Hem › Kropp › Var föddes Sergei Prokofiev som dirigent och kompositör. Sergei Prokofiev biografi kort

Var föddes Sergei Prokofiev som dirigent och kompositör. Sergei Prokofiev biografi kort

Sergei Prokofiev är en enastående rysk kompositör och en personlighet med unikt öde. En man med fantastiska förmågor som kom in på St. Petersburgs konservatorium när han bara var 13. En man som åkte utomlands efter revolutionen, men återvände till Sovjetunionen - med ära och utan stigmatisering av "avhoppare". En person med orubblig strävan, som inte bröts av livets svårigheter. Han gynnades av myndigheterna, hade de högsta statliga utmärkelserna och sedan, under sin livstid, glömdes han bort och vanärades. Mannen som kallas nittonhundratalets "enda geni" och vars fantastiska verk glädjer lyssnare världen över.

En kort biografi om Sergei Prokofiev och många intressanta fakta läs om kompositören på vår sida.

Kort biografi om Prokofiev

Sergey Sergeevich Prokofiev kommer från den ukrainska byn Sontsovka. Det finns olika versioner av hans födelsedatum, men det är tillrådligt att ange den som han själv angav i sin "Självbiografi" - 11 april (23), 1891. Det verkar som att han redan föddes som kompositör, för tack vare sin mor, Maria Grigoryevna, som spelade piano utmärkt, var Prokofievs hus fullt av musik. Intresset för instrumentet fick lilla Serezha att börja lära sig spela. Sedan 1902 började Sergei Prokofiev att undervisa i musik R.M. glider.

Prokofiev blev student vid Moskvas konservatorium 1904. Fem år senare tog han examen från kompositionsavdelningen och fem år senare - från pianoavdelningen och blev den bästa examen. Han började ge konserter 1908. Debuten bedömdes mycket positivt av kritiker, både utövande talang och kompositörens originalitet noterades. Sedan 1911 har anteckningar om hans verk publicerats. Vändpunkten i den unge Prokofievs öde var hans bekantskap med S.P. Diaghilevår 1914. Tack vare föreningen mellan entreprenören och kompositören föddes fyra baletter. 1915 organiserade Diaghilev Prokofievs första utländska föreställning med ett program bestående av hans kompositioner.

Prokofjev uppfattade revolutionen som förstörelse, "massaker och spel". Därför åkte han redan nästa år till Tokyo och därifrån till New York. Han bodde länge i Frankrike och turnerade i den gamla och nya världen som pianist. 1923 gifte han sig med den spanska sångerskan Lina Codina, de fick två söner. Kommer på föreställningar Sovjetunionen, Prokofiev ser ett exceptionellt hjärtligt, till och med lyxigt, mottagande av myndigheterna, en storslagen, aldrig tidigare skådad framgång med allmänheten, och han får också ett erbjudande om att återvända och ett löfte om status som "den första kompositören". Och 1936 flyttade Prokofiev för att bo i Moskva med sin familj och egendom. Myndigheterna lurade honom inte - en lyxig lägenhet, välutbildade tjänare, order strömmar in som från ett ymnighetshorn. 1941 lämnade Prokofiev familjen för Mira Mendelssohn.

oväntat dramatiska händelser 1948 började. Efternamnet Prokofiev nämndes i resolutionen från partiet "On the opera" Great Friendship "av V. Muradeli." Kompositören rankades bland "formalisterna". Som ett resultat förbjöds några av hans kompositioner, i synnerhet den sjätte symfonin, resten framfördes nästan aldrig. Men redan 1949 hävdes dessa restriktioner genom Stalins personliga order. Det visade sig att inte ens landets "förste kompositör" tillhör den orörda kasten. Mindre än tio dagar efter publiceringen av det förödande dekretet arresterades kompositörens första fru, Lina Ivanovna. Hon dömdes till 20 år i lägren för spionage och förräderi, hon skulle släppas först 1956. Prokofievs hälsa försämrades märkbart, läkarna rådde honom att knappt arbeta. Ändå deltog han 1952 personligen i det första framförandet av sin sjunde symfoni och skrev musik även den sista dagen i sitt liv. På kvällen den 5 mars 1953 stannade Sergei Prokofievs hjärta...

Prokofiev - kompositör

Från Prokofievs biografi vet vi att Seryozha vid fem års ålder uppfann och spelade sitt första stycke på piano (Maria Grigoryevna skrev ner noterna). Efter att ha besökt 1900 Moskva-produktioner av " Faust"och" sovande skönhet”, blev barnet så inspirerat av vad han hörde att bara ett halvår senare föddes hans första opera ”Jätten”. Redan vid tidpunkten för inträdet i konservatoriet hade flera mappar med kompositioner samlats.

Idén till hans första stora opera baserad på handlingen i romanen av F.M. Dostojevskij" Spelare”, som Prokofiev i sin ungdom planerade att överföra till opera scen, diskuterades av kompositören i första hand med S. Diaghilev. Som dock inte var intresserad av idén. Till skillnad från chefsdirigenten för Mariinsky Theatre A. Coates, som stöttade henne. Operan stod klar 1916, utdelningen av stämmor gjordes, repetitionerna började, men på grund av en olycklig rad hinder ägde premiären aldrig rum. Efter ett tag gjorde Prokofiev den andra upplagan av operan, men hon Stora Teatern utspelade sig först 1974. Under kompositörens livstid realiserades endast produktionen av den andra upplagan av Brysselteatern La Monnaie 1929, där operan framfördes på franska. Det sista verket som skrevs och framfördes i det förrevolutionära S:t Petersburg var den första symfonin. Under livet utomlands skapades: operor " Kärlek till tre apelsiner"and" Fiery Angel", tre symfonier, många sonater och stycken, musik till filmen "Lieutenant Kizhe", konserter för cellos, piano, fioler med en orkester.

Återkomsten till Sovjetunionen är en snabb tid kreativ start Prokofiev, när verken som blev hans " telefonkort» även för den som inte är bekant med klassisk musik - balett "Romeo och Julia" och den symfoniska sagan "Peter och vargen". 1940, Operahuset. K.S. Stanislavsky ger premiären av Seeds of Kotko. Samtidigt slutfördes arbetet med operan Trolovning i ett kloster, där M. Mendelssohn fungerade som medförfattare till librettot.

1938 släpptes S. Eisensteins film "Alexander Nevsky", som på några år var ämnad att bli en symbol för kampen mot de nazistiska inkräktarna. Musiken i denna film, såväl som den andra monumentala filmen av regissören "Ivan the Terrible", skrevs av Sergei Prokofiev. Krigsåren präglades av evakuering till Kaukasus, samt arbete med tre större verk: Femte symfonin, balett "Askungen", opera" Krig och fred". Författaren till librettot av denna opera och efterföljande verk av kompositören var hans andra fru. Efterkrigstiden är anmärkningsvärd främst för två symfonier - den sjätte, som anses vara ett slags rekviem för krigets offer, och den sjunde, tillägnad ungdom och förhoppningar.

