Leksjonsplan for en leksjon i litteratur (11. klasse) om emnet: leksjonsoppsummering av E. Ionesco. Stykket "Rhinoceros" som et absurd drama

Essensen av Berangers motstand (basert på skuespillet av E. Ionesco "Rhinoceros")

Spille fremragende forfatter Fransk litteratur av Eugene Ionesco "Rhinoceros" ble skrevet i 1959. Denne grunnleggeren av «det absurde drama», en klassiker der kritikere ser «en etsende observatør, en hensynsløs samler av menneskelig døvhet», var en subtil psykolog som oppfordret menneskeheten til å komme til fornuft, endre dens åndelige retningslinjer, for ikke å gli ned i avgrunnen av mangel på spiritualitet og vantro. Stykket "Rhinoceros" er en allegori på menneskelig samfunn.

Hovedpersonen i Berangers verk føles overflødig her i livet. Han liker ikke tjenesten, men han gjør jobben sin samvittighetsfullt; forstår ikke hvem og hva han skylder, men ser på andres meninger om hans utseende og vaner.

Beranger har lite vitalitet, han føler ikke et ønske om livet, han er like undertrykt av ensomhet og samfunn. Han forstår ikke livsstilling, logikken til en som har fire ben, som kan betraktes som en katt, for å leve er naturlig, fordi alle lever. Bérenger har lav selvtillit fordi han ikke bruker slips, har ingen utdannelse, ingen fremtid og ikke en eneste sjanse til å glede en kvinne.

Hans venn Jean er den fullstendige motsetningen til Beranger: "han er kledd veldig nøye: en kastanjedress, et rødt slips, en falsk stivt krage." Beranger føler seg som en tigger ved siden av seg. Han har for lengst sluttet å ta vare på seg selv, han går ubarbert rundt, uten lue, håret er rufsete, klærne er lurvete.»

Jean sier alltid de riktige tingene, i likhet med slagord: «Livet er en kamp, ​​den som ikke kjemper er en feiging! Du må lete etter styrken til å leve i deg selv, du må bevæpne deg med toleranse, kultur, intelligens og bli herre over situasjonen. Kle deg passende hver dag, barber deg, ta på deg en ren skjorte, ikke drikk, følg tidens litterære og kulturelle begivenheter, gå på museer, les litterære magasiner, delta på forelesninger". Beranger er enig i alt, han vil endre livet sitt i dag. Han er klar til å kjøpe billetter til forestillingen og inviterer Jean til å være sammen med ham, men på den tiden har vennen hans siesta, og Jean kan heller ikke gå på museet, fordi han på den tiden møter venner på en restaurant. Beranger er overrasket. En venn kaller ham en fylliker, og i stedet for å gå på museum vil han gå på restaurant for å drikke vodka?!

Etter hvert som stykket skrider frem, kan trampingen fra store dyr høres. Heltene er overrasket, men så langt har ingen trodd at det er deres naboer, bekjente og venner som blir til neshorn.

Beranger var vitne til Jeans forvandling. Men det er ikke bare vennens utseende som endres. Han kan ikke lenger maskere sin naturlige essens: mangel på moral, ønske om å leve i henhold til jungelens lover. Han liker å være et neshorn, han vil ta av seg klærne og klatre opp i sumpen. Han motsetter seg ikke forvandlingen, men gleder seg over at han endelig vil kvitte seg med de konvensjonene han måtte følge og som var unaturlige for ham.

Forvandlingsprosessen tok over hele byen. Og bare taperen Beranger forblir menneskelig og underkaster seg ikke følelsen av "mengden". Han motsetter seg kollektivt hysteri, som nøytraliserer personlighet, underkuer en person, gjør ham til et dyr, massene har bare instinkter, ønsket om å leve i en flokk og oppfylle lederens vilje.

Eugene Ionesco i allegorisk form skildrer det menneskelige samfunn, der brutalisering av mennesker er et naturlig resultat av manglende respekt for individet. Helten i skuespillet "Rhinoceros" forblir alene blant dyrene, men det faller ham ikke engang inn å bli som alle andre, å glemme sin menneskelige natur. Han motstår transformasjon selv når hans elskede Desi forlater ham. Uten høylytte slagord, uten høye spekulasjoner om menneskelig plikt i kompleks livssituasjon han gir seg ikke engang et valg. Han er menneskelig og vil forbli det til slutten.

De skriver på Internett at Eugene Ionesco ligner på Franz Kafka, men de forklarer ikke hvorfor, bortsett fra at Franz Kafka også var en absurdist og også så verden på en absurd måte. Dette er forståelig! Så du kan klumpe alle i én haug - og det blir ingen originalitet. Men jeg er heldig at hun finnes. Og uansett hva de skriver. Navnet på denne originaliteten ser ut til å være på alles lepper: selvfølgelig med unntak av konformister og filister som er langt fra åndelig liv. Eugene Ionesco opplevde selv den mest forferdelige glemselen, skuespillene hans gjør dette kjent, de puster med impulser fra et såret hjerte, lidelse, motsetninger og smerte for menneskeheten. Et av hovedskuespillene hans heter "Rhinoceros", du kan tenke mye på det, resonnere om det, forstå det på en eller annen måte, men det forblir et mysterium. Men dette er absurd! Og det absurde er mystisk. Tenk deg: to venner møtes - Beranger og Jean. Jean skammer Beranger for hans slurvete og ustelte utseende. Så løper et neshorn nedover gaten. Folk stikker av i panikk og kaos oppstår. Så roer alt seg. Jean skammer Beranger igjen. Han klager over at han ikke kan la være å drikke: arbeidet hans utmatter ham, det er vanskelig for ham å leve, og så videre. Samtidig snakker Logic med den gamle mesteren og forteller ham at alle katter har fire poter. Den gamle herren sier at hunden hans også har fire bein. Logikeren konkluderer logisk med at hunden til den gamle mesteren er en katt. Dermed oppstår her en strålende hån mot logikk som dogmatisme. I mellomtiden oppfordrer Jean Beranger til å samle viljen sin og starte et godt liv. Dialogene føres av Beranger med Jean og Logikk med den gamle mester; Dialogene er helt like og standard. Det er vist at tjenestemenn ikke kan tenke selvstendig og riktig, siden de har lite fritid. Sant og nøyaktig! Beranger lover Jean å starte nytt liv. Så løper neshornet nedover gaten igjen. Kaos igjen. Et neshorn knuste en husmors katt. Alle tilstedeværende begynner å krangle hvor mange horn – ett eller to – neshornet hadde. Til slutt krangler Bérenger med Jean. Og han fortsetter å drikke igjen...

