El Greco mansporträtt med handbeskrivning. El Greco - "Porträtt av en gentleman med en hand på bröstet"
Ett av de tidigaste porträtten av El Greco som skapats i Spanien är kanske det så kallade "Porträttet av en gentleman med en hand på bröstet" (ca 1577-1579). Detta bevisas främst av det mer traditionella, mörka, bildmässiga sättet byggt på nyanser av brunaktiga toner med ett tätt jämnt penseldrag. Den psykologiska neutraliteten i tolkningen är typisk, vilket i framtiden kommer att ge vika för en mycket mer aktiv karaktärisering.
Detta berömda porträtt av El Greco är, så att säga, en bild av en adelsman av sin tid uppförd inom ramen för kanon. Elegant, mycket lugn, med en gest av ed eller övertygelse, som lägger sin högra hand på bröstet, den okända caballero förkroppsligar den spanska aristokratins kännetecken sociego, det vill säga ett uttryck i det yttre utseendet av jämnmod, återhållsamhet, värdighet.
Toledo-svärdets fäste är en vältalig detalj av hans strikta utseende, en svart kostym, dekorerad med en hög krage och manschetter av snövit spets. Antonina Vallantin konstaterar med rätta att den här typen av spanjorer trängde in på scenen och redan levde på sidorna av romaner, men för att kunna porträtteras var han tvungen att vänta på El Grecos ankomst till Toledo.
Porträttet är dock inneboende i inre inkonsekvens, eftersom den ideala aspekten av bilden inte riktigt överensstämmer med personligheten hos den person som porträtteras - en inte särskilt meningsfull natur avbildas. Intrycket uppnås av dukens bildstruktur, där ansiktet och handen med det symboliska arrangemanget av fingrar sticker ut från den mörka bakgrunden som ljusa fläckar; den dyrbara skönheten hos tunna skimrande spetsar, fästet på ett svärd, som om det hänger i luften, får en speciell bräcklighet. Det lösgörande av caballeros blick, utrustad med typisk elgrekisk udda ögon, förstärker bildens uttrycksfullhet.
Mannen i konstens spegel: porträttets genre
Porträtt(Franskt porträtt) - en bild av en specifik person eller grupp av människor. Porträttgenren fick stor spridning i antiken inom skulptur, och sedan inom måleri och grafik. Men yttre likhet är inte det enda som konstnären måste förmedla. Det är mycket viktigare när mästaren överför den inre essensen av en person till duken och förmedlar tidens atmosfär. Skilja påytterdörr Och kammare porträtt. Det finns porträttparat Och grupp. De är avsedda att dekorera de stora salarna, och att berömma vissa människor, och att bevara minnet av människor som förenats av professionella, andliga, familjeband. speciell kategoriär självporträtt, på vilken konstnären avbildar sig själv.
Vilket som helst av porträtten kan hänföras antingen till ett psykologiskt porträtt, eller
till en porträttkaraktär eller till en porträttbiografi.
Konst hjälper till att känna en person. Inte bara för att se dess yttre
ansikte, men också för att förstå dess väsen, karaktär, humör, etc. Porträttet är nästan
alltid realistiskt. Dess huvudsakliga mål är trots allt erkännandet av det avbildadeen person på den. Men vanligtvis är konstnärens uppgift inte den exaktakopiering externa funktioner modeller, inte en imitation av naturen, utan en "pittoresk återskapande" av bilden av en person. Det är inte av en slump att önskanbara känna igen dig själv i porträttet, och kanske till och med upptäcka något nytt i sig själv.
Konstnärens inställning till modellen förmedlas ofrivilligt till betraktaren. Viktig
är allt som uttrycker känslor, inställning till livet, till människor: ansiktsuttryck
avbildat ansikte, ögonuttryck, läpplinje, huvudvändning, hållning,
gest.
Ofta tolkar vi ett verk utifrån dagens mans perspektiv.
dag tillskriver vi karaktären drag som är helt okarakteristiska för hans tid, det vill säga vi strävar efter att förstå det okända genom det kända.
Det är också mycket viktigt att visa den sociala statusen för den person som porträtteras, för att skapa en typisk bild av en representant för en viss era.
Som genre dök porträttet upp för flera årtusenden sedan i antik konst. Bland freskerna på det berömda Knossos-palatset, som arkeologer hittade under utgrävningar på ön Kreta, finns hela raden pittoreska kvinnobilder med anor från 1500-talet f.Kr. Även om forskarna kallade dessa bilder "hovdamer", vet vi inte vilka de kretensiska mästarna försökte visa - gudinnor, prästinnor eller ädla damer klädda i eleganta klänningar.
"Pariser". Fresk från Knossos-palatset, 1500-talet f.Kr
Det mest kända var porträttet av en ung kvinna, kallad av forskare "Pariser". Vi ser framför oss en profilbild (enligt dåtidens konsttraditioner) av en ung kvinna, väldigt kokett och inte försummar smink, vilket framgår av hennes mörkkantade ögon och ljust målade läppar.
Konstnärerna som skapade freskporträtt av sin samtid fördjupade sig inte i modellernas egenskaper, och den yttre likheten i dessa bilder är mycket relativ.
Religiösa övertygelser i det forntida Egypten associerade med kulten
död, bestämde önskan att förmedla en porträttlikhet i den skulpturala bilden av en person: den avlidnes själ var tvungen att hitta sin behållare.
I början av XX-talet. Arkeologer har för hela världen upptäckt en underbar porträttbild av drottning Nefertiti.
Skapad i 1300-talet före Kristus e.,den här bilden imponerar med mjukheten i profillinjerna, den flexibla halsens elegans, den luftiga lättheten och flytande övergångarna i det oregelbundna, men ljuvliga draget i det kvinnliga ansiktet..
Nefertiti var inte bara drottningen av Egypten, hon var vördad som en gudinna. Den mest kända och kanske vackraste av fruarna till de egyptiska faraonerna bodde med sin krönta man i ett enormt lyxigt palats på Nilens östra strand.
I det antika Greklands konst är en speciell plats upptagen av generaliserade, idealiserade bilder av hjältar eller gudar. Att smälta samman andligt och fysisktmålare och skulptörer såg förkroppsligandetmänniskans skönhet och harmoni. 
I sin berömda "Discobolus" skulptör från 500-talet. före Kristus e Miron strävar först och främst efter att förmedla en känsla av rörelse med stabiliteten och monumentaliteten i kroppens linjer, utan att fokusera publikens uppmärksamhet på ansiktsdragen. 
En speciell ömhet och värme utgår från statyn av Afrodite, kärlekens och skönhetens gudinna, skulpterad av skulptören Praxiteles på 300-talet f.Kr. FÖRE KRISTUS. för ett tempel på Kreta. Det finns ingen gudomlig majestät i denna bild, bilden andasfantastisk frid och kyskhet. 
Porträttet av Caracalla fångar bilden av en stark, ond och kriminell man. Förskjutna ögonbryn, en rynkig panna, en misstänksam blick från underbrynen, sensuella läppar förvånar med karaktärskraften. Det starka huvudet är inställt på en tjock muskulös hals. Branta lockar hår pressas hårt mot huvudet och betonar dess runda form. De har inte en dekorativ karaktär, som i föregående period. En lätt asymmetri i ansiktet förmedlas: det högra ögat är mindre och placerat lägre än det vänstra, munlinjen är snett. Skulptören som skapade detta porträtt ägde all rikedomen av den virtuosa marmorbearbetningstekniken, alla hans färdigheter var inriktade på att skapa ett verk som med största uttrycksfullhet förmedlar de fysiska och mentala dragen i Caracallas personlighet.
Det romerska porträttet förknippas med kulten av förfäder, med önskan att bevara deras utseende för eftervärlden. Detta bidrog till utvecklingen av ett realistiskt porträtt. Det kännetecknas av de individuella egenskaperna hos en person: storhet,
återhållsamhet eller grymhet och despotism, andlighet eller arrogans.
Porträttgenrens storhetstid började under renässansen, när världens främsta värde var en aktiv och målmedveten person, som kunde förändra denna värld och gå emot oddsen. På 1400-talet började konstnärer skapa självständiga porträtt, som visade modeller mot bakgrund av majestätiska panoramalandskap.
B. Pinturicchio. "Porträtt av en pojke", Art Gallery, Dresden
Pinturicchio (Pinturicchio) (cirka 1454-1513) Italiensk målare från den tidiga renässansen, mest känd för sina anmärkningsvärda fresker.
Sådan är "Porträtt av en pojke" av B. Pinturicchio. Icke desto mindre skapar närvaron av fragment av naturen i porträtten inte integritet, enhet hos en person och omvärlden, den person som porträtteras verkar skymma det naturliga landskapet. Endast i porträtt av 1500-talet framträder harmoni, ett slags mikrokosmos
Renässansens porträttkonst tycks kombineras
testamenten från antiken och medeltiden. Det låter återigen högtidligt
en hymn till en mäktig man med hans unika fysiska utseende, andliga värld, individuella karaktärsdrag och temperament.
Porträttgenrens erkände mästare var den tyske konstnären Albrecht Dürer, vars självporträtt fortfarande gläder publiken och fungerar som ett exempel för konstnärer.
I "Självporträtt" Albrecht Dürer(1471–1528) antas aspiration hitta en idealiserad konstnär hjälte. Bilder av universella genier från 1500-talet, mästare från den höga eran Renässans - Leonardo da Vinci och Raphael Santi - personifiera perfekt person den gången.
Michelangelo da Caravaggio(1573-1610) Italiensk "lutspelare" S:t Petersburg, State Hermitage Museum
Bland de berömda porträttmästerverken från den tiden är "Lute Player" Michelangelo da Caravaggio(1573-1610), där konstnären utvecklar ett motiv hämtat från det verkliga vardagslivet.
