Vurdering av verdenspianister. Moderne pianister: en liste over de beste pianistene i vår tid, fungerer

KGKP "School of Arts of Akimat of Shemonaikha District"

forskningsprosjekt

Flotte pianister - utøvere

19., 20., 21. århundre

Forberedt av: Tayurskikh Daria klasse 5

Podfatilov Denis klasse 3

Lagleder:

kunstskolelærer

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Introduksjon……………………………………………………………………… 2

XIX århundre………………………………………………………………………..3

XX århundre………………………………………………………………………..13

XXI århundre……………………………………………………………………….24

Konklusjon…………………………………………………..............

... "piano - det er begynnelsen og slutten på alt, ikke så mye et musikkinstrument som en livsstil, og meningen er ikke i musikk for musikkens skyld, men i musikk for pianoets skyld."

Herold Schonberg

pianister– Dette musikere, spesialisert seg på pianofremføring av musikalske verk.

Flotte pianister. Hvordan blir du en stor pianist? Det er alltid mye arbeid. Og det hele starter i barndommen. Mange pianister og komponister begynte å spille musikk i en alder av 4 eller til og med 3 år.Deretter, når en "bred" form av håndflaten dannes, som i fremtiden hjelper til med å spille mesterlig.

Avhengig av utviklingstiden for pianomusikk, ble det noen ganger stilt diametralt motsatte krav til pianister. I tillegg krysser yrket til en musiker uunngåelig med yrket til en komponist. De fleste pianister komponerer pianostykker selv. Og bare sjeldne virtuoser klarte å bli berømte ved å fremføre utelukkende andres melodier.
I alle fall, som enhver musiker, er det viktig for en pianist å være oppriktig og emosjonell, å kunne løse seg opp i musikken han fremfører.

Historien til pianomusikk er ganske interessant. Det er flere stadier i den, som hver har sine egne tradisjoner. Tidens kanoner ble ofte satt av en (sjelden av flere) komponister som mesterlig spilte instrumentet (først var det cembalo, og senere piano).

Derfor, ved å fremheve tre epoker i pianismens historie, er de oppkalt etter de mest kjente komponistene - Mozart, Liszt og Rachmaninoff. I historikernes tradisjonelle terminologi var dette henholdsvis klassisismens epoker, deretter romantikken og den tidlige modernismen.

Hver av dem forble i århundrer som en stor komponist, men på et tidspunkt bestemte hver også nøkkeltrendene i pianismen: klassisisme, romantikk og tidlig modernisme. Samtidig opptrådte andre store pianister samtidig med hver av dem. Noen av dem var også store komponister. De var: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann og andre.

Hvis du tar en reise inn i pianovitenskapens historie, kan du lære mye interessant. For eksempel at til forskjellige tider, i forskjellige tidsepoker, ble nøkkeltradisjonene i pianospillet bestemt av en eller flere store komponister som var flytende i å spille cembalo og senere, med pianoets inntog, var utmerkede pianister.

Mange kjente pianister har underholdt og gledet lyttere og musikkelskere gjennom historien. Pianoet har blitt et av de mest populære instrumentene siden det ble oppfunnet på grunn av dets allsidighet og behagelige lyd. Selv om historien har bevart flere navn på store pianister, er enhver anmeldelse av de mest kjente pianist-utøverne veldig subjektiv, og navnene på slike utøvere er vanskelige å få plass i én liste.

Imidlertid er det fortsatt pianister som var i stand til å stige til toppen av verdensberømmelse og anerkjennelse.

XIXårhundre

I andre halvdel av 1800-tallet kommer et nytt instrument inn i musikklivet - piano. Oppfinneren av dette "cembalo med piano og forte" var en Padua-mester

Bartolomeo Cristofori.

Gradvis tok pianoet, som ble bedre, en dominerende plass i musikalsk praksis. Et instrument med hammervirkning gjorde det mulig å trekke ut lyder av forskjellige styrker på det og bruke gradvis crescendoOgdiminuendo. Disse egenskapene til pianoet tilsvarte ønsket om emosjonell uttrykksevne av lyd, for overføring i deres bevegelse og utvikling av bilder, tanker og følelser som begeistret folk.

Med fremkomsten av pianoet og dets introduksjon i utøvende praksis, ble nye representanter født.

1800-tallet fremmet en hel galakse av fremragende komponister som betydelig utvidet grensene for pianoets tekniske og uttrykksfulle virkemidler. I de største byene, europeiske sentre for musikalsk og utøvende kultur, de viktigste pianoskolene, Dette:

London(Muzio Clementi, Johann Baptist Cramer, John Field);

Wien(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg og andre);

parisisk, senere kjent som fransk(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer og andre);

tysk(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow og andre);

russisk(Alexander Dubuk, Mikhail Glinka, Anton og Nikolai Rubinstein, etc.).

1800-talls fremføringsstil

Historien om utviklingen av pianoteknikk er historien til kulturer og stiler. Blant de uunnværlige ferdighetene til en pianist på 18-19 århundrer var improvisasjon, da hadde pianisten ennå ikke skilt seg fra komponisten, og hvis han fremførte en annens musikk, ble regelen ansett for å være en veldig fri, individuelt kreativ håndtering av den musikalske teksten, var det en praksis med fargelegging og variasjoner, som nå anses som ugyldig.

Stilen til mesterne på 1800-tallet var fylt med en så utøvende vilje at vi ville anse den som hundre prosent smakløs og uakseptabel.

En fremragende rolle i utviklingen av pianomusikk og pianistisk kultur tilhører London og Wien skoler.

Grunnleggeren av London School var den berømte virtuosen, komponisten og læreren

Muzio Clementi (1752 -1832)

Muzio Clementi og elevene hans spilte engelsk piano, som hadde en flott lyd og krevde et tydelig, sterkt tastetrykk, siden dette instrumentet hadde et veldig stramt keyboard. Wienerpianoet, designet av mester Johann Stein og favorisert av Mozart, hadde en mer melodiøs, men ikke like sterk, lyd, og hadde et relativt lett keyboard. Derfor, etter å ha blitt direktør og deretter medeier av et av de største pianofirmaene i England, oppnådde Clementi en forbedring av engelske instrumenter, noe som ga dem større melodiøsitet og gjorde keyboardet lettere. Drivkraften til dette var et personlig møte mellom Clementi og Mozart i 1781 i Wien, hvor deres opprinnelige konkurranse som komponister og pianister fant sted ved hoffet til den østerrikske keiseren. Clementi ble slått av sjelfullheten i Mozarts spill og hans "pianosang".

Muzio Clementi - forfatteren av en rekke pianoverk og den største læreren, opprettet sin egen skole for pianospill. Han var forfatteren av de første lærerike tekniske øvelsene og etudene i pianoets historie, og ga en idé om hans metodiske prinsipper.

Clementi selv, og hans elever (I. Kramer, D. Field - en av de mest begavede studentene, E. Brekr) - store virtuoser fra begynnelsen av 1800-tallet - ble preget av utmerket fingerteknikk. Clementi, sammen med studentene sine, skapte en progressiv teknikk fokusert på utvikling av nye måter å tolke instrumentet på, ved å bruke hele "konsert"-lyd- og relieffperspektivet. Pedagogisk arbeid av M. Clementi "Step to Parnassus, or the Art of playing the piano, legemliggjort i 100 øvelser i en streng og elegant stil." Dette arbeidet er en grunnleggende skole for utdanning av pianistiske ferdigheter, 100 øvelser forbløffer med mangfoldet av innhold og volumet av utførende oppgaver. Mange representanter for London-skolen var dristige innovatører innen pianisme, og brukte i sine komposisjoner, i tillegg til fingerpassasjer, doble noter, oktaver, akkordkonstruksjoner, øvinger og andre teknikker som gir lyden glans og variasjon.

Clementi-skolen fødte visse tradisjoner innen pianopedagogikk:

prinsippet om mange timer med tekniske øvelser;

leke med "isolerte", hammerformede fingre med en stasjonær hånd;

alvorlighetsgrad av rytme og kontrastdynamikk.

grunnleggere Wien skole det var store pianistkomponister: Haydn, Mozart og Beethoven.

En fremtredende representant for progressiv pianopedagogikk var veldig kjent.

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

Czernys «Theoretical and Practical Piano School» har mye til felles med Hummels «Manual». Når han snakker i detalj om teknikken for å spille, om måtene å utvikle den på og tilegne seg ferdighetene som er nødvendige for en pianist, understreker han i den tredje delen av sitt arbeid at alt dette bare er "midler for å oppnå kunstens sanne mål, som, utvilsomt er å sette sjel i ytelse og ånd, og derved påvirke lytternes følelser og tanker.

Det bør konkluderes med at undervisningsmetodene på 1800-tallet ble redusert til rene tekniske oppgaver, som var basert på ønsket om å utvikle fingrenes styrke og flyt gjennom mange timers trening. Sammen med dette, i første halvdel av 1800-tallet, utviklet de mest begavede utøverne, for det meste elever av Clementi, Adam, Czerny, Field og andre fremragende lærere, som hadde oppnådd høy virtuositet, frimodig nye pianospillteknikker, og oppnådde kraften til instrumentets lyd, lysstyrke og glans av komplekse passasjer. Av spesiell betydning i teksturen til verkene deres var akkordkonstruksjoner, oktaver, doble noter, øvinger, håndskifteteknikker og andre effekter som krever deltagelse av hele hånden.

Paris 1800-tallet er sentrum musikalsk kultur, virtuos ferdighet. Skaperen av den parisiske skolen for pianospill blir vurdert komponist, pianist, lærer

Friedrich Kalkbrenner (1785–1849)

I hans arbeid «Metode til å lære piano ved hjelp av et håndtak» (1830) ble bruk av tekniske apparater for utvikling av ulike typer teknikk (fin, muskelstrekk osv.) underbygget. Trekk skoler av denne typen - et fellesskap av autoritære pedagogiske installasjoner. Treningen begynte med utviklingen av riktig passform for instrumentet og mestring av de enkleste motortekniske formlene, og først mye senere begynte elevene å lære musikkverk.

Ønsket om virtuositet førte til fremtvinging av tempoet i klassene, misbruk av mekaniske øvelser, noe som førte til yrkessykdommer og en reduksjon i hørselskontroll.

Tyskland 1800-tallet Litteraturkritisk og pedagogisk virksomhets innflytelse på den romantiske estetikken i dette landet er betydelig.

Robert Schumann (1810-1856)

betydelig sted I verkene til Robert Schumann ble utviklingen av spørsmål om dannelsen av en musiker, en sann kunstner av en ny type, fundamentalt forskjellig fra fasjonable virtuoser, opptatt. Komponisten anser dette som et av de mest effektive virkemidlene for å heve musikalsk kultur.

Musikkpedagogikkens problemer berøres i verkene til R. Schumann «Hus- og livsregler for musikere», «Supplement til albumet for ungdom», i forordet til Etudes on the Caprices of Paganini op. Z. Innholdet i de viktigste musikalske og pedagogiske spørsmålene er som følger: samspillet mellom etisk og estetisk utdanning, tilegnelse av dyp og allsidig kunnskap som danner grunnlaget for enhver utdanning, formuleringen av prinsippene for seriøs kunst og kritikk av salongens retning og lidenskap for "teknikk for teknologiens skyld" i å komponere og scenekunst; kamp mot dilettantisme.

Schumanns musikalske og pedagogiske synspunkter tjente og tjener som grunnlaget for de viderekomne moderne teknikk. Komponistens pianomusikk brukes fortsatt aktivt i læreplaner på alle nivåer den dag i dag.

Det er umulig å ikke si om en så stor komponist og virtuos polsk pianist

Fryderike Chopin (1810-1849)

I første halvdel av 1800-tallet ble Frederic Chopin den første komponisten som skrev eksklusivt for piano. Som et begavet barn skrev Chopin mange vakre og komplekse pianostykker som har gledet mange studenter og pianospillere i mange år. Chopin erobret raskt Paris. Han slo umiddelbart publikum med en særegen og uvanlig forestilling. På den tiden var Paris oversvømmet av musikere fra hele verden. Virtuose pianister var de mest populære. Spillet som ble preget av teknisk perfeksjon og glans, og overveldet publikum. Derfor hørtes Chopins aller første konsertopptreden ut som en så skarp kontrast. I følge samtidens memoarer var opptredenen hans overraskende åndelig og poetisk. Minnet om den kjente ungarske musikeren Franz Liszt er bevart om Chopins første konsert. Pianisten og komponisten som også begynte sin strålende karriere: «Vi husker hans første opptreden i Hall of Pleyel, da applausen, som økte med en hevn, virket på ingen måte nok til å uttrykke vår entusiasme i møte med talentet, som, sammen med glade innovasjoner innen kunsten hans, åpnet en ny fase i utviklingen av poetisk følelse. Chopin erobret Paris, slik Mozart og Beethoven en gang erobret Wien. I likhet med Liszt ble han anerkjent som den beste pianisten i verden.

