Vem målade de första bilderna? Vem målade björnarna till Shishkin och andra hemligheter av kända målningar Bakgrunden är som från filmen "Sagan om ringen", med en ljusblå dimma. Vågigt hår och aristokratisk näsa Madonna - Da Vinci

I nästan varje betydande arbete konst är ett mysterium, en "dubbelbotten" eller hemlig historia som du vill öppna.

Musik på skinkorna

Hieronymus Bosch, "Trädgård jordiska nöjen", 1500-1510.

Fragment av en triptyk

Tvister om betydelserna och dolda betydelser mest kända verk holländsk konstnär har inte avtagit sedan starten. På högra flygeln av triptyken som kallas "Musical Hell" avbildas syndare som torteras i underjorden med hjälp av musikinstrument. En av dem har lappar präglade på skinkorna. Oklahoma Christian University-studenten Amelia Hamrick, som studerade målningen, översatte notationen från 1500-talet till modernt sätt och spelade in "en sång från röven från helvetet, som är 500 år gammal."

Naken Mona Lisa

Den berömda "Gioconda" finns i två versioner: nakenversionen heter "Monna Vanna", den skrevs av föga känd konstnär Salai, som var elev och sitter hos den store Leonardo da Vinci. Många konstkritiker är säkra på att det var han som stod modell för Leonardos målningar "Johannes Döparen" och "Bacchus". Det finns också versioner som klädd i en kvinnas klänning, Salai fungerade som bilden av Mona Lisa själv.

Gammal fiskare

År 1902 målade den ungerske konstnären Tivadar Kostka Chontvari tavlan " Gammal fiskare". Det verkar som att det inte finns något ovanligt i bilden, men Tivadar lade en undertext i den, som aldrig avslöjades under konstnärens liv.

Få människor tänkte på att sätta en spegel i mitten av bilden. I varje person kan det finnas både Gud (den gamla mannens högra axel är duplicerad) och Djävulen (den vänstra axeln på den gamle är duplicerad).

Fanns det en val?

Hendrik van Antonissen "Scen på stranden".

Det verkade som ett vanligt landskap. Båtar, människor på stranden och ökenhavet. Och bara en röntgenstudie visade att människor samlades på stranden av en anledning - i originalet undersökte de kadavret av en val som spolas iland.

Konstnären bestämde sig dock för att ingen skulle vilja titta på en död val och målade om tavlan.

Två "Frukostar på gräset"

Edouard Manet, Lunch på gräset, 1863.

Claude Monet, Frukost på gräset, 1865.

Konstnärerna Edouard Manet och Claude Monet är ibland förvirrade – trots allt var de båda fransmän, levde samtidigt och arbetade i impressionismens stil. Till och med namnet på en av Manets mest kända målningar, "Frukost på gräset", lånade och skrev Monet sin "Frukost på gräset".

Tvillingar vid den sista måltiden

Leonardo Da Vinci, Sista måltiden", 1495-1498.

När Leonardo da Vinci skrev Nattvarden fäste han särskild vikt vid två gestalter: Kristus och Judas. Han letade efter barnvakter till dem under mycket lång tid. Till slut lyckades han hitta en modell för Kristusbilden bland de unga sångarna. Leonardo lyckades inte hitta en barnvakt åt Judas på tre år. Men en dag stötte han på en fyllare som låg i rännan på gatan. Han var en ung man som hade åldrats av starkt drickande. Leonardo bjöd in honom till en krog, där han omedelbart började skriva Judas från honom. När fylleristen kom till besinning berättade han för artisten att han redan hade poserat för honom en gång. Det var för några år sedan, när han sjöng i kyrkokören, Leonardo skrev Kristus från honom.

"Nattvakt" eller "Dagvakt"?

Rembrandt, " Nattvakten", 1642.

En av Rembrandts mest kända målningar, "The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenbürg", hängde i olika salar i cirka tvåhundra år och upptäcktes av konsthistoriker först på 1800-talet. Eftersom figurerna tycktes sticka ut mot en mörk bakgrund, kallades den Nattvakten, och under detta namn gick den in i världskonstens skattkammare.

Och först under restaureringen, som utfördes 1947, visade det sig att bilden i hallen hade lyckats bli täckt av ett lager av sot, vilket förvrängde dess färg. Efter att ha rensat originalmålningen avslöjades det slutligen att scenen som Rembrandt presenterade faktiskt utspelar sig under dagen. Placeringen av skuggan från vänster hand på kapten Kok visar att handlingens varaktighet inte är mer än 14 timmar.

kapsejsad båt

Henri Matisse, "Båten", 1937.

I New York Museum of Modern Art 1961 ställdes Henri Matisses målning "Båten" ut. Först efter 47 dagar märkte någon att tavlan hängde upp och ner. Duken föreställer 10 lila linjer och två blå segel på vit bakgrund. Konstnären målade två segel av en anledning, det andra seglet är en reflektion av det första på vattenytan.
För att inte ta fel på hur bilden ska hänga måste du vara uppmärksam på detaljerna. Det större seglet ska vara överst på målningen, och toppen av seglet på målningen ska riktas till det övre högra hörnet.

Bedrägeri i ett självporträtt

Vincent van Gogh, Självporträtt med ett rör, 1889.

