Compositores italianos do século XX. Grandes compositores italianos
O conceito de "compositor" surgiu pela primeira vez no século 16 na Itália e, desde então, tem sido usado para se referir a uma pessoa que compõe música.
compositores do século 19
No século 19, a Escola de Música de Viena foi representada por um compositor notável como Franz Peter Schubert. Ele continuou a tradição do romantismo e influenciou toda uma geração de compositores. Schubert criou mais de 600 romances alemães, levando o gênero a um novo nível.
Franz Peter Schubert
Outro austríaco, Johann Strauss, ficou famoso por suas operetas e musical leve formas de dança. Foi ele quem fez da valsa a dança mais popular de Viena, onde ainda acontecem bailes. Além disso, seu legado inclui polcas, quadrilhas, balés e operetas.
Johann Strauss
Um proeminente representante do modernismo na música do final do século XIX foi o alemão Richard Wagner. Suas óperas não perderam sua relevância e popularidade até hoje.
Giuseppe Verdi
Wagner pode ser contrastado com a figura majestosa do compositor italiano Giuseppe Verdi, que se manteve fiel a tradições da ópera e deu à ópera italiana um novo fôlego.
Peter Ilitch Tchaikovsky
Entre os compositores russos do século XIX, destaca-se o nome de Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Ele é caracterizado por um estilo único que combina as tradições sinfônicas europeias com a herança russa de Glinka.
Compositores do século XX
Sergei Vasilievich Rahmaninov
Um dos compositores mais brilhantes do final do século 19 - início do século 20 é legitimamente considerado Sergei Vasilyevich Rachmaninov. Seu estilo musical foi baseado nas tradições do romantismo e existiu em paralelo com os movimentos de vanguarda. Foi por sua individualidade e pela ausência de análogos que sua obra foi muito apreciada pela crítica de todo o mundo.
Igor Fyodorovich Stravinsky
Segundo compositor famoso Século 20 - Igor Fedorovich Stravinsky. Russo de origem, emigrou para a França e depois para os EUA, onde mostrou ao máximo o seu talento. Stravinsky é um inovador, não tem medo de experimentar ritmos e estilos. Em sua obra, pode-se traçar a influência das tradições russas, elementos de vários movimentos de vanguarda e um estilo individual único, pelo qual é chamado de "Picasso in Music".
O desenvolvimento da música italiana no século XIX foi marcado pela ópera. Este século terminou com as últimas obras-primas de Verdi, o sucesso impressionante dos veristas Mascagni e Leoncavallo. Puccini traçou uma linha sob esta era brilhante, que atuou como o verdadeiro herdeiro de Verdi e ao mesmo tempo abriu novas possibilidades no campo da dramaturgia musical e da melodia vocal. As descobertas de Puccini logo foram adotadas por compositores de várias escolas nacionais. No entanto, a maior parte das partituras da ópera italiana do início do século 20 (E. Wolf-Ferrari, F. Cilea, U. Giordano, F. Alfano) mostrou um número infinito de variações nas técnicas de escrita de ópera desenvolvidas no passado, apenas ligeiramente enriquecido com meios mais modernos, que testemunharam a crise da escola nacional de ópera.
As tentativas de desenvolvimento dos gêneros instrumentais sinfônicos e de câmara, iniciadas na segunda metade do século XIX, revelaram-se praticamente infrutíferas. As sinfonias de G. Sgambati, G. Martucci, escritas na tradição de Mendelssohn e Brahms, não vão além do ecletismo; a obra de órgão de M. E. Bossi não se eleva acima do nível da imitação, demonstrando as influências do romantismo musical alemão - de Schumann a Liszt e Wagner.
Desde o início do século, a influência do catolicismo aumentou visivelmente na Itália, o que também afetou a música. A bula do Papa Pio X "Motu proprio" (1903), dedicada ao problema da atualização da música sacra, desempenhou aqui o seu papel. Continha, em particular, um apelo ao renascimento do canto gregoriano e, ao mesmo tempo, autorizava o uso dos meios expressivos mais inovadores, desde que seu uso atendesse aos requisitos da igreja. É verdade que as tentativas de reviver os gêneros oratório, cantata e missa, empreendidas no início do século pelo abade Perosi *,
* Lorenzo Perosi em 1898 foi nomeado chefe da Capela Sistina e tornou-se o líder do movimento pela renovação da música sacra.
não foram coroadas de sucesso: as composições deste autor não trouxeram a desejada renovação da música católica nem nas suas qualidades estilísticas, nem espirituais, éticas. No entanto, a publicação de monumentos de música sacra católica (a famosa série Editio Vaticano, iniciada em 1904) atraiu a atenção de muitos compositores que buscavam maneiras de reviver as tradições nacionais. O interesse pelo canto gregoriano, a antiga polifonia italiana (Palestrina), gêneros e formas espirituais aumentará especialmente nos anos 20-30.