Intressanta fakta:

Versionen av operan The Gambler, skriven för Mariinsky-teatern 1916, sattes aldrig upp där. Premiären av den andra upplagan ägde rum först 1991.
Under Prokofievs liv sattes endast fyra av hans operor upp i Sovjetunionen. Samtidigt - inte en enda på Bolsjojteatern.
Sergei Prokofiev lämnade två juridiska änkor. En månad före arresteringen av L. Prokofieva, som inte gav honom en skilsmässa, vare sig på grund av hennes egen säkerhet, eller för att hon uppriktigt inte ville släppa sin älskade, gifte sig kompositören om. Han fick rådet att använda de rättsliga bestämmelserna i dekretet om förbud mot äktenskap med utlänningar, som erkände det kyrkliga äktenskapet med Lina Ivanovna, som ingåtts i Tyskland, som ogiltigt. Prokofiev skyndade sig att legalisera förbindelserna med M. Mendelssohn och ersatte därigenom ex-fru under slaget av den sovjetiska repressiva maskinen. När allt kommer omkring, med ett penndrag och mot sin vilja, förvandlade hon sig från Prokofjevs fru till en ensam utlänning och upprätthöll relationer med andra utlänningar i Moskva. Efter att ha återvänt från lägret återställde kompositörens första fru alla sina äktenskapliga rättigheter i domstol, inklusive en betydande del av arvet.
Kompositören var en briljant schackspelare . "Schack är tankens musik" är en av hans mest kända aforismer. En gång lyckades han till och med vinna ett parti mot världsmästaren i schack H.-R. Capablanca.

Från 1916 till 1921 samlade Prokofiev ett album med autografer från sina vänner som svarade på frågan: "Vad tycker du om solen?". Bland de som svarade fanns K. Petrov-Vodkin, A. Dostoevskaya, F. Chaliapin, A. Rubinshtein, V. Burliuk, V. Mayakovsky, K. Balmont. Prokofievs arbete kallas ofta soligt, optimistiskt, gladt. Till och med platsen för hans födelse i vissa källor kallas Solntsevka.
Prokofievs biografi noterar att han under de första åren av kompositörens framträdanden i USA kallades en "musikalisk bolsjevik" där. Den amerikanska allmänheten visade sig vara för konservativ för att förstå hans musik. Dessutom hade hon redan sin egen ryska idol - Sergei Rachmaninov.
När han återvände till Sovjetunionen fick Prokofiev en rymlig lägenhet i ett hus på 14, Zemlyanoy Val, där i synnerhet bodde: piloten V. Chkalov, poeten S. Marshak, skådespelaren B. Chirkov, konstnären K. Yuon. De tillät mig också att ta med mig en blå Ford köpt utomlands och till och med skaffa en personlig förare.
Samtida noterade Sergei Sergeevichs förmåga att klä sig med smak. Han skämdes inte över vare sig ljusa färger eller djärva kombinationer i kläder. Han älskade franska parfymer och dyra accessoarer som slipsar, fina viner och gourmetmat.
Sergei Prokofiev förde en detaljerad personlig dagbok i 26 år. Men efter att ha flyttat till Sovjetunionen bestämde han sig för att det var klokare att inte göra detta längre.

Efter kriget bodde Prokofiev mestadels i en dacha i byn Nikolina Gora nära Moskva, som han köpte för pengarna från det femte Stalinpriset. I Moskva var hans hem tre rum i en gemensam lägenhet, där förutom kompositören och hans fru även Mira Abramovnas styvfar bodde.
Kompositören inkluderade ofta fragment och melodier av tidigare verk i sina verk. Exempel inkluderar:
- musiken till baletten "Ala och Lolly", som S. Diaghilev vägrade att iscensätta, omarbetades av Prokofiev till Skythian Suite;
- musiken i den tredje symfonin är hämtad från operan "Fiery Angel";
- Den fjärde symfonin föddes ur musiken av baletten "Prodigal Son";
- Temat "Tatar Steppe" från målningen "Ivan the Terrible" låg till grund för Kutuzovs aria i operan "Krig och fred".
"Steel lope" för första gången jag såg rysk scen först 2015, 90 år efter att det skapades.
Kompositören avslutade arbetet med duetten av Katerina och Danila från baletten "Sagan om stenblomman" några timmar före sin död.
Livet för S.S. Prokofiev och I.V. Stalin avbröts på en dag, på grund av vilken kompositörens död tillkännagavs på radion med en fördröjning, och organisationen av begravningen var mycket svårare.

Sergei Prokofiev och bio

Skapandet av musik för filmer av en kompositör av denna kaliber är utan motstycke inom konsten. 1930-40 skrev Sergei Prokofiev musik till åtta filmer. En av dem, The Queen of Spades (1936), såg aldrig dagens ljus på grund av en brand på Mosfilm som förstörde filmerna. Prokofievs musik till den allra första filmen, Löjtnant Kizhe, blev otroligt populär. Utifrån den skapade kompositören en symfonisk svit, som framfördes av orkestrar runt om i världen. Två baletter skapades senare till denna musik. Prokofiev accepterade dock inte omedelbart filmskaparnas förslag - hans första reaktion var ett avslag. Men efter att ha läst manuset och en detaljerad diskussion om regissörens avsikt blev han intresserad av idén och, som han noterade i sin självbiografi, arbetade han snabbt och med nöje med musiken till löjtnant Kizhe. Skapandet av sviten krävde mer tid, omorkestrering och till och med omarbetning av vissa teman.

Till skillnad från "Löjtnant Kizhe", förslaget att skriva musik till filmen " Alexander Nevskij Prokofiev accepterade utan att tveka. De hade känt Sergei Eisenstein länge, Prokofiev ansåg sig till och med vara ett fan av regissören. Arbetet med bilden var en hyllning till verkligt medskapande: ibland skrev kompositören en musikalisk text, och regissören byggde inspelningen och redigeringen av avsnittet på dess grund, ibland tittade Prokofiev på det färdiga materialet och knackade rytmer på trä med hans fingrar och föra den färdiga poängen efter ett tag. Musiken av "Alexander Nevsky" förkroppsligade alla huvuddragen i Prokofievs talang och gick välförtjänt in i världskulturens gyllene fond. Under krigsåren skapade Prokofiev musik för tre patriotiska filmer: "Partisans in the Steppes of Ukraine", "Kotovsky", "Tonya" (från filmsamlingen "Our Girls"), såväl som för den biografiska filmen "Lermontov" (tillsammans med V. Pushkov).

Sist men inte minst var Prokofjevs arbete med S. Eisensteins film Ivan the Terrible, som började i Alma-Ata. Musiken till "Ivan the Terrible" med sin folkepiska kraft fortsätter med teman för "Alexander Nevsky". Men den andra gemensamma bilden av de två genierna består inte bara av heroiska scener, utan berättar också om historien om boyarkonspirationen och diplomatiska intriger, som krävde en mer mångsidig musikalisk duk. Detta verk av kompositören belönades med Stalinpriset. Även efter Prokofjevs död fungerade musiken av Ivan the Terrible som grunden för skapandet av oratoriet och balett.

Trots det faktum att Sergei Prokofievs fantastiska öde kunde ligga till grund för ett intressant filmmanus, finns det fortfarande inga långfilmer om kompositörens liv. För olika årsdagar - från födelse- eller dödsdatum - skapades bara tv-filmer och -program. Kanske beror detta på det faktum att ingen åtar sig att entydigt tolka Sergei Sergeyevichs tvetydiga handlingar. Av vilka skäl återvände han till Sovjetunionen? Var den sovjetiska perioden av hans verk konformism eller innovation? Varför misslyckades hans första äktenskap? Varför tillät han Lina Ivanovna att vårdslöst vägra att bli evakuerad från militära Moskva, för att inte ta ut åtminstone barnen? Och brydde han sig om något överhuvudtaget, förutom sin egen fåfänga och kreativa insikt – till exempel den gripna första hustruns och hans egna söners öde? Det finns inga svar på dessa och många andra brännande frågor. Det finns åsikter och gissningar som kanske inte är rättvisa mot den store kompositören.

Den store ryske kompositören som skrev sin första opera vid 9 års ålder. Bemästra stora former, som lyckades översätta till musikens språk både de Shakespeareska passionerna Romeo och Julia, och mötet mellan pionjären Petya och vargen.