Det finns legender om att Van Gogh påstås klippa av sitt eget öra. Nu är den mest pålitliga versionen att van Goghs öra skadades i ett litet handgemäng med deltagande av en annan artist, Paul Gauguin.

Självporträttet är intressant eftersom det speglar verkligheten i en förvrängd form: konstnären avbildas med ett bandagerat höger öra, eftersom han använde en spegel när han arbetade. Det vänstra örat var faktiskt skadat.

främmande björnar

Ivan Shishkin, "Morgon i tallskogen", 1889.

Den berömda målningen tillhör inte bara Shishkins pensel. Många konstnärer som var vänner med varandra tog ofta till "en väns hjälp", och Ivan Ivanovich, som målat landskap hela sitt liv, var rädd att rörande björnar inte skulle bli som han behövde. Därför vände sig Shishkin till en bekant djurmålare Konstantin Savitsky.

Savitsky målade kanske de bästa björnarna i den ryska måleriets historia, och Tretyakov beordrade att hans namn skulle tvättas bort från duken, eftersom allt på bilden "med början från idén och slutar med avrättningen, allt talar om sättet att måla, om kreativ metod karakteristisk för Shishkin.

Oskyldig berättelse "gotisk"

Grant Wood, amerikansk gotik", 1930.

Grant Woods verk anses vara ett av de märkligaste och mest deprimerande i det amerikanska måleriets historia. Bilden med en dyster far och dotter svämmar över av detaljer som indikerar svårighetsgraden, puritanismen och retrograden hos de avbildade personerna.
Faktum är att konstnären inte hade för avsikt att skildra några fasor: under en resa till Iowa märkte han ett litet hus i gotisk stil och bestämde sig för att skildra de människor som enligt hans åsikt skulle vara idealiska som invånare. Grants syster och hans tandläkare förevigas i form av karaktärer som folket i Iowa blev så kränkta av.

Salvador Dalis hämnd

Målningen "Figur vid fönstret" målades 1925, när Dali var 21 år gammal. Då hade Gala ännu inte kommit in i konstnärens liv, och hans syster Ana Maria var hans musa. Relationen mellan bror och syster försämrades när han skrev på en av målningarna "ibland spottar jag på ett porträtt av min egen mamma, och det ger mig njutning." Ana Maria kunde inte förlåta så chockerande.

I sin bok från 1949 Salvador Dali Through the Eyes of a Sister skriver hon om sin bror utan något beröm. Boken gjorde El Salvador upprörd. I ytterligare tio år efter det kom han argt ihåg henne vid varje tillfälle. Och så, 1954, dyker bilden "En ung jungfru som hänger sig åt Sodomy synd med hjälp av sin egen kyskhets horn". Kvinnans pose, hennes lockar, landskapet utanför fönstret och målningens färgskala återspeglar tydligt Figuren vid fönstret. Det finns en version att det är så här Dali hämnades på sin syster för hennes bok.

Danae med två ansikten

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Många hemligheter för en av de mest kända målningarna av Rembrandt avslöjades först på 60-talet av 1900-talet, när duken var upplyst med röntgenstrålar. Till exempel visade skjutningen att i den tidiga versionen ansiktet på prinsessan, som gick in kärleksaffär med Zeus såg det ut som ansiktet på Saskia, målarens hustru, som dog 1642. I den slutliga versionen av målningen började den likna ansiktet på Gertier Dirks, Rembrandts älskarinna, med vilken konstnären bodde efter sin frus död.

Van Goghs gula sovrum

Vincent van Gogh, "Sovrum i Arles", 1888 - 1889.

I maj 1888 skaffade Van Gogh en liten verkstad i Arles, i södra Frankrike, dit han flydde från de parisiska konstnärerna och kritikerna som inte förstod honom. I ett av de fyra rummen inrättar Vincent ett sovrum. I oktober är allt klart, och han bestämmer sig för att måla Van Goghs sovrum i Arles. För konstnären var färgen, rummets komfort mycket viktigt: allt måste antyda tankar om avkoppling. Samtidigt bibehålls bilden i störande gula toner.

Forskare av Van Goghs kreativitet förklarar detta med det faktum att konstnären tog fingerborgsborg, ett botemedel mot epilepsi, vilket orsakar allvarliga förändringar i patientens uppfattning av färg: hela den omgivande verkligheten är målad i gröngula toner.

Tandlös perfektion

Leonardo da Vinci, "Porträtt av fru Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

Den allmänt accepterade åsikten är att Mona Lisa är perfektion och hennes leende är vackert i sin mystiska karaktär. Den amerikanske konstkritikern (och deltidsanställd tandläkaren) Joseph Borkowski menar dock att hjältinnan, att döma av ansiktsuttrycket, har tappat många tänder. När hon undersökte förstorade fotografier av mästerverket hittade Borkowski också ärr runt hennes mun. "Hon ler så mycket just på grund av det som hände henne", tror experten. "Hennes ansiktsuttryck är typiskt för människor som har tappat sina framtänder."

Major på ansiktskontroll

Pavel Fedotov, majorens matchmaking, 1848.

