บ้าน › ระบบเบรค › ประเพณีโอเปร่า กำเนิดและพัฒนาการของงิ้ว

ประเพณีโอเปร่า กำเนิดและพัฒนาการของงิ้ว

นอกจากนี้ ผู้กำกับในฐานะทุกคนต้องเข้าใจว่าความคิดเห็นของเขาและสิ่งที่เขาคิดว่าเป็นความจริงนั้นไม่จำเป็นต้องเป็นความจริง และความคิดเห็นของเขาก็ไม่จำเป็นต้องโน้มน้าวใจทุกคน กล่าวโดยย่อ ความจริงที่แท้จริงไม่เท่ากับสิ่งที่คุณคิดในตอนนี้ หากไม่คำนึงถึงสิ่งนี้ คุณจะไม่สามารถเป็นผู้สมรู้ร่วมคิดในการสนทนาได้ คุณจะเป็นผู้ให้คำปรึกษาที่สูงเกินจริง

ความคิดอยู่ในอากาศและไม่จำเป็นต้องใส่ไว้ในสูตรทางวาจาเพื่อค้นหาตราประทับทางวลี แนวคิดของการแสดงนั้นส่วนใหญ่เกิดขึ้นระหว่างการแสดง ความรู้สึกการรับรู้ ระบบเป็นรูปเป็นร่างจะให้กำเนิดสิ่งที่สำคัญที่สุดในงานศิลปะ - ความเข้าใจทางจิตวิญญาณของชีวิตการรับรู้และความเข้าใจของมัน ล้วนเป็นผลมาจากความร่วมแรงร่วมใจของทีมงานสร้างผลงานและร่วมสร้างสรรค์กระบวนการแสดงกับประชาชน

และยังมีอีกหนึ่งคุณสมบัติที่ผู้กำกับโอเปร่าควรมี นั่นคือ ความอดทน. เรากล่าวว่าเจ้าของ เสียงร้องมักไม่มี "คอมเพล็กซ์แห่งความสุข" นั่นคือคุณสมบัติทั้งหมดที่เราคาดหวังจากศิลปิน เนื่องจากความแก่ก่อนวัยตามสถานการณ์ของการเลี้ยงดูและการฝึกอบรมที่เราทราบกันดีอยู่แล้ว ศิลปินโอเปร่าไม่เห็นโอกาสที่จะพัฒนาความสามารถของตนเองอย่างอิสระเสมอไป เขาไม่ได้ต้องการสิ่งนี้เสมอไป มันเกิดขึ้นที่สิ่งนี้เป็นเหตุผลในการ จำกัด การพัฒนาความสามารถของศิลปินและความสามารถเล็กน้อยในการรวมสิ่งที่ได้รับ ผู้กำกับในนามของความสำเร็จของโรงละครและตัวศิลปินเองถูกบังคับให้เติมคุณภาพของความสามารถในการทำงานและความต้องการตนเองที่ศิลปินขาดด้วยความเพียรพยายาม พัฒนาความเป็นมืออาชีพในนั้น

เกี่ยวกับเรื่องนี้ ฉันมักจะเล่าตัวอย่างศิลปินจากชีวประวัติ นักร้องที่มีชื่อเสียง Pauline Viardot. ตัวละครหลักของเรื่องนี้คือนักดนตรีและนักร้อง Manuel Garcia ที่คุณรู้จักอยู่แล้ว อย่างที่คุณจำได้เขาเป็นพ่อของ Polina “ครั้งหนึ่งเขาขอให้เธอ (P. Viardot) อ่านบทละครที่เขาเพิ่งเขียนจากแผ่น Polina เล่นอย่างเสียสมาธิและทำผิดพลาดสองครั้ง พ่อของเธอดุเธอ และเธอก็เล่นทุกอย่างอย่างไม่มีที่ติ จนเธอถูกตบหน้า “ทำไมคุณถึงไม่สนใจทันที? มานูเอลตะโกน “คุณทำให้ฉันโกรธ บังคับให้ฉันตบ และคุณเองก็เจ็บปวด”

บ่อยครั้งในการซ้อมการแสดงโอเปร่า ศิลปินมักประมาท โดยไม่รู้ว่ามันเป็นอันตรายต่ออาชีพของเขาและเป็นอันตรายต่อการแสดง บ่อยครั้งที่ทุกอย่างเต็มไปด้วยเรื่องตลกเล็ก ๆ น้อย ๆ ซึ่งจะทำให้งานหลักของการซ้อมเปลี่ยนไป ผู้กำกับที่ล้มเหลวในการทำให้นักแสดงทำงานไม่ค่อยประสบความสำเร็จ

คุณไม่สามารถคิดได้ว่างานของผู้กำกับเกิดขึ้นในบรรยากาศของความเข้าใจ ความกระตือรือร้น และความขยันหมั่นเพียรร่วมกัน บ่อยครั้งที่นักแสดงไม่เข้าใจผู้กำกับเนื่องจากความรู้ไม่เพียงพอเกี่ยวกับหลักการของศิลปะโอเปร่า บ่อยครั้งที่นักแสดงต้องทนทุกข์ทรมานขณะทำงานกับ "ผู้กำกับที่น่ารำคาญ" ทักษะการสอนของผู้กำกับ ความสามารถในการดึงดูดใจ ความสนใจ และแม้กระทั่งการหลอกลวงนักแสดงควรเข้ามามีส่วนร่วมด้วย นักแสดงมากประสบการณ์ยังพยายามหลอกลวงผู้กำกับด้วยการละทิ้งการตัดสินใจกำกับที่เข้าใจยาก การหลอกลวงร่วมกันเหล่านี้ ซึ่งส่วนใหญ่มักจะเห็นได้ชัดสำหรับทั้งสองฝ่าย บางครั้งก็เป็นที่มาของการแก้ปัญหาทางศิลปะร่วมกัน และบางครั้งก็ก่อตัวเป็นกำแพงระหว่างผู้กำกับและนักแสดง นี่คือจุดที่ความอดทนและความอดทนของผู้กำกับเข้ามามีบทบาท

การแสดงโอเปร่าเป็นอย่างไร

บางทีคุณอาจสงสัยว่าการแสดงโอเปร่าจัดฉากอย่างไร? ลองนึกภาพว่าโรงละครตัดสินใจที่จะแสดงโอเปร่า มีเสียงในโรงละครที่สามารถร้องเพลงโอเปร่านี้ได้หรือไม่? หากมีการลงมติดังกล่าว คณะกรรมการจะออกคำสั่งกำหนดองค์ประกอบของนักแสดง ผู้กำกับ และระยะเวลาในการปล่อยการแสดง

งานได้เริ่มขึ้นแล้ว นักเปียโน-นักเล่นคอนเสิร์ตจะสอนส่วนต่างๆ ของพวกเขากับศิลปิน ผู้กำกับ ผู้ควบคุมวง และศิลปินกำลังพูดคุยเกี่ยวกับผลงาน การกำหนดความหมายหลัก และวิธีการแสดงจะถูกจัดฉาก

คณะนักร้องประสานเสียงเรียนรู้ส่วนต่างๆ กับหัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียง ศิลปินวาดภาพร่างทิวทัศน์และเครื่องแต่งกาย สร้างเลย์เอาต์ทิวทัศน์กับนักออกแบบเลย์เอาต์ มีการหารือและยอมรับโดยสภาศิลปะและฝ่ายบริหาร หลังจากนั้นการผลิตฉากจะเริ่มขึ้นในเวิร์กช็อป ในขณะเดียวกัน นักร้องได้เรียนรู้ส่วนของพวกเขาและได้รับการต้อนรับจากวาทยกร การยอมรับหมายถึงอะไร? ตรวจสอบความถูกต้อง ความชัดเจน ของการปฏิบัติงาน ก่อนหน้านี้วาทยกรบางคนทำงานร่วมกับนักร้องมาเป็นเวลานานและในรายละเอียดตอนนี้เกือบจะเป็นอดีตไปแล้วในระดับสากล (เห็นได้ชัดว่าตอนนี้ผู้ควบคุมวงรู้สึกถึงการเติบโตของหน้าที่ของผู้กำกับในการแสดงโอเปร่า มอบความกังวลให้กับเขาในเรื่องการแสดงออกของการร้องเพลง)

แต่ตอนนี้การเตรียมดนตรีสิ้นสุดลงแล้ว และนักร้องไปหาผู้กำกับที่ห้องซ้อม ซึ่งนักร้องจะได้รับการแสดงที่เหมาะสมสำหรับแต่ละตอน ซึ่งนักร้องจะต้องกลายเป็นนักแสดง ในห้องซ้อม การซ้อมจะเกิดขึ้นในพื้นที่เวทีที่กั้นรั้วอย่างแม่นยำเหมือนฉากในอนาคต จากนั้นคณะนักร้องประสานเสียงก็เข้าร่วมการแสดง การซ้อมบนเวที การเล่นเปียโน แต่ในทิวทัศน์

ขณะนี้วงดุริยางค์และวาทยกรเตรียมซ้อมทั่วไป หลังจากการซ้อมชุดหนึ่ง เมื่อเครื่องแต่งกาย การแต่งหน้า และอุปกรณ์ประกอบการแสดงนี้ค่อยๆ รวมเข้าด้วยกัน จะมีการซ้อมใหญ่ (ทุกอย่างควรจะเป็นไปตามนั้น เช่นเดียวกับการแสดงในอนาคต) และรอบปฐมทัศน์

รูปแบบการเตรียมการแสดงโอเปร่าดังกล่าวเป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไป เป็นประเพณีที่พัฒนามานานหลายทศวรรษ อย่างไรก็ตาม รูปแบบสุนทรียะใหม่ของการแสดงโอเปร่าจำเป็นต้องมีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญบางประการ ลองทำการปรับเปลี่ยนเหล่านี้กัน

หากมีเสียงในโรงละครที่สามารถแสดงคะแนนที่กำหนดได้ จำเป็นต้องดูว่าเจ้าของเสียงเหล่านี้มีลักษณะทางจิตและกายตรงกับตัวละครที่ศิลปินมอบหมายให้แสดงอย่างไร จำเป็นต้องค้นหาว่าการประนีประนอมเป็นไปได้หรือไม่ และการประนีประนอมเหล่านี้จะนำมาซึ่งประสิทธิภาพการทำงานอย่างไร ตัวอย่างเช่น การตัดสินใจของผู้กำกับเกี่ยวกับบทละครอาจทำให้ดยุกแห่งมานตัวในอนาคตมีความหนามากเกินไป หรือกระทบกระทั่งกับ การขาดงานทั้งหมดเยาวชนของนักแสดงที่เล่น Gilda

การศึกษาส่วนต่างๆ ของนักแสดงจะดีกว่าหลังจากการสนทนากับผู้กำกับเกี่ยวกับงาน ภารกิจของการแสดงในอนาคต คุณสมบัติ และแนวคิด แน่นอนว่าสิ่งนี้สามารถทำได้โดยทั่วไปเท่านั้น เนื่องจากงานของผู้ควบคุมวง ศิลปิน และนักแสดงเองจะส่งผลต่อการนำแนวคิดไปใช้ ควรสอนสื่อดนตรีโดยมีเป้าหมายสูงสุด

ไกลออกไป. ในบางครั้งผู้กำกับจะแนะนำให้เข้าร่วมบทเรียนเกี่ยวกับการเรียนรู้ส่วนต่าง ๆ ของนักแสดงเพื่อให้นักร้องจำเป็นต้องค้นหาน้ำเสียงที่เหมาะสม - สีของเสียงในที่เดียวหรืออีกส่วนหนึ่งซึ่งบอกเวที สถานการณ์ของผลการดำเนินงานในอนาคต ดังนั้นการเรียนรู้ดนตรีอย่างเป็นทางการจึงตรงกันข้ามกับจินตนาการของนักแสดง การท่องจำโน้ตที่ไม่สร้างสรรค์ในอนาคตจะเป็นเรื่องยากมากที่จะเอาชนะ

ในอดีต สถานการณ์บนเวทีทั้งหมดและสีที่แสดงออกของเสียงดูเหมือนจะติดอยู่กับโน้ตที่เรียนรู้อย่างเป็นทางการ และถ้าทำได้ มันก็จะปลุกจิตวิญญาณและความหมายในตัวมันขึ้นมา แต่การฝึกอบรมใหม่นี้ไม่สามารถทำได้สำหรับทุกคน เป็นการดีกว่าที่จะเรียนรู้เกมที่ไม่ใช่กลไก แต่อย่างมีความหมาย นั่นคือ คำนึงถึงสถานที่ เมื่อไร และสิ่งที่ตัวละครนี้ทำ มีทัศนคติอย่างไร ตัวละครของเขาเป็นอย่างไร ที่นี่ในห้องเรียน สิ่งที่เรียกว่าภาพเสียงดนตรีได้ถือกำเนิดขึ้น ซึ่งจะรวมเข้ากับการกระทำ การกระทำ และบุคคลที่มีชีวิตอย่างเป็นธรรมชาติ

การฝึกซ้อมนอกฉากที่กล่าวถึงก่อนหน้านี้ขยายหน้าที่ของพวกเขา นี่ไม่ใช่การดูดกลืนตำแหน่งและการกระทำของตัวละครในการแสดง - นี่คือการค้นหาพฤติกรรมอินทรีย์ของศิลปินในเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในการแสดง นี่คือปฏิสัมพันธ์ของตัวละครหลายตัวที่มีทัศนคติและการประเมินสิ่งที่เกิดขึ้นต่างกัน นี่คือการแสดงโดยรวม

อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ได้หมายความว่าผู้เข้าร่วมการซ้อมแต่ละคนดึงแนวทางของเขาและบดขยี้แนวคิดของผู้กำกับ แต่มีความสนใจร่วมกันในการแสดงออกของการกระทำผ่านการกระทำและการดำเนินการทุกรายละเอียด ไม่เพียงเฉพาะกับการมีส่วนร่วม แต่ภายใต้ ทิศทางของผู้กำกับ

ช่วงเวลาที่ยากลำบาก - การรวมทีมทั้งหมดเพื่อทำงานเดียว

องค์กรของโรงละครโอเปร่าสมัยใหม่ขนาดใหญ่จัดให้มีแผนกธุรการของทีมใหญ่ออกเป็นส่วน ๆ แยกจากกัน: ศิลปินเดี่ยว, คณะนักร้องประสานเสียง, วงออเคสตรา, บัลเล่ต์, วงดนตรีเลียนแบบ ฝ่ายธุรการนี้ทำให้ลักษณะทางวิชาชีพรุนแรงขึ้น ยืนยันขอบเขตของเทคนิคที่สร้างสรรค์

ส่วน: เทคโนโลยีการสอนทั่วไป

โรงละคร Bolshoi ซึ่งเป็นโรงละคร Bolshoi Theatre ของรัสเซีย ซึ่งเป็นโรงละครชั้นนำของรัสเซีย มีบทบาทที่โดดเด่นในการสร้างและพัฒนาประเพณีศิลปะโอเปร่าและบัลเลต์ประจำชาติ ต้นกำเนิดของมันเกี่ยวข้องกับความเฟื่องฟูของวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ด้วยการเกิดขึ้นและการพัฒนาของโรงละครมืออาชีพ

โรงละครแห่งนี้ก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2319 โดยเจ้าชาย P. V. Urusov ผู้ใจบุญชาวมอสโกและผู้ประกอบการ M. Medoks ซึ่งได้รับสิทธิพิเศษจากรัฐบาลในการพัฒนาธุรกิจการแสดงละคร คณะนี้ก่อตั้งขึ้นบนพื้นฐานของคณะละครมอสโกของ N. Titov ศิลปินละครของมหาวิทยาลัยมอสโกและนักแสดงที่เป็นทาส P. Urusov

ในปี ค.ศ. 1780 Medox สร้างขึ้นในมอสโกที่มุมถนน Petrovka ซึ่งเป็นอาคารที่กลายเป็นที่รู้จักในชื่อ Petrovsky Theatre เป็นโรงละครมืออาชีพถาวรแห่งแรก

Petrovsky Theatre of Medox มีอายุ 25 ปี - เมื่อวันที่ 8 ตุลาคม พ.ศ. 2348 อาคารถูกไฟไหม้ อาคารใหม่นี้สร้างโดย K.I. Rossi ที่ Arbat Square อย่างไรก็ตามมันเป็นไม้ถูกเผาในปี 1812 ระหว่างการรุกรานของนโปเลียน

ในปี 1821 การก่อสร้างโรงละครใหม่เริ่มขึ้น สถาปนิก Osip Bove เป็นผู้นำโครงการนี้

การก่อสร้างโรงละคร Bolshoi เป็นหนึ่งในสิ่งที่สำคัญที่สุด ผลงานที่สำคัญ Bove ผู้ซึ่งนำชื่อเสียงและเกียรติยศมาให้เขา

Bove Osip Ivanovich (พ.ศ. 2327-2377) - สถาปนิกชาวรัสเซียซึ่งเป็นตัวแทนของสไตล์เอ็มไพร์ เกิดในครอบครัวของศิลปินชาวอิตาลีโดยกำเนิด เขาเป็นศิลปินผู้เฉลียวฉลาดที่รู้วิธีผสมผสานความเรียบง่ายและความลงตัวของวิธีการจัดองค์ประกอบเข้ากับความซับซ้อนและความสวยงามของรูปแบบสถาปัตยกรรมและการตกแต่ง สถาปนิกมีความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับสถาปัตยกรรมรัสเซีย มีทัศนคติที่สร้างสรรค์ต่อประเพณีของชาติ ซึ่งกำหนดคุณสมบัติที่ก้าวหน้าหลายอย่างของงานของเขา

โรงละครสร้างเสร็จในปี พ.ศ. 2367 เมื่อวันที่ 6 มกราคม พ.ศ. 2368 การแสดงครั้งแรกจัดขึ้นในอาคารหลังใหม่

โรงละครบอลชอย เปตรอฟสกี ซึ่งในที่สุดกลายเป็นที่รู้จักง่ายๆ ในชื่อบอลชอย เป็นสถานที่จัดการแสดงรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า A Life for the Tsar และ Ruslan และ Lyudmila ของมิคาอิล กลินกา และบัลเลต์ La Sylphide, Giselle และ Esmeralda ก็จัดแสดงเกือบจะในทันทีหลังจากการแสดงรอบปฐมทัศน์ของยุโรป

โศกนาฏกรรมขัดขวางการทำงานของโรงละคร Bolshoi ชั่วขณะ: ในปี 1853 อาคารอันโอ่อ่าซึ่งออกแบบโดยสถาปนิก Beauvais ถูกไฟไหม้ที่พื้น ทิวทัศน์ เครื่องแต่งกาย เครื่องดนตรีหายาก ห้องสมุดดนตรีหายไป

อาคารใหม่ของโรงละครในสไตล์นีโอคลาสสิกสร้างโดยสถาปนิก Albert Kavos การเปิดตัวเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 20 สิงหาคม พ.ศ. 2399 โดยมีโอเปร่าเรื่อง The Puritani ของ V. Bellini

Kavos ทำการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในการตกแต่งส่วนหน้าหลักของอาคารโดยแทนที่ลำดับอิออนของเสาของระเบียงด้วยองค์ประกอบแบบผสม ส่วนบนของส่วนหน้าอาคารหลักก็มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเช่นกัน หน้าจั่วอีกอันหนึ่งปรากฏขึ้นเหนือระเบียงหลัก เหนือจั่วของมุข, เศวตศิลาควอดริกาของอพอลโลซึ่งหายไปในกองไฟ ถูกแทนที่ด้วยรูปปั้นที่ทำจากโลหะผสมที่หุ้มด้วยทองแดงสีแดง

ศิลปะการออกแบบท่าเต้นของรัสเซียได้สืบทอดประเพณีของบัลเลต์คลาสสิกของรัสเซีย ซึ่งมีคุณลักษณะหลักคือการวางแนวที่เหมือนจริง ประชาธิปไตย และมนุษยนิยม ข้อดีอย่างยิ่งในการอนุรักษ์และพัฒนาประเพณีเป็นของนักออกแบบท่าเต้นและศิลปินของ Bolshoi Theatre

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ในรัสเซียได้เข้ามาแทนที่ศิลปะและชีวิตของสังคมรัสเซียโดยพิจารณาจากคุณสมบัติหลักโดยผสมผสานคุณสมบัติของโรงเรียนตะวันตก (ฝรั่งเศสและอิตาลี) และการปั้นแบบรัสเซีย โรงเรียนบัลเลต์คลาสสิกของรัสเซียเริ่มก่อตัวขึ้นซึ่งรวมถึงประเพณีดังต่อไปนี้: การวางแนวที่เหมือนจริง ประชาธิปไตยและมนุษยนิยม ตลอดจนการแสดงออกและจิตวิญญาณของการแสดง

คณะละคร Bolshoi ครอบครองสถานที่พิเศษในประวัติศาสตร์ของบัลเล่ต์รัสเซีย หนึ่งในสองแห่งในโรงละครอิมพีเรียล มักจะอยู่เบื้องหลัง ปราศจากทั้งความสนใจและเงินอุดหนุน ได้รับความเคารพนับถือในฐานะ "ส่วนภูมิภาค" ในขณะเดียวกันบัลเล่ต์มอสโกก็มีใบหน้าของตัวเองซึ่งเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นมา ปลาย XVIIประเพณีศตวรรษที่ 1 มันถูกสร้างขึ้นในสภาพแวดล้อมทางวัฒนธรรมของเมืองหลวงรัสเซียโบราณ ขึ้นอยู่กับชีวิตของเมืองที่ซึ่งรากเหง้าของชาตินั้นแข็งแกร่งอยู่เสมอ ตรงกันข้ามกับเจ้าหน้าที่ของรัฐและศาลปีเตอร์สเบิร์กในมอสโกขุนนางและพ่อค้าชาวรัสเซียเก่าเป็นผู้กำหนดเสียงและในบางช่วงอิทธิพลของแวดวงมหาวิทยาลัยที่เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับโรงละครนั้นยอดเยี่ยมมาก

ความชอบพิเศษสำหรับธีมประจำชาติได้รับการบันทึกไว้ที่นี่มานานแล้ว ทันทีที่การแสดงเต้นรำครั้งแรกปรากฏขึ้นบนเวทีนักแสดงการเต้นรำพื้นบ้านก็ประสบความสำเร็จอย่างมาก ผู้ชมถูกดึงดูดด้วยโครงเรื่องที่ไพเราะ และการแสดงบัลเล่ต์มีค่าเหนือการเต้นรำที่บริสุทธิ์ คอเมดี้ได้รับความนิยมอย่างมาก

E. Ya Surits เขียนว่าประเพณีของ Bolshoi Ballet พัฒนาขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 19 ในลำไส้ของโรงละครมอสโกซึ่งมีลักษณะเฉพาะของตัวเองรวมถึงการออกแบบท่าเต้น จุดเริ่มต้นที่น่าทึ่งที่นี่มีความสำคัญเหนือโคลงสั้น ๆ เสมอ การกระทำภายนอกได้รับความสนใจมากกว่าภายใน ความขบขันกลายเป็นเรื่องขบขันได้อย่างง่ายดาย โศกนาฏกรรมกลายเป็นเรื่องประโลมโลก

บัลเล่ต์มอสโกโดดเด่นด้วยสีสันที่สดใส, การเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิกของเหตุการณ์, การปรับตัวละครให้เป็นรายบุคคล การเต้นรำได้รับการแต่งแต้มด้วยการเล่นละครอยู่เสมอ ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับศีลคลาสสิก เสรีภาพได้รับอนุญาตอย่างง่ายดาย: รูปแบบนามธรรมที่สวยงามของการเต้นรำเชิงวิชาการถูกทำลายลงที่นี่เพื่อเปิดเผยอารมณ์ การเต้นรำสูญเสียความเก่งกาจและดึงดูดบุคลิก มอสโกเป็นประชาธิปไตยและเปิดกว้างมากขึ้นซึ่งส่งผลต่อการแสดงละครและต่อมาคือลักษณะการแสดง ปีเตอร์สเบิร์กที่ดรายอิชเป็นทางการและถูกคุมขังชอบบัลเล่ต์ที่มีเนื้อหาโศกนาฏกรรมหรือนิทานปรัมปรา มอสโกวชอบการแสดงบัลเลต์แนวเมโลดราม่าและตลกขบขัน บัลเลต์ปีเตอร์สเบิร์กยังคงโดดเด่นด้วยความเข้มงวดแบบคลาสสิก วิชาการ การเต้นรำแบบเท้าแขน ในขณะที่บัลเล่ต์มอสโกมีความโดดเด่นในด้านความองอาจ การก้าวกระโดดอันทรงพลัง และความเป็นนักกีฬา

ความต้องการของผู้ชมในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกวแตกต่างกัน รวมถึงรูปแบบการแสดงที่แตกต่างกัน เป็นสิ่งที่นักออกแบบท่าเต้นที่ทำงานในเมืองหลวงทั้งสองแห่งสัมผัสได้มานานแล้ว ย้อนกลับไปในปี 1820 การแสดงของ Sh. L. Didlo เมื่อพวกเขาถูกย้ายไปมอสโคว์ถูกวิพากษ์วิจารณ์ว่ามีความเป็นธรรมชาติมากเกินไปและ และในปี 1869 เมื่อ Marius Petipa สร้างการแสดง Don Quixote ที่สนุกสนาน ซุกซน และสมจริงที่สุดของเขาที่โรงละคร Bolshoi เขาคิดว่ามันจำเป็นในอีกสองปีต่อมาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่จะต้องปรับปรุงใหม่อย่างสิ้นเชิง "ดอนกิโฆเต้" ครั้งแรกสร้างขึ้นเกือบทั้งหมดจากการเต้นรำของสเปน ในการพิมพ์ครั้งที่สอง แรงจูงใจในระบอบประชาธิปไตยจางหายไปเป็นพื้นหลัง: ใจกลางของบัลเล่ต์คือส่วนคลาสสิกที่งดงามของนักบัลเล่ต์ ตัวอย่างประเภทนี้พบได้ในประวัติศาสตร์ของบัลเล่ต์มอสโก

การก่อตัวของประเพณีของบัลเล่ต์แห่งชาติรัสเซียบนเวทีของโรงละคร Bolshoi มีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของนักออกแบบท่าเต้น Adam Pavlovich Glushkovsky ต่อมา - นักบัลเล่ต์ Ekaterina Sankovskaya, Nadezhda Bogdanova, Praskovya Lebedeva ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 - Lyubov Roslavleva, Adelaide Juri, Ekaterina Geltser, Vasily Tikhomirov, นักออกแบบท่าเต้น Alexander Gorsky