Akt to av stykket begynner med at en avisartikkel leses på kontoret til et firma. Det står at i går «trampet en pachyderm en katt». Daisy og Dudar tviler ikke på det som er «klart skrevet». Men Botar sier at du ikke kan stole på avisene, de lyver, du kan bare tro det du ser med egne øyne. En krangel oppstår, Botard kritiserer først rasisme, deretter kirken. På dette tidspunktet bryter neshornet gjennom til kontoret og bryter trappene, og sirkler deretter med et brøl på gaten. Og plutselig begynner han å brøle med en stemme som ikke er hans egen. Madame Beuf oppdager at denne stemmen er mannen hennes, noe som betyr at neshornet er mannen hennes! Madame Beuf besvimer. Så går hun bort og sier at hun ikke kan forlate mannen sin. Hun hopper ned på ryggen til neshornet. Beranger forsøker uten hell å holde henne tilbake, men bare skjørtet hennes er igjen i hendene hans. Madame Beuf rir av gårde på ryggen til ektemannen med neshorn. Folk diskuterer rapporter om at antallet neshorn i byen øker. Først var det syv av dem, så sytten, og nå er det allerede trettito! Til slutt kommer brannmennene og tar alle folkene ut av kontoret.

Aksjonen fortsetter. Bérenger kommer til Jeans hus. De lager fred. Beranger forteller at det har dukket opp neshorn med ett og to horn i byen. Jean er fryktelig irritert, han skynder seg rundt i leiligheten og sier at han bare kan føle avsky mot folk. Beranger merker at Jean er syk, at det har dukket opp en klump i pannen hans, og huden hans har blitt ru. Jean fornærmer forskjellige folk, sier at moral ikke er nødvendig, at man må være over moral, tilbyr naturen i retur, det vil si jungelens lover. Han sier at alt skapt av mennesker må ødelegges, da «vil alle ha det bedre». Han sier at han ønsker å bli til et neshorn, og snart blir han faktisk til et. Beranger skynder seg for å hjelpe, men oppdager med gru at hele huset allerede er fylt med neshorn. Beranger løper ut i gata. Men det er allerede mengder av neshorn der...

Tredje akt begynner med Berangers pine. Hodet hans er bundet, han har mareritt om neshorn, han roper i søvne: "Se opp for hornene!" Til slutt våkner han og skjenker seg konjakk. Det som skjedde med Jean er en forvandling fra en humanist til et beist... Dudard kommer på besøk til Bérenger. Beranger konstaterer at han føler ansvar for det som skjer. Som svar sier Dudar helt upassende: «Døm ikke, for ikke å bli dømt...» Beranger sier at han vil stoppe det onde, men Dudar skiller ikke mellom hvor det onde er og hvor det gode er. Bérenger er intolerant overfor neshorn, men Dudard ser ingen last i dem. Faktisk, hva er lasten i det som er naturlig? Utenfor er det en forferdelig lyd som kommer fra gaten - neshorn løper rundt der. Daisy kommer på besøk til Beranger og tilbyr ham frokost. Dudar adlyder pliktoppfordringen, han blir et neshorn. Daisy er Berangers elsker, hun lover å være sammen med ham hele tiden, men snart blir hun også et neshorn. Et brøl høres på radioen; på telefonen også... Til slutt gjenstår Beranger den eneste personen. Han føler seg unormal, en freak, et monster. Han vil ikke lenger ha originalitet, men bestemmer seg likevel for å forbli menneske.

Stykket "Rhinoceros" avsluttes med den siste personen som er igjen i verden. Men hva håper han på? Vil han være i stand til å takle hele verden? I dette stykket nekter selvfølgelig alle mennesker til å begynne med muligheten for å bli til neshorn, men innrømmer det gradvis og blir faktisk til dem. Dette er et eksistensielt problem. Stykket berører mange ting, snakker om mange problemer, kanskje litt overfladisk, men det snakker for eksempel om rasisme, og det er nok. Beskrivelsen i stykket til Botard, en "anarkist", er interessant. I en tvist inntar han alltid et offensivt, men forenklet standpunkt. Han er mistenksom, mistroisk, skeptiker. Hans hat mot sine overordnede forklares med et mindreverdighetskompleks og harme. Det er imidlertid forklart av Dudard, og Bérenger sier at Botard rettferdig mann. Dudard benekter ikke dette, men sier at Botard alltid snakker utslitte sannheter. Før han ble et neshorn, sa Botar: "Du må følge med i tiden." Men han ble tatt for å være ærlig. Det overordnede budskapet i stykket er svært sannsynlig at det er vanskelig å være menneske, det er utrolig vanskelig, og selv Bérenger på slutten av stykket anser seg selv som en freak for ikke å følge alle andre. Generelt er det vanskelig å være en ener og en utstøtt. Men vi vet at vi ikke kan følge alle. Selv om de lever bedre, er de sjelløse, de er neshorn, de, kan man si, eksisterer ikke – og vi opplever ikke-eksistens i oss selv, men vi – som Beranger – eksisterer. Og det er dette Eugene Ionescos skuespill handler om.