A Primeira Guerra Mundial abalou profundamente a Itália economicamente, politicamente, socialmente, culturalmente, o que levou a uma crise ideológica. Na arte do final dos anos 10 - início dos anos 20, pode-se notar uma compreensão crítica aguda dos eventos da guerra passada e da realidade do pós-guerra, bem como ceticismo e aspirações religiosas e místicas, juntamente com o renascimento e desenvolvimento intensivo de tendências militantes nacionalistas. Ainda no início do século, surgiram sonhos de ideologia antifascista sobre Grande Itália, herdeira da Roma de César, sobre a transformação do Mediterrâneo em italiano - "nosso mar", etc. grupo literário Futuristas, que publicou seu primeiro manifesto no jornal parisiense Le Figaro em 1909. Após a guerra, a atividade deste grupo assume um caráter político claramente expresso. No outono de 1918, a primeira edição do semanário Roma Futurista publicou um manifesto e programa de um partido político contendo uma franca apologia do nacionalismo. O partido que estava sendo criado era chefiado por F. T. Marinetti; incluía B. Mussolini, bem como G. d "Annunzio e vários outros artistas, entre os quais músicos - L. Russolo, F. B. Pratella; mais tarde P. Mascagni e B. Gigli se tornaram seus membros. Futurista literário um grupo liderado por Marinetti preparou o surgimento da organização dos Esquadrões de Combate Fascistas; a atividade deste último começou em março de 1919, quando Mussolini convocou em Milão a primeira assembléia do futuro partido fascista, denominada Assembleia de San Sepolcro (em homenagem à mansão onde ocorreu) Poucos meses depois, foi publicado o Programa San Sepolcro, que combinava vários pontos do programa futurista com a demagogia democrática revolucionária de Mussolini e o nacionalismo militante de d'Annunzio.
Uma parte significativa da intelectualidade, especialmente entre figuras culturais e artísticas, não aceitava a ideologia nacionalista. Para esta parte dos escritores italianos, poetas, dramaturgos, temas universais "eternos" tornaram-se um refúgio espiritual. As ideias humanistas foram proclamadas, em particular, por um grupo de "rondistas", que recebeu o nome da revista "Ronda" publicada pelo partido socialista. Incapazes de fazer um protesto ativo contra o fascismo, eles pregaram a separação da arte da política e proclamaram a "liberdade individual de pensamento do artista". A autolimitação consciente pelos problemas da mestria artística conjugava-se com um recuo ao passado, com enfoque no domínio da experiência dos clássicos nacionais. A estética dos "rondistas" sem dúvida influenciou alguns compositores proeminentes (Pizzetti, Malipiero, Casella) e contribuiu para o estabelecimento do neoclassicismo na música italiana dos anos 20-30 como direção principal.
Um papel importante na mobilização das forças de esquerda da intelectualidade artística foi desempenhado pelo semanário socialista Ordino Nuovo, publicado em 1919-1922, fundado por A. Gramsci (mais tarde um dos fundadores do Partido Comunista Italiano). Nas páginas do semanário, Gramsci liderou uma luta ativa pela cultura democrática, dando muita atenção à promoção da obra de escritores modernos da esquerda - M. Gorky, A. Barbusse, R. Rolland e outros. Em vários artigos, ele criticou duramente o futurismo e a plataforma nacionalista de d'Annunzio.Desde 1924, o jornal do Partido Comunista Italiano Unita tornou-se o porta-voz do movimento antifascista.
Na música da Itália, como antes da guerra, a direção verista continuou a dominar, apesar de estar claramente degenerando (isso é especialmente perceptível nas obras de Mascagni do pós-guerra). A luta contra a rotina e o conservadorismo que reinava na Itália vida musical, foram liderados por representantes da geração mais jovem - Respighi, Pizzetti, Malipiero e Casella, guiados pela sinfonia de R. Strauss, Mahler, impressionismo francês, obra de Rimsky-Korsakov, Stravinsky. Ainda antes, em 1917, fundaram a Sociedade Musical Nacional, que visava a atualização do repertório concertos sinfônicos. propaganda nova música e a luta contra o predomínio das tendências acadêmicas e veristas, esses compositores travaram também na imprensa.
Uma nova situação se desenvolveu no país depois de outubro de 1922. Mussolini, tendo se tornado primeiro-ministro, inicia represálias contra seus oponentes políticos e, ao mesmo tempo, segue uma política insidiosa de envolver a intelligentsia no movimento fascista, esperando assim transformar o mundo opinião pública em uma direção favorável para sua ideologia e prática. Já após o golpe de estado de 3 de janeiro de 1925, que levou à instauração de um regime abertamente ditatorial, em março do mesmo ano, realizou-se em Bolonha o Congresso em nome da cultura fascista, e em abril o “Manifesto da Intelligentsia Fascista”, compilado pelo ideólogo do fascismo italiano, o filósofo J. Gentile.
No entanto, os sentimentos de oposição ainda eram bastante fortes entre as figuras culturais. A oposição liberal se uniu em torno do filósofo e político Benedetto Croce. Em seu nome, em 1º de maio de 1925, foi publicado no jornal Mondo um "contra-manifesto" escrito por Croce, intitulado "A resposta dos escritores, professores e publicitários italianos ao manifesto da intelectualidade fascista". A própria publicação do "contra-manifesto" durante o período da ofensiva ativa das autoridades contra o pensamento progressista foi um ato corajoso, embora seu programa se distinguisse pela abstração e passividade política. O "Contra-Manifesto" se opôs à mistura de política e literatura, política e ciência, argumentou que a verdade não está na ação, mas no pensamento. Foi precisamente essa separação entre filosofia e arte e ação cívica que resultou na partida gradual da intelectualidade artística da Itália para várias formas"emigração espiritual". Assim, primeiro na poesia, e depois nas artes afins, foram criados os pré-requisitos para o surgimento do "hermetismo", que recebeu particular desenvolvimento na década de 30. Na música, a influência do "hermetismo" foi mais pronunciada em várias obras de Malipiero.