Allmänheten, som först såg målningen "Major's Matchmaking", skrattade hjärtligt: ​​konstnären Fedotov fyllde den med ironiska detaljer som var förståeliga för den tidens tittare. Till exempel är majoren uppenbarligen inte bekant med reglerna för ädel etikett: han dök upp utan de rätta buketterna för bruden och hennes mor. Och bruden själv släpptes ut av sina köpmansföräldrar i en aftonklänning, fast det var dagtid (alla lampor i rummet släcktes). Flickan provade uppenbarligen en lågt skuren klänning för första gången, skäms och försöker fly till sitt rum.

Varför frihet är naken

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Liberty at the Barricades, 1830.

Enligt konsthistorikern Etienne Julie målade Delacroix ansiktet på en kvinna från den berömda parisiska revolutionären - tvätterskan Anna-Charlotte, som gick till barrikaderna efter sin brors död i händerna på kungliga soldater och dödade nio gardister. Konstnären avbildade henne barbröst. Enligt hans plan är detta en symbol för oräddhet och osjälviskhet, såväl som demokratins triumf: nakna bröst visar att Svoboda, som en allmänning, inte bär en korsett.

icke kvadratisk kvadrat

Kazimir Malevich, Black Suprematist Square, 1915.

Faktum är att den "svarta fyrkanten" inte är alls svart och inte alls kvadratisk: ingen av sidorna på fyrkanten är parallell med någon av dess andra sidor, och ingen av sidorna av den fyrkantiga ramen som ramar in bilden. A mörk färg– Det här är resultatet av att blanda olika färger, bland vilka det inte fanns något svart. Man tror att detta inte var författarens försumlighet, utan en principiell position, önskan att skapa en dynamisk, mobil form.

Specialister från Tretyakov Gallery har upptäckt författarens inskription på en berömd målning av Malevich. Inskriptionen lyder: "Slaget om negrerna i en mörk grotta." Denna fras hänvisar till namnet på den lekfulla målningen av den franske journalisten, författaren och konstnären Alphonse Allais "Slaget om negrerna i en mörk grotta i nattens död", som var en absolut svart rektangel.

Melodrama av den österrikiska Mona Lisa

Gustav Klimt, "Porträtt av Adele Bloch-Bauer", 1907.

En av Klimts mest betydelsefulla målningar föreställer den österrikiske sockermagnaten Ferdinand Bloch-Bauers hustru. Hela Wien diskuterade Adeles stormiga romantik och känd konstnär. Den skadade maken ville hämnas på sina älskare, men valde en mycket ovanligt sätt: han bestämde sig för att beställa ett porträtt av Adele åt Klimt och få honom att göra hundratals skisser tills konstnären börjar bli av med henne.

Bloch-Bauer ville att arbetet skulle pågå i flera år, och modellen kunde se hur Klimts känslor försvinner. Han gjorde ett generöst erbjudande till konstnären, som han inte kunde vägra, och allt visade sig enligt scenariot för den lurade mannen: arbetet avslutades på 4 år, älskande hade länge svalnat mot varandra. Adele Bloch-Bauer fick aldrig reda på att hennes man var medveten om hennes förhållande till Klimt.

Målningen som väckte Gauguin tillbaka till livet

Paul Gauguin, "Var kommer vi ifrån? Vilka är vi? Vart är vi på väg?", 1897-1898.

Gauguins mest kända duk har en egenskap: den "läses" inte från vänster till höger, utan från höger till vänster, som kabbalistiska texter som konstnären var intresserad av. Det är i denna ordning som allegorin om en persons andliga och fysiska liv utvecklas: från själens födelse (ett sovande barn i det nedre högra hörnet) till oundvikligheten av dödstimmen (en fågel med en ödla i dess klor i det nedre vänstra hörnet).

Målningen målades av Gauguin på Tahiti, dit konstnären flydde från civilisationen flera gånger. Men den här gången fungerade inte livet på ön: total fattigdom ledde honom till depression. Efter att ha avslutat duken, som skulle bli hans andliga testamente, tog Gauguin en låda arsenik och gick till bergen för att dö. Han beräknade dock inte dosen, och självmordet misslyckades. Nästa morgon vacklade han till sin hydda och somnade, och när han vaknade kände han en bortglömd törst efter livet. Och 1898 gick hans angelägenheter uppåt, och en ljusare period började i hans arbete.

112 ordspråk i en bild

Pieter Brueghel den äldre, "Nederländernas ordspråk", 1559

Pieter Brueghel den äldre skildrade ett land bebott av bokstavliga bilder av dåtidens holländska ordspråk. Det finns ungefär 112 igenkännbara idiom i den målade bilden. En del av dem används än idag, som "simma mot strömmen", "bank huvudet i väggen", "beväpnade till tänderna" och "stora fiskar äter små".

Andra ordspråk speglar mänsklig dumhet.

Konstens subjektivitet

Paul Gauguin, bretonsk by under snön, 1894

Gauguins målning "Breton Village in the Snow" såldes efter författarens död för endast sju franc och dessutom under namnet "Niagarafallen". Auktionsförrättaren hängde av misstag tavlan upp och ner efter att ha sett ett vattenfall i den.

dold bild

Pablo Picasso, Det blå rummet, 1901

2008 visade infraröd att en annan bild gömdes under "Blå rummet" - ett porträtt av en man klädd i kostym med en fjäril och vilande huvudet på handen. ”Så fort Picasso hade ny idé, tog han upp borsten och förkroppsligade den. Men han hade inte möjlighet att köpa en ny duk varje gång musan besökte honom”, förklarar möjlig orsak denna konsthistoriker Patricia Favero.

