Šiuolaikinis japonų menas. AmataiGirl
Atrodo, kad šiuolaikinė Japonijos meno scena yra visiškai globalizuota. Menininkai keliauja tarp Tokijo ir Niujorko, beveik visi įgijo europietišką ar amerikietišką išsilavinimą, apie savo kūrybą kalba tarptautine meno anglų kalba. Tačiau šis vaizdas toli gražu nėra baigtas.
Nacionalinės formos ir tendencijos pasirodo esąs vienas geidžiamiausių prekių, kurias Japonija gali pasiūlyti pasaulinei rinkai. meninės idėjos ir veikia.
lėktuvo operacija. Kaip superflat sujungia Amerikos geek kultūrą ir tradicinę japonų tapybą
Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"Jei Vakarų pasaulyje beveik visiems (išskyrus bene aršiausius postmodernizmo teoretikus) riba tarp aukšto ir populiarioji kultūra vis dar aktualus, nors ir problemiškas, Japonijoje šie pasauliai yra visiškai sumaišyti.
To pavyzdys yra Takashi Murakami, kuris sėkmingai derina parodas geriausiose pasaulio galerijose ir srautinę produkciją.
Ekskursijos po Murakami parodą „Bus švelnus lietus“ įrašas
Tačiau Murakami santykis su populiariąja kultūra – o Japonijai tai visų pirma manga ir anime gerbėjų kultūra (otaku) – yra sudėtingesnis. Filosofas Hiroki Azuma kritikuoja otaku kaip autentiško japoniško reiškinio supratimą. Otaku laiko save tiesiogiai susijusiais su 17–19 amžių Edo laikotarpio tradicijomis - izoliacionizmo ir modernizacijos atmetimo era. Azuma teigia, kad otaku judėjimas remiasi manga, animacija, grafiniais romanais, Kompiuteriniai žaidimai– galėjo atsirasti tik pokario Amerikos okupacijos kontekste dėl amerikietiškos kultūros importo. Murakami ir jo pasekėjų menas iš naujo išranda otaku naudojant pop meno metodus ir sugriauna nacionalistinį mitą apie tradicijos autentiškumą. Tai reiškia „japonizuotos Amerikos kultūros reamerikanizaciją“.
Meno istorijos požiūriu superflat yra arčiausiai ankstyvojo Japonų tapyba ukiyo-e. Dauguma garsus darbas pagal šią tradiciją - graviravimas " Didelė banga Kanagavoje“ Katsushiki Hokusai (1823–1831).
Vakarų modernizmui japonų tapybos atradimas buvo proveržis. Tai leido pamatyti paveikslą kaip plokštumą ir siekia ne įveikti šį jo ypatumą, o dirbti su juo.
Katsushiki Hokusai. „Didžioji banga prie Kanagavos“ Spektaklio pradininkai. Ką šiandien reiškia šeštojo dešimtmečio japonų menas
Dokumentacija kūrybinis procesas Akira Kanayama ir Kazuo Shiragi
Superflat susiformavo tik 2000-aisiais. Tačiau pasauliniam menui reikšmingi meniniai veiksmai Japonijoje prasidėjo daug anksčiau – ir net anksčiau nei Vakaruose.
Performatyvus posūkis mene įvyko praėjusio amžiaus 60-70-ųjų sandūroje. Japonijoje spektaklis pasirodė šeštajame dešimtmetyje.
Grupė „Gutai“ pirmą kartą savo dėmesį nuo savarankiškų objektų kūrimo perkėlė į jų gamybos procesą. Nuo čia – vienas žingsnis iki meno objekto atsisakymo efemeriško įvykio naudai.
Nors pavieniai menininkai iš Gutų (o per dvidešimt metų jų buvo 59) aktyviai gyvavo tarptautiniame kontekste, supratę japonų kaip savo kolektyvinę veiklą. pokario menas apskritai prasidėjo Vakaruose visai neseniai. Bumas atėjo 2013 m., kai buvo surengtos kelios parodos nedidelėse galerijose Niujorke ir Los Andžele, Tokijuje 1955–1970: Naujasis avangardas MoMA ir didžiulė istorinė retrospektyva „Gutai: Splendid Playground“ Gugenheimo muziejuje. Atrodo, kad Maskvos japonų meno importas yra beveik pavėluotas šios tendencijos tęsinys.