Seguindo as ideias do “contra-manifesto”, os artistas buscaram opor-se à ruidosa e espiritualmente empobrecida cultura fascista com altos valores estéticos, expressos, porém, de uma forma difícil de ser compreendida pelas massas. Na música italiana, o "contra-manifesto" fortaleceu ainda mais a posição do neoclassicismo, que, com todas as diferenças entre os compositores individuais, com todas as nuances em relação à herança clássica e à arte popular, tornou-se a principal e principal direção no século XX -30s. As tendências expressionistas-existencialistas associadas à compreensão e desenvolvimento da experiência da escola de Novovensk começaram a se manifestar claramente um pouco mais tarde, a partir da década de 1930 (nas obras de L. Dallapikkola e G. Petrassi).
Desempenhando o papel de patrono da ciência e da arte, Mussolini organizou o Instituto de Cultura Fascista, sob cuja liderança se desenvolveram várias organizações científicas e artísticas. Ao mesmo tempo, o regime mostrou uma rara atitude onívora em relação a várias direções criativas. No entanto, a maior parte da intelectualidade artística permaneceu em posições de rejeição oculta das doutrinas ideológicas e práticas políticas do fascismo.
Digno de nota são duas tendências polares que claramente afetaram todas as áreas da arte italiana nas décadas de 1920 e 1930: são “strachitta” (“supercidade”) e “strapaese” (“superaldeia”). A primeira tendência concentrava-se em refletir a cultura e a vida da cidade moderna (essencialmente, fundindo-se com as tendências do urbanismo europeu), enquanto a segunda defendia o solo nacional e procurava, na verdade, isolar a arte da Itália, limitá-la às fronteiras nacionais.
O catolicismo continuou a exercer uma enorme influência no desenvolvimento da vida cultural do país. A concordata de Mussolini com o Vaticano concluída em 1929 levou à expansão das atividades sociais e políticas da igreja e contribuiu para o fortalecimento de motivos religiosos na obra de vários compositores. No entanto, a maior atenção a temas religiosos e gêneros espirituais na década de 30 teve razões mais profundas e foi encontrada na música de vários países europeus (em particular, na França). Especificamente para a Itália foi que os trabalhos em temas religiosos, aparentemente respondendo à linha do clericalismo oficial, muitas vezes serviu como expressão de oposição espiritual ao fascismo.
Da mesma forma, uma série de importantes empreendimentos culturais que exteriormente correspondiam à política do regime eram essencialmente independentes dela. Por exemplo, o apelo dos principais compositores italianos à grande herança dos séculos XVII-XVIII, que surgiu nos anos anteriores à guerra e trouxe resultados frutíferos, nada tem a ver com o programa ideológico do fascismo italiano. É impossível associar ao nacionalismo militante e ao discurso sobre a "cultura românica escolhida - a herdeira da Roma imperial" o tremendo trabalho que cientistas e compositores italianos fizeram nos anos 20-30 ao coletar, pesquisar e publicar o mais rico folclore de música e dança de várias regiões e províncias da Itália - trabalho que enriqueceu não só ciência musical, mas também criatividade profissional *.
* Entre estas publicações devem ser mencionados o estudo de B. Croce "Folk and Artistic Poetry", coleções músicas folk J. Farah “A Alma Musical da Itália” e “Canções Sardenhas”, coleções de A. Phanara-Mistrello “Canções Sicilianas da Terra e do Mar” e “Canções Folclóricas da Província de Valdemeszaro”, estudos do compositor futurista F. B. Pratella “Ensaios de Lamentações, Canções, coros e danças do povo italiano” e “Etnofonia da Romanha”.
De grande valor objetivo são as publicações acadêmicas de monumentos notáveis da música sacra, obras-primas do Renascimento, ópera italiana e música instrumental dos séculos XVII-XVIII. Esta obra, iniciada antes da Primeira Guerra Mundial, continuou durante os anos dos "Vinte Negros" sob o patrocínio oficial do rei e de Mussolini, que compreendia perfeitamente o prestígio que era para o regime fascista. O estudo de gêneros de culto antigos e as obras de polifonistas (especialmente Palestrina) também enriqueceram o trabalho dos compositores. Seu estilo foi fertilizado pela expressividade entoacional de modos antigos, canto gregoriano e sequências antigas voltadas para a percepção das massas em momentos de estados mentais sublimes.
Durante o período dos "Black Twenty", vários cientistas musicais destacados trabalharam na Itália, cujas obras capitais adquiriram importância global. Nomeemos os estudos de A. della Corte sobre os problemas da ópera italiana, a monumental biografia de Rossini em três volumes escrita por G. Radiciotti, a monografia de M. Gatti sobre Verdi. Durante esses anos, a publicação de documentos e materiais sobre problemas comuns Música italiana e criatividade de compositores individuais.
Em particular, várias publicações valiosas da herança epistolar de Verdi são publicadas.
Por motivos de prestígio, os líderes fascistas encorajavam de todas as formas possíveis a apresentação de óperas e concertos, ou seja, aquelas formas de arte que não lhes pareciam perigosas. O teatro "La Scala" atinge uma cultura de alto desempenho, e depois outras casas de ópera, por exemplo, a romana, que estava sob o patrocínio especial do regime. A ópera brilha com cantores maravilhosos - A. Galli-Curci, T. Dal Monte, B. Gigli, Titta Ruffo. Ao mesmo tempo, ideologicamente, a ópera estava sob a estreita supervisão da censura. A censura clerical fascista proibiu a produção da ópera de Malipiero, The Legend of the Changeling Son, e durante a intervenção na Abissínia, o regime se maculou com a vergonhosa remoção da Aida de Verdi do repertório. Não é por acaso que Toscanini deixou a Itália em 1928 em protesto contra a política fascista, e outros grandes músicos emigraram (M. Castelnuovo-Tedesco, V. Rieti e outros).
