Cultura musical e educação no Renascimento. Cultura musical abstrata do renascimento

Música no período dos séculos XV-XVII.

Na Idade Média, a música era prerrogativa da igreja, então a maioria das obras musicais eram sagradas, baseadas em hinos religiosos (canto gregoriano), que faziam parte da religião desde o início do cristianismo. No início do século VI, as melodias de culto, com a participação direta do Papa Gregório I, foram finalmente canonizadas. O canto gregoriano era executado por cantores profissionais. Depois que a música sacra dominou a polifonia, o canto gregoriano permaneceu a base temática das obras polifônicas de culto (missas, motetos, etc.).

A Idade Média foi seguida pelo Renascimento, que foi para os músicos uma era de descobertas, inovações e pesquisas, o Renascimento de todas as camadas de manifestações culturais e científicas da vida, da música e pintura à astronomia e matemática.

Embora, em geral, a música permanecesse religiosa, o enfraquecimento do controle da igreja sobre a sociedade abriu maior liberdade para compositores e intérpretes na manifestação de seus talentos.

Com a invenção da imprensa, tornou-se possível imprimir e distribuir partituras, e a partir desse momento começa o que chamamos de música clássica.

Nesse período, surgiram novos instrumentos musicais. Os mais populares eram os instrumentos nos quais os amantes da música podiam tocar com facilidade e simplicidade, sem exigir habilidades especiais.

Foi nessa época que surgiu a viola, antecessora do violino. Os trastes (tiras de madeira no braço da guitarra) facilitavam a execução e o som era silencioso, suave e tocava bem em locais pequenos.

Também populares foram instrumentos de vento- gravador, flauta e trompa. A música mais complexa foi escrita para o cravo recém-criado, virginal (cravo inglês, caracterizado por tamanho pequeno) e órgão. Ao mesmo tempo, os músicos não se esqueceram de compor músicas mais simples, que não exigiam habilidades de alto desempenho. Ao mesmo tempo, houve mudanças na escrita musical: pesados ​​blocos de impressão de madeira foram substituídos por letras móveis de metal inventadas pelo italiano Ottaviano Petrucci. As obras musicais publicadas se esgotaram rapidamente, mais e mais pessoas começaram a se juntar à música.

Imperdível: Grandes Eventos na História da Música Clássica na Itália.

Renascimento(Francês Renascimento) - uma era na vida cultural e histórica da Europa Ocidental nos séculos XV-XVI. (na Itália - séculos XIV-XVI). Este é o período do surgimento e desenvolvimento das relações capitalistas, da formação de nações, línguas e culturas nacionais. O Renascimento é a época das grandes descobertas geográficas, da invenção da imprensa, do desenvolvimento da ciência.

A era recebeu o nome de renascimento interessado em Antiguidade arte, que se tornou um ideal para as figuras culturais da época. Compositores e teóricos musicais - J. Tinktoris, J. Tsarlino e outros - estudaram tratados musicais gregos antigos; nas obras musicais de Josquin Despres, que é comparado a Michelangelo, "aumentou a perfeição perdida dos antigos gregos"; apareceu no final do século XVI - início do século XVII. a ópera é orientada para os padrões do drama antigo.

A arte renascentista foi baseada em humanismo(do latim "humanus" - humano, filantrópico) - uma visão que proclama o valor mais alto da pessoa, defende o direito de uma pessoa à sua própria avaliação dos fenômenos da realidade, apresenta a exigência de conhecimento científico e reflexão adequada na arte dos fenômenos da realidade. Os ideólogos do Renascimento opuseram à teologia da Idade Média um novo ideal de homem imbuído de sentimentos e interesses terrenos. Ao mesmo tempo, as características da época anterior foram mantidas na arte do Renascimento (sendo essencialmente secular, utilizou imagens da arte medieval).

O Renascimento também foi uma época de amplos movimentos religiosos antifeudais e anticatólicos (hussitismo na República Tcheca, luteranismo na Alemanha, calvinismo na França). Todos esses movimentos religiosos estão unidos pelo conceito comum " protestantismo" (ou " reforma»).

Durante o Renascimento, a arte (incluindo a música) gozou de grande prestígio público e tornou-se extremamente difundida. As artes plásticas (L. da Vinci, Rafael, Michelangelo, Jan van Eyck, P. Bruegel e outros), a arquitetura (F. Brunelleschi, A. Palladio), a literatura (Dante, F. Petrarca, F. Rabelais, M. Cervantes , W. Shakespeare), música.

Traços característicos da cultura musical do Renascimento:

desenvolvimento rápido secular música (ampla difusão de gêneros seculares: madrigais, frottols, villanelles, "chansons" francesas, canções polifônicas inglesas e alemãs), seu ataque violento à antiga cultura musical da igreja que existia paralelamente à secular;

realista tendências da música: novos enredos, imagens correspondentes a visões humanistas e, como resultado, novos meios expressividade musical;

povo melódico como o início principal de uma peça musical. Músicas folk são usados ​​como cantus firmus (a melodia de tenor principal e imutável em obras polifônicas) e em música polifônica (incluindo música sacra). A melodia torna-se mais suave, mais flexível, melodiosa, porque é uma expressão direta das experiências humanas;

desenvolvimento poderoso polifônico música, incluindo E " estilo estrito" (de outra forma - " polifonia vocal clássica", porque focado em performance vocal e coral). O estilo estrito implica a adesão obrigatória às regras estabelecidas (normas estritas de estilo foram formuladas pelo italiano J. Carlino). Mestres de estilo estrito dominaram a técnica de contraponto, imitação e cânone. A escrita estrita foi baseada em um sistema de modos diatônicos da igreja. As consonâncias dominam em harmonia, o uso de dissonâncias era estritamente limitado por regras especiais. Os modos principais e secundários e o sistema de relógio são adicionados. A base temática foi o canto gregoriano, mas também foram utilizadas melodias seculares. O conceito de estilo estrito não cobre toda a música polifônica do Renascimento. Centra-se principalmente na polifonia de Palestrina e O. Lasso;

a formação de um novo tipo de músico - profissional, que recebeu uma educação musical especial abrangente. O conceito de "compositor" aparece pela primeira vez;

a formação de escolas nacionais de música (inglesa, holandesa, italiana, alemã, etc.);

aparição dos primeiros artistas alaúde, viola, violino, cravo, órgão; florescimento da produção musical amadora;

surgimento da tipografia.

Principais gêneros musicais do Renascimento

Principais teóricos musicais do Renascimento:

Johannes Tinctoris (1446 - 1511),

Glarean (1488 - 1563),

Josephfo Carlino (1517 - 1590).

A era do Alto Renascimento.

(Da história da música italiana desde 1500)

O Renascimento é um período de mudança em todas as áreas da arte - pintura, arquitetura, escultura, música. Este período marcou a transição da Idade Média para o presente. O período entre 1500 e 1600, chamado de Alta Renascença, é o período mais revolucionário da história da música européia, o século em que a harmonia se desenvolveu e a ópera nasceu.

No século 16, a impressão de música se espalhou pela primeira vez, em 1501 o impressor veneziano Ottaviano Petrucci publicou o Harmonice Musices Odhecaton, a primeira grande coleção de música secular. Foi uma revolução na divulgação da música, e também contribuiu para que o estilo franco-flamengo se tornasse a língua musical dominante da Europa no século seguinte, uma vez que, como italiano, Petrucci incluía principalmente a música de compositores franco-flamengos em sua coleção. Posteriormente, ele publicou muitas obras e compositores italianos, tanto seculares quanto espirituais.

A Itália torna-se o centro da criação de cravos e violinos. Muitas oficinas de violino são abertas. Um dos primeiros mestres foi o famoso Andrea Amati de Cremona, que lançou as bases para uma dinastia de fabricantes de violinos. Ele fez mudanças significativas no design dos violinos existentes, o que melhorou o som e o aproximou do visual moderno.
Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - um excelente alaúde italiano e compositor do Renascimento, criou uma reputação para a Itália como um país de músicos virtuosos. Ele ainda é considerado o melhor tocador de alaúde de todos os tempos. Após o declínio do final da Idade Média, a música tornou-se um elemento importante da cultura.
Durante o Renascimento, o madrigal atingiu seu auge e se tornou o gênero musical mais popular da época. Os madrigalistas procuravam criar arte erudita, muitas vezes usando a poesia retrabalhada dos grandes poetas italianos do final da Idade Média: Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio e outros. A característica mais característica do madrigal era a ausência de cânones estruturais rígidos, o princípio básico era a livre expressão de pensamentos e sentimentos.
Compositores como o representante da escola veneziana, Cypriano de Rore, e o representante da escola franco-flamenga, Roland de Lassu, experimentaram aumentar o cromatismo, a harmonia, o ritmo, a textura e outros meios de expressão musical. A sua experiência continuará e culminará na era maneirista de Carlo Gesualdo.
Em 1558, Josephfo Zarlino (1517-1590), o maior teórico da música desde a época de Aristóteles até a era barroca, criou os Fundamentos da Gaita, nesta maior criação da ciência musical do século XVI, ele reviveu o antigo conceito de um número sonoro, substanciava a justificação teórica e estética de uma grande e pequena tríade. Seu ensino sobre música teve um impacto significativo na ciência musical da Europa Ocidental e formou a base de inúmeras características posteriores de maior e menor.

O Nascimento da Ópera (Camerata Florentina)

O fim do Renascimento foi marcado pelo acontecimento mais importante da história musical- o nascimento da ópera.
Um grupo de humanistas, músicos e poetas reuniu-se em Florença sob os auspícios de seu líder, o conde Giovanni De Bardi (1534 - 1612). O grupo era chamado de "kamerata", seus principais membros eram Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (pai do astrônomo Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri e Ottavio Rinuccini na juventude.
A primeira reunião documentada do grupo ocorreu em 1573, e os anos mais ativos da "Camerata de Florença" foram de 1577 a 1582.
Eles acreditavam que a música estava "corrompida" e buscavam retornar à forma e ao estilo da Grécia antiga, acreditando que a arte da música poderia ser aprimorada e, consequentemente, a sociedade também melhoraria. A Camerata criticou a música existente pelo uso excessivo da polifonia em detrimento da inteligibilidade do texto e da perda da componente poética da obra, e propôs a criação de um novo estilo musical em que o texto em estilo monódico fosse acompanhado por música instrumental. Seus experimentos levaram à criação de uma nova forma vocal e musical - o recitativo, usado pela primeira vez por Emilio de Cavalieri, posteriormente diretamente relacionado ao desenvolvimento da ópera.
No final do século XVI, os compositores começaram a ultrapassar os limites dos estilos renascentistas, a era barroca veio substituí-la por características próprias e novas descobertas na música. Um deles era Claudio Monteverdi.

