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낭만주의 시대의 외국 작곡가. 낭만주의 음악문화: 미학, 주제, 장르, 음악언어

음악은 낭만주의 미학에서 특별한 위치를 차지했습니다. 그것은 그 특이성으로 인해 영혼의 움직임을 가장 완벽하게 표현할 수 있기 때문에 예술의 모든 영역에 대한 모델이자 표준으로 선언되었습니다."말이 끝나면 음악이 시작됩니다"(G. Heine).

초기에 발전된 방향으로서의 음악적 낭만주의XIX문학, 회화 및 연극의 다양한 경향과 밀접하게 관련되어 발전했습니다. 첫 단계음악적 낭만주의는 F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini의 작품으로 대표됩니다. 다음 단계 (1830-50s) - F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi의 작품. 낭만주의의 후기는 끝을 향한다XIX세기. 따라서 문학과 회화에서 낭만적인 방향은 기본적으로 중도에 이르면 완성된다.XIX수세기 동안 유럽에서 음악적 낭만주의의 삶은 훨씬 더 깁니다.

음악적 낭만주의와 다른 형태의 예술과 문학에서 속물주의와 속물주의의 정신이 스며든 아름답고 달성 할 수없는 이상의 세계와 일상 생활의 반대는 한편으로 극적인 갈등, 지배를 일으켰습니다. 외로움, 절망, 방황 등의 비극적 주제, 다른 한편으로는 먼 과거, 민속 생활, 자연의 이상화와 시화. 사람의 마음의 상태와 마찬가지로 낭만주의 작품의 자연은 대체로 부조화감으로 물들어 있다.

다른 낭만주의자들과 마찬가지로 음악가들은 감정이 마음보다 영혼의 더 깊은 층이라고 확신했습니다."마음은 틀렸다, 감정 - 결코" (R. 슈만).

낭만주의 음악에 대한 내재적 관심 인간의 성격의 우세로 표현개인적인 어조 . 개인 드라마의 공개는 종종 낭만주의 사이에서 의미를 얻었습니다.자서전, 음악에 남다른 진정성을 불어넣은 사람. 그래서 예를 들어 많은 피아노 작품 Schumann은 Clara Wieck에 대한 그의 사랑 이야기와 관련이 있습니다. Berlioz는 자서전 "Fantastic"교향곡을 썼습니다. 자전적 인물 Wagner는 가능한 모든 방법으로 그의 오페라를 강조했습니다.

매우 자주 "서정적 고백"이라는 주제와 얽혀 있습니다.자연 테마 .

낭만주의 작곡가의 진정한 발견은판타지 테마. 순전히 음악적 수단으로 멋진 환상적인 이미지를 구현하는 법을 처음으로 배웠습니다. 오페라에서XVII - XVIII수세기에 걸친 "기괴한" 캐릭터(모차르트의 "밤의 여왕"과 같은) 마술피리”) 실제 사람들의 배경에서 거의 눈에 띄지 않는 "일반적으로 허용되는"음악 언어로 말했습니다. 낭만주의 작곡가들은 환상의 세계를 완전히 구체적인 것으로 전달하는 법을 배웠습니다(특이한 오케스트라와 조화로운 색상의 도움을 받아). 눈에 띄는 예는 Weber의 Magic Shooter의 "Wolf Gulch Scene"입니다.

만약에 XVIII세기는 노래, 작곡, 다양한 악기 연주에 똑같이 능숙한 보편적 유형의 거장 즉흥 연주자의 시대였습니다.XIX세기는 거장 피아니스트 (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms)의 예술에 대한 전례없는 열정의 시간이었습니다.

낭만주의 시대가 완전히 바뀌었다 " 음악 지리평화." 능동적 각성의 영향을 받음 국가 정체성유럽인들 가운데 러시아·폴란드·헝가리·체코·노르웨이의 젊은 작곡가 유파들이 국제 음악 무대로 진출했다. 이미지를 구현하는 이들 국가의 작곡가 국가 문학, 이야기, 자연, 토착 민속의 억양과 리듬에 의존했습니다.

안에 가장 높은 학위음악적 낭만주의의 특징은 음악에 대한 관심이다.민속 예술 . 민속을 희생시키면서 풍부하고 업데이트 된 낭만적 인 시인처럼 문학적 언어, 음악가들은 널리 국가 민속으로 전환했습니다. 민요, 발라드, 서사시 (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg 등). 국가 문학, 역사, 자연의 이미지를 구현하여 국가 민속의 억양과 리듬에 의존하여 오래된 온음계를 되살립니다.민속의 영향으로 유럽 음악의 내용은 극적으로 변했습니다.

새로운 테마와 이미지에는 낭만주의 개발이 필요했습니다.음악 언어의 새로운 수단 그리고 형성의 원리, 멜로디의 개별화 및 음성 억양의 도입, 음색의 확장 및 음악의 조화로운 팔레트(천연 프렛, 장조와 단조의 다채로운 병치 등).

낭만주의의 초점은 더 이상 인류 전체가 아니라 특별한 사람각각의 독특한 느낌으로그리고 표현 수단에서 일반은 점점 더 개별적으로 고유한 개인에게 자리를 내어주고 있습니다. 멜로디에서 일반화된 인토네이션의 비율, 화성에서 일반적으로 사용되는 코드 진행, 질감의 전형적인 패턴이 감소하고 있습니다. 이 모든 수단이 개별화되고 있습니다. 오케스트레이션에서 앙상블 그룹의 원칙은 거의 모든 오케스트라 보이스의 솔로잉에 영향을 미쳤습니다.

가장 중요한 포인트미학 음악적 낭만주의는예술 합성의 아이디어 에서 가장 명확한 표현을 찾습니다. 오페라바그너와프로그램 음악 베를리오즈, 슈만, 리스트.

낭만주의 작곡가 작품의 음악장르

로맨틱 음악에는 세 가지 장르 그룹이 분명히 등장합니다.

고전주의 예술에서 하위 위치를 차지한 장르(주로 노래와 피아노 미니어처);
이전 시대의 낭만주의가 인식한 장르(오페라, 오라토리오, 소나타-심포니 사이클, 서곡);
자유롭고 시적인 장르(발라드, 판타지, 랩소디, 교향시). 그들에 대한 관심은 자유로운 자기 표현, 이미지의 점진적인 변형에 대한 낭만적 인 작곡가의 욕구로 설명됩니다.

낭만주의 음악문화의 선두에는노래 아티스트의 내면 깊은 생각을 표현하기에 가장 적합한 장르로(반면 작곡가의 전문적인 작업에서는XVIII세기 가사 노래겸손한 역할이 할당되었습니다-주로 여가를 채우는 데 사용되었습니다). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg 등은 노래 분야에서 일했습니다.

전형적인 낭만주의 작곡가는 마음의 요청에 따라 매우 직접적이고 자발적으로 창작합니다. 세계에 대한 낭만적인 이해는 현실에 대한 일관된 철학적 파악이 아니라 예술가의 영혼을 건드린 모든 것에 대한 즉각적인 고착입니다. 이와 관련하여 낭만주의 시대에 장르가 번성했습니다.미니어처 (독립적이거나 한 주기의 다른 미니어처와 결합). 이것은 노래와 로맨스뿐만 아니라 악기 구성도-음악적 순간, 즉흥곡, 전주곡, 연습곡, 야상곡, 왈츠, 마주르카(에 대한 의존과 관련하여 민속 예술) .

많은 낭만적인 장르는 시, 즉 시적 형식에 기원을 두고 있습니다. 소네트, 단어없는 노래, 단편 소설, 발라드가 있습니다.

낭만주의 미학의 주요 아이디어 중 하나 인 예술의 종합 아이디어는 자연스럽게 오페라 문제를 관심의 중심에 두었습니다. 거의 모든 낭만주의 작곡가들은 드문 예외(브람스)를 제외하고는 오페라 장르로 전환했습니다.