Den berömda kompositören föddes i Yekaterinoslav-provinsen i familjen till en agronom. Pojken från barndomen visade musikalisk förmåga, hans första lärare var hans mor - en bra pianist. 1902-1903 tog Prokofiev privatlektioner av kompositören Reinhold Gliere. 1904 gick han in på St. Petersburgs konservatorium. 1909 tog Prokofiev examen från det som kompositör, fem år senare - som pianist, och fortsatte att studera i det till 1917 i orgelklassen.

Prokofiev började uppträda som solist och framför sina egna verk från 1908. En elev till Rimsky-Korsakov, kompositören Prokofiev började med pianostycken och sonater, men Chicago-premiären gav honom berömmelse - den gladaste operan i världen, The Love for Three Oranges. Utan Prokofievs musik idag är det omöjligt att föreställa sig erkänt mästerverk förkrigsfilm - filmen "Alexander Nevsky". Och det musikaliska ackompanjemanget av "Ivan the Terrible" av Sergei Eisenstein fick eget liv som ett separat verk.

1918 lämnade han sovjetstaten och nådde USA via Tokyo. Under de följande decennierna levde och turnerade Prokofiev i Amerika och Europa, och uppträdde också flera gånger i Sovjetunionen. Han återvände till sitt hemland 1936 med sin spanska fru Lina Codina och söner. Det var efter återkomsten som den berömda sagan "Peter och vargen", liksom operan "Krig och fred" skapades. Prokofiev arbetade på eposet i 12 år.

1948 arresterades Lina Kodina, som vid den tiden var hans ex-fru, och förvisades (släpptes 1956, hon lämnade senare Sovjetunionen). Samma år började Prokofiev krossas för formalism, hans verk kritiserades skarpt som olämpliga för socialistisk realism.

Prokofiev dog av en hypertensiv kris vid 61 års ålder.

Fragment ur självbiografin om S.S. Prokofiev.

<...>Mamma älskade musik, pappa respekterade musik. Förmodligen älskade han henne också, men i filosofiska termer, som en manifestation av kultur, som en flykt för den mänskliga anden. En gång, när jag satt vid pianot som pojke, stannade min far, lyssnade och sa:
- Ädla ljud.
Detta är nyckeln till hans inställning till musik.
<...>Mammas inställning till musik var mer praktisk. Hon spelade piano inte dåligt, och hennes fritid på landsbygden gjorde att hon kunde ägna så mycket tid åt denna fråga som hon ville. Det hade hon knappast musikaliska talanger; tekniken var svår, och fingrarna berövas kuddar framför naglarna. Hon var rädd för att spela inför folk. Men hon hade tre dygder: uthållighet, kärlek och smak. Mamma strävade efter bästa möjliga utförande av det som lärdes, behandlade sitt arbete med kärlek och var uteslutande intresserad av seriös musik. Den sistnämnda spelade en enorm roll i att odla min musiksmak: från födseln hörde jag Beethoven och Chopin, och vid tolv års ålder minns jag att jag medvetet föraktade lätt musik. När min mamma väntade på min födelse spelade hon upp till sex timmar om dagen: den blivande lilla mannen formades till musiken.

<...>]Musikaliska böjelser började visa sig tidigt, troligen vid fyra års ålder. Jag har hört musik i huset sedan jag föddes. När de lade mig på kvällen, men jag inte kände för att sova, låg jag och lyssnade på hur Beethovens sonat lät någonstans i fjärran, flera rum bort. Mor spelade mest av allt sonaterna från första volymen; sedan Chopins preludier, mazurkor och valser. Ibland något från Liszt, vilket inte är så svårt. Från ryska författare - Tjajkovskij och Rubinstein. Anton Rubinstein var på höjden av sin berömmelse, och hans mamma var säker på att han var ett större fenomen än Tjajkovskij. Rubinsteins porträtt hängde över pianot.

<...>Mamman började sina lektioner på piano med övningar av Ganon och etuder av Czerny. Det var här jag försökte nästla mig på tangentbordet. Mor, upptagen med övningar i mellanregistret, avsatte ibland för mitt bruk de två övre oktaverna, på vilka jag tappade ut mina barndomsexperiment. En ganska barbarisk ensemble vid första anblicken, men moderns beräkning visade sig vara korrekt, och snart började barnet sätta sig vid pianot på egen hand och försöka plocka upp något. Mamma hade ett pedagogiskt streck. Omärkligt försökte hon vägleda mig och förklara hur man använder instrumentet. Det faktum att hon spelade var jag nyfiken och kritisk och sa ibland:
– Jag gillar den här låten (jag sa "Jag gillar den"). Låt henne vara min.
Det fanns också dispyter med min mormor: vad var det för slags lek mamman spelade. Jag hade oftast rätt.
Att lyssna på musik och improvisera vid klaviaturen fick mig att plocka upp oberoende stycken.

<...>Under våren och sommaren 1897 spelade jag in tre stycken: vals, mars och rondo. Det fanns inget musikpapper i huset, kontoristen Vanka kantade det åt mig. Alla tre styckena var i C-dur<...>Den fjärde visade sig vara lite svårare - en marsch i h-moll. Sedan anlände Ekaterina Ippokratovna till Sontsovka, hustru till den Lyashchenko, till vilken jag inte brydde mig ett dugg om hans skallighet. Hon spelade piano bra och pluggade till och med lite med sin mamma. Tillsammans spelade de fyra händer, vilket jag verkligen gillade: de spelar olika saker, men tillsammans blir det ganska bra!
– Mamma, jag ska skriva en fyrhandsmarsch.
- Det är svårt, Sergushechka. Du kan inte välja musik för en person och en annan.
Ändå satte jag mig för att plocka upp, och marschen gick ut. Det var trevligt att spela det i fyra händer och höra hur det låter tillsammans plockat upp separat. Det var trots allt första poängen!

<...>Till min musikalisk utveckling mamma behandlad med stor uppmärksamhet och försiktighet. Huvudsaken är att hålla barnet intresserad av musik och, gud förbjude, inte trycka iväg honom med tråkigt propp. Därför: så lite tid som möjligt för övningar och så mycket som möjligt för litteraturbekantskap. Synvinkeln är underbar, vilket mammor bör komma ihåg.

S.S. Prokofiev. Självbiografi. M., "Sovjetisk kompositör", 1973.

I den tidiga perioden av Prokofjevs verk är pianomusik av olika former i täten - från miniatyrer till små cykler, konserter och sonater. Det är i små program pianostycken som kompositörens ursprungliga stil mognar. Den andra vågen av uppkomsten av Prokofievskaya pianomusik- slutet av 30-talet - början av 40-talet, då triaden av sonater (nr 6, 7, 8) föddes, som i termer av episk kraft och djup av dramatiska konflikter är nästan lika bra som symfonierna av samma tid - den femte och sjätte.

Prokofjevs bidrag till 1900-talets pianolitteratur är endast jämförbart med Debussys, Skrjabins och Rachmaninovs. Liksom den senare skapar han ett antal monumentala piano-"konsertsymfonier" och fortsätter i denna mening traditionen som Tjajkovskij testamenterade.

Prokofievs pianism är grafisk, muskulös, pedallös, vilket är motsatsen till Rachmaninovs romantiska stil och Debussys impressionistiska fluktuation. B. Asafiev: "Svår konstruktivism kombineras med psykologisk uttrycksförmåga." Funktioner: kraft, toccato, konstant dynamik, instrumental melodi, genomskinlig textur, böjelse för psykologism, djärva klangkombinationer, tydliga former, spel i extrema register (Debussy). Skarpa figurativa kontraster: primitivitet och elegans, barbarisk fauvism och sofistikering, prosapassager och sagoavsnitt, sarkasm och texter.

