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Artistas do Renascimento Espanhol. Renascimento na Espanha

Novo palco no desenvolvimento da Renascença espanhola, a chamada alta Renascença, refere-se à segunda metade do século XVI - início do século XVII. Agindo de acordo com os estritos princípios da Contra-Reforma (desde 1545), Filipe II (1527-1598) perseguiu os pensadores progressistas, ao mesmo tempo que incentivou desenvolvimento cultural, fundando uma biblioteca no Escorial e apoiando muitas universidades. Pessoas criativas e pensantes, privadas da oportunidade de se expressarem na filosofia e no jornalismo, recorreram à arte, pelo que esta sobreviveu na segunda metade dos séculos XVI-XVII. um florescimento sem precedentes, e esta época foi chamada de "idade de ouro". As ideias seculares do humanismo em alguns poetas e escritores estavam entrelaçadas com motivos religiosos.

Na segunda metade do século XVI até a década de 30 do século XVII. prevalece a poesia - lírica e épica. Além disso, os romances pastorais eram populares, romance realista e drama. Na poesia lírica espanhola, existiam duas escolas poéticas opostas - Sevilha e Salamanca. Fernando de Herrera (1534-1597) e outros poetas da escola de Sevilha preferiam letras de amor, terrenas e sensuais, nas quais motivos civis muitas vezes soavam e soavam.

À frente da escola de Salamanca estava o monge agostiniano e professor de teologia Luis de León (1527-1591), o fundador da poesia dos "místicos". Em oposição à Igreja Católica, os místicos defendiam caminho individual conhecimento de Deus, fundindo-se com Ele. Os representantes mais destacados desta tendência são Teresa de Cepeda y Aumada (1515-1582), conhecida como Santa Teresa de Jesus, e Juan de la Cruz (1542-1591), que pertencia à ordem carmelita. O dominicano Luis de Granada (1504-1588), que escreveu em latim, português e espanhol, também se juntou aos “místicos”.

A admiração pela poesia antiga, considerada de alto padrão, despertou o desejo de criar obras no espírito dos poemas épicos de Homero e Virgílio. A tentativa mais bem-sucedida foi feita por Alonso de Ercilla i Zúñiga (1533-1594), que escreveu Araucano.

Segunda metade do século XVI marcado pelo florescimento do romance pastoral. O ancestral do gênero na Espanha foi o português Jorge de Montemayor (c. 1520-1561), que escreveu Os Sete Livros de Diana (1559), seguido de muitas sequências, por exemplo, Diana Apaixonada (1564) de Gaspar Gil Polo (1585), bem como Galatea (1585) de Cervantes e Arcadius (1598) de Lope de Vega.

Ao mesmo tempo, surgiram romances “mouriscos”, dedicados à vida dos mouros: a anónima História de Abenserrach e a bela Kharifa e Guerras civis em Granada (parte I - 1595, parte II - 1604) por Gines Perez de Ita. Graças à obra de Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), que se revelou em vários géneros literários, a literatura espanhola ganhou fama mundial. Sua obra imortal é o romance O Astuto Hidalgo Dom Quixote de La Mancha, concebido como uma paródia de romances de cavalaria daquela época, tornou-se um dos monumentos mais marcantes da literatura mundial.

Nesta época, a formação da Espanha drama nacional. Os seus traços característicos foram mais plenamente concretizados na obra de Lope F. de Vega Carpio (1562-1635). A visão de mundo de Lope de Vega, inovador no campo da dramaturgia, combinou ideias humanísticas e patriarcais. Ele delineou suas opiniões sobre o drama no tratado A nova arte de compor comédias em nosso tempo (1609). Lope de Vega - o criador do drama de honra, em suas obras aparece antecipando o classicismo do século XVII. a ideia da falta de liberdade de uma pessoa, pois a honra para ela acaba sendo mais importante que as paixões. Suas comédias podem ser condicionalmente divididas em três grupos - "comédias de corte", "comédias de capa e espada" e "comédias de má moral". Influenciou dramaturgos como Guillen de Castro y Belvis (1569-1631), Antonio Mira de Amescua (1574-1644), Luis Vélez de Guevara (1579-1644).

No início do século XVII. A Espanha manteve a sua posição de líder mundial, mas a situação económica deteriorou-se acentuadamente, apesar do enorme influxo de ouro da América colonial. Na fase final do Renascimento, muitas vezes identificada como um período especial do Barroco, prevaleceu a tendência de interpretar o que acontecia no país como consequência da inclinação maligna do homem, ideia consoante com a doutrina cristã da pecaminosidade. A saída foi vista no apelo à mente, ajudando a pessoa a encontrar o caminho para Deus, o que também se refletiu na literatura, que dá especial atenção ao contraste entre a natureza humana e sua mente, entre a beleza e a feiúra, enquanto o belo era percebido como algo efêmero e praticamente inacessível.

Dois estilos dominaram a poesia - o "gongorismo", em homenagem ao maior poeta da época, Luis de Gongora y Argote (1561-1627), e o "conceitismo", da palavra concepto, que significa "pensamento". O "gongorismo" também era chamado de "culteranismo", da palavra culto ("cultivado"), uma vez que esse estilo foi pensado para um público seleto e educado. Gongora foi um poeta secular e o motivo folclórico em sua obra, o apelo aos gêneros da poesia popular (romances e letrilla) são combinados com técnicas artísticas requintadas. O "Conceptismo", cujo fundador é A. de Ledesma, que publicou a coleção de poemas Pensamentos Espirituais (1600), opôs-se ao "gongorismo". Ao mesmo tempo, no “conceitismo”, assim como no “gongorismo”, grande atenção foi dada à forma, à criação de conceitos complexos, ao jogo de palavras, à sagacidade.

Um dos representantes do "conceitismo", Quevedo experimentou-se em diversos gêneros, mas maior desenvolvimento este estilo alcançado em seus ensaios satíricos, Sonhos, (1606-1622). Um notável filósofo, moralista e escritor foi Baltasar Gracian y Morales (1601-1658), membro da ordem dos Jesuítas, falando sob pseudônimos. Em Wit, or the Art of the Sophisticated Mind (1648), ele formula os princípios do Conceptismo.

Portanto: as fases individuais do Renascimento na Espanha não coincidiram com as fases correspondentes do Renascimento em outros países.

- O século XV na arte espanhola representa o período de nascimento de uma nova visão artística do mundo.
- Nas primeiras décadas do século XVI surgiram fenómenos estilísticos associados ao Alto Renascimento, mas ainda assim as tradições do início do Renascimento revelaram-se predominantes.
- A época das maiores conquistas da cultura espanhola é a segunda metade do século XVI. Basta mencionar o nome do grande Cervantes para imaginar que problemas profundos e multifacetados da realidade estavam encarnados na literatura daquela época. Realizações artísticas significativas caracterizam a arquitetura e a pintura.

No segundo trimestre Século XVI inclui a construção de um conjunto tão majestoso como o Escorial; naquela época, o artista grego Domenico Theotokopuli, conhecido como El Greco, trabalhava na Espanha. Mas, ao contrário dos mestres italianos (em particular, venezianos) do final do Renascimento, cujo trabalho expressava claramente a ligação e a continuidade com o círculo ideias artísticas Nas fases anteriores da Renascença, as características da crise trágica do final da Renascença foram incorporadas de forma mais nítida na pintura espanhola.

Características gerais do Renascimento espanhol.

A literatura do Renascimento em Espanha distingue-se pela sua grande originalidade, que se explica nas características desenvolvimento histórico Espanha. Já na segunda metade do século XV. Aqui vemos a ascensão da burguesia, o crescimento da indústria e Comércio exterior, o surgimento das relações capitalistas e o afrouxamento das instituições feudais e da visão de mundo feudal. Este último foi especialmente prejudicado pelas ideias humanísticas que penetraram no país mais avançado da época - a Itália. No entanto, em Espanha este processo decorreu de forma muito peculiar, em comparação com outros países, devido a duas circunstâncias específicas da história de Espanha daquela época.

O primeiro deles está relacionado com as condições em que ocorreu a reconquista. O facto de regiões individuais de Espanha terem sido conquistadas separadamente, em épocas e condições diferentes, levou ao facto de em cada uma delas terem sido desenvolvidas leis, costumes e costumes locais especiais. O campesinato e as cidades baseadas nas terras conquistadas em diferentes lugares receberam diferentes direitos e liberdades. Os heterogêneos direitos e liberdades locais tenazmente mantidos pelas diversas regiões e cidades foram a causa de constantes conflitos entre elas e o poder real. Muitas vezes acontecia até que as cidades se unissem contra ela com os senhores feudais. Portanto, ao final início da Idade Média na Espanha não se estabeleceu uma aliança tão estreita entre o poder real e as cidades contra os grandes senhores feudais.