Otillgängliga marockanska kvinnor

Zinaida Serebryakova, naken, 1928

En dag fick Zinaida Serebryakova ett frestande erbjudande - att gå på en kreativ resa för att skildra de nakna figurerna av orientaliska jungfrur. Men det visade sig att det helt enkelt var omöjligt att hitta modeller på de platserna. En tolk för Zinaida kom till undsättning - han förde sina systrar och sin brud till henne. Ingen före och efter det kunde fånga de slutna orientaliska kvinnorna nakna.

Spontan insikt

Valentin Serov, "Porträtt av Nicholas II i en jacka", 1900

Under en lång tid Serov kunde inte måla ett porträtt av tsaren. När artisten helt gav upp bad han Nikolai om ursäkt. Nikolai blev lite upprörd, satte sig vid bordet och sträckte ut händerna framför sig ... Och så gick det upp för konstnären - här är han! En enkel militär i officersjacka med klara och sorgsna ögon. Detta porträtt anses vara den bästa skildringen av den siste kejsaren.

Återigen tvåa

© Fedor Reshetnikov

Den berömda målningen "Again deuce" är bara den andra delen av den konstnärliga trilogin.

Den första delen är "Anlände till semestern." Uppenbarligen en välbärgad familj, vinterlov, en glad utmärkt student.

Den andra delen är "Again the deuce". En fattig familj från utkanten av arbetarklassen, höjden av läsåret, en tråkig bedövare som återigen tog tag i en tvåa. Till vänster övre hörnet bilden "Ankom till semestern" syns.

Den tredje delen är "Omtentamen". Landsbygdshus, sommar, alla går, en illvillig okunnig som misslyckades med det årliga provet tvingas sitta inom fyra väggar och proppa. I det övre vänstra hörnet kan du se bilden "Again deuce".

Hur mästerverk föds

Joseph Turner, Rain, Steam and Speed, 1844

År 1842 reste fru Simon med tåg i England. Plötsligt började ett kraftigt skyfall. Den äldre herrn som satt mitt emot henne reste sig, öppnade fönstret, stack ut huvudet och stirrade så i ungefär tio minuter. Kvinnan kunde inte hålla tillbaka sin nyfikenhet och öppnade också fönstret och tittade fram. Ett år senare upptäckte hon målningen "Rain, Steam and Speed" på en utställning på Royal Academy of Arts och kunde i den känna igen själva avsnittet på tåget.

Anatomi lektion från Michelangelo

Michelangelo, Adams skapelse, 1511

Ett par amerikanska neuroanatomiexperter tror att Michelangelo faktiskt lämnade några anatomiska illustrationer i ett av sina mest kända verk. De tror att en enorm hjärna är avbildad på höger sida av bilden. Överraskande nog kan även komplexa komponenter som lillhjärnan, synnerverna och hypofysen hittas. Och det medryckande gröna bandet matchar perfekt platsen för kotartären.

Nattvarden av Van Gogh

Vincent van Gogh, Nattterrass kafé", 1888

Forskaren Jared Baxter tror att Van Goghs Café Terrace at Night innehåller en dedikation till Leonardo da Vincis Nattvarden. I mitten av bilden står en servitör med långt hår och i en vit tunika, som påminner om Kristi kläder, och runt honom exakt 12 cafébesökare. Baxter uppmärksammar också korset, som ligger direkt bakom ryggen på servitören i vitt.

Dalis bild av minnet

Salvador Dali, Minnets persistens, 1931

Det är ingen hemlighet att tankarna som besökte Dali under skapandet av hans mästerverk alltid var i form av mycket realistiska bilder, som konstnären sedan överförde till duken. Så, enligt författaren själv, målades målningen "The Persistence of Memory" som ett resultat av associationer som uppstod vid åsynen av smältost.

Vad skriker Munch om

Edvard Munch, "Skriet", 1893.

Munch talade om uppkomsten av sin idé om en av de mest mystiska målningar i världsmålning: "Jag gick längs en stig med två vänner - solen gick ner - plötsligt blev himlen blodröd, jag pausade, kände mig utmattad och lutade mig mot stängslet - jag tittade på blodet och lågorna över det blåaktiga- svarta fjorden och staden - mina vänner fortsatte, och jag stod och darrade av upphetsning och kände det ändlösa skriket genomträngande naturen. Men vilken typ av solnedgång kan skrämma konstnären så?

Det finns en version att idén om "Scream" föddes av Munch 1883, när det var flera starkaste utbrott av Krakatoa-vulkanen - så kraftfulla att de ändrade temperaturen på jordens atmosfär med en grad. En riklig mängd damm och aska spred sig över hela jordklotet och nådde till och med så långt som till Norge. Flera kvällar i rad såg solnedgångarna ut som om apokalypsen var på väg att komma – en av dem blev en inspirationskälla för konstnären.