El Greco(1541-1614) Spanien. Porträtt av en man med en hand på bröstet
I slutet av 1500-talet i verk av den spanska konstnären El Greco
(1541-1614) uppstår ny typ porträtt, som inte förmedlarden vanliga inre koncentrationen hos en person, intensiteten hos hansandligt liv, fördjupning i det egna inre värld. För att göra detta använder konstnären skarpa kontraster av belysning, originaletfärgning, ryckiga rörelser eller frusna ställningar. Andlighet och unik skönhet de bleka långsträckta av honom präglade skiljer sig åtansikten med enorma mörka, som om de var bottenlösa, ögon.I XVII-talet viktig plats i Europeisk målning ockuperade ett intimt (kammar)porträtt, vars syfte är att visa en persons sinnestillstånd, hans känslor och känslor. Den erkände mästaren på denna typ av porträtt var holländsk målare Rembrandt, som skrev många själfulla bilder.
"Porträtt av en gammal kvinna" (1654) är genomsyrad av uppriktig känsla. Dessa verk presenterar betraktaren vanligt folk som varken har ädla förfäder eller rikedom. Men för Rembrandt, som öppnade en ny sida i porträttgenrens historia, var det viktigt att förmedla vänligheten hos hans modell, hennes verkligt mänskliga egenskaper.
På 1600-talet huvudkriteriet för konstnärskap är materiell värld uppfattas genom sinnena. Imitationen av verkligheten ersatte i porträttet obegripligheten och oförklarligheten av en persons mentala manifestationer, hans olika andliga impulser. Charmen med mjuk sammet och luftigt siden, fluffig päls och ömtåligt glas, delikat, matt läder och gnistrande hårdmetall förmedlas vid denna tidpunkt med högsta skicklighet.
Porträtt av den store holländaren Rembrandt(1606-1669) anses inte utan anledning vara porträttkonstens höjdpunkt. De kallas med rätta porträtt-biografier. Rembrandt kallades lidandets och medkänslans poet. Människor som är blygsamma, behövande, bortglömda av alla är honom nära och kära. Konstnären behandlar de "förödmjukade och kränkta" med särskild kärlek. Till sin natur jämförs han med F. Dostojevskij. Hans porträtt-biografier återspeglar komplexa, fulla av svårigheter och ödets svårigheter. vanligt folk som trots de svåra prövningar som drabbat dem inte har förlorat mänsklig värdighet och andlig värme.
Korsade knappt tröskeln som skiljer XVII-talet. från XVIII kommer vi att se i porträtten en annan ras av människor, annorlunda än deras föregångare. Den höviskt-aristokratiska kulturen lyfte fram rokokostilen med sina raffinerade förföriska, eftertänksamt slarviga, drömskt spridda bilder.
Rita porträtt av konstnärer Antoine Watteau(1684-1721), Francois Boucher(1703-1770), etc. lätt, mobil, deras färg är full av graciösa moduleringar, den kännetecknas av en kombination av utsökta halvtoner.
Bild 27 A. Watteau. (1684-1721) Mezzetin
Rokoko och nyklassicistiskt måleri.
Målning av den franske målaren Antoine Watteau "Mezzetin". Under perioden 1712-1720 fascineras Watteau av att skriva scener från teaterlivet. Watteau använde skisser av sina favoritställningar, gester, ansiktsuttryck av skådespelare som han gjorde på teatern, vilket blev för honom en oas av levande känslor. Full av kärlekspoesi är den romantiska och melankoliska bilden av den rättvisa teaterns hjälte, skådespelaren som framför serenaden, i filmen Mezzeten.
Monument till Peter I av den franska skulptören Etienne Maurice Falcone
Sökandet efter det heroiska, betydelsefulla, monumentala i konsten hänger ihop på 1700-talet. med revolutionerande förändring. Ett av världskonstens geniala skulpturporträtt är monumentet
Peter I fransk skulptör Etienne Maurice Falcone(1716-1791), uppförd i S:t Petersburg i 1765-1782 Det är tänkt som en bild av ett geni och skapare. Okuvlig energi, framhävd av hästens och ryttarens snabba rörelse, uttrycks i den imponerande gesten av en utsträckt hand, i en modig öppenhet ansikte, på vilket oräddhet, vilja, klarhet i anden.
1800-talet introducerade i porträttkonsten variationen av konstnärliga smaker, relativiteten i begreppet skönhet. Innovativa sökningar inom måleriet riktas nu mot ett närmande till verkligheten, mot sökandet efter bilders mångfald.
Eugene Delacroix(1798-1863). Porträtt av F. Chopin
Under romantikens period uppfattas porträttet som en bild av det inre "jag" hos en person som är utrustad med fri vilja. Riktigt romantiskt patos dyker upp i porträttet av F. Chopin av den franska penseln
romantisk konstnär Eugene Delacroix(1798-1863).
Framför oss är ett riktigt psykologiskt porträtt som förmedlar passionen, glöden i kompositörens natur, hans inre väsen. Bilden är fylld av snabba, dramatiska rörelser. Denna effekt uppnås genom att vrida Chopins figur, intensiv färgning av bilden, kontrasterande chiaroscuro, snabba, intensiva slag,
Den konstnärliga strukturen i porträttet av Delacroix överensstämmer med Etudes musik
i E-dur för piano Chopin. Bakom henne är verklig bild- handla om-
en gång fosterlandet. När allt kommer omkring, en gång, när hans älskade elev spelade denna sketch,
Chopin höjde sina händer med ett utrop: "Åh, mitt fosterland!"
Chopins melodi, äkta och kraftfull, var det främsta uttrycksmedlet, hans språk. Kraften i hans melodi ligger i dess styrka
påverkan på lyssnaren. Det är som en utvecklande tanke, som liknar utvecklingen av handlingen i en berättelse eller innehållet i en historiskt viktig
meddelandet.
I porträttkonsten från XX-XXI århundradena. villkorligt kan två riktningar urskiljas. En av dem fortsätter de klassiska traditionerna av realistisk konst, glorifierar människans skönhet och storhet, den andra letar efter nya abstrakta former och sätt att uttrycka sin inre värld.
TILL porträtt genre Representanter för modernistiska rörelser som växte fram under 1900-talet tog också upp. Många porträtt lämnades till oss av de berömda fransk konstnär Pablo Picasso. Från dessa verk kan man spåra hur mästarens arbete utvecklats från det s.k. blå period till kubism.
Bild 32 Picasso (1881-1973) "Porträtt av Ambroise Vollard".
Den analytiska kubismens idéer hittade en original förkroppsligande i Picassos "Porträtt av Ambroise Vollard".
Kreativa uppgifter
Hitta de där porträtten om vilka i fråga i texten. Jämför dem med varandra, identifiera likheter och skillnader. Ge din egen tolkning av deras bilder.
Vilka porträtt kommer du att tillskriva den traditionella klassiska riktningen, och vilka till abstrakt konst. Argumentera din åsikt.
Matcha språk olika riktningar porträttmålning. Bestäm uttrycksförmågan hos linjer, färg, färg, rytm, sammansättning av var och en av dem.
Lyssna musikaliska kompositioner. Plocka upp för porträtten de verk som överensstämmer med bilderna på dem.
Konstnärlig och kreativ uppgift
Förbered ett album, en tidning, en almanacka, en datorpresentation (valfritt) om ämnet "Porträttgenre i olika tiders kultur".
Inkludera i dem information om konstnärer, skulptörer, grafiker, såväl som dikter, prosapassager, fragment musikaliska verk, i överensstämmelse med bilderna i ditt porträttgalleri.
LyssnaMusikaliska verk:Chopin Nocturne b moll ; F. Chopin etyd i E-dur;
El Greco - "Porträtt av en gentleman med en hand på bröstet"Svetlana Obukhova
Om livet för kretensaren Domenico Theotokopuli, konstnären som erövrade spanska Toledo under namnet El Greco, det vill säga greken, finns det nästan inga bevis kvar. Hans karaktärs "dårskap" och det märkliga bildmässiga sättet förvånade många och tvingade dem att ta upp en penna - men bara ett fåtal bokstäver har överlevt. En av dem innehåller följande rader: ”... vädret var vackert, vårsolen sken mjukt. Det gav glädje åt allt, och staden såg festlig ut. Föreställ dig min förvåning när jag gick in i El Grecos verkstad och såg att luckorna på fönstren var stängda, och därför var det svårt att se vad som fanns runt omkring. El Greco själv satt på en pall och gjorde ingenting, men var vaken. Han ville inte gå ut med mig, för enligt honom störde solljuset hans inre ljus ... "
Det finns nästan inga bevis på mannen Domenico, bara ekon: att han levde i stor stil, hade det rikaste biblioteket, läste många filosofer och även stämde kunder (han var älskad, men oftare inte förstådd), dog nästan i fattigdom, som tunna strålar av dagsljus bryter igenom sprickorna i hans livs "stängda fönsterluckor". Men de distraherar inte från det viktigaste - från det inre ljuset som fyller målningarna av konstnären El Greco. Speciellt porträtt.
De har inga landskap som öppnar sig bakom personen som porträtteras, det finns inget överflöd av detaljer som lockar det nyfikna ögat. Även hjältens namn utelämnas ofta ur bilden. Eftersom allt detta skulle förhindra att se ansiktet. Och ögon, djupa, mörka, tittar rakt på dig. Det är svårt att bryta sig loss från dem, och om du tvingar dig själv, då att se gesten - och återigen stanna i tankarna.