Ungarsk komponist, pianist, dirigent, lærer

Franz Liszt (1811-1886)

Samme alder og venn med F. Chopin. Ferencs pianolærer var K. Czerny.

Liszt opptrådte på konserter fra han var ni år gammel, og ble først berømt som en virtuos pianist.

I 1823-1835. han bodde og holdt konserter i Paris, hvor han også utviklet sin pedagogiske og komponerende virksomhet. Her møtte musikeren og ble nære venner med G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand og andre fremtredende skikkelser innen kunst og litteratur.

I 1835-1839. Liszt reiste gjennom Sveits og Italia og brakte i løpet av denne perioden sine ferdigheter som pianist til perfeksjon.

I sitt komposisjonsarbeid fremmet Liszt ideen om en syntese av flere kunster, først og fremst musikk og poesi. Derav hovedprinsippet - programmering (musikk er komponert for et bestemt plot eller bilde). Resultatet av en reise til Italia og bekjentskap med maleriene italienske mestere ble til piano syklus«År med vandringer», samt en fantasysonate «Etter å ha lest Dante».

Franz Liszt ga også et stort bidrag til utviklingen av konsertpianomusikk.

Musikkkulturen i Russland på 1800-tallet. ser ut til å være en slags "tidsmaskin". I hundre år har Russland passert en tre-århundre vei, som den jevne og gradvise utviklingen av nasjonale komponistskoler ikke kan sammenlignes med. store land Vest-Europa. Og først på den tiden klarte russiske komponister å mestre den akkumulerte rikdommen til folkekunst i ordets rette forstand og gjenopplive folketanker i vakre og perfekte former. klassisk musikk.

På slutten av 1700-tallet - begynnelsen av 1800-tallet. musikkpedagogikk i Russland tar sine første skritt: en russisk pianoskole er under dannelse. Det er preget av aktiv utvikling av utenlandske undervisningsmetoder og samtidig ønsket fra avanserte russiske lærere om å opprette en nasjonal skole for pianisme.

I motsetning til Vest-Europa kjente ikke Russland til en høyt utviklet klaverkultur, selv om cembalo hadde vært kjent siden 1500-tallet. Russiske lyttere viste stor interesse utelukkende for vokalmusikk, og keyboardinstrumenter som fantes i Russland ble brukt til å akkompagnere sang og dans. Først på slutten av 1700-tallet. økende interesse for å lære å spille klaver. The Clavier School of Simon Lelein, utdrag fra "Clavier School" av Daniel Gottlieb Türk ble utgitt på russisk.

På begynnelsen av 1800-tallet dateres utgivelsen av avhandlingen av Vincenzo Manfredini "Reglene for harmonisk og melodisk for undervisning i all musikk" tilbake. Sammen med dette ble det utgitt forskjellige klaverskoler av utenlandske musikere på russisk i første halvdel av 1800-tallet: M. Clementi’s Piano School (1816), D. Steibelt’s Complete Practical Piano School (1830), F Günten (1838) m.fl. .

Blant de fremtredende musikerne-lærerne i første halvdel av 1800-tallet. var I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gercke, Alexander Villuan.

I løpet av disse årene ble skoler av russiske forfattere også uteksaminert i Russland, hvis kompilatorer forsøkte å bringe læremidler nærmere oppgavene med å utdanne russiske musikere. Repertoaret til «Skolen» av I. Prach (tsjekkisk, egentlig navn Jan Bohumir, ukjent fødselsår, døde i 1818; komponist, som lenge arbeidet i St. Petersburg som musikklærer ved ulike utdanningsinstitusjoner) var bl.a. , for eksempel mange verk av russiske forfattere.

I den originale veiledningen I. Pracha"Complete School for Piano..." (1806) tok hensyn til spesifikasjonene til russisk utøvende kultur; spørsmål om barns musikalske utdanning ble reist. Prach ga et betydelig bidrag til utviklingen av pianopedagogikk. Den konkretiserer de teoretiske bestemmelsene ut fra metodiske retningslinjer som bestemmer ulike utførelsesmetoder. (harmoniske figurasjoner, arpeggioer og akkorder, brutte oktaver, etc.) med eksempler som illustrerer en bestemt teknikk eller bevegelse.

Aktivitet J. Field som musiker og lærer var av stor betydning for russisk pianopedagogikk. Han tok opp en galakse av kjente musikere, som M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke og mange andre. Fields skole var selvsagt av stor betydning. Han kan betraktes som grunnleggeren av den ledende pianoskolen. På 20-30-tallet. 1800-tallet I studiene forsøkte Field å underordne teknisk arbeid kunstneriske mål: uttrykksfullhet i frasering, filigran-finishing av lyden til hver tone, avsløring av verkets innhold.

A. HenseltOgA. Gerke

De underviste ved generelle utdanningsinstitusjoner og ved St. Petersburg-konservatoriet. Deres pedagogiske metode reflekterte den progressive retningen til den russiske pianoskolen, nemlig: utvikling av horisonter basert på bruk av et omfattende repertoar, ønsket om å utdanne studentens uavhengighet. De var ivrige motstandere av metoden "trening", "boring".

A. Villuan var en progressiv pedagog. Hans historisk rolle ligger i det faktum at han nøste opp det musikalske talentet til barnet A. Rubinstein og klarte å gi den rette retningen til utviklingen hans. De beste aspektene ved Villuans pedagogiske metode, manifestert i hans praktiske aktiviteter, ble gjenspeilet i hans "Skole" (1863). Metoden for lydekstraksjon han fant - "sang" på piano - ble en av de kraftigste kunstneriske virkemidler A. Rubinsteins spill. "Skole" dekker en stor mengde kunnskap knyttet til teknisk trening og musikalsk utdanning av en pianist. Spesielt verdifulle er Villuans syn på å oppnå en melodiøs dyp pianolyd, på utviklingen av legato, som det brukes fornuftige teknikker for som ikke har mistet sin betydning selv i dag.

I historien til russisk førrevolusjonær og postrevolusjonær kunst tilhører hovedrollen Petersburg og Moskva vinterhager

de største sentrene for musikalsk kultur i landet. Aktivitetene til begge konservatoriene utviklet seg i nær kontakt, noe som ikke bare ble bestemt av fellesoppgavene deres, men også av det faktum at elever ved St. Petersburg-konservatoriet ganske ofte jobbet i Moskva, og muskovittene ble lærere ved St. Petersburg. Vinterhage.

Så P. I. Tsjaikovskij ble uteksaminert fra St. Petersburg-konservatoriet, og ble deretter en av de første professorene ved Moskva-konservatoriet; L. Nikolaev (en student av V. Safonov ved Moskva-konservatoriet) - senere en av de ledende representantene for pianoskolen i Leningrad; Nikolaevs studenter V. Sofronitsky og M. Yudina jobbet i Moskva i flere år.

Grunnleggere av St. Petersburg og Moskva-konservatoriene, brødre

Anton og Nikolai Rubinstein,

I løpet av årene med ledelse av konservatoriene la de det grunnleggende grunnlaget for opplæring av unge musikere. Elevene deres (A. Siloti, E. Sauer - studenter av Nikolai; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drukker, I. Hoffman - elever av Anton) ble den førstefødte i en galakse av unge utøvere som vant anerkjennelse fra det verdensmusikalske fellesskapet.

Gjennom innsatsen til Rubinstein-brødrene, ervervet russisk pianopedagogikk i siste tredjedel av 1800-tallet. stor prestisje og internasjonal anerkjennelse. Det er til dem Russland skylder det faktum at det har tatt en av de første plassene i å lære å spille piano.

Det kan konkluderes med at både vesteuropeiske og russiske avanserte musiker-lærere på 1800-tallet lette etter rimelige, originale måter å påvirke studenten på. De lette etter effektive måter å rasjonalisere teknisk arbeid på. Kreativt bruke tradisjonene for klavermusikkskaping og ideene som har utviklet seg i tidligere århundrer om essensen av prosessen med dannelsen av pianistens fremføringsteknikk, metodikken fra 1800-tallet. kom til begrunnelsen for et hensiktsmessig spilleprinsipp - helhetlig bruk av det pianistiske apparatet. Det var på 1800-tallet at en virkelig storslått database med etuder og øvelser ble opprettet, som den dag i dag fortsatt er uunnværlig i pianoundervisningen.

Analyse musikalsk materiale viser at skaperne er iboende i ønsket om å søke etter naturlige spillbevegelser, fingersetningsprinsipper knyttet til de strukturelle egenskapene til den menneskelige hånden.

Det skal imidlertid bemerkes at det 19. århundre. ga musikalsk pedagogikk og utdanning et system med strålende lovende ideer og fremfor alt ønsket om å utdanne en velutdannet musiker gjennom hensiktsmessig utvikling av hans kreative individualitet.

XXårhundre

20 århundre - pianokunstens storhetstid. Denne perioden er uvanlig rik på eksepsjonelt talentfulle, fremragende pianister.

På begynnelsen av det 20. århundre ble berømt Hoffman Og corto, Schnabel Og Paderevsky. Og naturlig nok MED. Rachmaninov, sølvalderens geni, som markerte ny æra ikke bare innen pianomusikk, men også i verdenskulturen generelt.

Andre halvdel av 1900-tallet er epoken for så kjente pianister som Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.Listen fortsetter...

20. århundres fremføringsstil

***

Dette er ønsket om en dyp forståelse av den musikalske teksten, og for den eksakte overføringen av komponistens intensjon, og forståelse av musikkens stil og natur som grunnlag for en realistisk tolkning av de kunstneriske bildene som er nedfelt i verket.

***

Sent på 1800-tallet - begynnelsen av det 20. århundre - en ekstremt begivenhetsrik periode i verdens kunstkulturhistorie. Konfrontasjonen mellom den demokratiske kulturen til massene, som mer og mer aktivt gikk inn i kampen for sine sosiale rettigheter, og borgerskapets elitekultur ble ekstremt forverret.

Store kunstnere av denne tiden anerkjente trekk ved krise i evolusjonen ny musikk: "Vi lever i en tid hvor grunnlaget for menneskelig eksistens blir rokket," hevdet I.F. Stravinsky, moderne mann mister en følelse av verdi og stabilitet .... Siden ånden selv er syk, bærer vår tids musikk, og spesielt det den skaper, det den anser som sant, med seg tegn på patologisk insuffisiens. Lignende tilståelser kunne høres mer enn én gang fra leppene til andre store musikere.

Men til tross for epokens krisevirkning, har musikken nådd nye strålende høyder. Pianopedagogikken har blitt beriket med mange interessante arbeider. Oppmerksomheten til forfatterne av de publiserte verkene ble rettet mot spørsmålene om kunstnerisk mestring av studenter.

Fremragende pianistlærere G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Kogan utviklet metoder for vellykket elevlæring.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - pianist, lærer, musikkskribent. Grunnlegger av den største sovjetiske pianoskolen. Alt han skriver om er gjennomsyret av en lidenskapelig kjærlighet for kunst, pianomusikk og performance.

Av størst interesse for oss er boken som heter "Om kunsten å spille piano".

Boken er skrevet av figurativt språk, er full av dommer om mange komponister, utøvere og lærere. Det stiller nye problemer og spørsmål som angår enhver pianist. Det er mange sider i den, som har karakter av en musikalsk selvbiografi, dedikert til minner om deres egen kreative vei. Men i denne improvisasjonen kommer forfatterens syn på pianokunst og lærerens oppgaver tydelig frem. I sine arbeider skriver Neuhaus om det kunstneriske bildet, rytmen, lyden, arbeidet med teknikk, fingersetting og pedalisering, om oppgavene til en lærer og elev, og om konsertaktiviteten til en musiker.