Outra característica do desenvolvimento histórico da Espanha no século XVI. é o seguinte. O resultado do influxo extraordinário de ouro da América foi um aumento acentuado no preço de todos os produtos - uma "revolução de preços" que afetou todos países europeus, mas manifestou-se com particular força em Espanha. Dado que se tornou mais rentável comprar produtos estrangeiros, a indústria espanhola é a segunda metade do XVI V. altamente reduzido. Também caiu em desuso Agricultura- em parte pela mesma razão, em parte como resultado da ruína em massa dos camponeses e do empobrecimento de um grande número de pequenos agricultores nobres que não suportavam a competição com grandes proprietários de terras que gozavam de vários privilégios.

Todas as características da história da Espanha determinam o caráter geral de sua literatura nos séculos XVI-XVII. A literatura do Renascimento espanhol está claramente dividida em dois períodos: 1). Início da Renascença(1475 - 1550) e 2). Renascença madura (1550 - primeiras décadas do século XVII).

No início deste período, em Espanha, como na maioria dos outros países, observa-se o surgimento daquela nova abordagem crítica e realista da realidade, que é característica da visão de mundo renascentista. A Espanha tem vários cientistas e pensadores notáveis que derrubaram velhos preconceitos e abriram caminho para o conhecimento científico moderno.

Existem gráficas que traduzem intensamente escritores romanos e gregos. A universidade fundada em 1508 em Alcala de Henares torna-se o centro do movimento humanista. No entanto, as ideias humanísticas não receberam o seu pleno desenvolvimento filosófico na Espanha. Encontrando a atitude mais hostil para consigo próprios na corte e entre a aristocracia, e não encontrando apoio da burguesia, foram silenciados pela reacção católica.

As ideias humanísticas na literatura renascentista espanhola encontram expressão quase exclusivamente em imagens poéticas, e não em escritos teóricos. Pela mesma razão, a influência dos desenhos antigos e italianos foi, em geral, muito menos significativa na Espanha do que, por exemplo, na França ou na Inglaterra. Da mesma forma, o culto à forma é menos característico da literatura espanhola do Renascimento. Ela é caracterizada pela masculinidade, severidade, sobriedade, grande concretude de imagens e expressões, que remontam à tradição medieval espanhola. Em todos estes aspectos, a literatura espanhola do Renascimento tem um carácter peculiar, especificamente nacional.

As influências religiosas da época estão claramente refletidas nesta literatura. A ideologia e a prática do catolicismo deixaram uma forte marca tanto na vida do povo como na vida das classes privilegiadas.

Em nenhum lugar da literatura dos séculos XVI - XVII. os temas religiosos não ocupam um lugar tão proeminente como na Espanha. Encontramos aqui literatura "mística" extremamente diferente - poemas e letras religiosas ( Luís de Leão, São João da Cruz), descrições de "conversões milagrosas", êxtases e visões ( Tereza de Jesus), tratados teológicos e sermões ( Luísa Granada). Maiores dramaturgos Lope de Vega, Calderón) junto com peças seculares, escrevem peças religiosas, dramatizam lendas e vidas de santos, ou “ações sagradas”, que tinham como tema a glorificação do sacramento da “comunhão”. Mas mesmo em peças seculares, temas religiosos e filosóficos aparecem frequentemente ( "Sevilha travesso" Tirso de Molina, O Firme Príncipe Calderon).

Apesar de todo o caráter doloroso que o desenvolvimento da Espanha trouxe, o povo mostrou o máximo da energia nacional. Ele mostrou grande curiosidade mental, determinação e coragem para superar obstáculos. As amplas perspectivas que se abriram ao povo daquela época, o alcance dos empreendimentos políticos e militares, a abundância de novas impressões e oportunidades para diversas atividades vigorosas - tudo isso se refletiu na literatura espanhola dos séculos XVI-XVII, que é caracterizado por grande dinâmica, paixão e rica imaginação.

Graças a estas qualidades, a literatura espanhola da "época de ouro" (como é chamado o período que vai do segundo terço do século XVI a meados do século XVII) ocupa um dos primeiros lugares entre as literaturas nacionais do Renascimento. . Apresentando-se de forma brilhante em todos os gêneros, a literatura espanhola apresentou padrões especialmente elevados no romance e no drama, ou seja, naquelas formas literárias em que os traços típicos da então Espanha podiam ser mais plenamente expressos - o ardor dos sentimentos, a energia e o movimento.

Criação de um drama nacional espanhol.

Em Espanha e Portugal, assim como noutros países, existia um teatro medieval - em parte religioso (mistérios e milagres), em parte completamente secular, cómico (farsas). Medieval teatro religioso na Espanha, devido ao enorme papel que a Igreja Católica desempenhou na vida do país, foi extremamente estável - não só não desapareceu durante o Renascimento, como aconteceu na Itália e na França, mas continuou a desenvolver-se rapidamente ao longo do todo. Séculos XVI e até XVII; e peças desse tipo foram escritas grandes dramaturgos era. Durante esses séculos, os gêneros do teatro cômico folclórico, também cultivados por grandes mestres, permaneceram igualmente populares.

Porém, junto com esses antigos gêneros dramáticos, em meados do século XVI. na Espanha, está sendo desenvolvido um novo sistema de dramaturgia renascentista, que também influencia a interpretação dos antigos gêneros acima mencionados pelos escritores renascentistas. Este novo sistema dramatúrgico originou-se da colisão de dois princípios do teatro da tradição medieval folclórica ou semifolclórica e das tendências científicas e humanísticas que vieram da Itália ou diretamente da antiguidade, mas principalmente também através da mediação italiana. A princípio, os dois tipos de dramaturgia, expressando essas duas tendências, desenvolvem-se paralelamente, separando-se ou entrando em luta entre si, mas logo começa uma interação entre eles e, no final, fundem-se em um único sistema dramático. . Neste sistema do drama nacional do Renascimento, cujo auge deve ser reconhecido como a obra de Lope de Vega, o principal é, no entanto, começo popular, embora as influências italianas e antigas, originalmente dominadas, tenham desempenhado um papel significativo na sua formação. Este último foi facilitado pelo aparecimento no século XVI. Traduções espanholas de Plauto e Terêncio.

Ao contrário da Inglaterra, onde a Reforma venceu, a cultura da Espanha desenvolveu-se no contexto do fortalecimento da ideologia católica, expressa na difusão sem precedentes da Inquisição.

No primeiro terço do século XVI. na pintura espanhola, duas influências colidiram: a holandesa e a nova italiana, representada pelo maneirismo. Já foi discutido em relação ao Renascimento italiano. No entanto, faz sentido voltar a ele devido à enorme influência do maneirismo na pintura espanhola, especialmente em El Greco. Embora até o século XIX. os historiadores da arte tiveram uma atitude negativa em relação ao maneirismo, considerando-o totalmente imitativo, no século XX revisaram suas posições e comprovaram a independência estilística dos maneiristas.

Descobriu-se que, na verdade, o Maneirismo é uma tendência original na pintura, baseada em princípios próprios e não emprestados. Representantes do Maneirismo afastaram-se do Renascimento percepção harmônica paz. Seguindo externamente os mestres da Alta Renascença, os maneiristas afirmaram a tragédia da vida. Uma percepção aguçada da vida foi combinada com o desejo de expressar " ideia interior» imagem artística. Os maneiristas podem ter sido os primeiros a procurar a arte pura - recurso quase todas próximas gerações Artistas europeus.

O surrealismo, o expressionismo e o abstracionismo do século XX são uma continuação criativa do maneirismo com sua retirada para o subjetivismo, a dramatização de imagens artísticas. O conceito de “maniera” centra-se na procura do ideal de perfeição formal e virtuosismo, expressa a tendência constante do espírito humano.

Hoje, os historiadores da arte veem as origens do Maneirismo já na antiguidade, na arte neogótica, italiana, alemã e holandesa. O termo "Maneirismo" entrou em voga e foi utilizado para se referir a toda a pintura do século XVI, desde a morte de Rafael (1520) até o início do classicismo e do barroco, que surgiram como reação a ele. Muitos pesquisadores preferem

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Pava, europeísta! Renascimento

derreter para definir esta arte como um período entre o Renascimento e o Barroco.

Depois de 1530 o Maneirismo conquistou quase toda a Europa. Os espanhóis, e sobretudo o grande El Greco (1541-1614), admiravam as elegantes criações dos maneiristas. Quando criança, estudou pintura de ícones com os monges Candian em Creta e, a partir de 1560, continuou pintando em Veneza, na escola Tintoretto. A partir de 1577 o artista viveu em Toledo, Espanha. Embora o brilho ousado de suas cores e a livre interpretação dos assuntos bíblicos tenham causado críticas, em particular do rei Filipe II, ele ainda recebeu muitas encomendas da igreja e de particulares. Na Espanha, o estilo individual único de El Greco finalmente se desenvolveu. Idealizou as pessoas que retratou e, alongando seus corpos e rostos, subordinou as proporções naturais da expressividade da imagem. A tradição bizantina da pintura plana foi combinada com o contraste de tons claros e escuros inerente à escola veneziana. A influência espanhola refletiu-se na forma mística de escrever. Criou pinturas religiosas, mitológicas, de gênero, retratos, paisagens (“O Enterro do Conde Orgaz”, 1586-1588; “Vista de Toledo”, 1610-1614).

