คำอธิบายแจ๊ส แจ๊ส: คืออะไร (คำจำกัดความ), ประวัติของรูปลักษณ์, แหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊ส

แจ๊สเป็นศิลปะดนตรีประเภทหนึ่งที่เกิดขึ้นจากการสังเคราะห์ของชาวแอฟริกันและ วัฒนธรรมยุโรปเนื้อเรื่องนิทานพื้นบ้านแอฟริกันอเมริกัน จังหวะและการแสดงสดยืมมาจากดนตรีแอฟริกัน ความสามัคคียืมมาจากยุโรป

ข้อมูลทั่วไปเกี่ยวกับต้นกำเนิดของการก่อตัว

ประวัติของดนตรีแจ๊สมีต้นกำเนิดในปี 1910 ในสหรัฐอเมริกา มันแพร่กระจายไปทั่วโลกอย่างรวดเร็ว ในช่วงศตวรรษที่ 20 ทิศทางดนตรีนี้มีการเปลี่ยนแปลงหลายอย่าง หากเราพูดสั้น ๆ เกี่ยวกับประวัติความเป็นมาของดนตรีแจ๊ส ควรสังเกตว่ามีการพัฒนาหลายขั้นตอนในกระบวนการก่อตัว ในช่วงทศวรรษที่ 1930 และ 1940 เขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการเคลื่อนไหวแบบวงสวิงและบี๊บ็อบ หลังจากปี 1950 ดนตรีแจ๊สเริ่มถูกมองว่าเป็นแนวดนตรีที่รวมสไตล์ทั้งหมดที่พัฒนาขึ้น

แจ๊สได้เข้ามาแทนที่ในทรงกลมแล้ว ศิลปะชั้นสูง. ถือว่าค่อนข้างมีเกียรติซึ่งมีอิทธิพลต่อการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีโลก

ประวัติความเป็นมาของดนตรีแจ๊ส

ทิศทางนี้เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาอันเป็นผลมาจากการรวมตัวของวัฒนธรรมดนตรีต่างๆ ประวัติความเป็นมาของดนตรีแจ๊สเริ่มต้นขึ้นในอเมริกาเหนือ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นที่อยู่อาศัยของชาวโปรเตสแตนต์ชาวอังกฤษและฝรั่งเศส นักเผยแผ่ศาสนาพยายามเปลี่ยนคนผิวดำให้หันมาศรัทธาโดยสนใจเรื่องความรอดของจิตวิญญาณ

ผลของการสังเคราะห์วัฒนธรรมคือการเกิดขึ้นของจิตวิญญาณและบลูส์

ดนตรีแอฟริกันมีลักษณะด้นสด, จังหวะหลายจังหวะ, รูปทรงหลายเหลี่ยมและความเป็นเส้นตรง บทบาทที่ยิ่งใหญ่ถูกกำหนดให้กับการเริ่มต้นจังหวะ คุณค่าของทำนองและความกลมกลืนนั้นไม่สำคัญนัก นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าดนตรีแอฟริกันมี มูลค่าที่ใช้. มันมาพร้อมกับกิจกรรมแรงงานพิธีกรรม ดนตรีแอฟริกันไม่เป็นอิสระและเกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหว การเต้นรำ การบรรยาย น้ำเสียงค่อนข้างอิสระ ขึ้นอยู่กับอารมณ์ของผู้แสดง

จากดนตรียุโรปที่มีเหตุผลมากขึ้น แจ๊สได้รับการเสริมแต่งด้วยระบบเมเจอร์-ไมเนอร์ โมดอล โครงสร้างทำนอง และความกลมกลืน

กระบวนการรวมวัฒนธรรมเริ่มต้นขึ้นในศตวรรษที่ 18 และนำไปสู่การกำเนิดของดนตรีแจ๊สในศตวรรษที่ 20