V. M. Pasyutinskaya เชื่อว่า A. P. Glushkovsky เป็นนักเต้นนักออกแบบท่าเต้นและครูที่มีความสามารถ เขาทำหลายอย่างเพื่อพัฒนาประเพณีที่โรแมนติกและสมจริงในโรงละครบัลเลต์รัสเซีย จัดการแสดงหลายครั้งในธีมของวรรณกรรมรัสเซีย เริ่มนำองค์ประกอบต่างๆ มาใช้ในโน้ตเพลงบัลเลต์อย่างกว้างขวาง การเต้นรำพื้นบ้าน. เขาอุทิศทั้งชีวิตให้กับศิลปะบัลเลต์ทิ้งความทรงจำอันมีค่าที่สุดในสมัยของ "เยาวชน" ของบัลเล่ต์มอสโก

บรรณานุกรม

Bakhrushin, Yu.A. ประวัติบัลเล่ต์รัสเซีย - ม.: การตรัสรู้, 2520. - 287p.
บ็อกดานอฟ-เบเรซอฟสกี, V.M. จี.เอส. อูลาโนวา - ม.: ศิลปะ 2504 - 179
แวนสลอฟ, วี.วี. บทความเกี่ยวกับบัลเล่ต์ - L.: ดนตรี 2523 - 2523
Krasovskaya, V.M. ประวัติบัลเล่ต์รัสเซีย - โด: 2008. - 312 วินาที.
เลวินสัน น. จ้าวแห่งบัลเลต์. บทความเกี่ยวกับประวัติและทฤษฎีนาฏศิลป์ - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2544 - 190
Pasyutinskaya, V.M. โลกเวทมนตร์เต้นรำ. - ม.: การตรัสรู้, 2528. - 223 น.
Roslavtseva, N.P. มายา พลิเซตสกายา. - ม.: ศิลปะ 2511 - 2511 น.
Surits, E. Ya. นักเต้นบัลเล่ต์ Mikhail Mikhailovich Mordkin - ม.: Vlados, - 2549. 256 น.
Khudekov, S. N. ประวัติทั่วไปของการเต้นรำ - เอกสโม, 2552. - 608 วินาที.

บรรยาย

ประเภทโอเปร่า

คำว่า "อะไร" โอเปร่า"? แปลจากภาษาอิตาลี - "งาน", "องค์ประกอบ".

ในการทดลองครั้งแรกของคีตกวีชาวอิตาลี เรียกการแสดงดนตรี "นิทานในเพลง" หรือ "นิทานในเพลง"และสำหรับสิ่งนี้ที่เพิ่มเข้ามาอย่างเจียมเนื้อเจียมตัว - โอเปร่านั่นคืองานของนักแต่งเพลงคนดังกล่าว

โอเปร่า -ประเภทงานละครเพลง.

โอเปร่ามีพื้นฐานมาจากการสังเคราะห์คำ การแสดงละครของการกระทำและดนตรี ไม่เหมือนกับประเภทอื่นๆ โรงละครที่ซึ่งดนตรีทำหน้าที่เสริม ฟังก์ชันประยุกต์ ในดนตรีโอเปร่ากลายเป็นพาหะหลักและ แรงผลักดันการกระทำ โอเปร่าต้องการแนวคิดแบบองค์รวม ดนตรีและการละครที่พัฒนาอย่างต่อเนื่อง

องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดและขาดไม่ได้ โอเปร่า - ร้องเพลง,ถ่ายทอดประสบการณ์ที่หลากหลายของมนุษย์ในเฉดสีที่ดีที่สุด ผ่านระบบน้ำเสียงที่แตกต่างกันในโอเปร่า คลังความคิดส่วนบุคคลของตัวละครแต่ละตัวจะถูกเปิดเผย คุณลักษณะของตัวละครและอารมณ์ของเขาจะถูกส่งผ่าน

โอเปร่าใช้ ประเภทต่างๆเพลงประจำบ้าน - เพลงเต้นรำเดินขบวน

เป็นที่รู้จัก:

โอเปร่าที่สร้างขึ้นจากการสลับรูปแบบเสียงร้องที่สมบูรณ์หรือค่อนข้างสมบูรณ์ (aria, arioso, cavatina, วงดนตรีประเภทต่างๆ, คณะนักร้องประสานเสียง)

โอเปร่าของคลังสินค้าการบรรยายที่ยอมรับได้ซึ่งการกระทำพัฒนาอย่างต่อเนื่องโดยไม่แบ่งเป็นตอน ๆ

โอเปร่าที่มีความโดดเด่นของการเริ่มต้นเดี่ยว

โอเปร่าที่มีวงดนตรีหรือนักร้องประสานเสียงที่พัฒนาแล้ว

ปากกา" ยังคงอยู่ในโรงละครเป็นชื่อประเภทใหม่ - ละครเพลง

กำเนิดและพัฒนาการของงิ้ว

โอเปร่าจึงถือกำเนิดขึ้นในอิตาลี การแสดงต่อสาธารณชนเป็นครั้งแรก ในเมืองฟลอเรนซ์ในเดือนตุลาคม ค.ศ. 1600 ที่งานอภิเษกสมรสในพระราชวังเมดิชิ กลุ่มคนรักดนตรีที่มีการศึกษานำแขกผู้มีเกียรติมาตัดสินผลของภารกิจอันยาวนานและต่อเนื่อง - "The Legend in Music" เกี่ยวกับ Orpheus และ Eurydice

ข้อความของการแสดงเป็นของกวี Ottavio Rinuccini ดนตรี - ถึง Jacopo Peri นักเล่นออร์แกนและนักร้องที่ยอดเยี่ยมซึ่งมีบทบาทสำคัญในการแสดง ทั้งคู่อยู่ในกลุ่มคนรักศิลปะที่มารวมตัวกันในบ้านของ Count Giovanni Bardi "ผู้จัดงานบันเทิง" ที่ศาลของ Duke of Medici Bardi เป็นคนที่กระตือรือร้นและมีความสามารถจัดกลุ่มตัวแทนมากมายที่อยู่รอบตัวเขา โลกศิลปะฟลอเรนซ์. "กล้อง" ของเขาไม่เพียง แต่รวมนักดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักเขียนและนักวิทยาศาสตร์ที่สนใจทฤษฎีศิลปะและพยายามส่งเสริมการพัฒนา

ในสุนทรียภาพของพวกเขา พวกเขาได้รับคำแนะนำจากอุดมคติที่เห็นอกเห็นใจสูงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา และเป็นลักษณะเฉพาะที่แม้แต่ในศตวรรษที่ 17 ผู้สร้างโอเปร่าก็ประสบปัญหาในการรวบรวมโลกแห่งจิตวิญญาณของมนุษย์เป็นหลัก งาน. เธอคือผู้นำการค้นหาของพวกเขาไปตามเส้นทางของการบรรจบกันของดนตรีและศิลปะการแสดง

ในอิตาลี เช่นเดียวกับที่อื่นๆ ในยุโรป ดนตรีประกอบการแสดงละคร: การร้องเพลง การเต้นรำ และการเล่นเครื่องดนตรีถูกนำมาใช้อย่างกว้างขวางในการแสดงหมู่ จัตุรัส และพระราชวังอันวิจิตรงดงาม ดนตรีถูกนำมาใช้ในการแสดงสดเพื่อเพิ่มผลกระทบทางอารมณ์ เปลี่ยนความประทับใจ สร้างความบันเทิงให้กับผู้ชมและรับรู้เหตุการณ์บนเวทีได้ชัดเจนยิ่งขึ้น เธอไม่ได้แบกภาระที่น่าทึ่ง

ดนตรีสร้างโดยนักแต่งเพลงมืออาชีพและบรรเลงโดยนักดนตรี-นักแสดงในราชสำนัก พวกเขาเขียนอย่างอิสระโดยไม่หลีกเลี่ยงปัญหาทางเทคนิคและพยายามถ่ายทอดการแสดงละครให้เข้ากับดนตรี พวกเขาประสบความสำเร็จในชั่วพริบตา แต่ความเชื่อมโยงระหว่างดนตรีและเวทีอย่างแท้จริงยังไม่เกิดขึ้น

ในหลาย ๆ ทาง มันจำกัดคีตกวีเฉพาะการแสดงความสนใจทั่วไป เพื่อพฤกษ์ - จดหมายโพลีโฟนิก,ครอบงำศิลปะมืออาชีพมาหลายศตวรรษ และตอนนี้ในศตวรรษที่ 16 ความมีชีวิตชีวาของเฉดสี ความครบถ้วนสมบูรณ์และไดนามิกของเสียง เนื่องจากการประสานกันของเสียงร้องเพลงและเสียงเครื่องดนตรีมากมาย นับเป็นชัยชนะทางศิลปะในยุคนั้นอย่างปฏิเสธไม่ได้ อย่างไรก็ตาม ในเงื่อนไขของโอเปร่า ความกระตือรือร้นที่มากเกินไปสำหรับโพลีโฟนีมักจะกลายเป็นอีกด้านหนึ่ง: ความหมายของข้อความ ซ้ำหลายครั้งในคณะนักร้องประสานเสียงในเสียงที่ต่างกันและในเวลาที่ต่างกัน ส่วนใหญ่มักจะหลบเลี่ยงผู้ฟัง ในการพูดคนเดียวหรือบทสนทนาที่เปิดเผยความสัมพันธ์ส่วนตัวของตัวละคร การร้องเพลงประสานเสียงกับคำพูดของพวกเขามีความขัดแย้งอย่างเห็นได้ชัด และแม้แต่ละครใบ้ที่แสดงออกมากที่สุดก็ไม่ได้บันทึกไว้ที่นี่

ความปรารถนาที่จะเอาชนะความขัดแย้งนี้ทำให้สมาชิกของวง Bardi ค้นพบซึ่งเป็นพื้นฐานของศิลปะโอเปร่า - สู่การสร้างสรรค์ คนเดียว- เรียกว่าในสมัยกรีกโบราณ ท่วงทำนองที่แสดงออกโดยนักร้องเดี่ยวพร้อมด้วยเครื่องดนตรี

ความฝันร่วมกันของสมาชิกในแวดวงคือการฟื้นฟูโศกนาฏกรรมของกรีก นั่นคือการสร้างการแสดงที่ผสมผสานการละคร ดนตรี และการเต้นรำเข้าด้วยกัน เช่นเดียวกับการแสดงโบราณ ในเวลานั้นปัญญาชนชาวอิตาลีหัวก้าวหน้าหลงใหลในศิลปะของเฮลลาส: ทุกคนชื่นชมประชาธิปไตยและความเป็นมนุษย์ของภาพโบราณ นักมนุษยนิยม Renaissance เลียนแบบแบบจำลองกรีกพยายามที่จะเอาชนะประเพณีนักพรตที่ล้าสมัยและทำให้ศิลปะสะท้อนความเป็นจริงได้อย่างเต็มที่

นักดนตรีตกที่นั่งลำบากกว่าจิตรกร ประติมากร หรือกวีเสียอีก ผู้ที่มีโอกาสศึกษาผลงานของนักแต่งเพลงในสมัยก่อนนั้นเป็นเพียงการคาดเดาเกี่ยวกับดนตรีของ Hellas ตามคำกล่าวของนักปรัชญาและกวีโบราณ พวกเขาไม่มีเนื้อหาที่เป็นสารคดี: การบันทึกเสียงดนตรีกรีกที่ยังหลงเหลืออยู่ไม่กี่ชิ้นนั้นไม่เป็นชิ้นเป็นอันและไม่สมบูรณ์ ไม่มีใครรู้วิธีถอดรหัสพวกเขา

เมื่อศึกษาเทคนิคการแปรอักษรโบราณ นักดนตรีพยายามจินตนาการว่าคำพูดดังกล่าวควรฟังอย่างไรในการร้องเพลง พวกเขารู้ว่าใน โศกนาฏกรรมกรีกจังหวะของทำนองขึ้นอยู่กับจังหวะของกลอน และน้ำเสียงสะท้อนถึงความรู้สึกที่สื่อออกมาในข้อความว่าลักษณะการเปล่งเสียงของคนสมัยก่อนเป็นสิ่งที่อยู่ระหว่างการร้องเพลงกับการพูดธรรมดา ความเชื่อมโยงระหว่างท่วงทำนองของเสียงร้องกับเสียงพูดของมนุษย์นี้ดูเหมือนจะดึงดูดใจสมาชิกวง Bardi ที่มีแนวโน้มก้าวหน้าเป็นพิเศษ และพวกเขาพยายามอย่างกระตือรือร้นที่จะรื้อฟื้นหลักการของนักเขียนบทละครโบราณในผลงานของพวกเขา

หลังจากค้นหาและทดลองเกี่ยวกับการ "เปล่งเสียง" ของสุนทรพจน์ภาษาอิตาลีเป็นเวลานาน สมาชิกในแวดวงได้เรียนรู้ไม่เพียงแต่ถ่ายทอดน้ำเสียงต่างๆ ในท่วงทำนอง - โกรธ, ซักไซ้, เสน่หา, วิงวอน, อ้อนวอน แต่ยังเชื่อมโยงพวกเขาได้อย่างอิสระ