Författare bland folket

Alexander Ivanov, "Kristi framträdande för folket", 1837-1857.

Dussintals barnvakter poserade för Alexander Ivanov för hans huvudbild. En av dem är känd inte mindre än konstnären själv. I bakgrunden, bland resenärer och romerska ryttare som ännu inte hört Johannes Döparens predikan, kan man lägga märke till en karaktär i brun tunika. Hans Ivanov skrev med Nikolai Gogol. Författaren kommunicerade nära med konstnären i Italien, särskilt i religiösa frågor, och gav honom råd under målningsprocessen. Gogol trodde att Ivanov "för länge sedan hade dött för hela världen, utom för sitt arbete."

Michelangelos gikt

Raphael Santi, Atens skola, 1511.

Genom att skapa den berömda fresken "The School of Athens" förevigade Raphael sina vänner och bekanta i bilder av antika grekiska filosofer. En av dem var Michelangelo Buonarroti "i rollen" som Herakleitos. Under flera århundraden höll fresken hemligheterna i Michelangelos personliga liv, och moderna forskare har föreslagit att konstnärens märkligt kantiga knä indikerar att han har en ledsjukdom.

Detta är ganska troligt, med tanke på särdragen i livsstilen och arbetsförhållandena för renässanskonstnärer och Michelangelos kroniska arbetsnarkoman.

Arnolfinis spegel

Jan van Eyck, "Porträtt av Arnolfinis", 1434

I spegeln bakom Arnolfinis kan du se reflektionen av ytterligare två personer i rummet. Troligtvis är dessa vittnen närvarande vid avtalets ingående. En av dem är van Eyck, vilket framgår av den latinska inskriptionen placerad, tvärtemot tradition, ovanför spegeln i kompositionens mitt: "Jan van Eyck var här." Så var kontrakten vanligtvis förseglade.

Hur ett fel förvandlades till en talang

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Självporträtt vid 63 års ålder, 1669.

Forskaren Margaret Livingston studerade alla Rembrandts självporträtt och fann att konstnären led av skelning: i bilderna ser hans ögon åt olika håll, vilket inte observeras i porträtten av andra människor av mästaren. Sjukdomen ledde till att konstnären bättre kunde uppfatta verkligheten i två dimensioner än människor med normal syn. Detta fenomen kallas "stereoblindhet" - oförmågan att se världen i 3D. Men eftersom målaren måste arbeta med en tvådimensionell bild var det just denna brist hos Rembrandt som kunde vara en av förklaringarna till hans fenomenala talang.

Syndfri Venus

Sandro Botticelli, Venus födelse, 1482-1486.

Före tillkomsten av The Birth of Venus, bilden av den nakna kvinnlig kropp i målningen symboliserade den bara idén om arvssynden. Sandro Botticelli var den första europeiska målare som inte hittade något syndigt i honom. Dessutom är konstkritiker säkra på att den hedniska kärleksgudinnan symboliserar på fresken kristen bild: hennes utseende är en allegori över själens återfödelse som har passerat dopriten.

Lutspelare eller lutspelare?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, lutspelaren, 1596.

Länge ställdes målningen ut i Eremitaget under titeln "Lutspelare". Först i början av 1900-talet var konsthistoriker överens om att duken fortfarande föreställer en ung man (förmodligen poserades Caravaggio av sin vän konstnären Mario Minniti): på tonerna framför musikern, en inspelning av basdelen av madrigalen av Jacob Arcadelt "Du vet att jag älskar dig" är synlig . En kvinna skulle knappast kunna göra ett sådant val - det är bara jobbigt för halsen. Dessutom ansågs lutan, liksom fiolen alldeles i kanten av bilden, vara ett manligt instrument under Caravaggios tidevarv.

23.04.2017 20:25 426

Vem målade de allra första tavlorna.

Älskar du att rita? Troligtvis blir svaret "ja". Och visst har du redan varit på museet, där det hålls utställningar med målningar. Och kanske ställde de till och med vuxna en sådan fråga - "Vem var författaren till den allra första målningen i världen."

De allra första konstnärerna på jorden kan med rätta anses vara Uråldrigt folk som bodde i grottorna. I södra Frankrike, liksom i Spanien, har forskare upptäckt färgteckningar av djur målade på väggarna i grottor.

Enligt arkeologer kunde dessa bilder ritas cirka 20-30 tusen år före vår tideräkning. Forntida människor avbildade vilda djur som omgav dem.

Överraskande nog är många av teckningarna välbevarade trots en sådan antik. Detta blev möjligt eftersom grottorna som lagrar primitivt måleri, i många århundraden var inte kända för människor.

Även i Afrika och i östra Spanien har man hittat ganska ofullständigt avbildade människofigurer. Men deras poser var som om de levde.

Primitiva konstnärer använde olika ljusa färger i sina teckningar. Jordockra fungerade som färgämnen - järnoxid (eller helt enkelt rost) av olika nyanser - från ljusgul till mörkorange. Mangan är också ett metallelement.

Dessa ämnen krossades av forntida människor till pulver, blandades sedan med fett eller animaliskt fett, varefter de applicerades på grottans väggar med något som liknade borstar.