Monteverdi. Presso in Fiume Tranquillo.

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (15/05/1567 - 29/11/1643) - compositor italiano, músico, cantor. O mais importante compositor do barroco, suas obras são frequentemente consideradas revolucionárias, marcando a transição da música do Renascimento para o Barroco. Ele viveu em uma época de grandes mudanças na música e foi ele mesmo o homem que a mudou.

Monteverdi, Venite, Venite.

Monteverdi. Da ópera "Orfeu"

A primeira ópera oficialmente reconhecida que atende aos padrões modernos foi a ópera "Daphne" (Daphne), apresentada pela primeira vez em 1598. Os autores de "Daphne" foram Jacopo Peri e Jacopo Corsi, libreto de Ottavio Rinuccini. Esta ópera não sobreviveu. A primeira ópera sobrevivente é "Eurydice" (1600) dos mesmos autores - Jacopo Peri e Ottavio Rinuccini. Esta união criativa ainda deu origem a muitas obras, muitas das quais se perderam.

Jacopo Peri. Tu dormi, e I dolce sonno.

Jacopo Peri. Hor che gli augelli.

Música sacra do século XVI.

O século XVI é caracterizado por uma influência muito forte da Igreja Católica e sua Inquisição no desenvolvimento da arte e da ciência na Europa. Em 1545, reuniu-se o Concílio de Trento, um dos mais importantes da história da Igreja Católica, cujo objetivo era responder ao movimento da Reforma. Em particular, a música da igreja foi considerada nesta catedral.
Alguns delegados buscaram retornar ao canto gregoriano monofônico e excluir o contraponto dos cantos, já havia uma proibição tácita do uso do estilo polifônico na música sacra, incluindo quase todas as sequências. O motivo dessa posição foi a crença de que a música polifônica, devido aos plexos contrapontísticos, empurra o texto para segundo plano, ao mesmo tempo em que a harmonia musical da obra é violada.
Uma comissão especial foi criada para resolver a disputa. Esta comissão encarregou Giovanni Pierluigi da Palestrina (1514-1594), um dos maiores compositores de música sacra, de compor missas experimentais, atendendo a todos os requisitos das partes. Palestrina criou três missas a seis vozes, incluindo sua mais famosa "Missa do Papa Marcelo", dedicada ao Papa Marcelo II, seu patrono na juventude. Essas obras tiveram forte influência sobre o clero e acabaram com a disputa, cessaram os discursos contra o uso do contraponto na música sacra.
A obra de Giovanni Pierluigi Palestrina é o ápice do desenvolvimento da música sacra contrapontística a capella, combinando todas as combinações possíveis de polifonia e clareza de textos.

Palestina. Sicut Cervus.

Palestina. gloria

Resumo: Música do Renascimento

AGÊNCIA FEDERAL DE EDUCAÇÃO

SEI HPE "Universidade Estadual de Mari"

Faculdade da Escola Primária

Especialidade: 050708

"Pedagogia e Métodos do Ensino Primário"

Departamento: "Pedagogia do ensino primário"

Teste

"Música do Renascimento"

Yoshkar-Ola 2010

A era do Renascimento (Renascimento) é a época do apogeu de todos os tipos de arte e o apelo de suas figuras a tradições e formas antigas.

O Renascimento tem fronteiras históricas e cronológicas desiguais em diferentes países da Europa. Na Itália, começa no século XIV, na Holanda começa no século XV e na França, Alemanha e Inglaterra, seus sinais se manifestam com mais clareza no século XVI. Ao mesmo tempo, o desenvolvimento de laços entre diferentes escolas criativas, a troca de experiência entre músicos que se deslocaram de país para país, trabalharam em diferentes capelas, torna-se um sinal dos tempos e permite falar de tendências comuns a todo o era.

A cultura artística do Renascimento é um começo pessoal baseado na ciência. A habilidade extraordinariamente complexa dos polifonistas dos séculos XV-XVI, sua técnica virtuosa coexistia com a brilhante arte das danças cotidianas, a sofisticação dos gêneros seculares. O lírico-dramatismo ganha cada vez mais expressão em suas obras.

Assim, como podemos ver, o período renascentista é um período difícil na história do desenvolvimento da arte musical, por isso parece razoável considerá-lo com mais detalhes, prestando a devida atenção às personalidades individuais.

A música é a única língua do mundo, não precisa ser traduzida, a alma fala com a alma nela.

Averbakh Berthold.

Música renascentista, ou música renascentista, refere-se ao período de desenvolvimento da música européia entre 1400 e 1600. Comece na Itália nova era veio para a arte musical no século XIV. A escola holandesa tomou forma e atingiu seu primeiro auge no século XV, após o que seu desenvolvimento se expandiu, e a influência de uma forma ou de outra capturou os mestres de outras escolas nacionais. Os sinais do Renascimento manifestaram-se claramente na França do século XVI, embora suas realizações criativas tenham sido grandes e indiscutíveis mesmo nos séculos anteriores.

PARA século XVI refere-se à ascensão da arte na Alemanha, Inglaterra e alguns outros países incluídos na órbita do Renascimento. E, no entanto, com o tempo, o novo movimento criativo tornou-se decisivo para a Europa Ocidental como um todo e respondeu à sua maneira nos países da Europa Oriental.

A música do Renascimento revelou-se completamente alheia aos sons ásperos e ásperos. As leis da harmonia constituíam sua essência principal.

A posição de liderança ainda era ocupada música espiritual, soando durante o serviço religioso. No Renascimento, ela preservou os principais temas da música medieval: louvor ao Senhor e Criador do mundo, santidade e pureza do sentimento religioso. O principal objetivo dessa música, como disse um de seus teóricos, é "agradar a Deus".

Missas, motetos, hinos e salmos formaram a base da cultura musical.

Missa - composição musical, que é uma coleção de partes da liturgia católica de rito latino, cujos textos são musicados para canto monofônico ou polifônico, acompanhados por instrumentos musicais ou sem, para acompanhamento musical de culto solene na Igreja Católica Romana e igrejas protestantes de alta direção, por exemplo, na Igreja da Suécia.

Missas de valor musical também são executadas fora do culto em concertos; além disso, muitas missas de épocas posteriores foram especialmente compostas para apresentação em uma sala de concertos ou por ocasião de algum tipo de celebração.

A missa da igreja, voltando às melodias tradicionais do canto gregoriano, expressou com mais clareza a essência da cultura musical. Como na Idade Média, a massa consistia em cinco partes, mas agora tornou-se mais majestosa e em grande escala. O mundo já não parecia tão pequeno e observável ao homem. vida normal com suas alegrias terrenas já deixou de ser considerado pecaminoso.

Moteto (fr. moteto de mot- palavra) - uma obra vocal polifônica de um armazém polifônico, um dos gêneros centrais da música da Idade Média da Europa Ocidental e do Renascimento.

Hino (grego antigo ὕμνος) é uma canção solene louvando e glorificando alguém ou algo (originalmente uma divindade).

Salmo (grego ψαλμός " hino”), r.p. salmo, pl. salmos (grego ψαλμοί) são hinos de judeus (hebraico תהילים‎) e poesia religiosa cristã e oração (do Antigo Testamento).

Eles compõem o Saltério, o 19º livro do Antigo Testamento. A autoria dos salmos é tradicionalmente atribuída ao rei Davi (c. 1000 aC) e vários outros autores, incluindo Abraão, Moisés e outras figuras lendárias.

No total, o Saltério inclui 150 salmos, divididos em orações, louvores, cânticos e ensinamentos.

Os Salmos tiveram um grande impacto no folclore e foram a fonte de muitos provérbios. No judaísmo, os salmos eram cantados na forma de hinos com acompanhamento. A cada salmo, via de regra, indicava-se o método de execução e o “modelo” (denominado entonação no canto gregoriano), ou seja, a melodia correspondente. O Saltério ocupou um lugar importante no Cristianismo. Os salmos eram cantados durante os serviços divinos, orações domésticas, antes da batalha e quando se moviam em formação. Inicialmente, eram cantadas por toda a comunidade na igreja. Os salmos eram cantados a cappella, só em casa era permitido o uso de instrumentos. O tipo de performance era recitativo-salmódico. Além de salmos inteiros, versos individuais e mais expressivos deles também foram usados. Com base nisso, surgiram cantos independentes - antífona, gradual, caminho e aleluia.

Gradualmente, as tendências seculares começaram a penetrar nas obras dos compositores da igreja. Os temas são introduzidos com ousadia no tecido polifônico dos hinos da igreja músicas folk nada religioso. Mas agora não contradizia o espírito geral e os humores da época. Pelo contrário, na música milagrosamente uniu o divino e o humano.

A música sacra atingiu o seu apogeu no século XV. na Holanda. Aqui a música era mais reverenciada do que outras formas de arte. Compositores holandeses e flamengos foram pioneiros nas novas regras polifônico performance (polifônica) - clássica" estilo estrito". A técnica composicional mais importante dos mestres holandeses foi imitação- repetição da mesma melodia vozes diferentes. A voz principal era o tenor, a quem foi confiada a principal melodia repetitiva - cantus firmus ("melodia imutável"). O baixo soava abaixo do tenor e o alto soava acima. O mais alto, isto é, elevando-se acima de tudo, a voz foi chamada soprano.

Com a ajuda de cálculos matemáticos, os compositores holandeses e flamengos conseguiram calcular a fórmula de combinação intervalos musicais. O principal objetivo da escrita é a criação de uma construção sonora harmoniosa, simétrica e grandiosa, internamente completa. Um dos representantes mais brilhantes desta escola, Johannes Okeghem (c. 1425-1497), com base em cálculos matemáticos, compôs um moteto para 36 vozes!