ดังนั้นเสียงร้องประเภทใหม่จึงถือกำเนิดขึ้น - กึ่งสวดกึ่งประกาศตัวละครที่มีไว้สำหรับโซโล การแสดงพร้อมเครื่องดนตรีสมาชิกในแวดวงตั้งชื่อให้เธอ "บรรยาย"ซึ่งในการแปลหมายถึง "ท่วงทำนองคำพูด" ตอนนี้พวกเขามีโอกาสเช่นเดียวกับชาวกรีกในการติดตามข้อความอย่างยืดหยุ่น ถ่ายทอดเฉดสีต่างๆ ของมัน และสามารถเติมเต็มความฝันของพวกเขาได้ นั่นคือการแต่งเพลงประกอบบทละครที่ดึงดูดใจพวกเขาในข้อความโบราณ ความสำเร็จของการแสดงละครประเภทนี้เป็นแรงบันดาลใจให้สมาชิกวง Bardi มีแนวคิดในการสร้าง การแสดงดนตรีพร้อมนักร้องเดี่ยวและนักร้องประสานเสียง นี่คือลักษณะของโอเปร่าเรื่องแรก "Eurydice" (นักแต่งเพลง J. Peri) ซึ่งจัดแสดงในปี 1600 ในงานเฉลิมฉลองงานแต่งงานของ Dukes of the Medici

ในการเฉลิมฉลองที่ Medici เข้าร่วม เคลาดิโอ มอนเตเวอร์ดี- นักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่โดดเด่นในยุคนั้น ผู้แต่งเพลงบรรเลงและเสียงร้องที่โดดเด่น เขาเองก็เช่นเดียวกับสมาชิกวง Bardi ที่มองหาวิธีการแสดงออกใหม่ๆ ที่สามารถรวบรวมความรู้สึกอันแรงกล้าของมนุษย์ไว้ในดนตรีได้ ดังนั้นความสำเร็จของ Florentines จึงสนใจเขาเป็นพิเศษ: เขาเข้าใจว่าดนตรีบนเวทีประเภทใหม่นี้เปิดโอกาสให้นักแต่งเพลงได้อย่างไร เมื่อเขากลับมาที่ Mantua (Monteverdi อยู่ที่นั่นในฐานะนักแต่งเพลงในราชสำนักของ Duke of Gonzago) เขาตัดสินใจที่จะดำเนินการทดลองที่เริ่มโดยมือสมัครเล่นต่อไป โอเปร่าสองเรื่องของเขาเรื่องหนึ่งในปี 1607 และอีกเรื่องในปี 1608 ก็อาศัย เทพปกรณัมกรีก. เรื่องแรก "Orpheus" เขียนขึ้นบนโครงเรื่องที่ Peri ใช้อยู่แล้ว

แต่มอนเตเวอร์ดีไม่ได้หยุดเพียงแค่การเลียนแบบชาวกรีก ปฏิเสธคำพูดที่วัดได้ เขาสร้างบทบรรยายที่น่าทึ่งจริงๆ ด้วยจังหวะและจังหวะที่เปลี่ยนไปอย่างกะทันหัน พร้อมการหยุดที่แสดงออกอย่างชัดเจน ด้วยน้ำเสียงที่น่าสมเพชอย่างเด่นชัดที่มาพร้อมกับสภาวะจิตใจที่ตื่นเต้น ไม่เพียงแค่นั้น: ในช่วงไคลแม็กซ์ของการแสดง มอนเตเวอร์ดีแนะนำตัว อาเรีย,นั่นคือ การพูดคนเดียวทางดนตรีซึ่งทำนองหายไป ตัวละครคำพูดกลายเป็นไพเราะและโค้งมนเหมือนในเพลงในเวลาเดียวกัน ความดราม่าของสถานการณ์ทำให้เธอมีความกว้างและอารมณ์ความรู้สึกในการแสดงละครอย่างหมดจด การพูดคนเดียวดังกล่าวต้องแสดงโดยนักร้องที่มีทักษะซึ่งสามารถควบคุมเสียงและลมหายใจได้อย่างดีเยี่ยม ดังนั้นชื่อ "เรีย" ซึ่งหมายถึงอย่างแท้จริง ลมหายใจอากาศ

ฉากมวลชนก็มีขอบเขตที่แตกต่างกันเช่นกัน Monteverdi ใช้เทคนิคอันชาญฉลาดของโบสถ์ที่นี่อย่างกล้าหาญ เพลงประสานเสียงและเสียงดนตรีจากวงนักร้องประสานเสียงที่ไพเราะ ทำให้คณะนักร้องประสานเสียงโอเปร่ามีพลังที่จำเป็นสำหรับการแสดงบนเวที

วงออเคสตราได้รับการแสดงออกที่ยิ่งใหญ่กว่าจากเขา การแสดงของฟลอเรนซ์มาพร้อมกับวงดนตรีลูเตนที่เล่นอยู่เบื้องหลัง มอนเตเวร์ดียังมีส่วนร่วมในการแสดงเครื่องดนตรีทั้งหมดที่มีอยู่ในเวลาของเขา - เครื่องสาย, เครื่องลมไม้, เครื่องทองเหลือง, จนถึงทรอมโบน (ซึ่งเคยใช้ในโบสถ์), ออร์แกนหลายประเภท, ฮาร์ปซิคอร์ด สีใหม่และสัมผัสที่น่าทึ่งใหม่เหล่านี้ช่วยให้ผู้เขียนบรรยายตัวละครและสภาพแวดล้อมได้ชัดเจนยิ่งขึ้น เป็นครั้งแรกที่บางสิ่งเช่นการทาบทามปรากฏขึ้นที่นี่: มอนเตเวร์ดีนำหน้า "ออร์ฟีอุส" ของเขาด้วย "ซิมโฟนี" ของวงออเคสตรา - นี่คือวิธีที่เขาเรียกว่าการแนะนำเครื่องดนตรีชิ้นเล็กๆ ซึ่งเขาได้เปรียบเทียบสองธีม ราวกับคาดการณ์ถึงสถานการณ์ที่ขัดแย้งกันของ ละคร. หนึ่งในนั้น - ตัวละครที่สดใสและงดงาม - คาดว่าจะเป็นภาพที่ร่าเริงของงานแต่งงานของ Orpheus กับ Eurydice ในวงกลมของนางไม้คนเลี้ยงแกะและคนเลี้ยงแกะ อีกอันหนึ่ง - โกดังร้องเพลงที่มืดมน - รวบรวมเส้นทางของ Orpheus ในโลกลึกลับ ยมโลก
(คำว่า "ซิมโฟนี" ในเวลานั้นหมายถึงเสียงพยัญชนะของเครื่องดนตรีหลายชนิด ต่อมาในศตวรรษที่ 18 มันเริ่มแสดงถึงชิ้นส่วนคอนเสิร์ตสำหรับวงออเคสตราและคำว่า "ทาบทาม" ในภาษาฝรั่งเศสถูกกำหนดให้กับบทนำของโอเปร่า ซึ่งแปลว่า "เพลงที่เปิดฉาก") .

ดังนั้น, "ออร์ฟัส" คือไม่ใช่ต้นแบบของโอเปร่าอีกต่อไป แต่เป็นผู้เชี่ยวชาญ งานประเภทใหม่. อย่างไรก็ตามในแง่ของเวที มันยังคงถูกพันธนาการ: เรื่องราวของเหตุการณ์ยังคงครอบงำแผนของมอนเตเวร์ดีเหนือการถ่ายทอดโดยตรงของการกระทำ

ความสนใจที่เพิ่มขึ้นของนักแต่งเพลงในการดำเนินการปรากฏขึ้นเมื่อแนวเพลงโอเปร่าเริ่มเป็นประชาธิปไตย นั่นคือ เพื่อให้บริการผู้ฟังในวงกว้างและหลากหลาย โอเปร่าต้องการโครงเรื่องที่จับใจและเข้าถึงได้มากขึ้น แอคชั่นภาพและเทคนิคบนเวทีที่น่าประทับใจมากขึ้นเรื่อยๆ

ความแข็งแกร่งของอิทธิพลของประเภทใหม่ที่มีต่อมวลชนสามารถชื่นชมบุคคลที่มองการณ์ไกลหลายคนและในช่วงศตวรรษที่ 17 โอเปร่าอยู่ในมือที่แตกต่างกัน - ครั้งแรกกับนักบวชชาวโรมันซึ่งทำให้มันเป็นเครื่องมือในการก่อกวนทางศาสนา กับพ่อค้าชาวเวนิสที่กล้าได้กล้าเสีย และสุดท้าย กับขุนนางเนเปิลส์ผู้เอาแต่ใจ ไล่ตามเป้าหมายด้านความบันเทิง . แต่ไม่ว่าจะรสนิยมและงานต่างกันอย่างไร ผู้อำนวยการโรงละครกระบวนการของการทำให้เป็นประชาธิปไตยของโอเปร่าพัฒนาอย่างต่อเนื่อง

มันเริ่มขึ้นในทศวรรษที่ 20 ในโรมซึ่งพระคาร์ดินัล Barberini พอใจกับปรากฏการณ์ใหม่สร้างครั้งแรกเป็นพิเศษ โรงละครโอเปร่า. ตามประเพณีเคร่งศาสนาของกรุงโรม เรื่องราวนอกรีตโบราณถูกแทนที่ด้วยเรื่องราวคริสเตียน: ชีวิตของนักบุญและเรื่องราวศีลธรรมเกี่ยวกับคนบาปที่กลับใจ แต่เพื่อให้การแสดงดังกล่าวประสบความสำเร็จกับมวลชนเจ้าของโรงละครจึงต้องคิดค้นนวัตกรรมหลายอย่าง พวกเขาไม่เสียค่าใช้จ่ายใด ๆ เพื่อการแสดงที่น่าประทับใจ นักดนตรี นักร้อง คณะนักร้องประสานเสียงและวงออร์เคสตราทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยความเก่งกาจของพวกเขา และทิวทัศน์ที่มีสีสันของพวกเขา ปาฏิหาริย์การแสดงละครทุกประเภทการบินของเทวดาและปีศาจได้ดำเนินการอย่างละเอียดถี่ถ้วนจนมีความรู้สึกเหมือนภาพลวงตาที่มีมนต์ขลัง แต่ที่สำคัญยิ่งกว่านั้นก็คือข้อเท็จจริงที่ว่า เพื่อตอบสนองรสนิยมของผู้ฟังทั่วไป นักแต่งเพลงชาวโรมันเริ่มนำเสนอฉากการ์ตูนในชีวิตประจำวันให้เป็นหัวข้อที่เคร่งศาสนา บางครั้งพวกเขาสร้างการแสดงเล็ก ๆ น้อย ๆ ทั้งหมดในแผนนี้ นี่คือวิธีที่ฮีโร่ธรรมดาและสถานการณ์ในชีวิตประจำวันแทรกซึมเข้าไปในโอเปร่า - เมล็ดพืชที่มีชีวิตของโรงละครที่สมจริงในอนาคต

ในเมืองเวนิส- เมืองหลวงของสาธารณรัฐการค้าที่มีชีวิตชีวา โอเปร่าในยุค 40 ตกอยู่ในสภาพที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง บทบาทนำในการพัฒนาไม่ได้เป็นของผู้ใจบุญระดับสูง แต่เป็นของผู้ประกอบการที่กระตือรือร้นซึ่งเหนือสิ่งอื่นใดต้องคำนึงถึงรสนิยมของผู้ชมจำนวนมาก จริงอยู่ อาคารโรงละคร (และ เวลาอันสั้นหลายแห่งถูกสร้างขึ้นที่นี่) กลายเป็นคนเจียมเนื้อเจียมตัวมากขึ้น ด้านในมีผู้คนหนาแน่นและแสงสว่างน้อยจนผู้เข้าชมต้องนำเทียนมาเอง แต่ผู้ประกอบการพยายามทำให้ปรากฏการณ์ชัดเจนที่สุด ในเวนิสพวกเขาเริ่มพิมพ์ข้อความสรุปเนื้อหาของโอเปร่าเป็นครั้งแรก พวกเขาได้รับการตีพิมพ์ในรูปแบบของหนังสือเล่มเล็ก ๆ ที่ใส่ในกระเป๋าได้ง่ายและทำให้ผู้ชมสามารถติดตามการดำเนินการกับพวกเขาได้ ดังนั้นชื่อของตำราโอเปร่า - "บท" (ในการแปล - "หนังสือเล่มเล็ก") จึงแข็งแกร่งขึ้นตลอดไป

วรรณคดีโบราณชาวเวนิสทั่วไปไม่ค่อยมีใครรู้จักดังนั้นบุคคลในประวัติศาสตร์จึงเริ่มปรากฏในโอเปร่าพร้อมกับวีรบุรุษของกรีกโบราณ สิ่งสำคัญคือการพัฒนาอย่างมากของพล็อต - ตอนนี้พวกเขาเต็มไปด้วยการผจญภัยที่มีพายุและการวางอุบายที่แยบยล ไม่มีใครอื่นนอกจากมอนเตเวอร์ดีซึ่งย้ายไปเวนิสในปี ค.ศ. 1640 กลายเป็นผู้สร้างโอเปร่าเรื่องแรก - พิธีบรมราชาภิเษกแห่งปอมเปอี