Men de första människorna hade också liknande enheter moderna pennor. De var träpinnar fyllda med färgämnen, som tidigare maldes till pulver och blandades med ister.

Och dessutom använde de skarpslipade flintmejslar för att skrapa linjer. De gamla invånarna på vår planet gjorde penslar för att rita från djurhår eller växtfibrer.

I Forntida Egypten primitiva konstnärer skapade målningar för att dekorera pyramiderna, såväl som faraonernas och andra viktiga personers gravar.

På gravarnas väggar förevigade konstnärer scener från livet för en ädel person som begravdes där med sina konstverk. För detta ändamål använde forntida egyptiska målare akvarellfärger och vitt.

Övrig uråldrig civilisation- Aegean, nådde också stora framgångar i utvecklingen av målarkonsten. Egeiska konstnärer skapade i en fri och graciös stil.

I målningarna avbildade de djur, blommor, livet i det marina livet. Och även temat för deras verk var sportspel. De skapade sina teckningar på våt gips. Numera kallas denna typ av målning fresk.

Som ni kan se killar har konsten att rita och måla en mycket gammal historia.

3 december 1961 på New York Museum Modern konst en betydande händelse ägde rum - Matisse-målningen "Båten", som hängde upp och ner i 46 dagar, hängdes ordentligt. Det är värt att säga att detta inte är ett enda underhållande fall förknippat med målningar av stora konstnärer.

Pablo Picasso målade ett av sina berömda porträtt på mindre än 5 minuter

En gång sa en av Pablo Picassos bekanta, som tittade på hans nya verk, uppriktigt till konstnären: "Jag är ledsen, men jag kan inte förstå det här. De sakerna finns helt enkelt inte." Till vilket Picasso svarade: "Du förstår inte heller kinesiska. Men det finns fortfarande." Picasso var dock inte förstådd av många. En gång föreslog han den ryske författaren Ehrenburg, hans god vän, måla hans porträtt. Han gick glatt med, men hann inte sitta i en fåtölj för att posera, eftersom artisten meddelade att allt var klart.

Ehrenburg uttryckte förvåning över hur snabbt arbetet utfördes, trots allt hade det gått mindre än 5 minuter, varpå Picasso svarade: "Jag har känt dig i 40 år. Och alla dessa 40 år lärde jag mig att måla porträtt på 5 minuter.

Ilya Repin hjälpte till att sälja en tavla han inte målade

En dam köpte på marknaden för endast 10 rubel en helt medioker målning, på vilken signaturen "I. Repin" stolt prunkade. När en kännare av målning visade detta arbete för Ilya Efimovich, skrattade han och la till "Detta är inte Repin" och satte sin autograf. Efter en tid sålde den driftiga damen tavlan okänd artist med autografen av den store mästaren redan för 100 rubel.

Björnarna i den berömda målningen av Shishkin målades av en annan konstnär

Bland konstnärer finns en outtalad lag - professionell ömsesidig hjälp. När allt kommer omkring har var och en av dem inte bara favorithistorier och styrkor, men också svaga punkter så varför inte hjälpa varandra. Så det är säkert känt att för målningen "Pushkin on the Seashore" av Aivazovsky målades den stora poetens gestalt av Repin och för målningen av Levitan "Autumn Day. Sokolniki, en dam i svart målades av Nikolai Tjechov. Landskapsmålaren Shishkin, som kunde rita varje grässtrå och nålar i sina målningar, när han skapade målningen "Morgon i tallskog"björnar visade sig inte på något sätt. Därför målade Savitsky björnar för den berömda Shishkin-duken.

En bit fiberskiva, över vilken man helt enkelt hällde färg, blev en av de dyraste målningarna

Den dyraste målningen i världen 2006 var Jackson Polocks nummer 5, 1948. På en av auktionerna gick målningen för 140 miljoner dollar. Det kan verka roligt, men konstnären "besvär sig" inte särskilt med skapandet av den här bilden: han hällde helt enkelt färg över en bit fiberskiva, utspridda på golvet.

Datumet för skapandet av hans målning Rubens krypterad av stjärnorna

Konstkritiker och forskare kunde under lång tid inte fastställa datumet för skapandet av en av de mest kända målningar Rubens - målningen "Gudarnas högtid på Olympen". Gåtan löstes först efter att astronomer tittade närmare på bilden. Det visade sig att karaktärerna på bilden var placerade i exakt samma ordning som planeterna var placerade på himlen 1602.

Chupa-Chups logotyp ritades av den världsberömda surrealisten

1961 bad Enrique Bernata, ägaren till Chupa Chups-företaget, konstnären Salvador Dali att komma med en bild för en godisförpackning. Gav begäran uppfylld. Idag känns den här bilden, om än i något modifierad form, igen på företagets lussebullar.

Det är värt att notera att den 1967 i Italien, med påvens välsignelse, släpptes med illustrationer av Salvador Dali.

Den dyraste målningen Mjöl ger olycka

Munchs målning "Skriet" såldes på auktion för 120 miljoner dollar och är idag den dyraste målningen av denna konstnär. Munch sägs till livsväg som - en serie tragedier, lägger så mycket sorg i det att bilden absorberade negativ energi och hämnas på förövarna.