Med stor overbevisningskraft viser han at den såkalte «lærebok»-metodikken, som i hovedsak gir en oppskrift – «harde regler», selv om de er sanne og beviste, alltid kun vil være en innledende, forenklet metodikk, som stadig trenger utvikling. , avklaring når de konfronteres med det virkelige liv, tillegg, eller, som han selv sier, «i en dialektisk transformasjon». Han motsetter seg skarpt og temperamentsfullt «coachingmetoden» og «endeløs suging av de samme verkene» i pedagogisk arbeid, mot den falske posisjonen at «regi kan gjøre alt med studenter». Han søker å løse dialektisk ikke bare generelle musikalske fremføringsproblemer, men også snevrere tekniske problemer.

Neuhaus definerer rollen til læreren, og mener at læreren bør strebe etter å ikke være så mye en pianolærer som en musikklærer.

Neuhaus ga i sitt pedagogiske arbeid spesiell oppmerksomhet til forholdet mellom "musikalsk" og "teknisk". Dermed søkte han først og fremst å overvinne den tekniske usikkerheten, stivheten i studentens bevegelser i innflytelsessfæren på studentens psyke, på musikkens veier. Han handlet på samme måte da han anbefalte studenter metoder for å jobbe på "vanskelige steder". Etter hans mening bør alt "vanskelig", "kompleks", "ukjent" om mulig reduseres til et mer "lett", "enkelt", "kjent"; samtidig rådet han på det sterkeste til ikke å forlate metoden for å øke vanskelighetsgraden, siden ved hjelp av denne metoden får spilleren de ferdighetene, den erfaringen, som vil tillate ham å løse problemet fullstendig.

Til slutt prøvde Neuhaus på alle måter å bringe eleven nærmere musikken, å avsløre for ham innholdet i verket som vises, og ikke bare å inspirere ham på en levende poetisk måte, men også å gi ham en detaljert analyse av formen. og strukturen til verket - melodi, harmoni, rytme, polyfoni, tekstur - i et ord, for å avsløre for eleven musikkmønstrene og måtene å implementere den på.

Apropos rytme som et av de viktigste elementene som utgjør fremføringsprosessen, understreker Neuhaus den store betydningen av "sansen for helheten", evnen til "langtenkning", uten hvilken pianisten ikke tilfredsstillende kan spille noe større verk i form av form. .

Forfatteren vurderer undervurderingen av lyd (utilstrekkelig lytting til lyden) og dens overvurdering, det vil si å "nyte dens sensuelle skjønnhet." Setter dette spørsmålet på denne måten, definerer Neuhaus konseptet om lydens skjønnhet på en ny måte - ikke abstrakt, ute av kontakt med stil og innhold, men utledet det fra en forståelse av stilen og naturen til musikken som fremføres.

Samtidig understreker han at ett musikalsk verk og «musikalsk selvtillit» ikke løser problemet med å mestre pianoteknikken. Fysisk trening er også nødvendig, opp til et sakte og sterkt spill. "I slikt arbeid," legger han til, "må følgende regler overholdes: sørg for at armen, hele armen, fra hånden til skulderleddet, er helt fri, ikke "fryser" noe sted, ikke er klemt, "herder ikke", mister ikke sin potensielle (!) fleksibilitet samtidig som den opprettholder fullstendig ro og bruker bare de bevegelsene som er strengt "nødvendige".

Bestemme perspektivet ditt fingersetting, Neuhaus skriver at den beste fingersettingen er den som lar deg formidle betydningen av denne musikken mer nøyaktig. Finger knyttet til forfatterens ånd, karakter og musikalske stil, kaller han den vakreste og estetisk begrunnet.

På lignende måte definerer Neuhaus problemet tråkke. Han sier med rette at de generelle reglene for hvordan man skal ta pedalen er til kunstnerisk pedalisering som en del av syntaksen er til dikterens språk. I hovedsak er det ingen riktig pedal, etter hans mening. Den kunstneriske pedalen er uatskillelig fra lydbildet. Disse tankene støttes i boken av en rekke interessante eksempler, der det tydelig framgår hvilken betydning forfatteren la til ulike metoder for tråkking.

Vi kan bare si at Neuhaus betraktet pianistens teknikk som noe organisk forbundet med forståelsen av musikk og kunstneriske ambisjoner. Dette er faktisk grunnlaget for den sovjetiske utøvende skolen generelt og spesielt Neuhaus-skolen, som utdannet så bemerkelsesverdige utøvere som S. Richter, E. Gilels, J. Zak og mange andre fremragende pianister.

Et særegent bidrag til den sovjetiske pianoskolen er artikler og bøker

Grigory Mikhailovich Kogan (1901-1979)

I boken «Ved mesterskapets porter» snakker forfatteren om de psykologiske forutsetningene for å lykkes med pianistisk arbeid. I dette arbeidet identifiserer han "tre hovedledd": en klar visjon om målet, fokus på dette målet og en vedvarende vilje til å nå det. Han bemerker med rette at denne konklusjonen ikke er ny og gjelder ikke bare for pianister, men for ethvert felt innen kunst og menneskelig arbeidsaktivitet.

I forordet til boken snakker han om betydningen av pianistens psyke, om rollen til den riktige psykologiske tilpasningen i arbeidet hans, som er en nødvendig betingelse for å lykkes med timene. Dette emnet er av stor interesse ikke bare for utøvere, men også for lærere, som mye avhenger av dannelsen av studentens psyke og hans psykologiske tilpasning.

Når han snakker om målet, viljen, oppmerksomheten, konsentrasjonen, selvkontrollen, fantasien og andre elementer som bestemmer suksess i arbeidet til en pianist, legger Kogan til dem behovet for et lidenskapelig ønske om å uttrykke de unnfangede og elskede musikalske bildene i et ideal form. Han legger spesiell vekt på spørsmålet om "kreativ ro" og spenning hos utøveren før forestillingen og under forestillingen på konserten.

Med tanke på de ulike stadiene i en pianists arbeid med et stykke, karakteriserer Kogan i detalj de tre stadiene i denne prosessen: 1) visning og forhåndsvisning, 2) læring i stykker, 3) "montering" av verket som siste fase.

Kogan dvelet spesielt detaljert ved spørsmål om frasering, fingersetting, teknisk omgruppering og mental representasjon av vanskeligheter. Nesten alt han analyserte er basert på Busonis pianistiske prinsipper.

Boken inneholder også en analyse av noen aspekter ved scenekunsten, som i metodisk litteratur fikk relativt lite oppmerksomhet. Disse inkluderer for eksempel spørsmålet om den verbale underteksten til ulike episoder i pianoverk, som kan tjene som en «hjelpeintonasjonsguide» som gjør det lettere å «finne den naturlige fordelingen av pusten, en overbevisende «uttale» av individuelle intonasjoner».

Etter å ha studert den pedagogiske arven til Kogan, kan vi konkludere med at verkene til Kogan i stor grad karakteriserer det grunnleggende metodiske retningslinjer moderne sovjetisk pianistskole i pianoscenekunst.

En av de største pianistene i begynnelsen av vårt århundre, er prakten til scenekunsten i det tjuende århundre

Joseph Hoffman (1876–1957)

Den turnerende artistens skjebne - et fenomen som i sivilisert form bevarer tradisjonene til omreisende musikere - ble i lang tid Hoffmanns lodd. Hoffmann var også engasjert i pedagogisk virksomhet, men det var ikke like lyst som å prestere.

Hoffmann la stor vekt på studietiden. Behovet for en lærer, kravet om å stole på ham, hans betydning for dannelsen av en utøver - dette er motivene som gjentatte ganger dukker opp på sidene i Hoffmanns bøker. Hoffmann var selv heldig med lærerne sine - de var den berømte pianisten og komponisten Moritz Moszkowski (forfatteren av strålende virtuose studier og salongstykker) og den berømte Anton Rubinstein, møtet med hvem ble en av hovedbegivenhetene i Hoffmanns kreative liv.

En annen viktig begivenhet i Hoffmanns liv, som radikalt påvirket hans kreative skjebne, tenkemåte, livsstil, var flyttingen til Amerika (og senere - adopsjonen av amerikansk statsborgerskap). Derfor - et nøkternt, praktisk syn på livet, en forretningsmessig tilnærming til alle, inkludert kreative, problemer; dette rent amerikanske praktiske er merkbart både i bøker og i artikler.

I sin bok fra 1914 Piano Playing Answers to Questions About Piano Playing er det viktig at Hoffmann skisserte de generelle prinsippene som bidrar til godt pianospill. Han fremhever fordelen med undervisning om morgenen. Han fraråder å studere mer enn én time, maks to timer på rad. Alt bør avhenge av den fysiske tilstanden. Han anbefaler også å endre tid og rekkefølge for de studerte verkene. Pianistens oppmerksomhet er rettet mot diskusjoner om "teknologien" til pianospilling, som han forstod glimrende. Hoffman anser arbeid uten instrument (også med og uten noter) som viktig.

Spesielt viktig er Hoffmanns tanker om «mental teknikk» – behovet for å begynne analysen av et skuespill med en analyse av form og tekstur; videre, i prosessen med å analysere, må hver passasje "være perfekt forberedt mentalt før den testes på piano."

Hoffmann, er veldig moderne i mange stiltrekk. Den er nær oss med sin praktiske funksjon - alt er i hovedsak, ingenting overflødig.

Genius of the Silver Age, stor pianist, komponist, dirigent

Sergei Rachmaninoff (1873-1943)

Begynte systematisk å studere musikk i en alder av fem alder. I 1882 gikk Sergei inn i St. Petersburg vinterhage. I 1885 flyttet han til Moskva og ble student ved Moskva-konservatoriet, hvor han først studerte med den berømte pianisten-læreren N. S. Zverev (hvis elev også var den russiske komponisten og pianisten Alexander Nikolaevich Skryabin), og siden 1888 - med pianisten og dirigent Alexander Ilyich Siloti (piano); komponist, pianist og dirigent Anton Stepanovich Arensky (komposisjon, instrumentering, harmoni); komponist, pianist og musikalsk og offentlig person Sergei Ivanovich Taneyev (motpunkt for streng skriving).

Rachmaninoff er en av de største musikerne fra begynnelsen av 1800- og 1900-tallet. Kunsten hans er preget av sannferdighet i livet, demokratisk orientering, oppriktighet og følelsesmessig fullstendighet av kunstneriske uttrykk. Rachmaninoff fulgte de beste tradisjonene innen klassisk musikk, spesielt russisk. Han var en sjelfull sanger av russisk natur.

Lidenskapelige impulser av uforsonlig protest og stille kontemplasjon, dirrende årvåkenhet og viljesterk besluttsomhet, dyster tragedie og entusiastiske hymniker eksisterer tett side om side i komposisjonene hans. Rachmaninovs musikk, med en uuttømmelig melodisk og understemme-polyfonisk rikdom, absorberte russiske folkesangkilder og noen trekk ved Znamenny-sangen. En av de originale fundamentene musikalsk stil Rachmaninov - en organisk kombinasjon av bredde og frihet til melodisk pust med rytmisk energi. Temaet hjemlandet, sentralt i moden kreativitet Rachmaninov. Navnet på Rachmaninov som pianist er på nivå med navnene til F. Liszt og A. G. Rubinstein. Fenomenal teknikk, melodiøs dybde i tone, fleksibel og imperiøs rytme fulgte fullstendig Rachmaninovs spill.

Berømmelsen til pianisten Rachmaninoff var stor nok, og ble snart virkelig legendarisk. Hans tolkninger av sin egen musikk og verk av romantiske komponister - Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt nøt særlig suksess. Rachmaninoffs konsertvirksomhet som vandrende virtuos pissist i byer og land fortsatte uten avbrudd i nesten 25 år.

I Amerika, hvor han ved en tilfeldighet flyttet for å bo, oppnådde han en fantastisk suksess som noen gang har fulgt en utenlandsk utøver her. Lytterne ble tiltrukket ikke bare av Rachmaninoffs høye prestasjonsevner, men også av måten han spilte på og ytre askese, bak hvilken den strålende musikerens strålende natur var skjult. "En person som er i stand til å uttrykke følelsene sine på en slik måte og med en slik kraft, må først og fremst lære å mestre dem perfekt, å være deres mester ..." - ble skrevet i en av anmeldelsene.