Prokofievs pianoverk är mångsidigt i genre ( pianocykler, miniatyrer, transkriptioner av balettkompositioner, konsertsonater). Prokofiev anses med rätta vara en representant för den antiromantiska traditionen under första hälften av 1900-talet, tillsammans med Stravinsky, Bartok, Hindemith.

Att övervinna den romantiska tolkningen av pianot beror på flera faktorer:

Avslag på sensuell tolkning av ljud (torrt, hårt, glasartat). Den speciella rollen av betoning, icke legato stil;

ljudet avlastat. Frekvent användning av extrema register. Ingen känsla av fullkomlighet;

slagverkstolkning av pianot. Prokofiev fortsätter traditionerna från den tidiga klassiska konsten av Scarlatti, Haydn, franska klavisinister, Debussys klaverklassicism och i den ryska traditionen Mussorgskijs.

Trots dominansen av antiromantiska traditioner har Prokofievs pianostil också drag av romantisk pianomusik. Detta gäller särskilt i förhållande till ögonblick av cantilena teman. Vanligtvis piano kreativitet Prokofiev är indelad i tre perioder:

1) Tidigt . Innan han lämnade utlandet (1908 - 1918). Under denna period skrevs fyra sonater, två konserter, etuder (op. 2), pjäser (op. 3,4), Toccata (op. 11), Sarcasm (op. 17), Transience (op. 22);

2) Utländsk (1918 - 1933). I kreativiteten sker en fördjupning av den lyriska sfären. Skriftliga 3:e, 4:e, 5:e konserterna, 5:e sonaten, "Tales" (op. 31), fyra stycken (op. 32);

3) sovjetisk (mitten av 1930-talet). Enligt Prokofiev själv sker under denna kreativitetsperiod en "övergång till en ny enkelhet". Skrivet "Barnmusik" (op. 65), transkriptioner, sonater 6-9.

Ämne: N.Ya. Myaskovsky. Skapande. Stilfunktioner.

Introduktion.

Han gick in i den sovjetiska musikens historia som en stor symfonist och en enastående lärare. Han stod vid ursprunget till bildandet av sovjetisk symfoni. Extern prålighet, konsertglans är främmande för hans stil, det finns inga spår av passion för färgstarkt ljudmåleri eller superrationalism. Myaskovskys verk är en självständig gren av den ryska filosofiska symfonismen, där Liszts, Wagners, Tjajkovskijs och "Kuchkisternas" traditioner ursprungligen utvecklades och omarbetades i expressionismens anda.

Tidig period kreativitet.

Myaskovskys utveckling, liksom många andra tonsättare på 1900-talet, var inriktad på att bara tala om komplexet, utan att förlora djupet. Hans tidiga verk kännetecknas av: tät musikväv, komplicerad harmoni. Den 5:e symfonin inleder den centrala perioden av Myaskovskys verk.

E år.

En av de svåraste kreativa perioder. Fångandet av djupt personliga känslor och subjektiva tragiska känslor under dessa år råder märkbart över den objektiva sfären (symfonierna nr 6, 7, 9, 10, 12, sonater nr 3, 4, "Fads", "Gula sidor"). Symfoni nr 5 och 8 innehåller folkmässbilder.

E år.

Folkbildernas roll, den heroiska, modiga och viljestarka principen, växer. Lyrisk tematik, melodiöshet, melodisk bredd och smidighet (symfonier nr 15, 17, 18, 19, 21), citat från populära sånger.

E år.

Kompositörens etablerade stil fick drag av akademisk stringens. Krigsårens lyrisk-episk-dramatisk symfonism och svitliknande verk (Symfoni nr 23). Genren samexisterar med störande teman, berättande avsnitt, lyriska monologer. Det musikaliska tyget är klart och transparent.

Som ett resultat utkristalliserades två linjer av Myaskovskys kreativitet: lyrisk-psykologisk och episk-genre. Av 1900-talets viktigaste stilar återspeglades senromantiken och expressionismen i kompositörens verk.

Ämne: S.S. Prokofiev. Kantaten "Alexander Nevskij".

Introduktion.

Musik till filmen av S. Eisenstein "A. Nevsky "- en av de erkända topparna kreativt liv Prokofiev. I detta arbete vände han sig först till ryska heroiskt-episka teman. Vidare fortsatte denna linje i operan "Krig och fred", symfoni nr 5, den första sonaten för violin och piano och musiken till filmen "Ivan den förskräcklige". I maj 1939 ägde premiären av kantaten rum.

Dramaturgi.

I många avseenden är kantatens genre originell. Kompositören uppnådde en djärv kombination av pittoreska och bildskapande orkesteravsnitt med sång- och körscener. Därmed uppstod en ny genrefusion av programmatisk symfoni med en specifik opera- och körhandling.

Kantatens dramaturgi bygger på en skarp kontrast mellan två motstridiga innationella sfärer: den ryska patriotiska armén och de germanska korsfararnas motbjudande ansikte. De första kännetecknas av sånger från ett episkt lager, sorgliga liknelser, roliga töntlåtar. Den andra är avbildad med pösig militärfanfar, katolsk sång och en automatiserad marsch. Prokofiev, som alltid, betonade kontrasten mellan dem med hjälp av harmoniska och orkestrala medel. I "rysk" musik dominerar lätt diatonism, mjukhet av klangfärger, melodiös klang av strängar, själfulla klangfärger av röster. "German" präglas av hårda polytonala ljud, "mekaniska" rytmer, tunga mässingsmönster och slagverk. En speciell plats upptas av metoderna för kontrapunktiska kombinationer av olika teman ("Battle on the Ice").

Verkets kompositionsschema lockar med sin noggranna eftertänksamhet. Sju delar - mycket olika till innehållet - bygger på en kontrasterande växling av bild- och visuella episoder ("Ryssland under det mongoliska oket", "Korsfararna i Pskov", "Slaget på isen") med relativt komprimerade sång- och körnummer (" Och det var på Neva-floden", "Stå upp, ryska folk", "Döda fält"). Kompositionen visar tydligt funktionerna i sonatasymfonicykeln:

De fyra första delarna är introduktion och exposition;

5:e - utveckling;

6:e - lyriskt intermezzo;

7:e - syntetiseringsfinal.

Analys av kantaten.

Första delen "Rus under det mongoliska oket"är en symfonisk prolog till cykeln. Känslan av tomhet uppnås genom en speciell klangeffekt, som ofta finns hos Prokofiev: höga och låga klangfärger rör sig i samklang med en ofylld mitt. Därmed uppstår ett landskap fullt av ångest och sorg.

Den andra delen är episk Låten om Alexander Nevsky". Genomsnittlig räckvidd, lugn utplacering, tydlig rörelse. Den hårda färgsättningen framhävs av övervikten av låga klangfärger i orkester och kör. Det stridsbildande elementet är förstärkt i mittsektionen.

Dragen av dramatisk konflikt avslöjas helt i den tredje delen - "Korsfarare i Pskov". För första gången kolliderar polarbilder i den: den grymma germanska invasionen (extrema sektioner) och de besegrades lidande (mitten). Korsfararna avbildas med tre teman: en katolsk sång, ett basmotiv och en militärfanfar. I mitten finns en sorgsen melodi: en sorglig klagomelodi, ett rikt subvokalt tyg.

Fjärde delen - "Res dig upp, ryska folk"– liksom den andra är den byggd i form av en körscen av ett sånglager. Huvudtemat är fyllt av stridsmod och skicklighet. Mittsektionen (“Native in Rus”) fängslar med lätt poesi.