Sergey Nikiforov, 2011

Emne : E.Ionesco. Stykket "Rhinoceros" som et absurd drama. "Ikke-fødsel" er et fenomen masse depersonalisering samfunn.

Mål : utdype og utvide studentenes kunnskap om mangfoldet av verdenslitteraturen i det tjuende århundre; introdusere livet og arbeidet til den franske dramatikeren E. Ionesco; fortsette å forme og utdype konseptet "det absurde teater" ved å bruke eksemplet med skuespillet "Rhinoceros"; å avdekke symbolsk betydning plottet til dramaet, hjelpe elevene å se dets relevans og modernitet; å dyrke ønsket om å bevare individualitet, respekt for mennesket som høyeste verdi.

Utstyr : presentasjon, projektor, Ordbok, tekster til stykket, portrett av forfatteren, kort for pararbeid, fragment fra filmen "Rhinoceros: Made to Conscientiousness", ark tilbakemelding.

Leksjonstype : leksjon-forskning

Planlagte pedagogiske resultater:

Emne:

På grunnleggende nivå – må kjenne definisjonen av "det absurde teater", innholdet i stykket "Rhinoceros"; kunne analysere og kommentere episoder som gir uttrykk for egen vurdering.

På et produktivt nivå– må kunne bruke den ervervede kunnskapen til å formulere problemstillinger forfatteren tar opp i dramaet, og argumentere for sin egen mening på en begrunnet og overbevisende måte.

Personlig: må finne en sammenheng literært arbeid med historie og egen livserfaring, bedømme årsakene til at du lykkes/mislykkes i klassearbeid, vis en positiv holdning til pedagogiske aktiviteter, uttrykke dine egne vurderinger om emnet for leksjonen og innholdet i stykket.

Metaemne:

pedagogisk – allmennutdanning : må formulere spørsmål og svar om emnet som studeres; lytt nøye, konstruer taleutsagn;

hjernetrim : demonstrere selvstendig tenkning, evnen til å analysere, generalisere og trekke konklusjoner om dramatikk;

forskriftsmessig - må korrekt oppfatte og forstå den pedagogiske oppgaven, planlegge handlingene dine i samsvar med den, utøve gjensidig kontroll, evaluere dine egne aktiviteter og aktivitetene til klassekameratene på en tilstrekkelig måte i leksjonen;

kommunikativ– må kunne samhandle konstruktivt i pararbeid, lære å lytte og forstå hverandre, og i tilstrekkelig grad oppfatte ros og kommentarer.

Jeg er overrasket over suksessen til dette stykket. Forstår folk det som de burde? Vil de gjenkjenne det monstrøse fenomenet massifisering...? Og viktigst av alt, er de alle individer med en sjel, en og bare?

E.Ionesco

I løpet av timene.

1. Organisatorisk øyeblikk

Hilsen, skape en positiv emosjonell stemning(fylle ut selvevaluerings- og tilbakemeldingsark)

2. Fordypning i emnet

Før vi går videre til temaet for leksjonen, foreslår jeg at du ser noen bilder fra en film om et av de vakreste dyrene som lever på jorden. De har et veldig vakkert utseende, behagelig hudtone, milde stemmer.

Se et utdrag fra filmen «Rhinoceros: Done Conscientiously».

3. Motivasjon for læringsaktiviteter

Er dette dyret du så for deg? (...) Men heltene i arbeidet som vi vil se på i dag, mente akkurat det.

Det er ingen tilfeldighet at vi begynte arbeidet med et fragment av en film om neshorn. Denne filmen vil hjelpe oss å se retningen for alt arbeidet vårt. Så hvorfor neshorn? (Fordi det er det stykket heter: «Rhinoceros»)

Hvilken holdning har karakterene i stykket til neshorn? (de beundrer dem, kaller dem vakre, de vil selv bli neshorn).

Er ikke dette ønsket absurd fra et synspunkt tenkende mann? Hva sier Ionesco selv om spillet sitt? (jobber med epigraf)

Problematisk spørsmål

Hvis jeg bodde i denne byen, ville jeg blitt et neshorn? (skriv i notatbok)

4. Formulering av emnet for leksjonen

La oss formulere den første delen av emnet vårt:E. Ionesco. Stykket "Rhinoceros" som et absurd drama.

Les den andre delen av emnet vårt. Hva er massedepersonaliseringen av samfunnet, som denne prosessen kalles i stykket? (“Utholdenhet”) Hvordan vil den andre delen av emnet høres ut?"Utholdenhet" er et fenomen med massedepersonalisering av samfunnet.

4. Målsetting

La oss alle bestemme målene for leksjonen og skrive dem ned på tilbakemeldingsarket (lære, lære, forstå, huske). I oppføringen din, bruk ordene "det absurde teater", "massedepersonalisering", "onoration".

(opptak og lesemål)

5. Arbeid med temaet for leksjonen

Hvem er Eugene Ionesco? La oss lytte til våre "biografer".

(Elevprestasjoner)

Eugene Ionesco er en fransk dramatiker av rumensk opprinnelse, forfatter, tenker, klassiker fra den teatralske avantgarden. Født i 1909 i Romania. Noen år senere flyttet foreldrene til Frankrike, først til landsbyen La Chapelle-Anthenaise og deretter til Paris. I 1922 kom Ionesco tilbake til Romania, hvor han begynte å skrive sine første dikt på rumensk og fransk. Etter å ha gått inn på universitetet i Bucuresti, studerer han fransk og litteratur, og i 1929 begynte han å undervise. Samme år flyttet han til Paris. I 1938 forsvarte han sin doktoravhandling ved Sorbonne. I 1970 ble han medlem av det franske vitenskapsakademiet. Ionesco bodde i Frankrike til slutten av sine dager, og skapte mange skuespill, prosa fungerer, biografiske memoarer. De mest kjente er romanen hans "Lonely", skuespillene "The Bald Singer", "The Lesson" og, selvfølgelig, "Rhinoceros".