낭만주의에 내재된 개인적이고 비밀스러운 표현 톤은 교향곡, 소나타, 4중주 등 고전 장르를 완전히 변형시킵니다. 그들은 받는다심리적이고 서정적이며 극적인 해석. 많은 콘텐츠 낭만적인 작품와 관련된프로그램 작성 (피아노 사이클슈만, 리스트의 방황의 해, 베를리오즈의 교향곡, 멘델스존의 서곡).

그의 이성 숭배와 함께. 그 발생은 여러 가지 이유 때문이었습니다. 그 중 가장 중요한 - 위대한 결과에 대한 실망 프랑스 혁명 그것은 그것에 대한 희망을 정당화하지 못했습니다.

로맨틱한 세계관현실과 꿈 사이의 날카로운 갈등이 특징입니다. 현실은 낮고 영적이지 않으며 속물주의, 속물주의의 정신으로 스며 들었고 부인할 가치가 있습니다. 꿈은 아름답고 완벽하지만 도달할 수 없고 마음으로는 이해할 수 없는 것입니다.

낭만주의는 삶의 산문을 정신의 아름다운 영역인 "마음의 삶"과 대조했습니다. 낭만주의자들은 감정이 마음보다 영혼의 더 깊은 층을 구성한다고 믿었습니다. 바그너에 따르면, "예술가는 이성이 아닌 느낌으로 변한다."슈만은 이렇게 말했습니다. "마음은 실수하지만 감각은 결코 실수하지 않습니다."음악이 그 특수성으로 인해 영혼의 움직임을 가장 완벽하게 표현하는 이상적인 예술 형식으로 선언 된 것은 우연이 아닙니다. 정확히 낭만주의 시대의 음악은 예술 시스템에서 선두 자리를 차지했습니다..

문학과 회화에서 낭만적인 방향은 기본적으로 19세기 중반수세기 동안 유럽에서 음악적 낭만주의의 삶은 훨씬 더 깁니다. 에서 발전된 경향으로서의 음악적 낭만주의 초기 XIX문학, 회화 및 연극의 다양한 경향과 밀접하게 관련되어 발전했습니다. 음악적 낭만주의의 초기 단계는 E. T. A. Hoffmann, N. Paganini의 작품으로 대표됩니다. 다음 단계 (1830-50s) - 창의성,. 낭만주의의 후기 단계는 XIX 후반세기.

낭만주의 음악이 제기하는 주된 문제로서 성격 문제, 그리고 새로운 관점에서-외부 세계와의 충돌에서. 낭만적인 영웅영원히 혼자. 외로움이라는 주제는 아마도 모든 낭만주의 예술에서 가장 인기 있는 주제일 것입니다.종종 그것과 관련된 생각은 창의적인 성격: 사람은 바로 뛰어나고 재능 있는 사람일 때 외롭다. 예술가, 시인, 음악가는 낭만주의 작품에서 가장 좋아하는 캐릭터입니다 (Schumann의 "The Poet 's Love", 부제 "An Episode from the Life of an Artist", Liszt의 교향시 "Tasso").

낭만주의 음악에 내재된 인간의 개성에 대한 깊은 관심은 개인적인 어조. 낭만주의에서 흔히 접하는 개인 드라마 폭로 자서전 힌트음악에 남다른 진정성을 불어넣은 사람. 예를 들어 많은 사람들이 Clara Wieck에 대한 그의 사랑 이야기와 관련이 있습니다. 바그너는 그의 오페라의 자전적 성격을 강하게 강조했다.

감정에 대한 관심은 장르의 변화로 이어집니다-지배적 위치는 가사를 취득사랑의 이미지가 우세한 곳.

매우 자주 "서정적 고백"이라는 주제와 얽혀 있습니다. 자연 테마. 사람의 마음 상태와 공명하여 대개는 부조화감으로 물든다. 장르와 서정적 교향곡의 발전은 자연의 이미지와 밀접한 관련이 있습니다 (첫 번째 작품 중 하나는 C-dur에서 Schubert의 "위대한"교향곡입니다).

낭만주의 작곡가의 진정한 발견은 판타지 테마.순전히 음악적 수단으로 멋진 환상적인 이미지를 구현하는 법을 처음으로 배웠습니다. 17 ~ 18 세기 오페라에서 "비현실적인"캐릭터 (예 : 밤의 여왕)는 "일반적으로 받아 들여지는"음악 언어를 사용하여 실제 사람들과 거의 눈에 띄지 않았습니다. 낭만주의 작곡가들은 환상의 세계를 완전히 구체적인 것으로 전달하는 법을 배웠습니다(특이한 오케스트라와 조화로운 색상의 도움을 받아). 주목할만한 예는 The Magic Shooter의 "Wolf Gulch Scene"입니다.

음악적 낭만주의의 큰 특징은 음악에 대한 관심이다. 민속 예술. 민속을 희생시키면서 문학적 언어를 풍부하게 하고 업데이트한 낭만적인 시인처럼 음악가들은 민요, 발라드, 서사시(F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin 등)와 같은 국가 민속으로 널리 전환했습니다. 국가 문학, 역사, 자연의 이미지를 구현하여 국가 민속의 억양과 리듬에 의존하여 오래된 온음계를 되살립니다. 민속의 영향으로 유럽 음악의 내용이 극적으로 변화.

새로운 테마와 이미지에는 낭만주의 개발이 필요했습니다. 음악 언어의 새로운 수단그리고 형성의 원리, 멜로디의 개별화 및 음성 억양의 도입, 음색의 확장 및 음악의 조화로운 팔레트( 천연 프렛,장조와 단조의 다채로운 병치 등).

낭만주의의 초점은 더 이상 인류 전체가 아니라 각각 고유한 감정을 가진 특정한 사람이기 때문에 그리고 표현 수단에서 일반은 점점 더 개별적으로 고유한 개인에게 자리를 내어주고 있습니다.멜로디에서 일반화된 인토네이션의 비율, 화성에서 일반적으로 사용되는 코드 진행, 질감의 전형적인 패턴이 감소하고 있습니다. 이 모든 수단이 개별화되고 있습니다. 오케스트레이션에서 앙상블 그룹의 원칙은 거의 모든 오케스트라 보이스의 솔로잉에 영향을 미쳤습니다.

가장 중요한 포인트 미학음악적 낭만주의는 예술 합성의 아이디어, 에서 가장 생생한 표현을 찾았습니다. 프로그램 음악베를리오즈, 슈만, 리스트.

스크리아비나 스베틀라나 아나톨리에브나

MBOU DOD DSHI Uvarovo, 탐보프 지역

선생님

수필

"낭만주의 작곡가의 피아노 작품"

소개.

2. 음악의 낭만주의.

4. 로맨틱 스타일의 영향 피아노 독창성 F. 목록.

5. 결론.

6. 참고 문헌 목록.

소개.

예술 운동으로서의 낭만주의는 18세기 말과 19세기 초에 처음에는 문학(독일, 영국 및 유럽과 미국의 다른 국가)에서 형성되었고, 그 다음에는 음악 및 기타 예술 형식에서 형성되었습니다. 로맨틱 스타일은 독창적이고 환상적이며 숭고합니다.

낭만주의 시대는 음악 문화의 발전에 큰 역할을했습니다. 낭만주의는 철학, 미학, 연극, 문학, 음악 등 문화의 모든 영역을 포괄했습니다. 인도주의 과학. 다양한 국가 전통과 역사적 측면과 관련하여 낭만주의, 다른 나라, 취득한 특이한 국가 특성: 독일인 중-신비주의, 영국인-합리적 행동에 반대하는 사람, 프랑스 인-특이한 이야기. 낭만적 인 스타일은 사람의 내면 세계에 대한 호소, 감성에 대한 욕구가 특징이며 이것은 낭만주의에서 문학과 음악의 우선 순위를 결정했습니다.

관련성 이 주제는 낭만주의가 많은 작곡가들에게 버팀목이 되었고, 음악문화의 발전에 큰 역할을 했으며, 낭만주의 작곡가들의 피아노 작품의 발전을 촉발했다는 사실에 있다.