Se o século XVI passa na Espanha sob o signo do Renascimento italiano, então no século XVII começa a dominar pintura holandesa. O século XVII é considerado na Espanha, assim como na Holanda, a “idade de ouro”. O termo "idade de ouro" refere-se principalmente ao apogeu da literatura espanhola na era de Cervantes, Gongora e Lope de Vega. Mas também pode ser aplicado a uma galáxia de grandes artistas como Zurbaran, Velázquez e Murillo.

Na primeira metade do século XVII, a influência Artistas italianos, em primeiro lugar Mestres venezianos. Durante este período, as escolas de arte de Valência e Toledo estiveram na liderança. Porém, na segunda metade do século, a obra dos flamengos, especialmente de Rubens e Van Dyck, substituiu Pintura italiana. As complexas composições escuras da primeira metade do século deram lugar a obras dinâmicas e com iluminação mais uniforme. Madrid e Sevilha tornaram-se grandes centros artísticos.

Francisco de Zurbaran (1598-1664) foi um daqueles mestres cuja arte levou a pintura espanhola do século XVII a um dos primeiros lugares da Europa. Um senso de realidade extraordinariamente poderoso determinou o traço característico linguagem artística Zurbarana - compromisso com a natureza com uma monumentalidade extremamente lacônica e até severa. A sua atenção centrou-se em duas áreas - o retrato e as lendas associadas à vida dos santos. Retratando monges estritos, capturados pela contemplação ou pela oração extática, Zurbaran também pintou crianças de boa vontade, usando-as como modelos para pinturas sobre os temas da infância de Cristo e Maria.

Diego Velasquez (1599-1660) é chamado de "pintor de retratos da corte espanhola". A vida de Velázquez, o indiscutível chefe da escola espanhola, o pintor da corte de Filipe IV, é um excelente exemplo o destino de muitos artistas: descendente de família nobre, um gênio, um homem que, graças à sua franqueza, refinamento e bravura, conquistou a amizade do rei e o respeito de numerosos invejosos, levou uma vida digna e sábia , quase não sobrecarregado por acontecimentos, que nem mesmo as intrigas judiciais conseguiram abalar.

Pela graça do rei, em 1659, após uma longa verificação da “pureza” do sangue e da ausência de atividade comercial, recebe a vestimenta de Cavaleiro de São Pedro. Jacob é uma honra incomparável para um artista. Velásquez criou não apenas retratos de membros da família real, mas também pinturas sobre temas religiosos e mitológicos ("Bakh"), telas históricas ("Surrender of Breda"), constantemente voltadas para cenas de gênero ("Café da Manhã", "Spinners") . As obras do falecido Velásquez, mundo poético que possuem um caráter um tanto misterioso, antecipam a arte dos impressionistas. Um deles, Manet, chamou Velásquez de “o pintor dos pintores”.

No campo literário, os romances cavalheirescos e picarescos estão se difundindo. Maioria representante principal deste gênero foi o grande Miguel de Cervantes (1547-1616), autor do mundo romance famoso"Don Quixote". Em seu livro, Cervantes parodia os romances de cavalaria que inundaram

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Mercado de livros espanhol. Os ideais da cavalaria no início do século XVII já haviam se tornado obsoletos. No entanto, o livro de Cervantes tornou-se uma história sobre os dois princípios da natureza humana - o idealismo romântico e a praticidade sóbria. O próprio Cervantes veio de uma família de cavaleiros empobrecida, serviu por muito tempo no exército espanhol e depois ganhou a vida no serviço de comissário. O romance de Cervantes segue as aventuras do cavaleiro idealista Dom Quixote, que defende obstinadamente os valores cavalheirescos em um mundo totalmente pragmático. Ele fecha os olhos para a realidade ao seu redor, luta contra moinhos de vento. E muitas vezes ele não consegue sair do cativeiro de suas ilusões e explica a contradição entre a realidade e o ideal pelas maquinações das forças do mal. Embora o livro tenha sido concebido pelo autor como uma leitura divertida, tornou-se um modelo de literatura moral séria para a literatura mundial.

O fundador do drama nacional espanhol foi Lope de Vega (1562-1635). Tal como os seus contemporâneos mais jovens Tirso de Molina (c. 1583-1648) e Calderon de La Barca (1600-1681), o dramaturgo, com a sua obra verdadeiramente imensa (mais de 2.000 obras, 500 são conhecidas), contribuiu para o rápido florescimento da língua espanhola comédia, que era então considerada uma peça de três atos escrita em verso. Peru Lope de Vega possui ^ dramas históricos e sócio-políticos, comédias sobre o amor (os mais famosos são "Professor de Dança" e "Cão na Manjedoura").

A conclusão da reconquista e a unificação de Castela e Aragão deram um impulso poderoso ao desenvolvimento da cultura espanhola. Nos séculos XVI-XVII, viveu um período de prosperidade, conhecido como “idade de ouro”.

No final do século XV e primeira metade do século XVI. em Espanha, o pensamento avançado deu grandes passos, manifestando-se não só no campo da criatividade artística, mas também no jornalismo e nas obras científicas imbuídas de pensamento livre. A política reacionária de Filipe II desferiu um duro golpe na cultura espanhola. Mas a reação não conseguiu sufocar as forças criativas do povo, que se manifestaram no final do século XVI e na primeira metade do século XVII. predominantemente no campo da literatura e da arte.

A cultura espanhola da Renascença tinha profundas raízes folclóricas. O fato de o camponês castelhano nunca ter sido servo (ver F. Engels, Carta a Paul Ernst, K. Marx e F. Engels, On Art, M.-L. 1937, p. 30.), e as cidades espanholas conquistadas No início da sua independência, criou no país uma camada bastante ampla de pessoas que tinham consciência da sua própria dignidade (ver F. Engels, Carta a Paul Ernst, K. Marx e F. Engels, On Art, M.-L. 1937, página 30.)

Embora o período favorável ao desenvolvimento das cidades e de parte do campesinato espanhol tenha sido muito curto, o legado dos tempos heróicos continuou a viver na mente do povo espanhol. Esta foi uma fonte importante das grandes conquistas da cultura clássica espanhola.

No entanto, o Renascimento na Espanha foi mais controverso do que em outros países europeus. Em Espanha, não houve uma ruptura tão acentuada com a ideologia feudal-católica da Idade Média como ocorreu, por exemplo, nas cidades italianas na era da ascensão da sua vida económica e cultural. É por isso que mesmo pessoas avançadas da Espanha como Cervantes e Lope de Vega não rompem completamente com a tradição católica.

Humanistas espanhóis da primeira metade do século XVI.

Representantes do pensamento avançado na Espanha, que atuaram na primeira metade do século XVI, receberam o nome de "Erasmistas" (em homenagem ao famoso humanista Erasmo de Rotterdam). Entre eles, em primeiro lugar, Alfonso de Valdés (falecido em 1532), autor de diálogos contundentes e cáusticos no espírito do satírico grego Luciano, nos quais ataca o papado e a Igreja Católica, acusando-os de egoísmo e licenciosidade, deve ser mencionado. O notável filósofo espanhol Juan Luis Vives (1492-1540) também esteve associado a Erasmo. Natural de Valência, Vivss estudou em Paris e viveu na Inglaterra e na Flandres. Ele participou do movimento pan-europeu de humanismo. Já em uma de suas primeiras obras, O Triunfo de Cristo, Vives critica a escolástica aristotélica, opondo-lhe a filosofia de Platão no espírito dos filósofos italianos da Renascença.

Mais importante é o facto de, rejeitando a escolástica medieval, Vives colocar a experiência em primeiro plano: a observação e a experimentação permitem penetrar nas profundezas da natureza, abrir o caminho para o conhecimento do mundo. Assim, Vives é um dos antecessores de Francis Bacon. O homem é central em seu conceito. Vives desempenhou um papel importante no desenvolvimento da psicologia como ciência. Em sua obra "Sobre a Alma e a Vida" ele considera detalhadamente o problema da percepção. No panfleto The Sage, Vivss faz uma crítica humanística dos antigos métodos de ensino escolásticos e desenvolve um sistema pedagógico progressivo que inclui o estudo das línguas clássicas, da história e das ciências naturais. Luis Vives também apoiou a educação das mulheres.