En av de anställda på Munchmuseet tappade på något sätt tavlan av misstag, varefter han började drabbas av fruktansvärd huvudvärk som ledde den här mannen till självmord. En annan anställd på museet, som inte kunde hålla tavlan, råkade ut för en fruktansvärd bilolycka bara några dagar senare. Och en besökare på museet, som lät sig röra målningen, brann efter en tid levande i en eld. Det är dock möjligt att detta bara är tillfälligheter.

Malevichs "Black Square" har en "äldre bror"

"Black Square", vilket kanske är mest berömd målning Kazimir Malevich, är en duk 79,5 * 79,5 centimeter, på vilken en svart fyrkant är avbildad på en vit bakgrund. Malevich målade sin målning 1915. Och redan 1893, 20 år innan Malevich, ritade Alphonse Allais, en fransk humorist, sin "svarta fyrkant". Visserligen hette Alles målning "Slaget om neger i en djup grotta en mörk natt".

Kristus och Judas har samma ansikte i Da Vincis målning

Det sägs att skapandet av målningen "Nattvarden" krävde titaniska ansträngningar från Leonardo da Vinci. Konstnären hittade snabbt den person från vilken bilden av Kristus målades. En av kyrkokörssångarna närmade sig denna roll. Men "Judas" da Vinci letade efter tre år.

Väl på gatan såg artisten en fyllare som utan framgång försökte ta sig ur avloppsbrunnen. Da Vinci tog honom till ett av dryckesställena, satte honom ner och började rita. Vad var artistens överraskning när fylleristen, efter att ha öppnat upp sig, erkände att han redan för flera år sedan hade poserat för honom. Det visade sig att det här är samma sångare.

Nunnan av Ilya Repin

Ilja Repin. Nunna. 1878. Statens Tretjakovgalleri / Porträtt under röntgen

En ung flicka i strikta klosterkläder tittar eftertänksamt på betraktaren från porträttet. Bilden är klassisk och välbekant – den hade förmodligen inte väckt intresse bland konstkritiker om det inte vore för memoarerna från Lyudmila Alekseevna Shevtsova-Spore, systerdottern till Repins fru. De har en intressant historia.

Sophia Repina, född Shevtsova, poserade för Ilya Repin för The Nun. Flickan var konstnärens svägerska - och vid ett tillfälle var Repin själv allvarligt förälskad i henne, men gifte sig med henne yngre syster Tro. Sophia blev också fru till Repins bror - Vasily, en orkestermedlem i Mariinsky Theatre.

Detta hindrade inte konstnären från att upprepade gånger måla porträtt av Sophia. För en av dem poserade flickan i en ceremoniell balsal: en lätt elegant klänning, spetsärmar, högt hår. Under arbetet med målningen grälade Repin allvarligt med modellen. Alla kan som bekant förolämpa en artist, men få kan ta revansch så uppfinningsrik som Repin gjorde. Den kränkta konstnären "klädde" Sophia i porträttet i klosterkläder.

Historien, som liknar ett skämt, bekräftades av en röntgen. Forskarna hade tur: Repin rensade inte bort originalet färgskikt, vilket gjorde det möjligt för oss att i detalj överväga hjältinnans ursprungliga outfit.

"Park Alley" av Isaac Brodsky

Isaac Brodsky. Park gränd. 1930. Privat samling / Isaac Brodsky. Park gränd i Rom. 1911

Inte mindre än intressant gåta lämnat till forskare av Repins elev - Isaac Brodsky. Tretyakovgalleriet har hans målning "Park Alley", vilket vid första anblicken är omärkligt: ​​Brodsky hade många verk på temat "park". Men ju längre in i parken - desto mer färgglada lager.

En av forskarna märkte att kompositionen av bilden misstänkt liknade ett annat verk av konstnären - "Park Alley in Rome" (Brodsky var snål med originaltitlar). Denna målning ansågs förlorad under lång tid, och dess reproduktion publicerades endast i en ganska sällsynt upplaga av 1929. Med hjälp av en röntgen hittades en romersk gränd som mystiskt hade försvunnit – precis under den sovjetiska. Konstnären rensade inte bort den redan färdiga bilden och gjorde helt enkelt ett antal enkla förändringar i den: han klädde förbipasserande på samma sätt som 30-talet av XX-talet, "tog bort" serso från barn, tog bort marmor statyer och modifierade träden lite. Så den soliga italienska parken med ett par lätta handrörelser förvandlades till en föredömlig sovjetisk sådan.

På frågan om varför Brodsky bestämde sig för att gömma sin romerska gränd, hittade de inget svar. Men man kan anta att skildringen av "bourgeoisins blygsamma charm" redan 1930 var olämplig ur ideologisk synvinkel. Ändå, av alla Brodskys postrevolutionära landskapsverk, är "Park Alley" det mest intressanta: trots förändringarna behöll bilden modernitetens charmiga elegans, som tyvärr inte längre fanns i den sovjetiska realismen.

"Morgon i en tallskog" av Ivan Shishkin

Ivan Shishkin och Konstantin Savitsky. Morgon i en tallskog. 1889. Statens Tretjakovgalleri

Ett skogslandskap med ungar som leker på ett fallna träd är kanske mest anmärkningsvärt arbete konstnär. Det är bara idén om landskapet Ivan Shishkin fick en annan konstnär - Konstantin Savitsky. Han målade också en björn med tre ungar: björnar, en expert på skogen, Shishkin, lyckades inte på något sätt.