A vida da literatura e do teatro dramático foi ainda mais constrangida pela pressão da censura fascista, que obrigou muitos artistas a assumir a posição de "hermetismo". Ao mesmo tempo, muitos escritores, poetas e dramaturgos italianos foram fortemente influenciados pela obra de L. Pirandello, que expôs a trágica realidade da vida " homem pequeno”, a futilidade da busca pela liberdade, beleza e felicidade. Vale ressaltar que vários compositores italianos se referem às obras de Pirandello. Na literatura desses anos, também houve obras mais ativas em sua crítica social (por exemplo, os jovens A. Moravia, E. Vittorini), mas permaneceram exceções.
Em um ambiente tão difícil, os maiores compositores de toda uma geração tiveram que trabalhar - Respighi, Pizzetti, Malipiero, Caselle. Para seu crédito, eles não se tornaram trovadores do fascismo italiano, embora também não fossem combatentes ativos contra ele.
Compositores clássicos são conhecidos em todo o mundo. cada nome gênio musical- uma individualidade única na história da cultura.
o que é musica classica
Música clássica - melodias encantadoras criadas por autores talentosos, que são justamente chamados de compositores clássicos. Suas obras são únicas e sempre serão procuradas por artistas e ouvintes. Clássico, por um lado, é geralmente chamado de música estrita e profunda que não está relacionada às direções: rock, jazz, folk, pop, chanson, etc. desenvolvimento histórico a música é o período do final do século XIII - início do século XX, chamado classicismo.
Os temas clássicos distinguem-se pela entonação sublime, sofisticação, variedade de tonalidades e harmonia. Eles têm um efeito positivo na visão de mundo emocional de adultos e crianças.
Fases de desenvolvimento da música clássica. Sua breve descrição e principais representantes
Na história do desenvolvimento da música clássica, os estágios podem ser distinguidos:
- Renascimento ou Renascimento - início do século XIV - último quartel do século XVI. Na Espanha e na Inglaterra, o Renascimento durou até o início do século XVII.
- Barroco - veio substituir o Renascimento e durou até o início do século XVIII. A Espanha era o centro do estilo.
- Classicismo - um período de desenvolvimento cultura europeia do início do século XVIII ao início do século XIX.
- O romantismo é uma direção oposta ao classicismo. Durou até meados do século XIX.
- Clássicos do século 20 - a era moderna.
Breve descrição e principais representantes dos períodos culturais
1. Renascimento - um longo período de desenvolvimento de todas as áreas da cultura. - Thomas Tullis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria compuseram e deixaram criações imortais para a posteridade.
2. Barroco - nesta época surgem novas formas musicais: polifonia, ópera. Foi durante este período que Bach, Handel, Vivaldi criaram suas famosas criações. As fugas de Bach são construídas de acordo com os requisitos do classicismo: observância obrigatória dos cânones.
3. Classicismo. Compositores clássicos vienenses que criaram suas criações imortais na era do classicismo: Haydn, Mozart, Beethoven. A forma sonata aparece, a composição da orquestra aumenta. e Haydn diferem das pesadas obras de Bach por sua construção descomplicada e pela elegância de suas melodias. Ainda era um clássico, buscando a perfeição. As composições de Beethoven são o ponto de contato entre o romântico e o estilos clássicos. Na música de L. van Beethoven, há mais sensualidade e ardor do que canonicidade racional. Gêneros importantes como sinfonia, sonata, suíte, ópera se destacaram. Beethoven deu origem ao período romântico.
4. Romantismo. As obras musicais são caracterizadas pela cor e pelo drama. Vários gêneros musicais são formados, por exemplo, baladas. As composições para piano de Liszt e Chopin receberam reconhecimento. As tradições do romantismo foram herdadas por Tchaikovsky, Wagner, Schubert.
5. Clássicos do século XX - caracterizados pelo desejo dos autores de inovar nas melodias, surgiram os termos aleatório, atonalismo. As obras de Stravinsky, Rachmaninov, Glass são referidas ao formato clássico.
compositores clássicos russos
Tchaikovsky P.I. - compositor russo crítico musical, figura pública, professor, maestro. Suas composições são as mais executadas. Eles são sinceros, facilmente percebidos, refletem a originalidade poética da alma russa, imagens pitorescas da natureza russa. O compositor criou 6 balés, 10 óperas, mais de cem romances, 6 sinfonias. O balé mundialmente famoso "Lago dos Cisnes", a ópera "Eugene Onegin", "Álbum Infantil".
Rachmaninov S.V. - as obras do notável compositor são emocionais e alegres, e algumas delas têm conteúdo dramático. Seus gêneros são diversos: de pequenas peças a concertos e óperas. As obras geralmente reconhecidas do autor: óperas " Cavaleiro miserável”, “Aleko” baseado no poema “Ciganos” de Pushkin, “Francesca da Rimini” baseado em um enredo emprestado da “Divina Comédia” de Dante, o poema “Os Sinos”; suíte "Danças Sinfônicas"; concertos para piano; vocalize para voz com acompanhamento de piano.
Borodin A.P. foi compositor, professor, químico, médico. A criação mais significativa é a ópera "Príncipe Igor" baseada na obra histórica "O Conto da Campanha de Igor", que foi escrita pelo autor por quase 18 anos. Durante sua vida, Borodin não teve tempo de terminar, após sua morte, A. Glazunov e N. Rimsky-Korsakov completaram a ópera. Grande compositoré o ancestral quartetos clássicos e sinfonias na Rússia. A sinfonia "Bogatyr" é considerada a maior conquista da sinfonia heroica nacional russa e mundial. Os quartetos instrumentais de câmara, o Primeiro e o Segundo Quartetos foram reconhecidos como destaques. Um dos primeiros a introduzir figuras heróicas da literatura russa antiga em romances.