Grammofonopptak av Rachmaninovs spill gir en ide om hans fenomenale teknikk, formsans og eksepsjonelt ansvarlige holdning til detaljer. Rachmaninovs pianisme påvirket slike enestående mestere innen pianoprestasjon som Vladimir Vladimirovich Sofronitsky, Vladimir Samoilovich Horowitz, Svyatoslav Teofilovich Richter, Emil Grigorievich Gilels.

Amerikansk pianist - virtuos av ukrainsk-jødisk opprinnelse, en av de største pianistene i det tjuende århundre

Vladimir Samoilovich Horowitz

(1903-1989)

Født i Russland siden 1928 i USA. Representant for den romantiske fremføringsstilen (verk av F. Liszt, inkludert i hans egne transkripsjoner, Fryderyk Chopin, russiske komponister, etc.).

Vladimir Horowitz studerte med V. Pukhalsky, S. V. Tarnovsky og F. M. Blumenfeld ved Kiev Musical College, forvandlet i september 1913 til Kyiv Conservatory. Ved eksamen i 1920 fikk ikke V. Horowitz diplom, siden han ikke hadde eksamensbevis fra gymnaset. Han fremførte sin første solokonsert i Kharkov i 1920 (men den første dokumenterte offentlige konserten fant sted i desember 1921 i Kiev). Deretter ga han konserter i forskjellige byer i Russland sammen med en ung Odessan - fiolinist Natan Milshtein, som han oftere ble betalt med brød enn penger på grunn av den vanskelige økonomiske situasjonen i landet.

Siden 1922 har Horowitz, som ga konserter i byene Russland, Ukraina, Georgia, Armenia, samlet et gigantisk repertoar når det gjelder volum. Så, for eksempel, innen tre måneder (november 1924 - januar 1925) fremførte han mer enn 150 stykker i den berømte "Leningrad-serien", bestående av 20 konserter. Til tross for sin tidlige suksess som pianist, hevdet Horowitz at han ønsket å bli komponist, men valgte en karriere som pianist for å hjelpe en familie som hadde mistet all formuen under revolusjonen i 1917. Suksessen til «revolusjonens barn» (som Lunacharsky kalte dem i en av sine artikler) var overveldende. Klubber av beundrere av disse unge musikerne oppsto i mange byer.

I september 1925 fikk Vladimir Horowitz muligheten til å reise til Tyskland (offisielt dro han for å studere). Før han dro, lærte og spilte han den første konserten til P. I. Tsjaikovskij i Leningrad. Takket være dette arbeidet ble han berømt i Europa. Denne konserten spilte en "fatal" rolle i pianistens liv: hver gang, for å oppnå en triumf i landene i Europa og Amerika, fremførte Horowitz nettopp den første konserten til P. I. Tchaikovsky. Etter pianisten dro Milstein også til Tyskland i desember 1925. I Europa vant begge musikerne raskt berømmelse som strålende virtuoser. Horowitz ble valgt av sovjetiske myndigheter til å representere Ukraina ved den første internasjonale Chopin-konkurransen i 1927, men pianisten bestemte seg for å bli i Vesten og deltok derfor ikke i konkurransen. Fram til 1940 reiste han med konserter i nesten alle landene i Europa og hadde en fantastisk suksess overalt. I Paris, da V. Horowitz spilte, ble gendarmene kalt inn for å roe ned publikum, som knuste stoler i ekstase. I 1928 opptrådte Vladimir Horowitz strålende i Carnegie Hall i New York og reiste til mange amerikanske byer med stor suksess.

Russisk pianist med tyske røtter

Svyatoslav Teofilovich Richter

(1915 – 1997)

Han tilbrakte sin barndom og ungdom i Odessa, hvor han studerte sammen med sin far, en pianist og organist utdannet i Wien, og jobbet som akkompagnatør ved operahuset. Han holdt sin første konsert i 1934. I en alder av 22, formelt selvlært, gikk han inn på Moskva-konservatoriet, hvor han studerte hos Heinrich Neuhaus. I 1940 gjorde han sin første offentlige opptreden i Moskva, og fremførte Prokofjevs sjette sonate; ble deretter den første utøveren av hans 7. og 9. sonate (sistnevnte er dedikert til Richter). I 1945 vant han All-Union-konkurransen for utøvende musikere.

Helt fra de første skritt i det profesjonelle feltet ble han oppfattet som en virtuos og en musiker av eksepsjonell skala.

I flere generasjoner av sovjetiske og russiske musikere og musikkelskere var Richter ikke bare en fremragende pianist, men også bæreren av den høyeste kunstneriske og moralske autoritet, personifiseringen av den moderne universelle musiker-pedagogen. Richters enorme repertoar, som utvidet seg til de siste årene av hans aktive liv, inkluderte musikk fra forskjellige tidsepoker, fra Bachs veltempererte klaver og Händels suiter til Gershwins konsert, Weberns variasjoner og Stravinskys bevegelser.

På alle repertoarområder viste Richter seg som en unik artist, og kombinerte den absolutte objektiviteten i tilnærmingen til den musikalske teksten (nøysom overholdelse av forfatterens instruksjoner, trygg kontroll over detaljer, unngåelse av retoriske overdrivelser) med en uvanlig høy dramatisk tone og åndelig konsentrasjon av tolkning.

Richters økte ansvarsfølelse overfor kunst og evnen til å gi seg ble manifestert i hans spesielle engasjement for ensembleforestillinger. På et tidlig stadium av Richters karriere var hans viktigste ensemblepartnere pianisten Anatoly Vedernikov, en elev av Neuhaus, sangeren Nina Dorliak (sopran, Richters kone), fiolinisten Galina Barinova, cellisten Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich (deres perfekte, virkelig klassisk samarbeid - alle cellosonater av Beethoven). I 1966 begynte fellesskapet til Richter og David Oistrakh; i 1969 hadde de premiere på Sjostakovitsjs fiolinsonate. Richter var en hyppig partner i kvartetten. Borodin og samarbeidet villig med musikere yngre generasjon, inkludert med Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kochis, pianistene Vasily Lobanov og Andrey Gavrilov. Richters kunst som solist og ensemblespiller er udødeliggjort i et stort antall studio- og liveopptak.

Sovjetisk pianist, People's Artist of the USSR

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Emil begynte å spille piano i en alder av fem og et halvt år, hans første lærer var Yakov Tkach. Etter å ha oppnådd raskt betydelig suksess, gjorde Gilels sin første offentlige opptreden i mai 1929, og fremførte verk av Liszt, Chopin, Scarlatti og andre komponister. I 1930 gikk Gilels inn i Odessa Institute of Music (nå Odessa Conservatory).

Og året etter vant han den all-ukrainske pianokonkurransen, og et år senere møtte han Arthur Rubinstein, som snakket positivt om hans opptreden.

Berømmelse kom til musikeren etter hans seier i 1933 i First All-Union Competition of Performing Musicians, som ble fulgt av en rekke konserter over hele USSR. Etter at han ble uteksaminert fra Odessa-konservatoriet i 1935, gikk Gilels inn på forskerskolen ved Moskva-konservatoriet i klassen til Heinrich Neuhaus.

I andre halvdel av 1930-årene oppnådde pianisten store internasjonale suksesser: han tok andreplassen ved den internasjonale konkurransen i Wien (1936), tapte bare for Jacob Flier, og to år senere tok han hevn fra ham og vant Jesaja-konkurransen i Brussel, hvor Flier forble på tredjeplassen. Da han kom tilbake til Moskva, begynte Gilels å undervise ved konservatoriet som assistent for Neuhaus.

I krigsårene deltok Gilels i militært patronatarbeid, høsten 1943 holdt han konserter i det beleirede Leningrad, etter krigens slutt vendte han tilbake til aktiv konsert- og undervisningsvirksomhet. Han opptrådte ofte med sin yngre søster, fiolinisten Elizaveta Gilels, så vel som med Yakov Zak. I 1950] dannet han en pianotrio med Leonid Kogan (fiolin) og Mstislav Rostropovich (cello), og i 1945 ga han konserter i utlandet for første gang (som ble en av de første sovjetiske musikerne som fikk lov til det), turnerte i Italia, Sveits, Frankrike og skandinaviske land. I 1954 var han den første sovjetiske musikeren som opptrådte i Pleyel-hallen i Paris. I 1955 ble pianisten den første sovjetiske musikeren som holdt konserter i USA, hvor han fremførte Tsjaikovskijs første klaverkonsert og Rachmaninoffs tredje konsert med Philadelphia Orchestra dirigert av Eugene Ormandy, og ga snart en konsert i Carnegie Hall, som var en konsert. stor suksess. På 1960- og 1970-tallet var Gilels en av de mest ettertraktede sovjetiske musikerne i verden, og tilbrakte omtrent ni måneder i året på konserter og utenlandske turneer.

Oppsummert vil jeg merke at de metodologiske prinsippene og bøkene til de mest fremtredende representantene for sovjetisk pianisme viser at synspunktene til disse musikerne, for all individualiteten til deres tilnærming til pianoprestasjoner og pedagogikk, hadde mye til felles. Dette er ønsket om en dyp forståelse av den musikalske teksten, og for eksakt overføring av komponistens intensjon, og forståelse av musikkens stil og natur som grunnlag for en realistisk tolkning av de kunstneriske bildene som er nedfelt i verket.

Typisk i så henseende er en av utsagnene G. G. Neuhaus: "Vi snakker alle om det samme, men med forskjellige ord." Dette er vanlig og bestemmer prinsippene for den sovjetiske pianistiske skolen, som tok opp fantastiske pianister og fremragende lærere.

XXIårhundre

Hva var og hva ble pianoet scenekunst gjennom det 20. århundre?

Hva er nytt i tidlig XXIårhundre?

Hvordan er det vanlig å spille piano nå, i det andre tiåret av det 21. århundre?

21st century performance stil

***

På begynnelsen av det 21. århundre fortsetter to hovedområder for musikalsk fremføring å eksistere - transcendental virtuositet og meningsfull tolkning. På slutten av 1900-tallet ble disse områdene mer og mer konsentrerte, og skilte seg fra hverandre. Det oppsto imidlertid et nytt fenomen, da pianister samtidig kunne betjene både den ene og den andre strømmen av scenekunsten.

***

Fremførelsestradisjoner er påvirket av total konkurranse, I dette tilfellet blir det eksepsjonelle konkurransenivået for fremføring av musikalske verk et stadig mer kjent mønster som må følges, også på konsertscenen.

Idealene for lydopptak og det konkurransedyktige ytelsesnivået, som påvirket konserttradisjoner, krevde en betydelig økning i kvaliteten på pianospilling. Hvert verk i programmet, og ikke bare tilleggene, må lyde på nivået av et mesterverk av scenekunst. Det som var mulig i studio på grunn av lydteknikk og dataredigering fra flere fremføringsalternativer, skulle skje på scenen dette minuttet, her og nå.

Internasjonale konkurranser og festivaler bidrar til globaliseringen av pianokunst.

Vi lærer oftest navnene deres etter P.I. Tchaikovsky-konkurransen. Denne konkurransen brakte berømmelse til slike pianister som: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhania Aubakirova ...

Amerikansk pianist som erobret russiske hjerter

Første vinner av den internasjonale Tchaikovsky-konkurransen (1958)

Van Cliburn (1934–2013)

Den amerikanske pianisten Van Cliburn (aka Harvey Levan Clyburn) er kanskje den mest elskede utenlandske musikeren i vårt land. Det var den russiske offentligheten som først satte pris på utøvende ferdigheter til Van Cliburn, det var etter et besøk i Russland at han ble en verdenskjent musiker.

Han fikk sine første pianotimer i en alder av tre år hos moren sin. Da Cliburn var seks år gammel, flyttet familien til Texas, hvor han vant en konkurranse i en alder av tretten, og debuterte snart i Carnegie Hall.

I 1951 gikk han inn på Juilliard-skolen, i klassen til Rosina Levina, og mottok i de kommende årene en rekke priser ved prestisjetunge amerikanske og internasjonale konkurranser.

Cliburns navn fikk verdensberømmelse etter en oppsiktsvekkende seier ved den første internasjonale Tchaikovsky-konkurransen i Moskva i 1958. Den unge pianisten vant sympati fra både jurymedlemmene og publikum. Dette var desto mer overraskende gitt at handlingen fant sted på høyden av den kalde krigen. Da han kom tilbake til hjemlandet, ble Cliburn gitt en fantastisk entusiastisk mottakelse. Musikeren var gjennomsyret av kjærlighet og respekt for USSR, og etter konkurransen kom han gjentatte ganger med konserter.