Todos os gêneros característicos da escola holandesa estão representados na obra de Okeghem: missa, moteto e chanson. O gênero mais importante para ele é a missa, ele se mostrou um excelente polifonista. A música de Okeghem é muito dinâmica, a linha melódica se move em uma ampla gama, tem uma ampla amplitude. Ao mesmo tempo, Okeghem é caracterizado por uma entonação suave, o mais puro pensamento diatônico e modal antigo. Portanto, a música de Okeghem é frequentemente caracterizada como "voltada para o infinito", "flutuando" em um ambiente figurativo um tanto distante. É menos relacionado ao texto, rico em cantos, improvisado, expressivo.

Muito poucos dos escritos de Okeghem sobrevivem:

cerca de 14 massas (11 completamente):

· Requiem Missa pro Defunctis (o primeiro réquiem polifônico da história da literatura musical mundial);

9-13 (de acordo com várias fontes) motetos:

mais de 20 canções

São muitas as obras cuja titularidade do Okegem é questionada, entre elas o famoso moteto "Deo gratias" para 36 vozes. Algumas canções anônimas são atribuídas a Okegem com base na semelhança de estilo.

As treze missas de Okeghem estão preservadas em um manuscrito do século XV conhecido como códice Chigi.

Entre as missas, predominam as missas a quatro, há duas missas a cinco e uma a oito. Ockeghem usa folk ("L'homme armé"), suas próprias melodias ("Ma maistresse") ou melodias de outros autores como temas de missas (por exemplo, Benchois em "De plus en plus"). Há missas sem temas emprestados ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

motetos e chanson

Os motetos e chansons de Okeghem estão diretamente adjacentes às suas missas e diferem delas principalmente em sua escala. Entre os motetos encontram-se obras magníficas e festivas, bem como composições corais espirituais mais estritas.

O mais famoso é o moteto festivo de ação de graças "Deo gratias", escrito para quatro composições de nove vozes e, portanto, considerado de 36 vozes. Na verdade, consiste em quatro cânones de nove partes (sobre quatro tópicos diferentes), que se seguem um após o outro com ligeiras sobreposições do início do próximo na conclusão do anterior. Existem 18 vozes nos overdubs, não há 36 vozes reais no moteto.

Não menos interessante é a obra do compositor holandês Orlando Lasso (c. 1532-1594), que criou mais de duas mil obras de caráter cultuado e secular.

Lasso é o compositor mais prolífico de seu tempo; devido ao enorme património, o significado artístico das suas obras (muitas das quais foram encomendadas) ainda não foi totalmente apreciado.

Trabalhou exclusivamente em gêneros vocais, incluindo mais de 60 missas, um réquiem, 4 ciclos de paixões (segundo todos os evangelistas), ofícios da Semana Santa (responsários das matinas da Quinta-feira Santa, Sexta-feira Santa e Ótimo sábado), mais de 100 magnificats, hinos, faubourdons, cerca de 150 franceses. chanson (sua chanson "Susanne un jour", uma paráfrase da história bíblica sobre Susanna, foi uma das peças mais populares do século XVI), italiana (villanelles, moresques, canzones) e canções alemãs (mais de 140 Lieder), cerca de 250 madrigais.

Lasso se distingue pelo desenvolvimento mais detalhado de textos sobre idiomas diferentes, tanto litúrgicas (incluindo textos das Sagradas Escrituras) como livremente compostas. A seriedade e o drama do conceito, os longos volumes distinguem a composição “Lágrimas de São Pedro” (um ciclo de madrigais espirituais a 7 vozes para poemas de Luigi Tranzillo, publicado em 1595) e “Salmos penitenciais de David” (manuscrito de 1571 em formato fólio decorado com ilustrações de G. Milich, que fornecem valioso material iconográfico sobre a vida, incl. entretenimento musical, tribunal bávaro).

No entanto, na música secular, Lasso não era estranho ao humor. Por exemplo, na canção “Beber em três pessoas é distribuído nas festas” (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum), uma velha anedota da vida dos Vagantes é contada; na famosa canção "Matona mia cara", um soldado alemão canta uma serenata de amor, distorcendo as palavras italianas; no hino "Ut queant laxis" é imitado um solfejo azarado. Várias peças curtas brilhantes de Lasso são escritas em versos muito frívolos, por exemplo, a canção "A senhora olhou com interesse para o castelo / A natureza olhou para a estátua de mármore" (En un chasteau ma dame ...), e algumas canções (especialmente mores) contêm vocabulário obsceno.

música secular O Renascimento foi representado por vários gêneros: madrigais, canções, canzones. A música, tendo deixado de ser "serva da igreja", passou a soar não em latim, mas na língua nativa. O gênero mais popular da música secular eram os madrigais (italiano Madrigal - uma canção na língua nativa) - composições corais de muitas vozes escritas no texto de um poema lírico de conteúdo amoroso. Na maioria das vezes, poemas de mestres famosos foram usados ​​\u200b\u200bpara esse fim: Dante, Francesco Petrarca e Torquato Tasso. Os madrigais eram interpretados não por cantores profissionais, mas por todo um conjunto de amadores, onde cada parte era conduzida por um cantor. O clima principal do madrigal é tristeza, melancolia e melancolia, mas também havia composições alegres e vivas.

Pesquisador moderno da cultura musical D.K. Kirnarskaya observa:

Madrigal virou tudo sistema de música do Renascimento: a mesma e harmoniosa plasticidade melódica da missa desmoronou... o imutável cantus firmus, a base do todo musical, também desapareceu... os métodos usuais de desenvolvimento de "escrita estrita"... e contrastes melódicos de episódios, cada um dos quais tentou transmitir o pensamento poético contido no texto da forma mais expressiva possível. Madrigal finalmente minou as forças enfraquecidas do "estilo estrito".

Nenhum gênero menos popular de música secular era a música acompanhada por instrumentos musicais. Ao contrário da música tocada na igreja, as canções eram bastante simples de executar. Seu texto rimado foi claramente dividido em estrofes de 4 a 6 linhas. Nas canções, como nos madrigais, o texto adquiria grande importância. Quando executadas, as linhas poéticas não devem ser perdidas no canto polifônico. As músicas eram famosas compositor francês Clement Janequin (c.1485-1558). Clement Janequin escreveu cerca de 250 canções, a maioria para 4 vozes, para poemas de Pierre Ronsard, Clement Marot, M. de Saint-Gele, poetas anônimos. No que diz respeito a mais 40 canções, a ciência moderna contesta a autoria de Janequin (o que, no entanto, não diminui a qualidade dessa música contestada em si). A principal característica distintiva de sua música polifônica secular é programática e pictórica. Diante da mente do ouvinte estão imagens da batalha ("Battle of Marignano", "Battle of Renty", "Battle of Metz"), cenas de caça ("Birdsong", "Nightingale Singing", "Lark"), cenas cotidianas cenas ("conversa de mulheres"). Janequin transmite vividamente a atmosfera da vida cotidiana em Paris na canção "Cries of Paris", onde se ouvem os gritos dos vendedores ambulantes ("Leite!" - "Tortas!" - "Alcachofras!" - "Peixe!" - "Fósforos !" - "Pombas!" - "Sapatos velhos!" - "Vinho!"). Com toda a engenhosidade na textura e no ritmo, a música de Janequin no campo da harmonia e do contraponto continua muito tradicional.

O Renascimento marcou o início criatividade compositor profissional. Um representante marcante dessa nova tendência é, sem dúvida, Palestrina (1525-1594). Seu legado inclui muitas obras de música sacra e profana: 93 missas, 326 hinos e motetos. Ele é o autor de dois volumes de madrigais seculares com as palavras de Petrarca. Por muito tempo trabalhou como regente do coro da Basílica de São Pedro, em Roma. A música da igreja que ele criou se distingue pela pureza e elevação dos sentimentos. A música secular do compositor está imbuída de extraordinária espiritualidade e harmonia.

Devemos o Renascimento à formação música instrumental como uma forma de arte independente. Nessa época, surgem diversas peças instrumentais, variações, prelúdios, fantasias, rondós, tocatas. Entre os instrumentos musicais, o órgão, cravo, viola, vários tipos de flautas são especialmente populares, e no final do século XVI. - violino.

O Renascimento termina com o surgimento de novos gêneros musicais: canção solo, oratório e ópera. Se antes o templo era o centro da cultura musical, desde então a música soava na casa de ópera. E aconteceu assim.

Na cidade italiana de Florença no final do século XVI. começou a se reunir poetas talentosos, atores, cientistas e músicos. Nenhum deles então pensou em qualquer descoberta. E, no entanto, foram eles que estavam destinados a fazer uma verdadeira revolução na arte teatral e musical. Retomando as produções das obras dos antigos dramaturgos gregos, passaram a compor suas próprias músicas, correspondendo, em sua opinião, à natureza do drama antigo.

Membros câmeras(como era chamada essa sociedade) pensou cuidadosamente no acompanhamento musical de monólogos e diálogos de personagens mitológicos. Atores foram obrigados a realizar partes faladas recitativo(recitação, fala cantada). E embora a palavra continuasse a ter um papel preponderante em relação à música, o primeiro passo estava dado para a sua convergência e fusão harmónica. Tal performance possibilitou transmitir em maior medida a riqueza do mundo interior de uma pessoa, suas experiências e sentimentos pessoais. Com base em tais partes vocais surgiram árias- episódios concluídos em uma performance musical, incluindo uma ópera.

A casa de ópera rapidamente conquistou o amor e se tornou popular não apenas na Itália, mas também em outros países europeus.

Lista de literatura usada

1) Dicionário Enciclopédico de um Jovem Músico / Comp. V.V. Medushevsky, O.O. Ochakovskaya. - M.: Pedagogia, 1985.

2) Mundo cultura artística. Das origens ao século XVII: manual. para 10 células. Educação geral instituições humanitárias / G.I. Danilova. - 2ª ed., estereótipo. – M.: Abetarda, 2005.