Shishkin förstod oklanderligt skogsfloran, märkte de minsta misstag i sina elevers ritningar - antingen är björkbarken inte avbildad på samma sätt, eller så ser tallen ut som en falsk. Men människor och djur i hans verk har alltid varit en sällsynthet. Det var här Savitsky kom till undsättning. Han lämnade förresten några förberedande ritningar och skisser med ungar - jag letade efter passande poser. "Morgon i en tallskog" var ursprungligen inte "morgon": målningen hette "Björnfamilj i skogen", och det fanns bara två björnar på den. Som medförfattare satte Savitsky sin signatur på duken.

När duken levererades till köpmannen Pavel Tretyakov blev han indignerad: han betalade för Shishkin (beställd författarens verk), men fick Shishkin och Savitsky. Shishkin, hur rättvis man, tillskrev sig inte författarskap. Men Tretjakov gick på principen och raderade hädiskt Savitskys signatur från bilden med terpentin. Savitsky vägrade senare ädelt upphovsrätt, och björnarna tillskrevs Shishkin under lång tid.

"Porträtt av en körflicka" av Konstantin Korovin

Konstantin Korovin. Porträtt av en refrängtjej. 1887. Statens Tretjakovgalleri / Porträttets baksida

På baksidan av duken hittade forskarna ett meddelande från Konstantin Korovin på kartong, som visade sig vara nästan mer intressant än själva målningen:

"1883 i Kharkov, ett porträtt av en körflicka. Skrivet på en balkong i en kommersiell offentlig trädgård. Repin sa, när den här skissen visades för honom av Mamontov S.I., att han, Korovin, skriver och letar efter något annat, men vad är det till för - det här är målning endast för att måla. Serov hade ännu inte målat porträtt vid den tiden. Och målningen av den här skissen befanns obegriplig??!! Så Polenov bad mig att ta bort den här skissen från utställningen, eftersom varken konstnärerna eller medlemmarna - herr Mosolov och några andra gillar den. Modellen var en ful kvinna, till och med något ful.

Konstantin Korovin

"Brevet" avväpnas med sin direkthet och djärva utmaning till hela konstnärliga samfundet: "Serov hade ännu inte målat porträtt vid den tiden" - men de målades av honom, Konstantin Korovin. Och han var påstås den förste att använda tekniker som är karakteristiska för den stil som senare skulle kallas rysk impressionism. Men allt detta visade sig vara en myt som konstnären skapade avsiktligt.

Den harmoniska teorin "Korovin - den ryska impressionismens föregångare" förstördes skoningslöst av objektiv teknisk och teknisk forskning. På framsidan av porträttet hittade de konstnärens signatur i färg, lite lägre - med bläck: "1883, Kharkov." I Kharkov arbetade konstnären i maj - juni 1887: han målade landskap för föreställningarna av den ryska privata Mamontov-operan. Dessutom fick konstkritiker reda på att "Porträttet av en refrängtjej" gjordes på ett visst konstnärligt sätt - a la prima. Denna teknik oljemålning får måla en bild i en session. Korovin började använda denna teknik först i slutet av 1880-talet.

Efter att ha analyserat dessa två inkonsekvenser kom de anställda på Tretyakov Gallery till slutsatsen att porträttet målades först 1887, och Korovin lade till ett tidigare datum för att betona sin egen innovation.

"Man and Cradle" av Ivan Yakimov

Ivan Yakimov. Man och vagga.1770. State Tretyakov Gallery / Full version arbete

Under lång tid förbryllade Ivan Yakimovs målning "En man och en vagga" konsthistoriker. Och poängen var inte ens att den här sortens vardagsskisser absolut inte är typiska för målning XVIIIårhundradet - gunghästen i bildens nedre högra hörn har ett rep som sträckts för onaturligt, vilket logiskt nog borde ha legat på golvet. Ja, och det var för tidigt för ett barn från vaggan att leka sådana leksaker. Dessutom passade den öppna spisen inte ens halvvägs på duken, vilket såg väldigt konstigt ut.

"Upplyst" situationen - i bokstavlig mening - röntgen. Hon visade att duken var skuren till höger och ovanpå.

I Tretjakovgalleriet målningen kom efter försäljningen av samlingen av Pavel Petrovich Tugogoi-Svinin. Han ägde det så kallade "Ryska museet" - en samling målningar, skulpturer och antikviteter. Men 1834, på grund av ekonomiska problem, var samlingen tvungen att säljas - och målningen "En man och en vagga" hamnade i Tretjakovgalleriet: inte alla, utan bara dess vänstra halva. Den rätta gick tyvärr förlorad, men du kan fortfarande se verket i sin helhet, tack vare en annan unik utställning från Tretjakovgalleriet. Den fullständiga versionen av Yakimovs verk hittades i albumet "Samling av utmärkta verk ryska konstnärer and Curious Domestic Antiquities”, som innehåller teckningar från de flesta målningar som ingick i Svininsamlingen.