이 작업의 목적– 다음 작업을 해결하여 낭만주의의 주요 특징을 결정하고 낭만주의 작곡가의 피아노 작품에 반영된 내용을 연구합니다.

낭만주의의 주요 특징을 고려하십시오.
음악에서 낭만주의의 표현을 식별합니다.
피아노 작품에서 낭만주의의 문체적 특징을 연구한다.
F. Liszt의 피아노 작품을 특징짓기 위해.

아이디어를 실현하기 위해 낭만주의 작곡가들은 피아노 미니어처, 발라드, 야상곡, 폴로네즈, 즉흥곡, 가사 노래, 소프트웨어 제품은 중요한 역할을 했습니다. 소나타 교향곡의 자유로운 사용과 변형 형태, 소나타, 협주곡, 교향시, 특수 개발 기술 사용-leitmotifs, monothematism, 성악 암송, 채색과 같은 새로운 대형 단일 부분 형식의 생성.

1. 낭만주의의 기원과 특징.

프랑스의 부르주아 혁명과 관련하여 사람들의 견해와 생각이 바뀌었습니다. 역사적 사건은 혁명적 격변을 목격한 모든 사람의 영혼에 각인을 남겼습니다. 예술가, 작가, 음악가에게는 평등, 박애, 자유라는 개념이 가까워졌습니다. 그리하여 계몽의 시대는 막을 내렸다. 그러나 새로운 사회 질서는 그 사회의 기대에 부응하지 못했고, 실망이 시작되고 낭만주의라는 새로운 세계관 체계의 출현은 돌이킬 수 없는 것이 되었다.

낭만주의는 이데올로기적이고 예술적 방향고전주의를 대체 한 18 세기 후반-19 세기 전반의 유럽과 미국의 영적 문화에서. 예술의 내용에서, 미학적 사고의 움직임에서, 캐릭터에서 예술적 이미지근본적인 변화가 일어나고 있습니다.

낭만주의 세계의 중심에는 완전한 내면의 자유, 완벽과 갱신을 위해 노력하는 사람의 성격이 있습니다. 그는 가사를 통해 삶과 주변 세계에 대한 태도를 표현합니다. 감정적 경험그리고 감정. 예술적 이미지의 서정성은 예술의 발전, 과거와의 연결, 미래로의 움직임을 지시하는 예술의 전환에 영향을 받았습니다.

낭만주의의 근간은 이중성(꿈의 세계와 현실 세계)의 개념이었다. 이전 트렌드의 특징이기도 한 이상과 현실의 불협화음은 낭만주의에서 비범 한 날카로움과 긴장감을 얻습니다.

낭만주의의 주된 임무는 내면 세계의 이미지, 정신 생활. 진정한 심리학이 나타나기 시작하는 것은 낭만주의와 함께입니다. 절제와 겸손이 거부되었고, 그들은 다음으로 대체되었습니다. 강력한 감정종종 극단으로 치닫는다. 낭만주의자들 사이에서 인간의 심리는 신비주의로 옷을 입었고, 비이성적이고 모호하고 신비한 순간이 지배했습니다.

낭만 주의자들은 신비하고 신비스럽고 심지어 끔찍한 민속 신앙, 동화로 향했습니다. 거부 일상 생활무색하고 평범한 현대 문명 사회, 낭만주의는 특이한 모든 것을 위해 노력했습니다. 그들은 일반적으로 환상, 민속 전설 및 민속 예술에 매료되었습니다.

낭만주의의 주인공은 무엇보다 개인주의적 슈퍼맨이다. 낭만주의 사람은 작은 우주, 소우주입니다. 강하고 생생한 감정에 대한 강렬한 관심, 모든 것을 소비하는 열정, 영혼의 비밀스러운 움직임, "밤"측면, 직관과 무의식에 대한 갈망은 낭만적 인 예술의 필수 특징입니다.

2. 음악의 낭만주의.

XIX 세기의 두 번째 10 년 동안의 영향으로 발생한 뮤지컬 낭만주의가 나타났습니다. 문학 예술. 뮤지컬 "클래식"과의 깊은 연관성이 발견되었지만 역사적으로 새로운 현상이었습니다. 낭만적 인 작곡가의 작품을 연구하고 연주하면 영적 구조의 고양과 감정의 고상함, 극적인 대조, 깊은 파토스, 진지한 서정을 느낄 수 있습니다.

낭만주의 시대의 창시자는 Liszt, Chopin, Schumann, Grieg와 같은 작곡가입니다. 더 후기 Debussy, Ravel, Scriabin의 뮤지컬 "인상주의"가 탄생했습니다.

슈베르트의 피아노 미니어처, 멘델스존의 "말 없는 노래", 피아노 사이클, 야상곡, 슈만의 전주곡, 쇼팽의 발라드 - 이 모든 풍부함은 오래된 장르와 형식을 변형시켰고, 세계의 음악적 보고에 들어가 클래식 음악의 중요성을 얻었습니다.

지배적 인 장소는 사랑이라는 주제가 차지하고 있습니다. 마음의 상태가장 다재다능하고 인간 정신의 모든 깊이와 뉘앙스를 완전히 반영합니다. 그의 고향, 그의 조국, 그의 백성에 대한 사람의 사랑은 모든 낭만적인 작곡가의 작품을 통해 실처럼 흐릅니다.

낭만주의는 서정적 고백이라는 주제와 밀접하게 얽혀 있는 자연의 이미지를 가지고 있다. 사랑의 이미지와 마찬가지로 자연의 이미지는 영웅의 마음 상태를 의인화하므로 종종 현실과의 부조화로 채색됩니다.

공상과학의 주제는 종종 자연의 이미지와 경쟁하는데, 이는 속박에서 벗어나고자 하는 욕망에서 비롯된다. 실생활. 작곡가 로맨틱 스쿨멋지고 환상적인 이미지는 국가 고유의 색상을 얻습니다. Chopin의 발라드는 Mickiewicz, Schumann, Mendelssohn의 발라드에서 영감을 받아 환상적인 기괴한 계획의 작품을 만들어 악의 세력에 대한 두려움에 대한 생각을 뒤집기 위해 노력하는 믿음의 잘못된 측면을 상징합니다.

마지막 위대한 클래식 작곡가 루드비히 판 베토벤의 생애와 작품의 말년은 최초의 위대한 낭만주의 작곡가 프란츠 슈베르트의 작품의 전성기와 일치했습니다. 이 의미심장한 우연의 일치는 고전 음악과 낭만주의 음악 예술 사이의 긴밀한 연관성을 증명합니다. 이 두 유산 사이의 연속성에도 불구하고 고전 작곡가와 낭만주의 작곡가의 작품 사이에는 전형적인 관계를 나타내는 중요한 차이점이 있습니다. 가장 큰 차이점은 몽환적 인 서정적이고 흥분된 서정적 애처로운 이미지와 분위기의 구현에 대한 낭만적 인 음악의 특별한 강조입니다.

낭만주의 작곡가들은 국내 음악의 민족적 정체성뿐 아니라 다른 민족의 음악에도 큰 관심을 보이기 시작했다. 이와 관련하여 민속 음악 창의성에 대한 신중한 연구가 시작되었습니다. 뮤지컬 민속. 동시에 고대 전설, 이야기 및 전통에 대한 국가 역사 과거에 대한 관심이 증가하여 매혹적인 등장의 기초가되었습니다. 환상적인 이미지. 새로운 테마와 이미지를 마스터링, 낭만적인 음악은 낭만적인 시그리고 낭만극장. 이것은 19세기의 전성기를 결정지었다. 로맨틱 오페라- 모든 유형의 예술이 종합적으로 존재하는 장르. 가장 밝은 로맨틱 오페라 중 하나- " 매직 슈터독일 작곡가 칼 마리아 폰 베버의 작품.

낭만주의 음악 예술은 종종 뛰어난 콘서트 연주자이기도 한 많은 뛰어난 작곡가를 배출했습니다.

3. 피아노 작품에서 낭만주의 시대의 문체적 특징.