Outro pensador espanhol que se opôs à escolástica e a Aristóteles dissecado pelos escolásticos foi Francisco Sanchss (1550-1632). Contudo, ao contrário de Luis Vives, o espírito de livre investigação leva Sánchez ao cepticismo. Sua principal obra chama-se “Que não há conhecimento” (1581). Explorando as contradições contidas no processo de cognição humana, Sanchez chega a uma tese puramente negativa: tudo o que conhecemos não é confiável, é relativamente condicional. Uma tese tão pessimista, apresentada na era do colapso das ordens medievais e das ideias dogmáticas, não era incomum, especialmente em Espanha, com as suas agudas contradições sociais e duras condições de vida.

poesia popular

O século XV foi para a Espanha o apogeu da arte popular. Foi nessa época que surgiram muitos romances. O romance espanhol é uma forma poética nacional, que é um poema lírico curto ou lírico-épico. Os romances cantavam as façanhas dos heróis, episódios dramáticos da luta com os mouros. Romances líricos retratavam de forma poética o amor e o sofrimento dos amantes. Os romances refletiam o patriotismo, o amor à liberdade e uma visão poética do mundo, característica do camponês castelhano.

O romance popular fertilizou o desenvolvimento da literatura clássica espanhola, tornou-se o solo sobre o qual surgiu a grande poesia espanhola dos séculos XVI-XVII.

poesia humanista

Na Espanha, como em outros países, a literatura renascentista desenvolveu-se com base numa síntese da arte popular nacional e de formas avançadas de literatura humanística. Um dos primeiros poetas do Renascimento espanhol - Jorge Manrique (1440-1478) foi o criador do brilhante poema "Dísticos sobre a morte de meu pai". Nas estrofes solenes de sua obra, ele fala da onipotência da morte e glorifica as façanhas de heróis imortais.

Já no século XV. na poesia espanhola apareceu uma tendência aristocrática, esforçando-se para criar "letras eruditas" modeladas na literatura do Renascimento italiano. O maior poeta do início do Renascimento espanhol, Garcilaso de la Vega (1503-1536), pertencia a esta tendência. Em sua poesia, Garcilaso seguiu as tradições de Petrarca, Ariosto e principalmente do famoso poeta pastoral da Itália, Sannazaro. O que há de mais valioso na poesia de Garcilaso são suas éclogas, que retratam de forma idealizada a vida de pastores apaixonados no seio da natureza.

As letras religiosas foram amplamente desenvolvidas na poesia espanhola da Renascença. Luis de Leon (1527-1591) foi o chefe da galáxia dos chamados poetas místicos. Monge agostiniano e doutor em teologia pela Universidade de Salamanca, católico ortodoxo, foi, no entanto, acusado de heresia e lançado na prisão da Inquisição, onde foi mantido durante mais de quatro anos. Ele conseguiu provar sua inocência, mas o próprio destino do poeta fala da presença em suas obras de algo mais do que uma simples repetição de ideias religiosas. As magníficas letras de Luis de Leon contêm um conteúdo profundo e socialmente significativo. Ele sente profundamente a desarmonia da vida, onde reinam a “inveja” e a “mentira”, onde julgam juízes injustos. Ele busca a salvação em uma vida contemplativa solitária no seio da natureza (ode “vida feliz”).

Luis de Leon não foi o único poeta alvo da Inquisição. Em suas masmorras, muitos filhos talentosos do povo espanhol foram submetidos a dolorosas torturas. Um desses poetas, David Abenator Malo, que conseguiu libertar-se e fugir para a Holanda, escreveu sobre a sua libertação: “Ele saiu da prisão, saiu da sepultura quebrado”.

Na segunda metade do século XVI. na Espanha há uma tentativa de criar um épico heróico. Alonso de Ersilya (1533-1594), que se alistou no exército espanhol e lutou na América, escreveu um longo poema "Araucano", no qual queria cantar as façanhas dos espanhóis. Ercília escolheu como modelo o clássico poema "Eneida" de Virgílio. O enorme e caótico trabalho de Ersilya como um todo não tem sucesso. Está repleto de amostras falsas e episódios condicionais. Em Araucano, apenas aqueles lugares são belos, onde são retratadas a coragem e a determinação dos araucanos amantes da liberdade, uma tribo indígena que defendeu sua independência dos conquistadores espanhóis.

Se a forma de um poema épico à moda antiga não era adequada para refletir os acontecimentos de nosso tempo, então a própria vida apresentou outro gênero épico, mais adequado para sua representação. Esse gênero foi o romance.

romance espanhol

Do início do século XVI. na Espanha, os romances de cavalaria eram generalizados. A fantasia desenfreada dessas criações posteriores da literatura feudal correspondia a alguns aspectos da psicologia do povo da Renascença, que embarcava em viagens arriscadas e vagava por terras distantes.

Na segunda metade do século XVI. o motivo pastoral, introduzido na literatura espanhola por Garcilaso de la Vega, também foi desenvolvido em forma de romance. Aqui é necessário mencionar "Diana" de Jorge de Montemayor (escrita por volta de 1559) e "Galatea" de Cervantes (1585). Nestes romances, o tema da “idade de ouro” é refratado à sua maneira, o sonho de vida feliz no colo da natureza. No entanto, o tipo de romance espanhol mais interessante e original foi o chamado romance picaresco (novela picaresca).

Estes romances reflectiam a penetração das relações monetárias na vida espanhola, a desintegração dos laços patriarcais, a ruína e o empobrecimento das massas.

O início desta tendência da literatura espanhola foi marcado pela Tragicomédia de Calisto e Melibea, mais conhecida como Celestina (cerca de 1492). Este conto (pelo menos na parte principal) foi escrito por Fernando de Rojas.

60 anos após o aparecimento de Celestina, em 1554, simultaneamente em três cidades, foi publicado em forma de pequeno livreto o primeiro exemplar completo de romance picaresco, que teve grande influência no desenvolvimento da literatura europeia, o famoso Lazarillo de Tormes. Esta é a história de um menino, servo de muitos senhores. Defendendo seu direito de existir, Lázaro é forçado a recorrer a truques astutos e aos poucos se transforma em um completo malandro. A atitude do autor do romance para com seu herói é ambivalente. Ele vê na malandragem uma manifestação de destreza, inteligência e engenhosidade, inacessível às pessoas da Idade Média. Mas em Lázaro as qualidades negativas do novo tipo humano também se manifestaram claramente. A força do livro reside na descrição franca das relações sociais na Espanha, onde sob a batina e o manto nobre se escondiam as paixões mais baixas, trazidas à vida pela febre do lucro.

O sucessor do autor desconhecido de Lazarillo de Tormes foi o notável escritor Mateo Alemán (1547-1614), autor do romance picaresco mais popular, As Aventuras e Vida do Ladino Guzmán de Alfarache, Torre de Vigia vida humana". O livro de Mateo Alemán difere do romance de seu antecessor pela amplitude do contexto social e por uma avaliação mais sombria das novas relações sociais. A vida é absurda e cínica, diz Aleman, as paixões cegam. Somente conquistando essas aspirações impuras em si mesmo é que alguém poderá viver racional e virtuosamente. Aleman é um defensor da filosofia estóica herdada pelos pensadores da Renascença de autores romanos antigos.

Miguel de Cervantes

O romance picaresco representa essa linha de desenvolvimento da literatura espanhola, que preparou com particular força o triunfo do realismo de Cervantes.

A obra do maior escritor espanhol Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616) - o fundador da nova literatura espanhola - surgiu a partir da síntese de todas as conquistas do seu desenvolvimento anterior. Ele elevou a literatura espanhola e ao mesmo tempo mundial a novos patamares.

A juventude de Cervantes foi estimulada pelo caráter aventureiro de sua época. Viveu na Itália, participou da batalha naval de Lepanto, foi capturado por piratas argelinos. Durante cinco anos, Cervantes fez uma tentativa heróica após outra para se libertar. Resgatado do cativeiro, ele voltou pobre para casa. Vendo a impossibilidade de viver da obra literária, Cervantes foi obrigado a tornar-se oficial. Foi durante este período da sua vida que se deparou com a prosaica Espanha real, com o mundo inteiro tão brilhantemente retratado no seu Dom Quixote.

Cervantes deixou um legado literário rico e variado. Começando com o romance pastoral Galatea, ele logo passou a escrever peças de teatro. Uma delas - a tragédia "Numancia" retrata o heroísmo imortal dos habitantes da cidade espanhola de Numancia, lutando contra as legiões romanas e preferindo a morte à rendição à mercê dos vencedores. A partir da experiência dos contos italianos, Cervantes criou um tipo original de conto espanhol que combina uma ampla representação da vida com sermões (“Novelas Instrutivas”).

Mas tudo o que ele criou empalidece diante de sua brilhante obra O Astuto Hidalgo Dom Quixote de La Mancha (1605-1615). Cervantes se propôs uma tarefa modesta - destruir a influência de romances de cavalaria fantásticos e distantes da vida. Mas o seu excelente conhecimento da vida das pessoas, a observação aguçada e a engenhosa capacidade de generalizar levaram-no a criar algo imensamente mais significativo.