3) Materiais do arquivo de música renascentista: http://manfredina.ru/

Capítulo 1 Características da cultura musical e da arte do Renascimento

1.1 Características filosóficas e estéticas da cultura do Renascimento

O Renascimento, ou o Renascimento (fr. renaissance), - um ponto de virada na história dos povos europeus, o tempo das grandes descobertas. O Renascimento marca o início de uma nova etapa na história da cultura mundial. Esta etapa, como observou F. Engels, foi a maior convulsão progressiva de todas as experimentadas pela humanidade até então. E, de fato, o Renascimento trouxe consigo mudanças significativas em várias áreas da economia, da ciência, da cultura, abriu uma nova forma de entender o mundo e determinou o lugar do homem nele.

Na Itália, novas tendências surgiram já na virada dos séculos XIII-XIV, em outros países europeus - em séculos XV-XVI. Este tempo é caracterizado por: a transição do feudalismo para o capitalismo, descobertas geográficas, comércio, empreendimento pessoal, a libertação do homem das restrições de classe. E também no Renascimento nasce a ciência moderna, especialmente a ciência natural. Basta recordar as brilhantes conjecturas científicas de Leonardo da Vinci, a fundação de Francis Bacon, as teorias astronômicas de Copérnico, as descobertas geográficas de Colombo e Magalhães.

Sem dúvida, tudo isso não poderia deixar de afetar a natureza da visão de mundo. O Renascimento é uma revolução, antes de tudo, no sistema de valores, na avaliação de tudo o que existe e em relação a ele. Há uma convicção de que uma pessoa é o valor mais alto, nasce a filosofia do humanismo. O humanismo apresenta uma interpretação completamente nova das categorias estéticas, que se desenvolveu com base em uma nova compreensão do mundo.

Uma das categorias centrais foi o conceito de "harmonia". A estética do Renascimento desenvolve uma ideia diferente de harmonia, baseada em uma nova compreensão da natureza, do ser e do homem. Se a Idade Média via na harmonia uma simples marca do ideal, criatividade, beleza divina, então na consciência estética do Renascimento, a harmonia aparece, antes de tudo, como o desenvolvimento dos potenciais criativos da própria natureza, como uma unidade dialética do corporal e espiritual, ideal e material.

Os humanistas buscaram o ideal de uma pessoa harmoniosa na antiguidade, e os antigos gregos e arte romana serviu de modelo para sua criatividade artística. No entanto, falando sobre a estética do Renascimento, é necessário observar o fato de que, apesar de seu suporte antigo, ainda diferia dele. A estética renascentista prega a imitação da natureza não pior do que a antiga, mas perscrutando essas teorias revivalistas da imitação, pode-se notar também que em primeiro plano não é tanto a natureza quanto o artista, sua personalidade, seus sentimentos. Primeiro, o artista, com base em seu próprio gosto estético, seleciona certos processos da natureza e só então os submete ao processamento artístico. Os teóricos do Renascimento podem traçar a seguinte comparação: o artista deve criar como Deus criou o mundo, e ainda mais perfeito do que isso.

Assim, o Renascimento, valendo-se das lições da antiguidade, introduziu inovações. Ele não trouxe de volta à vida todos os gêneros antigos, mas apenas aqueles que estavam em sintonia com as aspirações de seu tempo e cultura. O Renascimento combinou uma nova leitura da antiguidade com uma nova leitura do cristianismo. O Renascimento aproximou esses dois princípios fundamentais. cultura europeia.

Deus não determinou o lugar do homem na hierarquia, diz Pico em sua famosa Oração sobre a Dignidade do Homem: você tinha por vontade própria de acordo com sua vontade e sua decisão. A imagem de outras criações é determinada dentro dos limites das leis que estabelecemos. Mas você, não limitado por nenhum limite, determinará sua imagem de acordo com sua decisão, em cujo poder eu o deixo. Aqui, o pensador italiano coloca uma pessoa no centro do mundo, é uma pessoa que não tem uma natureza especial, deve formá-la ela mesma, como tudo o que a rodeia.

Assim, o principal no Renascimento é a promoção e aprovação da personalidade humana na cultura e na sociedade, o que resulta em várias formas de antropocentrismo revivalista. O antropocentrismo trouxe à tona não apenas uma pessoa, mas uma pessoa como princípio ativo e ativo. Como resultado de toda essa afirmação de um princípio material criativo e ativo, gradualmente começaram a emergir nova imagem homem, seu novo tipo - "homo faber" - "homem-criador", "homem-criador". É nela que se formam os alicerces do novo sentido europeu da personalidade - uma personalidade individualista autónoma, consciente do seu próprio valor, activa e carente de liberdade. De agora em diante personalidade humana, e não o mundo, não o todo, torna-se pela primeira vez o ponto de partida para a formação de um sistema de percepção do mundo.

Com particular brilho, os sinais de uma nova visão de mundo emergiram e depois se firmaram Criatividade artística, no movimento progressivo de várias artes, para o qual a “revolução das mentes” que o Renascimento produziu revelou-se extremamente importante.

No Renascimento, a arte desempenhou um papel excepcional na cultura e, em grande medida, determinou a face da época. Não há dúvida de que o humanismo em seu entendimento "revivalista" derramou uma tremenda energia fresca na arte de seu tempo, inspirou artistas a buscar novos temas e determinou em grande parte a natureza das imagens e o conteúdo de suas obras. A cultura medieval foi substituída por uma cultura nova, secular e humanista, livre do dogma da igreja e da escolástica.

A arte do Renascimento é caracterizada pela afirmação dos princípios do realismo e do humanismo na literatura, no teatro e nas artes plásticas. A arte do Renascimento é, antes de tudo, uma arte secular que surgiu com base no humanismo, que desloca as ideias religiosas e desperta o interesse pela vida real, revela a identidade individual do indivíduo e revela as qualidades socialmente típicas e características de um pessoa.

Todas as principais formas de arte - pintura, gráficos, escultura, arquitetura, música - estão mudando tremendamente. Uma análise dos monumentos culturais do Renascimento atesta o afastamento de muitos dos princípios mais importantes da visão de mundo feudal. No criador de uma obra de arte, que gradualmente se liberta da ideologia da igreja, o mais valorizado é uma visão artística aguçada das coisas, independência profissional, habilidades especiais, e suas criações adquirem um caráter autossuficiente e não sagrado.

Uma característica da arte do Renascimento foi um florescimento sem precedentes da pintura realista. O retrato realista do Renascimento está associado às obras de artistas famosos como Jan van Eyck, Leonardo da Vinci, Rafael, Dürer, Ticiano. Os retratos são permeados pelo pathos da afirmação do indivíduo, a consciência de que a diversidade e o brilho dos indivíduos é uma característica necessária de uma sociedade em desenvolvimento normal. Foi no Renascimento que a pintura revelou pela primeira vez as possibilidades inerentes a ela para uma ampla cobertura da vida, a representação da atividade humana e do ambiente de vida circundante. O ascetismo medieval e o desprezo por tudo o que é terreno estão agora sendo substituídos por um ávido interesse pelo mundo real, pelo homem, pela consciência da beleza e grandeza da natureza.

Deve-se notar que o desenvolvimento da ciência foi de grande importância para a pintura, assim como para a arte em geral. Na arte, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem começam a se entrelaçar. A verdadeira imagem do mundo e do homem devia basear-se no seu conhecimento, pelo que o princípio cognitivo desempenhou um papel particularmente importante na arte da época. A paixão pela ciência contribuiu para o domínio da anatomia humana, o desenvolvimento de uma perspectiva realista, a transmissão espetacular do ambiente aéreo, a habilidade de construir ângulos, tudo o que era necessário para que os pintores retratassem verdadeiramente uma pessoa e a realidade que a cerca. Produzido novo sistema visão artística do mundo, baseada na confiança nas percepções sensoriais humanas, principalmente visuais. Retratar como vemos, em unidade com o ambiente - este é o princípio inicial dos artistas renascentistas.

No período do final do Renascimento, isso foi complementado pelo desenvolvimento de um sistema de técnicas que dão expressividade emocional direta a uma pincelada, domínio da transmissão dos efeitos da consagração, compreensão dos princípios da perspectiva luz-ar. Os criadores da teoria da perspectiva são artistas famosos como Masaccio, Alberti, Leonardo da Vinci. A descoberta da perspectiva não foi de pouca importância; ajudou a expandir a gama de fenômenos retratados, incluindo o espaço, a paisagem e a arquitetura na pintura.

O conteúdo humanístico progressivo da cultura do Renascimento também se expressou vividamente na arte teatral, que foi significativamente influenciada pelo drama antigo. Ele é caracterizado pelo interesse pelo mundo interior de uma pessoa dotada de traços de uma individualidade poderosa. Características distintas A arte teatral do Renascimento foi o desenvolvimento das tradições da arte popular, pathos de afirmação da vida, uma ousada combinação de elementos trágicos e cômicos, poéticos e bufões. Tal é o teatro da Itália, Espanha, Inglaterra.

Na arquitetura, os ideais do humanismo de afirmação da vida, o desejo de uma beleza harmoniosa e clara das formas, afetados com não menos força do que em outras formas de arte e causaram uma virada decisiva no desenvolvimento da arquitetura. O apelo à tradição clássica desempenhou um papel particularmente importante. Manifestou-se não só na rejeição das formas góticas e no renascimento do antigo sistema de ordem, mas também na clássica proporcionalidade das proporções, no desenvolvimento de um tipo de edifício centrado na arquitetura do templo com um espaço interior facilmente visível.

Edifícios seculares foram amplamente desenvolvidos, são vários edifícios da cidade - prefeituras, casas de guildas mercantes, universidades, fontes do mercado. Ao mesmo tempo, junto com a arquitetura que atende às necessidades sociais da cidade, surge um tipo de arquitetura completamente novo em comparação com a Idade Média, a morada de um burguês rico - o palazzo, que com extraordinária facilidade reflete o espírito de a atmosfera festiva reinante nos palácios dos aristocratas da época. Assim, a arte do Renascimento entrou em um novo estágio de desenvolvimento em que procurou conhecer e exibir mundo real, sua beleza, riqueza, diversidade através de novos métodos e técnicas.