낭만주의 시대의 음악 스타일에서 모달 및 조화 수단은 매우 중요한 역할을합니다. 이러한 프로세스 중 첫 번째 인 역학은 변경 및 불협화음이있는 조각의 코드 포화로 불안정성을 악화시키고 추가 연주에서 해상도가 필요한 긴장을 증가시킵니다. 낭만적 인 작곡가의 작품 연주의 이러한 속성은이 스타일의 전형적인 "나른함", "무한히"발전하는 감정의 흐름으로 표현되었으며 Chopin, Schumann, Grieg의 작품에서 특히 완전하게 구현되었습니다. 자연 선법에서 다양한 색채와 다채로운 소리를 추출하여 민속적이거나 고풍스러운 음악성을 강조하였다. 환상적이거나 환상적이거나 기괴한 이미지를 묘사할 때 온음계와 반음계에 큰 역할이 할당되었습니다.

낭만적 인 멜로디에서 다음과 같은 추세가 작용했습니다. 폭에 대한 열망과 프레이징 개발의 연속성. 낭만주의 시대의 많은 작곡가들은 그들의 작품에서 거대한 멀티 바 리그와 함께 "끝없는 멜로디"를 가지고 있습니다. 이것은 특히 Chopin, Tchaikovsky, Rachmaninov의 80-90 년대 초기 작품 ( "Elegy", "Melody", "Romance", "Serenade"및 그의 다른 작품)에서 분명합니다.

낭만적인 작곡가의 음악에 익숙해질 때 가장 중요한 것은 사운드 제작, "스타일" 감각입니다. , 서로 달라 붙어 화환을 형성하지만 함께 겹치지 않았습니다.

에 대해 말하다 스타일 기능낭만적 인 작곡가의 음악 작품 피아노 연주, Leningrad Conservatory V.Kh 교수.

실행에 필요 서정적 작품숨결을 느끼면 터치를 통해 느낄 수 있습니다. 공기 배경, 숨쉬는 저음, 정확한 페달로 가득 차 있습니다.

F. Chopin 음악의 문체 적 특징에 대해 Liszt는 다음과 같이 말했습니다. 조금만 만져도."쇼팽은 "최고" 공연 예술낭만주의 시대.

낭만주의 시대의 음악 작품을 연주 할 때 원하는 "사운드"(부드럽고 소름 끼치는)를 얻으려면 특별한 선물과 근면함, 스타일 감각이 필요하다는 것을 기억해야합니다. Neuhaus가 말했듯이 "소리는 신성한 것입니다. 보석처럼 금과 같은 소리를 돌보십시오. 그것은 presonic 분위기에서 태어나며 그 탄생은 성사입니다. 필요한 "소리의 척도"를 찾는 것이 매우 중요합니다.

전면에 온다멜로. 멜로디는 국제적으로나 구성적으로 업데이트됩니다. 2개 등장 다른 출처억양 갱신: 민속 및 음성 억양. 무엇보다 고전적 규범에서 벗어난 것이 주목을 끈다. 고전주의자들은 낭송(웅변)이 있었지만 낭만주의자들은 그것을 더 친밀하고 서정적이며 개방적이고 감정적으로 표현했습니다.

5. F. Liszt의 피아노 작품에 대한 낭만적인 스타일의 영향.

거장처럼리스트는 그 중 하나의 현상입니다.

몇 세기에 한 번 나타나는

세로프가 쓴

F. Liszt의 작품에서 피아노 작품은 그의 창조적 유산의 가장 좋은 부분을 구성합니다.

피아니스트이자 작곡가로서의 Liszt의 예술적 개성이 결합되어 음악 예술의 새로운 길을 열었습니다.

그는 자신의 모든 생각, 꿈, 고통, 기쁨을 피아노에 맡겼습니다. 그래서 리스트는 우선 피아노 음악 분야에서 새로운 작곡 방법과 표현 수단을 발견했습니다.

F. 리스트는 뛰어난 피아니스트그의 공연은 수천 명의 청취자를 설득하고 사로잡을 수 있었습니다. 같은 방식으로 작곡 연습에서 그는 음악적 생각을 안도하고 이해하기 쉽게 표현했습니다. 반면에 끊임없이 탐구하는 예술가로서 눈부신 창조적 재능을 타고난 그는 피아노 사운드의 전체 구조와 특성을 업데이트하여 Stasov가 적절하게 표현한 것처럼 "알려지지 않고 들어본 적이 없는 것, 즉 전체 오케스트라를 만들었습니다. ."

작곡가는 피아노의 교향곡적 해석을 현대 연주와 창의성에 도입했습니다. 그의 개발 과정에서 그는 악기의 강력한 오케스트라 사운드를 달성하고 다채로운 가능성으로 풍부하게 만들었습니다. 편지 중 하나에서 Liszt는 자신의 목표가 "... 피아니스트 연주자의 정신을 오케스트라 효과에 연결하고 피아노의 제한된 한계 내에서 민감한 다양한 악기를 만드는 것"이라고 말했습니다. 음향 효과그리고 음영. Liszt는 음색과 멜로디 창고로 피아노 작품을 포화시킴으로써 이를 달성했습니다. Liszt의 피아노 작품에서 저자의 징후는 종종 발견됩니다. 준 트롬바(트럼펫과 같은), 준 플루토(플루트와 같은) 등, 첼로 모방(예: Oberman's Valley), 호른(에튜드 "Hunt" ), 종("제네바 종"), 오르간 등 Liszt는 피아니즘의 표현력을 전면으로 확장하여 소리의 힘, 탁월함 및 탁월함을 전면에 내세웠습니다.

F. Liszt는 피아노 기술의 새로운 방법을 발견했습니다. 그는 피아노의 모든 음역을 사용하려고 노력했습니다. 그는 육즙이 많고 깊은 베이스를 사용했고, 멜로디를 중간인 "첼로" 음역으로 옮겼으며, 고음역에서는 투명하고 맑은 소리를 드러냈습니다. 레지스터를 비교할 때 작곡가는 악절을 사용했고 넓은 배열의 코드 콤플렉스로 포화시켰습니다. Liszt는 오케스트라 트레몰로 효과, 화음 트릴 또는 마르텔라토 옥타브를 광범위하게 사용하여 극적이거나 역동적인 순간을 더욱 두드러지고 매력적으로 전달했습니다. 그는 두 손 사이의 사운드 자료 분배, 피아노의 다른 음역으로의 전송 및 전송에 특별한 주의를 기울였습니다. Liszt의 다른 좋아하는 기술 중에는 옥타브의 구절, 이중 음표, 능숙하게 사용되는 리허설 기술이 있습니다. 이러한 기법은 Liszt 작품의 다층적 질감 개발에 영향을 미쳤습니다. 그들의 개발은 오케스트라 구성에서와 같이 여러 가지 동적 및 색상 계획으로 제공됩니다.

피아노 연주의 위대한 개혁가인 리스트는 피아니스트들에게 “악센트를 만들고 모티프를 그룹화하는 데 익숙해지도록 가르쳤습니다. ”

Liszt 피아노 스타일의 특징은 즉시 형성되지 않았으며 네 단계로 나눌 수 있습니다. 첫 번째 단계(20대 - 30대 중반)는 피아노의 가능성에 대한 연구와 관련이 있으며 현대 거장의 브라부라 방식을 모방하여 두 번째 단계(30대 후반 - 40대)에서 Liszt는 개별 스타일을 개발하여 기술과 음악적 언어낭만주의 작곡가(파가니니, 베를리오즈, 쇼팽)의 최신 업적. Liszt 기술의 정점 인 세 번째 단계 (40 년대 후반 ~ 60 년대)는 표현력과 내용의 요구 사항, 거장 "과잉"의 부재, 네 번째 단계 (70 ~ 80 년대)에 의해 모든 기술적 방법의 정당화가 특징입니다. 새로운 퀘스트로 표시됨: 기념비적인 아이디어 거부, 챔버 사운드 검색, 미묘한 색상.

"Listov"콘서트 피아니즘의 전통은 A.G. Rubinstein, A. Siloti, 특히 S. Rachmaninov.