Dom Quixote e Sancho Pança. Gravura da página de rosto de uma das primeiras edições de Dom Quixote de Cervantes.

Dom Quixote sonha em reviver tempos de cavaleiro numa época em que já se foram. Só ele não entende que a cavalaria sobreviveu ao seu tempo e, como o último cavaleiro, é uma figura cômica. Na era feudal, tudo foi construído com base na primeira lei. E agora Dom Quixote quer, contando com a força da sua mão, mudar a ordem existente, proteger as viúvas e os órfãos, punir os infratores. Na verdade, ele cria inquietação, causa mal e sofrimento às pessoas. “Dom Quixote deve ter pago caro pelo seu erro ao imaginar que os cavaleiros andantes eram igualmente compatíveis com todas as formas económicas da sociedade”, diz Marx.

Mas, ao mesmo tempo, os motivos das ações de Dom Quixote são humanos e nobres. É um ferrenho defensor da liberdade e da justiça, patrono dos amantes, fã da ciência e da poesia. Este cavaleiro é um verdadeiro humanista. Seus ideais progressistas tiveram origem no grande movimento antifeudal da Renascença. Nasceram na luta contra a desigualdade de classes, contra formas de vida feudais obsoletas. Mas mesmo a sociedade que veio para substituí-lo não conseguiu concretizar estes ideais. O insensível camponês rico, os estalajadeiros e comerciantes de mão fechada zombam de Dom Quixote, de sua intenção de proteger os pobres e fracos, de sua generosidade e humanidade.

A dualidade da imagem de Dom Quixote reside no fato de que seus ideais humanistas progressistas aparecem de forma cavalheiresca reacionária e obsoleta.

Ao lado de Dom Quixote, o camponês escudeiro Sancho Pança atua no romance. As limitações das condições de existência rural deixaram-lhe a sua marca: Sancho Pança é ingénuo e às vezes até tolo, é a única pessoa que acreditou nas bobagens cavalheirescas de Dom Quixote. Mas Sancho não deixa de ter boas qualidades. Ele não apenas revela sua engenhosidade, mas também se revela um portador Sabedoria popular que ele expõe em inúmeros provérbios e ditados. Sob a influência do cavaleiro humanista Dom Quixote, Sancho desenvolve-se moralmente. Suas qualidades marcantes são reveladas no famoso episódio do governo, quando Sancho revela sua sabedoria mundana, desinteresse e pureza moral. Não existe tal apoteose do camponês em nenhuma das obras do Renascimento da Europa Ocidental.

Os dois protagonistas do romance, com suas noções fantásticas e ingênuas, são retratados no contexto da verdadeira Espanha cotidiana, um país de nobreza arrogante, estalajadeiros e comerciantes, camponeses ricos e tropeiros. Na arte de retratar esse cotidiano, Cervantes não tem igual.

Dom Quixote é o maior livro folclórico da Espanha, um maravilhoso monumento da língua literária espanhola. Cervantes completou a transformação do dialeto castelhano, um dos dialetos da Espanha feudal, na língua literária da emergente nação espanhola. A obra de Cervantes é Ponto mais alto no desenvolvimento da cultura renascentista em solo espanhol.

Luís de Gongora

na literatura do século XVII. os estados de espírito sombrios e desesperançados estão a tornar-se cada vez mais intensificados, reflectindo um colapso interno na consciência pública da era do declínio progressivo de Espanha. A reação aos ideais do humanismo foi expressa mais claramente na obra do poeta Luis de Gongora y Argote (1561-1627), que desenvolveu um estilo especial denominado "gongorismo". Do ponto de vista de Gongor, só o excepcional, bizarramente complexo, longe da vida pode ser belo. Gonyura busca a beleza no mundo da fantasia e até transforma a realidade em uma fantástica extravagância decorativa. Ele rejeita a simplicidade, seu estilo é sombrio, difícil de entender, repleto de imagens complexas e intrincadas e hipérboles. Na poesia de Gongora, o gosto literário da aristocracia encontrou expressão. O gongorismo, como uma doença, espalhou-se pela literatura europeia.

Francisco de Quevedo

O maior satírico espanhol foi Francisco de Quevedo y Villegas (1580-1645). Vindo de uma família aristocrática, Quevedo participou como diplomata nas intrigas políticas espanholas na Itália. Conhecimento com regime político nas possessões espanholas levou-o a uma profunda decepção. Aproveitando a proximidade com a corte, Quevedo apresentou uma nota em verso a Filipe IV, na qual pedia ao rei que reduzisse os impostos e melhorasse a situação do povo. O autor da nota foi capturado e preso pela Inquisição, onde esteve acorrentado durante 4 anos e de onde saiu um homem fisicamente alquebrado. Pouco depois de sua libertação, ele morreu.

O famoso romance picaresco de Quevedo "A história de vida de um malandro chamado Pablos, exemplo de vagabundos e espelho de vigaristas" foi obviamente escrito em Período inicial a vida dele. Este livro é inegavelmente o mais profundo dos romances picarescos. Contando a história do filho de um barbeiro ladrão e de uma prostituta – o azarado Pablos, Quevedo mostra todo um sistema de abuso infantil. Criado nessas condições, Pablos tornou-se um canalha. Ele vagueia pela Espanha, e pobreza e sujeira monstruosas são reveladas diante dele. Pablos vê como as pessoas se enganam para existir, vê que toda a sua energia está direcionada para o mal. O romance de Quevedo está cheio de amargura.

No segundo período da sua atividade, Quevedo volta-se para a criação de panfletos satíricos. Um lugar especial entre eles é ocupado por suas "Visões" - vários ensaios satíricos e jornalísticos que retratam imagens da vida após a morte com um espírito grotesco e paródico. Assim, no ensaio “O Policial Possuído pelo Diabo” é apresentado o inferno, onde assam reis e camarilha da corte, mercadores e ricos. Não há lugar no inferno para os pobres, pois eles não têm bajuladores e falsos amigos e não têm oportunidade de pecar. No século XVII iniciou-se o processo de degeneração do gênero do romance picaresco.

Teatro espanhol

A Espanha, como a Inglaterra e a França, viveu nos séculos XVI-XVII. grande florescimento do drama e do teatro. O conteúdo social do drama espanhol de Lope de Vega à Caldeira é a luta da monarquia absoluta com as liberdades da velha Espanha, obtidas pela nobreza espanhola, cidades e camponeses castelhanos durante a reconquista, repleta de drama intenso.

Em contraste com a tragédia francesa, baseada em modelos antigos, surgiu na Espanha um drama nacional, bastante original e popular. Obras dramáticas foram criadas para teatros públicos. Os espectadores de mentalidade patriótica queriam ver no palco os feitos heróicos de seus ancestrais e os eventos atuais de nosso tempo.

Lope de Vega

O fundador do drama nacional espanhol foi o grande dramaturgo Lope Felix de Vega Carpio (1562-1635). Soldado do exército da "Armada Invencível", brilhante homem secular, escritor famoso, Lopo de Vega permaneceu um homem religioso ao longo da vida, e na velhice tornou-se padre e até membro do "santo" inquisição. Nesta dualidade, Lope de Vega mostrou os traços característicos do Renascimento espanhol. Expressou na sua obra as aspirações humanísticas desta época notável e, ao mesmo tempo, Lope de Vega, um homem avançado do seu tempo, não conseguiu romper com as tradições da Espanha feudal católica. O seu programa social era procurar conciliar as ideias do humanismo com os costumes patriarcais.

Lope de Vega foi um artista de rara fertilidade criativa, escreveu 1.800 comédias e 400 peças de culto alegóricas de um ato (cerca de 500 obras chegaram até nós). Também escreveu poemas heróicos e cômicos, sonetos, romances, contos, etc. Assim como Shakespeare, Lope de Vega não inventou os enredos de suas peças. Ele usou várias fontes - romances e crônicas folclóricas espanholas, livros italianos e livros de historiadores antigos. Um grande conjunto de peças de Lope de Vega são dramas históricos da vida de povos diferentes. Ele também tem uma peça da história russa - "O Grão-Duque de Moscou", dedicada aos acontecimentos início do XVII V.

Nas suas principais obras, Lope de Vega retrata o fortalecimento do poder real, a luta dos reis espanhóis contra os senhores feudais rebeldes e as hordas mouras. Retrata o significado progressista da unificação de Espanha, ao mesmo tempo que partilha a fé ingénua do povo no rei como representante da justiça não-classista, capaz de resistir à arbitrariedade dos senhores feudais.

Entre as peças históricas de Lope de Vega, destacam-se os dramas folclóricos heróicos (“Peribanes e o Comandante Ocanyi”, “O Melhor Alcalde é o Rei”, “Fu-ente Ovejuna”), retratando a relação de três forças sociais - camponeses, senhores feudais e poder real. Mostrando o conflito entre o camponês e o senhor feudal, Lope de Vega posiciona-se inteiramente ao lado do camponês.