Van Cliburn turnerte både i hjemlandet og i utlandet. Han har snakket med kongelige og statsoverhoder, til alle amerikanske presidenter. Han ble den første utøveren av klassisk musikk - eieren av et platinaalbum. Mer enn en million eksemplarer av hans fremføring av Tsjaikovskijs første klaverkonsert er solgt.

Van Cliburn Piano Competition har blitt holdt i Fort Worth, Texas siden 1962.

russisk pianist, musikklærer, offentlig person

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

Det musikalske talentet til Vladimir Krainev manifesterte seg i den videregående spesialiserte musikkskolen i Kharkov, som han gikk inn i i en alder av 5. To år senere fant hans første opptreden på den store scenen sted – sammen med orkesteret fremførte han Haydns konsert og Beethovens første konsert.

Med støtte fra Kharkov-lærere gikk Krainev inn i Moskva-sentralen musikkskole ved vinterhagen Tsjaikovskij i klassen til Anaida Sumbatyan. I 1962 kom han inn på konservatoriet. Tsjaikovskij i klassen til Heinrich Neuhaus, og etter hans død studerte han sammen med sønnen Stanislav Neuhaus, som han også fullførte doktorgradsstudier fra i 1969.

Verdensanerkjennelse fikk Vladimir Krainev på begynnelsen av 1960-tallet, da han vant hovedprisene ved store internasjonale konkurranser i Leeds (Storbritannia, 1963) og Lisboa (Portugal, 1964). Etter en opptreden i Leeds fikk den unge pianisten en invitasjon til å turnere i USA. I 1970 vant han en strålende seier i IV International Competition oppkalt etter P.I. Tsjaikovskij i Moskva.

Siden 1966 har Vladimir Krainev vært solist ved Moscow State Philharmonic. Siden 1987 - professor ved Moskva-konservatoriet. Siden 1992 - professor ved Higher School of Music and Theatre i Hannover (Tyskland).

Vladimir Krainev turnerte mye i Europa og USA, og opptrådte med så fremragende dirigenter som Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondeckis.

Krainev var arrangør av festivalen "Vladimir Krainev Invites" i Ukraina og den internasjonale konkurransen for unge pianister i Kharkov (siden 1992), oppkalt etter ham.

I 1994 opprettet pianisten International Charitable Foundation for Young Pianists. Stiftelsen ga bistand og støtte til fremtidige profesjonelle musikere, skapte betingelser for deres kreativitet i Russland og i utlandet, organiserte turer og konserter for unge musikere, og støttet utdanningsinstitusjoner for kultur og kunst.

Berømt dirigent og pianist, People's Artist of the RSFSR, grunnlegger og leder fra 1990 til 1999 og fra 2003 til i dag av det russiske nasjonalorkesteret. Vinner av gullmedaljen ved den internasjonale Tchaikovsky-konkurransen i 1978 og Grammy-prisen i 2004.

Mikhail Vasilyevich Pletnev ble født i1957

Pletnev tilbrakte barndommen i Saratov og Kazan, fra en alder av 7 begynte han å gå på en musikkskole ved Kazan-konservatoriet i pianoklassen. Fra han var 13 år studerte han ved Central Music School ved Moskva Tchaikovsky Conservatory. I 1973 vant 16 år gamle Pletnev Grand Prix ved den internasjonale ungdomskonkurransen i Paris og året etter gikk han inn på Moskva-konservatoriet, og studerte under professorene Yakov Flier og Lev Vlasenko.

I 1977 vant Pletnev førstepremie ved All-Union Piano Competition i Leningrad, og i 1978 vant han en gullmedalje og førstepremie ved Moskva internasjonale Tchaikovsky-konkurranse. I 1979 ble Pletnev uteksaminert fra konservatoriet, og i 1981 - doktorgradsstudier, hvoretter han ble assistent for Vlasenko, begynte senere å undervise i sin egen pianoklasse.

Pletnev ble solist på statskonserten i 1981, og vant berømmelse som en virtuos pianist, pressen bemerket hans tolkninger av Tsjaikovskijs verk, men også hans fremføringer av Bach, Beethoven, Rachmaninoff og andre komponister. Pletnev samarbeidet med så kjente dirigenter som Vladimir Ashkenazy, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai og verdens mest kjente symfoniorkestre, inkludert London Symphony og Los Angeles Philharmonic.

I 1980 debuterte Pletnev som dirigent, og ti år senere, i 1990, opprettet han det uavhengige russiske nasjonale symfoniorkesteret (senere omdøpt til det russiske nasjonale symfoniorkesteret, RNO) på bekostning av utenlandske donasjoner og var frem til 1999 dets kunstneriske direktør, sjefdirigent og presidentfond. I 2008 ble Pletnev gjestedirigent i Symphony Orchestra of Italian Switzerland (Orchestra della Svizzera italiana). I 2006 opprettet Pletnev støttefondet nasjonal kultur. Fra 2006 til 2010 var Pletnev medlem av rådet under presidenten for den russiske føderasjonen for kultur og kunst, og fra 2007 til 2009 var han medlem av kommisjonen for den russiske føderasjonen for UNESCO.

Kasakhisk pianist, lærer, professor og rektor ved Kurmangazy Kazakh National Conservatory,

People's Artist of Kasakhstan, vinner av internasjonale konkurranser, professor

Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova ble født i 1957

Uteksaminert fra Alma-Ata State Conservatory. Kurmangazy, Moskva statskonservatorium. P. I. Tsjaikovskij og doktorgradsstudier (med professor L. N. Vlasenko).

Siden 1979 - konsertmester i staten akademisk teater opera og ballett Abai og en assistentpraktikant ved Moscow State Conservatory oppkalt etter A. P. I. Tsjaikovskij. 1981 - seniorlærer, førsteamanuensis, leder for den spesielle pianoavdelingen ved Alma-Ata State Conservatory. Kurmangazy. Siden 1983 har hun vært solist i Kazakh State Philharmonic. Jambula. Siden 1993 - Professor ved Almaty State Conservatory oppkalt etter. Kurmangazy. 1994 - "Author's School of Zhania Aubakirova" ble grunnlagt, og arbeidet med moderne pedagogiske metoder og teknologier. Siden 1997 - rektor ved Kazakh National Conservatory oppkalt etter Kurmangazy. Under hennes ledelse ble konservatoriet landets ledende musikkuniversitet og kultur- og utdanningssenter i republikken, og i 2001 ble det tildelt nasjonal status.

1998 - På initiativ av Zhania Aubakirova ble musikkbyrået Classics organisert, som holdt Kazakh Seasons i Frankrike med stor suksess, organiserte konserter i mer enn 18 land, spilt inn mer enn 30 CD-er, mer enn 20 musikalske filmer om kasakhstanske utøvere. 2009 - i november, Student Symphony Orchestra ved Kazakh National Conservatory oppkalt etter. Kurmangazy gjorde en omvisning på fem store byer USA: Los Angeles, San Francisco, Washington DC, Boston og New York. Unge musikere, sammen med deres rektor, People's Artist of the Republic of Kasakhstan Zhania Aubakirova, opptrådte i de mest kjente salene i verden - Kennedy Center og Carnegie Hall.

Solokonserter og opptredener av Zhania Aubakirova med kjente orkestre, som promoterer verdensmusikkklassikere og verk av kasakhiske komponister, holdes jevnlig i Kasakhstan, de største konsertsalene i Frankrike, England, Tyskland, Japan, Russland, Polen, Italia, USA, Israel, Hellas, Ungarn. Flotte haller Moskva Tchaikovsky Conservatory og St. Petersburg Philharmonic, Moscow House of Music.

Fremragende samtidspianist

Boris Berezovskyfødt i 1969

Han går inn på Moskva-konservatoriet i klassen til den fremragende pianisten Eliso Virsaladze. Etter en tid blir Berezovsky "trang" i klassen til Eliso Virsaladze, der bare det tradisjonelle repertoaret spilles, så han begynner å ta privattimer fra Alexander Sats. Sats åpner nye horisonter for russisk klassisk musikk for Boris Berezovsky. Med ham begynner Berezovsky å spille Medtner, mye Rachmaninoff og mange andre. Men Boris Berezovsky klarte aldri å fullføre studiene ved Moskva-konservatoriet, han ble utvist for å ha deltatt i Tchaikovsky-konkurransen under de avsluttende eksamenene. Men denne omstendigheten hindret ham ikke i å bli vår tids mest virtuose og ettertraktede utøver.

I mer enn et tiår har Boris Berezovsky opptrådt med de mest kjente orkestrene i verden: BBC Orchestra, London og New York Philharmonic Orchestra, New Japanese Philharmonic Orchestra, Birmingham og Philadelphia Symphony Orchestras. Berezovsky deltar stadig i forskjellige kammermusikkfestivaler, og hans solokonserter kan høres i Berlin og New York, Amsterdam og London. Flytende i engelsk og fransk.

Pianisten har en ganske omfattende diskografi. De siste innspillingene av konsertene hans har fått de høyeste rangeringene fra kritikere. Det tyske innspillingsforbundet deler ut høy utmerkelse sonater av Rachmaninov, tolket av Boris Berezovsky. En innspilling av Ravels verk kom inn på de klassiske hitlistene Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, Independent.

Boris Berezovsky er en gullmedaljevinner ved den 9. internasjonale Tsjaikovskij-konkurransen, han kalles den "nye Richter", Berezovskys lyd, med et gjennomsiktig pianissimo og et rikt spekter av dynamiske nyanser, er anerkjent som den mest perfekte blant pianistene i sin generasjon . I dag kan du oftere og oftere høre Boris Berezovsky på store konsertscener i Russland.

En av de inspirerte, intelligente utøverne, russisk pianist , lærer, solist Moscow State Philharmonic , Folkets kunstner i Russland

NikolathLvó hivengeŕ nsky ble født i1972

Hans spill klarte å absorbere alt det beste som den sentrale musikkskolen og konservatoriet i Moskva kunne tilby.

Denne inspirerte tolken, som har en strålende spilleteknikk, har nå en sjelden gave til kreativ tilnærming til materialet, en av de få, han er i stand til å bringe inn i verden en gnist av Gud i Beethovens verk, for å avsløre den sjeldne "inferal lyden " av Mozart, for å spille ethvert verdig materiale slik at den sløve tilskueren gjenoppdaget tusenvis av ganger spilte melodier i en helt annen inkarnasjon.

Nå i Russland er det mange fagfolk som kan vise høy klasse. Men på ingen måte dårligere enn eminente kolleger, er Lugansky fortsatt et unikt fenomen i russisk musikk.

Du kan spille klassikerne på forskjellige måter: hver skole - fransk, tysk, italiensk - tilbyr sin egen løsning på de høye oppgavene med en unik lyd.

Men enhver virkelig virtuos pianist "skaper sine egne klassikere", noe som er bevis på genialitet. I begynnelsen av sin musikalske karriere ble Nikolai Lugansky kalt "Richters pianist", da ble de også sammenlignet med Alfred Cortot.

Nikolai Lugansky er fortsatt et unikt fenomen i russisk musikk.

Berømt russisk pianist, klassisk musiker

Evgeny Igryevich Kissin ble født i 1971

I en alder av 6 gikk han inn på Gnessin musikkskole. Den første og eneste læreren er Anna Pavlovna Kantor.

Opprinnelig, som et vidunderbarn, opptrådte han under navnet Zhenya Kissin. I en alder av 10 opptrådte han for første gang med et orkester, og fremførte Mozarts 20. konsert. Et år senere ga han sin første solokonsert. I 1984 (i en alder av 12) fremførte han Chopins Piano Concertos 1 og 2 i Great Hall of the Moscow Conservatory.

I 1985 dro Evgeny Kissin til utlandet med konserter for første gang, i 1987 debuterte han i Vest-Europa på Berlin-festivalen. I 1988 opptrådte han sammen med Herbert von Karajan på nyttårskonserten til Berlin Philharmonic Orchestra, og fremførte Tsjaikovskijs første konsert.