Sadamasa Motonaga. Darbas (vanduo) Guggenheimo muziejuje Stebina, kaip šiuolaikiškai atrodo šios retrospektyvinės parodos. Pavyzdžiui, centrinis Guggenheimo muziejaus ekspozicijos objektas – Sadamasa Motonaga rekonstrukcija „Darbas (vanduo), kurioje muziejaus rotondos lygiai sujungiami polietileno vamzdžiais su spalvotu vandeniu. Jie primena nuo drobės nuplėštus teptuko potėpius ir parodo Gutai pagrindinį dėmesį „konkretumui“ (išversta iš Japoniškas vardas grupės), objektų, su kuriais menininkas dirba, medžiagiškumas.
Daugelis Gutų narių gavo išsilavinimą, susijusį su klasikine nihonga tapyba, daugelis biografiškai yra prisirišę prie religinio dzenbudizmo konteksto, jam būdingos japoniškos kaligrafijos. Visi jie rado naują, procedūrinį ar dalyvaujamąjį požiūrį į senąsias tradicijas. Kazuo Shiraga yra nufilmavęs, kaip kojomis piešia savo anti-Raušenbergo monochromijas, ir netgi kūrė paveikslus viešai.
Minoru Yoshida gėles iš japoniškų spaudinių pavertė psichodeliniais objektais – to pavyzdys yra Biseksuali gėlė, viena pirmųjų kinetinių (judančių) skulptūrų pasaulyje.
Parodos Gugenheimo muziejuje kuratoriai pasakoja apie šių darbų politinę reikšmę:
„Gutai pademonstravo laisvo individualaus veiksmo, žiūrovų lūkesčių griovimo ir net kvailumo svarbą kaip būdus atremti socialinį pasyvumą ir konformiškumą, kurie per dešimtmečius leido militaristinei vyriausybei įgyti kritinę įtakos masę, įsiveržti į Kiniją ir tada. prisijungti prie Antrojo pasaulinio karo“.
Geras ir protingas. Kodėl menininkai septintajame dešimtmetyje išvyko iš Japonijos į Ameriką
Gutai buvo taisyklės išimtis pokario Japonijoje. Avangardinės grupės liko marginalios, meno pasaulis buvo griežtai hierarchinis. Pagrindinis kelias į pripažinimą buvo dalyvavimas pripažintų klasikinių menininkų asociacijų konkursuose. Todėl daugelis teikė pirmenybę išvykti į Vakarus ir integruotis į anglų kalbos meno sistemą.
Ypač sunku buvo moterims. Netgi pažangiuose Gutuose jų buvimo dalis nesiekė net penktadalio. Ką jau kalbėti apie tradicines institucijas, prie kurių reikėjo patekti Specialusis ugdymas. Šeštajame dešimtmetyje merginos jau buvo įgijusios teisę į tai, tačiau mokydamosi meno (jei tai nebuvo dekoratyvinis dalykas, kuris buvo įgūdžių dalis ryosai kenbo- gera žmona ir išmintinga motina) buvo socialiai nusižiūrėtas užsiėmimas.
Yoko Ono. supjaustytas gabalas
Penkių įtakingų japonų menininkių emigracijos iš Tokijo į JAV istorija buvo Midori Yoshimoto studijos „Into Performance: Japanese Women Artists in New York“ tema. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi ir Shigeko Kubota karjeros pradžioje nusprendė išvykti į Niujorką ir ten dirbo, įskaitant japonų meno tradicijų modernizavimą. Tik Yoko Ono užaugo JAV, bet ji taip pat sąmoningai atsisakė grįžti į Japoniją, nusivylusi Tokijo menine hierarchija per trumpą viešnagę 1962–1964 m.
Ono tapo žinomiausia iš penkių – ne tik kaip Johno Lennono žmona, bet ir kaip proto-feministinių performansų, skirtų objektyvacijai, autorė. moteriškas kūnas. Yra akivaizdžių paralelių tarp „Cut Piece It“, kuriame publika galėjo nukirpti menininko drabužių gabalus, ir „performanso močiutės“ Marinos Abramovič „Rhythm 0“.