I den mest utökade femte delen - "Slaget på isen"- huvudhändelserna i hela det symfoniska dramat är koncentrerade. Här är närheten till filmens natur mest påtaglig: principen om "montage", kontrapunktstekniker, genomutvecklingen av bildteman. Inledning, avslutning, drag av rondalitet. Det skrämmande temat med korsfararna motarbetas av den ryska bufflåten. De tidigare delarnas teman - den 3:e och 4:e - låter. Efter det storslagna klimaxet (tutti, fff) och tyskarnas misslyckande under isen finns ett lugn och en poetisk avslutning.

Sjätte delen "Död fält"- lyrisk-episk urladdning efter en spänd strid. Den enda aria i hela kantaten, som för första gången introducerar ett inslag av personlig känsla i musiken. Dämpade strängar, sorgsna intonationer, naturlig moll, lägesvariation, sång - ett utmärkt exempel Slaviska melos.

Den sjunde delen - "Alexanders inträde i Pskov". Kantatens segerpatriotiska final är nästan helt baserad på ryska teman från 2:a, 4:e och 5:e satsen. Huvudstämningen är populär jubel, det ryska folkets glädje.

D.D. Sjostakovitj. (1906-1975).

Barndom. Sergei Sergeevich Prokofiev (Fig. 1) föddes den 23 april 1891 i Sontsovka, Yekaterinoslav-provinsen (nu byn Krasnoye, Krasnoarmeisky-distriktet, Donetsk-regionen). Hans far - Sergei Alekseevich - var en lärd agronom, förvaltare av godsägaren Sontsov. Han förde över till sin son en kärlek till naturen. Bland Seryozha Prokofievs barnmanuskript har en anteckningsbok bevarats där pojken noterade när vilka blommor som blommar i Sontsovka.

Han hörde musik i huset från födseln. Moder Maria Grigoryevna spelade Beethovens sonater, Chopins mazurkor och nocturner och Tjajkovskijs pjäser. Mer än fem år gammal hade Seryozha redan komponerat ett pianostycke som heter "Indian Gallop". Andra skrifter följde snart.

Pojken var nio år när han fördes till Moskva, och han gick först till operahuset (han hörde operorna Faust av Gounod och Prins Igor av Borodin, besökte baletten Törnrosa). När han återvände till Sontsovka började han skriva operan "The Giant" på sin egen tomt.

Operans hjältar var han själv under namnet Sergeev, hans vän Yegorka (i operan Egorov), dottern till hushållerskan Stenya (i operan Ustinya) och jätten. Handlingen var att jätten ville fånga flickan Ustinya, och Sergeyev och Yegorov försvarade henne. På den andra bilden i första akten dyker jätten upp i Ustinyas hus och sjunger en formidabel aria till följande ord:

Var är hon? Jag kommer äta dig.

Nej? spelar ingen roll,

Jag ska äta hennes lunch!

Sommaren 1901 presenterades operan Jätten med stor framgång i farbror Prokofjevs hus, författaren sjöng rollen som Sergeev.

Serezha utbildades först av sina föräldrar, som var upplysta, intelligenta människor, smarta och strikta lärare. De vände honom vid ett koncentrerat och systematiskt arbete. Fadern lärde sin son ryska språket, aritmetik, geografi, historia och botanik. Mamma - främmande språk (sedan barndomen kunde Sergei Sergeevich två språk - franska och tyska, senare engelska). Maria Grigorievna var också hans första musiklärare. När hon såg sin sons framgång bestämde hon sig för att visa honom för någon stor musiker.

Vintern 1902 fördes han till Moskva till Sergei Ivanovich Taneyev, en framstående kompositör och professor vid Moskvas konservatorium. Taneyev noterade pojkens talang och rådde honom att börja seriösa lektioner i harmoni och systematisk bekantskap med musikalisk litteratur. På rekommendation av Taneyev anlände en ung musiker till Sontsovka för sommaren, efter att ha tagit examen från Moskvakonservatoriet med en guldmedalj. Det var Reinhold Moritsevich Gliere, senare en välkänd sovjetisk kompositör, författare till baletterna The Red Poppy, Bronsryttare”, en konsert för röst och orkester och andra kompositioner.

Livliga, intressanta klasser med Gliere hade en gynnsam effekt på utvecklingen av Prokofievs talang. Under ledning av en lärare började han snart skriva en symfoni och en opera "Feast under pesten" baserad på Pushkin. Gliere slogs i sin elev av en fantastisk kombination av en vuxen professionellt seriös inställning till musik, oberoende av omdöme och helt barnsliga drag. Så på notstället för den tolvåriga Seryozha Prokofiev, som komponerade en opera eller en symfoni, fanns en gummidocka vid namn Mister, som skulle lyssna på en ny komposition.

Den starkaste hobbyn för den framtida författaren av berömda operor och baletter var teatern. Med sina vänner - Sontsovka pojkar och flickor - uppfann och spelade han ständigt upp föreställningar, som besöktes av invånarna i huset i Sontsovka.

Redan i barndomen upptäckte Prokofiev en sällsynt observation och en mängd olika intressen (litteratur, teater, schack). Nyfiken är hans pojkaktiga passion för järnvägen, snabba och träffsäkra rörelser (som han själv berättar i den självbiografiska berättelsen "Barndom"). En av de fantastiska egenskaperna i den vuxna kompositören Prokofievs arbete kommer att vara snabbhet, dynamik, genom vilken han kommer att förmedla sin nya livskänsla, dess ungdom, dess rörelse.

Vinterträdgård.År 1904, på inrådan av Glazunov, gick Prokofiev in på St. Petersburgs konservatorium. Inträdesprovet var utmärkt. Urvalskommittén (den inkluderade A. K. Glazunov och N. A. Rimsky-Korsakov) var förtjust över den absoluta tonhöjden, förmågan att läsa från ett ark, såväl som den "fasta" lasten av kompositioner som den trettonårige kompositören tog med sig.

”Jag gick in”, säger Prokofjev, ”böjd under tyngden av två pärmar, som innehöll fyra operor, två sonater, en symfoni och en hel del pianostycken. "Jag gillar det!" - sa Rimsky-Korsakov, som ledde examen.

Prokofiev studerade vid konservatoriet med anmärkningsvärda ryska musiker: Anatoly Konstantinovich Lyadov (harmoni, kontrapunkt), Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (instrumentering).

Under hans konservatorieår berikades och utvecklades hans musiksmak. Grieg, Wagner, Rimsky-Korsakov, Skrjabin, Rachmaninov (särskilt hans andra konsert för piano och orkester) har lagts till Beethoven och Tjajkovskij, älskade sedan barndomen. Han bekantade sig med verk av samtida västeuropeiska kompositörer - Richard Strauss, Debussy, senare Ravel och andra.

intresse för studier av klassiska och samtida musik, och förde också Prokofiev närmare varandras arbete med Nikolai Yakovlevich Myaskovsky. Den vänskap som började under åren av deras gemensamma studier vid Sankt Petersburgs konservatorium fortsatte under hela deras liv.

1909 tog Prokofiev examen från konservatoriet i komposition och fem år senare - som pianist i klassen för den berömda ryska pianisten A. N. Esipova. Han var belönad guldmedalj och A. Rubinstein-priset - ett magnifikt piano. Under de följande åren gav Prokofiev många konserter, han var en enastående pianist.

På konservatoriet studerade han också i dirigentklassen under ledning av N. Cherepnin, en lysande musiker som uppskattade den unga kompositörens talang. Därefter agerade Prokofiev också som dirigent vid framförandet av sina verk.

Tidiga skrifter. Redan de tidiga verken av Prokofiev - pianostycken, skriven av honom 1906-1909, häpna med den ovanliga ljusstyrkan hos bilder och uttrycksfulla medel.