I september 1990 debuterte Kissin i USA, hvor han fremførte Chopins konserter 1 og 2 med New York Filharmonisk orkester regissert av Zubin Mehta. En uke senere gir musikeren en solokonsert i Carnegie Hall. I februar 1992 deltok Kissin i Grammy Awards-seremonien i New York, som ble sendt på TV til et publikum på, ifølge estimater, en milliard seks hundre millioner seere. I august 1997 holdt han en konsert på Proms-festivalen i Londons Albert Hall, den første pianokvelden i festivalens mer enn 100-årige historie.

Kissin driver en intensiv konsertaktivitet i Europa, Amerika og Asia, og samler konstant fulle hus; har opptrådt med verdens ledende orkestre under dirigenter som Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeny Svetlanov, Yuri Temirka , Georg Solti og Maris Jansons; Kissins kammermusikkpartnere inkluderer Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalia Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern og andre.

Yevgeny Kissin holder også diktopplesninger på jiddisk og russisk. En CD med opptak av verk av moderne poesi på jiddisk fremført av E. Kisin "Af di keyboard fun yidisher poetry" (On the keys of Jewish poetry) ble utgitt i 2010. Ifølge Kissin selv har han hatt en sterk jødisk identitet siden barndommen og har lagt ut pro-israelsk materiale på sin personlige nettside.

Russisk pianist, offentlig person, People's Artist of Russia

Denis Leonidovich Matsuev ble født i 1975

Denis Matsuev tilbrakte barndommen i hjemlandet Irkutsk. født i kreativ familie, en gutt med tidlige år holdt på med musikk. Først dro han til byen allmennpedagogisk skole nr. 11 oppkalt etter V. V. Mayakovsky og begynte samtidig å gå på den lokale kunstskolen. I en alder av seksten år gikk Denis Matsuev inn på Irkutsk Musical College. Imidlertid skjønte han raskt at talentet hans trengte en mer grundig kutt. På familierådet ble det vedtatt å flytte til hovedstaden. Foreldre forsto at deres talentfulle sønn kunne ha en veldig vellykket kreativ biografi. Denis Matsuev flyttet til Moskva i 1990.

I 1991 ble han prisvinner av International Public Charitable Foundation kalt "New Names". Takket være denne omstendigheten besøkte han allerede i ungdommen mer enn førti land i verden med konsertopptredener. De viktigste menneskene kom for å lytte til hans virtuose spill: den engelske dronningen, paven og andre. I 1993 klarte Denis Matsuev å komme inn på Moskva statskonservatorium. Samtidig opptrådte han i programmene til New Names offentlige fond, som ble holdt under tilsyn av Denis beskytter, Svyatoslav Belz. I 1995 ble artisten akseptert som solist ved Moscow State Philharmonic. Dette tillot Denis Leonidovich å utvide omfanget av sin konsertvirksomhet.

Sammen med seieren i den ellevte internasjonale konkurransen oppkalt etter Pjotr ​​Iljitsj Tsjaikovskij, kom musikeren til verdensberømmelse. Denne skjebnesvangre hendelsen pyntet på biografien hans i 1998. Denis Matsuev har blitt en av de mest populære pianistene i verden. Hans virtuose opptredener skapte stor resonans i verden. Kunstneren begynte å bli invitert til de mest prestisjefylte begivenhetene. For eksempel opptrådte han ved avslutningen av OL i Sotsji.

Siden 2004 har Denis Matsuev presentert sitt personlige abonnement hvert år. I den, sammen med musikeren, opptrer de beste symfoniorkestrene i Russland og i utlandet.

Han gjør mye for landet sitt. I et forsøk på å innpode folk en kjærlighet til musikk, arrangerer artisten alle slags festivaler og konkurranser. Dessuten streber han etter å holde dem i forskjellige regioner i Russland, slik at alle innbyggerne i landet kan berøre den høye kunsten, høre den strålende fremføringen av de beste musikalske verkene.

Avslutningsvis oppsummerer vi hovedretningene og trendene i utviklingen av pianokunsten i det 21. århundre. I pianokunstens virtuose og meningsfulle områder finnes følgende faktorer som følger utviklingen: fokus på kvaliteten og estetikken til lydopptak, en økning i uttrykksevnen til tonekonjugering, en utvidelse av muligheter innen agogikk og klangfarge. , en nedgang i tempo og en nedgang i gjennomsnittlig dynamisk ytelsesnivå, og polyfonisering av tekstur. Disse faktorene bidrar til vekst av dybde og moderne fornyelse av innholdssiden i forestillingen. Sammen med dette oppdateres pianokonsertrepertoaret på grunn av oppdagelsen av nye svært kunstneriske verk som ikke har vært verdsatt før.

Likevel er det intonasjonens generalisering og meningsfullhet som er hovedtrendene i utviklingen av pianokunsten i det 21. århundre.

Denne listen over utøvende pianister viser at pianoet gir nesten ubegrenset inspirasjon. I tre århundrer har utøvere av pianomusikk gledet lyttere og inspirert dem til sine egne bedrifter i musikkens verden.

Uansett hvilken tid musikeren tilhører, gjorde ikke bare talentet ham stor, men også hans fullstendige oppløsning i musikken!!!

PSEtter å ha studert litteraturen om dette problemet, kom vi til den konklusjon at utviklingen av pianoskoler fra det øyeblikk de ble dannet til vår tid skyldtes den åndelige allsidigheten til mesterens personlighet, og pedagogiske søk fungerte som et kreativt grunnlag og faktisk en insentiv for kreativitet. Progressive opplysningsmusikere støttet alt som de anså som verdifullt i kunsten; høye samfunnsidealer, misjonært formål med kreativitet.

Tanken på store utøvende musikere og lærere har alltid vært rettet mot utviklingen av undervisningsprinsipper som samsvarer med ideer om oppgavene til å utføre. Dette bestemte i stor grad innholdet i vitenskapelige arbeider viet til å spille instrumentet.

De eldgamle avhandlingene fra clavierismens epoke snakket om å komponere musikk, teknikken for improvisasjon og arrangement av musikalske komposisjoner, sitteplasser ved instrumentet, fingersetting og spillereglene. Alt dette forklares av det faktum at i pre-piano-epoken var komponisten utøveren, og gjorde lytterne kjent med sine egne verk og med sin mestring av improvisasjon. Yrket som utøver-tolk (men ikke komponist av musikk) i disse årene var ennå ikke pekt ut som en spesiell form for musikerens kreative aktivitet. Først på 1800-tallet, sammen med regjeringstiden til et nytt instrument på konsertscenen - pianoet - og en lidenskap for spillets virtuositet, var det en gradvis differensiering av musikere, komponister, utøvere og lærere som lærer å spille dette instrumentet.

Innholdet har også endret seg mye. vitenskapelige arbeider i musikkkunst. I ulike studier, lærebøker og arbeider om undervisningsmetoder ble alle problemstillinger knyttet til musikalsk kreativitet, fremføring og pedagogikk ikke lenger vurdert. Temaet for hvert verk var bare et hvilket som helst eget område av musikkologi. Forfatterne av bøker om pianokunst var hovedsakelig interessert i spørsmålene om å mestre pianoteknikk, og de fleste av de metodiske verkene og manualene var viet til disse emnene. Således ble teoretiske arbeider om pianoframføring i mange år redusert til problemene med å etablere rasjonelle spilleteknikker som gjør det mulig å oppnå virtuos teknikk. Først på slutten av 1800- og på 1900-tallet vendte fremragende musikere seg til scenekunstens kunstneriske spørsmål, som bestemte oppgavene med tolkning, forståelse av stilen og innholdet i musikalske verk. Disse oppgavene var også knyttet til spørsmål om teknikken for å spille piano. Lærerens viktigste mål var å utdanne en musiker hvis scenekunst ikke er en demonstrasjon av teknisk dyktighet, men evnen til å formidle den innerste betydningen av et kunstverk i levende, figurative uttrykksformer.

Å anerkjenne verdens eneste beste moderne pianist er en umulig oppgave. For hver kritiker og lytter vil ulike mestere være idoler. Og dette er menneskehetens styrke: verden inneholder et betydelig antall verdige og talentfulle pianister.

Agririch Marta Archerich

Pianisten ble født i den argentinske byen Buenos Aires i 1941. Hun begynte å spille instrumentet som treåring, og som åtteåring debuterte hun offentlig, hvor hun fremførte en konsert av Mozart selv.

Den fremtidige virtuose stjernen studerte med lærere som Friedrich Gould, Arturo Ashkenazy og Stefan Michelangeli - en av de mest fremragende klassiske pianistene i det 20. århundre.

Siden 1957 begynte Argerich å delta i konkurrerende aktiviteter og vant den første store gevinster: 1. plass i Geneve Piano Competition og Busoni International Competition.

Den virkelig fantastiske suksessen kom imidlertid til Marta i det øyeblikket hun, i en alder av 24, kunne vinne den internasjonale Chopin-konkurransen i byen Warszawa.

I 2005 vant hun den høyeste Grammy-prisen for sin fremføring av kammerverk av komponistene Prokofiev og Ravel, og i 2006 for sin fremføring av Beethovens verk med orkesteret.

Også i 2005 ble pianisten tildelt Imperial Japanese Prize.

Hennes ivrige spill og fantastiske tekniske data, ved hjelp av hvilken hun mesterlig fremfører verkene til russiske komponister Rachmaninov og Prokofiev, kan ikke la noen være likegyldige.

En av de mest kjente samtidspianistene i Russland er musikeren Evgeniy Igorevich Kisin.

Han ble født 10. oktober 1971 i Moskva, i en alder av seks gikk han inn på Gnessin musikkskole. Kantor Anna Pavlovna ble hans første og eneste lærer for livet.

Siden 1985 begynte Kissin å demonstrere talentet sitt i utlandet. I 1987 debuterer han i Vest-Europa.

Etter 3 år erobrer han USA, hvor han fremfører Chopins 1. og 2. konsert med New York Philharmonic Orchestra, og en uke senere opptrer han i soloformat.

En annen av de mest fremragende moderne russiske virtuose pianistene er den berømte Denis Matsuev.

Denis ble født i byen Irkutsk i 1975 i en familie av musikere. Foreldre fra tidlig alder lærte barnet å kunst. Guttens første lærer var bestemoren Vera Rammul.

I 1993 gikk Matsuev inn i Moskva statskonservatorium, og ble to år senere den ledende solisten i Moskva statsfilharmoniske orkester.

Han fikk verdensomspennende berømmelse etter å ha vunnet den internasjonale Tchaikovsky-konkurransen i 1998, da han bare var 23 år gammel.

Han foretrekker å kombinere sin innovative tilnærming til å spille med tradisjonene til den russiske pianoskolen.

Siden 2004 har han holdt en serie konserter kalt "Soloist Denis Matsuev", og inviterte innenlandske og utenlandske ledende orkestre til å samarbeide med ham.

Christian Zimmerman

Christian Zimmerman (født 1956) er en berømt samtidspianist av polsk opprinnelse. I tillegg til å være instrumentalist, er han også dirigent.

Hans tidlige musikktimer ble undervist av faren, en amatørpianist. Så fortsatte Christian studiene hos læreren Andrzej Jasinski i privat format, og flyttet deretter til Katowice-konservatoriet.

Han begynte å gi sine første konserter i en alder av 6 år og i 1975 vant han Chopin Piano Competition, og ble dermed den yngste vinneren i historien. I løpet av det neste året finpusset han pianoferdighetene sine med den berømte polske pianisten Artur Rubinstein.

Christian Zimmermann regnes som en genial utøver av Chopins verk. Diskografien hans inkluderer innspillinger av alle klaverkonserter av Ravel, Beethoven, Brahms og, selvfølgelig, hans viktigste idol - Chopin, samt lydopptak av komposisjoner av Liszt, Strauss og Respiha.

Siden 1996 har han undervist ved Basel Academy of Music. Mottok Oscar-utdelingen Kiji og Leonie Sonning.

I 1999 opprettet han det polske festivalorkesteret.

Wang Yujia er en kinesisk representant for pianokunsten. Hun fikk berømmelse takket være sitt virtuose og utrolig raske spill, som hun ble tildelt pseudonymet for - "Flying Fingers".