Grandes músicos
M. P. Mussorgsky, que pode ser considerado um grande compositor realista, um inovador ousado, abordando problemas sociais agudos, um excelente pianista e um excelente vocalista. As obras musicais mais significativas são as óperas "Boris Godunov" baseadas na obra dramática de A.S. Pushkin e "Khovanshchina" - um drama musical folclórico, o personagem principal dessas óperas são os rebeldes de diferentes estratos sociais; ciclo criativo "Pictures at an Exhibition", inspirado nas obras de Hartmann.
Glinka M.I. - um famoso compositor russo, o fundador da direção clássica na cultura musical russa. Ele completou o processo de criação de uma escola de compositores russos, baseada no valor da música popular e profissional. As obras do mestre estão imbuídas de amor à Pátria, refletindo a orientação ideológica do povo daquela época histórica. O drama folclórico mundialmente famoso "Ivan Susanin" e a ópera de conto de fadas "Ruslan e Lyudmila" tornaram-se novas tendências na ópera russa. obras sinfônicas"Kamarinskaya" e "Spanish Overture" de Glinka são os fundamentos do sinfonismo russo.
Rimsky-Korsakov N.A. é um talentoso compositor russo, oficial da marinha, professor, publicitário. Duas correntes podem ser traçadas em sua obra: histórica (“ noiva real”, “Pskovityanka”) e fabuloso (“Sadko”, “Snow Maiden”, suíte “Scheherazade”). característica distintiva obras do compositor: originalidade baseada em valores clássicos, homofonia na construção harmônica das primeiras composições. Suas composições têm estilo de autor: soluções orquestrais originais com partituras vocais de construção inusitada, que são as principais.
Os compositores clássicos russos tentaram refletir em suas obras o pensamento cognitivo e o folclore característicos da nação.
cultura europeia
Os famosos compositores clássicos Mozart, Haydn, Beethoven viveram na capital da cultura musical da época - Viena. Genius combina performance magistral, excelentes soluções composicionais, o uso de diferentes estilos musicais: de melodias folclóricas a desenvolvimentos polifônicos temas musicais. Os grandes clássicos são caracterizados por uma atividade mental criativa abrangente, competência, clareza na construção formas musicais. Em suas obras, intelecto e emoções, componentes trágicos e cômicos, facilidade e prudência estão organicamente ligados.
Beethoven e Haydn gravitaram em torno de composições instrumentais, Mozart administrou magistralmente composições operísticas e orquestrais. Beethoven foi um criador insuperável de obras heróicas, Haydn apreciou e usou com sucesso o humor, tipos de gênero folk em seu trabalho, Mozart foi um compositor universal.
Mozart é o criador da forma instrumental da sonata. Beethoven o aperfeiçoou, levou-o a alturas insuperáveis. O período tornou-se um período de auge do quarteto. Haydn, seguido por Beethoven e Mozart, dão uma contribuição significativa para o desenvolvimento deste gênero.
mestres italianos
Giuseppe Verdi - um notável músico do século 19, desenvolveu a tradicional ópera italiana. Ele tinha um artesanato impecável. As obras operísticas Il trovatore, La Traviata, Othello, Aida tornaram-se o ponto culminante da sua atividade de compositor.
Niccolo Paganini - nascido em Nice, uma das personalidades mais talentosas musicalmente dos séculos XVIII e XIX. Ele era um virtuoso no violino. Compôs caprichos, sonatas, quartetos para violino, violão, viola e violoncelo. Escreveu concertos para violino e orquestra.
Gioacchino Rossini - trabalhou no século XIX. Autor de livros espirituais e música de câmara, compôs 39 óperas. Trabalhos de destaque - "O Barbeiro de Sevilha", "Otelo", "Cinderela", "A Pega Ladrão", "Semiramida".
Antonio Vivaldi é um dos maiores representantes da arte do violino do século XVIII. Ele ganhou fama graças ao seu mais trabalho notável- 4 concertos para violino "Estações". Viveu uma vida incrivelmente produtiva vida criativa, compôs 90 óperas.
Famosos compositores clássicos italianos deixaram um legado musical eterno. Suas cantatas, sonatas, serenatas, sinfonias, óperas darão prazer a mais de uma geração.
Peculiaridades da percepção da música por uma criança
Ouvir boa música tem um efeito positivo no desenvolvimento psicoemocional da criança, segundo psicólogos infantis. Boa música introduz à arte e forma um gosto estético, assim pensam os professores.
Muitas criações conhecidas foram criadas por compositores clássicos para crianças, tendo em conta a sua psicologia, perceção e especificidades da idade, ou seja, para ouvir, enquanto outros compuseram várias peças para pequenos intérpretes que eram facilmente perceptíveis de ouvido e tecnicamente acessíveis aos mesmos.
"Álbum infantil" de Tchaikovsky P.I. para pequenos pianistas. Este álbum é uma dedicatória a um sobrinho que amava a música e era muito Criança superdotada. A coleção contém mais de 20 peças, algumas delas baseadas em material folclórico: motivos napolitanos, dança russa, melodias tirolesas e francesas. Coleção "Canções infantis" de Tchaikovsky P.I. desenhado para percepção auditiva público infantil. Canções de humor otimista sobre a primavera, pássaros, um jardim florido ("Meu jardim"), sobre a compaixão por Cristo e Deus ("Cristo, o bebê tinha um jardim").
clássico infantil
Muitos compositores clássicos trabalharam para crianças, cuja lista de obras é muito diversificada.