결론.

예술의 방법과 방향으로서의 낭만주의는 복잡하고 논쟁적인 현상이었습니다. 모든 나라에서 그는 밝은 국민적 표현을 가지고 있었습니다. Chateaubriand와 Delacroix, Mickiewicz와 Chopin, Lermontov와 Kiprensky를 하나로 묶는 특징을 문학, 음악, 회화, 연극에서 찾기란 쉽지 않습니다.

에게 중요 영역낭만적 인 작곡가의 작품에는 가사, 환상, 특징적인 국가 모티프 연주의 독창성 (예 : E. Grieg)이 포함됩니다. 슈베르트와 베버를 시작으로 작곡가들은 공통 유럽 음악 언어에 관여하여 고대의 주로 농민이 거주하는 국가의 민속학을 억양으로 바꾸었습니다.

음악의 새로운 콘텐츠는 새로운 것을 요구했습니다. 표현 수단. 이것은 무엇보다도 엄청난 멜로디 풍부함과 개발 된 텍스처 표현의 멜로디 풍부함, 조화로운 언어의 복잡성과 다채로움 증가입니다.

서지.

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18 세기 말-19 세기 초 낭만주의와 같은 예술적 운동이 나타났습니다. 이 시대에 사람들은 꿈을 꾸었습니다. 이상적인 세계환상에서 "도망". 이 스타일은 음악에서 가장 생생하고 비유적인 구현을 찾았습니다. 낭만주의의 대표자 중에는 칼 베버(Carl Weber)와 같은 19세기 작곡가들이 있다.

로베르트 슈만, 프란츠 슈베르트, 프란츠 리스트, 리하르트 바그너.

프란츠 리스트

미래는 첼리스트의 가족에서 태어났습니다. 그의 아버지는 그에게 음악을 가르쳤다 초기. 어렸을 때 그는 합창단에서 노래를 불렀고 오르간 연주를 배웠습니다. 프란츠가 12살이었을 때 그의 가족은 소년이 음악을 공부할 수 있도록 파리로 이사했습니다. 그는 음악원에 입학하지 못했지만 14세부터 스케치를 작곡해 왔습니다. 그러한 19세기 베를리오즈, 파가니니는 그에게 큰 영향을 미쳤다.

Paganini는 Liszt의 진정한 우상이 되었고 그는 자신의 피아노 기술을 연마하기로 결정했습니다. 1839-1847년의 콘서트 활동은 눈부신 승리를 동반했습니다. 이 기간 동안 Ferenc는 유명한 연극 "Years of Wanderings"컬렉션을 만들었습니다. 피아노 연주의 거장이자 대중이 가장 좋아하는 사람은 시대의 진정한 화신이 되었습니다.

Franz Liszt는 음악을 작곡하고 여러 권의 책을 썼으며 가르치고 인도했습니다. 열린 수업. 유럽 전역에서 온 19세기 작곡가들이 그를 찾아왔다. 그는 60년 동안 일했기 때문에 거의 평생 동안 음악에 종사했다고 말할 수 있습니다. 그리고 오늘날까지 음악적 재능장인 정신은 현대 피아니스트의 롤 모델입니다.

리차드 바그너

천재는 아무도 무관심하게 만들 수 없는 음악을 만들었습니다. 그녀는 추종자와 치열한 상대를 모두 가졌습니다. Wagner는 어린 시절부터 연극에 매료되어 15세 때 음악으로 비극을 만들기로 결심했습니다. 16세에 그는 자신의 작품을 파리로 가져왔습니다.

3년 동안 그는 오페라 무대에 도전했지만 무명 음악가와 거래하고 싶어하는 사람은 아무도 없었다. 그런 인기 작곡가파리에서 만난 프란츠 리스트나 베를리오즈처럼 19세기는 그에게 행운을 가져다주지 않는다. 그는 가난하고 아무도 그의 음악적 아이디어를 지원하고 싶어하지 않습니다.

프랑스에서 실패한 작곡가는 드레스덴으로 돌아와 궁정 극장에서 지휘자로 일하기 시작합니다. 1848년에 그는 봉기에 가담한 후 범죄자로 선고되었기 때문에 스위스로 이주했습니다. 바그너는 부르주아 사회의 불완전성과 예술가의 종속적 위치를 알고 있었다.

1859년 그는 오페라 트리스탄과 이졸데에서 사랑을 불렀다. Parsifal에서 보편적 형제애는 유토피아적인 방식으로 제시됩니다. 악이 패배하고 정의와 지혜가 승리합니다. 19세기의 모든 위대한 작곡가들은 바그너의 음악에 영향을 받았고 그의 작품에서 배웠습니다.

19세기에 러시아에는 국립 작곡 및 공연 학교가 설립되었습니다. 러시아 음악에는 초기 낭만주의와 고전주의의 두 기간이 있습니다. 첫 번째는 A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev와 같은 19 세기 러시아 작곡가를 포함합니다.

미하일 글린카

미하일 글린카 설립 작곡가 학교우리 나라에서. 러시아 정신은 "Ruslan and Lyudmila", "Life for the Tsar"와 같은 그의 유명한 오페라에 애국심으로 가득 차 있습니다. 글린카는 민속음악의 옛 선율과 리듬을 이용해 민속음악의 특징을 정리했다. 작곡가는 또한 음악 극작술의 혁신가였습니다. 그의 작품은 국가 문화의 부상입니다.

러시아 작곡가들은 오늘날에도 여전히 사람들의 마음을 사로잡는 많은 훌륭한 작품을 세상에 선사했습니다. 뛰어난 러시아인들 사이에서 XIX의 작곡가세기는 M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky와 같은 이름을 불멸화했습니다.

클래식 음악은 생생하고 감각적으로 반영됩니다. 내면 세계사람. 엄격한 합리주의는 19세기의 로맨스로 대체되었습니다.

음악의 낭만주의

본문: 낭만주의 시대의 음악

음악에서 낭만주의의 방향은 1820 년, 그것의 발달은 전체를 가지고 갔다 XIX세기. 낭만주의 작곡가들은 음악적 수단인간의 내면 세계의 깊이와 풍요로움을 표현합니다. 음악은 더욱 양각되고 개별화됩니다. 다음을 포함하여 노래 장르가 발전하고 있습니다. 민요.

음악에서 낭만주의의 대표자는 다음과 같습니다. 오스트리아 - 프란츠 슈베르트; V 독일 - 어니스트 테오도르 호프만, 칼 마리아 웨버,리차드 바그너, 펠릭스 멘델스존, 로베르트 슈만, 루드비히 슈포어; V 이탈리아 - 니콜로 파가니니, 빈센조 벨리니, 일찍 주세페 베르디; ~에 프랑스 - G. 베를리오즈, D. F. 오버, J. 마이어베어; V 폴란드 - 프레데릭 쇼팽; V 헝가리 - 프란츠 리스트.

러시아에서는 낭만주의에 따라 일했습니다. A. A. 알리야비예프, M. I. 글린카, Dargomyzhsky, 발라키레프, N. A. 림스키-코르사코프, 무소르그스키,보로딘, 추이, P. I. 차이코프스키.

예술 종합의 아이디어는 낭만주의의 이데올로기와 실천에서 표현되었습니다. 음악의 낭만주의는 낭만주의 문학의 영향으로 19세기의 20년대에 형성되었으며 일반적으로 문학과 밀접한 관련이 있습니다(주로 오페라, 노래, 기악 미니어처 및 음악 프로그래밍과 같은 합성 장르로 전환). 낭만주의의 특징 인 사람의 내면 세계에 대한 호소는 낭만주의에서 음악과 가사의 우위를 결정한 주관적 숭배, 정서적으로 강렬한 갈망으로 표현되었습니다.

음악 1위 XIX의 절반 V. 빠르게 진화했습니다. 새로운 음악 언어가 등장했습니다. 기악 및 실내악에서 미니어처는 특별한 장소를 받았습니다. 오케스트라는 다양한 색상의 스펙트럼으로 소리를 냈습니다. 피아노와 바이올린의 가능성이 새로운 방식으로 드러났습니다. 낭만주의 음악은 매우 거장이었습니다.