สมัยเรียนที่นิวออร์ลีนส์

ในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊ส เครื่องดนตรีประเภทแรกถือว่ามีต้นกำเนิดในหลุยเซียน่า เป็นครั้งแรกที่เพลงนี้ปรากฏในการแสดงของวงดนตรีทองเหลืองข้างถนนซึ่งเป็นที่นิยมมากในเวลานั้น สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งในประวัติศาสตร์การกำเนิดของดนตรีแจ๊สในเมืองท่านี้คือ Storyville ซึ่งเป็นพื้นที่เมืองที่จัดสรรไว้สำหรับสถานบันเทิงโดยเฉพาะ ที่นี่ ในหมู่นักดนตรีครีโอลซึ่งมีต้นกำเนิดจากนิโกร-ฝรั่งเศส แจ๊สนั้นได้ถือกำเนิดขึ้น พวกเขารู้จักดนตรีคลาสสิกเบา ๆ ได้รับการศึกษา เชี่ยวชาญเทคนิคการเล่นแบบยุโรป เล่นเครื่องดนตรียุโรป อ่านโน้ต การแสดงในระดับสูงและการเลี้ยงดูตามประเพณีของยุโรปทำให้ดนตรีแจ๊สยุคแรกสมบูรณ์ด้วยองค์ประกอบที่ไม่อยู่ภายใต้อิทธิพลของแอฟริกา

เปียโนยังเป็นเครื่องดนตรีทั่วไปในสถานประกอบการของ Storyville การด้นสดส่วนใหญ่ฟังที่นี่และเครื่องดนตรีถูกใช้เป็นเครื่องเคาะมากกว่า

ตัวอย่างของสไตล์นิวออร์ลีนส์ยุคแรกคือวง Buddy Bolden Orchestra (คอร์เน็ต) ซึ่งมีอยู่ตั้งแต่ปี 1895-1907 ดนตรีของวงออเคสตรานี้มีพื้นฐานมาจากการอิมโพรไวส์โดยรวมของโครงสร้างโพลีโฟนิก ในตอนแรก จังหวะของการประพันธ์เพลงแจ๊สของนิวออร์ลีนส์ยุคแรกกำลังดำเนินไป เนื่องจากต้นกำเนิดของวงดนตรีมาจากวงดนตรีของทหาร เมื่อเวลาผ่านไป เครื่องดนตรีประเภทรองก็ถูกนำออกจากองค์ประกอบมาตรฐานของแตรวง วงดนตรีดังกล่าวมักจัดการแข่งขัน พวกเขายังเข้าร่วมโดยผู้เล่นตัวจริง "สีขาว" ซึ่งโดดเด่นด้วยการเล่นทางเทคนิค แต่ไม่ค่อยมีอารมณ์

มีวงออร์เคสตราจำนวนมากที่เล่นมาร์ช บลูส์ แร็กไทม์ ฯลฯ

นอกจากวงดุริยางค์นิโกรแล้ว ยังมีวงออเคสตราที่ประกอบด้วยนักดนตรีผิวขาวด้วย ตอนแรกพวกเขาแสดงดนตรีแบบเดียวกัน แต่เรียกว่า "Dixielands" ต่อมา การแต่งเพลงเหล่านี้ใช้องค์ประกอบของเทคโนโลยีของยุโรปมากขึ้น ทำให้ลักษณะการผลิตเสียงเปลี่ยนไป

วงสตีมโบท

ในประวัติศาสตร์การกำเนิดของดนตรีแจ๊ส วงออเคสตร้าของนิวออร์ลีนส์มีบทบาทบางอย่างซึ่งทำงานบนเรือกลไฟที่ล่องไปตามแม่น้ำมิสซิสซิปปี สำหรับผู้โดยสารที่เดินทางด้วยเรือกลไฟเพื่อความบันเทิง หนึ่งในความบันเทิงที่น่าดึงดูดใจที่สุดคือการแสดงของวงออร์เคสตราดังกล่าว พวกเขาแสดงดนตรีเต้นรำที่สนุกสนาน สำหรับนักแสดง ข้อกำหนดที่จำเป็นคือความรู้เรื่องความรู้ทางดนตรีและความสามารถในการอ่านโน้ตจากแผ่นงาน ดังนั้นองค์ประกอบเหล่านี้จึงมีระดับมืออาชีพค่อนข้างสูง ในวงออเคสตรานั้น Lil Hardin นักเปียโนแจ๊สซึ่งต่อมาได้กลายเป็นภรรยาของ Louis Armstrong ได้เริ่มอาชีพของเธอ