1.2 O lugar da música no sistema artístico renascentista

As leis gerais do desenvolvimento da arte, uma nova compreensão filosófica e estética da essência e natureza da harmonia, característica do Renascimento, também se manifestaram na música. Como outras formas de arte da época, a música também é caracterizada por um surto ativo de forças criativas, tendências humanísticas.

Note-se que a música neste período ocupa um lugar especial no sistema das artes, cedendo o lugar dominante apenas à pintura. Segundo Leonardo da Vinci, a música era apenas "a irmã mais nova da pintura" e até a servia. “A pintura supera a música e a domina”, “A música é serva da pintura”.

Não se pode deixar de concordar com a definição de grande artista, a música realmente ocupou longe do primeiro lugar no sistema das artes, mas, no entanto, desempenhou um papel importante na cultura do Renascimento, deixou uma marca no desenvolvimento posterior, tanto no campo da cultura musical e arte em geral. A cultura musical do Renascimento é uma espécie de transição da Idade Média para a Nova Era, para uma época em que esta arte soa e é percebida de uma nova forma.

A música possuía, talvez, possibilidades especialmente amplas de influência social; mais do que outras artes, era onipresente: uma parte invariável da vida das pessoas comuns, propriedade de muitos grupos, o que a distingue significativamente da música da Idade Média . Partida de tradição medieval mais tangível no tratado "Música Prática" de Ramis da Pareja. Ramis diz: “Que ninguém tenha medo da grandeza da filosofia, ou da complexidade da aritmética, ou da complexidade das proporções. um músico experiente. Nós nos propusemos a tarefa de ensinar não apenas filósofos ou matemáticos; qualquer pessoa familiarizada com os fundamentos da gramática entenderá este nosso trabalho. Aqui tanto um rato quanto um elefante podem nadar da mesma maneira; e sobrevoar e Dédalo e Ícaro." Neste tratado, Ramis critica duramente música medieval, sugere que os teóricos escreveram suas composições apenas para músicos - profissionais e cientistas, enquanto a música, em sua opinião, deveria abranger um segmento mais amplo da população. Sem dúvida, a obra de Ramis teve um impacto significativo em seus contemporâneos, as tradições da Idade Média foram fortemente minadas, a transição da Idade Média para a Nova Era, para o Renascimento, está em andamento.

O Renascimento, com sua visão de mundo humanista, teve um grande impacto na cultura musical. Para a arte musical, o humanismo significava, antes de tudo, aprofundar os sentimentos de uma pessoa, reconhecendo um novo valor estético por trás deles. Isso contribuiu para a identificação e implementação das propriedades mais fortes da especificidade musical. As características mais distintas do início do Renascimento foram encontradas na arte da Ars nova italiana do século XIV, cujo principal representante foi Francesco Landino. Em sua obra, a ênfase é colocada na arte profissio- Língua nacional.

No futuro, uma onda de transformações no campo da arte musical varreu outros países europeus. Na música francesa, apareceu uma música polifônica - chanson, representantes: K. Zhaneken, K. de Sermisi, G. Kotelet e outros; esse gênero foi imbuído do gênero folk cotidiano, gravitando em direção à representação realista do programa, que testemunhou um afastamento acentuado da música sacra. Na música da Espanha, gêneros musicais de origem folclórica, como villancico e romance, são marcados com características renascentistas. A música profissional alemã é caracterizada por uma canção polifônica com uma melodia principal em tenor, que gravita em torno de um armazém coral harmonioso.

No Renascimento, inicia-se o intenso desenvolvimento da música instrumental, mantendo uma ligação com os gêneros vocais. A influência da arte popular na música espiritual está crescendo, especialmente em países abrangidos pelo movimento anticatólico da Reforma, que trouxe à vida hinos hussitas na República Tcheca, canto protestante na Alemanha, salmos huguenotes na França. No entanto, a igreja continuou a desempenhar o papel de um poderoso centro organizacional, sendo o condutor da ideologia oficial, trouxe a maior parte dos compositores profissionais.

Mas, apesar disso, os gêneros vocais e vocais-instrumentais seculares avançados declararam cada vez mais alto seu direito a mais lugar significativo na cultura musical, buscaram suplantar missas, motetos e gêneros de música sacra próximos a eles. Isso se deveu ao fato de que esses gêneros, destinados tanto à igreja (na execução magistral de uma capela coral bem organizada), quanto (moteto) à corte de um determinado rei, príncipe, duque (na transmissão artística por meio de uma capela da corte) não eram muito propícios à expressão de sua própria personalidade. Somente com o tempo, quando uma atmosfera estética diferente se desenvolveu nos círculos humanísticos, o lirismo e o drama adquiriram uma corporificação mais ampla e livre, primeiro no madrigal italiano e depois nos primeiros exemplos de um novo gênero - “drama sobre música”, isto é , ópera italiana.

Os gêneros de madrigais e canções italianos, alemães e ingleses refletiam claramente a atenção ao mundo interior do indivíduo, característica da arte humanística do Renascimento. Uma manifestação significativa de tendências realistas avançadas na música não foi apenas a criação de novos enredos, novas imagens musicais e poéticas, mas também mudanças de longo alcance nos meios de expressão musical. A melodia folclórica aparece em muitos gêneros de música de compositores. As canções folclóricas são usadas como um cantus firmus (a base de uma melodia repetidamente repetida que foi na segunda voz do fundo de obras polifônicas) e na música polifônica. Desenvolvimento adicional a polifonia na Europa Ocidental levou ao desenvolvimento e consolidação dos padrões do chamado "estilo estrito" - um dos picos da então música polifônica. O estilo estrito até hoje é uma etapa essencial na história da polifonia.

A principal conquista da música avançada foi o novo caráter de toda a entonação - desenvolvimento melódico, suavidade, flexibilidade, melodiosidade; um grau mais significativo de generalização da melodia do "big breath" em comparação com o passado - a expressão mais vívida das experiências humanas.

Uma grande conquista da cultura musical do Renascimento foi o desenvolvimento de uma música instrumental baseada em novas variedades de instrumentos melódicos de cordas que permitiam "cantar" sobre instrumentos (viola, lira de arco, gamba, violino) e, por outro lado, um significativo ampliação das possibilidades expressivas dos instrumentos de teclado (órgão, clavicórdio, cravo) em relação às progressões acorde-harmônicas. O alaúde também está melhorando rapidamente - um dos instrumentos mais comuns para a produção musical cotidiana e de concerto.

Acresce que, durante o Renascimento, assistiu-se a um desenvolvimento de competências profissionais associadas ao aparecimento dos metris - internatos de canto - uma espécie de capelas de coro, onde aprender a cantar, tocar órgão, teoria musical e disciplinas de educação geral foram produzidas desde a primeira infância e garantiram o aprimoramento sistemático habilidade musical alunos.

É assim que um novo tipo de músico está se formando - não um amador de aristocratas, não um malabarista e um garanhão, mas um profissional que recebeu uma educação musical especial.

A consolidação do profissionalismo musical levou à criação de escolas musicais nacionais de excelência, que se concretizaram nos maiores centros de cultura musical urbana, que dispunham de grandes oportunidades educativas. Uma das primeiras formas na Europa Ocidental foi a polifonia da Inglaterra, que rapidamente se desenvolveu e floresceu nas obras de Dönstepl na primeira metade do século XV. A mais influente foi a escola holandesa ou franco-flamenga, na qual tais compositores famosos G. Dufay, J. Okegema, J. Obrecht, O. Lasso. Trabalhando em vários países, combinaram as características de várias culturas musicais nacionais: holandesa, alemã, francesa, italiana, inglesa, criaram um estilo polifônico altamente desenvolvido, principalmente coral, no qual as características renascentistas foram claramente expressas.

Em meados do século XVI, os sucessores diretos dos polifonistas holandeses e dos principais escolas de compositores tornar-se a escola romana, encabeçada por Palestrina, em cuja obra se combinam características renascentistas com características que refletem o impacto da Contra-Reforma, e escola veneziana comandada por D. Gabrieli, que já tem feições barrocas. As escolas nacionais caracterizaram-se pela utilização de novos meios musicais, que trouxeram coerência e unidade à composição. O principal meio musical que trouxe coerência e unidade às composições foi a imitação, ou seja, a repetição de uma melodia pela voz que entra, imediatamente antes de ser executada por outra voz. Nas escolas, havia tipos peculiares de imitações: canônica, imitação em circulação, aumento, diminuição, que posteriormente levaram à forma contrapontística mais elevada - fuga.

O estilo das escolas nacionais apresentadas refletiu-se nas obras de excelentes polifonistas de outros países - K. Morales e T. Victoria (Espanha), W. Byrd e T. Tallis (Inglaterra), M. Zalensky da Polônia e muitos outros .

Assim, a música ocupou um lugar algo especial entre as artes do Renascimento, quer pela sua especificidade, quer pelas condições da sua existência na sociedade. No entanto, ela foi a arte do seu tempo, expressou-o, experimentou as dificuldades e contradições que o caracterizam, desenvolveu o seu próprio estilo de acordo com ele, conquistou vitórias antes impensáveis ​​e conquistou novos sucessos criativos.

Capítulo 2 Cultura da Dança no Renascimento

2.1 Música e dança: aspectos da interação

Assim, a cultura musical ocupou um lugar especial na arte e na cultura do Renascimento. Considerando a música, é impossível não referir-se às suas várias esferas. Uma dessas áreas é a arte da dança.

Dança - um tipo de arte em que as imagens artísticas são criadas por meio de movimentos plásticos e uma mudança ritmicamente clara e contínua nas posições expressivas do corpo humano. Deve-se notar que a música e a dança têm interagido ativamente por muitos séculos. A dança está indissociavelmente ligada à música, ao conteúdo emocional e figurativo, que se materializa na sua composição coreográfica, movimentos , figuras.