Ant trumpų kojų. Kaip pereiti autoriaus vaidybos mokymą Tadashi Suzuki
Ono ir Gutų atveju jų darbo metodai ir temos, atskirtos nuo autorių, tapo tarptautiniu mastu reikšmingu. Yra ir kitų eksporto formų – kai menininko darbai su susidomėjimu suvokiami tarptautinėje arenoje, tačiau tikrojo metodo pasiskolinimas nevyksta dėl jo specifikos. Ryškiausias atvejis – Tadashi Suzuki aktorinio mokymo sistema.
Suzuki teatras mėgstamas net Rusijoje – ir tai nenuostabu. Paskutinį kartą jis buvo su mumis 2016 m. su spektakliu „Trojos moterys“ pagal Euripido tekstus, o 2000-aisiais kelis kartus atvyko su Šekspyro ir Čechovo pastatymais. Suzuki pjesių veiksmą perkėlė į dabartinį Japonijos kontekstą ir pasiūlė neakivaizdžių tekstų interpretacijų: Ivanove atrado antisemitizmą ir palygino jį su niekinančiu japonų požiūriu į kinus, perkėlė karaliaus Lyro veiksmą Japonijos pamišėlių prieglauda.
Suzuki sukūrė savo sistemą prieštaraudamas rusiškajai teatro mokykla. IN pabaigos XIX amžiuje, vadinamuoju Meiji laikotarpiu, modernėjanti imperinė Japonija patyrė opozicinių judėjimų iškilimą. Rezultatas buvo didelio masto anksčiau buvusios itin uždaros kultūros vesternizacija. Tarp importuotų formų buvo Stanislavskio sistema, kuri iki šiol Japonijoje (ir Rusijoje) išlieka vienu iš pagrindinių režisūrinių metodų.
Suzuki pratimai
Šeštajame dešimtmetyje, kai Suzuki pradėjo savo karjerą, vis labiau plito tezė, kad japonų aktoriai dėl savo kūno bruožų negalėjo priprasti prie vaidmenų iš vakarietiškų tekstų, kurie užpildė tuometinį repertuarą. Jaunam režisieriui pavyko pasiūlyti įtikinamiausią alternatyvą.
Suzuki pratimų sistema, vadinama kojų gramatika, apima daugybę sėdėjimo būdų, o dar daugiau – stovėti ir vaikščioti.
Jo aktoriai dažniausiai vaidina basi ir atrodo, nuleidę svorio centrą, kuo tvirčiau pririšti prie žemės, sunkūs. Suzuki juos ir užsienio atlikėjus moko savo technikos Togos kaime, senoviniuose japonų namuose, užpildytuose modernia įranga. Jo trupė per metus surengia tik apie 70 spektaklių, o likusį laiką gyvena beveik neišvykdamas iš kaimo ir neturėdamas laiko asmeniniams reikalams – tik darbu.
Togos centras atsirado aštuntajame dešimtmetyje, o direktoriaus pageidavimu jį suprojektavo visame pasaulyje žinomas architektas Arata Isozaka. Suzuki sistema gali atrodyti patriarchališka ir konservatyvi, tačiau jis pats apie Togą kalba šiuolaikinėmis decentralizavimo sąlygomis. Dar 2000-ųjų viduryje Suzuki suprato meno eksporto iš sostinės į regionus ir vietinių gamybos punktų organizavimo svarbą. Pasak režisieriaus, Japonijos teatrinis žemėlapis daugeliu atžvilgių primena rusiškąjį – menas sutelktas Tokijuje ir kiek mažiau. pagrindiniai centrai. Rusų teatras nepakenktų ir įmonei, kuri reguliariai vyksta į gastroles mažuose miesteliuose ir yra įsikūrusi toli nuo sostinės.
SCOT įmonių centras Togoje Gėlių takai. Kokius išteklius šiuolaikinis teatras atrado noh ir kabuki sistemose
Suzuki metodas išauga iš dviejų senovės japonų tradicijų, bet taip pat ir kabuki. Šios teatro rūšys ne tik dažnai apibūdinamos kaip vaikščiojimo menas, bet ir ryškesnėse detalėse. Suzuki dažnai laikosi taisyklės dėl visų vyrų vaidmenų atlikimo, naudoja būdingus erdvinius sprendimus, pavyzdžiui, kabuki rašto hanamichi („gėlių kelias“) – platformą, besitęsiančią nuo scenos į gelmes. auditorija. Jis taip pat naudoja gana atpažįstamus simbolius, tokius kaip gėlės ir ritiniai.