Fødestedet til den kinesiske moderne pianisten er byen Beijing, hvor hun tilbrakte barndommen i en familie av musikere. I en alder av 6 begynte hun på testene på tastaturet, og et år senere gikk hun inn på Central Conservatory of the Capital. I en alder av 11 ble hun registrert for å studere i Canada og etter 3 år flyttet hun endelig til et fremmed land for videre utdanning.

I 1998 mottok hun prisen for den internasjonale konkurransen for unge pianister i byen Ettlingen, og i 2001, i tillegg til den ovenfor beskrevne prisen, ga dommerpanelet Van en pris på 500 000 yen for pianister under 20 år. (300 000 i rubler).

Pianisten spiller også med suksess av russiske komponister: hun har Rachmaninoffs andre og tredje konsert, samt Prokofjevs andre konsert.

Fazıl Say er en tyrkisk samtidspianist og komponist født i 1970. Han studerte ved Ankara Conservatory, og deretter i byene Tyskland - Berlin og Düsseldorf.

Det er verdt å merke seg, i tillegg til hans pianoaktiviteter, hans komponistkvaliteter: i 1987 ble pianistens komposisjon "Black Hymns" fremført til ære for 750-årsjubileet for byen.

I 2006 fant premieren på balletten hans «Patara» sted i Wien, skrevet på bakgrunn av Mozarts tema, men allerede en pianosonate.

To komponister inntar en viktig plass i Says utøvende pianorepertoar: musikalske titanene Bach og Mozart. På konserter veksler han klassiske komposisjoner med sine egne.

I 2000 gjorde han et uvanlig eksperiment, og risikerte å spille inn balletten "The Rite of Spring" for to pianoer, og fremførte begge delene med egen hånd.

I 2013 ble han under en straffesak for uttalelser på et sosialt nettverk knyttet til temaet islam. Istanbul-domstolen konkluderte med at musikerens ord var rettet mot den muslimske troen og dømte Fazil Say til 10 års prøvetid.

Samme år la komponisten inn en begjæring om ny rettssak, og dommen ble igjen bekreftet i september.

Annen

Det er rett og slett ikke mulig å fortelle om alle moderne pianister i én artikkel. Derfor vil vi liste opp de hvis navn er viktige i dag i verden av klassisk musikk:

• Daniel Barenboim fra Israel;
• Yundi Li fra Kina;
• Fra Russland;
• Murray Perahia fra USA;
• Mitsuko Uchida fra Japan;
• fra Russland og mange andre mestere.

Hver klassisk musikkelsker kan nevne sin favoritt.

Alfred Brendel var ikke et vidunderbarn, og foreldrene hans hadde ingenting med musikk å gjøre. Karrieren hans begynte uten mye oppstyr og utviklet seg sakte. Kanskje dette er hemmeligheten bak hans lange levetid? I begynnelsen av dette året fylte Brendel 77 år, men konsertplanen hans inkluderer noen ganger 8-10 forestillinger i måneden.

Alfred Brendels soloforestilling i Mariinsky-teatrets konserthus er annonsert 30. juni. Den offisielle nettsiden til pianisten til denne konserten ble ikke funnet. Men det er en dato for den kommende Moskva-konserten, som finner sted 14. november. Imidlertid utmerker Gergiev seg ved sin evne til å løse uløselige problemer.

LES OGSÅ:

En annen utfordrer til førsteplassen i den improviserte vurderingen er Grigory Sokolov. Det er i hvert fall det de sier i St. Petersburg. Som regel, en gang i året, kommer Sokolov til hjembyen og gir en konsert i Great Hall of St. Petersburg Philharmonic (den siste var i mars i år), han ignorerer like regelmessig Moskva. I sommer spiller Sokolov i Italia, Tyskland, Sveits, Østerrike, Frankrike, Portugal og Polen. På programmet står sonater av Mozart og preludier av Chopin. Krakow og Warszawa, dit Sokolov vil nå i august, vil bli de nærmeste punktene på ruten til Russland.
Det er verdt å kalle Martha Argerich den beste pianisten blant kvinner, noen vil sikkert innvende: blant menn også. Fans av den temperamentsfulle chileneren er ikke flau over pianistens plutselige humørsvingninger eller hyppige avlysninger av konserter. Uttrykket «en konsert er planlagt, men ikke garantert» handler bare om henne.

Martha Argerich vil tilbringe denne juni, som vanlig, i den sveitsiske byen Lugano, hvor hennes egen musikkfestival vil finne sted. Programmer og deltakere endres, men én ting forblir uendret: hver kveld deltar Argerich selv i fremføringen av et av verkene. I juli opptrer Argerich også i Europa: på Kypros, Tyskland og Sveits.

Kanadiske Marc-André Hamelin blir ofte omtalt som arvingen til Glen Gould. Sammenligningen er halt på begge bena: Gould var en eneboer, Hamelin turnerer aktivt, Gould er kjent for sine matematisk beregnede tolkninger av Bach, Hamelin markerer returen til den romantiske virtuose stilen.

I Moskva opptrådte Marc-André Hamelin så sent som i mars i år under samme sesongkort som Maurizio Pollini. I juni turnerer Hameln Europa. Planen hans inkluderer solokonserter i København og Bonn og en opptreden på en festival i Norge.

Hvis noen ser Mikhail Pletnev spille piano, informer umiddelbart nyhetsbyråene, og du vil bli forfatteren av en verdenssensasjon. Grunnen til at en av de beste pianistene i Russland avsluttet sin utøvende karriere kan ikke det vanlige sinn forstå - hans siste konserter var like storslåtte som vanlig. I dag kan Pletnevs navn bare finnes på plakater som dirigent. Men vi får fortsatt håpe.
En seriøs gutt i et pionerbånd utover årene - slik huskes Yevgeny Kissin fortsatt, selv om verken pionerene eller den gutten har blitt nevnt på lenge. I dag er han en av de mest populære klassiske musikerne i verden. Det var ham Pollini en gang kalte den flinkeste av musikerne i den nye generasjonen. Teknikken hans er praktfull, men ofte kald – som om musikeren hadde mistet barndommen og ikke kunne finne noe veldig viktig.

I juni turnerer Evgeny Kissin i Sveits, Østerrike og Tyskland med Kremerata Baltica-orkesteret og spiller Mozarts 20. og 27. konserter. Neste turné er planlagt til oktober: i Frankfurt, München, Paris og London vil Kissin følge Dmitry Hvorostovsky.

Arkady Volodos er en annen av de "sinte unge menneskene" i dagens pianisme som fundamentalt sett avviser konkurranser. Han er en ekte verdensborger: han ble født i St. Petersburg, studerte i fødebyen, deretter i Moskva, Paris og Madrid. Først kom innspillingene til den unge pianisten, utgitt av Sony, til Moskva, og først da dukket han opp selv. Det ser ut til at hans årlige konserter i hovedstaden er i ferd med å bli regelen.

Arkady Volodos startet juni med en opptreden i Paris, om sommeren kan han høres i Salzburg, Rheingau, Bad Kissingen og Oslo, samt i den lille polske byen Dushniki på den tradisjonelle Chopin-festivalen.

Ivo Pogorelich vant internasjonale konkurranser, men hans nederlag ga ham verdensberømmelse: i 1980 fikk ikke en pianist fra Jugoslavia delta i den tredje runden av Chopin-konkurransen i Warszawa. Som et resultat forlot Martha Argerich juryen, og berømmelse falt over den unge pianisten.

I 1999 sluttet Pogorelich å opptre. Det sies at årsaken til dette var hindringen som pianisten ble utsatt for i Philadelphia og London av misfornøyde lyttere. I følge en annen versjon var årsaken til musikerens depresjon døden til hans kone. Pogorelich har nylig kommet tilbake til konsertscenen, men opptrer svært lite.

Den siste posisjonen på listen er den vanskeligste å fylle. Tross alt er det fortsatt så mange utmerkede pianister igjen: den polskfødte Christian Zimmerman, amerikaneren Murray Peraia, japaneren Mitsuko Ushida, koreaneren Kun Wu Pek eller kineseren Lang Lang. Vladimir Ashkenazy og Daniel Barenboim fortsetter karrieren. Enhver musikkelsker vil kåre sin favoritt. Så la én plass blant de ti beste forbli ledig.

1. Jamie Cullum (Jamie Cullum) Popularitet - 1,95 millioner | Født 20.08.1979 | Storbritannia Kjent for sin karisma og den høyeste dyktigheten til en jazzpianist og vokalist. I utgangspunktet blir han presentert som en «performer», det vil si som en person som først og fremst lager show på konserter. Flere ganger anerkjent av ulike publikasjoner som årets beste jazzutøver. Og bare favorittmusikeren min :)

Et av favoritt-"triksene" er å klatre med føttene på pianoet og synge derfra, tappe rytmer på pianoet, mikse alt med beatbox. Han skriver og fremfører hovedsakelig musikk i stilen pop jazz, spiller fantastiske og originale cover av både 30-tallssanger og sanger fra de siste årene, for eksempel Rihannas sang (Rihanna) "Please Don" t Stop The Music ". Du kan også finne mange innspillinger jazz standarder i opptredenen hans, for eksempel "I" ve Got You Under My Skin "eller" Devil May Care ".

Platina album Jamie Cullum"Twentysomething" ble i 2003 (og er fortsatt) det mest solgte britiske jazzalbumet gjennom tidene. De siste albumene «The Pursuit» og «Momentum» (for noen måneder siden var jeg på presentasjonen av dette albumet i London under hans verdensturné) mer til popmusikk enn til klassisk jazz. Legg merke til det melodiske og fullstendige i alle improvisasjonene hans, samt de funky riffene han bruker når han spiller alene.

2. Keith Jarrett (Keith Jarrett) Popularitet - 3,55 millioner | Født 05.08.1945 | USA Keith er kjent ikke bare som en av vår tids beste jazzpianister og improvisatorer, men også som utøver av det klassiske pianorepertoaret. Han er også komponist: allerede som 7-åring ga han sin første konsert, der han fremførte 2 egne komposisjoner, og som 17-åring holdt han en konsert som helt bestod av egne verk.

Keith Jarretts jazzimprovisasjoner er blant de mest gjenkjennelige. Melodiene hans er organiske og oppriktige, noe som bare er verdt hans "sutring" under spillet (han er vanligvis til og med utstyrt med mikrofoner for sikkerhetskopiering). Under utførelsen av de mest emosjonelle øyeblikkene reiser han seg og rister rørende. I ungdommen hadde han på seg en afro-hårklipp, spilte med Miles Davis. Vinner av mange internasjonale jazzpriser.

3. Bill Evans (Bill Evans)Popularitet - 97,70 millioner | Født 16.08.1929 | USA En av de viktigste jazzmusikerne på 1900-tallet. Han ga et stort bidrag til utviklingen av jazz. Harmoniene og soloene hans er sofistikerte til det ytterste, men samtidig er de lett å oppfatte og lytte til. Over 30 Grammy-nominasjoner og 7 seire. Han mottok en av prisene posthumt.

Denne jazzutøveren er inkludert i jazzpantheon of fame. Genialiteten i kunsten hans. Når han spiller føles det som om han er ett med instrumentet. Hva burde jeg si? Se og hør selv:

4. Herbie Hancock (Herbie Hancock) Popularitet - 4,79 millioner | Født 04.12.1940 | USA Herbie - jazzpianist, som i dag med rette regnes som vår tids mest innflytelsesrike jazzpianist. Han har 14 Grammy-priser, har spilt inn mer enn 45 studioalbum, er kjent for å bruke synthesizer og kitar (keytar eller "comb", en synthesizer i form av en gitar).

Denne pianisten var en av de første som brukte en synthesizer under soloopptredener. Pianoriffene hans er så pumpende at noen av dem ville være ønskelige å høre som motiverende musikk under inntoget i ringen av tungvektsboksere. Stilen Herbie spiller i er jazz med elementer av fusion, rock, soul. Regnes som en av grunnleggerne av post-bop. Han spilte med Miles Davis, Marcus Miller, og det er faktisk vanskelig å nevne en musiker i verdensklasse som Herbie Hancock ikke ville ha felles prosjekter med. Musikeren er så mangfoldig at mange av innspillingene hans ved første øyekast ser ut til å bli spilt av en slags eksperimenter, og noen av romantiske pianister. Jeg anbefaler alle musikere å studere arbeidet hans nøye, jeg lastet en gang ned alle albumene hans, fra 60-tallet og sporet hele hans musikalsk karriere. Denne tilnærmingen lar deg se utviklingen av musikerens arbeid, som er veldig informativ og interessant. Mens du lytter, vær oppmerksom på hva slags freaky lyder han velger på synthesizeren. For meg er Herbie en av mine favoritt keyboardspillere.