Sådan är "Porträttet av en gentleman med en hand på bröstet" (1577-1579), skrivet av mästaren kort efter att han flyttat till Toledo. Detta porträtt är erkänt som ett av de bästa i spansk målning på 1500-talet. Utlänningen El Greco skapade "livliga bilder av spanskt liv och historia", som skildrar "äkta levande varelser, som kombinerar allt som är att beundra i vårt folk, allt heroiskt och okuvligt, med de motsatta egenskaper som inte kan annat än reflekteras, utan att förstöra dess själva väsen” (A. Segovia). Aristokrater från de gamla familjerna i Toledo blev de sanna hjältarna i El Greco, han såg dem Inre ljus- deras adel och värdighet, plikttrohet, intelligens, sofistikerade seder, mod, yttre återhållsamhet och inre impuls, styrkan hos ett hjärta som vet vad det lever och dör för ...
Dag efter dag stannar besökare till Prado-galleriet framför den okända hidalgo, förvånade, med orden: "Hur levande ..." Vem är den här riddaren? Varför öppnar han sitt hjärta med sådan uppriktighet? Varför är hans ögon så attraktiva? Och denna edsgest? Och svärdsfästet?.. Kanske gav dessa frågor upphov till legenden att den som avbildas i porträttet är en annan stor spanjor: Miguel de Cervantes. En krigare och författare som berättade för världen historien om en riddare av en sorglig bild, som fick samma gudomliga gåva som El Greco - att se människor som de borde vara, att se deras inre ljus ...
Och andra målningar från Pradomuseet i Eremitaget...
El Greco "Kristus omfamnar korset" 1600 - 1605
Avbildad mot bakgrund av en stormig himmel som är typisk för El Greco, kramar Kristus korset med sina graciösa armar och tittar upp med lugn undergång. Målningen blev en stor framgång, och många versioner av den skapades i El Grecos verkstad.
El Greco "Den heliga familjen med St. Anne och Lille Johannes döparen" ca. 1600 - 1605
Den sena perioden av El Grecos verk kännetecknas av användningen av genomträngande färger och blixtar; rymden är helt fylld av figurer som skymmer horisonten. Former ritade med ett vibrerande slag förlorar sin materialitet. Lille Johannes döparen kallar betraktaren till tystnad, för att inte störa freden för det spädbarn Kristus...
Velasquez - Porträtt av Filip IV Porträtt av kung Filip IV. 1653-1657
Grunderna i psykologiskt porträtt i Europeisk konst ligg ner spansk målare Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Han föddes i en fattig adelsfamilj i Sevilla, studerade med Herrera den äldre och Pacheco. 1622 kom han först till Madrid. I praktisk mening var denna resa inte särskilt framgångsrik - Velasquez hittade inte en värdig plats för sig själv. Han hoppades få träffa den unge kung Filip IV, men mötet blev inte av. Ändå nådde rykten om den unge konstnären hovet, och redan nästa år, 1623, bjöd den första ministern, hertigen de Olivares (också en infödd i Sevilla), Velázquez till Madrid för att måla ett porträtt av kungen. Detta arbete, som inte har kommit till oss, gjorde ett så behagligt intryck på monarken att han omedelbart erbjöd Velázquez tjänsten som hovmålare. Snart mellan kungen och Velasquez fanns det ganska vänskapliga relationer, vilket inte var särskilt typiskt för de order som rådde vid det spanska hovet. Kungen som styrde det största imperiet i världen ansågs inte vara en man, utan en gudom, och konstnären kunde inte ens räkna med ädla privilegier eftersom han försörjde sig på att arbeta. Under tiden beordrade Philip att hädanefter endast Velasquez målade hans porträtt. Den store monarken var förvånansvärt generös och stödde Velasquez. Konstnärens ateljé låg i de kungliga lägenheterna och där installerades en stol för Hans Majestät. Kungen, som hade nyckeln till verkstaden, kom hit nästan varje dag för att observera konstnärens arbete. Under den kungliga tjänsten 1623 till 1660 målade Velasquez ett dussintal porträtt av sin överherre. Av dessa har lite mer än 10 tavlor kommit ner till oss. Således porträtterade Velasquez i genomsnitt sin överherre ungefär en gång vart tredje år. Att måla porträtt av kungen var ett verk av Velasquez, och han gjorde det här jobbet perfekt. Tack vare detta har vi ett komplex av verk som är unikt i sitt slag: på porträtten av Velasquez kan man spåra livsväg Kung Filip så tydligt som det senare blev en sed först i fotografiets tidsålder. Evolutionen syns tydligt i konstnärens dukar. För det första förändras kungen själv, 18-åring i det första porträttet och 50-åring i det sista, hans ansikte bär avtryck av ålder och andliga förändringar. För det andra fördjupas konstnärens uppfattning om sin modell, från ytlig till insiktsfull. Med tiden förändras sättet som modellen presenteras på och konstnärliga tekniker. Velazquez sätt förvandlas under inflytande av hans egen kreativa tillväxt, såväl som under inflytande av moderna inhemska och utländska traditioner. I detta bystporträtt visas Filip IV mot en mörk bakgrund iförd en svart dräkt med en vit krage som framhäver monarkens ansikte. Velasquez undviker prålig lyx i porträttet av kungen och visar monarkens "mänskliga ansikte" utan smicker eller hövisk list. Vi känner tydligt att personen som tittar på oss från duken är olycklig, senaste åren regeringar var inte lätta för kungen. Detta är en person som har känt besvikelse, men samtidigt - en person vars kött är fullt av medfödd storhet, som ingenting kan skaka. En annan stor konstnär, en spanjor till benmärgen - Pablo Ruiz Picasso säger så här om bilden av den spanska kungen: "vi kan inte föreställa oss en annan Filip IV, förutom den som skapades av Velazquez ..."
"Porträtt av kung Filip IV" (ca 1653 - 1657)
Ett av de sista porträtten av monarken. Det är intressant att notera att det inte finns ett enda element här som talar om den kungliga statusen för den person som porträtteras. Velazquez tjänade Filip IV i nästan fyrtio år - från 1623 till sin död målade han porträtt av kungen och hans familj, stora tomter för den kungliga samlingen.
Diego Velasquez "Porträtt av narren Don Diego de Acedo" (El Primo) ca. 1644
Diego Velasquez "Porträtt av drottning Marianne av Österrike" 1652-1653
Titian (Tiziano Vecellio) "Venus med Amor och organist" 1555
Musikern spelar, sittande vid Venus fötter och beundrar gudinnans nakna kropp, ett abstrakt spel med Amor. Vissa såg i denna bild ett rent erotiskt verk, medan andra uppfattade det symboliskt - som en allegori över känslor, där syn och hörsel fungerar som verktyg för att förstå skönhet och harmoni. Titian skrev fem versioner av detta tema.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - Ångerfulla Maria Magdalena 1583
Efter sin omvändelse ägnade Maria Magdalena sitt liv åt omvändelse och bön, och drog sig tillbaka från världen. På den här duken avbildas hon tittar in i himlen och översvämmad gudomligt ljus. Bilden är skriven i tjocka mörka färger, utmärkande för Veroneses stil under den sena perioden av hans verk. Innan man kom in i de spanska kungliga samlingarna tillhörde verket den engelske kungen Karl I (avrättad 1649)
Anthony van Dyck "Porträtt av en man med en luta" 1622-1632
Anthony Van Dyck har sin berömmelse att tacka porträttgenren, som intog en ganska låg position i den europeiska måleriets hierarki. Men i Flandern vid den här tiden hade en tradition av porträttkonst redan utvecklats. Van Dyck målade hundratals porträtt, flera självporträtt, och blev en av skaparna av 1600-talets ceremoniella porträttstil. I porträtt av sina samtida visade han deras intellektuella, känslomässig värld, andligt liv, människans levande karaktär.
Den traditionella modellen för detta porträtt är Jacob Gautier, lutenist vid det engelska hovet från 1617 till 1647, men förekomsten av ett svärd, och i större utsträckning, verkets stilistiska egenskaper tyder på att det måste dateras mycket tidigare än Van Dycks resa till London, vilket ställer tvivel på denna teori. Närvaron av ett musikinstrument betyder inte nödvändigtvis att modellen var en musiker. Som symbol avbildades musikinstrument ofta i porträtt, som en indikation på den avbildades intellektuella förfining och känslighet.
Juan Bautista Maino "Herdarnas tillbedjan" 1612-1614
Ett av Mainos mästerverk. I samling Statens Eremitage en annan version av denna berättelse, skriven av Maino, finns kvar. Konstnären föddes i Pastrana (Guadalajara) och bodde i Rom från 1604 till 1610. I detta verk, skrivet när han återvände till Spanien, kan man känna inflytandet från Caravaggio och Orazio Gentileschi. År 1613 blev Maino medlem av den dominikanska orden och målningen gick in i altarcykeln i klostret St Peter Martyren i Toledo.
Georges de Latour "Den blinde musikern med lyran" ca. 1625-1630
Latour föreställer en gammal blind musiker som spelar en gurd som upprepade denna historia många gånger. Konstnären, som arbetade under inflytande av Caravaggios stil, återger entusiastiskt detaljerna - mönstret som pryder musik instrument, rynkor i ansiktet på en blind man, hans hår.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Releasing Andromeda" ca. 1639-1640
Francisco de Goya "Porträtt av Ferdinand VII" 1814-1815
Efter Napoleons nederlag 1814 återvände Ferdinand VII till den spanska tronen. I porträttet är han avbildad i en kunglig mantel kantad med hermelin, med en spira och Carlos III:s order och det gyllene skinnet.
Ferdinand VII, som styrde landet fram till 1833, grundade Pradomuseet 1819.
Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805
Maria von Santa Cruz, hustru till den första direktören för Prado, var en av de mest vördade kvinnorna i Spanien på sin tid.
I ett porträtt från 1805 avbildade Goya markisan som musan av lyrisk poesi, Euterpe, liggande på en baldakin och med en lyra i vänster hand. Valet av just en sådan bild beror på markisans passion för poesi.