Desde a antiguidade, encontramos uma espécie de síntese de música, poesia, dança, para os gregos não eram artes diferentes, mas uma, um todo unificado. Para designar essa arte unificada, foi usada a palavra "coreia", que veio da palavra "coro" que entrou na língua russa, que significava apenas não tanto o canto coletivo quanto a dança coletiva. No futuro, a palavra "coreia" é transformada em coreografia, que passou a denotar a própria arte da dança, ou, mais precisamente, a arte de compor uma dança.

Na era da Idade Média, revelam-se também características da relação entre a música e a dança, que abarca técnicas e formas mais complexas, a música de dança torna-se predominantemente instrumental. A principal influência em sua estrutura e demais características passa a ser exercida pela coreografia, que se caracteriza por uma uniformidade e periodicidade cada vez maiores dos movimentos dos bailarinos. Os ritmos de dança penetram prontamente nos gêneros de música instrumental destinados exclusivamente à audição. Para tais danças, uma complicação significativa da linguagem musical é característica: o papel de através do desenvolvimento aumenta, há uma violação das estruturas periódicas da dança por sequências, técnicas polifônicas. Como resultado, a conexão posterior entre cultura musical e dança torna-se mais complexa e específica.

Uma enorme transformação da música e da dança ocorreu durante o Renascimento. Dança, música de dança são as camadas mais importantes da cultura renascentista. O desenvolvimento da arte musical durante o Renascimento esteve intimamente ligado ao desenvolvimento da dança, já que quase todos os principais compositores focaram na dança em suas composições. Os ritmos de dança penetram nos gêneros de música instrumental destinados exclusivamente à audição. Pavane, galliard, gigue, chimes, volta e outros tipos de danças folclóricas tornaram-se o material para composições virtuosas: a flexibilidade das melodias, a clareza dos períodos e a conexão contínua dos motivos foram desenvolvidos. Músicos emprestam melodias e ritmos de canções e danças folclóricas para gêneros de música instrumental, isso pode ser visto de maneira especialmente clara em uma obra de cultura musical como uma suíte.

Sobre Estado inicial de seu desenvolvimento, a música da suíte tinha um caráter aplicado - dançavam-na. Era uma espécie de combinação de alaúde e, posteriormente, de cravo e peças de dança orquestral. Nos séculos XV-XVI, o protótipo da suíte era uma série de três ou mais danças (para vários instrumentos) que acompanhavam as procissões e cerimônias da corte, bem como combinações emparelhadas de danças contrastantes (pavane - galliard, passeezzo - saltarello, etc. .). A base mais típica para a suíte de dança era o conjunto de danças que se desenvolviam nas suítes de I.Ya. Froberger: allemande - courant - sarabande - gigue. Mas para o desenvolvimento da dramaturgia do ciclo da suíte era necessário um certo afastamento das danças cotidianas. Este ponto de viragem ocorre no Renascimento, e só então é mais claramente refletido em musica XVII século. Desde meados do século XVII, a suíte de dança, tendo perdido sua finalidade aplicada, existe principalmente sob os nomes partita (alemão), lições(Inglês), balletto, sonata da camera, ordem(francês), e às vezes como uma "coleção de peças de cravo". Assim, através da transformação e interação com a música, torna-se parte da arte musical, influenciando a formação da forma sonata. As alturas artísticas neste gênero foram alcançadas por J. S. Bach (suítes francesas e inglesas, partitas para cravo, para solo de violino e violoncelo) e G. F. Handel (17 suítes para cravo).

Em relação a outros aspectos, antes de tudo, vale destacar o impacto que a dance music teve na formação de um armazém homofônico-harmônico. É com ela que a arte profissional, em meio à polifonia polifônica da igreja, vem o pensamento homofônico-harmônico, claramente dividido, melodia tematicamente brilhante, ritmo periódico; há uma formação de organização tonal (por exemplo, o modo maior, novidade para a época, foi o primeiro a se firmar nas danças do Renascimento.

Na dance music estão as origens de muitas das principais formas instrumentais nas quais toda a arte clássica se baseia (período, forma simples de três partes, variacional, cíclica). A emancipação da música instrumental está amplamente ligada à literatura de dança (aparecem novos gêneros), à formação do cravo independente (mais tarde - piano), do alaúde e dos estilos orquestrais. A riqueza das imagens de dança captadas em música clássica, enorme. E isso não é surpreendente: afinal, a implementação figurativa de ritmos e entonações de dança, junto com o folclore da música, desempenha um papel importante no fortalecimento dos fundamentos realistas da arte musical. Os compositores invariavelmente incorporam expressões faciais, gestos, plasticidade no movimento de dança ou marcha em suas obras, voltando-se para a música de dança ao criar composições instrumentais (câmara, sinfônicas) e vocais, incluindo ópera.

Assim, deve-se notar o importante papel da dança na cultura musical da Europa Ocidental, a partir do Renascimento. Os ritmos da dança atraíram grandes compositores, e a música baseada nesses ritmos, por sua vez, influenciou a prática e a teoria da dança. A música exigia que a dança seguisse suas descobertas, absorvesse o novo e interagisse com outras formas de arte. A evidência dessa mudança nos é dada pelas danças do Renascimento, como um símbolo da formação da arte da dança em um novo caminho de desenvolvimento.

2.2 Coreografias à margem da autodeterminação

Entre outros tipos de arte no Renascimento, a dança começa a se destacar. A dança se torna especialmente popular e alcança um sucesso sem precedentes em seu desenvolvimento. Se em épocas anteriores a dança era apenas parte de um culto ou entretenimento geral, no Renascimento, a arte coreográfica tem novas funções, uma nova atitude em relação à dança. A pecaminosidade, indignidade desta ocupação, característica da Idade Média, no Renascimento, torna-se um acessório obrigatório da vida secular e torna-se uma das habilidades mais necessárias para uma pessoa educada e educada (junto com habilidades como habilidoso posse de uma espada, a habilidade de andar a cavalo, agradável e falar educadamente, oratorizar sutilmente). A dança flui para o curso geral das transformações: sob a influência da música, torna-se uma arte profissional.

A coreografia vai trilhando o caminho da autodeterminação: a arte vai sendo racionalizada, estabelecendo certas regras e normas, aprimorando técnicas e formas estruturais, há uma separação de tipos de dança: dança folclórica (camponesa) e dança da corte (nobre-feudal), que começou na Idade Média, continua. Este processo decorreu gradualmente e esteve associado à crescente estratificação da sociedade e às resultantes diferenças entre o modo de vida das pessoas comuns e da nobreza. “A espontaneidade passou”, escreve Kurt Sachs. – A corte e as danças folclóricas foram separadas de uma vez por todas. Eles irão constantemente influenciar um ao outro, mas seus objetivos se tornaram fundamentalmente diferentes.

Se as danças folclóricas mantêm seu caráter descontraído e rude, o estilo das danças da corte se torna cada vez mais solene, comedido e um tanto formal. Isso se deveu a vários fatores. Em primeiro lugar, o estilo de roupas exuberantes e pesadas dos senhores feudais excluía movimentos enérgicos e extenuantes e saltos bruscos. Em segundo lugar, a estrita regulamentação dos modos, regras de conduta e toda a etiqueta da dança leva à exclusão da pantomima e dos elementos de improvisação da dança.

Há uma mudança significativa na técnica da dança: é ordenado um equilíbrio entre os movimentos e ritmos da dança, períodos de oscilação do repouso ao movimento e do repouso à tensão, alternância rítmica em uma dança. Além disso, a técnica de atuação muda: as danças com dança redonda e composição linear são substituídas por danças de pares (duetos), que se baseiam em movimentos e figuras complexas que têm o caráter de um jogo de amor mais ou menos franco. A base do padrão coreográfico é a rápida mudança de episódios, diferentes na natureza dos movimentos e no número de participantes.

A necessidade de regulamentar a etiqueta da dança contribui para a formação de um quadro de mestres profissionais da dança. Os mestres da dança criam as formas canônicas de dança, que são estudadas diligente e pontualmente por uma sociedade privilegiada. Isso é amplamente facilitado pelos livros didáticos, onde os movimentos são sistematizados, é feita uma tentativa de fixar as composições de dança. Argumentando a importância desse momento na história da dança, Kurt Sachs destaca especialmente o norte da Itália, onde, antes de tudo, surgiu a formação profissional em dança. E, de fato, a arte da dança mais magnífica floresce na Itália. Os bailes em Florença dos séculos 15 a 16 são um exemplo de esplendor, brilho e engenhosidade. Professores de dança italianos são convidados para vários países. “Dançarinos profissionais costumavam ser mímicos errantes e malabaristas desprezíveis”, escreve Sacks, um professor de dança do norte da Itália que ocupava uma posição honrosa. Ele era um companheiro de príncipes, às vezes um confidente; nos casamentos venezianos, onde era costume apresentar a noiva em uma dança silenciosa, ele poderia se apresentar no lugar do pai. Os professores estavam especialmente interessados ​​em criar escolas para ensinar dança. E, já no século XV, surgiram escolas especiais na Itália, a profissão de professor de dança estava firmemente estabelecida. Assim, é provável que no século XVI a Itália fosse a rainha da dança, assim como parece ter sido no século XV.

Domenico de Piacenza é considerado o primeiro teórico italiano da arte da dança. Domenico da Piacenza na virada do século XIV - XV compôs um tratado "Sobre a Arte da Dança e da Dança". O livro consiste em duas partes. A primeira parte é dedicada à dança como um todo e define seus cinco elementos: compasso, comportamento, divisão da plataforma, memória e elevação. A medida é o principal princípio de conexão entre movimentos rápidos e lentos na música; a divisão do local é essencial para a composição de uma dança em grupo; a memória é necessária para realmente criar a dança; a maneira de segurar liberta a dança de formas imóveis e ultrapassadas; elevação é projetado para o desenvolvimento da técnica de dança. A outra parte do tratado estabelece as categorias de movimentos básicos. Aqui ele divide os movimentos em dois tipos: artificiais e naturais. Movimentos naturais - passo simples e duplo, postura nobre, volta e meia volta, arco e salto. Os movimentos artificiais incluem chutar, pisar e pular com uma perna variável.