ที่สถานีที่เรือหยุด วงออร์เคสตร้าได้จัดคอนเสิร์ตให้กับประชาชนในท้องถิ่น

วงดนตรีบางวงยังคงอยู่ในเมืองต่างๆ ริมแม่น้ำมิสซิสซิปปี้และมิสซูรีหรือห่างจากพวกเขา เมืองหนึ่งคือชิคาโกที่คนผิวดำรู้สึกสบายใจกว่าในอเมริกาใต้

วงดนตรีขนาดใหญ่

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 20 วงดนตรีขนาดใหญ่รูปแบบหนึ่งได้พัฒนาขึ้นในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊ส ซึ่งยังคงมีความเกี่ยวข้องจนถึงปลายทศวรรษที่ 40 นักแสดงของวงออเคสตร้าดังกล่าวเล่นส่วนที่เรียนรู้ วงออร์เคสตราใช้เสียงที่สดใสของฮาร์โมนีแจ๊สที่บรรเลงโดยเครื่องเป่าทองเหลือง และวงออเคสตราแจ๊สที่มีชื่อเสียงที่สุดคือวงออเคสตราของ Glenn Miller, Benny Goodman, Count Basie, Jimmy Lunsford พวกเขาบันทึกท่วงทำนองเพลงสวิงของแท้ ซึ่งกลายเป็นที่มาของความคลั่งไคล้วงสวิงในกลุ่มผู้ฟัง ใน "การต่อสู้ของออเคสตร้า" ที่จัดขึ้นในเวลานั้น การแสดงเดี่ยวของวงบิ๊กแบนด์ทำให้ผู้ชมตื่นตระหนก

หลังจากทศวรรษที่ 50 เมื่อความนิยมของวงดนตรีขนาดใหญ่ลดลง วงออเคสตราที่มีชื่อเสียงยังคงออกทัวร์และบันทึกเสียงเป็นเวลาหลายทศวรรษ เพลงที่พวกเขาเล่นเปลี่ยนไปโดยได้รับอิทธิพลจากทิศทางใหม่ ปัจจุบันวงดนตรีขนาดใหญ่เป็นมาตรฐานของการศึกษาดนตรีแจ๊ส

ชิคาโกแจ๊ส

ในปี 1917 สหรัฐอเมริกาเข้าสู่สงครามโลกครั้งที่ 1 ในเรื่องนี้ได้รับการประกาศให้เป็นเมืองที่มีความสำคัญทางยุทธศาสตร์ ปิดสถานบันเทิงทั้งหมดที่มีนักดนตรีจำนวนมากทำงาน ออกจากงานพวกเขาอพยพไปทางเหนือไปยังชิคาโก ในช่วงเวลานี้มีนักดนตรีที่ดีที่สุดจากทั้งนิวออร์ลีนส์และเมืองอื่นๆ หนึ่งในนักแสดงที่เก่งที่สุดคือโจโอลิเวอร์ซึ่งมีชื่อเสียงในนิวออร์ลีนส์ ในช่วงที่ชิคาโก วงดนตรีของเขามีนักดนตรีที่มีชื่อเสียง ได้แก่ หลุยส์ อาร์มสตรอง (คอร์เน็ตตัวที่สอง), จอห์นนี่ ดอดส์ (คลาริเน็ต), น้องชายของเขา "แบบี้" ด็อดส์ (กลอง), ลิล ฮาร์ดิน นักเปียโนหนุ่มที่มีการศึกษาในชิคาโก วงออเคสตรานี้เล่นดนตรีแจ๊สแบบนิวออร์ลีนส์แบบด้นสด

จากการวิเคราะห์ประวัติของการพัฒนาดนตรีแจ๊ส ควรสังเกตว่าในยุคชิคาโก เสียงของออเคสตร้าเปลี่ยนไปตามสไตล์ กำลังเปลี่ยนเครื่องมือบางอย่าง การแสดงที่หยุดนิ่งอาจอนุญาตให้ใช้การเป็นสมาชิกวงที่ได้รับมอบอำนาจ แทนที่จะใช้เบสลมจะใช้ดับเบิ้ลเบสแทนแบนโจ - กีตาร์แทนคอร์เน็ต - ทรัมเป็ต นอกจากนี้ยังมีการเปลี่ยนแปลงในกลุ่มกลอง ตอนนี้มือกลองเล่นกลองชุดซึ่งความเป็นไปได้ของเขากว้างขึ้น