Francisco Goya - "Höst (druvskörden)" 1786 - 1787
Francisco Goya - Druvskörden. fragment
1775 - 1792 skapade Goya sju serier av kartongtapeter för palatsen Escorial och Prado i utkanten av Madrid. Denna målning, i synnerhet, tillhör serien av säsonger och var avsedd för matsalen för prinsen av Asturien i Prado. Goya skildrade den klassiska handlingen som en vardaglig scen, som återspeglar karaktären av förhållandet mellan olika klasser - bilden visar ägarna till vingården med sin son och piga.
Francisco Goya "Porträtt av general José de Urrutia" (ca 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - en av de mest framstående spanska militärledarna och den ende arméofficern av icke-aristokratiskt ursprung på 1700-talet som nådde rang som generalkapten - avbildas med St George Order, som han tilldelades av den ryska kejsarinnan Katarina den stora för att ha deltagit i tillfångatagandet av Ochakov under Krim-kampanjen 1789.
Peter Paul Rubens "Porträtt av Marie de Medici". OK. 1622-1625.
Maria Medici (1573 - 1642) var dotter till storhertigen av Toscana Francesco I. År 1600 blev hon hustru till den franske kungen Henrik IV. Sedan 1610 var hon regent för sin unge son, den blivande kungen Ludvig XIII. Rubens beställde hon en serie verk som glorifierade sig själv och sin bortgångne make. Porträttet visar drottningen iklädd en änkas huvudbonad och mot en ofärdig bakgrund.
Domenico Tintoretto "Woman Baring Her Breasts" ca. 1580-1590
Viscente Lopez Portagna "Porträtt av Felix Maximo Lopez, första organist i Kungliga kapellet" 1820
Spansk nyklassicistisk målare, med bibehållen spår av rokokostilen. Lopez ansågs vara en av de bästa porträttmålarna på sin tid, näst efter Francisco de Goya. Han började studera målning i Valencia vid 13 års ålder och fyra år senare vann han flera första priser vid San Carlos Academy, vilket gav honom ett stipendium för att studera vid den prestigefyllda Royal Academy i huvudstaden. bild och form San Fernando. Efter avslutade studier arbetade Lopez i flera år i verkstaden hos Mariano Salvador Maella, hans lärare. År 1814, efter den franska ockupationen, var López redan en ganska känd konstnär, så den spanske kungen Ferdinand VII kallade honom till Madrid och utnämnde honom till officiell hovmålare, trots att Francisco Goya själv var den "förste kungliga konstnären". vid den tiden. Vicente López var en produktiv konstnär, han målade om religiösa, allegoriska, historiska och mytologiska ämnen, men framför allt var han förstås en porträttmålare. Under sin långa karriär målade han porträtt av nästan alla kända personer i Spanien under första hälften av 1800-talet.
Detta porträtt av det kungliga kapellets första organist och känd musiker och kompositör skrevs kort innan konstnärens död, och fullbordades av hans äldste son Ambrosio Lopez.
Anton Raphael Mengs "Porträtt av Maria Louise av Parma, prinsessan av Asturien" 1766
Juan Sanchez Cotán "Stilleben med vilt, grönsaker och frukter" 1602
Don Diego de Acedo har suttit vid hovet sedan 1635. Vid sidan av "gyckarens tjänst" fungerade han som kunglig budbärare och hade hand om kungens sigill. Tydligen talar böckerna, papperen och skrivmaterialet som avbildas på bilden om dessa aktiviteter. Man tror att porträttet målades i Fraga, provinsen Huesca, under Filip IV:s resa till Aragon, där han åtföljdes av Diego de Acedo. I bakgrunden reser sig toppen av Maliceos i bergskedjan Guadarrama.
Hieronymus Bosch "Att ta bort dumhetens sten" c. 1490
I en satirisk scen med figurer mot bakgrund av ett landskap skildras en operation för att utvinna "dumhetens sten". Inskrift gotisk typsnitt lyder: - "Mästare, ta snabbt bort stenen. Jag heter Lubbert Das." Lubbert är ett vanligt substantiv som betecknar okunnighet och oskuld. En kirurg i huvudbonad i form av en omvänd tratt, som symboliserar okunnighet, "utvinner" en sten (näckros) från huvudet på en godtrogen patient och kräver en generös betalning av honom. På den tiden trodde de enfaldiga att en sten i huvudet var skyldig till deras dumhet. Detta är vad charlatanerna använde.
Raphael (Raffaello Santi) "Helig familj med ett lamm" 1507
Maria hjälper den lille Kristus att sitta på lammet - kristen symbol Kristi kommande lidande, och St. Joseph tittar på dem. Målningen målades i Florens, där konstnären studerade Leonardo da Vincis verk, influerad av hans kompositioner med den heliga familjen. I Pradomuseet är detta det enda verk av Raphael som skrevs under den tidiga perioden.
Albrecht Dürer "Porträtt av en okänd man" ca. 1521
Porträttet tillhör den sena perioden av Dürers verk. Skrivet på ett sätt som liknar stilen hos holländska konstnärer. En bredbrättad hatt drar uppmärksamheten till ansiktet på den som porträtteras, ljuset som faller från vänster koncentrerar betraktarens uppmärksamhet på det. Den andra uppmärksamheten i porträttet är händerna, och framför allt den vänstra, där den okända personen håller i en rulla - tydligen förklarar hans sociala status.
Rogier Van der Weyden "Lamentation" c. 1450
Altartriptyken för klostret Miraflores fungerade som förebild (förvarad konstgalleri Berlin), skapad av Van der Weyden tidigare än 1444 och upprepad med vissa skillnader. I denna version, med den övre delen tillagd vid en okänd period, Maria, Kristus, St. John och donatorn (målningens kund) - en medlem av familjen Broers - är avbildade i samma utrymme. Konstnären förmedlar uttrycksfullt Guds moders sorg och trycker kroppen av sin döda son mot hennes bröst. Den tragiska gruppen till vänster motarbetas av donatorns gestalt, åtskild av en sten. Han är i ett tillstånd av bön koncentration. På den tiden bad kunderna ofta om att få porträttera sig själva i målningarna. Men deras bilder var alltid sekundära - någonstans i bakgrunden, i mängden, etc. Här är donatorn avbildad i förgrunden, men skild från huvudgruppen med en sten och med hjälp av färg.
Alonso Cano "Död Kristus stödd av en ängel" c. 1646 - 1652
Mot bakgrund av ett skymningslandskap stödjer en ängel Kristi livlösa kropp. Den ovanliga ikonografin för denna duk förklaras av det faktum att den inte är förknippad med de evangeliska texterna, utan med den så kallade Kristus från St. Gregory. Enligt legenden hade påven Gregorius den store en vision av den döde Kristus understödd av två änglar. Kano tolkade den här historien på ett annat sätt - bara en ängel stödjer Kristi orörliga kropp.
Bartolome Esteban Murillo "Vår Fru av Rosenkransen" ca. 1650 -1655
Bartolome Esteban Murillos verk fullbordar den spanska måleriets guldålder. Murillos verk är oklanderligt exakta i kompositionen, rika och harmoniska i färgen och vackra i ordets högsta bemärkelse. Hans känslor är alltid uppriktiga och känsliga, men i Murillos dukar finns inte längre den andliga kraften och djupet som är så chockerande i hans äldre samtidas verk. Konstnärens liv är kopplat till hans hemland Sevilla, även om han var tvungen att besöka Madrid och andra städer. Efter att ha studerat hos den lokale målaren Juan del Castillo (1584-1640) arbetade Murillo mycket på order från kloster och tempel. 1660 blev han president för konstakademin i Sevilla.
Med sina dukar om religiösa ämnen försökte Murillo ge tröst och trygghet. Det är ingen slump att han mycket ofta målade bilden av Guds moder. Från bild till bild passerade bilden av Mary i form av en härlig ung tjej med regelbundna drag och en lugn blick. Hennes oskyldiga framtoning var tänkt att framkalla en känsla av söt ömhet hos betraktaren. I denna målning avbildade Bartolome Murillo Madonnan och Jesus med ett radband, ett traditionellt katolskt radband, för vilket bönen fick stor betydelse på konstnärens tid. I detta verk är de drag av naturalism som rådde i verken av representanterna för Sevilla-skolan under första hälften av 1600-talet fortfarande märkbara, men Murillos målarstil är redan friare än i hans tidigt arbete. Detta fria sätt är särskilt uttalat i skildringen av jungfru Marias slöja. Konstnären använder starkt ljus för att framhäva figurerna mot en mörk bakgrund och skapa en kontrast mellan de känsliga tonerna i Jungfruns ansikte och Kristi kropp och de djupa skuggorna i tygvecken.
I Andalusien på 1600-talet var bilden av Guds moder med barnet särskilt efterfrågad. Murillo, vars kreativt livägde rum i Sevilla, målade många sådana målningar, genomsyrade av ömhet. I det här fallet avbildas Guds moder med ett radband. Och här, som i tidiga år av sitt arbete förblir konstnären trogen sin förkärlek för ljus- och skuggakontraster.
Bartolome Esteban Murillo "Den gode herden" 1655-1660
Bilden är genomsyrad av djup lyrik och vänlighet. Titeln är hämtad från Johannesevangeliet: "Jag är den gode herden." Detta säger att bilden föreställer Kristus, om än i själva verket tidig ålder. På bilden av Murillo är allt vackert och enkelt. Konstnären älskade att måla barn, och han lade all denna kärlek i skönheten i bilden av denna pojke-Gud. På 1660- och 1670-talen, under sin bildskicklighets storhetstid, strävade Murillo efter att poetisera sina karaktärer, och han anklagades ofta för några sentimentala bilder och deras avsiktliga skönhet. Dessa anklagelser är dock inte helt rättvisa. Barnet som avbildas på bilden kan idag ses både i Sevilla och i de omgivande byarna. Och det var just i detta som den demokratiska inriktningen av konstnärens verk manifesterades - i att jämställa skönheten i Madonna med skönheten hos vanliga spanska kvinnor, och skönheten hos hennes son, lille Kristus, med skönheten hos gatutomboys.
