리오즈였습니다.

자연의 주제는 가장 위대한 자연 시인 중 한 명인 베토벤의 음악에서 폭넓은 철학적 구현을 ​​받습니다. 여섯 번째 교향곡에서 이러한 이미지는 가장 완벽한 표현을 얻었습니다. 교향곡의 주제 자체가 자연과 시골 생활의 사진이기 때문입니다. 베토벤에게 자연은 단순히 그림 같은 그림을 그리기 위한 대상이 아니다. 그녀는 그에게 포괄적이고 생명을 주는 원리의 표현이었습니다. 베토벤이 갈망했던 순수한 기쁨의 시간을 찾은 것은 자연과의 교감이었습니다. 베토벤의 일기와 편지의 진술은 자연에 대한 그의 열광적인 범신론적 태도를 말해줍니다(pp. II31-133 참조). 우리는 베토벤의 노트에서 그의 이상이 "자유로운", 즉 자연이라는 진술을 한 번 이상 만납니다.

자연의 주제는 베토벤의 작품에서 그가 루소의 추종자로서 자신을 표현하는 또 다른 주제와 연결되어 있습니다. 자연의 삶자연과 교감하면서 농민의 영적 순결. 목가적 인 스케치에 대한 메모에서 베토벤은 교향곡 내용의 주요 동기로 "시골에서의 삶의 추억"을 여러 번 지적합니다. 이 아이디어는 원고의 제목 페이지에 있는 교향곡의 전체 제목에도 보존되어 있습니다(아래 참조).

Pastoral Symphony의 Rousseau 아이디어는 Beethoven과 Haydn (오라토리오 The Four Seasons)을 연결합니다. 그러나 베토벤에서는 하이든에서 관찰되는 가부장제의 녹청이 사라집니다. 그는 자연과 시골 생활의 주제를 "자유인"이라는 그의 주요 주제의 변형 중 하나로 해석합니다. 이것은 그를 Rousseau를 따라 자연에서 해방의 시작을 보았고 그것에 반대하는 "폭풍우"와 관련이 있습니다. 폭력, 강압의 세계.

Pastoral Symphony에서 Beethoven은 음악에서 한 번 이상 접했던 줄거리로 향했습니다. 과거의 프로그램 작품 중에는 자연을 소재로 한 작품이 많다. 그러나 베토벤은 음악 프로그래밍의 원리를 새로운 방식으로 해결합니다. 순진한 설명에서 그는 자연의 시적 정신화 구현으로 이동합니다. 베토벤은 프로그래밍에 대한 자신의 견해를 다음과 같이 표현했습니다. "그림보다 느낌의 표현이 더 많다." 저자는 교향곡의 원고에 그런 예고와 프로그램을 전했다.

그러나 여기에서 베토벤이 그림, 그림의 가능성을 포기했다고 생각해서는 안됩니다. 음악적 언어. 베토벤의 교향곡 6번은 표현주의와 회화적 원리가 융합된 예입니다. 그녀의 이미지는 분위기가 깊고 시적이며 내면의 느낌이 강하고 일반화되는 철학적 사고와 동시에 그림과 그림으로 가득 차 있습니다.

교향곡의 주제는 특징적입니다. 여기에서 베토벤은 포크 멜로디를 언급합니다(그는 진정한 포크 멜로디를 거의 인용하지 않았지만). 교향곡 6번에서 연구자들은 슬라브어 민속 기원. 특히 위대한 감정가 B. Bartok 민속 음악다양한 국가에서 Pastoral의 첫 번째 부분의 주요 부분은 크로아티아 동요라고 씁니다. 다른 연구원들(Becker, Schönewolf)도 D.K. Kukhach 컬렉션의 크로아티아 멜로디를 지적합니다.

Pastoral Symphony의 등장은 Lendler (scherzo의 극단 부분), 노래 (피날레)와 같은 민속 음악 장르의 광범위한 구현이 특징입니다. 노래의 기원은 scherzo 트리오에서도 볼 수 있습니다. Nottebohm은 나중에 교향곡에 사용된 노래 "The Happiness of Friendship"("Glück der Freundschaft, op. 88)"에 대한 베토벤의 스케치를 제공합니다.