음악적 낭만주의는 다양한 분야와 관련된 다양한 분야에서 나타납니다. 국가 문화그리고 다양한 사회운동과 함께 예를 들어 독일 낭만주의의 친밀하고 서정적 인 스타일과 프랑스 작곡가 작품의 특징 인 "웅변 적"시민적 파토스는 크게 다릅니다. 차례로 광범위한 민족 해방 운동을 기반으로 발생한 새로운 국립 학교 대표 (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg)와 Risorgimento 운동과 밀접하게 관련된 이탈리아 오페라 학교 대표 (Verdi, Bellini)는 특히 고전적 전통을 보존하려는 경향에서 독일, 오스트리아 또는 프랑스의 동시대 사람들과 여러면에서 다릅니다.

그럼에도 불구하고 그들 모두는 우리가 단일한 낭만적 사고 구조에 대해 말할 수 있게 해주는 몇 가지 일반적인 예술적 원칙에 의해 특징지어진다.

풍부한 인간 경험의 세계를 깊고 꿰뚫는 음악의 특별한 능력으로 인해 낭만적 인 미학으로 다른 예술의 첫 번째 자리에 올랐습니다. 많은 낭만주의자들은 음악이 "알 수 없는" 것을 표현하는 속성 때문에 직관적인 시작을 강조했습니다. 뛰어난 낭만주의 작곡가들의 작품은 사실주의적 기반이 강했다. 삶에 대한 관심 보통 사람들, 삶의 충만 함과 감정의 진실성, 일상 생활의 음악에 대한 의존이 음악적 낭만주의 최고의 대표자들의 작품의 사실성을 결정했습니다. 반동적 경향(신비주의, 현실 도피)은 상대적으로 적은 수의 낭만주의 작품에만 내재되어 있습니다. 그들은 Weber의 오페라 Euryanta(1823), Wagner의 일부 뮤지컬 드라마, Liszt의 오라토리오 Christ(1862) 등에 부분적으로 등장했습니다.

19세기 초에 이르러서는 민속학, 역사학, 고대문학에 대한 기초 연구가 등장하고 중세 전설, 고딕미술, 그리고 잊혀졌던 르네상스 문화가 부활하였다. 이때 작곡가의 유럽 작품에서 특별한 유형의 많은 국립 학교가 개발되어 공통 유럽 문화의 경계를 크게 확장 할 운명이었습니다. 첫 번째는 아니지만 곧 세계 문화 창의성의 첫 번째 장소 중 하나 인 러시아어 (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), 폴란드어 (Chopin, Moniuszko), 체코 어 (Sour Cream, Dvorak), 헝가리어 ( List), 노르웨이어 (Grieg), 스페인어 (Pedrel), 핀란드어 (Sibelius), 영어 (Elgar)-모두 유럽에서 작곡가 작업의 일반적인 주류에 합류하여 기존의 고대 전통에 반대하지 않습니다. . 작곡가가 속한 민족 문화의 독특한 민족적 특징을 표현하는 새로운 이미지 서클이 등장했습니다. 작품의 억양 구조를 통해 특정 국립 학교에 속한 귀로 즉시 알아볼 수 있습니다.

작곡가들은 공통 유럽 음악 언어에 과거의 억양 전환, 주로 자국의 농민 민속을 포함합니다. 그들은 그대로 옻칠 한 오페라에서 러시아 민요를 정화하고 18 세기 노래의 국제적 억양 시스템에 민속 일상 장르를 도입했습니다. 고전주의의 비 유적 영역과 비교할 때 특히 생생하게 인식되는 낭만주의 음악에서 가장 눈에 띄는 현상은 서정적 심리적 원리의 지배입니다. 물론 일반적으로 음악 예술의 특징은 감정의 영역을 통한 모든 현상의 굴절입니다. 모든 시대의 음악은 이 패턴을 따릅니다. 그러나 낭만주의는 음악의 서정적 시작의 가치, 사람의 내면 세계의 깊이, 미묘한 분위기를 전달하는 힘과 완벽 함에서 모든 전임자를 능가했습니다.

사랑의 주제는 인간 정신의 모든 깊이와 뉘앙스를 가장 포괄적이고 완전하게 반영하는 마음의 상태이기 때문에 지배적 인 위치를 차지합니다. 그러나이 주제는 문자 그대로의 의미에서 사랑의 동기에 국한되지 않고 가장 광범위한 현상과 동일시된다는 것이 매우 특징적입니다. 광범위한 역사적 파노라마를 배경으로 캐릭터의 순전히 서정적 경험이 드러납니다. 그의 고향, 그의 조국, 그의 백성에 대한 사람의 사랑은 모든 낭만적인 작곡가의 작품을 통해 실처럼 흐릅니다.

서정적 고백의 주제와 밀접하고 불가분의 관계로 얽힌 자연의 이미지에 크고 작은 형태의 음악 작품에서 큰 자리를 차지합니다. 사랑의 이미지와 마찬가지로 자연의 이미지는 영웅의 마음 상태를 의인화하므로 종종 현실과의 부조화로 채색됩니다.

판타지라는 주제는 종종 현실의 속박에서 벗어나고자 하는 욕망에서 비롯된 자연의 이미지와 경쟁한다. 낭만주의의 전형은 회색 일상 생활과는 대조적으로 세상의 풍부한 색상으로 반짝이는 훌륭하고 반짝이는 검색이었습니다. 이 기간 동안 문학은 동화, 러시아 작가의 발라드로 풍부해졌습니다. 낭만적 인 학교의 작곡가들 사이에서 멋지고 환상적인 이미지는 국가 고유의 색상을 얻습니다. 발라드는 러시아 작가들에게 영감을 받았으며, 덕분에 악의 세력에 대한 두려움에 대한 생각을 뒤집기 위해 노력하는 믿음의 잘못된 측면을 상징하는 환상적인 그로테스크 한 계획의 작품이 만들어졌습니다.

많은 낭만주의 작곡가들이 음악 작가와 비평가로도 활동했습니다(Weber, Berlioz, Wagner, Liszt 등). 진보적 낭만주의 대표자들의 이론적 작업은 음악 예술의 가장 중요한 문제의 발전에 매우 중요한 기여를 했습니다. 낭만주의는 공연 예술(바이올리니스트 파가니니, 가수 A. 누리 등)에서도 표현되었습니다.

이 시기 낭만주의의 진보적 의미는 주로 활동성에 있다. 프란츠 리스트. 모순된 세계관에도 불구하고 리스트의 작업은 기본적으로 진보적이고 현실적이었다. 뛰어난 국민 예술가 인 헝가리 음악의 창시자이자 고전 중 한 명.

헝가리 국가 주제는 Liszt의 많은 작품에 널리 반영되어 있습니다. Liszt의 낭만적이고 거장적인 작곡은 피아노 연주(콘서트, 소나타)의 기술적이고 표현적인 가능성을 확장했습니다. 그가 적극적으로 홍보 한 러시아 음악 대표와의 Liszt의 관계는 중요했습니다.

동시에 리스트는 세계 음악 예술의 발전에 큰 역할을 했다. 리스트 이후로 "피아노포르테의 모든 것이 가능해졌습니다." 캐릭터 특성그의 음악 - 즉흥 연주, 낭만적 인 감정의 고조, 표현적인 멜로디. Liszt는 작곡가, 연주자, 뮤지컬 인물로 평가됩니다. 작곡가의 주요 작품: 오페라 “ 돈 산초 또는 사랑의 성”(1825), 13 교향시 “타소”, ” 프로메테우스”, “작은 촌락” 등 오케스트라를 위한 작품, 피아노와 오케스트라를 위한 2개의 협주곡, 75개의 로망스, 합창단 및 기타 똑같이 잘 알려진 작품.