A melhor dessas peças é "Fuente Ovejuna" - um dos maiores dramas não só do teatro espanhol, mas também do teatro mundial. Aqui Lone de Vega, até certo ponto, derrota suas ilusões monárquicas. A peça se passa na segunda metade do século XV. O comandante da Ordem de Calatrava está furioso na sua aldeia de Fuente Ovehuna (Primavera das Ovelhas), usurpando a honra das camponesas. Um deles - Laurencia - incita apaixonadamente os camponeses à revolta e eles matam o agressor. Apesar de os camponeses serem súditos obedientes do rei e o comandante participar na luta contra o trono, o rei ordenou que os camponeses fossem torturados, exigindo que traíssem o assassino. Somente a firmeza dos camponeses, que responderam a todas as perguntas com as palavras: “Fkhonte Ovehuna fez isso”, fez com que o rei os deixasse ir com relutância. Seguindo Cervantes, o autor da tragédia de Numancia, Lope de Vega criou um drama sobre o heroísmo nacional, a sua força moral e resistência.

Em várias de suas obras, Lope retrata o despotismo do poder real. Entre eles destaca-se o excelente drama Estrela de Sevilha. O rei tirano se depara com os habitantes da cidade de Sevilha, que defendem sua honra e antigas liberdades. O rei deve recuar diante deste povo, reconhecer a sua grandeza moral. Mas a força social e psicológica da “Estrela de Sevilha” aproxima-se das tragédias de Shakespeare.

A dualidade de Lope de Vega ficou mais evidente nos dramas dedicados à vida familiar da nobreza espanhola, os chamados "dramas de honra" ("Perigos da Ausência", "Vitória de Honra", etc.). Para Lopo de Vega, o casamento deve basear-se no amor mútuo. Mas depois que o casamento aconteceu, seus alicerces são inabaláveis. Suspeitando de traição da esposa, o marido tem o direito de matá-la.

As chamadas comédias do manto e da espada retratam a luta dos jovens nobres espanhóis - gente de um novo tipo - pela liberdade de sentimento, pela sua felicidade, contra o poder despótico dos seus pais e tutores. Lope de Vega constrói uma comédia sobre uma intriga vertiginosa, sobre coincidências e acidentes. Nestas comédias, que glorificam o amor e o livre arbítrio do homem, a ligação de Lope de Vega com o movimento literário humanista do Renascimento foi mais manifesta. Mas em Lope de Vega, o jovem da Renascença não tem aquela liberdade interior que nos encanta nas comédias de Shakespeare. As heroínas de Lope de Vega são fiéis ao nobre ideal de honra. Em sua aparência há características cruéis e pouco atraentes associadas ao fato de compartilharem os preconceitos de sua classe.

Dramaturgos da Escola Lope

Lope de Vega não atua sozinho, mas é acompanhado por toda uma galáxia de dramaturgos. Um dos alunos diretos e sucessores de Lope foi o monge Gabriel Telles (1571-1648), conhecido como Tirso de Molina. O lugar que Tirso ocupa na literatura mundial é determinado principalmente por sua comédia O Homem Travesso de Sevilha, ou o Convidado de Pedra, na qual criou a imagem do famoso sedutor de mulheres, Don Juan. O herói da peça, Tirso, ainda não possui aquele encanto que nos cativa na imagem de Don Juan nos escritores de épocas posteriores. Don Juan é um nobre depravado, consciente do direito feudal da primeira noite, um sedutor que busca o prazer e não desdenha nenhum meio para alcançar o seu. Este é um representante da camarilha da corte, insultando mulheres de todas as classes.

Pedro Calderoy

O drama espanhol voltou a atingir grandes alturas na obra de Pedro Calderón de la Barca (1600-1681). A figura de Calderón é profundamente controversa. Vindo de uma família nobre aristocrática, Caldera era cavaleiro da Ordem de Sant'Iago. sacerdote e capelão honorário do rei Filipe IV. Ele escreveu não apenas para o povo, mas também para o teatro da corte.

As peças seculares de Calderón estão diretamente adjacentes à dramaturgia de Lope. Ele escreveu "comédias de capa e espada", mas Caldera alcançou um poder realista especial em seus "dramas de honra". Assim, no drama Doutor de Sua Honra, Calderón pintou um expressivo retrato de um nobre espanhol do século XVII. A religiosidade fanática e a devoção igualmente fanática à honra coexistem neste dgoryanin com a sobriedade implacável, a astúcia jesuíta e o cálculo frio.

O drama Calderon "Salamei alcalde" é uma reformulação da peça homônima de Lope de Vega. O juiz da aldeia Pedro Crespo, que tem um sentido de dignidade desenvolvido e se orgulha da sua origem camponesa, condenou e executou um nobre oficial que desonrou a sua filha. A luta de um simples juiz de aldeia contra um nobre estuprador é retratada com grande poder artístico.

Um grande lugar na herança de Calderón é ocupado por dramas religiosos - dramatizados "vidas dos santos", etc. Mas Calderón geralmente traz à tona um bobo da corte que ri sobriamente dos milagres religiosos.

O maravilhoso drama "O Mágico Milagroso" está próximo das peças religiosas. Marx chamou esta obra de "Fausto Católico". O herói da peça é uma pessoa buscadora e ousada. Em sua alma há uma luta entre a atração sensual por uma mulher e a ideia cristã. A peça de Calderón termina com o triunfo do início ascético cristão, mas o grande artista retrata os elementos terrenos e sensuais como algo poderoso e belo. Há dois bobos nesta peça. Eles ridicularizam os milagres com a sua crua desconfiança na ficção religiosa.

Com particular força, o conceito filosófico de Calderón se refletiu em seu drama A vida é um sonho. Os acontecimentos que ocorrem na peça não são apenas reais, mas também simbólicos. O rei da Polônia Basílio, astrólogo e mágico, descobre que seu filho recém-nascido será um canalha e um assassino. Ele aprisiona seu filho Sehismundo em uma torre localizada em uma área desértica, e o mantém acorrentado e vestido com pele de animal. Assim, Sehismundo é prisioneiro desde o nascimento. Esta imagem de um jovem acorrentado é uma imagem simbólica da humanidade, que depende servilmente das condições sociais. Querendo verificar as palavras do oráculo, o rei ordena que o adormecido Sehismundo seja transferido para o palácio. Acordando e sabendo que é o governante, Sehismundo mostra imediatamente as feições de um déspota e de um vilão: ameaça os cortesãos de morte, levanta a mão contra o próprio pai. O homem é um prisioneiro, um escravo acorrentado ou um déspota e tirano - tal é o pensamento de Calderón.

As conclusões a que Calderón chega são de natureza fantástica e reacionária. De volta à torre, Sehismundo acorda e decide que tudo o que aconteceu com ele no palácio foi um sonho. Ele agora acredita que a vida é um sonho. Sono - riqueza e pobreza, poder e submissão, direito e injustiça. Se for assim, então a pessoa deve desistir de suas aspirações, suprimi-las e aceitar o fluxo da vida. Dramas filosóficos de Calderón - novo tipo obra dramática, desconhecida de Lope de Vega.

Calderoy combina profundo realismo com características reacionárias em sua obra. Ele vê uma saída para as trágicas contradições da realidade seguindo as ideias da reação feudal católica, no culto da honra nobre.

Apesar de todas as contradições inerentes à literatura espanhola dos séculos XVI-XVII, os valores artísticos por ela criados, especialmente o romance e o drama espanhóis, são uma contribuição notável para a cultura mundial.

Arquitetura

As artes plásticas também atingiram grandes alturas nesta época. Depois de um longo período de domínio gótico e do apogeu da arquitetura mourisca na Espanha no século XVI, o interesse pela arquitetura do Renascimento italiano está despertando. Mas, seguindo seus padrões, os espanhóis transformaram originalmente as formas da arquitetura italiana.

A actividade do brilhante arquitecto Juan de Herrera (1530-1597), criador de um estilo especial de "herreresco", remonta à segunda metade do século XVI. Este estilo assume a forma de arquitetura antiga. E, no entanto, a maior criação de Herrera - o famoso palácio de Filipe II Escorial, tem pouca semelhança com as formas tradicionais da arquitetura clássica.

A própria ideia do Escorial, que é ao mesmo tempo palácio real, mosteiro e túmulo, é muito característica da época da contra-reforma. Na aparência, o Escorial lembra uma fortaleza medieval. É um edifício quadrado com torres nos cantos. Uma praça dividida numa série de quadrados - assim é a planta do Escorial, que lembra uma treliça (a treliça é símbolo de São Lourenço, a quem este edifício é dedicado). A massa sombria, mas majestosa do Escorial, por assim dizer, simboliza o espírito severo da monarquia espanhola.

Motivos renascentistas na arquitetura já na segunda metade do século XVII. degeneram em algo pretensioso e bonitinho, e a ousadia arriscada das formas esconde apenas o vazio interior e a falta de conteúdo.