Žinoma, į globalus pasaulis Ne yra kalbų apie japonų privilegiją naudoti savo nacionalines formas.
Vieno reikšmingiausių mūsų laikų režisierių, amerikiečio Roberto Wilsono, teatras buvo pastatytas skolinantis iš bet.
Jis naudoja ne tik Japoniją masinei publikai primenančias kaukes ir makiažą, bet ir skolinasi maksimaliu judesio sulėtėjimu bei savarankišku gesto išraiškingumu paremtus veikimo būdus. Tradicinių ir ritualinių formų derinimas su pažangiausiomis apšvietimo partitūromis ir minimalistine muzika (viena iš labiausiai žinomų kūrinių Wilsonas – Philipo Glasso operos „Einšteinas paplūdimyje“ pastatymas), Wilsonas iš esmės sukuria kilmės ir aktualumo sintezę, kurios siekia daugelis šiuolaikinio meno.
Robertas Wilsonas. "Einšteinas paplūdimyje"
Iš no ir kabuki išaugo vienas iš stulpų modernus šokis- buto, pažodžiui išvertus - tamsos šokis. 1959 m. sugalvojo choreografai Kazuo Ono ir Tatsumi Hijikata, kurie taip pat rėmėsi žemu svorio centru ir sutelkė dėmesį į kojas. Butoh buvo skirtas traumuojančios karo patirties atspindžių perkėlimui į kūno dimensiją.
„Jie rodė kūną sergantį, griūvantį, net siaubingą, siaubingą.<…>Judesiai yra arba lėti, arba sąmoningai aštrūs, sprogūs. Tam naudojama speciali technika, kai judesys atliekamas tarsi neįtraukiant pagrindinių raumenų, dėl skeleto kaulinių svirčių“, – į kūno išlaisvinimo istoriją butoh įrašo šokio istorikė Irina Sirotkina. tai su nukrypimu nuo baleto normatyvumo. Ji lygina buto su XX amžiaus pradžios šokėjų ir choreografų praktikomis – Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, kalba apie įtaką vėlesniam „postmoderniam“ šokiui.
Šiuolaikinės buto tradicijos tęsėjos Katsuros Kana šokio fragmentas
Šiandien buto pradine forma nebėra avangardinė praktika, o istorinė rekonstrukcija.
Tačiau Ohno, Hijikata ir jų pasekėjų sukurtas judėjimo žodynas išlieka vertingu šaltiniu šiuolaikiniai choreografai. Vakaruose jį naudoja Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky ir netgi „The Weekend“ vaizdo įraše „Belong To The World“. Japonijoje buto tradicijos tęsėjas yra, pavyzdžiui, Saburo Teshigawara, kuris į Rusiją atvyks spalį. Nors jis pats neigia paraleles su tamsos šokiu, kritikai randa gana atpažįstamų ženklų: iš pažiūros be kaulų kūnas, trapumas, netriukšmingas žingsnis. Tiesa, jie jau patalpinti į postmodernistinės choreografijos kontekstą – su dideliu tempu, bėgimais, darbu su postindustrine noise muzika.
Saburo Teshigawara. metamorfozė
Vietinis pasaulinis. Kuo šiuolaikinis japonų menas panašus į Vakarų meną?
Teshigawara ir daugelio jo kolegų kūryba organiškai įsilieja į geriausių Vakarų šiuolaikinio šokio festivalių programas. Jei peržvelgsite spektaklių ir spektaklių, rodytų festivalio/Tokijo, didžiausio kasmetinio Japonijos teatro pasirodymo, aprašymus, bus sunku pastebėti esminius skirtumus nuo Europos tendencijų.
Viena iš pagrindinių temų yra vietos specifiškumas – japonų menininkai tyrinėja Tokijo erdves – nuo kapitalizmo gniužulų dangoraižių pavidalu iki ribinių otaku koncentracijos sričių.