음악에서 낭만주의의 첫 징후 중 하나는 창의성이었습니다. 프란츠 슈베르트(1797-1828). Schubert는 음악적 낭만주의의 가장 큰 창시자이자 낭만적 인 교향곡, 피아노 미니어처, 가사-로맨틱 노래 (로맨스)와 같은 여러 새로운 장르의 창시자로 음악사에 입문했습니다. 그의 작업에서 가장 중요한 것은 노래,그는 특히 많은 혁신적인 경향을 보여주었습니다. Schubert의 노래에서 사람의 내면 세계가 가장 깊이 드러나고 민속 음악과의 특징적인 연결이 가장 눈에 띄며 그의 재능의 가장 필수적인 특징 중 하나 인 놀라운 다양성, 아름다움, 멜로디의 매력이 가장 분명합니다. 초기 최고의 노래는 “ 물레의 마가리타”(1814) , “숲의 왕". 두 노래 모두 괴테의 가사로 쓰여졌습니다. 그들 중 첫 번째에서 버려진 소녀는 그녀의 사랑하는 사람을 기억합니다. 그녀는 외롭고 깊은 고통을 겪고 있으며 그녀의 노래는 슬프다. 단순하고 진지한 멜로디는 단조로운 산들 바람에 의해서만 울려 퍼집니다. "숲의 왕"은 복잡한 작업입니다. 이건 노래가 아니라 드라마틱한 장면 셋이서 배우: 말을 타고 숲을 누비는 아버지, 병든 아이를 데리고 다니는 아버지, 열병에 걸린 소년에게 나타나는 무시무시한 숲의 왕. 그들 각각은 고유의 멜로디 언어를 가지고 있습니다. Schubert의 노래 "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade"는 그다지 유명하고 사랑받지 못합니다. 후년에 작곡된 이 곡들은 놀라울 정도로 단순하고 표현력이 풍부한 멜로디와 신선한 색상이 특징입니다.

Schubert는 또한 두 개의 노래를 썼습니다. 아름다운 밀러"(1823) 및" 겨울 길"(1872) - 말로 독일 시인빌헬름 뮐러. 그들 각각에서 노래는 하나의 음모로 통합됩니다. "The Beautiful Miller's Woman"이라는 사이클의 노래는 어린 소년에 대해 이야기합니다. 시냇물을 따라 행복을 찾아 떠나는 여행을 떠난다. 이 사이클의 대부분의 노래에는 가벼운 성격이 있습니다. "Winter Way" 사이클의 분위기는 완전히 다릅니다. 가난한 청년이 부자 신부에게 거절당합니다. 절망에 빠진 그는 떠난다 고향세상을 떠돌기 위해 떠난다. 그의 동료는 바람, 눈보라, 불길하게 우는 까마귀입니다.

여기에 주어진 몇 가지 예를 통해 슈베르트 작곡의 특징에 대해 이야기할 수 있습니다.

슈베르트는 글쓰기를 좋아했다 피아노 음악. 이 악기를 위해 그는 엄청난 수의 작품을 썼습니다. 노래와 마찬가지로 그의 피아노 작품은 일상 음악에 가까웠고 단순하고 이해하기 쉬웠습니다. 그의 작곡에서 가장 좋아하는 장르는 춤, 행진, 지난 몇 년인생 - 즉흥.

왈츠 및 기타 춤은 일반적으로 시골 산책에서 슈베르트의 무도회에 나타났습니다. 그곳에서 그는 그것들을 즉흥적으로 만들고 집에서 녹음했습니다.

슈베르트의 피아노곡과 그의 가곡을 비교해보면 많은 유사점을 발견할 수 있다. 우선 장조와 단조의 화려한 병치, 선율의 표현력, 기품이 뛰어납니다.

가장 큰 것 중 하나 프랑스 국민 19세기 후반의 작곡가 조르주 비제, 뮤지컬 극장을 위한 불멸의 창작물의 창조자 - 오페라 “카르멘"그리고 Alphonse Daudet의 드라마를 위한 멋진 음악" 알레시안”.

Bizet의 작업은 생각의 정확성과 명확성, 표현 수단의 참신함과 신선함, 형태의 완전성과 우아함이 특징입니다. Bizet은 작곡가의 위대한 동포 인 작가 Balzac, Flaubert, Maupassant의 작품의 특징 인 인간의 감정과 행동을 이해하는 심리적 분석의 예리함이 특징입니다. 장르가 다양한 Bizet 작품의 중심 장소는 오페라에 속합니다. 작곡가의 오페라 예술은 프랑스 땅에서 발생했으며 프랑스 오페라 하우스의 전통에 의해 양육되었습니다. Bizet은 그의 작업에서 첫 번째 작업을 기존의 극복이라고 생각했습니다. 프랑스 오페라장르 제한은 개발을 방해합니다. 그에게 "큰"오페라는 죽은 장르 인 것 같고 서정적 오페라는 눈물과 소부르주아 적 편협함으로 짜증이 나며 만화는 다른 것보다 더 주목할 가치가 있습니다. 비제의 오페라에서 처음으로 육즙이 넘치고 생동감 넘치는 국내 및 대중 장면이 등장하며 삶과 생생한 장면을 예고한다.

알폰스 도데의 드라마를 위한 비제의 음악 “알레시안”는 주로 그녀의 베스트 넘버로 구성된 두 개의 콘서트 모음곡으로 알려져 있다. Bizet은 정통 프로방스 멜로디를 사용했습니다. : "삼왕의 행진곡" 그리고 "유쾌한 말의 춤".

비제의 오페라 카르멘”-호세 군인과 집시 카르멘의 영웅들의 사랑과 죽음에 대한 이야기를 설득력있는 진실성과 매혹적인 예술적 힘으로 관객들 앞에 펼치는 뮤지컬 드라마. 오페라 카르멘은 프랑스 뮤지컬의 전통을 기반으로 만들어졌으나 동시에 많은 새로운 것들을 소개하기도 했다. 국립오페라 최고의 성과를 바탕으로 가장 중요한 요소들을 개편하여 비제는 사실적인 뮤지컬 드라마라는 새로운 장르를 탄생시켰다.

19 세기 오페라 하우스의 역사에서 오페라 카르멘은 첫 번째 장소 중 하나를 차지합니다. 1876년부터 그녀의 승리의 행진이 시작됩니다. 오페라 하우스비엔나, 브뤼셀, 런던.

환경에 대한 개인적인 관계의 표현은 시인과 음악가에 의해 무엇보다도 즉각적인 감정적 "개방성"과 표현의 열정으로 표현되었습니다. 인정이나 고백.

예술의 이러한 새로운 경향은 출현에 결정적인 영향을 미쳤습니다. 서정 오페라. 그것은 "big"의 대립으로 생겨났고 희가극, 그러나 그녀는 오페라 극작술과 음악 표현 수단 분야에서 그들의 정복과 업적을 지나칠 수 없었습니다.

새로운 오페라 장르의 독특한 특징은 역사적, 철학적 또는 현대 테마. 서정적 오페라의 영웅들은 낭만적 인 오페라의 특징 인 배타성과 약간의 과장이없는 평범한 사람들의 특징을 부여 받았습니다. 서정 오페라 분야에서 가장 중요한 예술가는 샤를 구노.

Gounod의 다소 많은 오페라 유산 중 오페라 " 파우스트" 특별하고 예외적 인 장소를 차지합니다. 그녀의 세계적인 명성인기는 Gounod의 다른 오페라와 비교할 수 없습니다. 오페라 파우스트의 역사적 중요성은 최고 일뿐만 아니라 본질적으로 차이코프스키가 쓴 새로운 방향의 오페라 중 첫 번째이기 때문에 특히 큽니다. 천재, 그리고 비범한 기술과 뚜렷한 정체성 없이.” 파우스트의 이미지에서는 세상을 알고 싶은 욕망으로 인한 영원한 불만 인 그의 의식의 날카로운 불일치와 "분기"가 완화됩니다. Gounod는 그 시대의 전투적인 비판 정신을 구현 한 괴테의 Mephistopheles 이미지의 다양성과 복잡성을 모두 전달할 수 없었습니다.