ในขณะเดียวกันแซกโซโฟนก็เริ่มใช้ในวงออเคสตร้า

ประวัติของดนตรีแจ๊สในชิคาโกได้รับการเติมเต็มด้วยชื่อใหม่ของนักแสดงรุ่นเยาว์ มีการศึกษาทางดนตรี สามารถอ่านจากแผ่นกระดาษและเตรียมการได้ นักดนตรีเหล่านี้ (ส่วนใหญ่เป็นคนผิวขาว) ไม่รู้จักเสียงดนตรีแจ๊สที่แท้จริงของนิวออร์ลีนส์ แต่เรียนรู้จากนักแสดงผิวดำที่อพยพไปชิคาโก เยาวชนดนตรีเลียนแบบพวกเขา แต่เนื่องจากสิ่งนี้ไม่ได้ผลเสมอไป รูปแบบใหม่จึงเกิดขึ้น

ในช่วงเวลานี้ ทักษะของหลุยส์ อาร์มสตรองถึงจุดสูงสุด เป็นแบบอย่างของดนตรีแจ๊สในชิคาโกและรักษาบทบาทของศิลปินเดี่ยวในระดับสูงสุด

ในชิคาโก ดนตรีบลูส์กลับมาเกิดใหม่ นำเสนอนักแสดงหน้าใหม่

มีการหลอมรวมดนตรีแจ๊สเข้ากับเวที นักร้องจึงเริ่มปรากฏตัวเบื้องหน้า พวกเขาสร้างสรรค์ผลงานเพลงออร์เคสตร้าของตนเองเพื่อบรรเลงดนตรีแจ๊ส

ยุคชิคาโกโดดเด่นด้วยการสร้างรูปแบบใหม่ที่นักดนตรีแจ๊สร้องเพลง Louis Armstrong เป็นหนึ่งในตัวแทนของสไตล์นี้

แกว่ง

ในประวัติศาสตร์ของการสร้างสรรค์ดนตรีแจ๊ส คำว่า "สวิง" (แปลจากภาษาอังกฤษ - "สวิง") ใช้ในสองความหมาย ประการแรก วงสวิงเป็นสื่อที่มีความหมายในเพลงนี้ มันโดดเด่นด้วยการเต้นเป็นจังหวะที่ไม่เสถียรซึ่งสร้างภาพลวงตาของความเร่งของจังหวะ ในเรื่องนี้มีความประทับใจว่าดนตรีมีพลังงานภายในที่ยอดเยี่ยม ผู้แสดงและผู้ฟังรวมเป็นหนึ่งโดยสภาวะทางจิตร่วมกัน เอฟเฟ็กต์นี้เกิดขึ้นได้จากการใช้เทคนิคจังหวะ การใช้ถ้อยคำ การประกบ และการรำไร นักดนตรีแจ๊สทุกคนพยายามที่จะพัฒนาวิธีการดั้งเดิมของดนตรีสวิง เช่นเดียวกับวงดนตรีและวงออร์เคสตรา

ประการที่สอง นี่เป็นหนึ่งในรูปแบบของดนตรีแจ๊สออเคสตร้าที่ปรากฏในช่วงปลายยุค 20 ของศตวรรษที่ 20

ลักษณะเฉพาะของสไตล์การสวิงคือการโซโลด้นสดโดยมีดนตรีประกอบค่อนข้างซับซ้อน ในรูปแบบนี้นักดนตรีที่มีเทคนิคดี มีความรู้เรื่องความสามัคคีและเชี่ยวชาญในเทคนิคก็สามารถทำงานได้ พัฒนาการทางดนตรี. สำหรับการทำดนตรีนั้น มีวงดนตรีออร์เคสตร้าหรือวงดนตรีวงใหญ่จำนวนมาก ซึ่งได้รับความนิยมในยุค 30 องค์ประกอบมาตรฐานของวงออเคสตร้าประกอบด้วยนักดนตรี 10-20 คน ในจำนวนนี้ - จาก 3 ถึง 5 ท่อ, ทรอมโบนจำนวนเท่ากัน, กลุ่มแซกโซโฟนซึ่งรวมถึงคลาริเน็ต, เช่นเดียวกับส่วนจังหวะซึ่งประกอบด้วยเปียโน, สตริงเบส, กีตาร์และเครื่องเพอร์คัชชัน