Kita tema – kartų nesusipratimo, teatro kaip gyvo susitikimo ir organizuoto žmonių bendravimo vietos tyrimas. įvairaus amžiaus. Jai skirti Toshika Okada ir Akira Tanayama projektai kelerius metus iš eilės buvo atvežti į Vieną viename pagrindinių Europos scenos menų festivalių. Iki 2000-ųjų pabaigos dokumentinės medžiagos ir asmeninių istorijų perkėlimas į sceną nebuvo nieko naujo, tačiau Vienos festivalio kuratorius šiuos projektus pristatė visuomenei kaip galimybę gyvam, tiesioginiam kontaktui su kitu. kultūra.
Kita pagrindinė kryptis yra darbas per trauminę patirtį. Japonams tai asocijuojasi ne su Gulagu ar Holokaustu, o su Hirosimos ir Nagasakio bombardavimu. Teatras jį nuolat mini, bet galingiausias teiginys apie atominius sprogimus kaip visų šiuolaikinių pasaulio atsiradimo momentą. Japonijos kultūra vis dar priklauso Takashi Murakami.
į parodą „Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture“ "Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" yra jo pavadinimas kuratorinis projektas parodytas Niujorke 2005 m. „Little Boy“ – rusiškai „kūdikis“ – taip vadinosi viena iš bombų, numestų ant Japonijos 1945 m. Surinkęs šimtus manga komiksų iš žymiausių iliustratorių, išskirtinių senovinių žaislų, prekių, įkvėptų garsiųjų anime nuo Godzilos iki Hello Kitty, Murakami iki galo sumažino žavesio – kawaii – koncentraciją muziejaus erdvėje. Lygiagrečiai jis pradėjo animacijų rinkinį, kuriame centriniai vaizdai buvo sprogimų, plikos žemės, sugriautų miestų nuotraukos.
Ši opozicija buvo pirmasis didelis pareiškimas apie japonų kultūros infantilizavimą kaip būdą susidoroti su potrauminio streso sutrikimu.
Dabar ši išvada atrodo jau akivaizdi. Jo pagrindu sukurtas Inuhiko Yomota akademinis kawaii tyrimas.
Yra ir vėlesnių trauminių veiksnių. Iš svarbiausių – 2011 metų kovo 11-osios įvykiai, žemės drebėjimas ir cunamis, lėmę didelę avariją Fukušimos atominėje elektrinėje. Festivalyje/Tokyo-2018 visa šešių pasirodymų programa buvo skirta stichinės ir technologinės nelaimės pasekmių suvokimui; jie taip pat tapo vieno iš Solyankoje pristatytų darbų tema. Šis pavyzdys aiškiai parodo, kad arsenalas kritiniais metodais Vakarų ir Japonijos menas iš esmės nesiskiria. Haruyuki Ishii sukuria trijų televizorių instaliaciją, kuri perima dideliu greičiu redaguojamą ir ciklinį filmuotą medžiagą iš televizijos programų apie žemės drebėjimą.
„Kūrinys sudarytas iš 111 vaizdo įrašų, kuriuos menininkas kasdien žiūrėjo per žinias, kol viskas, ką jis pamatė, nebebuvo suvokiama kaip fikcija“, – aiškina kuratoriai. „Naujoji Japonija“ yra išraiškingas pavyzdys, kaip menas neatsispiria tautiniais mitais paremtai interpretacijai, bet tuo pačiu. kritiška akis nustato, kad ta pati interpretacija gali būti aktuali bet kokios kilmės menui. Kuratoriai kalba apie kontempliaciją kaip japonų tradicijos pagrindą, remdamiesi Lao Tzu citatomis. Tuo pačiu, tarsi iš skliaustų paliekant beveik viską modernus menas orientuota į „stebėtojo efektą“ (taip vadinasi paroda) – ar kuriant naujus pažįstamų reiškinių suvokimo kontekstus, ar iškeliant adekvataus suvokimo kaip tokio galimybės klausimą.
„Imagined Communities“ – dar vienas videomenininko Haruyuki Ishii darbas
Žaidimas
Tačiau nereikėtų manyti, kad 2010-ųjų Japonija yra progresyvumo koncentracija.