Eugene Ionesco kom inn verdenslitteratur som teoretiker og utøver av «det absurde teater». Hvilke verk begynte å bli kalt på denne måten, hvilke tegn har skuespillene til "det absurde teater"? La oss lytte til våre litteraturkritikere.

(Elevprestasjoner)

Begrepet "det absurde teater" ble laget av Martin Esslin i 1962. Dette er hvordan skuespill med et ulogisk, meningsløst plot begynte å bli kalt, presenterte for betrakteren en kombinasjon av uforenlige ting, fremmet usystematisk oppførsel, fornektelse av estetiske idealer og ødelagt teatralske kanoner. Theatre of the Absurd utfordret kulturelle tradisjoner, politisk og sosialt system. Hendelsene i absurdistiske skuespill er langt fra virkeligheten; det utrolige og utenkelige manifesteres i karakterene og den omliggende virkeligheten. Det er vanskelig å bestemme sted og tid, rekkefølgen og logikken i handlingen kan ikke følges. Forfatterne skaper absurde, skremmende, fantastiske og noen ganger morsomme bilder med sin inkongruens. Det absurde teater er irrasjonalitet som trosser forklaring og logikk.

Bruk teksten til denne talen, og skriv ned definisjonen av teateret til det absurde i en setning(arbeid i par)

Kan dramaet «Rhinoceros» kalles et absurd drama? Gi grunner for din mening (fantastisk komplott, transformasjon av mennesker til neshorn, uforståelige og uforklarlige årsaker til handlingen)

Ionescos drama er en av de mest interessante skuespillene moderne verdenslitteratur. Skrevet i 1959, reflekterte det det mest komplekse sosiale problemer tid: fenomenet massedepersonalisering, sammenstøtet mellom personlighet og individualitet med kollektivismens ideologi, som dreper denne individualiteten. Hva handler dette stykket om?

(Stykket består av tre akter. Kort historie om innholdet i hver handling)

Kjennetegn på hovedpersonene - Beranger og Jean (utseende, alder, yrke, karaktertrekk). Hvem gjør et gunstig inntrykk og hvem taper i sammenligning? Hvilken venn blir til et neshorn, hvordan skjer dette? Hvilke karaktertrekk er manifestert hos Jean? (Jobb med tekst, uttrykksfull lesning dialoger (nr. 1 scene i kafeen, nr. 2 Jeans forvandling))

Arbeid i par. Fyller ut tabellen. Argumentasjon med tekst.

Hver person som ble til et neshorn hadde sine egne grunner for "neshorn". La oss definere dem (distribusjon)

Hvorfor var bare Bérenger i stand til å motstå epidemien med "unnfangelse"? (konklusjon: han verdsatte sin individualitet og menneskelige essens)

Hva er klimakset i stykket? (Slutten hennes) Hvorfor lar Ionesco slutten stå åpen: vi ser ikke Berangers kamp, ​​vi vet ikke om han vil gå seirende ut? (det er viktig å ikke vise kampen mot ideologi, men "verktøyene" for innflytelse på hver person for å depersonalisere ham: vekke interesse, propaganda, ønsket om å være som alle andre, frykt for ensomhet og annerledeshet, endre moral og sosiale verdier, gradvis endring).

Historien om dets forfatterskap vil hjelpe oss å forstå dybden i dette stykket. La oss lytte til talen til våre "historikere".

(Elevenes tale)

E. Ionesco bemerket at drivkraften til å skrive stykket var inntrykkene til den franske forfatteren Denis de Rougemont. Han var på nazidemonstrasjonen ledet av Hitler i Nürnberg i 1936. Denne mengden ble, ifølge forfatteren, gradvis fanget av en slags hysteri. På avstand ropte folk i folkemengden Hitlers navn som en gal. Da han nærmet seg, vokste bølgen av dette hysteriet, og fanget flere og flere nye mennesker.

I tillegg var det en episode fra livet til forfatteren selv. Han var vitne til massehysteri på byens stadion under Hitlers tale og led det nesten selv. Det han så fikk dramatikeren til å tenke. Tross alt var ikke alle disse menneskene nazister, mange ble rett og slett påvirket av mengden. I følge Ionesco selv forsøkte han, som et vitne til fremveksten av fascismen i Romania på 30-tallet, å beskrive denne prosessen.

I hvilken episode av stykket reflekterte Ionesco hans inntrykk av det han så? Begrunn din mening (Berangers siste monolog). Hva er "unnfangelse"? Hvorfor kan stykket «Rhinoceros» kalles antinazistisk?

6. Leksjonssammendrag

Speilbilde

La oss gjenta trinnene i leksjonen og huske hva vi gjorde og hvorfor.

(vi ble kjent med biografien til E. Ionesco, fant tegn til absurd drama i stykket, undersøkte teksten, fant ut årsakene til "unnfangelsen")

La oss gå tilbake til vårt problematiske problem. Hva hjalp han deg med å finne ut?

Hvordan vil du vurdere arbeidet ditt? Hvilken klassekamerat kunne du berømmet? Gå tilbake til selvevalueringsarkene dine og fortell meg om du oppnådde målene du satte deg i begynnelsen av leksjonen?

Hjemmelekser

1) Skriv ned i notatbøkene dine en minidiskusjon om hvorvidt dramaet «Rhinoceros» kan betraktes som moderne.