Prokofiev S.S. "Pedro e o Lobo" - conto sinfônico para crianças. Através desta história, as crianças são apresentadas a instrumentos musicais Orquestra Sinfónica. O texto do conto foi escrito pelo próprio Prokofiev.
Schumann R. "Cenas infantis" são pequenas histórias musicais com um enredo simples, escritas para artistas adultos, memórias da infância.
Ciclo de Piano de Debussy "Cantinho das Crianças".
Ravel M. "Mãe Ganso" baseado nos contos de fadas de Ch. Perrault.
Bartok B. "Primeiros Passos ao Piano".
Ciclos para crianças Gavrilova S. "Para os mais pequenos"; "Heróis de contos de fadas"; "Crianças sobre animais."
Shostakovich D. "Álbum peças de piano para crianças".
Bach I. S. Caderno de Anna Magdalena Bach. Ensinando música aos filhos, criou peças e exercícios especiais para que desenvolvessem habilidades técnicas.
Haydn J. - progenitor da sinfonia clássica. Criou uma sinfonia especial chamada "Children's". Os instrumentos utilizados: rouxinol de barro, chocalho, cuco - conferem-lhe um som inusitado, infantil e provocador.
Saint-Saens K. surgiu com uma fantasia para orquestra e 2 pianos chamada “Carnaval dos Animais”, na qual transmitiu com maestria o cacarejar das galinhas, o rugido de um leão, a complacência de um elefante e sua maneira de se mover, um cisne tocantemente gracioso por meios musicais.
Compondo composições para crianças e jovens, os grandes compositores clássicos cuidaram dos interessantes enredos da obra, da disponibilização do material proposto, levando em consideração a idade do intérprete ou ouvinte.
Apresentação "Grandes compositores italianos"
diapositivo 1:
A música sempre desempenhou um papel importante na cultura italiana. Instrumentos associados à música clássica, incluindo piano e violino, foram inventados na Itália.
Na música italiana dos séculos XVI e XVII, podem ser encontradas as raízes de muitas das formas clássicas predominantes de música, como a sinfonia, o concerto e as sonatas.
Slide 2: Objetivos da apresentação:
Conhecer a obra de compositores italianos dos séculos VII a XX.
Antonio Salieri;
Nicolau Paganini;
Gioacchino Rossini;
Giuseppe Verdi;
Antonio Vivaldi.
Desenvolver percepção figurativa música.
Construir gosto musical.
Compositores italianos dos séculos VII a XX. Breve informação biográfica:
Antonio Salieri;
Nicolau Paganini;
Gioacchino Rossini;
Giuseppe Verdi;
Antonio Vivaldi.
Concerto instrumental de A. Vivaldi "The Seasons":
Inverno;
Primavera;
Verão;
Outono.
A era barroca é representada na Itália pelos compositores Scarlatti, Corelli e Vivaldi, a era do classicismo pelos compositores Paganini e Rossini, e a era do romantismo pelos compositores Verdi e Puccini.
Clássico tradições musicais ainda assim, como evidenciado pela fama de inúmeras casas de ópera como La Scala em Milão e San Carlo em Nápoles, e artistas como o pianista Maurizio Pollini e o falecido tenor Luciano Pavarotti.
Ouça esta peça.
Diapositivo 5:
A execução de Paganini revelou possibilidades tão amplas para o violino que os contemporâneos suspeitaram que ele possuísse algum segredo escondido dos outros; alguns até acreditavam que o violinista vendeu sua alma ao diabo. Toda a arte do violino das épocas subsequentes se desenvolveu sob a influência do estilo de Paganini. Aqui está um dos mais trabalho famoso Capricho #24.
Slide 6:
Gelo de colher rachado
Cobertura da lagoa de inverno.
O sol cegou o rio
Sem estradas - um fluxo
Vento freio quente.
Trouxeram gralhas ontem.
Tudo chilreia e brilha com a carícia dos primeiros dias de primavera,
E com pressa para lavar. em uma poça velho pardal.
Slide 13:
Então os dias de primavera voaram rapidamente,
E o verão quente chegou.
E o sol está quente e radiante.
Trouxe com ele.
Slide 14:
Olha, é outono.
Dia de outono, dia triste,
Folha de Aspen, adeus,
A folha está girando, a folha está girando
A folha cai para dormir no chão.
BONONCHINI - família de músicos italianos:
João Maria (1642 - 1648) - compositor, violinista, teórico. Op. 9 coleções de sonatas, peças de dança. Possui um tratado sobre contraponto. EM últimos anos escreveu uma ópera de câmara, vários madrigais, cantatas solo.
Giovanni Batista (1670 - 1747) - seu filho, compositor e violoncelista. Seu legado inclui 40 óperas, mais de 250 cantatas solo, cerca de 90 sinfonias, concertos, sonatas em trio. O sucesso de algumas de suas óperas em Londres superou o de seu principal rival, Handel.
António Maria (1677 - 1726) - compositor e violoncelista. Autor de obras para teatro musical e igreja. Em termos de textura e harmonia, sua música era mais refinada que a de seu irmão mais velho, mas nunca teve o mesmo sucesso.
Giovanni Maria Jr. (1678 - 1753) - meio-irmão, violoncelista, depois violinista em Roma, autor de obras vocais.
VIVALDI ANTÔNIO (1678 - 1741)
As maiores realizações pertencem ao gênero concerto instrumental. lugar significativo ocupa no patrimônio Música vocal. Lutando pelo sucesso no op. gênero e viajou muito dirigindo suas produções. Trabalhou em op. teatros de Vicenza, Veneza, Mântua, Roma, Praga, Viena, Ferrara, Amsterdam. Op. OK. 50 óperas(sobreviveu 20), incl. Titus Manlius, Justin, Furioso Roland, Fiel Ninfa, Griselda, Bayazet. OK. 40 cantatas solo, oratório Triumphant Judith).