여섯 번째 교향곡의 그림 같은 주제 특성은 다양한 유형의 gruppettos, figurations, long grace notes, arpeggios와 같은 장식 요소의 광범위한 사용에서 나타납니다. 이러한 유형의 선율은 민요와 함께 교향곡 6번 주제의 기초가 됩니다. 이것은 느린 부분에서 특히 두드러집니다. 그것의 주요 부분은 gruppetto에서 자랍니다 (Beethoven은 그가 여기에서 꾀꼬리의 곡을 포착했다고 말했습니다).

색채 측면에 대한 관심은 교향곡의 조화로운 언어에서 분명하게 나타납니다. 개발 섹션에서 색조의 세 번째 비교에 주의를 기울입니다. 그들은 무브먼트 I(B-dur - D-dur; G-dur - E-dur)의 발전과 Andante("Scene by the stream")의 발전 모두에서 중요한 역할을 합니다. 주요 부분의 주제에 대한 변형. 움직임 III, IV 및 V의 음악에는 밝은 그림이 많이 있습니다. 따라서 교향곡의 시적 아이디어의 전체 깊이를 유지하면서 프로그램 그림 음악의 계획을 떠나는 부분은 없습니다.

Sixth Symphony의 오케스트라는 풍부한 독주 관악기 (클라리넷, 플루트, 호른)로 구별됩니다. "Scene by the Stream"(Andante)에서 베토벤은 음색의 풍부함을 새로운 방식으로 사용합니다. 현악기. 그는 첼로 부분에서 divisi와 mutes를 사용하여 "시냇물 소리"(원고의 저자 메모)를 재현합니다. 이러한 관현악 작문 기법은 후기의 전형입니다. 그들과 관련하여 낭만적인 오케스트라의 특징에 대한 베토벤의 기대를 말할 수 있습니다.

전체적으로 교향곡의 극작술은 영웅 교향곡의 극작술과 매우 다릅니다. 소나타 형식(파트 I, II, V)에서는 섹션 사이의 대비와 가장자리가 부드럽게 처리됩니다. "여기에는 갈등이나 투쟁이 없습니다. 하나의 생각에서 다른 생각으로의 부드러운 전환이 특징입니다. 이것은 특히 파트 II에서 두드러집니다. 사이드 파트가 메인 파트를 계속하고 메인 파트가 들리는 동일한 배경에 대해 입력합니다.

Becker는 이와 관련하여 "멜로디 스트링" 기술에 대해 씁니다. 주제의 풍부함, 멜로디 원리의 우세는 참으로 목회 교향곡 스타일의 가장 특징적인 특징입니다.

교향곡 6번의 이러한 특징은 주제 전개 방식에서도 드러난다. 주역은 변주에 속한다. 2악장과 피날레에서 베토벤은 변주곡 부분을 소나타 형식으로 도입합니다(피날레의 주요 부분인 "Scene by the Stream"의 전개). 이러한 소나타와 변주곡의 조합은 슈베르트 서정 교향곡의 기본 원리 중 하나가 됩니다.

그러나 전형적인 고전적 대조를 보이는 전원 교향곡 주기의 논리는 프로그램에 의해 결정됩니다(따라서 5성부 구조 및 III, IV 및 V 성부 사이에 휴지기가 없음). 그 주기는 첫 번째 부분이 갈등의 초점이고 피날레가 해결되는 영웅적인 교향곡에서와 같이 효과적이고 일관된 발전이 특징이 아닙니다. 부분의 연속에서 프로그램-그림 순서의 요소는 인간과 자연의 통합이라는 일반화 된 아이디어에 종속되지만 중요한 역할을합니다.

베토벤의 공헌 세계 문화주로 그의 교향곡 작품에 의해 결정됩니다. 그는 가장 위대한 교향곡 연주자였으며, 그의 세계관과 예술의 기본 원리가 가장 완벽하게 구현된 것은 교향곡이었다.

교향곡 연주자로서 베토벤의 길은 거의 25년(1800-1824)을 커버했지만 그의 영향력은 19세기 전체, 심지어 20세기까지 크게 확장되었습니다. 19세기에 모든 교향곡 작곡가는 베토벤 교향곡의 한 줄을 계속 이어갈 것인지, 아니면 근본적으로 다른 것을 만들 것인지 스스로 결정해야 했습니다. 어떤 식으로든 베토벤이 없었다면 19세기 교향곡은 완전히 달라졌을 것입니다.