Senojo gero tradicionalizmo įpročiai ir meilė orientalistinei egzotikai dar neišgyventi. „Mergelių teatras“ – taip vadinasi gana susižavėjimą keliantis straipsnis apie japonų teatrą „Takarazuka“ Rusijos konservatorių žurnale „PTJ“. Takarazuka atsirado XIX amžiaus pabaigoje kaip verslo projektas, skirtas pritraukti turistus į atokų to paties pavadinimo miestą, kuris atsitiktinai tapo privataus miesto terminalu. geležinkelis. Vaidina tik teatre netekėjusių merginų, kurie, anot geležinkelio savininko, turėjo privilioti į miestą žiūrovus vyrus. Šiandien Takarazuka veikia kaip pramonė – su savo televizijos kanalu, tankus koncertinė programa, net vietiniame pramogų parke. Tačiau teisę būti trupėje tebeturi tik netekėjusios merginos – tikėkimės, kad jos nepasitikrins bent nekaltybės.
Tačiau Takarazuka nublanksta prieš Kioto klubą „Toji Deluxe“, kurį japonai dar vadina teatru. Sprendžiant iš, jie atrodo visiškai laukiniai apibūdinimas New Yorker apžvalgininkas Ianas Buruma, striptizo šou: kelios nuogos merginos scenoje genitalijų demonstravimą paverčia viešu ritualu.
Kaip ir daugelis meninės praktikos, šis pasirodymas yra paremtas senovės legendomis (žvakės ir padidinamuoju stiklu vyrai iš žiūrovų galėjo pakaitomis tyrinėti „motinos deivės Amaterasu paslaptis“), o pačiam autoriui buvo priminta noh tradicija. .
Paieška Vakarų kolegos„Takarazuki“ ir Toji paliksime skaitytojui – juos nesunku rasti. Atkreipiame dėmesį tik į tai, kad nemaža dalis šiuolaikinio meno yra nukreipta būtent į kovą su tokiomis priespaudos praktikomis – tiek vakarietiškomis, tiek japoniškomis, nuo superflat iki buto šokio.
Įrašas reklaminis, bet įspūdžiai, tekstas ir nuotraukos – jų pačių.Šiuolaikinį meną sunku vertinti ar vertinti, nes jis iš pradžių peržengia šią galimybę. Gerai, kad yra Aleksejus Lifanovas
, kuri, nors ir nėra japonų ekspertė, meną supranta geriau už mane. Kas, jei ne Aleksejus, padėtų man suprasti, ką pamačiau?
Taip, japonai yra keisti žmonės. Įspūdžiai iš parodos Gogolio bulvare.
Eksponatus parodoje „Dviguba perspektyva“ sąlyginai galima suskirstyti į tris dalis (pagal autorių iškeltas temas). Pirmasis yra skirtas asmeniui ir valstybei, ideologijos vaidmeniui privatumas, visuomenės diktatas prieš individą. Antroji tema susijusi: žmogus ir jo įtaka gamtai (ir net vienos parodos rėmuose Įvairūs atlikėjai išreiškė diametraliai priešingas nuomones. Trečioji tema yra grynai japoniška ir skirta „loli“ ideologijai ir kitiems efebofiliniams dalykams, klestintiems Japonijos visuomenėje.
1. Kenji Yanobe kūryba yra įtraukta į postapokaliptinę estetiką, tuo tarpu, reikia pastebėti, be jokio „stalkerizmo“. Jo darbas metodo lygmeniu labai naivus. „Saulės vaikas“ – didelio masto ir jaudinanti skulptūra. Koks turi būti žmogus, kad atsispirtų technogeniniam pasauliui – drąsus, ryžtingas ar tiesioginis ir naivus?
3. Temos tęsinys dar perdėtai naivesniu stiliumi.
4. Motohiko Odani kalba apie brendimą, seksualumą ir jo psichologiją. Priešais šią skulptūrą yra kur kas išraiškingesnė video instaliacija, tačiau ją reikia pamatyti savo akimis.
5. Makoto Aida plėtoja temą. Bonsai medis mergaitiškomis galvomis yra hiperbolinis iškrypusios meilės simbolis. Simbolika yra skaidri ir vargu ar reikalauja paaiškinimo.