Giuseppe Giordani (c.1753 - 1798)
DUNY EGIDIO (1708 - 1775)
Estudou em Nápoles com Durante. Autor de 10 séries de ópera sobre textos Metástase, cerca de 20 op. no gênero francês ópera cômica. Ele introduziu ariettas e recitativos no estilo italiano. Este gênero é chamado comédia com ariettas.Óperas:"Nero", "Demofont", "Artista apaixonado por sua modelo" (comic op.).
DURANTE FRANCESCO (1684 - 1755)
compositor italiano. Ele estudou em Nápoles, depois se tornou o primeiro maestro de vários conservatórios napolitanos. Ele foi considerado o melhor professor de composição em Nápoles. Entre seus alunos estão Duny, Pergolesi, Picchini, Paisiello. Ao contrário de outros it. compositores não escreviam óperas. A parte mais valiosa de seu legado é a música sacra. Obras instrumentais também são interessantes - 12 sonatas para cravo, 8 concertos para quarteto, peças do repertório pedagógico.
FRANCESCO CAVALLI (1602 - 1676)
Ele foi apelidado de Bruni. Ele era um corista e organista na Igreja de St. Marcos em Veneza. Ele começou a escrever óperas que foram para casas de ópera Itália. Depois de Paris, onde foi encenada a sua ópera Hércules, o Amante, com canto e dança escritos para esta representação pelo jovem Lully, todos outras atividades Cavalli foi associado com a Catedral de St. Marca. Ele é o autor de cerca de 30 óperas. Graças a ele, a Veneza do século XVII. tornou-se o centro de arte operística. Como op. Monteverdi, op. Cavalli são ricos em contrastes e nuances psicológicas; clímax patéticos e até trágicos neles são frequentemente substituídos por episódios de um plano cômico e cotidiano.
óperas: "O Amor de Apolo e Dafne", "Dido", "Ormindo", "Jasão", "Calisto", "Xerxes", "Hércules o Amante"
música espiritual: Missa, 3 Vésperas, 2 Magnificats, Requiem
Música secular: cantata árias.
CALDAR ANTÔNIO (1670 - 1736)
Ele tocava viola, violoncelo, cravo. Ele compôs quase exclusivamente música vocal - oratórios, cantatas, ópera séria. Ele serviu como maestro de igreja e teatro. Mais tarde, compôs uma série de obras para o carnaval de Viena e para as festividades da corte, bem como para Salzburgo. No total, ele escreveu 3.000 composições vocais. Metastasio foi o primeiro a musicar muitos libretos.
CARISSIMI GIACOMO (1605 - 1674)
Ele era um corista, organista, maestro do jesuíta Colleggio Germanico, e recebeu ordens sagradas. A parte mais significativa do legado são os oratórios, sustentados num estilo narrativo-recitativo. Fragmentos separados pela natureza da carta estão próximos das árias. Um papel importante é dado às cenas corais. Entre seus alunos estão A. Chesty, A. Scarlatti, M.-A. Charpentier.
Op.: 4 Missas, cerca de 100 motetos, 14 oratórios Belsazar, Ievfai, Jonas, cerca de 100 cantatas seculares.
GIULIO CACCCINI (1545 - 1618)
Ele tinha uma provisão - um romano. Compositor, cantor, tocador de alaúde. Foi apadrinhado pelo Duque Cosimo I de Medici, que o levou a Florença, onde participou das reuniões da Camerata e desenvolveu um novo estilo canto - estilo recitativo. Ele publicou a coleção "New Music", onde refletiu mais plenamente as aspirações inovadoras. A coleção inclui madrigais e árias estróficas para voz e baixo contínuo. A música mais popular da coleção é Amarilli. Em 1614, a segunda coleção do compositor, Novas músicas e uma nova maneira de escrevê-las, foi publicada. O nome de Caccini, notável compositor e cantor inovador, não foi esquecido durante todo o século XVII. Muitos compositores criaram coleções de peças vocais baseadas em seu modelo. As duas filhas de Caccini, Francesca e Settimia, tornaram-se famosas como cantoras e compositoras.
MARTINI (1741 - 1816)
Apelidado de Il Tedesco ("italiano alemão", nome real Schwarzendorf Johann Paul Egidius). compositor alemão. Antes de se mudar para Paris (1764) esteve ao serviço do Duque de Lorraine. Lecionou no Conservatório de Paris, regeu a orquestra da corte, autor de 13 óperas, miniaturas vocais (incluindo a popular canção "Plaisir d'amour".
MARÇO ALESSANDRO (1669 - 1747)
Irmão B.Marcello. Músico amador, deu concertos em sua casa veneziana. Compôs cantatas solo, árias, canzonettes, sonatas para violino e concertos. Os concertos para oboé e cordas (6 no total) pertencem aos exemplos mais recentes da variedade barroca veneziana do gênero. Concerto para oboé e cordas em ré-moll (c. 1717) é conhecido no arranjo de J.S. Bach para cravo.
MARCELO BENEDETO (1686 - 1739)
Compositor, compositor, advogado, irmão de A. Marcello. Ele ocupou altos cargos governamentais em Veneza. A coleção de salmos para 1 a 4 vozes com baixo digital (50 no total) trouxe grande popularidade. Possui também outras composições para igreja, oratório, ópera, mais de 400 cantatas solo, duetos, além de sonatas e concertos, marcados pela influência de Vivaldi. Em sua música, o domínio polifônico é combinado com a suscetibilidade a novos estilo galante. Um tratado interessante de Marcello é uma sátira à ópera séria.