2) Eugene Ionesco sa: "Det absurde teater vil alltid leve." Er du enig i prognosen hans? Skriv et kort essay om dette.

Kommunal budsjettutdanningsinstitusjon

Batalnensky ungdomsskole

E. Ionesco. Stykket "Rhinoceros"

Som et absurd drama. "Ikke-fødsel" er et fenomen

Masse depersonalisering

Samfunn

Åpen litteraturtime i 11. klasse

Lærer: Chernaya Evgeniya Viktorovna

Studieåret 2014 – 2015

Analytisk tabell

Forhåndsvisning:

For å bruke forhåndsvisningen av presentasjoner, opprett en Google-konto (konto) og logg på: https://accounts.google.com

Lysbildetekster:

Leksjonens mål: Finn ut... Lær... Forstå... Husk... Finn...

Eugene Ionesco (1909 – 1994)

Det absurde teater

Analytisk tabell Karakterer i stykket Årsaker til "onogeni" Jean Daisy Dudard Botard Monsieur Papillon Madame Beuf Stolthet, forakt for andre mennesker, indre raseri, ekstremt høy oppfatning av seg selv og tillit til ens rettferdighet Innflytelse fra flertallet, motvilje mot å forbli i mindretall , en følelse av styrke, selvtillit og naturlighet som kommer fra neshorn Eksempel på mennesker han respekterer, ulykkelig kjærlighet, ønske om å gjøre noe spesielt, pliktfølelse Mangel på en sterk objektiv posisjon, stahet, ønske om å følge med i tiden, harme og mindreverdighet kompleks Tretthet, ønske om å hvile, motvilje til å ta avgjørelser Manifestasjon av blind tro til den de elsker

«Verktøy» for påvirkning: Ønsket om å være «som alle andre» Frykt for ensomhet på grunn av annerledeshet Propaganda Vekker interesse Endring av moralske og sosiale verdier

Kan stykket «Rhinoceros» kalles anti-nazistisk? Begrunn din mening

Refleksjon: Jeg lærte... jeg lærte... jeg forsto... jeg husket... jeg fant...

Den bevisste absurditeten i det som skjer, meningsløsheten i dialogene i Ionescos tidlige dramaer erstattes i «Rhinoceros» med konsekvent utviklende handling, en enkelt plotkjerne. Ved å koble sammen linjene «forråder» Ionesco til en viss grad den statiske formen for antidrama og introduserer dynamisk handling; De ansiktsløse dukkefigurene har navn: dette er Jean Dudard, Beranger. Men ikke desto mindre, tegn"Rhinoceros" fortsetter å være masker som legemliggjør ulike modeller sosial oppførsel, som til sammen utgjør, fra Ionescos ståsted, en universell modell for menneskeheten.

Innstillingen er en liten provinsby. Interessenivået til innbyggerne illustrerer tydelig den stereotype tenkningen, tilværelsens rutine, kulten av "sunn fornuft" og personlig velvære. Blant «vokterne» av vanlige sannheter skiller figuren Bérenger seg ut, som lever i strid med «sunn» fornuft. Han er foraktelig for hva hans medborgere ærer som en indikator på en persons "pris": fremhevet ryddighet, pedanteri, utrolig likhet i tanker. Deres meningsfulle ord om selv de mest vanlige ting høres ut som en monoton repetisjon av truismer som har blitt bekreftet en gang for alle. Beranger, i motsetning til sine medborgere, strever ikke etter å lykkes eller gjøre karriere. Han er kvalm av det praktiske, vanen med å adlyde uten å tenke.

Fra et «sunn» ståsted er Beranger en taper. Han er i fattigdom fordi han neglisjerer allment aksepterte atferdsstandarder. Jean er den fullstendige motsetningen til Beranger. Fra høyden av sitt eget velvære lærer han vennen sin. Patosen til "leksjonen" hans ligger i vanlige sannheter, "slitt til hull" ved for hyppig bruk, som Bérenger uttrykker det.

Invasjonen av «neshorn»-sykdommen oppfattes av vanlige mennesker som en annen nødvendighet som må følges, ellers kan de mistenkes for upålitelighet. Alle streber etter å være blant de første som "blir født" for å vitne om sin utdannelse. Blant de første som endret hud var tjenestemenn - en sosial kategori for hvem evnen til å adlyde uten å tenke er den høyeste dyden. Reglene for «spillet» tillater bare to valg: de som ble født i tide trives, mens de som ikke hadde tid eller ikke ville er dømt til fattigdom. Beranger tilhører den siste kategorien, han motsetter seg aktivt epidemien og dømmer seg selv til isolasjon og eksil. Bérenger sier: «Ensomhet tynger meg. Samfunnet også." Ionescos helt frigjør seg fra dukkens strenger i sin motstand mot den generelle bølgen av lojale følelser.

«Rhinoceros» er et romslig symbol som tillater flere betydninger: det er også faren for enhver kollektiv rekruttering som truer friheten; dette er også elementet av konformisme, en grobunn for alle former for totalitarisme; det er også en metafor for den fascistiske pesten. Ionesco tok avstand fra enhver tolkning, og ga lesere/seere og spesielt regissører full frihet. Berømt fransk regissør Jean-Louis Barrault i en av de første Paris-produksjoner 1969 ga stykket en uttalt antifascistisk karakter. I brølet fra neshornet som ble hørt bak scenen, kunne man tydelig høre sangen «Lili Marlene», populær under Wehrmacht, og buldret av støvler.

Først etter Barros produksjon uttalte Ionesco, som hadde forholdt seg taus, til slutt: «Neshorn er utvilsomt et anti-nazistisk verk, men fremfor alt er det et skuespill mot det kollektive hysteriet og epidemiene som rettferdiggjør ulike ideologier».