ตะบัน

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 20 ดนตรีแจ๊สรูปแบบใหม่เริ่มเป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ สไตล์นี้เกิดขึ้นเพื่อต่อต้านการแกว่ง มันมีจังหวะที่รวดเร็วมาก ซึ่งได้รับการแนะนำโดย Dizzy Gillespie และ Charlie Parker สิ่งนี้ทำโดยมีเป้าหมายเฉพาะ - เพื่อ จำกัด วงนักแสดงให้เป็นมืออาชีพเท่านั้น

นักดนตรีใช้รูปแบบจังหวะและท่วงทำนองใหม่ทั้งหมด ภาษาฮาร์มอนิกมีความซับซ้อนมากขึ้น พื้นฐานจังหวะจากกลองใหญ่ (ในการแกว่ง) ย้ายไปที่ฉิ่ง ความสามารถในการเต้นหายไปจากดนตรีโดยสิ้นเชิง

ในประวัติศาสตร์ของแนวดนตรีแจ๊ส บีป็อบเป็นคนแรกที่ออกจากแวดวงดนตรียอดนิยมไปสู่ความคิดสร้างสรรค์เชิงทดลอง มาสู่ขอบเขตของศิลปะในรูปแบบที่ "บริสุทธิ์" สิ่งนี้เกิดขึ้นจากความสนใจของตัวแทนของรูปแบบนี้ในด้านวิชาการ

Bopers มีความโดดเด่นด้วยรูปร่างหน้าตาและกิริยาที่อุกอาจ จึงเน้นย้ำถึงความเป็นปัจเจกบุคคล

เพลง Bebop แสดงโดยวงดนตรีขนาดเล็ก เบื้องหน้าคือศิลปินเดี่ยวที่มีสไตล์เฉพาะตัว เทคนิคอัจฉริยะ ความคิดสร้างสรรค์ ความเชี่ยวชาญในการด้นสดอย่างอิสระ

เมื่อเปรียบเทียบกับวงสวิง ทิศทางนี้มีความเป็นศิลปะสูง มีสติปัญญามากกว่า แต่มีมวลน้อยกว่า มันเป็นการต่อต้านการค้า อย่างไรก็ตามบี๊บอพเริ่มแพร่กระจายอย่างรวดเร็ว แต่ก็มีผู้ฟังจำนวนมาก

ดินแดนแจ๊ส

ในประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊ส จำเป็นต้องสังเกตถึงความสนใจอย่างต่อเนื่องของนักดนตรีและผู้ฟังจากทั่วทุกมุมโลก โดยไม่คำนึงว่าพวกเขาจะอาศัยอยู่ที่ประเทศใด นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าศิลปินแจ๊สเช่น Dizzy Gillespie, Dave Brubeck, Duke Ellington และคนอื่น ๆ ได้สร้างผลงานของพวกเขาจากการสังเคราะห์วัฒนธรรมดนตรีต่างๆ ข้อเท็จจริงนี้กล่าวว่าแจ๊สเป็นดนตรีที่เข้าใจกันทั่วโลก

จนถึงปัจจุบันประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สมีความต่อเนื่องเนื่องจากศักยภาพในการพัฒนาดนตรีนี้มีค่อนข้างมาก

ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตและรัสเซีย

เนื่องจากความจริงที่ว่าดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตถือเป็นการรวมตัวกันของวัฒนธรรมชนชั้นกลางจึงถูกวิพากษ์วิจารณ์และห้ามโดยทางการ

แต่วันที่ 1 ตุลาคม พ.ศ. 2465 มีการแสดงคอนเสิร์ตของวงดนตรีแจ๊สมืออาชีพวงแรกในสหภาพโซเวียต วงออเคสตรานี้แสดงการเต้นรำสไตล์ชาร์ลสตันและฟ็อกซ์ทร็อต

ประวัติของดนตรีแจ๊สรัสเซียรวมถึงชื่อของนักดนตรีที่มีความสามารถ: นักเปียโนและนักแต่งเพลงรวมถึง Alexander Tsfasman หัวหน้าวงแจ๊สออร์เคสตราวงแรกนักร้อง Leonid Utyosov และนักเป่าแตร Y. Skomorovsky