Hans första betydande verk var den första konserten för piano och orkester. Den skrevs 1911. Den framfördes första gången av författaren tillsammans med en orkester nästa sommar på konsertscenen i Sokolniki (i Moskva). Konserten häpnade publiken. Människor som var vana vid Skrjabins raffinerade ömtåliga musik, det melodiska överflödet av Rachmaninovs konserter, graciteten och ömheten i Chopins musik, var svårt att omedelbart förstå och uppskatta Prokofjevs verk. Det fanns en ny skönhet i det - skönheten i ett djärvt sportspel, en vågad procession av ungdomar, en stark rytm av stål, men också skönheten i en romantisk lyrisk känsla. Konserten börjar med ett upprepat kort imperativmotiv, vars utveckling är extremt målmedveten och energisk:

Känslig för de nya lyssnarna, bland dem Asafiev och Myaskovsky, beundrade konserten. Fientliga kritiker kallade det föraktfullt "fotboll", "barbariskt" och föreslog att man skulle sätta en "tvångströja" på författaren.

Prokofiev var medveten om att han upptäckte "nya stränder" inom musiken. Han var säker på riktigheten av den valda vägen. Självförtroende, såväl som ett sinne för humor, hjälpte honom att uthärda förlöjligande och missbruk av andra kritiker. Samtidigt var han uppmärksam, tålmodig med alla som ville förstå hans musik, spelade villigt något verk två eller tre gånger, lyssnade på förnuftig, välvillig kritik.

Från tiden för framförandet av den första konserten börjar Prokofievs högljudda berömmelse. Han uppträder systematiskt offentligt, spelar nya kompositioner, vilket nästan alltid orsakar het debatt. Så passerar framförandet av den andra konserten och den symfoniska "Scythian Suite", i vars sista del en bländande och dynamisk bild soluppgång.

1917 träffade Prokofjev Majakovskij i Petrograd. Poetens framträdanden gjorde ett starkt intryck på kompositören. Majakovskij var i sin tur förtjust över Prokofievs musik, särskilt hans snabba marscher.

Naturen och livsvägar Poeten och kompositören är på många sätt olika. Men i deras arbete finns det några gemensamma drag födda av den tid de levde i. Under de svåra kritiska förrevolutionära åren gjorde de båda uppror mot konsten att vara bortskämd, avslappnad, vanligt "vacker", upptagen

suckar om "rosor och näktergalar". Båda förespråkade en aktiv konst, ibland medvetet skarp, frisk och – stekande solig.

I dikten "A Cloud in Pants", skriven under samma år som "Scythian Suite"

Prokofiev, Majakovskij sa:

som var blöta av kärlek,

från vilken

tårar fällts i århundraden

solmonokel

Jag ska lägga det i ett vidöppet öga."

Majakovskij skrev detta utdrag ur dikten i ett album av Prokofiev som heter "Vad tycker du om solen?"

Till en början verkade Prokofiev ägna lite uppmärksamhet åt texter. Men 1914 skapade han musikalisk saga"Ful ankunge" baserad på en saga. Andersen. Här visade den unge kompositören mest av allt en sorts ömhet, ren lyrik, utan all sentimentalitet. Stycket är avsett för en röst med pianoackompanjemang. Den berättar om en stackars ful ankunge som blev utskrattad av invånarna på hönsgården. Tiden gick och den fula ankungen förvandlades till en svan. En vacker lyrisk melodi låter i slutet av "Sagan", genomsyrad av sympati för den stackars, försvarslösa varelsen och tro på lycka.

1916-1917 komponerade Prokofiev den "Klassiska symfonin" - glad och kvick. I symfonin kan man känna Prokofievs musiks närhet till 1700-talets klassikers klara, polerade konst.

Samtidigt fullbordade kompositören den tidigare påbörjade cykeln med tjugo små pianostycken som kallas "Milletity". Var och en av dem i miniatyr representerar någon bild eller scen som är karakteristisk för Prokofievs musik: lyrisk med en touch av sagolikhet (nr 1, 8, 16), humoristisk (nr 10), våldsamt dramatisk (nr 14, 19) etc. .

Prokofjevs största verk under de förrevolutionära åren är den akutpsykologiska operan The Gambler (baserad på en berättelse av F. Dostojevskij). I baletten "Sagan om narren som överlistade sju gycklare" avslöjades den unge kompositörens intresse för ryska. folkkonst, som kommer att vidareutvecklas.

Februari 1917 anlände. " Februari revolution hon hittade mig i Petrograd”, skriver Prokofiev i sin självbiografi. "Och jag, och de kretsar som jag kretsade i, hälsade henne glatt." Om innebörden av vad som hände sedan Oktoberrevolutionen han är musiker, långt ifrån politiska händelser, hade ingen klar idé. Det verkade för honom att i Ryssland, upptaget av revolutionära omvandlingar, nu "är musiken inte upp till det." "Det faktum att jag, som alla medborgare, kan vara användbar för henne, har ännu inte nått mitt medvetande" ("Självbiografi"). Prokofiev bestämde sig för att göra en stor konsertturné. Efter att ha fått tillstånd från folkets utbildningskommissarie A. V. Lunacharsky reste han utomlands i maj 1918. Istället för flera månader, som han först trodde, sträckte sig hans utlandsvistelse av olika skäl i 15 år (1918-1933).

Tillbringade år utomlands. Prokofiev reste över hela världen.

Han har varit i Japan och USA, Kuba och många europeiska länder. Han bodde större delen av tiden i Frankrike. Överallt uppträdde han med sina kompositioner. Till en början gjorde hans konserter ett sensationellt intryck.

Utomlands träffade Prokofiev många framstående artister (kompositörerna Ravel, Stravinsky, Rachmaninov, dirigenterna Stokowski och Toscanini, filmskådespelaren Charlie Chaplin och många andra). Hans verk har satts upp på olika teatrar runt om i världen. Så 1921 ägde premiären av Prokofievs glada, lysande opera Kärleken till tre apelsiner (baserad på en saga av den italienske författaren Carlo Gozzi) rum i Chicago. Samma år avslutade tonsättaren sin tredje pianokonsert. De flesta av hans teman skrevs tillbaka i Ryssland. Konserten – dynamisk, bländande ljus – är en av höjdpunkterna i Prokofjevs kreativitet. I inledningen till den första delen låter ett sjungande ryskt tema - fosterlandets tema:

Tankeväckande och poetiska pianostycken, som Prokofiev kallade "Berättelser om den gamla mormor", är inspirerade av minnen från fosterlandet.

I mitten av 1920-talet svarade Prokofjev med stor glädje på S. P. Diaghilevs förslag att skriva en balett på temat att bygga ett nytt liv i Ryssland. Balettens handling, kallad "Steel lope", visade sig vara naiv, "industriell". I hans musik märks influenserna från konstruktivismen. Det finns ljusa figurativa sidor i den. "Prokofjev reser runt i våra länder, men vägrar att tänka på vårt sätt", skrev utländska tidningar om premiären av baletten som sattes upp i Paris och London 1927.

På 1920-talet skrev Prokofiev också ett antal verk där man i en eller annan grad märkt inflytandet från de senaste trenderna inom västeuropeisk konst. Men han gränsar inte helt till någon av dem, vilket framgår av hans ursprungliga opera Den brinnande ängeln (baserad på romanen med samma namn av V. Bryusov). Gradvis börjar Prokofiev känna sig mer och mer fristående från sitt hemland. Själva atmosfären är febrig konstnärligt liv Paris på 1920-talet tillfredsställde honom inte. Av konstverk förväntade de sig först och främst sensation, nyhet, på alla sätt. Och Prokofiev strävade efter en djup meningsfull konst. En av kompositörens franska vänner minns de ord som Prokofiev talade till honom: ”Jag måste återvända. Jag måste vänja mig vid atmosfären i mitt hemland igen ... ryskt tal ska ljuda i mina öron ... Här tappar jag kraften.