Pintura

A pintura foi a segunda área depois da literatura em que a Espanha criou valores de importância histórica mundial. É verdade que a arte espanhola não conhece obras harmónicas no espírito da pintura italiana dos séculos XV-XVI. Já na segunda metade do século XVI. A cultura espanhola deu origem a um artista de impressionante originalidade. Este é Domeviko Theotokopuli, natural de Creta, conhecido como El Greco (1542-1614). El Greco por muito tempo morou na Itália, onde aprendeu muito com os famosos mestres da escola veneziana Ticiano e Tintoretto. Sua arte é uma das ramificações do maneirismo italiano, originalmente desenvolvida em solo espanhol. As pinturas de Greco não tiveram sucesso na corte; ele morou em Toledo, onde encontrou muitos admiradores de seu talento.

Na arte de Greco, as dolorosas contradições de sua época refletiram-se com grande força dramática. Esta arte está revestida de uma forma religiosa. Mas a interpretação não oficial dos temas eclesiásticos distancia a pintura de El Greco dos modelos estatais da arte eclesial. Seu Cristo e os santos aparecem diante de nós em estado de êxtase religioso. Suas figuras alongadas e ascéticas se curvam como chamas e parecem alcançar o céu. Esta paixão e profundo psicologismo da arte de Greco aproximam-no dos movimentos heréticos da época.

Escorial. Arquiteto Juan de Herrera. 1563

O verdadeiro apogeu da pintura espanhola é vivido em Século XVII. Entre os artistas espanhóis do século XVII. deve ser mencionado em primeiro lugar José Ribeiro (1591-1652). Aderindo às tradições do italiano Caravaggio, desenvolve-as de uma forma totalmente original e é um dos mais brilhantes artistas nacionais de Espanha. O lugar principal em seu legado é ocupado por pinturas que retratam as execuções de ascetas e santos cristãos. Esculpe com maestria o artista que se projeta da escuridão corpos humanos. Caracteristicamente, Ribeira confere aos seus mártires traços de gente do povo. Francisco Zurbaran (1598-1664) foi o mestre de grandes composições sobre temas religiosos, combinando êxtase orante e realismo bastante frio em um todo.

Diego Velázquez

O maior artista espanhol Diego de Silva Velasquez (1599-1960) permaneceu o pintor da corte de Filipe IV até o fim de sua vida. Ao contrário de outros artistas espanhóis, Velásquez esteve longe da pintura religiosa, pintou pinturas de gênero e retratos. Suas primeiras obras são cenas da vida popular. As cenas mitológicas de Baco de Velázquez (1628) e Forja de Vulcano (1630) estão ligadas em certo aspecto a este gênero. Na pintura "Baco" (caso contrário - "Bêbados"), o deus do vinho e das uvas parece um camponês e está rodeado de camponeses rudes, um dos quais ele coroa de flores. Em A Forja de Vulcano, Apolo aparece entre ferreiros seminus que abandonaram o trabalho e olham para ele com espanto. Velásquez alcançou uma naturalidade incrível ao retratar tipos e cenas folclóricas.

A prova da plena maturidade do artista foi a sua famosa pintura "A Captura de Breda" (1634-1635) - uma cena militar festiva com uma composição profundamente pensada e uma interpretação psicológica subtil dos rostos. Velázquez é um dos maiores retratistas do mundo. Seu trabalho é marcado por análises psicológicas verdadeiras, muitas vezes implacáveis. Entre suas melhores obras está um retrato do famoso favorito do rei espanhol - o Duque de Olivares (1638-1641), o Papa Inocêncio X (1650), etc. Nos retratos de Velázquez, membros da casa real são apresentados em poses cheio de importância, solenidade e grandeza. Mas a grandeza ostentosa não pode esconder o facto de que estas pessoas estão marcadas com a marca da degeneração.

Um grupo especial de retratos de Velásquez são imagens de bobos e malucos. O interesse por tais personagens é típico dos artistas espanhóis desta época. Mas Velásquez sabe mostrar que a feiura pertence tanto à humanidade quanto à beleza. A tristeza e a profunda humanidade muitas vezes brilham nos olhos de seus anões e bufões.

Um lugar especial na obra de Velásquez é ocupado pela pintura "Fiandeiras" (1657), que retrata a manufatura real de fabricação de tapeçarias. Em primeiro plano estão as mulheres trabalhadoras; eles tecem lã, fiam, carregam cestos. Suas posturas se distinguem pela leveza livre, os movimentos são fortes e bonitos. Este grupo se opõe às senhoras elegantes que examinam a manufatura, muito semelhante às tecidas nas tapeçarias. A luz do sol, penetrando na sala de trabalho, deixa sua marca alegre em tudo, traz poesia a esse quadro do cotidiano.

A pintura de Velásquez transmite o movimento da forma, da luz e da transparência do ar com pinceladas coloridas livres.

O mais proeminente dos alunos de Velázquez foi Bartolome Esteban Murillo (1617-1682). Seus primeiros trabalhos retratam cenas com meninos de rua que se instalavam livre e naturalmente em uma rua suja da cidade, sentindo-se verdadeiros cavalheiros em seus farrapos. A pintura religiosa de Murillo é marcada por traços de sentimentalismo e testemunha o início do declínio da grande escola espanhola.

Renascença (Renascença). Itália. Séculos XV-XVI. capitalismo primitivo. O país é governado por banqueiros ricos. Eles estão interessados em arte e ciência.

Os ricos e poderosos reúnem ao seu redor os talentosos e sábios. Poetas, filósofos, pintores e escultores conversam diariamente com seus patronos. Em algum momento, parecia que o povo era governado por sábios, como queria Platão.

Lembre-se dos antigos romanos e gregos. Eles também construíram uma sociedade de cidadãos livres, onde o principal valor é a pessoa (sem contar os escravos, é claro).

A Renascença não está apenas copiando a arte das civilizações antigas. Isto é uma mistura. Mitologia e Cristianismo. Realismo da natureza e sinceridade das imagens. Beleza física e espiritual.

Foi apenas um flash. O período da Alta Renascença é de cerca de 30 anos! Da década de 1490 a 1527 Desde o início do florescimento da criatividade de Leonardo. Antes do saque de Roma.

Miragem mundo ideal desapareceu rapidamente. A Itália era muito frágil. Ela logo foi escravizada por outro ditador.

No entanto, estes 30 anos identificaram as principais características Pintura europeia 500 anos à frente! Até .

Realismo de imagem. Antropocentrismo (quando o centro do mundo é o Homem). Perspectiva linear. Pinturas à óleo. Retrato. Cenário…

Incrivelmente, nestes 30 anos vários mestres brilhantes trabalharam ao mesmo tempo. Outras vezes, eles nascem um em cada 1000 anos.

Leonardo, Michelangelo, Rafael e Ticiano são os titãs do Renascimento. Mas é impossível não falar dos seus dois antecessores: Giotto e Masaccio. Sem o qual não haveria Renascimento.

1. Giotto (1267-1337)

Paulo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragmento da pintura “Cinco Mestres do Renascimento Florentino”. Início do século XVI. .

Século XIV. Proto-Renascimento. Seu personagem principal é Giotto. Este é um mestre que revolucionou sozinho a arte. 200 anos antes da Alta Renascença. Se não fosse por ele, dificilmente teria chegado a era da qual a humanidade tanto se orgulha.

Antes de Giotto existiam ícones e afrescos. Eles foram criados de acordo com os cânones bizantinos. Rostos em vez de rostos. figuras planas. Incompatibilidade proporcional. Em vez de uma paisagem - um fundo dourado. Como, por exemplo, neste ícone.

Guido da Siena. Adoração dos Magos. 1275-1280 Altenburg, Museu Lindenau, Alemanha.

E de repente aparecem os afrescos de Giotto. Neles figuras tridimensionais. Rostos de pessoas nobres. Velho e jovem. Triste. Triste. Surpreso. Diferente.

Afrescos de Giotto na Igreja Scrovegni em Pádua (1302-1305). Esquerda: Lamentação de Cristo. Meio: Beijo de Judas (detalhe). À direita: Anunciação de Santa Ana (mãe de Maria), fragmento.

A principal criação de Giotto é um ciclo de seus afrescos na Capela Scrovegni, em Pádua. Quando esta igreja foi aberta aos paroquianos, multidões entraram nela. Eles nunca viram isso.

Afinal, Giotto fez algo inédito. Ele traduziu histórias bíblicas em linguagem simples e compreensível. E tornaram-se muito mais acessíveis às pessoas comuns.

Gioto. Adoração dos Magos. 1303-1305 Afresco na Capela Scrovegni em Pádua, Itália.

Isto é o que será característico de muitos mestres do Renascimento. Laconismo de imagens. Emoções vivas dos personagens. Realismo.

Leia mais sobre os afrescos do mestre no artigo.