PAISIELLO GIOVANNI (1740 - 1816)
Estudou em Nápoles com Durante. Ganhou reputação como um dos principais mestres do gênero ópera buffa. Ele serviu como maestro na corte de Catarina II em São Petersburgo. Nesse período, op. "O Barbeiro de Sevilha". Em seu retorno a Nápoles, ele começou a escrever ópera-semi-série(semi-sério) - "Nina, ou Louca de Amor." Ele serviu brevemente em Paris como maestro pessoal de Napoleão I. A qualidade das óperas de Paisiello influenciou Mozart - a arte das Musas. delineamentos de caráter, domínio da escrita orquestral, engenhosidade melódica. Óperas: Don Quixote, The Servant-Mistress, King Theodore in Venice, The Miller's Woman, Proserpina, The Pythagoreans e pelo menos 75 outras óperas.
PERGOLESI GIOVANNI BATISTA (1710 - 1736)
Ele estudou em Nápoles, ao mesmo tempo que trabalhava como violinista em uma orquestra. Escreveu obras teatrais no gênero drama sagrado. Morreu de tuberculose aos 26 anos. Ficou para a história como o fundador do gênero ópera bufa. A obra-prima deste gênero foi op. "Senhora Donzela". Escreveu obras para a igreja: "Stabat mater" para soprano, contralto e orquestra, 2 Missas, Vésperas, 2 "Salve Regina", 2 motetos.
PERI JACOPO (1561 - 1633)
Compositor e cantor, padre. Serviu como compositor e corista na corte Medici. Ele também era conhecido como um performer em chitarrona -(corda instrumento dedilhada, uma espécie de alaúde baixo, de até 2 m de comprimento, usado principalmente para acompanhar o canto solo). Reuniões atendidas câmera. Ele compôs em um novo estilo recitativo, imitando a antiga prática de cantar solo com acompanhamento. escreveu óperas Dafne, Eurídice. Ele também compôs uma coleção de peças vocais contendo vários exemplos de estilo recitativo.
Piccini Nicolau (1728 - 1800)
Estudou em Nápoles com Durante. Ele não só compôs óperas, mas também ensinou canto, foi maestro e organista. Estabelecendo-se em Paris, ele escreveu vários franceses sérios e cômicos. ópera. A competição séria de Gluck não impediu o sucesso de seu tragédias líricas"Roland", "Ifigênia em Tauris", "Dido". A fama internacional foi trazida a ele pela ópera "Chekkina, ou a Boa Filha" (1760)
SARRI DOMENICO (1679 - 1744)
Ele estudou em Nápoles, onde atuou como maestro da corte. primeiras óperas, oratórios, serenatas são sustentados da mesma maneira barroca que a música vocal de A. Scarlatti. Ao mesmo tempo, sua obra contribuiu para a formação de um estilo napolitano mais simples e melódico.
SCARLATTI ALESSANDRO (1660 - 1725)
Maestro dos teatros, da Capela Real e do Conservatório de Nápoles, onde lecionou. Entre os alunos estão D. Scarlatti, F. Durante, I. A. Hasse. Um dos fundadores e maior representante escola de ópera napolitana. Sob ele, surgiram formas como a ária da capo, a abertura italiana e o recitativo com acompanhamento instrumental. Op. acima de 125 série de ópera , incluindo “Caprichos do Amor ou Rosaura”, “O Pastor Corinto”, “O Grande Tamerlão”, “Mithridates Evpator”, “Telemak”, etc. Mais de 700 cantatas, 33 serenatas, 8 madrigais.
SCARLATTI DOMENICO (1685 - 1757)
Filho de A. Scarlatti. Ele escreveu óperas, espirituais e música secular, mas ganhou fama como cravista virtuoso. O lugar principal em sua obra era ocupado por composições de cravo de um movimento, que ele chamava de "exercícios". Um inovador no campo da técnica de cravo. Op. mais de 550 sonatas de cravo, 12 óperas, 70 cantatas, 3 missas, Stabat Mater, Te Deum
STRADELLA ALESSANDRO (1644 - 1682)
Compositor italiano, compôs música encomendada pela Rainha Cristina. Entre suas obras do período romano, predominam prólogos e intermezzos, incl. às óperas Cavalli e Honor. Sua vida foi cheia de escândalos e altos Histórias de amor. Em 1677 ele fugiu para Gênova. Entre as várias óperas encenadas em Gênova, destaca-se a cômica Guardião de Trespolo. Stradella foi morto por vingança pelos mercenários da família Lomellini.
Um dos compositores mais talentosos e versáteis de seu tempo. No total, compôs cerca de 30 obras cênicas, cerca de 200 cantatas. 27 composições instrumentais sobreviveram.
HONRA ANTÔNIO (1623 - 1669)
O verdadeiro nome deste monge franciscano é Pietro. Na adolescência serviu como corista da igreja em Arezzo, depois tornou-se noviço no mosteiro florentino de Santa Croce. Organista da catedral, então maestro em Voltaire, onde foi patrocinado por sua família Medici. Honra da Carreira como compositor de ópera começou em 1649, quando sua ópera Orontea foi apresentada com sucesso em Veneza. Em 1652 ele se tornou o músico da corte do arquiduque Ferdinand Karl em Innsbruck e foi destituído. A partir de 1665 serviu na corte imperial de Viena. Em pouco tempo em Viena, ele criou muitas óperas, incl. grandioso" Maçã Dourada" , que foi encenado para coincidir com o casamento de Leopoldo I. Pouco antes de sua morte, foi nomeado regente da corte toscana em Florença.