베토벤에는 9개의 교향곡이 있습니다(10개는 스케치로 남아 있음). 하이든의 104번이나 모차르트의 41번과 비교하면 별거 아니지만 저마다 하나의 사건이다. 그들이 작곡하고 연주하는 조건은 하이든과 모차르트의 조건과는 근본적으로 달랐습니다. 베토벤에게 교향곡은 첫째, 당시 기준에 따라 상당히 견고한 오케스트라가 주로 대형 홀에서 연주하는 순전히 대중적인 장르입니다. 둘째, 장르는 이데올로기 적으로 매우 중요하여 그러한 작곡을 한 번에 6 곡의 시리즈로 작성할 수 없습니다. 따라서 일반적으로 베토벤의 교향곡은 모차르트의 교향곡보다 훨씬 크고(1번과 8번 제외) 기본적으로 개념이 개별적입니다. 각 교향곡은 유일한 결정 비유적이고 극적입니다.

사실, 베토벤의 교향곡 순서에서 음악가들이 오랫동안 주목해 온 특정 패턴이 발견됩니다. 따라서 이상한 교향곡은 더 폭발적이고 영웅적이거나 극적이며 (1 번 제외) 교향곡조차도 더 "평화 롭고"장르 적입니다 (대부분-4, 6 및 8). 이것은 베토벤이 종종 쌍으로 교향곡을 구상했고 심지어 동시에 또는 서로 직후에 썼다는 사실로 설명할 수 있습니다(초연에서 5와 6은 심지어 "교환" 번호, 7과 8은 연속으로 이어짐).

교향곡 외에도 구 교향곡의 창의성베토벤에는 다른 장르가 포함됩니다. Haydn 및 Mozart와 달리 Beethoven에는 오락이나 세레나데와 같은 장르가 전혀 없습니다. 하지만 그의 전작들에는 없던 장르가 있다. 이것은 서곡 (연극 음악과 관련이없는 독립형 포함)과 프로그램 교향곡 "The Battle of Vittoria"입니다. 콘서트 장르의 베토벤의 모든 작품은 오케스트라 부분이 피아노 협주곡 5곡, 바이올린, 트리플(피아노, 바이올린, 첼로용), 바이올린과 오케스트라를 위한 2개의 로망스 등 주도적인 역할을 하기 때문에 교향곡으로도 언급되어야 합니다. 본질적으로 현재 독립 교향곡으로 공연되는 발레 The Creations of Prometheus도 순전히 오케스트라 음악입니다.

베토벤 교향곡법의 주요 특징

• 대립하는 요소들이 서로 싸우는 화합의 이미지를 보여줌. 베토벤의 주제는 종종 내부 통일성을 형성하는 대조되는 모티프를 기반으로 합니다. 따라서 강력한 추가 개발을 위한 전제 조건 역할을 하는 내부 갈등입니다.
• 미분 대비의 큰 역할. 파생 대조는 새로운 대조 모티프 또는 주제가 이전 자료의 변형 결과인 개발 원리입니다. 새로운 것은 오래된 것에서 자라나고, 그것은 그 자신의 반대가 된다.
• 영상의 질적 변화와 발전의 연속성. 주제 개발은 말 그대로 프레젠테이션 시작부터 시작됩니다. 따라서 첫 번째 부분의 5 번째 교향곡에는 실제 박람회의 단일 마디가 없습니다 ( "epigraph"-첫 번째 마디 제외). 이미 주요 부분에서 초기 모티프가 눈에 띄게 변형되었습니다. "치명적인 요소"(운명의 동기)와 영웅적 저항의 상징, 즉 운명에 반대하는 시작으로 인식됩니다. 메인 파티의 테마도 매우 역동적이며 급속한 발전 과정에서도 즉시 제공됩니다. 그래서 베토벤 테마의 간결함과 함께 소나타 형식의 파티가 매우 발전했습니다.박람회를 시작으로 개발 프로세스는 개발뿐만 아니라 요약 및 암호,어느 두 번째 개발로 바뀝니다.
• 소나타-심포니 사이클의 질적으로 새로운 통합, 하이든과 모차르트의 사이클과 비교. 교향곡은 "기악 드라마”, 여기서 각 부분은 하나의 음악적이고 극적인 "액션"에서 필요한 링크입니다. 이 "드라마"의 정점은 피날레입니다. 베토벤 기악 드라마의 가장 밝은 예는 피날레에서 전국적인 승리의 웅장한 그림을 향한 공통 개발 라인으로 모든 부분이 연결된 "영웅"교향곡입니다.