Giotto ficou admirado. Mas sua inovação não foi desenvolvida. A moda do gótico internacional chegou à Itália.

Somente depois de 100 anos aparecerá um sucessor digno de Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autorretrato (fragmento do afresco “São Pedro no púlpito”). 1425-1427 Capela Brancacci em Santa Maria del Carmine, Florença, Itália.

Início do século XV. O chamado Primeiro Renascimento. Outro inovador entra em cena.

Masaccio foi o primeiro artista a usar perspectiva linear. Foi projetado por seu amigo, o arquiteto Brunelleschi. Agora o mundo representado tornou-se semelhante ao real. A arquitetura de brinquedo é coisa do passado.

Masaccio. São Pedro cura com sua sombra. 1425-1427 Capela Brancacci em Santa Maria del Carmine, Florença, Itália.

Ele adotou o realismo de Giotto. Porém, ao contrário de seu antecessor, ele já conhecia bem a anatomia.

Em vez de personagens em blocos, Giotto é uma pessoa lindamente construída. Assim como os antigos gregos.

Masaccio. Batismo de neófitos. 1426-1427 Capela Brancacci, Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença, Itália.

Masaccio. Exílio do Paraíso. 1426-1427 Afresco na Capela Brancacci, Santa Maria del Carmine, Florença, Itália.

Masaccio viveu vida curta. Ele morreu, como seu pai, inesperadamente. Aos 27 anos.

No entanto, ele tinha muitos seguidores. Mestres das gerações seguintes foram à Capela Brancacci para aprender com seus afrescos.

Assim, a inovação de Masaccio foi adotada por todos os grandes artistas da Alta Renascença.

3.Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Auto-retrato. 1512 Biblioteca Real em Torino, Itália.

Leonardo da Vinci é um dos titãs da Renascença. Ele influenciou muito o desenvolvimento da pintura.

Foi da Vinci quem elevou o status do próprio artista. Graças a ele, os representantes desta profissão deixaram de ser apenas artesãos. Estes são os criadores e aristocratas do espírito.

Leonardo fez um grande avanço em primeiro lugar em pintura de retrato.

Ele acreditava que nada deveria desviar a atenção da imagem principal. O olho não deve desviar-se de um detalhe para outro. Então apareceu retratos famosos. Conciso. Harmonioso.

Leonardo da Vinci. Senhora com um arminho. 1489-1490 Museu Chertoryski, Cracóvia.

A principal inovação de Leonardo é que ele encontrou uma maneira de dar vida às imagens.

Antes dele, os personagens dos retratos pareciam manequins. As linhas eram claras. Todos os detalhes são cuidadosamente desenhados. Um desenho pintado não poderia estar vivo.

Leonardo inventou o método sfumato. Ele confundiu as linhas. Fez a transição da luz para a sombra muito suave. Seus personagens parecem estar cobertos por uma névoa quase imperceptível. Os personagens ganharam vida.

. 1503-1519 Louvre, Paris.

Sfumato entrará no vocabulário ativo de todos os grandes artistas do futuro.

Muitas vezes existe a opinião de que Leonardo, claro, é um gênio, mas não sabia como levar nada até o fim. E muitas vezes ele não terminava de pintar. E muitos de seus projetos ficaram no papel (aliás, em 24 volumes). Em geral, ele foi lançado na medicina e depois na música. Até a arte de servir ao mesmo tempo gostava.

No entanto, pense por si mesmo. 19 pinturas - e ele é o maior artista de todos os tempos e povos. E alguém não chega nem perto da grandeza, ao escrever 6.000 telas na vida. Obviamente, quem tem maior eficiência.

Sobre si mesma pintura famosa leia o assistente no artigo.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (detalhe). 1544 Museu Metropolitano de Arte, Nova York.

Michelangelo se considerava um escultor. Mas era mestre universal. Como seus outros colegas da Renascença. Portanto, o seu património pictórico não é menos grandioso.

Ele é reconhecível principalmente por personagens fisicamente desenvolvidos. Ele retratou um homem perfeito em quem a beleza física significa beleza espiritual.

Portanto, todos os seus personagens são tão musculosos e resistentes. Até mulheres e idosos.

Miguel Ângelo. Fragmentos do afresco do Juízo Final na Capela Sistina, Vaticano.

Muitas vezes Michelangelo pintou o personagem nu. E então adicionei roupas por cima. Para deixar o corpo o mais em relevo possível.

Ele pintou sozinho o teto da Capela Sistina. Embora sejam algumas centenas de números! Ele nem deixou ninguém esfregar a tinta. Sim, ele era insociável. Ele tinha uma personalidade dura e briguenta. Mas acima de tudo, ele estava insatisfeito consigo mesmo.

Miguel Ângelo. Fragmento do afresco "A Criação de Adão". 1511 Capela Sistina, Vaticano.

Michelangelo viveu uma vida longa. Sobreviveu ao declínio do Renascimento. Para ele foi uma tragédia pessoal. Suas obras posteriores estão cheias de tristeza e tristeza.

Em geral, a trajetória criativa de Michelangelo é única. Suas primeiras obras são o elogio ao herói humano. Livre e corajoso. Nas melhores tradições Grécia antiga. Como seu David.

EM últimos anos a vida é imagens trágicas. Uma pedra deliberadamente talhada. Como se diante de nós estivessem monumentos às vítimas do fascismo do século XX. Veja a sua "Pietà".

Esculturas de Michelangelo na Academia de Belas Artes de Florença. Esquerda: Davi. 1504 À direita: Pietà de Palestrina. 1555

Como isso é possível? Um artista passou por todas as fases da arte desde a Renascença até o século 20 em uma vida. O que farão as próximas gerações? Siga seu próprio caminho. Saber que a fasquia foi colocada muito alta.

5. Rafael (1483-1520)

. 1506 Galeria Uffizi, Florença, Itália.

Rafael nunca foi esquecido. Sua genialidade sempre foi reconhecida: tanto durante a vida quanto após a morte.

Seus personagens são dotados de uma beleza sensual e lírica. É ele quem é considerado o mais bonito imagens femininas já criado. A beleza externa reflete a beleza espiritual das heroínas. Sua mansidão. Seu sacrifício.

Rafael. . 1513 Galeria dos Velhos Mestres, Dresden, Alemanha.

As famosas palavras “A beleza salvará o mundo”, sobre as quais Fyodor Dostoiévski disse precisamente. Era sua foto favorita.

Contudo, as imagens sensoriais não são as únicas forte Rafael. Ele pensou com muito cuidado na composição de suas pinturas. Ele foi um arquiteto insuperável na pintura. Além disso, sempre encontrou a solução mais simples e harmoniosa na organização do espaço. Parece que não pode ser de outra forma.

Rafael. Escola de Atenas. 1509-1511 Afresco nas salas do Palácio Apostólico, Vaticano.

Rafael viveu apenas 37 anos. Ele morreu de repente. De um resfriado e erro médico. Mas o seu legado não pode ser subestimado. Muitos artistas idolatravam este mestre. E multiplicaram suas imagens sensuais em milhares de suas telas.

Ticiano era um colorista insuperável. Ele também experimentou muito com composição. Em geral, ele foi um inovador ousado.

Por tanto talento, todos o amavam. Chamado de "o rei dos pintores e o pintor dos reis".

Falando em Ticiano, quero colocar depois de cada frase Ponto de exclamação. Afinal, foi ele quem dinamizou a pintura. Pathos. Entusiasmo. Cor brilhante. Brilho de cores.

Ticiano. Ascensão de Maria. 1515-1518 Igreja de Santa Maria Gloriosi dei Frari, Veneza.

No final de sua vida, ele desenvolveu uma técnica de escrita incomum. Os traços são rápidos e grossos. A tinta foi aplicada com pincel ou com os dedos. A partir disso - as imagens ficam ainda mais vivas, respirando. E as tramas são ainda mais dinâmicas e dramáticas.

Ticiano. Tarquínio e Lucrécia. 1571 Museu Fitzwilliam, Cambridge, Inglaterra.

Isso não te lembra nada? Claro, é uma técnica. E técnica artistas do século XIX século: Barbizon e. Ticiano, como Michelangelo, viverá 500 anos de pintura numa só vida. É por isso que ele é um gênio.

SOBRE obra-prima famosa leia o assistente no artigo.

Os artistas renascentistas são donos de um grande conhecimento. Para deixar tal legado foi preciso estudar muito. No campo da história, astrologia, física e assim por diante.

Portanto, cada uma de suas imagens nos faz pensar. Por que isso é mostrado? Qual é a mensagem criptografada aqui?

Eles quase nunca estão errados. Porque eles pensaram cuidadosamente em seu trabalho futuro. Eles usaram toda a bagagem de seu conhecimento.

Eles eram mais que artistas. Eles eram filósofos. Eles nos explicaram o mundo através da pintura.

É por isso que eles sempre serão profundamente interessantes para nós.