Dramaturgien til E. Ionesco, som parodierer de paradoksale, absurde aspektene ved menneskelig eksistens, "lærer en person valgfrihet," forståelse eget liv og din plass i verden. "Vi - jeg, begynte å vise verden og livet i deres virkelige, faktiske og ikke utjevnede, ikke sukkerbelagte paradoks. Teateret er designet for å lære en person valgfrihet; han forstår verken sitt eget liv eller seg selv. Det er herfra, fra dette menneskelige livet, at teateret vårt ble født.»

Samuel Beckett (1906 – 1989)

Arbeidet til dramatikeren S. Beckett begynte først på 50-tallet. På den tiden hadde han bak seg et besettende vedvarende arbeid, romanen "Murphy" utgitt i 1938, et strålende essay om M. Proust (1931) og D. Joyce (1929). I romantrilogien - "Molloy" (1951), "Malon Dies" (1951), "Nameless" (1953) - er hovedlinjene for utviklingen av Becketts drama skissert.

Fram til 1939, før hans endelige flytting til Paris, skrev irske Beckett inn engelske språk. I løpet av den første perioden av oppholdet i Paris, fra 1929 til 1933, var han personlig sekretær for D. Joyce, som hadde en betydelig innflytelse på forfatterens kreative utvikling. Etter 1939 skrev Beckett på to språk - engelsk og fransk. Tospråklighet bestemte originaliteten til Becketts stil: en spesiell vending av ordet, elliptiskhet og demonstrativt spill på konsonanter og vokaler ble brukt av forfatteren som et middel til språklig innovasjon. Beckett forsøkte, som han sa det, å "matte språket": "Det gjør det lettere for meg å skrive uten stil."

Drama, som brakte forfatteren verdensberømmelse, tiltrakk ham muligheten til å tydelig vise den paradoksale naturen til menneskelig eksistens. Fattigdommen til ordforråd, stillhet og pauser brukes av Beckett i dramaene hans for å avsløre motsetningen mellom «det som heter» og essensen. Ikke rart han trodde at «kunst ikke nødvendigvis er et uttrykk».

Bevisets spesifisitet erstatter ordet som kommunikasjonsmiddel. I stykket «Not Me» (1972), på en tom scene i rampelyset er det bare én munn, som febrilsk spyr ut en strøm av usammenhengende ord: «her... til denne verden... lille baby... prematur ... i det glemte av Gud ... hva? ... en jente? ... inn i dette ... gudsforlatte hullet, som kalles ... kalles ... uansett ... foreldrene er ukjent hvem... ingenting fortjente oppmerksomhet før jeg fylte seksti, når hva?... sytti?... Herre Gud!... noen få skritt... så et stopp... å se ut i verdensrommet... stoppe og ser igjen ... hun svømte hvor enn øynene hennes så ... hvor plutselig ... gradvis ble alt av ... alt dette lyset fra en tidlig aprilmorgen ... og hun befant seg i ... hva? ... hvem?... nei!... henne! (pause og bevegelse) ... fant meg selv i mørket.» Ord og pauser beregnes matematisk her, og sletter forskjellen mellom en levende scene og en innspilt, mellom tale, støy og stillhet. Becketts ord er til for å lekes med, og skaper sin egen virkelighet. Den lekne holdningen til virkeligheten er uløselig knyttet til ironi, som undergraver entydigheten i dommer og vurderinger.

I stykket «Happy Days» (1961) er alt ironisk, og starter med tittelen. Stykkets helter - Vinnie og Willie - stuper gradvis ned i et hull; Samtidig blir Vinnie aldri lei av å gjenta: "Å, for en lykkelig dag!", og oppfatter den brennende varmen fra middagssolen som en slags nåde - "Virkelig stor er nåden mot meg." Ordene "glade dager", som løper som et refreng gjennom hele stykket, er en omskrivning av det vanlige engelsk uttrykk. Disse ordene i dramaet gjenspeiler verken følelsen av lykke og glede, eller skjønnheten i øyeblikket som oppleves. Men Vinny vet ikke "hva du skal gjøre før du finner ordene." Hun unngår uønskede pauser og fyller tomrommet med dem.

Becketts karakterer er i stand til å latterliggjøre situasjonens tragikomiske natur: Winnie og Willie - over jorden, svidd av solens nådeløse stråler; Nell og Nagg (Endgame, 1957) - over sorg. Nell forteller mannen sin: «Det er ingenting morsommere enn sorg. Og først ler vi av det, ler hjertelig... men det endrer seg ikke. Hvordan er det god spøk, som vi hører for ofte. Vi synes fortsatt han er vittig, men vi ler ikke lenger."

I Becketts skuespill er det ingen klare linjer mellom latter og tårer. I Endgame sier Hamm: "Du gråter og gråter for ikke å le." Becketts latter er en tragisk maske bak som skjuler hele livets kompleksitet, som trosser entydige vurderinger.

Becketts fiksjon utvikler seg bare i retning av en stadig større total tomhet, der karakterer, plot og språk blir til intet. Avmakten til å påvirke hendelsesforløpet gjenspeiles i hans skuespill av fullstendig ubeveglighet og statisitet. Dette paradokset er nedfelt i et visuelt bilde. Becketts verden er befolket av forkrøplede skapninger som ikke kan bevege seg uavhengig. I Endgame er handlingen begrenset til de fire veggene i et rom, heltene er krøplinger og gamle mennesker: Hamm er lenket til rullestol, blir foreldrene hans lagt i søppeldunker. I «The Game» (1963) er karakterene uten navn – Zh2, M og Zh1 – fengslet i kar som symboliserer «kisteurner». I «Kachi-Kach» (1981) gjenskapes bildet av «stasjonær bevegelse» av en gyngestol som, uten å stoppe et minutt, ikke beveger seg fra sin plass.