베토벤의 교향곡에 대해 말하면서, 우리는 그의 것을 강조해야 합니다. 오케스트라 혁신. 혁신에서:

• 구리 그룹의 실제 형성. 트럼펫은 여전히 ​​팀파니와 함께 연주되고 녹음되지만 기능적으로는 트럼펫과 호른이 하나의 그룹으로 취급되기 시작했습니다. 그들은 Haydn과 Mozart의 심포니 오케스트라에 없었던 트롬본으로 합류했습니다. 트롬본은 교향곡 5번(트롬본 3개)의 피날레, 6번의 뇌우 장면(여기에는 2개만 있음), 9번의 일부 부분(스케르초 및 피날레와 코다에서).
• "중간 계층"의 압축으로 인해 위와 아래에서 수직을 증가시켜야 합니다. 위에서 피콜로 플루트 (9 번째 피날레의기도 에피소드를 제외한 표시된 모든 경우)와 아래에서 콘트라 바순 (5 번째 및 9 번째 교향곡의 피날레)이 나타납니다. 그러나 어쨌든 베토벤 오케스트라에는 항상 두 개의 플루트와 바순이 있습니다.

전통을 이어가다

"교향곡"의 개념은 특별하며 다른 예술 이론에는 유사점이 없습니다. 그것은 작곡가의 작품에 교향곡이 있거나 이 장르의 규모뿐만 아니라 음악의 특별한 속성을 나타냅니다. 심포니즘은 텍스트에서 해방된 의미와 형식의 배치, 음악의 내용 깊이와 완화의 특별한 역동성이며, 문학적 음모, 오페라 및 보컬 장르의 캐릭터 및 기타 의미론적 현실. 의도적인 인식을 위해 청취자에게 전달되는 음악은 사회적 의식을 장식하는 배경 음악보다 훨씬 더 크고 구체적인 예술적 정보를 전달해야 합니다. 그러한 음악은 뱃속에서 점차 형성되었습니다. 서유럽 문화비엔나 고전 작품에서 가장 높은 표현을 발견했으며, 그 발전의 절정은 루트비히 판 베토벤 (1770-1827).

물론 헨델, 특히 바흐의 뛰어난 기악곡들은 깊은 의미, 철학적 본질에 대해 종종 이야기 할 수있는 엄청난 생각의 에너지. 그러나 우리는 음악의 내용이 그것을 인지하는 사람의 교양의 깊이에 달려 있다는 것을 잊지 말아야 합니다. 그리고 베토벤은 다음 세대의 작곡가들에게 대규모 기악 "드라마", "비극", "소설", "시"를 창작하도록 가르친 사람입니다. 생각의 교향곡을 구현하는 그의 소나타와 교향곡, 협주곡, 변주곡이 없다면 슈베르트, 슈만, 브람스, 리스트, 슈트라우스, 말러의 낭만적인 교향곡뿐만 아니라 20세기 작곡가들도 존재할 것입니다. - Shostakovich, Penderetsky, Schnittke, Kancheli.

베토벤은 고전주의의 새로운 장르인 피아노포르테를 위한 소나타, 피아노포르테와 바이올린을 위한 소나타, 사중주, 교향곡을 썼습니다. 다양함, 카세이션, 세레나데는 그의 장르가 아니었고, 비엔나의 귀족들과 가까운 곳에서 진행된 그의 삶이 궁정의 삶이 아니었던 것처럼 말입니다. 민주주의는 그의 "낮은"출신에 대해 깊이 걱정했던 작곡가의 동경의 목표였습니다. 그러나 그는 예를 들어 평생 귀족을 찾았던 러시아 시인 A. Fet과 같이 제목을 열망하지 않았습니다. 프랑스 혁명의 슬로건 자유, 평등, 박애 (자유, 평등, 박애) 그가 개인적으로 환영했던 것은 그에게 깊이 가깝고 이해할 수있었습니다. 그의 마지막 교향곡 9번에서 그는 합창단을 F. Schiller의 "Hug, million"의 말에 따라 피날레로 이끌었다. 그는 더 이상 기악 장르에서 단어 내용의 "구체화"를 가지고 있지 않지만 많은 소나타와 교향곡에는 영웅적이고 영웅적이고 한심한 소리가 스며 듭니다. 예, 사실 이것은 종종 시대의 목가적 인 그늘 특성을 지닌 밝은 짧은 서사시의 이미지로 시작되는 베토벤 음악의 주요 비 유적 콘텐츠 영역입니다. 그러나 여기에서도 가장 서정적 인 단편에서 항상 내면의 힘, 절제된 의지, 싸울 준비가 느껴집니다.