"파우스트"가 인기를 얻은 주된 이유 중 하나는 젊은 장르의 서정 오페라의 근본적이고 새로운 특징, 즉 오페라 캐릭터의 내면 세계를 정서적으로 직접적이고 생생하게 개별적으로 전달하는 데 집중했기 때문입니다. 주인공의 갈등을 예로 들어 모든 인류의 역사적, 사회적 운명을 밝히고 자하는 괴테의 파우스트의 깊은 철학적 의미는 마거리트와 파우스트의 인간적인 서정적 드라마의 형태로 구노에 의해 구체화되었습니다.

프랑스의 작곡가, 지휘자, 음악 평론가 헥터 베를리오즈가장 큰 낭만적인 작곡가, 교향곡 프로그램의 창시자, 음악 형식, 하모니, 특히 악기 분야의 혁신가로 음악사에 입문했습니다. 그의 작품에서 그들은 혁명적 파토스와 영웅의 특징을 생생하게 구현했습니다. Berlioz는 그가 높이 평가하는 음악의 M. Glinka에 익숙했습니다. 그는 자신의 글과 창작 원칙을 열광적으로 받아들인 "마이티 핸드풀"의 지도자들과 우호적인 관계를 유지했습니다.

그는 오페라 “ 벤베누토 칠리니”(1838), “ 트로이 목마”,”베아트리체와 베네딕트(셰익스피어의 코미디 Much Ado About Nothing, 1862를 기반으로 함); 23개의 성악 및 교향곡, 31개의 로망스, 합창단, 그는 "현대 악기와 오케스트레이션에 관한 위대한 논문"(1844), "오케스트라의 저녁"(1853), "노래를 통해"(1862), "음악적 호기심"이라는 책을 저술했습니다. ( 1859), "회고록"(1870), 기사, 리뷰.

독일 사람 작곡가, 지휘자, 극작가, 홍보인 리차드 바그너가장 위대한 음악 창작자이자 오페라 예술의 주요 개혁자 중 한 명으로 세계 음악 문화의 역사에 입문했습니다. 그의 개혁의 목표는 모든 유형의 오페라와 교향곡을 대체하도록 고안된 극적인 형식의 기념비적인 프로그래밍 성악 교향악 작품을 만드는 것이었습니다. 그러한 작품은 음악이 연속적인 흐름으로 흐르고 모든 극적인 연결을 하나로 합치는 뮤지컬 드라마였습니다. 완성 된 노래를 거부하고 Wagner는 감정이 풍부한 암송으로 대체했습니다. Wagner 오페라의 큰 부분은 세계 교향곡에 귀중한 공헌을 한 독립 오케스트라 에피소드로 가득 차 있습니다.

Wagner의 손은 13개의 오페라에 속합니다. 플라잉 더치맨'(1843), '탄호이저'(1845), '트리스탄과 이졸데'(1865), '라인강의 황금'(1869) 등; 합창단, 피아노 곡, 로맨스.

또 다른 뛰어난 독일 작곡가, 지휘자, 피아니스트, 교사 및 음악적 인물은 펠릭스 멘델스존-바르톨디. 9세부터 피아니스트로 활동하기 시작했고, 17세에 걸작 중 하나인 코미디 서곡을 만들었습니다. 한 여름밤의 꿈" 셰익스피어. 1843년 그는 라이프치히에 독일 최초의 음악원을 세웠습니다. 멘델스존의 작품에는 "낭만주의의 고전"이 결합되어 있습니다. 낭만적인 특성고전적인 사고 방식으로. 그의 음악은 밝은 멜로디, 표현의 민주주의, 감정의 절제, 생각의 고요함, 밝은 감정의 우세, 서정적 분위기, 약간의 감상, 흠 잡을 데없는 형태, 뛰어난 장인 정신이 특징입니다. R. Schumann은 그를 "19 세기의 모차르트", G. Heine - "음악적 기적"이라고 불렀습니다.

풍경 낭만적인 교향곡("스코틀랜드", "이탈리아"), 프로그램 콘서트 서곡, 인기 있는 바이올린 협주곡, 피아노 포르테 "말 없는 노래"를 위한 곡의 순환 작가; 오페라 Camacho's Marriage.그는 연극 Antigone(1841), Sophocles의 Oedipus in Colon(1845), Racine의 Atalia(1845), 셰익스피어의 A Midsummer Night's Dream(1843) 등을 위해 음악을 썼습니다. oratorios "Paul"(1836), "Elijah"(1846); 피아노 협주곡 2곡과 바이올린 협주곡 2곡.

안에이탈리아 사람 음악 문화 특별한 장소는 Giuseppe에 속합니다베르디- 뛰어난 작곡가, 지휘자, 오르간 연주자. Verdi의 주요 작업 영역은 오페라입니다. 그는 주로 이탈리아 국민의 영웅애국심과 민족해방사상을 대변하는 역할을 했다. 그 후 몇 년 동안 그는 사회적 불평등, 폭력, 억압으로 인해 발생하는 극적인 갈등에 주목하고 그의 오페라에서 악을 비난했습니다. Verdi 작품의 특징 : 민속 음악, 극적인 기질, 선율의 밝기, 무대 법칙에 대한 이해.

그는 26개의 오페라를 썼다. 나부코', '맥베스', '트루바두르', '라 트라비아타', '오셀로', '아이다'" 등 . , 20개의 로맨스, 보컬 앙상블 .

어린 노르웨이 인 작곡가 에드바르 그리그(1843-1907) 국악의 발전을 기원합니다. 이것은 그의 작품뿐만 아니라 노르웨이 음악의 진흥에서도 표현되었습니다.

코펜하겐에 있는 동안 Grieg는 많은 음악을 썼습니다. 시적인 그림” 그리고 "유모레스크",피아노를 위한 소나타와 제1바이올린 소나타, 노래. 새로운 작품이 나올 때마다 노르웨이 작곡가로서의 그리그의 이미지가 더욱 선명하게 드러난다. 미묘한 서정적 "Poetic Pictures"(1863)에서 국가적 특징은 여전히 \u200b\u200b소심하게 돌파됩니다. 리드미컬한 형태는 종종 노르웨이 민속 음악에서 발견됩니다. 그것은 많은 Grieg 멜로디의 특징이되었습니다.

Grieg의 작업은 방대하고 다면적입니다. Grieg는 다양한 장르의 작품을 썼습니다. 피아노 협주곡과 발라드, 바이올린과 피아노를 위한 3개의 소나타, 첼로와 피아노를 위한 소나타 4중주는 그리그의 끊임없는 갈망을 증언합니다. 대형. 동시에 악기 미니어처에 대한 작곡가의 관심은 변하지 않았습니다. 피아노 포르테와 마찬가지로 작곡가는 로맨스, 노래와 같은 실내 보컬 미니어처에 매료되었습니다. 교향곡 창작 분야는 모음곡과 같은 걸작으로 표시됩니다. 구노 당”, “홀베르그 시대부터". 중 하나 특징적인 종창의성 그리그 프로세싱 민요그리고 춤: 단순한 피아노 곡의 형태, 피아노 네 손을 위한 모음곡.

Grieg의 음악 언어는 매우 독창적입니다. 작곡가 스타일의 개성은 무엇보다도 노르웨이 민속 음악과의 깊은 관계에서 결정됩니다. Grieg는 장르 기능, 억양 구조, 민요의 리듬 공식 및 댄스 멜로디를 널리 사용합니다.

멜로디의 변주 및 변주 전개에 대한 그리그의 놀라운 숙달은 멜로디를 변화와 함께 반복 반복하는 민속 전통에 뿌리를 두고 있습니다. “나는 우리나라의 민속 음악을 녹음했습니다.” 이 말 뒤에는 그리그의 경건한 태도가 있습니다. 민속 예술자신의 창의성에 대한 그의 결정적인 역할에 대한 인식.

로맨티시즘, 그리고 마지막으로 강력한 리얼리티... 그 뒤를 따랐다. II. 낭만주의러시아 회화에서 낭만주의러시아와는 다른...