Alonso Sanchez Coelho "Porträtt av Infante Isabella Clara Eugenia och Catalina Michaela" 1575
Porträttet av prinsessan, åtta och nio år gammal, håller i en krans av blommor. Sanchez Coelho målade porträtt av infantas - kung Filip II:s älskade döttrar och hans tredje fru Isabella av Valois - från deras mycket tidiga ålder. Alla porträtt är gjorda i enlighet med kanonerna för ett hovporträtt - flickor i magnifika kläder och med impassiv ansiktsuttryck.
Anton Raphael Mengs. Porträtt av kung Carlos III. 1767
Karl III kallades kanske den enda verkligt upplysta monarken i Spaniens historia. Det var han som grundade Pradomuseet 1785, först som ett naturhistoriskt museum. Charles III drömde att Pradomuseet, tillsammans med de angränsande Botaniska trädgårdar bli centrum för vetenskaplig utbildning.
Efter att ha gått upp på tronen började han genomföra allvarliga politiska och ekonomiska reformer, som landet så väl behövde vid den tiden. Men hans ansträngningar var förgäves - hans son Karl IV delade inte sin fars progressiva åsikter, och efter Karl III:s död var reformerna över.
Detta porträtt är helt typiskt för sin tid. Med varje detalj uppmärksammar konstnären den position som modellen intar: en mantel trimmad med hermelin, ett maltesiskt kors inlagt med juveler, glänsande rustning är oumbärliga attribut för kunglig storhet. Frodig draperi och pilaster (element klassisk arkitektur) är en traditionell bakgrund för sådana porträtt.
Men redan i detta porträtt är det förvånande hur modellens ansikte presenteras. Mengs gör inga försök att krympa sin lökliknande kungliga näsa eller släta ut linjerna i sina skrynkliga kinder. Tack vare den maximala individualiteten skapar denna målning en känsla av liv som Mengs föregångare inte kunde uppnå. Porträttet får dig att känna sympati för Carlos III, som är redo att "visa" sitt ofullkomliga utseende.
Antoine Watteau "Festival i parken" ca. 1713 - 1716
Denna charmiga scen är ett typiskt exempel på Watteaus "galanta firanden". lätt dimma, smörjande konturer, statyn av Neptunus nästan gömd i lövverket ovanför fontänen och en blekt gyllene färg - allt detta förmedlar en atmosfär av skarp, men flyktig njutning.
Målningen tillhörde Isabella Farnese, andra hustru till kung Filip V.
Antonio Carnicero "Höjning av luftballongen i Aranjuez" ca. 1784
Målningen beställdes av hertigen och hertiginnan av Oswan, den fångar upplysningens anda, vilket väckte intresse för prestationer vetenskapliga framsteg. avbildad verklig händelse: 1784, i de kungliga trädgårdarna i Aranjuez, i närvaro av monarken, medlemmar av hans familj och hovmän, gjordes en flygning med ballongen Montgolfier. Antonio Carnicero var känd för sina charmiga genrescener, och denna duk är ett av hans mest ambitiösa verk.
José de Madrazo y Agudo "Himmelsk kärlek och jordisk kärlek" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Guds lamm" 1635-1640
Ett lamm ligger på ett grått bord och sticker ut skarpt mot en mörk bakgrund i ett skarpt fokuserat starkt ljus. Varje person på 1600-talet skulle omedelbart känna igen "Guds lamm" i honom och skulle förstå att detta är en antydan om Kristi självuppoffring. Lammullen är anmärkningsvärt utskriven och verkar så mjuk att det är svårt att ta blicken från djuret och vilja röra vid det.
Juan Pantoja de la Cruz "Porträtt av drottning Isabella av Valois" ca. 1604 - 1608
Pantoja de la Cruz målade detta porträtt och upprepade Sofonisba Anguisholas arbete - originalet brann ner i palatset 1604. Konstnären lade bara till en kappa av murmeldjurpäls till drottningens outfit.
Sofonisba Anguixola är en konstnär från Cremona som arbetade vid det spanska hovet. Det var det första porträttet av en ung drottning från en serie gjord av konstnären. Bilden är skriven på ett sätt nära spanska, men i varmare och ljusare färger.
Jean Rann "Porträtt av Carlos III som barn" 1723
Luis Melendez "Stilleben med en låda godis, en kringla och andra föremål" 1770
Spanskans största mästare stilleben XVIII c., Luis Melendez föddes i Italien, i familjen till en miniatyrist från Asturien. År 1717 flyttade familjen till Madrid, där den unge mannen gick in i den förberedande avdelningen vid San Fernandos akademi, och bland de mest begåvade av hennes elever tog första platsen. Men 1747 tvingades han lämna Akademien i spåren av sin far, som fördrevs från den till följd av konflikten. Under denna period besöker Melendez igen Italien. Till att börja med hjälpte han sin far, blev han miniatyrist och återvände från Italien blev han inbjuden av Ferdinand VI för att illustrera böcker i det kungliga kapellet i Madrid. I genren stilleben, som konstnären vände sig till i början av 1760-talet, nytt ansikte hans kreativitet.
Detta stilleben målades in mogen period konstnärens kreativitet. Vid denna tid förekommer lyxartiklar, silverredskap i hans kompositioner. Men ändå håller konstnären fast vid sina ideal och arbetar i linje med genretradition. Den materiella påtagligheten hos vart och ett av föremålen målade på duk får oss att minnas de bästa exemplen på stilleben i världskonsten. Glasets påtagliga genomskinliga glas reflekteras i den matta, glänsande ytan på silvervasen. Mjuk, kringla på en vit servett, det verkar lukta nybakat bröd. Halsen på en förseglad flaska glimmar dovt. En silvergaffel sticker ut något utanför kanten på det upplysta bordet. I kompositionen av detta stilleben finns det inget asketiskt arrangemang av föremål i en rad, kännetecknande till exempel för Zurbarans stilleben. Kanske har det något gemensamt med de holländska proverna. Men tonen är mörkare, föremålen är mindre och kompositionen är enklare.
Juan de Arellano "Korg med blommor" 1670
En spansk barockmålare som specialiserat sig på blomsterarrangemang, föddes i Santorcase 1614. Först studerade han i en nu okänd konstnärs ateljé, men vid 16 års ålder flyttade han till Madrid, där han studerade med Juan de Solis, en konstnär som utförde uppdrag åt drottning Isabella. Juan de Arellano under en lång tid levde på små uppdrag, inklusive väggmålningar, tills han bestämde sig för att enbart fokusera på att måla blommor och blev en oöverträffad mästare på detta område. Man tror att mästaren började med att kopiera verk av andra, särskilt italienska, konstnärer, de flamländska stillebenen lade elegans och rigoritet till hans stil. Senare, till denna kombination, lade han till sina egna kompositionsfynd och en karakteristisk färgpalett.
Den ganska enkla sammansättningen av detta stilleben är karakteristisk för Arellano. Rena, intensiva växtfärger framträder starkt mot en neutral brunaktig bakgrund på grund av intensiv belysning.
Om livet för kretensaren Domenico Theotokopuli, konstnären som erövrade spanska Toledo under namnet El Greco, det vill säga greken, finns det nästan inga bevis kvar. Hans karaktärs "dårskap" och det märkliga bildmässiga sättet förvånade många och tvingade dem att ta upp en penna - men bara ett fåtal bokstäver har överlevt. En av dem innehåller följande rader: ”... vädret var vackert, vårsolen sken mjukt. Det gav glädje åt allt, och staden såg festlig ut. Föreställ dig min förvåning när jag gick in i El Grecos verkstad och såg att luckorna på fönstren var stängda, och därför var det svårt att se vad som fanns runt omkring. El Greco själv satt på en pall och gjorde ingenting, men var vaken. Han ville inte gå ut med mig, för enligt honom störde solljuset hans inre ljus ... "
Det finns nästan inga bevis för mannen Domenico, bara ekon: att han levde i stor stil, hade det rikaste biblioteket, läste många filosofer och även stämde kunder (han var älskad, men oftare inte förstådd), dog nästan i fattigdom, som tunna strålar av dagsljus, ljus bryter igenom sprickorna i hans livs "stängda fönsterluckor". Men de distraherar inte från det viktigaste - från det inre ljuset som fyller målningarna av konstnären El Greco. Speciellt porträtt.
De har inga landskap som öppnar sig bakom personen som porträtteras, det finns inget överflöd av detaljer som lockar det nyfikna ögat. Även hjältens namn utelämnas ofta ur bilden. Eftersom allt detta skulle förhindra att se ansiktet. Och ögon, djupa, mörka, tittar rakt på dig. Det är svårt att bryta sig loss från dem, och om du tvingar dig själv, då att se gesten - och återigen stanna i tankarna.
Sådan är "Porträttet av en gentleman med en hand på bröstet" (1577-1579), skrivet av mästaren kort efter att han flyttat till Toledo. Detta porträtt är erkänt som ett av de bästa i spansk målning på 1500-talet. Utlänningen El Greco skapade "livliga bilder av spanskt liv och historia", som skildrar "äkta levande varelser, som kombinerar allt som är att beundra i vårt folk, allt heroiskt och okuvligt, med de motsatta egenskaper som inte kan annat än reflekteras, utan att förstöra dess själva väsen” (A. Segovia). Aristokrater från de antika familjerna i Toledo blev El Grecos sanna hjältar, han såg deras inre ljus - deras adel och värdighet, plikttrohet, intelligens, sofistikerade sätt, mod, yttre återhållsamhet och inre impuls, styrkan i ett hjärta som vet vad den lever och dör för...