Becketts kunstneriske verden er en verden av evig gjentakelse, der begynnelsen sammenfaller med slutten. Dag etter dag fornyes ventetiden på Vladimir og Estragon ("Venter på Godot"). I Happy Days er hver ny dag lik den forrige. Winnie blir sakte slukt av jorden, men hun er hardnakket oppslukt av hverdagens smålige vaner: «...alt er så rart her. Aldri noen forandring."

Beckett prøver å "gi uttrykk for" den universelle smerten av håpløshet. I Endgame forteller Hamm til Clov: «I kveld så jeg inn i brystet mitt. Det var en stor bobo."

"Venter på Godot" - mest kjent skuespill Beckett, som var bestemt til stor berømmelse og som han ble tildelt i 1969. Nobel pris. Med all strengheten i vurderingen egen kreativitet Beckett innrømmet i et intervju: «Jeg skrev alle verkene mine på veldig kort tid, mellom 1946 og 1950. Da var det etter min mening ingenting verdt.» Med «verdt» menes romantrilogien og dramaet om Godot.

Mål: å gjøre elevene kjent med livet og arbeidet til den franske dramatikeren E. Ionesco; gi begrepet "det absurde drama"; avsløre den symbolske betydningen av plottet til dramaet "Rhinoceros"; kommentere sentrale episoder av dramaet og uttrykke din egen vurdering av hva som er avbildet i dem; fremme et ønske om å bevare individualitet; berike den åndelige og moralske opplevelsen og utvide studentenes estetiske horisont. utstyr: portrett av E. Ionesco, tekst til dramaet «Rhinoceros». Projisert

Resultater: studentene kjenner til hovedstadiene i livet og arbeidet til E. Ionesco, innholdet i dramaet som studeres; definere begrepet "det absurde drama"; forklare betydningen av handlingssekvensen; kommentere nøkkelepisoder av dramaet og uttrykker sin egen vurdering av personen som er avbildet i dem; formulere problemene dramatikeren stiller. Leksjonstype: lære nytt materiale.

UNDER KLASSENE

JEG. Organisasjonsstadiet

II. Oppdatering av referansekunnskap

Hører på flere kreative verk(cm. Hjemmelekser forrige leksjon)

III. Sette mål og mål for leksjonen.

Motivasjon for læringsaktiviteter

Lærer. fransk forfatter Eugene Ionesco - kjent dramatiker, en av de flinkeste representantene teatralsk bevegelse av absurdisme. De dramatiske verkene til Eugene Ionesco er fylt med abstrakte bilder, de fleste av dem legemliggjør ideen om avvisning av totalitarisme og undertrykkelse av individet.

Til tross for den åpenbare originaliteten og originaliteten til bilder, karakterer, ideer og historielinjer, uttalte Ionesco selv at skuespillene hans er helt ekte. er ekte i samme grad som livet som er skildret i disse stykkene er absurd. Denne forfatterens tilnærming viser oss på en overbevisende måte hvor filosofiske synspunktene er. Blant de fleste kjente verk forfatter - spiller "Bald Singer", "Rhinoceroses", "Disinterested Killer", "Aerial Pedestrian", "Desperation for Two", "Thirst and Hunger", "Man with Suitcases". E. Ionesco forfatter også mange historier, essays, memoarer og artikler om kunst.

Mange av Eugene Ionescos skuespill er vanskelige å tolke og kan like godt sees komplett forskjellige punkter syn. Ikke desto mindre er hvert eneste dramatiske verk av E. Ionesco dedikert til livet som sådan, dets kompleksitet, fullstendighet og mangfold. Og i dag i klassen vil du se dette.

IV. Arbeider med leksjonens tema

1. introduksjon lærere

Den franske dramatikeren av rumensk opprinnelse E. Ionesco (1909-1994) kom inn i verdenslitteraturens historie som den mest dyktige teoretikeren og utøveren av «det absurde teater». Begrepet "theater of the absurd" ble introdusert av Martin Esslin i 1962, og ønsket å gi et navn til drama med et ulogisk, meningsløst plott, og presentere seeren for en kombinasjon av uforenlige ting. mange litteraturkritikere fra det 20. århundre. så opprinnelsen til sjangeren i avantgarde litterære og filosofiske bevegelser, spesielt i dadaismen. Hovedgrunnlaget for dadaismen var fremme av usystematikk og fornektelse av alle estetiske idealer. det absurde teateret ble en ny kraft som ødela teatralske kanoner og ikke anerkjente noen autoriteter. det absurde teater utfordret ikke bare kulturelle tradisjoner, men også til en viss grad den politiske og sosiale orden.

Begivenhetene i ethvert absurd skuespill er langt fra virkeligheten og streber ikke etter å komme nærmere det. Det utrolige og utenkelige kan manifestere seg både i karakterer og i omkringliggende objekter og forekommende fenomener. sted og tidspunkt for handling i slike dramatiske verk, som regel, er ganske vanskelig å bestemme, spesielt siden rekkefølgen og logikken til det som skjer kanskje ikke blir observert. Det er ingen logikk verken i handlingene til karakterene eller i deres ord. Absurdistiske forfattere lager absurde fantastiske bilder som forbløffer, skremmer og noen ganger underholder med deres åpenbare inkongruens. Irrasjonalitet er det absurdes teater streber etter.