โครงสร้างของการแสดงโอเปร่าในเวนิสมีการเปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญ: ผู้ประกอบการสามารถเชิญนักร้องที่โดดเด่นหลายคนได้กำไรมากกว่าที่จะรักษาราคาแพง คณะนักร้องประสานเสียงฉากฝูงชนจึงค่อยๆ หมดความหมายไป ขนาดของวงออร์เคสตราลดลง แต่ท่อนโซโล่มีการแสดงออกมากขึ้น และความสนใจของผู้แต่งเพลงในเพลงอาเรีย ซึ่งเป็นรูปแบบศิลปะการร้องที่สื่ออารมณ์มากที่สุดก็เพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด ยิ่งไกลออกไปโครงร่างที่เรียบง่ายและเข้าถึงได้มากขึ้นก็ยิ่งมีน้ำเสียงของเพลงพื้นบ้านของชาวเมืองเวนิสแทรกซึมเข้ามามากขึ้น ผู้ติดตามและนักเรียนของ Monteverdi - Venetians Cavalli และ Honor ที่อายุน้อย - เนื่องจากการเชื่อมต่อกับ ภาษาถิ่นจัดการเพื่อให้พวกเขา ภาพบนเวทีละครที่น่ารักและทำให้ผู้ฟังทั่วไปสามารถเข้าใจสิ่งที่น่าสมเพชของพวกเขาได้ อย่างไรก็ตาม ความรักที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของประชาชนยังคงได้รับความสนุกสนานจากตอนตลกขบขัน ซึ่งเต็มไปด้วยแอ็คชั่น นักแต่งเพลงดึงวัสดุที่ใช้ประกอบฉากจากชีวิตในท้องถิ่นโดยตรงมามอบให้พวกเขา นักแสดงที่นี่มีทั้งคนรับใช้ สาวใช้ ช่างตัดผม ช่างฝีมือ พ่อค้า ซึ่งแสดงเสียงและบทเพลงที่มีชีวิตชีวาไปทั่วตลาดและจัตุรัสของเมืองเวนิสทุกวัน ดังนั้น เวนิสจึงก้าวอย่างเด็ดขาดไปสู่การเป็นประชาธิปไตยของไม่เพียง แต่โครงเรื่องและรูปภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาษาและรูปแบบของโอเปร่าด้วย

บทบาทสุดท้ายในการพัฒนาแบบฟอร์มเหล่านี้เป็นของ เนเปิลส์. โรงละครที่นี่สร้างขึ้นในภายหลังในยุค 60 เท่านั้น มันเป็นอาคารที่หรูหราที่ไหน สถานที่ที่ดีที่สุดถูกมอบให้กับขุนนาง (ชั้นลอยและกล่อง) และแผงลอยมีไว้สำหรับประชาชนในเมือง ในตอนแรกโอเปร่า Florentine, Roman, Venetian ถูกจัดแสดงที่นี่ อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้า โรงเรียนสร้างสรรค์ของตนเองก็ได้ก่อตั้งขึ้นในเนเปิลส์

จัดหาบุคลากรนักแต่งเพลงและนักแสดงท้องถิ่น "เรือนกระจก"- ที่เรียกว่าในขณะนั้น สถานเลี้ยงเด็กกำพร้าในโบสถ์ขนาดใหญ่ก่อนหน้านี้เด็ก ๆ ได้รับการสอนงานฝีมือที่นี่ แต่เมื่อเวลาผ่านไปคริสตจักรได้พิจารณาว่าเธอใช้นักเรียนเป็นนักร้องและนักดนตรีได้ผลกำไรมากกว่า ดังนั้นการสอนดนตรีจึงเป็นผู้นำในการฝึกสอนดนตรี แม้จะมีสภาพความเป็นอยู่ที่ย่ำแย่ซึ่งนักเรียนถูกกักขังไว้ แต่ข้อกำหนดสำหรับพวกเขาก็สูงมาก: พวกเขาได้รับการสอนการร้องเพลง ทฤษฎีดนตรี การเล่นเครื่องดนตรีต่างๆ และการแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์มากที่สุด นักเรียนที่ดีที่สุดที่จบหลักสูตรกลายเป็นครูของสหายที่อายุน้อยกว่า

ตามกฎแล้วนักเรียนของโรงเรียนสอนดนตรีมีเทคนิคการเขียนฟรี พวกเขารู้ความลับของศิลปะการร้องเป็นอย่างดีตั้งแต่เด็กพวกเขาร้องเพลงประสานเสียงและเดี่ยว ไม่น่าแปลกใจเลยที่ชาวเนเปิลส์เป็นผู้อนุมัติประเภทของการร้องเพลงโอเปร่าที่ลงไปในประวัติศาสตร์ภายใต้ชื่อ "เบลแคนโต้"นั่นคือ การร้องเพลงที่สวยงาม. นี่หมายถึงความสามารถในการเล่นท่วงทำนองที่ไพเราะกว้างได้อย่างราบรื่น ซึ่งออกแบบมาสำหรับช่วงเสียงที่กว้างและเชี่ยวชาญในการลงทะเบียนและการหายใจ ท่วงทำนองมักจะมีการปรุงแต่งที่เก่งกาจ ซึ่งต้องคงไว้ซึ่งความราบรื่นในการดำเนินการอย่างคล่องแคล่ว

สไตล์ bel canto มีส่วนสนับสนุนการพัฒนาของ aria ซึ่งในเวลานั้นได้รับความเหนือกว่าอย่างชัดเจนเหนือบทบรรยาย ชาวเนเปิลส์ใช้ประสบการณ์
รุ่นก่อน แต่ให้รูปแบบการพูดคนเดียวที่เป็นที่ชื่นชอบนี้โดยสมบูรณ์และมีความไพเราะสมบูรณ์ พวกเขาพัฒนาและนำอาเรียประเภทต่างๆ ดังนั้นจึงมี อาเรียน่าสงสารที่รวบรวมความโกรธ ความริษยา ความสิ้นหวัง ความหลงใหล; บราโวร่า อาเรีย- ร่าเริง, ต่อสู้, ปลุกระดม, กล้าหาญ; อาเรียเศร้าโศก- ตาย, คร่ำครวญ, อ้อนวอน; อาเรียที่งดงาม- รักใคร่, เป็นมิตร, ช่างฝัน, อภิบาล; ในที่สุด, อาเรียในครัวเรือน- ดื่ม เดินขบวน เต้นรำ การ์ตูน แต่ละประเภทมีเทคนิคการแสดงออกของตัวเอง

ดังนั้นอาเรียที่น่าสมเพชจึงแตกต่างกัน ได้อย่างรวดเร็ว, จังหวะเสียงที่กว้าง, พายุ, ม้วนยาว; สำหรับความแตกต่างของเฉดสี ท่วงทำนองของพวกเขาโดดเด่นด้วยน้ำเสียงที่น่าสมเพชเกินจริง

อาเรียที่เศร้าโศก - โดดเด่นด้วยความยับยั้งชั่งใจอันสูงส่งและความเรียบง่ายของเสียงเพลง พวกเขาโดดเด่นด้วยการเคลื่อนไหวที่ไพเราะเป็นพิเศษซึ่งเลียนแบบ "เสียงสะอื้น"

อาเรียแห่งความรักและมิตรภาพส่วนใหญ่มักมีลักษณะที่นุ่มนวล จริงใจ สีสันของเสียงที่สดใสกว่า ประดับด้วยความสง่างามขนาดเล็กและโปร่งใส

อาเรียในครัวเรือนมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเพลงพื้นบ้านและดนตรีเต้นรำ ด้วยเหตุนี้ ดนตรีจึงโดดเด่นด้วยโครงสร้างจังหวะที่ชัดเจนและยืดหยุ่น

ในฉากจำนวนมากโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการแสดงโอเปร่ารื่นเริงชาวเนเปิลส์เต็มใจใช้ คณะนักร้องประสานเสียงแต่บทบาทของเขาเป็นการตกแต่งมากกว่าละคร: การมีส่วนร่วมของมวลชนในการพัฒนาการกระทำนั้นไม่มีนัยสำคัญ ยิ่งกว่านั้น การนำเสนอท่อนร้องประสานเสียงมักจะง่ายเสียจนศิลปินเดี่ยวหลายคนสามารถแทนที่กลุ่มนักร้องประสานเสียงได้ดี

ในทางกลับกัน วงออเคสตรามีความโดดเด่นด้วยการตีความส่วนต่างๆ อย่างละเอียดและเคลื่อนที่ได้ โดยไม่มีเหตุผล ในเนเปิลส์ รูปแบบของการแสดงโอเปร่าอิตาลีในที่สุดก็เป็นรูปเป็นร่าง ยิ่งขอบเขตของโอเปร่าขยายออกไปมากเท่าไหร่ก็ยิ่งต้องการการแนะนำเบื้องต้นมากขึ้นเท่านั้น ซึ่งเตรียมผู้ฟังให้พร้อมสำหรับการรับรู้ของการแสดง

ดังนั้น อะไรคือโครงสร้างของอุปรากรอิตาลีหลังจากศตวรรษแรก?

โดยพื้นฐานแล้วมันเป็น ห่วงโซ่อาเรีย, รวบรวมความรู้สึกที่แข็งแกร่งของมนุษย์อย่างชัดเจนและครบถ้วน แต่ไม่ได้สื่อถึงกระบวนการพัฒนาของเหตุการณ์ แนวคิดของการแสดงบนเวทีในตอนนั้นแตกต่างไปจากตอนนี้: โอเปร่าเคยเป็น การสืบทอดภาพวาดที่หลากหลายและปรากฏการณ์ที่ไม่มีความเชื่อมโยงเชิงตรรกะอย่างเข้มงวด ความหลากหลายนี้ การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วของทิวทัศน์ เวลา และปรากฏการณ์ที่น่าหลงใหลที่ส่งผลต่อผู้ชม ในดนตรีของโอเปร่า นักแต่งเพลงไม่ได้พยายามเพื่อความสอดคล้องกันของทั้งหมด เนื่องจากพอใจกับข้อเท็จจริงที่ว่าพวกเขาสร้างชุดของตอนดนตรีที่สมบูรณ์และแตกต่างในเนื้อหา สิ่งนี้ยังอธิบายข้อเท็จจริงที่ว่าบทบรรยายซึ่งเป็นแกนนำของการละครในหมู่ชาวฟลอเรนซ์เริ่มสูญเสียความสำคัญในเนเปิลส์ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 มีความโดดเด่น นักร้องโอเปร่าพวกเขาไม่คิดว่าจำเป็นต้องแสดงซ้ำ "secco": พวกเขามอบหมายให้พวกเขาทำพิเศษในขณะที่พวกเขาเดินไปรอบ ๆ เวทีในเวลานั้นเพื่อตอบสนองต่อคำทักทายที่กระตือรือร้นของแฟน ๆ

ดังนั้นการปกครองแบบเผด็จการของนักร้องจึงค่อย ๆ ก่อตัวขึ้นเพื่อเป็นเกียรติโดยมีสิทธิ์ที่จะเรียกร้องการเปลี่ยนแปลงและการแทรกใด ๆ จากนักแต่งเพลง ไม่ใช่เพื่อเครดิตของนักร้องพวกเขามักจะใช้สิทธิ์นี้ในทางที่ผิด:

บางคนยืนยันว่าโอเปร่าและที่พวกเขาร้องเพลง จำเป็นต้องมีฉากในคุกใต้ดิน ซึ่งใคร ๆ ก็สามารถแสดงเพลงโศกเศร้า คุกเข่าและยื่นมือที่ล่ามโซ่ขึ้นไปบนฟ้า

คนอื่นชอบแสดงบทพูดคนเดียวบนหลังม้า

คนอื่น ๆ ยังเรียกร้องให้มีการแทรกเสียงทริลล์และทางเดินเข้าไปในเพลงใด ๆ ที่พวกเขาถนัดเป็นพิเศษ

นักแต่งเพลงต้องปฏิบัติตามข้อกำหนดดังกล่าวทั้งหมด นอกจากนี้นักร้องซึ่งในเวลานั้นตามกฎแล้วมีพื้นฐานทางทฤษฎีที่มั่นคงเริ่มเปลี่ยนแปลงส่วนสุดท้ายของเพลงโดยพลการ (ที่เรียกว่าการบรรเลง) และติดตั้ง coloratura ซึ่งบางครั้งก็มีมากมายจน จำทำนองของผู้แต่งได้ยาก

ดังนั้นทักษะสูงสุด ร้องเพลง "เบล แคนโต้"- ผลงานของนักแต่งเพลงเองในที่สุดก็หันหลังให้กับพวกเขา การสังเคราะห์ละครและดนตรีซึ่งผู้ก่อตั้งแนวเพลง Florentines ปรารถนาไม่เคยประสบความสำเร็จ

การแสดงโอเปร่าในต้นศตวรรษที่ 18 นั้นเป็นอย่างไร "คอนเสิร์ตในชุด"กว่าการแสดงละครที่สอดคล้องกัน