Dag efter dag stannar besökare till Prado-galleriet framför den okända hidalgo, förvånade, med orden: "Hur levande ..." Vem är den här riddaren? Varför öppnar han sitt hjärta med sådan uppriktighet? Varför är hans ögon så attraktiva? Och denna edsgest? Och svärdsfästet?.. Kanske gav dessa frågor upphov till legenden att den som avbildas i porträttet är en annan stor spanjor: Miguel de Cervantes. En krigare och författare som berättade för världen historien om en riddare av en sorglig bild, som fick samma gudomliga gåva som El Greco - att se människor som de borde vara, att se deras inre ljus ...
till tidningen "Man Without Borders"
Svetlana Obukhova
Om livet för kretensaren Domenico Theotokopuli, konstnären som erövrade spanska Toledo under namnet El Greco, det vill säga greken, finns det nästan inga bevis kvar. Hans karaktärs "dårskap" och det märkliga bildmässiga sättet förvånade många och tvingade dem att ta upp en penna - men bara ett fåtal bokstäver har överlevt. En av dem innehåller följande rader: ”... vädret var vackert, vårsolen sken mjukt. Det gav glädje åt allt, och staden såg festlig ut. Föreställ dig min förvåning när jag gick in i El Grecos verkstad och såg att luckorna på fönstren var stängda, och därför var det svårt att se vad som fanns runt omkring. El Greco själv satt på en pall och gjorde ingenting, men var vaken. Han ville inte gå ut med mig, för enligt honom störde solljuset hans inre ljus ... "
Det finns nästan inga bevis på mannen Domenico, bara ekon: att han levde i stor stil, hade det rikaste biblioteket, läste många filosofer och även stämde kunder (han var älskad, men oftare inte förstådd), dog nästan i fattigdom, som tunna strålar av dagsljus bryter igenom sprickorna i hans livs "stängda fönsterluckor". Men de distraherar inte från det viktigaste - från det inre ljuset som fyller målningarna av konstnären El Greco. Speciellt porträtt.
De har inga landskap som öppnar sig bakom personen som porträtteras, det finns inget överflöd av detaljer som lockar det nyfikna ögat. Även hjältens namn utelämnas ofta ur bilden. Eftersom allt detta skulle förhindra att se ansiktet. Och ögon, djupa, mörka, tittar rakt på dig. Det är svårt att bryta sig loss från dem, och om du tvingar dig själv, då att se gesten - och återigen stanna i tankarna.
Sådan är "Porträttet av en gentleman med en hand på bröstet" (1577-1579), skrivet av mästaren kort efter att han flyttat till Toledo. Detta porträtt är erkänt som ett av de bästa i spansk målning på 1500-talet. Utlänningen El Greco skapade "livliga bilder av spanskt liv och historia", som skildrar "äkta levande varelser, som kombinerar allt som är att beundra i vårt folk, allt heroiskt och okuvligt, med de motsatta egenskaper som inte kan annat än reflekteras, utan att förstöra dess själva väsen” (A. Segovia). Aristokrater från de gamla familjerna i Toledo blev El Grecos sanna hjältar, han såg deras inre ljus - deras adel och värdighet, plikttrohet, intelligens, sofistikerade sätt, mod, yttre återhållsamhet och inre impuls, hjärtats styrka, som vet vad som lever och dör för...
Dag efter dag stannar besökare till Prado-galleriet framför den okända hidalgo, förvånade, med orden: "Hur levande ..." Vem är den här riddaren? Varför öppnar han sitt hjärta med sådan uppriktighet? Varför är hans ögon så attraktiva? Och denna edsgest? Och svärdsfästet?.. Kanske gav dessa frågor upphov till legenden att den som avbildas i porträttet är en annan stor spanjor: Miguel de Cervantes. En krigare och författare som berättade för världen historien om en riddare av en sorglig bild, som fick samma gudomliga gåva som El Greco - att se människor som de borde vara, att se deras inre ljus ...
Och andra målningar från Pradomuseet i Eremitaget...
El Greco "Kristus omfamnar korset" 1600 - 1605
Avbildad mot bakgrund av en stormig himmel som är typisk för El Greco, kramar Kristus korset med sina graciösa armar och tittar upp med lugn undergång. Målningen blev en stor framgång, och många versioner av den skapades i El Grecos verkstad.
El Greco "Den heliga familjen med St. Anne och Lille Johannes döparen" ca. 1600 - 1605
Den sena perioden av El Grecos verk kännetecknas av användningen av genomträngande färger och blixtar; rymden är helt fylld av figurer som skymmer horisonten. Former ritade med ett vibrerande slag förlorar sin materialitet. Lille Johannes döparen kallar betraktaren till tystnad, för att inte störa freden för det spädbarn Kristus...
Velasquez - Porträtt av Filip IV Porträtt av kung Filip IV. 1653-1657
Grunden till det psykologiska porträttet i europeisk konst lades av den spanske målaren Diego Rodriguez de Silva Velasquez. Han föddes i en fattig adelsfamilj i Sevilla, studerade med Herrera den äldre och Pacheco. 1622 kom han först till Madrid. I praktisk mening var denna resa inte särskilt framgångsrik - Velasquez hittade inte en värdig plats för sig själv. Han hoppades få träffa den unge kung Filip IV, men mötet blev inte av. Ändå nådde rykten om den unge konstnären hovet, och redan nästa år, 1623, bjöd den första ministern, hertigen de Olivares (också en infödd i Sevilla), Velázquez till Madrid för att måla ett porträtt av kungen. Detta arbete, som inte har kommit till oss, gjorde ett så behagligt intryck på monarken att han omedelbart erbjöd Velázquez tjänsten som hovmålare. Snart utvecklades ganska vänskapliga relationer mellan kungen och Velazquez, vilket inte var särskilt typiskt för den ordning som rådde vid det spanska hovet. Kungen, som styrde det största imperiet i världen, ansågs inte vara en man, utan en gudom, och konstnären kunde inte ens räkna med ädla privilegier, eftersom han tjänade sitt uppehälle genom arbete. Under tiden beordrade Philip att hädanefter endast Velasquez målade hans porträtt. Den store monarken var förvånansvärt generös och stödde Velasquez. Konstnärens ateljé låg i de kungliga lägenheterna och där installerades en stol för Hans Majestät. Kungen, som hade nyckeln till verkstaden, kom hit nästan varje dag för att observera konstnärens arbete. Under den kungliga tjänsten 1623 till 1660 målade Velasquez ett dussintal porträtt av sin överherre. Av dessa har lite mer än 10 tavlor kommit ner till oss. Således porträtterade Velasquez i genomsnitt sin överherre ungefär en gång vart tredje år. Att måla porträtt av kungen var ett verk av Velasquez, och han gjorde det här jobbet perfekt. Tack vare detta har vi ett komplex av verk som är unikt i sitt slag: porträtten av Velázquez spårar kung Filips livsväg lika tydligt som det senare blev en sed först i fotografiets tidsålder. Evolutionen syns tydligt i konstnärens dukar. För det första förändras kungen själv, 18-åring i det första porträttet och 50-åring i det sista, hans ansikte bär avtryck av ålder och andliga förändringar. För det andra fördjupas konstnärens uppfattning om sin modell, från ytlig till insiktsfull. Med tiden förändras hur modellen presenteras och konstnärliga tekniker. Velazquez sätt förvandlas under inflytande av hans egen kreativa tillväxt, såväl som under inflytande av moderna inhemska och utländska traditioner. I detta bystporträtt visas Filip IV mot en mörk bakgrund iförd en svart dräkt med en vit krage som framhäver monarkens ansikte. Velasquez undviker prålig lyx i porträttet av kungen och visar monarkens "mänskliga ansikte" utan smicker eller hövisk list. Vi känner tydligt att den som tittar på oss från duken är olycklig, de sista åren av regeringstiden var inte lätta för kungen. Detta är en person som har känt besvikelse, men samtidigt - en person vars kött är fullt av medfödd storhet, som ingenting kan skaka. En annan stor konstnär, en spanjor till benmärgen - Pablo Ruiz Picasso säger så här om bilden av den spanska kungen: "vi kan inte föreställa oss en annan Filip IV, förutom den som skapades av Velazquez ..."
"Porträtt av kung Filip IV" (ca 1653 - 1657)
Ett av de sista porträtten av monarken. Det är intressant att notera att det inte finns ett enda element här som talar om den kungliga statusen för den person som porträtteras. Velazquez tjänade Filip IV i nästan fyrtio år - från 1623 till sin död målade han porträtt av kungen och hans familj, stora tomter för den kungliga samlingen.
Diego Velasquez "Porträtt av narren Don Diego de Acedo" (El Primo) ca. 1644
Diego Velasquez "Porträtt av drottning Marianne av Österrike" 1652-1653
Titian (Tiziano Vecellio) "Venus med Amor och organist" 1555
Musikern spelar, sittande vid Venus fötter och beundrar gudinnans nakna kropp, ett abstrakt spel med Amor. Vissa såg i denna bild ett rent erotiskt verk, medan andra uppfattade det symboliskt - som en allegori över känslor, där syn och hörsel fungerar som verktyg för att förstå skönhet och harmoni. Titian skrev fem versioner av detta tema.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - Ångerfulla Maria Magdalena 1583
Efter sin omvändelse ägnade Maria Magdalena sitt liv åt omvändelse och bön, och drog sig tillbaka från världen. På denna duk är hon avbildad tittar in i himlen och badar i gudomligt ljus. Bilden är skriven i tjocka mörka färger, utmärkande för Veroneses stil under den sena perioden av hans verk. Innan det kom in i de spanska kungliga samlingarna, tillhörde verket den engelske kungen Charles I (avrättad 1649)
Anthony van Dyck "Porträtt av en man med en luta" 1622-1632
Anthony Van Dyck har sin berömmelse att tacka porträttgenren, som intog en ganska låg position i den europeiska måleriets hierarki. Men i Flandern vid den här tiden hade en tradition av porträttkonst redan utvecklats. Van Dyck målade hundratals porträtt, flera självporträtt, och blev en av skaparna av 1600-talets ceremoniella porträttstil. I porträtten av sina samtida visade han deras intellektuella, känslomässiga värld, andliga liv, en persons levande karaktär.