6. Dar vienas jo kūrinys „Hara-kiri mokyklos mokiniai“. Grafiškai tai tiesiog nuostabu.
7. Yoshimoto Naro „vaikų“ temos tęsinys. Vaikų veidai ir nevaikiškos emocijos.
8. Takahiro Iwasaki iš visokių šiukšlių sukūrė labai sąlyginę tam tikro miesto dioramą. Miesto, kuris iš tikrųjų yra šiukšlynas, estetika – ne nauja idėja, o įdomiai įgyvendinta.
10. Tadanori Yokoo paveikslai – aliuzijų, citatų ir archetipų koliažas. Tuo pačiu metu dažymas yra tiesiog nuostabus.
11. Yayoi Kusama pasuko į egzistencinę būties ir nebūties estetiką, sukurdamas kambarį, kuriame erdvė lūžta ir byra.
12. Yasumasa Morimura sukūrė parodijos parodiją. Jis vaizduoja visai ne Adolfą Hitlerį, kaip gali atrodyti, o Ginkelio adenoidą – personažą iš Chaplino filmo „Didysis diktatorius“. Likę jo darbai jau skirti artimiausiems valdovams ir diktatoriams, tačiau esmė aiški – totalinės ideologijos grėsmė.
13. Žiūrovų mažai, bet tie, kurie yra, labai entuziastingai diskutuoja apie tai, ką matė. Apskritai atrodo, kad lankytojams labai patinka tai, kas vyksta.
14. Tai George'o Busho galva. George'as Bushas gieda JAV himną. Idėja paprasta suprasti – apie ideologijos ir valstybės invaziją net į asmeninę žmogaus erdvę.
15. Žiurkės-pokemonai. Mano mėgstamiausia dalis.
16. Parodos dalis – nuotraukos. Kartais įdomu, kartais per intymi, kad suprastum.
18. Toshio Shibata nuotraukos. Čia darnaus žmogaus ir gamtos sambūvio idėja sprendžiama fotografijų pavidalu, estetiškai daug artimesnė abstrakcijai nei realizmui – tokia puikiai sureguliuota geometrija ir kompozicija.
19. Vienas iš linkėjimų Leninui.
Bet kokiu atveju parodos buvo sukurtos norint jas lankyti gyvai, o ne žiūrėti fotoreportažus tinklaraščiuose. Daugelio darbų visiškai neįmanoma įvertinti statiškai ir ekrano nuotraukos dydžiu. Todėl į parodą „Dviguba perspektyva“ geriau nueiti patiems.
Projekto partneris Sony rengia konkursą ir loteruoja nešiojamąjį kompiuterį bei kitus prizus! Jei eisite į parodą, būtinai nufotografuokite eksponatus ir parašykite savo trumpi įspūdžiai. Dalinkitės, kad dalyvautumėte konkurse
vyks šiuolaikinio japonų meno paroda „Dviguba perspektyva“.
1. Japonijos šiuolaikiniame mene yra daug neįprastų dalykų. Pavyzdžiui, šie Izumi Kato paveikslai yra sukurti rankomis, nenaudojant teptuko.
2. Iš pirmo žvilgsnio gali atrodyti, kad tai paprastos lemputės. Bet tai yra darbas su gilią prasmę skirta 38-ajai lygiagretei, skiriančiai Šiaurės ir Pietų Korėjas.
3. Žinoma, kiekviename darbe yra kažkokia gili prasmė, kuri slypi ne paviršiuje, bet net ir neradus galima tiesiog pasigrožėti, pavyzdžiui, šios meistriškai pagamintos rožės grožiu.
4. tai Kenji Yanobe darbas apie tai, kaip žmogus gali išgyventi pasaulio pabaigą
6. Tai garsiausias jo kūrinys „Saulės vaikas“, sukurtas po avarijos Fukušimos atominėje elektrinėje.
8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"
9. tai irgi šiuolaikinis japonų menas
10. intersny projektas "Leninas ieškomas Maskvos butuose". Yoshinori Niva maskvėnų namuose ieškojo išsaugotų daiktų, susijusių su Lenino asmenybe. Keisčiausia, kad tai padarė ne rusas, o japonas.
14. Beje, šiam darbui buvo naudojamos tikros žiurkių iškamšos.
15. Šiose nuotraukose matyti žmonių baimės
Ermitaže vyksta įdomi paroda – Japonijos modernusis menas "MONO-NO AWARE. The Charm of Things".