อย่างไรก็ตาม แม้ในรูปแบบที่ไม่สมบูรณ์นี้ การผสมผสานของศิลปะหลายประเภทก็ส่งผลต่อผู้ชม ผลกระทบทางอารมณ์ว่าโอเปร่าได้รับความสำคัญเหนือกว่าศิลปะการละครประเภทอื่นๆ ตลอดศตวรรษที่ 17 และ 18 เธอเป็นราชินีแห่งละครเวทีที่ได้รับการยอมรับ ไม่เพียงแต่ในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเทศอื่นๆ ในยุโรปด้วย ความจริงก็คือในไม่ช้าโอเปร่าของอิตาลีก็แผ่อิทธิพลออกไปไกลเกินขอบเขตของบ้านเกิดเมืองนอน

ในช่วงทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 17 (พ.ศ. 2190) คณะละครโอเปร่าโรมันได้ไปเที่ยวที่ปารีส จริงป้ะ , ในประเทศฝรั่งเศส- ประเทศที่มีความเข้มแข็งของชาติ - ประเพณีทางศิลปะมันไม่ง่ายเลยที่เธอจะชนะ ชาวฝรั่งเศสมีโรงละครที่มั่นคงอยู่แล้ว ซึ่งโศกนาฏกรรมของ Corneille และ Racine ครอบงำ และโรงละครตลกอันงดงามของ Molière; เริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 บัลเล่ต์ถูกจัดแสดงที่ศาลและความกระตือรือร้นในหมู่ขุนนางนั้นยิ่งใหญ่มากจนกษัตริย์เองก็เต็มใจแสดงบัลเล่ต์ ตรงกันข้ามกับโอเปร่าอิตาลี แว่นตาของฝรั่งเศสมีความโดดเด่นด้วยลำดับที่เข้มงวดในการพัฒนาโครงเรื่อง และลักษณะและพฤติกรรมของนักแสดงต้องอยู่ภายใต้พิธีการของศาลที่เข้มงวดที่สุด ไม่น่าแปลกใจที่การแสดงของอิตาลีดูวุ่นวายสำหรับชาวปารีสและการแสดงโอเปร่าก็ไม่น่าประทับใจ - ชาวฝรั่งเศสคุ้นเคยกับเล่ห์เหลี่ยมมากกว่า

และลีลาการแสดงที่น่าสมเพชเกินจริงของนักแสดงละคร โรงละครอิตาลีล้มเหลวที่นี่ แต่แนวเพลงใหม่ยังคงให้ความสนใจกับชาวปารีส และไม่นานหลังจากที่ศิลปินต่างชาติจากไป ก็มีความพยายามที่จะสร้างโอเปร่าของตนเองขึ้นมา การทดลองครั้งแรกประสบความสำเร็จแล้ว เมื่อลัลลี นักแต่งเพลงในราชสำนักที่โดดเด่น ผู้ชื่นชอบความมั่นใจอย่างแท้จริงของกษัตริย์ จัดการเรื่องนี้ด้วยตัวเอง โรงละครโอเปร่าแห่งชาติก็ถือกำเนิดขึ้นในฝรั่งเศสในเวลาไม่กี่ปี

ใน Lyrical Tragedies โดย Lully (ในขณะที่เขาเรียกว่าโอเปร่าของเขา) สุนทรียศาสตร์ของฝรั่งเศสในยุคนั้นพบว่าเป็นรูปแบบที่ยอดเยี่ยม: ความกลมกลืนและตรรกะของการพัฒนาโครงเรื่องและดนตรีถูกรวมเข้ากับความหรูหราอย่างแท้จริงของการผลิต คณะนักร้องประสานเสียงและบัลเลต์แทบจะเป็นเสาหลักในการแสดง วงออร์เคสตรานี้มีชื่อเสียงไปทั่วยุโรปในด้านความชัดเจนและระเบียบวินัยในการแสดง นักร้อง-ศิลปินเดี่ยวยังเก่ง นักแสดงที่มีชื่อเสียงฉากที่น่าทึ่งซึ่งเป็นต้นแบบให้กับพวกเขา (ตัว Lully เองก็เรียนการบรรยายจาก นักแสดงหญิงยอดเยี่ยมครั้งนั้นชานเมเล่ และสร้างบทบรรยายและอาเรีย โดยท่องบทเหล่านั้นก่อน แล้วจึงมองหาสำนวนที่เหมาะสมในดนตรี)

ทั้งหมดนี้ทำให้อุปรากรฝรั่งเศสมีลักษณะที่แตกต่างจากอิตาลีหลายประการ แม้จะมีรูปแบบและโครงเรื่องทั่วไป (วีรบุรุษตามตำนานโบราณและมหากาพย์อัศวิน) ดังนั้น วัฒนธรรมชั้นสูงของคำที่ใช้แสดงบนเวที ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของละครฝรั่งเศส จึงสะท้อนให้เห็นในบทบาทที่โดดเด่นของบทประพันธ์โอเปร่า ค่อนข้างแข็งกระด้าง เพลงอารีซึ่งมีบทบาทสำคัญในโอเปร่าของอิตาลี อยู่ในตำแหน่งที่เรียบง่ายกว่า โดยทำหน้าที่เป็นบทสรุปสั้น ๆ ของบทพูดคนเดียว

Virtuoso coloratura และความหลงใหลของชาวอิตาเลียนสำหรับ เสียงสูง Castrati กลายเป็นคนต่างด้าวกับความต้องการทางศิลปะของชาวฝรั่งเศส Lully เขียนเฉพาะเสียงผู้ชายตามธรรมชาติ และในส่วนของผู้หญิง เขาไม่ได้หันไปใช้เสียงที่สูงมากนัก เขาประสบความสำเร็จในเอฟเฟกต์เสียงที่คล้ายกันในโอเปร่าด้วยความช่วยเหลือของเครื่องดนตรีออเคสตร้า ซึ่งเป็นเสียงที่เขาใช้กันอย่างแพร่หลายและแยบยลมากกว่าชาวอิตาลี ในการร้องเพลง เขาส่วนใหญ่ชื่นชมความหมายที่น่าทึ่งของมัน

ช่วงเวลาตลก "ต่ำ" - ตัวละคร สถานการณ์ การแสดงที่ได้รับความนิยมในอิตาลี - ไม่ได้รับอนุญาตในโลกที่มีระเบียบเคร่งครัดใบนี้ ด้านความบันเทิงของการแสดงคือการเต้นรำมากมาย พวกเขาได้รับการแนะนำให้รู้จักกับการแสดงไม่ว่าจะด้วยเหตุผลใดก็ตาม ทั้งสนุกสนานหรือโศกเศร้า เคร่งขรึมหรือเป็นโคลงสั้น ๆ (เช่น ในฉากรัก) โดยไม่ละเมิดโครงสร้างอันยอดเยี่ยมของการแสดง แต่นำเสนอความหลากหลายและความสว่างเข้ามา บทบาทที่กระตือรือร้นของการออกแบบท่าเต้นในบทละครของอุปรากรฝรั่งเศสในไม่ช้านี้ นำไปสู่การเกิดขึ้นของการแสดงดนตรีประเภทพิเศษ: โอเปร่า-บัลเลต์ ซึ่งเวทีเสียงร้องและ ศิลปะการเต้นรำมีปฏิสัมพันธ์ในเงื่อนไขที่เท่าเทียมกัน

ดังนั้นการแสดงของอิตาลีซึ่งไม่ได้รับการตอบสนองด้วยความเห็นอกเห็นใจในปารีสจึงมีบทบาทในการกระตุ้นที่นี่โดยกระตุ้นการเติบโตของวัฒนธรรมโอเปร่าแห่งชาติ

สถานการณ์แตกต่างออกไปในประเทศอื่นๆ:

ออสเตรียตัวอย่างเช่น เธอคุ้นเคยกับผลงานของนักแต่งเพลงชาวอิตาลีเกือบจะพร้อมๆ กับฝรั่งเศส (ช่วงต้นยุค 40) สถาปนิก นักแต่งเพลง นักร้องชาวอิตาลีได้รับเชิญมาที่เวียนนา และในไม่ช้าโรงโอเปร่าประจำศาลที่มีคณะละครอันงดงามและฉากที่ตกแต่งอย่างหรูหราก็ปรากฏขึ้นในอาณาเขตของพระราชวังอิมพีเรียล การผลิตเหล่านี้มักเกี่ยวข้องกับขุนนางชั้นสูงของเวียนนาและแม้แต่สมาชิกในราชวงศ์ บางครั้งการแสดงพิธีการก็ถูกนำออกไปที่จัตุรัสเพื่อให้ชาวเมืองได้ร่วมชมงานศิลปะใหม่อันวิจิตรงดงาม

ต่อมา (ปลายศตวรรษที่ 17) คณะชาวเนเปิลส์ก็ก่อตั้งขึ้นอย่างมั่นคงเช่นกัน อังกฤษ เยอรมัน สเปน- ไม่ว่าชีวิตในศาลจะเปิดโอกาสให้พวกเขาได้ตั้งหลักใหม่ โอเปร่าอิตาลีมีบทบาทสองประการ: ขัดขวางการพัฒนาวัฒนธรรมดั้งเดิมของชาติอย่างไม่ต้องสงสัย บางครั้งก็ยับยั้งการแตกหน่อของมันเป็นเวลานาน ในขณะเดียวกันก็ปลุกความสนใจในแนวเพลงใหม่และทักษะของนักแสดงของเธอ เธอมีส่วนในการพัฒนารสนิยมทางดนตรีและความรักในโรงละครโอเปร่าทุกที่

ในประเทศขนาดใหญ่เช่น ออสเตรียปฏิสัมพันธ์ของอิตาลีและวัฒนธรรมภายในประเทศนำไปสู่การสร้างสายสัมพันธ์และการเพิ่มคุณค่าร่วมกันของประเพณีการแสดงละคร เมื่อเผชิญหน้ากับชนชั้นสูงของออสเตรีย นักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่ทำงานในเวียนนาพบผู้ชมที่เปิดกว้างและมีการศึกษาทางดนตรีที่หลอมรวมนวัตกรรมจากต่างประเทศได้อย่างง่ายดาย แต่ในขณะเดียวกันก็ปกป้องอำนาจของตนเองและวิถีชีวิตดั้งเดิมของศิลปะของประเทศ แม้ในช่วงเวลาแห่งความหลงใหลในโอเปร่าอิตาลีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เวียนนาก็ปฏิบัติต่อเสียงประสานเสียงประสานเสียงของปรมาจารย์ชาวออสเตรียด้วยลำดับความสำคัญเดียวกัน เธอชอบการเต้นรำประจำชาติมากกว่าศิลปะการออกแบบท่าเต้นอื่น ๆ และร่วมกับบัลเล่ต์ขี่ม้าในสังคมชั้นสูง - ความงามและความภาคภูมิใจของราชสำนัก - เธอไม่สนใจการแสดงสาธารณะของประชาชนในสมัยก่อนโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับเรื่องตลก ด้วยไหวพริบที่ร่าเริง ซุกซน และเล่ห์เหลี่ยมตลกขบขัน

ในการที่จะควบคุมผู้ชมดังกล่าวได้นั้น จำเป็นต้องคำนึงถึงรสชาติที่สร้างสรรค์ และนักแต่งเพลงชาวอิตาลีก็แสดงความยืดหยุ่นเพียงพอในเรื่องนี้ เมื่อพิจารณาจากชาวเวียนนาแล้ว พวกเขาเต็มใจที่จะพัฒนาฉากร้องเพลงประสานเสียงและตอนสำคัญๆ ในโอเปร่าอย่างลึกซึ้ง (ให้ความสนใจกับพวกเขามากกว่าในบ้านเกิดของพวกเขา); ตามกฎแล้วดนตรีบัลเล่ต์ได้รับความไว้วางใจจากเพื่อนร่วมงานชาวเวียนนา - ผู้เชี่ยวชาญด้านนิทานพื้นบ้านเต้นรำ ในการสลับฉากตลกขบขัน พวกเขาหันไปใช้ประสบการณ์ของโรงละครพื้นบ้านของออสเตรียอย่างกว้างขวาง โดยยืมท่วงท่าและเทคนิคที่มีไหวพริบจากมัน ด้วยการสร้างการติดต่อกับพื้นที่ต่างๆ ของศิลปะประจำชาติ พวกเขาจึงจัดให้มีการแสดงโอเปร่าของอิตาลี หรือเรียกอีกอย่างว่า "อิตาลี" โดยได้รับการยอมรับมากที่สุด วงกลมกว้างประชากรของเมืองหลวง สำหรับออสเตรีย ความคิดริเริ่มดังกล่าวมีผลอย่างอื่นที่สำคัญกว่า นั่นคือ การมีส่วนร่วมของกองกำลังท้องถิ่นในกิจกรรมของเมืองหลวง เวทีโอเปร่าเป็นสิ่งที่จำเป็นสำหรับการเติบโตที่เป็นอิสระต่อไปของบุคลากรโอเปร่าแห่งชาติ

ตั้งแต่ช่วงต้นทศวรรษที่ 60 เป็นต้นมา โรงอุปรากรของอิตาลีได้เริ่มขบวนแห่ชัยชนะ ทั่วดินแดนเยอรมันขั้นตอนนี้ถูกทำเครื่องหมายด้วยการเปิดโรงละครโอเปร่าหลายแห่ง - ในเดรสเดน (1660), ฮัมบูร์ก (1671), ไลป์ซิก (1685), บราวน์ชไวก์ (1690) และการต่อสู้ที่ยากและไม่เท่าเทียมกันของนักแต่งเพลงชาวเยอรมันกับการแข่งขันจากต่างประเทศ