Den traditionella modellen för detta porträtt är Jacob Gautier, lutenist vid det engelska hovet från 1617 till 1647, men förekomsten av ett svärd, och i större utsträckning, verkets stilistiska egenskaper tyder på att det måste dateras mycket tidigare än Van Dycks resa till London, vilket ställer tvivel på denna teori. Närvaron av ett musikinstrument betyder inte nödvändigtvis att modellen var en musiker. Som symbol avbildades musikinstrument ofta i porträtt, som en indikation på den avbildades intellektuella förfining och känslighet.
Juan Bautista Maino "Herdarnas tillbedjan" 1612-1614
Ett av Mainos mästerverk. Samlingen av State Hermitage innehåller en annan version av denna berättelse, skriven av Mainot. Konstnären föddes i Pastrana (Guadalajara) och bodde i Rom från 1604 till 1610. I detta verk, skrivet när han återvände till Spanien, kan man känna inflytandet från Caravaggio och Orazio Gentileschi. År 1613 blev Maino medlem av den dominikanska orden och målningen gick in i altarcykeln i klostret St Peter Martyren i Toledo.
Georges de Latour "Den blinde musikern med lyran" ca. 1625-1630
Latour föreställer en gammal blind musiker som spelar en gurd som upprepade denna historia många gånger. Konstnären, som arbetade under inflytande av Caravaggios stil, återger entusiastiskt detaljerna - mönstret som pryder musikinstrumentet, rynkorna i ansiktet på den blinde, hans hår.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Releasing Andromeda" ca. 1639-1640
Francisco de Goya "Porträtt av Ferdinand VII" 1814-1815
Efter Napoleons nederlag 1814 återvände Ferdinand VII till den spanska tronen. I porträttet är han avbildad i en kunglig mantel kantad med hermelin, med en spira och Carlos III:s order och det gyllene skinnet.
Ferdinand VII, som styrde landet fram till 1833, grundade Pradomuseet 1819.
Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805
Maria von Santa Cruz, hustru till den första direktören för Prado, var en av de mest vördade kvinnorna i Spanien på sin tid.
I ett porträtt från 1805 avbildade Goya markisan som musan av lyrisk poesi, Euterpe, liggande på en baldakin och med en lyra i vänster hand. Valet av just en sådan bild beror på markisans passion för poesi.
Francisco Goya - "Höst (druvskörden)" 1786 - 1787
Francisco Goya - Druvskörden. fragment
1775 - 1792 skapade Goya sju serier av kartongtapeter för palatsen Escorial och Prado i utkanten av Madrid. Denna målning, i synnerhet, tillhör serien av säsonger och var avsedd för matsalen för prinsen av Asturien i Prado. Goya skildrade den klassiska handlingen som en vardaglig scen, som återspeglar karaktären av förhållandet mellan olika klasser - bilden visar ägarna till vingården med sin son och piga.
Francisco Goya "Porträtt av general José de Urrutia" (ca 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - en av de mest framstående spanska militärledarna och den ende arméofficern av icke-aristokratiskt ursprung på 1700-talet som nådde rang som generalkapten - avbildas med St George Order, som han tilldelades av den ryska kejsarinnan Katarina den stora för att ha deltagit i tillfångatagandet av Ochakov under Krim-kampanjen 1789.
Peter Paul Rubens "Porträtt av Marie de Medici". OK. 1622-1625.
Maria Medici (1573 - 1642) var dotter till storhertigen av Toscana Francesco I. År 1600 blev hon hustru till den franske kungen Henrik IV. Sedan 1610 var hon regent för sin unge son, den blivande kungen Ludvig XIII. Rubens beställde hon en serie verk som glorifierade sig själv och sin bortgångne make. Porträttet visar drottningen iklädd en änkas huvudbonad och mot en ofärdig bakgrund.
Domenico Tintoretto "Woman Baring Her Breasts" ca. 1580-1590
Viscente Lopez Portagna "Porträtt av Felix Maximo Lopez, första organist i Kungliga kapellet" 1820
Spansk nyklassicistisk målare, med bibehållen spår av rokokostilen. Lopez ansågs vara en av de bästa porträttmålarna på sin tid, näst efter Francisco de Goya. Han började studera målning i Valencia vid 13 års ålder och fyra år senare vann han flera förstapriser vid San Carlos Academy, vilket gav honom ett stipendium för att studera vid den prestigefyllda San Fernando Royal Academy of Fine Arts i huvudstaden. Efter avslutade studier arbetade Lopez i flera år i verkstaden hos Mariano Salvador Maella, hans lärare. År 1814, efter den franska ockupationen, var López redan en ganska känd konstnär, så den spanske kungen Ferdinand VII kallade honom till Madrid och utnämnde honom till officiell hovmålare, trots att Francisco Goya själv var den "förste kungliga konstnären". vid den tiden. Vicente López var en produktiv konstnär, han målade om religiösa, allegoriska, historiska och mytologiska ämnen, men framför allt var han förstås en porträttmålare. Under sin långa karriär målade han porträtt av nästan alla kända personer i Spanien under första hälften av 1800-talet.
Detta porträtt av den första organisten i det kungliga kapellet och den berömda musikern och kompositören målades strax före konstnärens död och färdigställdes av hans äldste son, Ambrosio López.
Anton Raphael Mengs "Porträtt av Maria Louise av Parma, prinsessan av Asturien" 1766
Juan Sanchez Cotán "Stilleben med vilt, grönsaker och frukter" 1602
Don Diego de Acedo har suttit vid hovet sedan 1635. Vid sidan av "gyckarens tjänst" fungerade han som kunglig budbärare och hade hand om kungens sigill. Tydligen talar böckerna, papperen och skrivmaterialet som avbildas på bilden om dessa aktiviteter. Man tror att porträttet målades i Fraga, provinsen Huesca, under Filip IV:s resa till Aragon, där han åtföljdes av Diego de Acedo. I bakgrunden reser sig toppen av Maliceos i bergskedjan Guadarrama.
Hieronymus Bosch "Att ta bort dumhetens sten" c. 1490
I en satirisk scen med figurer mot bakgrund av ett landskap skildras en operation för att utvinna "dumhetens sten". Inskriptionen med gotisk skrift lyder: - "Mästare, ta snabbt bort stenen. Jag heter Lubbert Das." Lubbert är ett vanligt substantiv som betecknar okunnighet och oskuld. En kirurg i huvudbonad i form av en omvänd tratt, som symboliserar okunnighet, "utvinner" en sten (näckros) från huvudet på en godtrogen patient och kräver en generös betalning av honom. På den tiden trodde de enfaldiga att en sten i huvudet var skyldig till deras dumhet. Detta är vad charlatanerna använde.
Raphael (Raffaello Santi) "Helig familj med ett lamm" 1507
Maria hjälper den lille Kristus att sitta på ett lamm - en kristen symbol för Kristi kommande lidande, och St. Joseph tittar på dem. Målningen målades i Florens, där konstnären studerade Leonardo da Vincis verk, influerad av hans kompositioner med den heliga familjen. I Pradomuseet är detta det enda verk av Raphael som skrevs under den tidiga perioden.
Albrecht Dürer "Porträtt av en okänd man" ca. 1521
Porträttet tillhör den sena perioden av Dürers verk. Skrivet på ett sätt som liknar stilen hos holländska konstnärer. En bredbrättad hatt drar uppmärksamheten till ansiktet på den som porträtteras, ljuset som faller från vänster koncentrerar betraktarens uppmärksamhet på det. Den andra uppmärksamheten i porträttet är händerna, och framför allt den vänstra, där den okända personen håller i en rulla - tydligen förklarar hans sociala status.
Rogier Van der Weyden "Lamentation" c. 1450
Modellen var altartriptyken för Miraflores-klostret (förvarad i konstgalleriet i Berlin), skapad av Van der Weyden tidigare än 1444 och upprepad med vissa skillnader. I denna version, med den övre delen tillagd vid en okänd period, Maria, Kristus, St. John och donatorn (målningens kund) - en medlem av familjen Broers - är avbildade i samma utrymme. Konstnären förmedlar uttrycksfullt Guds moders sorg och trycker kroppen av sin döda son mot hennes bröst. Den tragiska gruppen till vänster motarbetas av donatorns gestalt, åtskild av en sten. Han är i ett tillstånd av bön koncentration. På den tiden bad kunderna ofta om att få porträttera sig själva i målningarna. Men deras bilder var alltid sekundära - någonstans i bakgrunden, i mängden, etc. Här är donatorn avbildad i förgrunden, men skild från huvudgruppen med en sten och med hjälp av färg.
Alonso Cano "Död Kristus stödd av en ängel" c. 1646 - 1652
Mot bakgrund av ett skymningslandskap stödjer en ängel Kristi livlösa kropp. Den ovanliga ikonografin för denna duk förklaras av det faktum att den inte är förknippad med de evangeliska texterna, utan med den så kallade Kristus från St. Gregory. Enligt legenden hade påven Gregorius den store en vision av den döde Kristus understödd av två änglar. Kano tolkade den här historien på ett annat sätt - bara en ängel stödjer Kristi orörliga kropp.
Bartolome Esteban Murillo "Vår Fru av Rosenkransen" ca. 1650 -1655
Bartolome Esteban Murillos verk fullbordar den spanska måleriets guldålder. Murillos verk är oklanderligt exakta i kompositionen, rika och harmoniska i färgen och vackra i ordets högsta bemärkelse. Hans känslor är alltid uppriktiga och känsliga, men i Murillos dukar finns inte längre den andliga kraften och djupet som är så chockerande i hans äldre samtidas verk. Konstnärens liv är kopplat till hans hemland Sevilla, även om han var tvungen att besöka Madrid och andra städer. Efter att ha studerat hos den lokale målaren Juan del Castillo (1584-1640) arbetade Murillo mycket på order från kloster och tempel. 1660 blev han president för konstakademin i Sevilla.