우리나라, 특히 소련 시대에 베토벤의 음악은 혁명적 충동과 사회적 투쟁의 구체적인 그림으로 확인되었습니다. 세 번째 교향곡의 두 번째 부분 인 유명한 장례식 행진에서 그들은 혁명적 투쟁에 빠진 영웅의 장례식을 들었습니다. 소나타 23 번 "Arrazzyupaa"에 대해 V.I. 레닌, 지도자 10월 혁명그녀의 사회적 및 공공 적 파토스의 증거로. 이것이 사실인지 아닌지는 질문이 아닙니다. 음악 콘텐츠관습적이고 사회 심리적 역학의 영향을받습니다. 그러나 베토벤의 음악이 행동하고 생각하는 사람의 영적 삶과 명백하게 구체적인 연관성을 불러 일으킨다는 사실은 분명합니다.

모차르트의 음악을 이해하기 위해 그의 극장을 상상하는 것이 매우 중요하다면 베토벤의 음악 테마는 다른 "주소"를 가지고 있습니다. 의미를 해독하려면 Opera-Vena의 언어, Handel, Gluck 및 많은 동시대 사람들의 오페라를 알아야합니다. , 유형화 된 동기 공식으로 전형적인 감정을 표현한 사람 . 바로크 시대그녀의 파토스, 비극적 인 가사, 영웅적인 암송 및 목가적 인 우아함으로 그녀는 베토벤 덕분에 음악적 언어 체계의 형태를 취하고 캐릭터와 그들의 " 행동". 베토벤의 많은 뮤지컬 및 연설 인물은 나중에 운명, 보복, 죽음, 슬픔, 이상적인 꿈, 사랑의 기쁨과 같은 상징의 의미를 얻었습니다. L. Tolstoy가 자신의 이야기 "The Kreutzer Sonata"를 제 9 바이올린 소나타에 바친 것은 우연이 아닙니다. 여기서 중요한 단어를 인용하고 싶습니다. “로우 컷 여성들 사이에서 거실에서이 프레스토를 연주하는 것이 가능합니까? 최신 가십. 이러한 것들은 특정하고, 중요하고, 중요한 상황에서만 재생될 수 있으며, 이 음악에 해당하는 특정 중요한 동작을 수행해야 하는 경우에만 재생될 수 있습니다. 이 음악이 내게 설정한 것을 연주하고 하기 위해."

"교향곡"의 개념은 또한 아주 일찍 청력을 잃고 완전한 청각 장애로 많은 걸작을 만든 베토벤에서 발생하는 특별한 청각 기악 환상과 관련이 있습니다. 그의 생애 동안 피아노가 사용되었으며 이후 시대의 주요 악기가 될 운명이었습니다. 음악 문화. 정교한 음색 귀를 가진 작곡가를 포함한 모든 작곡가는 오케스트라를 위해 작품을 작곡합니다. 피아노에서 작곡 한 다음 "악기"를 작곡합니다. 오케스트라 목소리를 위해 음악을 씁니다. 베토벤은 미래의 "오케스트라" 피아노의 힘을 예견했기 때문에 음악원 실습에서 그의 피아노 소나타는 관현악을 위한 연습으로 학생들에게 주어집니다. 이미 눈에 띄는 것은 C-dur에 있는 그의 초기 소나타 3번으로, 첫 부분에서 이것이 피아노 협주곡의 "클라비어"라는 인상을 받습니다. 이와 관련하여 소나타 21번("오로라"라는 이름으로 알려짐)은 (그의 소나타 중 하나인 R. 슈만처럼) "오케스트라 없는 콘서트"라고 부를 수 있습니다. 일반적으로 베토벤 소나타의 주제는 "아리아"나 "노래"인 경우가 거의 없으며 원칙적인 오케스트라 특성으로 구별됩니다.

그다지 많지는 않지만 베토벤의 기악 작품은 누구나 알고 있습니다 : 9 교향곡, 32 피아노 소나타, 피아노 협주곡 5곡, 바이올린 협주곡 1곡, 3중주(피아노, 바이올린, 첼로) 1곡, 피아노와 바이올린을 위한 소나타 10곡, 피아노와 첼로를 위한 5곡, 4중주 16곡. 그들 모두는 여러 번 공연되었으며 오늘날에도 여전히 공연되고 있습니다. 베토벤에 대한 현대적 해석은 연구하기에 흥미로운 문화적 현상을 나타냅니다.