โรงละครเดรสเดนกลายเป็นฐานที่มั่นถาวร ซึ่งผู้มีสิทธิเลือกตั้งแห่งแซกโซนีได้เชิญคณะละครอิตาลีที่ยอดเยี่ยม ความสำเร็จอันยอดเยี่ยมของการแสดงที่เดรสเดนทำให้ชาวอิตาลีเข้าถึงสนามอื่นๆ ของเยอรมันได้ง่ายขึ้นเช่นกัน อย่างไรก็ตาม แรงกดดันของพวกเขาถูกต่อต้านโดยพลังของผู้สนับสนุนวัฒนธรรมของชาติ ซึ่งในจำนวนนี้มีทั้งเจ้าหน้าที่ระดับสูงและชาวเมืองที่มีการศึกษา และนักดนตรีมืออาชีพระดับสูง แต่ความโชคร้ายร่วมกันของผู้รักชาติคือการขาดบุคลากรโอเปร่าในประเทศ: เยอรมนีมีชื่อเสียงในด้านวัฒนธรรมการร้องเพลงประสานเสียงและนักเล่นเครื่องดนตรีที่ยอดเยี่ยม แต่ไม่มีนักร้องเดี่ยวที่ได้รับการฝึกฝนด้านโอเปร่าโดยเฉพาะและสามารถอยู่บนเวทีได้ ดังนั้นจึงเป็น ไม่ใช่เรื่องง่ายและบางครั้งก็ไม่สามารถแก้ไขได้ในการรวมคณะที่เต็มเปี่ยม ดยุกแห่งบรันสวิกต้อง "ยืม" นักร้องในไวส์เซนเฟลส์มาแสดงบนเวที และกระทั่งดึงดูดนักเรียนสมัครเล่นจากกราซ

มีเพียงโรงละครฮัมบูร์กซึ่งได้รับการสนับสนุนทางการเงินจากพ่อค้า Hanseatic ผู้มั่งคั่งเท่านั้นที่อยู่ในตำแหน่งที่ดีกว่า: มีการผสมผเสและการเตรียมการที่ไม่ดี แต่อย่างไรก็ตาม คณะถาวรและสิ่งนี้ทำให้สามารถสร้างชีวิตการแสดงละครในเมืองได้ ไม่น่าแปลกใจที่ฮัมบูร์กได้กลายเป็นศูนย์กลางของนักดนตรีชาวเยอรมันหลายคน

ดังนั้นเราจึงเห็นว่าในช่วงเริ่มต้นของการพัฒนาโอเปร่าในแต่ละประเทศพยายามที่จะค้นหาวิธีการของตนเองและแสดงรสนิยมและความโน้มเอียงทางศิลปะของคนเหล่านี้

โอเปร่าเป็นหนึ่งในประเภทดนตรีและการแสดงละครที่สำคัญที่สุด เธอเป็นส่วนผสมของดนตรี เสียงร้อง ภาพวาด และการแสดง และได้รับการยกย่องอย่างสูงจากบรรดาผู้ศรัทธา ศิลปะคลาสสิก. ไม่น่าแปลกใจที่ในบทเรียนดนตรีเด็กจะได้รับรายงานในหัวข้อนี้ก่อน

ติดต่อกับ

มันเริ่มต้นที่ไหน

มันเริ่มต้นด้วยการทาบทาม นี่คือบทนำที่บรรเลงโดยวงดุริยางค์ซิมโฟนี. ออกแบบมาเพื่อกำหนดอารมณ์และบรรยากาศของการเล่น

เกิดอะไรขึ้น

การทาบทามตามด้วยส่วนหลักของการแสดง นี่เป็นการกระทำที่ยิ่งใหญ่ซึ่งแบ่งออกเป็นการกระทำ - ส่วนที่สมบูรณ์ของการแสดงซึ่งอยู่ระหว่างช่วงพัก ช่วงพักอาจยาวเพื่อให้ผู้ชมและผู้เข้าร่วมการผลิตได้พักผ่อน หรือสั้นลงเมื่อม่านลดระดับลงเพียงเพื่อเปลี่ยนฉาก

ตัวหลักและพลังขับเคลื่อนทั้งหมดคือโซโลอาเรีย แสดงโดยนักแสดง - ตัวละครในเรื่อง Arias เปิดเผยโครงเรื่อง ลักษณะนิสัย และความรู้สึกของตัวละคร บางครั้งการบรรยายจะถูกแทรกระหว่าง arias - คำพูดที่เป็นจังหวะไพเราะ - หรือคำพูดทั่วไป

ส่วนวรรณกรรมขึ้นอยู่กับบท มันเป็นสคริปต์ สรุปทำงาน . ในบางกรณีบทกวีจะเขียนโดยนักแต่งเพลงเองเช่น วากเนอร์ แต่บ่อยครั้งที่คำสำหรับโอเปร่าเขียนโดยผู้เขียนบท

มันสิ้นสุดที่ไหน

ตอนจบของการแสดงโอเปร่าคือบทส่งท้าย ส่วนนี้ทำหน้าที่เดียวกับบทส่งท้ายของวรรณกรรม อาจเป็นเรื่องราวเกี่ยวกับ ชะตากรรมในอนาคตฮีโร่หรือสรุปและนิยามคุณธรรม

ประวัติโอเปร่า

วิกิพีเดียมีข้อมูลมากมายเกี่ยวกับเรื่องนี้ แต่บทความนี้จะให้ประวัติย่อของประเภทดนตรีที่กล่าวถึง

โศกนาฏกรรมโบราณและ Florentine Camerata

โอเปร่ามาจากอิตาลี. อย่างไรก็ตาม ประเภทนี้มีรากฐานมาจาก กรีกโบราณซึ่งเป็นครั้งแรกที่พวกเขาเริ่มผสมผสานศิลปะการแสดงบนเวทีและเสียงร้องเข้าด้วยกัน ซึ่งแตกต่างจากโอเปร่าสมัยใหม่ที่เน้นดนตรีเป็นหลัก โศกนาฏกรรมกรีกโบราณสลับกันระหว่างการพูดปกติและการร้องเพลงเท่านั้น รูปแบบศิลปะนี้ยังคงพัฒนาต่อไปในหมู่ชาวโรมัน ในโศกนาฏกรรมของชาวโรมันโบราณ ท่อนโซโลมีน้ำหนักมากขึ้น และมีการใช้ดนตรีแทรกบ่อยขึ้น

โศกนาฏกรรมโบราณได้รับชีวิตที่สองเมื่อสิ้นสุดศตวรรษที่ 16 ชุมชนกวีและนักดนตรี Florentine Camerata ตัดสินใจที่จะรื้อฟื้นประเพณีโบราณ พวกเขาสร้างแนวเพลงใหม่ที่เรียกว่า "ละครผ่านเพลง" ตรงกันข้ามกับโพลีโฟนีที่ได้รับความนิยมในเวลานั้น งานของคาเมราตาคือการท่องทำนองไพเราะแบบโมโนโฟนิก การแสดงละครและการบรรเลงดนตรีประกอบมีจุดประสงค์เพื่อเน้นการแสดงออกและความเย้ายวนของบทกวีเท่านั้น

เชื่อกันว่าการแสดงโอเปร่าครั้งแรกออกฉายในปี ค.ศ. 1598 น่าเสียดายที่ผลงาน "Daphne" ซึ่งเขียนโดยนักแต่งเพลง Jacopo Peri และกวี Ottavio Rinuccini ในยุคของเรามีเพียงชื่อเท่านั้นที่ยังคงอยู่ . แต่ปากกาของพวกเขาเองเป็นของ "Eurydice"ซึ่งเป็นโอเปร่ายุคแรกสุดที่ยังหลงเหลืออยู่ อย่างไรก็ตาม งานอันรุ่งโรจน์สำหรับสังคมยุคใหม่นี้เป็นเพียงภาพสะท้อนของอดีต แต่โอเปร่า Orpheus ซึ่งเขียนโดย Claudio Monteverdi ที่มีชื่อเสียงในปี 1607 สำหรับศาล Mantua ยังคงสามารถรับชมได้ในโรงภาพยนตร์จนถึงทุกวันนี้ ครอบครัว Gonzaga ซึ่งปกครองใน Mantua ในสมัยนั้นมีส่วนสำคัญในการกำเนิดประเภทโอเปร่า

ละคร

สมาชิกของ Florentine Camerata สามารถเรียกได้ว่าเป็น "กบฏ" ในสมัยนั้น ในยุคที่คริสตจักรกำหนดรูปแบบดนตรี พวกเขาหันไปหาตำนานนอกรีตและตำนานของกรีก ละทิ้งบรรทัดฐานทางสุนทรียศาสตร์ที่ยอมรับในสังคม และสร้างสิ่งใหม่ อย่างไรก็ตามก่อนหน้านี้โรงละครได้แนะนำวิธีแก้ปัญหาที่ผิดปกติของพวกเขา ทิศทางนี้กระพือในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

การทดลองและมุ่งเน้นไปที่ปฏิกิริยาของผู้ชม แนวเพลงประเภทนี้ได้พัฒนารูปแบบของตนเอง ตัวแทนของโรงละครใช้ดนตรีและการเต้นรำในการผลิต ศิลปะรูปแบบใหม่ได้รับความนิยมอย่างมาก มันเป็นอิทธิพลของละครที่ช่วยให้ "ละครผ่านดนตรี" เข้าถึงระดับใหม่ของการแสดงอารมณ์

โอเปร่ายังคงดำเนินต่อไปพัฒนาและได้รับความนิยม อย่างไรก็ตามนี่คือความจริง แนวดนตรีเจริญรุ่งเรืองในเวนิสเมื่อในปี ค.ศ. 1637 เบเนเดตโต เฟอร์รารี และฟรานเชสโก มาเนลลีเปิดโรงอุปรากรสาธารณะแห่งแรกในชื่อซาน คาสเซียโน ด้วยเหตุการณ์นี้งานดนตรีประเภทนี้จึงกลายเป็นความบันเทิงสำหรับข้าราชบริพารและเข้าสู่ระดับการค้า ในเวลานี้การครองราชย์ของ Castrati และ Prima Donna ในโลกแห่งดนตรีเริ่มต้นขึ้น

จำหน่ายในต่างประเทศ

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 ศิลปะโอเปร่าซึ่งได้รับการสนับสนุนจากชนชั้นสูงได้พัฒนาเป็น ประเภทอิสระและความบันเทิงในราคาย่อมเยาสำหรับคนทั่วไป ต้องขอบคุณคณะเดินทาง การแสดงประเภทนี้จึงแพร่หลายไปทั่วอิตาลี และเริ่มได้รับชัยชนะเหนือผู้ชมในต่างประเทศ

ตัวแทนประเภทแรกของอิตาลีที่นำเสนอในต่างประเทศเรียกว่า "Galatea" มีการแสดงในปี 1628 ในเมืองวอร์ซอว์ หลังจากนั้นไม่นาน มีการแสดงงานอื่นที่ศาล - "La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina" โดย Francesca Caccini งานนี้ยังเป็นโอเปร่าที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่ซึ่งเขียนโดยผู้หญิง

Jason โดย Francesco Cavalli เป็นโอเปร่าที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในศตวรรษที่ 17. ในเรื่องนี้ในปี ค.ศ. 1660 เขาได้รับเชิญไปฝรั่งเศสเพื่อร่วมงานแต่งงานของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 อย่างไรก็ตาม "Xerxes" และ "Hercules in Love" ของเขาไม่ประสบความสำเร็จกับสาธารณชนชาวฝรั่งเศส

อันโตนิโอ เชสติ ผู้ซึ่งถูกขอให้เขียนโอเปร่าให้กับตระกูลฮับสบวร์กแห่งออสเตรียนั้นประสบความสำเร็จมากกว่า การแสดงที่ยิ่งใหญ่ของเขา "Golden Apple" กินเวลาสองวัน ความสำเร็จเป็นประวัติการณ์สังเกตเห็นการเพิ่มขึ้นของประเพณีโอเปร่าของอิตาลีในดนตรียุโรป

เซเรียและควาย

ในศตวรรษที่ 18 โอเปร่าประเภทต่างๆ เช่น seria และ buffa ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ แม้ว่าทั้งสองจะมีต้นกำเนิดในเนเปิลส์ แต่ทั้งสองประเภทก็แสดงถึงสิ่งที่ตรงกันข้ามกันโดยพื้นฐาน Opera Seria หมายถึง "โอเปร่าจริงจัง" นี่คือผลผลิตของยุคคลาสสิกซึ่งสนับสนุนความบริสุทธิ์ของประเภทและการพิมพ์ในงานศิลปะ ซีรีส์มีคุณสมบัติดังต่อไปนี้:

วิชาประวัติศาสตร์หรือตำนาน;
ความเด่นของการบรรยายเหนือ arias;
การแยกบทบาทของดนตรีและข้อความ
ปรับแต่งตัวละครน้อยที่สุด
การกระทำแบบคงที่

นักประพันธ์บทประพันธ์ที่ประสบความสำเร็จและมีชื่อเสียงที่สุดในแนวนี้คือ Pietro Metastasio บทประพันธ์ที่ดีที่สุดของเขาเขียนโดยโอเปร่าหลายสิบเรื่องโดยนักแต่งเพลงหลายคน