5. Ray Charles (Ray Charles) Popularitet - 170 millioner | Født 23.10.1930 | Døde i 2010 | USA En av tidenes mest kjente og betydningsfulle musikere. Vinner av 17 Grammy Awards. Hovedområdene for kreativitet er soul, R "n B, jazz. Som en 7 år gammel gutt var han blind og hadde ikke sett hele livet. Han holdt mer enn 10 tusen konserter hvor han sang og spilte piano En legendarisk mann.

Ray Charles har en ekstraordinær måte å fremføre vokalpartiene på, forvandler skrik, stønn, utrop og fnis til musikk, og legger vekt på alt med rytmisk jazzpiano og fengende kroppsbevegelser, og er en av de mest betydningsfulle skikkelsene innen musikk på 1900-tallet. Forfatter av over 70 album. Som multiinstrumentalist foretrekker Ray fortsatt piano fremfor andre instrumenter. Delene hans er så gjennomtenkte og organiske at det virker umulig å fjerne eller legge til en enkelt tone. Betraktes med rette som en av de beste jazzpianister og vokalister siste århundre.

6 Bob JamesPopularitet - 447,00 millioner | Født 25.12.1939 | USA Den mest populære pianisten i denne samlingen. Medlem av Fourplay-gruppen, vinner av 2 Grammy-priser. Komponist, pianist, arrangør, musikkprodusent. en av tidenes mest kjente jazzmusikere.

Musikken hans er så mangfoldig at det er verdt å bruke noen uker på å studere arbeidet hans.

7. Chick Corea (Chick Corea) Popularitet - 2,38 millioner | Født 06.12.1941 | USA Genialiteten til klassiske og latinamerikanske jazzmotiver. Vinner av mange internasjonale priser, inkludert Grammy. Chick Coreys komposisjoner blant musikere anses som svært seriøse og vanskelige å fremføre. Mange kaller musikken hans den høyeste matematikken. Han elsker romslige fargerike skjorter.

Du må være åndelig og intellektuelt forberedt på musikken til Chick Corey. Melodiene hans er melodiøse, noen ganger dramatiske og vanskelige å oppfatte første gang. I løpet av spillet bruker han ikke-standardintervaller (for eksempel sekunder), som, når de spilles av andre musikere, ofte kutter øret. Men når Chick spiller instrumentet, er musikken hans så fengslende med sin melodi, kompleksitet og samtidig ekstraordinære «luftighet» at lytteren rett og slett glemmer alt og går i en slags transe, etter den store pianistens hender.

8. Norah Jones (Norah Jones)Popularitet - 7,0 millioner | Født 30.03.1979 | USA Mild og samtidig veldig seriøs jazzpianist og vokalist, skuespillerinne. Han fremfører sangene sine, har en minneverdig stemme.

Denne sangeren og pianisten er en skjør jente i utseende, men innvendig har hun en solid kjerne av en ekte jazzspiller. Vær oppmerksom på det søte ansiktet hennes under forestillingen. Jeg liker å tegne og tenke mens jeg hører på konsertene hennes.

P.S. Hvis du liker Norah Jones, tror jeg nok du vil like Ketie Melua også, hun er også en veldig sjelfull sanger.

9. Greve BasiePopularitet - 2,41 millioner | Født 21.08.1904 | USA Storbandleder, virtuos pianist, organist. Han ga et betydelig bidrag til utviklingen av swing og blues. Han lot musikerne i orkesteret hans fritt improvisere, noe som var et av de seriøse trumfkortene til orkesteret hans.

Lytt til dette sekstitallsjazzorkesteret, fordyp deg i datidens jazz.

10. Oscar Peterson (Oscar Peterson) Popularitet - 18,5 millioner | Født 15.08.1925 | Døde i 2007 | Canada Oscar Peterson er en legende innen verdensjazz. En virtuos pianist, komponist og lærer spilte han med slike verdensjazzlegender som Ella Fitzgerald og Louis Armstrong. Et av torgene er oppkalt etter Peterson i Toronto.

Fenomenal spillehastighet, virtuose originale bebop-passasjer, harmoniske akkorder, enorme fingre og torsostørrelse gjør Oscar Peterson til en av verdensjazzens mest minneverdige skikkelser. Man kan ofte høre fra moderne smooth-jazz-musikere at det ikke er nødvendig å "vanne noter", det er nok å spille en tone, og hvis den er riktig valgt og spilt der det er nødvendig, er dette nok for et musikalsk mesterverk. Når det gjelder Oscar Peterson, blir det åpenbart at 10-15 toner spilt på 1 sekund, men spilt slik Oscar gjør, også er musikalsk mesterverk. Tallrike jazzpublikasjoner skriver fortsatt at Oscar Peterson - beste jazzpianist Det 20. århundre.

11. Lennie Tristano (Lenny Tristano)Popularitet - 349 tusen | Født 19.03.1919 | USA Den berømte blinde pianisten ga et betydelig bidrag til utviklingen av jazzmusikk. Innspilt med Charlie Parker, vinner av mange priser, flere ganger anerkjent av forskjellige magasiner som årets beste pianist. Ved slutten av livet fokuserte han helt på å undervise i musikk.

Dessverre er ikke Lenny Tristanos konserter så lette å finne, men etter å ha lyttet til hans spill, vil du bli hans fan. I tillegg til den utmerkede lyden, er jeg også slått av skjønnheten i hans spill. Ja, det er vakkert! Se de lange fingrene hans mens du spiller, de er som levende skapninger som danser på tastene!

12. Michel PetruccianiPopularitet - 1,42 millioner | Født 28.12.1962 | Frankrike Kjent jazzpianist. Diskografien hans inkluderer mer enn 30 album. Han døde i en alder av 37 år av en medfødt sykdom.

Jeg elsker improvisasjonene hans, vokser hvert minutt og utvikler seg til energiske passasjer med alvorlige avvik i harmoni.

13 Brian Cullbertson Popularitet - 1,66 millioner | Født 01.12.1973 | USA En av de beste smooth jazzpianistene, spiller også trombone. Vinner av en rekke priser, forfatter av mer enn 13 album.

For å være ærlig var jeg bare i stand til å tenke nytt om arbeidet hans for noen år siden da jeg hørte på noen av funkplatene hans. Før det hadde jeg bare hørt ham i smooth-jazz-stilen, og til tross for det høye ytelsesnivået syntes jeg lyden av jazz var litt kommersiell. Senere bestemte jeg meg for å bli bedre kjent med denne jazzpianisten og lyttet mer nøye til flere av hans konserter og album. Komposisjonene So Good og Back In The Day, samt måten pianisten blander lette jevne melodier med funky aggressive passasjer, gjorde så sterkt inntrykk på meg at Brian Culbertson er en av de beste jazzpianistene i dag. Legg merke til i opptaket nedenfor hvor godt bandet hans spiller. Jeg lyttet til denne videoen dusinvis av ganger, og hver gang oppdaget jeg noe nytt i arrangementet og soloen. Denne jazzpianisten spiller forresten nesten alltid stående, vendt mot publikum.

14. Thelonius Monk (Thelonius Monk)Popularitet - 1,95 millioner | Født 10.10.1917 | USA En av grunnleggerne av bebop, komponist og pianist. Har en superoriginal spillestil. uten denne musikeren ville moderne jazz kanskje ikke funnet sted. På en gang ble han ansett som en avantgarde, primitivist og skaper av nye eksperimentelle jazztrender.

Vær oppmerksom på fingrene hans - de ser ikke ut til å bøye seg! Lytt til notene hans, til tross for den store overfloden av intervaller som er uforståelige ved første øyekast, kan du spore den klare melodien han leder. Denne pianisten hadde en betydelig innflytelse på meg. Han elsket forresten å spille i hatt, det ser flott ut.

15. Diana Krall (Diana Krall)Popularitet - 3,4 millioner | Født 16.11.1964 | Canada Profesjonell jazzpianist, anerkjent gammeldags jazzmusikk. Hun fremfører for det meste klassisk jazz, vinneren av 3 Grammy-priser, i forskjellige år ble hun anerkjent som den beste jazzutøveren.

Denne jazzutøveren ble født og oppvokst i en musikalsk familie, foreldrene og bestemoren hennes var musikere, og selvfølgelig, siden barndommen ble Diana innpodet med en kjærlighet til musikk, spesielt jazz. Stemmen hennes har en sjel, hør så skjønner du hva jeg mener.

Jeg vil igjen bemerke at dette utvalget ikke hevder å være komplett, siden det rett og slett er umulig å fortelle om alle de betydelige figurene til det moderne jazzpianoet innenfor rammen av en artikkel. Likevel håper jeg at jeg klarte å plassere hovedaksentene.

Skriv gjerne i kommentarfeltet, om hvilke andre emner bør slike innledende gjennomganger gjøres, er denne formen for anmeldelse egnet?

Spesialiserer seg på pianofremføring av musikalske verk.

Et interessant faktum er at det er spesielt viktig for yrket som pianist å begynne å spille musikk i en veldig tidlig alder, rundt tre eller fire år gammel. Deretter dannes en "bred" form av håndflaten, som i fremtiden bidrar til å spille mesterlig.

Avhengig av utviklingstiden for pianomusikk, ble det noen ganger stilt diametralt motsatte krav til pianister. I tillegg krysser yrket som musiker uunngåelig. De fleste pianister komponerer pianostykker selv. Og bare sjeldne virtuoser klarte å bli berømte ved å fremføre utelukkende andres melodier.

I alle fall, som enhver musiker, er det viktig for en pianist å være oppriktig og emosjonell, å kunne løse seg opp i musikken han fremfører. Ifølge Harold Schonberg, den berømte musikkritiker, er ikke bare et instrument, det er en livsstil, som betyr at meningen med en pianists liv ikke bare er musikk, men musikk for pianoets skyld.

Mozart, Liszt og Rachmaninov - klassikere innen pianokunst

Historien til pianomusikk er ganske interessant. Det er flere stadier i den, som hver har sine egne tradisjoner. Tidens kanoner ble ofte satt av en (sjelden flere) som mesterlig spilte instrumentet (først var det cembalo, og senere piano).

Derfor, ved å fremheve tre epoker i pianismens historie, er de oppkalt etter de mest kjente komponistene - Mozart, Liszt og Rachmaninov. I historikernes tradisjonelle terminologi var dette henholdsvis klassisismens epoker, deretter romantikken og den tidlige modernismen.

Bemerkelsesverdige pianister fra 1700- og 1800-tallet

I hver av disse periodene arbeidet også andre pianister, mange av dem var samtidig komponister av musikkverk og satte et uutslettelig preg på pianomusikkens historie. Dette er to av de tre «wienerklassikerne» Schubert og Beethoven, tyskerne Brahms og Schumann, polakken Chopin og franskmannen Charles Valentin Alkan.

Johannes Brahms

I denne perioden ble pianister først og fremst pålagt å kunne improvisere. Yrket som pianist var nært knyttet til komponering. Og selv når han fremførte andres verk, ble hans egen tolkning, en fri tolkning, ansett som riktig. I dag vil en slik forestilling anses som smakløs, feil, til og med udugelig.

Bemerkelsesverdige pianister fra det 20. og 21. århundre

Det 20. århundre er pianokunstens storhetstid. Denne perioden er uvanlig rik på eksepsjonelt talentfulle, fremragende pianister.

På begynnelsen av 1900-tallet ble Hoffmann og Cortot, Schnabel og Paderewski kjente. Og selvfølgelig Rachmaninov, sølvalderens geniale, som markerte en ny æra ikke bare innen pianomusikk, men også i verdenskulturen generelt.

Andre halvdel av 1900-tallet er epoken for så kjente pianister som Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff ...

Svyatoslav Richter

Fortsette sin musikalske kreativitet på begynnelsen av det 21. århundre slik fremragende pianister som amerikaneren Van Cliburn, som ble den første vinneren av den internasjonale Tchaikovsky-konkurransen tilbake i 1958. Det er verdt å nevne musikeren som vant den samme konkurransen året etter - den mest populære poppianisten Vladimir Ashkenazy.