Med sina dukar om religiösa ämnen försökte Murillo ge tröst och trygghet. Det är ingen slump att han mycket ofta målade bilden av Guds moder. Från bild till bild passerade bilden av Mary i form av en härlig ung tjej med regelbundna drag och en lugn blick. Hennes oskyldiga framtoning var tänkt att framkalla en känsla av söt ömhet hos betraktaren. I denna målning avbildade Bartolome Murillo Madonnan och Jesus med ett radband, ett traditionellt katolskt radband, för vilket bönen fick stor betydelse på konstnärens tid. I detta verk märks fortfarande de drag av naturalism som rådde i verken av representanterna för Sevillaskolan under första hälften av 1600-talet, men Murillos målarstil är redan friare än i hans tidiga verk. Detta fria sätt är särskilt uttalat i skildringen av jungfru Marias slöja. Konstnären använder starkt ljus för att framhäva figurerna mot en mörk bakgrund och skapa en kontrast mellan de känsliga tonerna i Jungfruns ansikte och Kristi kropp och de djupa skuggorna i tygvecken.
I Andalusien på 1600-talet var bilden av Guds moder med barnet särskilt efterfrågad. Murillo, vars kreativa liv tillbringades i Sevilla, målade många av dessa målningar, genomsyrade av ömhet. I det här fallet avbildas Guds moder med ett radband. Och här, liksom under de första åren av sitt arbete, förblir konstnären trogen sin förkärlek för ljus- och skuggkontraster.
Bartolome Esteban Murillo "Den gode herden" 1655-1660
Bilden är genomsyrad av djup lyrik och vänlighet. Titeln är hämtad från Johannesevangeliet: "Jag är den gode herden." Detta tyder på att bilden föreställer Kristus, om än i mycket tidig ålder. På bilden av Murillo är allt vackert och enkelt. Konstnären älskade att måla barn, och han lade all denna kärlek i skönheten i bilden av denna pojke-Gud. På 1660- och 1670-talen, under sin bildskicklighets storhetstid, strävade Murillo efter att poetisera sina karaktärer, och han anklagades ofta för några sentimentala bilder och deras avsiktliga skönhet. Dessa anklagelser är dock inte helt rättvisa. Barnet som avbildas på bilden kan idag ses både i Sevilla och i de omgivande byarna. Och det var just i detta som den demokratiska inriktningen av konstnärens verk manifesterades - i att jämställa skönheten i Madonna med skönheten hos vanliga spanska kvinnor, och skönheten hos hennes son, lille Kristus, med skönheten hos gatutomboys.
Alonso Sanchez Coelho "Porträtt av Infante Isabella Clara Eugenia och Catalina Michaela" 1575
Porträttet av prinsessan, åtta och nio år gammal, håller i en krans av blommor. Sanchez Coelho målade porträtt av infantas - kung Filip II:s älskade döttrar och hans tredje fru Isabella av Valois - från deras mycket tidiga ålder. Alla porträtt är gjorda i enlighet med kanonerna för ett hovporträtt - flickor i magnifika kläder och med impassiv ansiktsuttryck.
Anton Raphael Mengs. Porträtt av kung Carlos III. 1767
Karl III kallades kanske den enda verkligt upplysta monarken i Spaniens historia. Det var han som grundade Pradomuseet 1785, först som ett naturhistoriskt museum. Karl III drömde att Pradomuseet, tillsammans med de angränsande botaniska trädgårdarna, skulle bli ett centrum för vetenskaplig utbildning.
Efter att ha gått upp på tronen började han genomföra allvarliga politiska och ekonomiska reformer, som landet så väl behövde vid den tiden. Men hans ansträngningar var förgäves - hans son Karl IV delade inte sin fars progressiva åsikter, och efter Karl III:s död var reformerna över.
Detta porträtt är helt typiskt för sin tid. Med varje detalj uppmärksammar konstnären den position som modellen intar: en mantel trimmad med hermelin, ett maltesiskt kors inlagt med juveler, glänsande rustning är oumbärliga attribut för kunglig storhet. Frodiga draperier och en pilaster (ett inslag i klassisk arkitektur) är en traditionell bakgrund för sådana porträtt.
Men redan i detta porträtt är det förvånande hur modellens ansikte presenteras. Mengs gör inga försök att krympa sin lökliknande kungliga näsa eller släta ut linjerna i sina skrynkliga kinder. Tack vare den maximala individualiteten skapar denna målning en känsla av liv som Mengs föregångare inte kunde uppnå. Porträttet får dig att känna sympati för Carlos III, som är redo att "visa" sitt ofullkomliga utseende.
Antoine Watteau "Festival i parken" ca. 1713 - 1716
Denna charmiga scen är ett typiskt exempel på Watteaus "galanta firanden". En lätt dimma som suddar ut konturerna, en staty av Neptunus nästan gömd i lövverket ovanför fontänen och en blekt gyllene färg - allt detta förmedlar en atmosfär av skarp, men flyktig njutning.
Målningen tillhörde Isabella Farnese, andra hustru till kung Filip V.
Antonio Carnicero "Höjning av luftballongen i Aranjuez" ca. 1784
Målningen beställdes av hertigen och hertiginnan av Oswan, den återspeglar upplysningens anda, vilket väckte intresse för vetenskapliga framsteg. En verklig händelse skildras: 1784, i den kungliga trädgården i Aranjuez, i närvaro av monarken, medlemmar av hans familj och hovmän, gjordes en flygning på ballongen Montgolfier. Antonio Carnicero var känd för sina charmiga genrescener, och denna duk är ett av hans mest ambitiösa verk.
José de Madrazo y Agudo "Himmelsk kärlek och jordisk kärlek" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Guds lamm" 1635-1640
Ett lamm ligger på ett grått bord och sticker ut skarpt mot en mörk bakgrund i ett skarpt fokuserat starkt ljus. Varje person på 1600-talet skulle omedelbart känna igen "Guds lamm" i honom och skulle förstå att detta är en antydan om Kristi självuppoffring. Lammullen är anmärkningsvärt utskriven och verkar så mjuk att det är svårt att ta blicken från djuret och vilja röra vid det.
Juan Pantoja de la Cruz "Porträtt av drottning Isabella av Valois" ca. 1604 - 1608
Pantoja de la Cruz målade detta porträtt och upprepade Sofonisba Anguisholas arbete - originalet brann ner i palatset 1604. Konstnären lade bara till en kappa av murmeldjurpäls till drottningens outfit.
Sofonisba Anguixola är en konstnär från Cremona som arbetade vid det spanska hovet. Det var det första porträttet av en ung drottning från en serie gjord av konstnären. Bilden är skriven på ett sätt nära spanska, men i varmare och ljusare färger.
Jean Rann "Porträtt av Carlos III som barn" 1723
Luis Melendez "Stilleben med en låda godis, en kringla och andra föremål" 1770
Den största mästaren i det spanska stillebenet på 1700-talet, Luis Melendez föddes i Italien, i familjen till en miniatyrist från Asturien. År 1717 flyttade familjen till Madrid, där den unge mannen gick in i den förberedande avdelningen vid San Fernandos akademi, och bland de mest begåvade av hennes elever tog första platsen. Men 1747 tvingades han lämna Akademien i spåren av sin far, som fördrevs från den till följd av konflikten. Under denna period besöker Melendez igen Italien. Till att börja med hjälpte han sin far, blev han miniatyrist och återvände från Italien blev han inbjuden av Ferdinand VI för att illustrera böcker i det kungliga kapellet i Madrid. I genren stilleben, som konstnären vände sig till i början av 1760-talet, dök en ny aspekt av hans verk upp.
Detta stilleben skrevs i den mogna perioden av konstnärens verk. Vid denna tid förekommer lyxartiklar, silverredskap i hans kompositioner. Men ändå håller konstnären fortfarande fast vid sina ideal och arbetar i linje med genretraditionen. Den materiella påtagligheten hos vart och ett av föremålen målade på duk får oss att minnas de bästa exemplen på stilleben i världskonsten. Glasets påtagliga genomskinliga glas reflekteras i den matta, glänsande ytan på silvervasen. Mjuk, kringla på en vit servett, det verkar lukta nybakat bröd. Halsen på en förseglad flaska glimmar dovt. En silvergaffel sticker ut något utanför kanten på det upplysta bordet. I kompositionen av detta stilleben finns det inget asketiskt arrangemang av föremål i en rad, kännetecknande till exempel för Zurbarans stilleben. Kanske har det något gemensamt med de holländska proverna. Men tonen är mörkare, föremålen är mindre och kompositionen är enklare.
Juan de Arellano "Korg med blommor" 1670
En spansk barockmålare som specialiserat sig på blomsterarrangemang, föddes i Santorcase 1614. Först studerade han i en nu okänd konstnärs ateljé, men vid 16 års ålder flyttade han till Madrid, där han studerade med Juan de Solis, en konstnär som utförde uppdrag åt drottning Isabella. Juan de Arellano levde länge på bekostnad av små beställningar, inklusive väggmålningar, tills han bestämde sig för att enbart fokusera på att måla blommor och blev en oöverträffad mästare på detta område. Man tror att mästaren började med att kopiera verk av andra, särskilt italienska, konstnärer, de flamländska stillebenen lade elegans och rigoritet till hans stil. Senare, till denna kombination, lade han till sina egna kompositionsfynd och en karakteristisk färgpalett.
Den ganska enkla sammansättningen av detta stilleben är karakteristisk för Arellano. Rena, intensiva växtfärger framträder starkt mot en neutral brunaktig bakgrund på grund av intensiv belysning.