Fram till den slutliga återkomsten kom kompositören till Sovjetunionen med konserter. Han mottogs entusiastiskt av lyssnare i Moskva och Leningrad. "Vi minns alla", skrev Heinrich Gustavovich Neuhaus, "hur hela publiken, som en person, reste sig upp vid hans första framträdande på scenen Stor sal vinterträdgården och hälsade honom stående, och han böjde sig och böjde sig, böjd på mitten i rät vinkel, som en pennkniv.

Hemkomst. Och här är Prokofiev i Moskva. Han träffar igen sina vänner Myaskovsky och Asafiev. Börjar arbeta tillsammans med sovjetiska regissörer, koreografer, författare. Han är fascinerad av uppgiften att förkroppsliga höga idéer, mänsklighet, möjligheten att vädja inte till en smal krets av "kännare", utan till de stora massorna av folket.

I en av sina artiklar som publicerades under dessa år skrev Prokofiev om handlingen, som nu lockade honom: "... Handlingen ska vara heroisk och konstruktiv (kreativ), eftersom det är dessa egenskaper som tydligast kännetecknar denna era."

Verk från 30-talet. Under den sovjetiska kreativitetens period dök nya stora verk upp efter varandra. De är olika i teman, handlingstid, karaktärernas karaktärer. Men de har alla något gemensamt. Överallt möter kompositören ljusa bilder och bilder av grymhet och våld ansikte mot ansikte. Och bekräftar alltid höga mänskliga ideals seger. Det mod som ligger i Prokofiev som kompositör är slående i alla dessa kompositioner.

1935 skapades baletten "Romeo och Julia" (baserad på Shakespeares tragedi). Dess hjältar försvarar sin kärlek i kampen mot de blodiga medeltida fördomar som befaller dem att hata varandra. Romeo och Julias tragiska död tvingar familjerna Montague och Capuleti, som har varit i krig under lång tid, att försonas.

Före Prokofiev vågade inte stora musiker som skrev balettmusik vända sig till Shakespeareska tragedier, eftersom de trodde att de var för svåra för balett. Och Prokofiev skapade ett verk genomsyrat av Shakespeares anda. Poetisk, djupgående, innehållande realistiska, psykologiskt korrekta porträtt skådespelare musiken till "Romeo och Julia" gjorde det möjligt för koreografen L. Lavrovsky att iscensätta en balett som fick världsberömdhet (premiären av baletten ägde rum 1940 i Leningradstaten akademisk teater opera och balett uppkallad efter S. M. Kirov).

1938 komponerades musiken till filmen "Alexander Nevsky". Tillsammans med filmregissören Sergei Eisenstein sjunger Prokofiev om den ädla patriotiska bedriften för Alexander Nevskijs trupp, som försvarade sitt hemland från de germanska riddarna. Handlingen är historisk, men musiken låter modern, som om den föregriper det skarpa dramat och det segerrika resultatet av det sovjetiska folkets kamp mot fascismen.

1939 skrevs operan "Semyon Kotko" (baserad på berättelsen "Jag är det arbetande folkets son" av V. Kataev). Dess handling utspelar sig i Ukraina 1918. Prokofievs musik skildrar bilder av bönder, soldater, bolsjeviker som kämpar för upprättandet av sovjetmakten i Ukraina med fantastisk sanningsenlighet. De unga hjältarna i operan - Semyon och Sofya - är en sorts modern Romeo och Julia. Deras kärlek motsätter sig den onda viljan hos Sophias far, Tkachenkos knytnäve, som inte vill avstå från sin dotter som en fattig soldat.

Skapande av en opera i modern Sovjetiskt tema– en mycket svår uppgift. Och Prokofiev framförde det med ära i operan Semyon Kotko.

En av hans mest vågade idéer är den underbara kantaten för tjugoårsjubileet i oktober, skriven på politiska texter.

Man ska inte tro att alla dessa nya verk av Prokofiev lätt accepterades av artister och lyssnare. Så musiken från "Romeo och Julia" verkade först obegriplig och obekväm för att dansa till och med Galina Ulanova, som senare blev en oöverträffad utövare av rollen som Juliet. Det tog tid att vänja sig vid den här musiken. "Men ju mer vi lyssnade på det ... - säger G. S. Ulanova, - desto ljusare blev bilderna som föddes från musik framför oss."

I sina verk från sovjetperioden strävade kompositören särskilt efter klarhet, tillgänglighet och enkelhet. Han var dock en fiende till den förenklade, imiterande och "söta" musiken. Han letade efter en ny enkelhet, nya melodier, att lyssna på modernt liv titta på moderna människor. Och han lyckades det svåraste - att skapa originella lyriska melodier, där kompositörens handstil omedelbart känns igen. En speciell uppblomstring av texter och den breda melodiska melodin som förknippas med den börjar i Prokofjevs verk med Romeo och Julia.

På 1930-talet skrev Prokofiev ett antal utmärkta kompositioner för barn: pianostycken för nybörjarpianister "Barnmusik", sånger till ord av L. Kvitko och A. Barto, en symfonisk saga "Petya och Volk" till hans egen text.

Med sina två söner kom Sergei Sergeevich mer än en gång till centralens föreställningar barnteater. Teaterns konstnärliga ledare, N. I. Sats, föreslog att kompositören skulle skriva en symfonisk saga som kunde hjälpa barn att lära känna karaktären hos orkesterns huvudinstrument.

Så här beskriver Natalya Ilyinichna Sats Prokofievs ovanliga utseende och hans uppträdande under dessa år:

"Han var uppriktig och uppriktig. Mitt första intryck av att Sergei Sergeevich var stel och arrogant var fel. Han bar den här togan när han var ur sort och ville bli lämnad ensam.

Den unika ovanligheten hos Sergei Sergeevich manifesterades även i hans utseende, sätt att bära sig själv. Några rödröda hår, ett slätt, rött ansikte, "is och eld" i ögonen bakom glasögonen med båglösa glasögon, ett sällsynt leende, en sandröd kostym. "Han ser ut som den fjärde av sina tre apelsiner", sa en av våra busiga skådespelerskor. Till min fasa förde någon vidare detta till Sergej Sergejevitj, men han hade så mycket humor att han bara skrattade högt.

Prokofievs prestation är fantastisk. Han skrev fantastiskt snabbt och kunde arbeta med flera kompositioner samtidigt. Han framförde sin musik som pianist och dirigent. Deltog i tonsättarförbundet. Intresserad av litteratur. I slutet av 1930-talet började han skriva en livlig och kvick självbiografi. Han var en utmärkt schackspelare. Jag körde med passion. Han älskade att dansa, att vara bland människor.

Allt detta kunde Prokofiev hantera inte bara tack vare sin naturs geniala begåvning, utan också tack vare organisation och disciplin. Legender berättade om dess noggrannhet. Om han lovade att skriva musik senast klockan 12 dagen efter kunde regissören eller koreografen som väntade det vara lugn.