Negaliu pasakyti, kad esu šiuolaikinio meno gerbėjas. Man labiau patinka, kai yra į ką pažiūrėti (užsiimta grafika, arba menai ir amatai, etnosas man yra viskas). Žavėtis grynos koncepcijos grožiu man ne visada smagu. (Malevič, atsiprašau! Aš nemėgstu Juodojo kvadrato!)
Bet šiandien patekau į šią parodą!
Brangioji, jei esi Sankt Peterburge, domiesi menu ir dar nebuvai ten, tuomet paroda veiks iki vasario 9 d.! Eik, nes tai įdomu!
Sąvokos mane šiek tiek įtikina, kaip rašiau aukščiau. Kažkaip pagalvojau, kad per metus, kai lankau šiuolaikines parodas, vienas ar du objektai man atrodo juokingi. Ir daugelis dalykų manęs taip neliečia, kad man gaila laiko, kurį praleidau. Bet tai yra bet kuriame žanre, bet kokiame mene, talento ir vidutinybės santykio procentas, gerai, jei jis yra vienas iš dešimties! Bet man patiko šis pasirodymas.
Japonų kūriniai buvo patalpinti Generalinio štabo parodų salėse. Pirmoji lankytojus pasitinkanti instaliacija – neįtikėtinas labirintas, užpildytas druska ant grindų. Pilkos grindys, balta druska, neįtikėtinai tvarkingai pažymėta erdvė, supinta į vieną lauką. Didelis parodų salė, o baltas ornamentas pasklido po grindis kaip koks nuostabus lopšys. Ir jūs suprantate, koks laikinas šis menas. Paroda bus uždaryta, labirintas bus nušluotas šluota. Kartą žiūrėjau filmą „Mažasis Buda“. Ir ten pradžioje budistų vienuolis iš spalvoto smėlio išklojo sudėtingą ornamentą. O filmo pabaigoje vienuolis padarė aštrų judesį teptuku ir titaniškas darbas išsisklaidė vėjyje. Tai buvo, tada šokinėkite, ir ne. Ir sako: vertink grožį čia ir dabar, viskas praeina. Taigi šis druskos labirintas pradeda su tavimi dialogą, tu pradedi atsakyti į klausimus, kuriuos jis tau pateikia. Menininkas yra Motoi Yamamoto.
Taip taip! Tai toks didelis labirintas, ar pajutote mastelį?
Antrasis objektas, kuris žavi, yra didžiulis Yasuaki Onishi kupolas iš polietileno ir juodos dervos. Neįprastai nuspręsta erdvė. Ant juodų ploniausių nelygių dervos siūlų kabo, šiek tiek judantis, kupolas .... arba kalnas su sudėtingu reljefu. Įėjus į vidų matosi margas taškelių raštas – vietos, kur prilimpa sakai. Juokinga, lyg tyliai pliauptų juodas lietus, o tu – po baldakimu.
Kaip atsirado ši technika? Juokinga, tiesa? Tačiau gyvai atrodo „gyvesnis“, kupolas šiek tiek siūbuoja nuo pravažiuojančių lankytojų kuriamo vėjelio. Ir yra jūsų sąveikos su objektu jausmas. Galite įeiti į „urvą“, pamatyti iš vidaus, kaip yra!
Bet kad nesusidarytų įspūdis, kad viskas buvo tik juoda ir balta, įdėsiu čia dar porą kompozicijos nuotraukų, padarytų iš kartu sujungtų lankelių. Tokios spalvotos juokingos plastikinės garbanos! Taip pat galite pereiti per šį kambarį, lankų viduje, arba galite pažvelgti į viską iš išorės.
Šie daiktai yra mano mėgstamiausi. Žinoma, netrukus konceptualus šiuolaikinis menas taps kitoks, dera su nauju laiku. Ji negrįš į seną ir neliks tokia, kokia yra dabar. Tai pasikeis. Tačiau norint suprasti, kas buvo, kur veržėsi upelis ir kas ir iš kur jis ateina, reikia žinoti, kas vyksta dabar. Ir nesidrovėkite, kad neee, koncepcija ne man, bet pabandykite ją pamatyti ir įvertinti. Talentų, kaip visada, mažai, bet jų yra. O jei eksponatai sulaukia atgarsio, tai dar ne viskas prarasta!!!