Eugene Ionesco anså begrepet "det absurde teater" som lite passende. I sin tale, kjent som "Er det en fremtid for det absurde teater?", foreslo han en annen - "latterlig teater." I den, ifølge dramatikeren, blir alle psykologiske og fysiske lover brutt, og karakterene er rett og slett klovner. Flertall klassiske verk E. Ionesco betraktet dem som ikke mindre absurde enn eksemplene på ny dramaturgi som skuespillene hans tilhørte. Tross alt er realisme i teatret betinget og subjektiv, siden det i alle fall er frukten av forfatterens fantasi og kreativitet.

2. presentasjon av studenter med "litterære visittkort" om livet og arbeidet til E. Ionesco

(Elevene gjør opp kronologisk tabell liv og virke til E. Ionesco.)

Eugene Ionesco er en fransk dramatiker, forfatter og tenker, en klassiker fra den teatralske avantgarden. Eugene ble født 26. november 1909 i Slatina, Romania; V tidlig barndom foreldrene tok ham med til Frankrike. Fram til elleveårsalderen bodde Eugene i landsbyen La Chapelle-antenaise. Livet i landsbyen var glad for ham; det var minnene om det som ble nedfelt i arbeidet til den modne Ionesco.

I 1920 flyttet Eugene til Paris, men bodde der i ikke mer enn to år. I en alder av tretten år vendte Ionesco tilbake til Romania, og bodde i Bucuresti til han var tjueseks. Påvirkningen fra franske og rumenske kulturer på verdensbildet til den fremtidige forfatteren og dramatikeren var selvmotsigende og ambivalent.

Eugenes førstespråk var fransk. Barndomsminner gjenspeiles levende og fullt ut i verkene hans. Imidlertid førte den påfølgende flyttingen til hjemlandet i Romania i en alder av tretten til det faktum at Eugene begynte å glemme sin elskede franske. Han skrev sitt første dikt på rumensk, etterfulgt av franske og igjen rumenske dikt.

Første etappe litterær kreativitet Ionesco ble preget av en vågal brosjyre "Nei!" i en nihilistisk ånd. I den viste Eugene enheten av motsetninger, først fordømte og deretter berømmet tre rumenske forfattere.

Ved Universitetet i Bucuresti studerte Eugene fransk og fransk litteraturå få evnen til å skrive kreativt på fransk. Siden 1929 begynte Eugene å undervise i fransk. I løpet av denne perioden begynte hans litterære mesterskap å dukke opp.

I en alder av tjue kom E. Ionesco tilbake til Paris, denne gangen med den hensikt å bo der i lang tid. I 1938 forsvarte han sin filosofiske doktorgradsavhandling ved Sorbonne, "Om motivene til frykt og død i fransk poesi etter Baudelaire."

Selv mens han studerte ved Universitetet i Bucuresti, møtte Eugene manifestasjonen av nasjonalistiske og profascistiske følelser som hersket i ungdomssamfunnet. Med sitt arbeid prøvde Ionesco å vise at han avviste denne "fasjonable" trenden. den unge forfatteren hatet enhver manifestasjon av totalitarisme og ideologisk press på mennesker. Han legemliggjorde denne ideen i skuespillet "Rhinoceros", som senere ble en av de mest populære.

I 1970 ble Eugene Ionesco medlem av det franske vitenskapsakademiet. Eugene hadde allerede mange skuespill, samt samlinger av historier, essays og biografiske memoarer: "Photograph of a Colonel" (1962), "Crumbs from a Diary" (1967), "Past Present, Present Past" (1968) og mange andre. I 1974 skapte Ionesco den berømte "Eremitten".

2 1994 Eugene Ionesco døde i Paris av en alvorlig og smertefull sykdom.

3. analytisk samtale

Š hva fikk dramatikeren til å lage dramaet «Rhinoceros»?

Š Hvilke andre tolkninger kan plottet om «unnfangelse» ha?

Š Gjenfortell kort handlingen i dette dramastykket ("i en kjede").

Š Hva er meningen med masse-"unnfangelsen" i verket og hovedmotstanden? Hva skjuler Yonesco inni?

Š Hvordan er problemet med menneskelig originalitet knyttet til ideen om stykket?

Š Kommenter nøkkelepisodene i dramaet, og uttrykk din egen vurdering av hva som er avbildet i dem.

4. Problematisk spørsmål (parvis)

Š Hva tror du E. Ionesco mente da han uttalte: «det absurde teateret vil alltid leve!»? Er du enig i spådommen hans?

V. Speilbilde. Oppsummering av leksjonen lærerens generalisering

Handlingen i dramaet finner sted i en liten provinsby, innbyggerne er representert av eierne av en butikk og kafé, en husmor, tjenestemenn fra et kontor som publiserer juridisk litteratur, en logiker og en viss gammel mester, sannsynligvis utgjør " intellektuell elite". I første akt blir bildet av det vanlige, elendige livet i byen avbrutt av den plutselige høylytte opptredenen av et neshorn på gaten; snart, også med et brøl, i en sky av støv, løper et neshorn gjennom igjen - enten den samme eller andre, som bare gir opphav til en tvist mellom karakterene om hvor mange horn hadde romvesenet(e)? Byens innbyggere sørger over en katt som er drept av et enormt dyr, boksen med kroppen er ledsaget av et skinn av et begravelsesfølge; En like komisk effekt frembringes i andre akt av en diskusjon på kontoret om hvorvidt et neshorn har dukket opp i byen, og ved forvandlingen av en av hennes ansatte, Beth, til et neshorn - med et mildt, triumferende brøl, tar fra kontoret sin kone som kom dit. Men i andre og tredje akt vokser den illevarslende atmosfæren mer og mer – ettersom kontorarbeiderne og generelt alle innbyggerne i byen, med unntak av én, blir til neshorn. Verken tvil eller medfølelse vil trenge gjennom deres tykke hud. I dette er de alle like, de skiller seg bare i størrelsen og antall horn på hodet - ett eller to horn ...