Além disso, vale destacar outro teórico e professor de dança - Guglielmo Embreo, que compôs o Tratado da Arte da Dança. Em seu tratado, ele também aconselha a coordenar os movimentos com o compasso definido pela música. Ele introduz o termo contro tempo - contra o ritmo, que deve ser obedecido para se obter sucesso em uma dança erudita. Além disso, ele apresenta o conceito de ária, que implica a capacidade de se mover entre tempos e passar de uma dança para outra. É impossível superestimar a obra de Guglielmo, ele expressou a cosmovisão humanista do Renascimento ao declarar a dança uma "ciência de pensamento livre" tão sublime e significativa quanto as outras, e mais do que aquelas dirigidas à natureza humana.

Entre as obras coreográficas italianas do século XVI, merece destaque o livro de Fabrizio Caroso, O dançarino, publicado em 1581. Este livro é uma espécie de manual destinado à dança de salão, porém, pode-se dizer que essas regras também eram utilizadas na dança de palco, embora nelas prevalecessem passos mais representativos. No livro, ele tenta sistematizar não só as danças, mas também os movimentos que as compõem. Por exemplo, ele divide as reverências em "importante" ("grave"), "pequeno" ("mínimo"), "médio" ("semimínimo"). A reverência "média" incluiu um salto. Coerente com a variação da dança com a variedade de ritmos musicais, Coroso já utilizava posições próximas à primeira, terceira e quarta posições da dança clássica, além de piruetas e vários tipos de saltos, inclusive patins (entrecha). A técnica de dança incluía movimentos acrobáticos, como o saut de noeud (salto de nó), mas essa técnica desapareceu posteriormente. A nova técnica permitiu a Coroso compor balés em cinco, seis e até dez partes, de acordo com a música. Caroso exigia que a evolução dos bailarinos correspondesse ao tamanho da antiga versificação, e mencionou o dáctilo, a estrofe sáfica, o spodei. Ele escreveu sobre a dança - um conjunto livre, "executado com precisão matemática, de acordo com os versos de Ovídio".

Caroso, sem dúvida, lançou as bases para o desenvolvimento do balé, sua técnica e performance. Naturalmente, as primeiras apresentações de balé surgiram na Itália. Assim, por exemplo, em 1489, o lombardo Bergonzo di Bota, em homenagem ao casamento do duque de Milão, Galazo Visconti, criou uma magnífica celebração teatral em que a dança se alternava com o canto, a música e a recitação. A coreografia italiana teve grande influência nos primeiros balés franceses. No final do século XVI, surgiram as apresentações de balé com um enredo completo, que se revela através da dança, canto, recitativo poético, decoração complexa e magnífica. A experiência do jovem balé italiano, seus métodos pedagógicos e trabalhos coreográficos foram aceitos por muitos países europeus. Assim, no Renascimento, já se pode falar dos primórdios do balé.

Outro autor famoso sobre a "arte da dança" - Tuano Arbo - escritor francês, padre. Sua contribuição para o desenvolvimento da dança não é menos significativa do que a dos mestres de dança italianos. "Orquezografia" de Tuano Arbaud é o tratado mais popular contendo informações sobre danças de baixo francesas do século XVI. Arbo está tentando restaurar a dança medieval, redesenhá-la de uma nova maneira, e daí nasce sua fama como o primeiro especialista na reconstrução da dança.

Resumindo, podemos dizer que a arte da dança está em pé de igualdade com outros tipos de arte e não é inferior a eles de forma alguma. A dança é estilizada, trazida para o sistema. As vastas possibilidades do corpo humano estão se abrindo. A dança passa de contar a realidade para expressar um pensamento abstrato. Além disso - da apresentação da corte à dança teatral.

Durante o Renascimento, a dança tornou-se uma forma de entretenimento e comunicação social. No final do século 16, todos acreditavam que a dança era necessária para a sociedade como um meio de flerte lúdico para demonstrar a graça e o charme das damas e a força e a destreza dos cavalheiros. Os bailes eram organizados por ocasião de todos os eventos significativos, gerais e privados. A beleza e sofisticação de cada participante eram importantes para criar uma atmosfera festiva de salão, confirmar o alto status sócio-político do proprietário e facilitar os casamentos, que na época eram extremamente importantes para manter a estrutura da sociedade. A habilidade de dançar foi aprimorada pelos nobres e pela classe média que os imitava na prática diária sob a orientação de muitos professores. Nas cortes reais havia coreógrafos - professores de dança, suas funções incluíam ensinar danças para pessoas de ambos os sexos, além de encenar um espetáculo em geral.

Então dança profissional começou a entrar em todos os tipos de espetáculos. A dança, que na Idade Média se destinava a um “ato sagrado”, recuou no século XV perante as festividades de cariz secular. Acima de tudo, eles gostavam de máscaras - as máscaras eram de particular importância nesta época. A dança também estava envolvida nas procissões de rua, nas quais eram realizadas apresentações inteiras de um personagem de dança. Mais frequentemente, essas procissões de rua interpretavam histórias pagãs, o conteúdo dos mitos, típico do Renascimento, como de uma época voltada para a antiguidade.

Os carnavais também deram uma grande contribuição à dança como diversão pública. O mais magnífico deles foram os triunfos (trionfi), performances sobre temas mitológicos com cenários habilmente executados. Um pouco mais modestos eram os curries (carri, do italiano carro - “vagão”) - máscaras de artesãos e comerciantes em cidades italianas: aqui multidões de mascarados marchavam atrás dos símbolos decorativos de suas profissões. Os espetáculos, onde se misturavam música, canto, declamação, pantomima e dança, eram acompanhados de refeições solenes, várias festas da corte.

Mas ainda assim, a dança do Renascimento é muito mais ampla do que simples entretenimento. Neste momento, ideias antigas sobre o impacto mais profundo da dança no estado espiritual e físico de uma pessoa estão sendo revividas. Nas páginas de numerosos tratados de dança, muitas vezes é expressa a ideia de que a dança não é de forma alguma pura plasticidade, mas uma forma de refletir os movimentos espirituais. “Quanto à mais alta perfeição das danças, consiste em aprimorar o espírito e o corpo e trazê-los para o melhor local possível”, escreveu o teórico da música, filósofo, físico e matemático francês M. Mersenne em uma de suas obras. Frequentemente a dança, como nos tempos antigos, recebe um caráter cosmológico

significado. Não é por acaso que o interesse e a consciência pelas questões da arte da dança são revelados pelas pessoas do clero - o abade de Pure, o cônego Arbaud, o padre Menetrier.

2.3 Paleta de gêneros da arte da dança

A nova atitude em relação à dança durante o Renascimento deu origem a vários gêneros de dança. A julgar pelos títulos das peças colocadas em várias coleções musicais, guias práticos e tratados, o quadro é extraordinariamente variado: algumas danças saem rapidamente de moda; outros, tendo aparecido em um século, mantêm seu significado em outro (por exemplo, saltarello, bass dance, branle), alguns deles mudam a natureza e o estilo da coreografia ao longo do tempo.

Cada província tem suas próprias danças e seu próprio estilo de apresentação. Noverre escreveu que o minueto veio até nós de Angouleme, que o berço da dança burre é Auvergne. Em Lyon encontrarão os primeiros rudimentos da gavota, na Provença, o pandeiro.

Assim, todas as danças cotidianas dessa época foram divididas em dois grupos principais: Bassa danza (danças francesas de baixo) - ou seja, danças “baixas” nas quais não havia saltos e as pernas quase não subiam acima do chão (pavane, allemande, carrilhões, sarabande, etc.); Alta danza (haute danses francesa) - isto é, danças “altas” de dança redonda, nas quais os dançarinos giravam e saltavam (moreska, galliard, volta, saltarello, vários tipos de branles, etc.)

Na era do início do Renascimento, é característica a oposição de danças de movimento lento e mais animado (bassa danza e alta danza). Encontra-se tanto nos bailes como na emergente música profissional já no final da Idade Média. Nas fontes musicais do século XIV - início do século XV, são comuns os agrupamentos de danças em 2: a 1ª dança de cada par é sustentada em um compasso uniforme e um andamento lento, a 2ª - em um compasso de 3 tempos e um ritmo rápido. Mais que outros, eram comuns os pares de pavan - galiard passamezzo - saltarello. Eles interagiram entre si, mas, no entanto, mantiveram suas características individuais.

Em relação aos gêneros da arte da dança da época, havia um número bastante grande, mas os mais populares eram: bass dance, pavane, chimes, branle, moresca, galliard, saltarello e volta. Para compreender qual era a especificidade de cada uma das danças, é necessário recorrer à sua descrição e interpretação.

dança do baixo(French basse danse - "low dance") - nome coletivo das danças da corte em ritmo moderado ou moderadamente lento e, via de regra, em tamanho de 4 tempos, comum na França, Itália, Holanda entre a 2ª metade do XIV e meados do século XVI. A origem do nome não é totalmente clara. Talvez esteja associado à prática de executar a música dessas danças em instrumentos de registro baixo e talvez à ausência de saltos altos dos dançarinos nas danças de baixo. Devido à falta de passos rápidos e movimentos de salto característicos das "danças altas" (francês - haute danse, italiano - alta danza), as danças de baixo eram frequentemente chamadas de "passeio". O desenho compositivo poderia ser construído na forma de uma dança de roda, uma procissão. As danças do baixo eram, por assim dizer, uma pequena composição coreográfica em que os dançarinos se mostravam à sociedade reunida e demonstravam sua riqueza, esplendor de trajes e nobreza de costumes. No século XV, segundo K. Sachs, a dança do baixo “… não seguia nenhuma ordem de passos estabelecida. Motley, como cores em um caleidoscópio, ele combinava novos movimentos a cada vez. A música de dança do baixo, muitas vezes de natureza coral, era geralmente improvisada com base no cantus firmus. A coreografia livre também correspondia a uma estrutura musical aberta (aberta) com um número arbitrário de seções. Várias composições instrumentais foram usadas para executar a dança do contrabaixo: alaúde, harpa e tambor; trombone, flauta com caixa, etc. Como uma das partes, a dança do baixo foi incluída nas primeiras suítes instrumentais. Variedades de dança de baixo: Bassadans- uma versão italiana mais refinada da dança do baixo, popular no século XV. Difere em um ritmo mais móvel; cerveja - Dança italiana do século XV, o ritmo é ainda mais rápido que o dos Bassadans, até o século XVI o nome "cerveja" era protegido por uma dança rápida de 3 tempos, antes da qual o pavane e o saltarello eram frequentemente executados.

pavana- dança lenta solene. A origem desta dança é bastante ambígua: segundo uma versão, o pavane é uma dança nativa italiana, seu nome está associado ao local de origem, a cidade de Pádua, segundo outra versão, o pavane é uma dança de origem espanhola . Há razões para acreditar que o termo "padovana" também foi usado como uma palavra que denota um conceito genérico - um certo tipo de dança que combina a pavana e sua variedade - o passamezzo.