ในขณะเดียวกันประเภทหนังตลกควายก็พัฒนาแบบคู่ขนานและเป็นอิสระ หากซีรีส์บอกเล่าเรื่องราวในอดีต บัฟฟาจะอุทิศโครงเรื่องให้กับสถานการณ์สมัยใหม่และในชีวิตประจำวัน ประเภทนี้เกิดขึ้นจากฉากตลกสั้นที่จัดฉากระหว่างช่วงพักของการแสดงหลักและเป็นงานแยกต่างหาก ค่อยเป็นค่อยไปของศิลปะชนิดนี้ได้รับความนิยมและได้รับการยอมรับว่าเป็นตัวแทนอิสระอย่างเต็มตัว

การปฏิรูปของ Gluck

นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Christoph Willibald Gluck ได้สร้างชื่อของเขาไว้อย่างมั่นคงในประวัติศาสตร์ดนตรี เมื่อโอเปร่าซีเรียครอบงำเวทีต่างๆ ของยุโรป เขาส่งเสริมวิสัยทัศน์ของเขาเกี่ยวกับศิลปะโอเปร่าอย่างดื้อรั้น เขาเชื่อว่าละครควรควบคุมการแสดง และงานด้านดนตรี เสียงร้อง และการออกแบบท่าเต้นควรส่งเสริมและเน้นย้ำเรื่องนี้ Gluck แย้งว่านักแต่งเพลงควรละทิ้งการแสดงที่ฉูดฉาดโดยหันไปสนใจ "ความงามที่เรียบง่าย" องค์ประกอบทั้งหมดของโอเปร่าควรมีความต่อเนื่องซึ่งกันและกันและสร้างโครงเรื่องที่สอดคล้องกัน

เขาเริ่มการปฏิรูปในปี พ.ศ. 2305 ในกรุงเวียนนา ร่วมกับผู้เขียนบท Ranieri de Calzabidgi เขาแสดงละครสามเรื่อง แต่พวกเขาไม่ได้รับการตอบสนอง จากนั้นในปี พ.ศ. 2316 เขาไปปารีส ของเขา กิจกรรมการปฏิรูปกินเวลาจนถึงปี พ.ศ. 2322 และทำให้เกิดความขัดแย้งและความไม่สงบในหมู่คนรักดนตรี . ความคิดของ Gluck มีอิทธิพลอย่างมากสู่การพัฒนาประเภทของโอเปร่า พวกเขายังสะท้อนให้เห็นในการปฏิรูปของศตวรรษที่ 19

ประเภทโอเปร่า

กว่าสี่ศตวรรษของประวัติศาสตร์ แนวเพลงโอเปร่าได้ผ่านการเปลี่ยนแปลงมากมายและนำหลายสิ่งหลายอย่างมาสู่โลกดนตรี ในช่วงเวลานี้ โอเปร่าหลายประเภทมีความโดดเด่น:

แสดงตัวอย่าง:

สถาบันการศึกษาทั่วไปในกำกับของรัฐ

"โรงยิมหมายเลข 5" ของเมือง Almetyevsk ของสาธารณรัฐตาตาร์สถาน

บทเรียนดนตรีในชั้นประถมศึกษาปีที่ 7 "โอเปร่า ประเพณีและนวัตกรรม

รองผู้อำนวยการฝ่ายการศึกษา

ครูสอนดนตรี

คำอธิบายวัสดุ: สามารถใช้เนื้อหาในบทเรียนดนตรีได้ กลุ่มเป้าหมาย - เด็กอายุ 13-14 ปี แผนการสอนใช้วิธีสอนแบบสิงคโปร์

จุดประสงค์ของบทเรียน – เพื่อดูความสัมพันธ์ระหว่างประเพณีและนวัตกรรมซึ่งมีส่วนทำให้เกิดการออกแบบอันชาญฉลาด เพลงร่วมสมัยในตัวอย่างของโอเปร่าร็อค "Mozart"

งาน:

เพื่อสรุปความรู้ในหัวข้อ "Polyphony" ในโครงสร้างของโอเปร่าคลาสสิก
ทำความคุ้นเคยกับแนวเพลงใหม่และวาดเส้นขนานกับโครงสร้างแบบดั้งเดิมของโอเปร่าคลาสสิกโดยอิงจากองค์ประกอบของการวิเคราะห์ที่มีความหมายของชิ้นส่วนดนตรีจากโอเปร่าร็อค
มีส่วนร่วมในการขยายพื้นที่ข้อมูล

ประเภทบทเรียน - รวมกัน

วิธีการ – การย้อนหลังองค์ประกอบของวิธีวิเคราะห์ความหมาย ชิ้นดนตรี, วิธีการดราม่าทางอารมณ์ (D.B. Kabalevsky), วิธีการเข้าใจเสียงสูงต่ำและโวหารของดนตรี (E.D. Kritskaya), วิธีการรวมศูนย์ของการจัดระเบียบของวัสดุดนตรี, วิธีการสร้างแบบจำลองภาพลักษณ์ของงานดนตรี

รูปแบบการทำงาน - กลุ่ม, หน้าผาก, บุคคลอิสระ

โครงสร้างการทำงาน- หมดเวลา - กลม - โรบิน, หมดเวลา - ถั่ว - เชีย, เฮ้ - ar - ไกด์, ซูม - เข้า, คอนเนอร์, โมเดลฟรี

ประเภทของกิจกรรมรำพึง
เกณฑ์การคัดเลือกสำหรับการแสดงดนตรีคือคุณค่าทางศิลปะและแนวการศึกษา

ระหว่างเรียน.

เวลาจัดงาน.

ครู: ขอให้ทุกคนยิ้มให้กันเพื่อเป็นหลักประกันความอารมณ์ดีของเรา

ก่อนที่เราจะพูดกันต่อเกี่ยวกับดนตรี ฉันอยากฟังสิ่งที่คุณได้เรียนรู้จากบทเรียนที่แล้ว โครงสร้างจะช่วยฉันในเรื่องนี้

หมดเวลา - รอบ - โรบิ้นอภิปราย คนละ 20 วินาที เริ่มด้วยนักเรียนหมายเลข 1 (นาฬิกา)

และตอนนี้เรามาสรุปกันเลขที่โต๊ะรับผิดชอบ...ผู้อื่นอาจกรอกข้อมูลที่ขาดหายไป

คำตอบที่แนะนำ:

J.S. Bach - นักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่

โพลีโฟนิสต์, ออแกน,

นักแต่งเพลงยุคบาโรก,

วันที่ของชีวิต,

ถูกข่มเหง

หายหน้าหายตาไป ฯลฯ

โพลีโฟนีและโฮโมโฟนีคืออะไร?หมดเวลา - ถั่ว - เชียกับเพื่อนบ้านบนไหล่

ทุกคนมีเวลา 20 วินาทีในการพูดคุย (CLOCK.)

นักเรียนหมายเลข 3 คำตอบ หมายเลขตาราง ...

ครู: ซองจดหมายที่มีวลีและคำสำคัญจะช่วยกำหนดหัวข้อของบทเรียนนี้ คุณต้องทำข้อเสนอ:

หมดเวลา - รอบ – โรบิน 1 นาที CLOCK

"งานดนตรีและละครที่เสียงดนตรีเปล่งออกมา"

ครู: คุณรู้อะไรเกี่ยวกับโอเปร่าบ้าง? สิ่งนี้จะช่วยให้เข้าใจโครงสร้าง

เฮ้ AR ไกด์

คุณเห็นด้วยกับข้อความ (ใส่ "+" ถ้าใช่)? 2 นาที (ชั่วโมง)

ตามโครงเรื่อง ลูกสาวของราชินีแห่งรัตติกาลถูกลักพาตัวไป เธอจึงส่งเจ้าชายและคนจับนกไปช่วยเธอ ฟัง ดู...

คุณรู้จักอาเรียนี้หรือไม่?

แสดงเป็นภาษาอะไร

นี่เป็นหนึ่งในเพลงอาเรียที่ยากที่สุดจนถึงทุกวันนี้ และบางทีนั่นอาจเป็นสาเหตุที่ทำให้เพลงยังคงได้รับความนิยม

ในการยืนยัน ดูชิ้นส่วนจากโปรแกรม "เสียง" 2-3 นาที

บนอินเทอร์เน็ต คุณสามารถค้นหาตัวเลือกมากมายสำหรับการดำเนินการ นี่เป็นการยืนยันอีกครั้งถึงความนิยมของ aria of the queen of the night ในวันนี้

ครู: คุณคิดว่าโอเปร่าเป็นอย่างไรในวันนี้? เปลี่ยนไปหรือไม่เหมือนเดิม?

พวกเขาโต้เถียง…

ครู: ฉันขอแนะนำให้คุณดูอีกหนึ่งส่วนโดยไม่บอกลักษณะและชื่อชมโอเปร่าร็อค "โมสาร์ท"

คุณพอจะเข้าใจไหมว่าโอเปร่าเรื่องนี้เกี่ยวกับอะไร?

มันฟังดูเหมือนโอเปร่าคลาสสิกหรือไม่?

อะไรทำให้แตกต่าง?
- ทำไมการรวมตัวกันของร็อคและโอเปร่าจึงเกิดขึ้น?

(ในทศวรรษที่ 60 ความนิยมของดนตรีร็อคกำลังเพิ่มขึ้นและความอยากในแนวเพลงที่จริงจังไม่ได้หายไป ดังนั้นความคิดที่จะรวมสองทิศทางที่ดูเหมือนเข้ากันไม่ได้จึงเกิดขึ้น) โอเปร่าร็อคเกิดขึ้นในอังกฤษและอเมริกา ระหว่างการแสดง นักดนตรีสามารถอยู่บนเวที ใช้เครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์สมัยใหม่และเอฟเฟกต์พิเศษได้

โครงสร้าง AR GUIDE กรอกคำตอบในตาราง

2 นาที. ดู.

รวบรวมใบไม้

CONERS กล่าวว่าปุ่มที่มีปุ่มมากที่สุด แล้วใครที่ฟัง (คนละ 1 นาที)

อภิปราย 1 นาที

ฉันขอให้ทุกคนไปที่ที่นั่งของพวกเขา

FREYER MODEL จะช่วยให้เรารวบรวมความรู้ที่ได้รับลงนามในแผ่นพับรวบรวมเพื่อการประเมิน

D.Z เตรียมรายงานเกี่ยวกับ Mozart คะแนนบทเรียน ฉันชอบวิธีที่คุณทำงาน
บทเรียนของเราจบลงแล้ว ขอบคุณสำหรับการทำงานของคุณ ลาก่อน.

การทบทวนบทเรียน

ครู: Khairutdinova Rimma Ilyinichna

บทเรียนแสดงในชั้นประถมศึกษาปีที่ 7

หัวข้อบทเรียน: "โอเปร่า ประเพณีและนวัตกรรม

บทเรียนรวม. มีงานเพื่อรวบรวมเนื้อหาที่ครอบคลุมและศึกษาหัวข้อใหม่ โครงสร้างที่ใช้ ได้แก่ ไทม์ - ราวด์ - โรบิน, ไทม์ - ถั่ว - เชีย, เฮ้ - อาร์ - ไกด์, ซูม - เข้า, คอนเนอร์, โมเดลอิสระ

วิธีการที่ใช้การหวนกลับ, องค์ประกอบของวิธีการวิเคราะห์ความหมายของงานดนตรี, วิธีการแสดงละครทางอารมณ์ (D.B. Kabalevsky), วิธีการเข้าใจเสียงสูงและโวหารของดนตรี (E.D. Kritskaya), วิธีการรวมศูนย์กลางขององค์กรของวัสดุดนตรี, วิธีการจำลองภาพลักษณ์ของงานดนตรี

ประเภทของกิจกรรมรำพึง- การสะท้อนการวิเคราะห์ดนตรีของงานดนตรี

มีนักเรียน 22 คนในเกรด 7 ส่วนใหญ่เรียนดีและมีความกระตือรือร้นในห้องเรียน บทเรียนได้รับการออกแบบในลักษณะที่เกี่ยวข้องกับนักเรียนที่ไม่กระตือรือร้น

จุดประสงค์ของบทเรียน: ดูความสัมพันธ์ระหว่างประเพณีและนวัตกรรมซึ่งนำไปสู่การเกิดขึ้นของตัวอย่างเพลงสมัยใหม่ที่ยอดเยี่ยมในตัวอย่างของโอเปร่าร็อค "Mozart"

งาน:

เกี่ยวกับการศึกษา

การก่อตัวของความสามารถในการใช้ข้อมูลที่ศึกษาภายใต้กรอบของบทเรียนนี้

ความรู้ทั่วไปในหัวข้อ "Polyphony" ในโครงสร้างของโอเปร่าคลาสสิก

การพัฒนาทักษะโสตทัศนูปกรณ์

เกี่ยวกับการศึกษา

การสร้างความคิดเชิงวิพากษ์

การพัฒนาความจำ จินตนาการ การสื่อสาร

เพื่อทำความคุ้นเคยกับประเภทใหม่และขึ้นอยู่กับองค์ประกอบของการวิเคราะห์ชิ้นส่วนดนตรีที่มีความหมายจากโอเปร่าร็อค

การขยายข้อมูลและพื้นที่การศึกษา

เกี่ยวกับการศึกษา

เสริมสร้างกิจกรรมสร้างสรรค์