Krigsår. Opera "Krig och fred". Kompositörens huvudverk under det stora fosterländska kriget var den storslagna patriotiska operan Krig och fred. Prokofiev hade tidigare funderat på hur man i musik skulle förkroppsliga bilderna av Leo Tolstojs stora verk. Under kriget mot fascismen förverkligades denna plan. Återigen satte kompositören sig en uppgift av sällsynt komplexitet. Från en enorm litterärt verk de viktigaste scenerna måste väljas ut. Operan innehåller å ena sidan subtila psykologiska "fredliga" scener där Natasha Rostova, Sonya, Prins Andrei, Pierre Bezukhov deltar; å andra sidan monumentala målningar som skildrar folkets kamp mot Napoleonska inkräktarna. Operan visade sig vara ovanlig i sin genre. Den kombinerar lyriskt-psykologiskt drama och nationalepos. Innovativ i musik och koi-position utvecklar operan samtidigt de ryska klassernas traditioner - Mussorgsky och Borodin. Med Mussorgsky förs Prokofjev närmare genom särskild uppmärksamhet på hjältens psykologiska egenskaper, avslöjade genom sanningsenlig vokal intonation. Intressant nog skrevs operan "Krig och fred" inte på den villkorliga poetiska texten i librettot, utan på romanens originaltext. För Prokofiev var själva intonationen i Tolstojs tal, som han lyckades förmedla i musik, viktig. Och detta ger särskild trovärdighet åt de sångliga delarna av operans hjältar.

"Krig och fred" är Prokofjevs favoritverk. Han fulländade det till slutet av sitt liv.

Under det segerrika 1945 släpptes tre betydande verk av kompositören:

femte symfonin, tillägnad "den mänskliga andens storhet:

det första avsnittet av filmen "Ivan the Terrible" - ett nytt samarbete med Sergei Eisenstein;

lätt sagobalett "Askungen". Denna föreställning, inlägg! släpptes i höstas, var den första efterkrigspremiären på Bolsjojteatern.

Verk från slutet av 40-talet - tidigt 50-tal. Under de följande åren dök flera nya verk upp. Bland dem: operor "Sagan om en riktig man", som glorifierar mod sovjetiska folk under krigsåren; balett "Sagan om sten blomma"(enligt P. Bazhov) - om glädjen av kreativitet, riktad till folket; oratoriet "On Guard for Peace" (till S. Marshaks ord); konsert-symfoni för cello och orkester.

Återigen skriver Prokofiev för barn. Svit "Winter Bonfire" för reciterare, gosskör och symfoni orkester(till S. Marshaks ord) är tillägnad de sovjetiska pionjärerna.

Den sjunde symfonin var ursprungligen tänkt som en symfoni speciellt för barn, men under arbetets gång fick den en vidare betydelse - en klok symfonisk berättelse som bekräftar livets skönhet och glädje. Detta är Prokofjevs sista färdiga verk.

I slutet av 1940-talet och början av 1950-talet var Prokofiev svårt sjuk. För att spara kraft till kreativiteten var han tvungen att ge upp mycket, inklusive besök på teatrar och konserter. Mest svår tid kom efter honom när läkarna förbjöd honom att komponera musik eller tillät honom att arbeta högst 20 minuter om dagen.

Större delen av tiden under dessa år tillbringade Prokofiev på sin dacha, på Nikolina Gora vid Moskvaflodens strand. Han är väldigt

älskade dessa platser, gjorde långa promenader (om hälsan tillåts). Musiker kom hit för att se honom - beundrare och artister av hans musik: kompositören D. Kabalevsky, pianisten S. Richter och andra. Några av dem skrev senare de mest intressanta memoarerna om den store kompositören. S. S. Prokofiev dog i Moskva den 5 mars 1953.

"Jag är övertygad om att kompositören, liksom poeten, skulptören, målaren, är uppmanad att tjäna människan och folket. Han måste dekorera mänskligt liv och skydda henne. Först och främst måste han vara medborgare i sin konst, sjunga om mänskligt liv och leda en person till en ljusare framtid."
Så Sergej Prokofiev skrev i sin artikel "Musik och liv", och han följde denna konstkod, som han proklamerade kort före hans död, hela sitt liv.
För Prokofiev innebar att leva att komponera musik. Och att komponera innebar att alltid hitta på något nytt. "Den kardinala fördelen (eller, om du så vill, nackdelen) med mitt liv", skrev kompositören, "har alltid varit sökandet efter ett original musikaliskt språk. Jag hatar imitation, jag hatar klichéer."
Prokofiev ansåg att i konsten är endast det värdefulla som uppstår som ett resultat av konstnärens känsliga lyssnande på rytmer och intonationer. omgivande liv. Detta är grunden för Prokofievs innovation.
En outtömlig melodisk gåva, en obegränsad förmåga till konstnärlig omvandling, förmågan att återskapa själva andan i det avbildade livet tillät Prokofiev att täcka en stor, komplex värld vår verklighet. Det räcker med att namnge sådana verk av honom som operorna "Semyon Kotko" (baserad på berättelsen av Valentin Kataev) och "Sagan om en riktig man" (baserad på verk med samma namn Boris Polevoy), oratoriet "On Guard of the World" och sviten "Winter Bonfire" till verserna av S. Ya. Marshak, eller den episka femte symfonin framförd 1945, vars idé och koncept Prokofiev själv definierade som " Symfoni om den mänskliga andens storhet." "Han visste hur man lyssnar på tiden", sa Ilya Ehrenburg om honom. Men även när kompositören vände sig till avlägsen historia förblev han djupt modern. Därför Prokofievs patriotiska texter och folkscenernas orädda kraft i musiken till filmen "Ivan the Terrible", målningen "Borodino" i operan "War and Peace" baserad på Leo Tolstojs roman, kallelsen "Get up". , Russian people" låter så spännande, som idag. och den fängslande, Glinka-liknande sången "In Russia, the enemy will not native" i kantaten "Alexander Nevsky".
Sergei Sergeevich Prokofiev föddes i byn Sontsovka, Yekaterinoslav-provinsen (nu byn Krasnoe, Donetsk-regionen) i familjen till en agronom. 1914 tog han examen från St. Petersburgs konservatorium, där hans lärare var A. Lyadov, N. Rimsky-Korsakov m.fl. framstående kompositörer och musiker. Dessförinnan leddes Prokofjevs musikaliska utbildning av den senare berömda sovjetiska kompositören R. M. Glier. Enligt Prokofiev själv hörde han musik hemma från födseln. Kompositörens mamma spelade piano. Dessutom var hon en född lärare. Hon var den första som introducerade sin son i världen av Beethovens sonater, väckte i honom en kärlek till klassisk musik.
Prokofievs skarpaste iakttagelseförmåga och kärlek till levande natur kombineras lyckligt med den rikaste kreativa fantasin. Han var en kompositör inte för att han komponerade musik, utan för att han inte kunde låta bli att komponera den. Prokofiev reste över hela Europa och Amerika med sina konserter, som spelades inför Karthagos publik. Men en mysig fåtölj och ett skrivbord, en blygsam utsikt över Oka i Polenov nära Moskva, där musiken till baletten "Romeo och Julia" (en av kompositörens bästa skapelser) skapades, eller ett lugnt hörn av franska Bretagne på Atlantkusten, där den tredje pianokonserten skrevs med en underbar text av ryska teman, föredrog han applåder och ljudet från konserthusen.
Han var en fantastisk arbetare. Två timmar före sin död satt han fortfarande vid sitt skrivbord och avslutade de sista sidorna i sin balett "Sagan om stenblomman" (enl. Ural berättelser P. Bazhov), där han, med sina egna ord, satte som sin uppgift att sjunga "glädjen av kreativt arbete till gagn för folket", för att berätta "om det ryska folkets andliga skönhet, om makten och vår naturs oöverskådliga rikedomar, som uppenbaras endast inför den arbetande människan".
Omfattningen och betydelsen av Prokofievs verk är exceptionellt stor. Han skrev 11 operor, 7 symfonier, 7 baletter, ett 30-tal romanser och många andra verk.
En upptäckare av nya vägar inom konsten, Prokofiev gick in i den ryska och världsmusikens historia som en av 1900-talets mest framstående artister.