Já no início do século XVI, a pavana tornou-se uma das danças da corte mais populares: dançava-se com manto e espada em cerimónias solenes: quando a noiva saía para a igreja, quando o clero fazia procissões religiosas, quando os príncipes, membros do governo da cidade saíram. A música pavana é caracterizada por: clareza de estrutura, muitas vezes quadratura da estrutura metro-rítmica, apresentação predominante de acordes, às vezes colorida com passagens.

Há evidências de que a execução da pavana era acompanhada por pandeiro, flauta, oboés e trombones, apoiados por um tambor que enfatizava o ritmo da dança. Em cada país, a natureza dos movimentos e a maneira de executar as pavanas tinham características próprias: na França, os passos eram suaves, lentos, graciosos, deslizantes; na Itália, eram mais vivos, inquietos, alternados com pequenos saltos. Na 2.ª metade do século XVI, a pavana praticamente caiu em desuso na Europa, mantendo-se, porém, até meados da década de 1620. uma das danças mais populares da Inglaterra. A pavana instrumental atingiu seu alvorecer na obra dos virginalistas ingleses. Pavanas relacionadas foram: pavanilla- a dança instrumental, popular na Itália na 1ª metade do século XVII, era mais viva em caráter e ritmo; paduana - tornou-se difundido no final do Renascimento e era característico do século XVII - pelo menos duas danças diferentes eram assim chamadas: uma pavana de duas partes e uma dança de 3 partes executada após o passamezzo; vamosmezzo- A dança italiana, difere das pavanas por um ritmo mais móvel. Traduzido literalmente como “dança em 1,5 passos”, o que indica a natureza mais rápida de seu movimento do que na pavana. Havia duas variedades mais comuns "velho" (antico) e "moderno" (moderno), decorrentes das características do plano de acompanhamento harmônico.

Courant- dança da corte, de origem italiana, da palavra italiana corrente, que significa fluxo de água, suave, uniforme. O padrão compositivo da dança geralmente seguia um oval, mas também podia ser um quadrado alongado ou um octógono, o que permitia fazer movimentos em zigue-zague característicos da dança italiana da piva que existia no século XV. O carrilhão era simples e complexo. O primeiro consistia em passos simples e deslizantes, executados predominantemente para frente. O carrilhão complexo tinha um caráter pantomímico: três senhores convidaram três senhoras para participar da dança, eles levaram as senhoras para o canto oposto do salão e as convidaram para dançar, as senhoras recusaram, os senhores, tendo sido recusados, saíram, mas então voltou novamente e se ajoelhou na frente das senhoras. Só depois da cena da pantomima é que a dança começou. Em um carrilhão complexo, os movimentos eram executados para frente, para trás e para o lado. Em meados do século XVI, a parte da pantomima da dança desapareceu. O Courante mudou sua fórmula de compasso várias vezes. No começo era 2/4, depois foi o triplo.

farelo- originalmente uma dança folclórica redonda, mais tarde também um salão de baile, dança da corte dos séculos XV a XVII. A própria palavra branle, que significa em francês - balançar, dança redonda, também caracteriza um dos principais movimentos - balançar o corpo. Suas inúmeras variedades são conhecidas, diferindo entre si no tamanho do tempo, coreografia (ballet simples, bola dupla, bailarina, balé de sapato, balé com tocha, balé com beijos, etc.) e variantes locais (B. de Poitou, B. de Champagne). O ritmo da dança é moderadamente rápido, animado. O tamanho é geralmente de 2 tempos, às vezes de 3 tempos (no "jolly branle", que incluía saltos e swings) e 4 tempos (em Champagne). Folk branle - enérgico, impetuoso, perseguido, salão de baile - mais suave e calmo, com muita reverência. Às vezes acompanhado de canto (versos com refrão) e tocando o instrumentos folclóricos(gaita, flauta, pandeiro, gaita de foles). No século XV, foi realizada como o fim da dança do baixo, da qual, talvez, venha. Em termos coreográficos, era ainda bastante primitivo, até porque o seu acompanhamento musical consistia em batidas bastante monótonas de pandeiros, sons de flauta e canto monótono dos bailarinos. Mas, ao mesmo tempo, deve-se notar que o branle foi a fonte primária de todas as danças de salão que surgiram posteriormente, desempenhando um grande papel no desenvolvimento da coreografia de salão.

Moreska -(moresca(italiano) - literalmente "mourisco", morisdance - do inglês morris dance) - musical - cena de dança. A cena reproduzia simbolicamente a luta entre cristãos e mouros. Na Itália, a dança era chamada de "Morisca", o mesmo nome era dado aos mouros que eram batizados e convertidos ao cristianismo. Originária da Espanha, a moresca era originalmente uma dança folclórica e era dançada por dois grupos. Durante o Renascimento, a moresca foi uma das danças mais populares, passando a fazer parte de vários espetáculos teatrais urbanos e performances do emergente Teatro musical. Lá, ela perde suas características originais do jogo folclórico (mantendo, no entanto, a máscara do mouro), e gradualmente se transforma em uma dança figurada de caráter solene, muitas vezes guerreiro. Mais tarde, no século XVII, o termo moresca denotava um balé ou dança de pantomima em uma ópera: por exemplo, Monteverdi introduziu a moresca no final da ópera "Orfeu" -1607.

galhardo(gagliarda, ital. alegre, ousado, alegre) - uma antiga dança de origem românica do final dos séculos XV - XVII. Aparentemente, vem do norte da Itália, em várias regiões e cidades carregou a marca dos costumes e costumes locais. Esta é uma dança alegre e viva, com origem na coreografia folclórica, embora tenha sido mais difundida entre as classes privilegiadas, mantendo as características das danças camponesas - saltos e movimentos bruscos, muitas vezes com nomes jocosos (“passo de guindaste”, “coice de vaca”) . Como os sinos, tinha o caráter de uma espécie de diálogo. Acompanhado por um pequeno conjunto orquestral ou tocando alaúde e violão. As galhardas do século XVI são caracterizadas por um comprimento de 3 metros, moderadamente ritmo acelerado, armazém de acordes, diatônico. Geralmente era executada após uma pavana lenta de 4 tempos, variando sua melodia e

padrão métrico. Uma sequência semelhante de uma pavana lenta de 4 tempos e uma galharda rápida de 3 tempos foi o protótipo da suíte instrumental barroca.

Saltarella- dança folclórica italiana. Seu nome vem da palavra italiana saltare - pular, pular. Ele é conhecido em Romagna, Lazo, San Marino, em Abruzzio. Cada região executa de forma diferente. Saltarella é uma dança muito simples, não tem figuras fixas. O principal movimento é o equilíbrio. Mas os intérpretes devem ter destreza e força, pois o ritmo da dança aumenta o tempo todo, chegando a ser muito tempestuoso. Saltarela - dança par, o número de casais que participam da dança pode ser muito grande. Como muitas outras danças folclóricas, a saltarella às vezes começa com uma lúdica cena de pantomima. Em algumas áreas da Itália, por exemplo em Giogaria, a saltarella existe como uma dança de salto baixo.

Existem também suas variedades de dança redonda. Na dança circular saltarella, os dançarinos ficam muito próximos uns dos outros, seus corpos são inclinados para a frente, suas cabeças quase colidem no centro do círculo; as mãos são colocadas nos ombros uma da outra. Os pés descalços deslizam suavemente no chão. Os performers balançam ao ritmo do movimento das pernas. O desempenho da saltarella na Romagna é peculiar. Aqui é acompanhada por uma canção cantada por um dos participantes, e é, por assim dizer, uma demonstração de destreza. As mulheres colocam um copo na cabeça, cheio até a borda com água ou vinho. Durante movimentos complexos e rápidos, nenhuma gota deve ser derramada.

volta- dança a par de origem italiana. Seu nome vem da palavra italiana voltare, que significa "virar". Normalmente a dança é executada por um casal (homem e mulher), mas o número de casais pode ser aumentado. Como muitas outras danças folclóricas, a volta, logo após seu surgimento, passou a ser executada nas festas da corte. No século 16, ela era conhecida em todos os países europeus, mas teve o maior sucesso na corte francesa. Porém, já sob Luís XIII, a corte francesa do Volta não dança. Esta dança durou mais tempo na Itália.

Livanova, T. "História da música da Europa Ocidental até 1789 (Renascimento). [Texto] / T. Livanova. - M., 1983 453 s.: C5.

História da estética. [Texto] / Monumentos do pensamento estético mundial em 5 vols. T.1. - M., 1985. 876 pp.: C 506-514.

Losev, V. Estética do Renascimento. [Texto] / A. Losev. – M., 1982. 415p.: P 154.

"História das Artes: Renascimento" [Texto] / - M., 1989. p. 356.: P. 205. See More

Shestakov, V. Estética Musical do Renascimento. [Recurso eletrônico]/ V. Shestakov.// Modo de acesso: #"#_ftnref6" name="_ftn6" title=""> Gruber, R. História da cultura musical. [Texto] / R. Gruber. - M., 1975. 478 p.: P 123.

Zakharov, R. A composição da dança. [Texto] / R. Zakharov. - M., 1983. 250s.: С67.

Bloco, L. D. "Dança clássica. História e Modernidade”. [Texto] / L.D. Bloquear. - M., 1987. 556 p.: P 167.

Vasilyeva - Natal, M. Histórico - dança doméstica. [Texto] / M. Vasilyeva - Natal. - M., 1987. 328 p.: С107.