หลังจากทศวรรษที่ 50 พวกเขาเริ่มเคลื่อนไหว กิจกรรมสร้างสรรค์วงดนตรีแจ๊สขนาดใหญ่และขนาดเล็กจำนวนมาก ได้แก่ วงดนตรีแจ๊สของ Oleg Lundstrem ซึ่งมีชีวิตรอดมาจนถึงทุกวันนี้

ปัจจุบันมอสโกเป็นเจ้าภาพจัดงานเทศกาลดนตรีแจ๊สทุกปีซึ่งมีวงดนตรีแจ๊สและนักแสดงเดี่ยวที่มีชื่อเสียงระดับโลกเข้าร่วม

ประวัติความเป็นมาของดนตรีแจ๊ส

แจ๊ส

ไม่น่าเป็นไปได้ที่ใครจะกล้าอธิบายว่าแจ๊สคืออะไรเนื่องจากแม้แต่หลุยส์อาร์มสตรองผู้ยิ่งใหญ่ในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สก็ไม่ได้ทำเช่นนี้ใครบอกว่าต้องเข้าใจแค่นั้น แท้จริงแล้ว แจ๊ส ประวัติความเป็นมา ต้นกำเนิด การดัดแปลง และสาขามีความหลากหลายและหลายแง่มุมเกินกว่าจะให้คำจำกัดความง่ายๆ ได้ครบถ้วนสมบูรณ์ แต่มีช่วงเวลาที่อธิบายธรรมชาติของแนวทางดนตรีนี้

แจ๊สเกิดขึ้นจากการผสมผสานของวัฒนธรรมดนตรีและประเพณีของชาติต่างๆ ในขั้นต้น มันมาถึงในวัยเด็กจากดินแดนแอฟริกา และภายใต้อิทธิพลของดนตรีตะวันตกที่พัฒนาแล้วและกระแสของมัน (บลูส์, เร็กไทม์) และการผสมผสานของดนตรีพื้นบ้านของชาวแอฟริกันเข้ากับพวกเขา ทำให้ได้สไตล์ที่ยังไม่ตายมาจนถึงทุกวันนี้ - แจ๊ส

แจ๊สใช้ชีวิตในจังหวะที่ไม่สอดคล้องกันในทางแยกและไม่ปฏิบัติตามโทนเสียงและระดับเสียง ดนตรีทั้งหมดสร้างขึ้นจากการเผชิญหน้าและความขัดแย้ง แต่ในดนตรีชิ้นเดียว ดนตรีทั้งหมดผสมผสานอย่างกลมกลืนและโดดเด่นเข้ากับท่วงทำนองของมัน ซึ่งเป็นความน่าดึงดูดใจเป็นพิเศษ

นักดนตรีแจ๊สคนแรกสร้างประเพณีของวงออเคสตราแจ๊สโดยมีข้อยกเว้นที่หายากซึ่งมีการแสดงด้นสดด้วยเสียงความเร็วหรือจังหวะเป็นไปได้ที่จะขยายจำนวนเครื่องดนตรีและนักแสดงเพื่อดึงดูดประเพณีซิมโฟนี นักดนตรีแจ๊สหลายคนได้ลงทุนด้านศิลปะในการพัฒนาประเพณีของศิลปะการเล่นดนตรีแจ๊สทั้งมวล

หลังจากการปรากฎตัวของนักแสดงฝีมือฉกาจที่ใช้ชีวิตในจังหวะดนตรีแจ๊สมาตลอดชีวิต ยังคงเป็นตำนาน - หลุยส์ อาร์มสตรอง ศิลปะการแสดงดนตรีแจ๊สได้เปิดโลกทัศน์ที่แปลกใหม่สำหรับตัวมันเอง: การแสดงเดี่ยวโดยใช้เสียงร้องหรือการบรรเลงกลายเป็นศูนย์กลางของการแสดงทั้งหมด เปลี่ยนความคิดเกี่ยวกับดนตรีแจ๊สอย่างสิ้นเชิง

และนี่คือโอกาสที่อธิบายถึงคุณสมบัติอีกประการหนึ่งของสไตล์ดนตรีแจ๊ส นั่นคือการแสดงเฉพาะตัวของนักเล่นดนตรีแจ๊สผู้มีความสามารถ นี่คือการแสดงของเขาและความเพลิดเพลินของเขาและผู้ฟังดนตรีในขณะนั้น และกุญแจสู่ความเยาว์วัยอันเป็นนิรันดร์ของดนตรีแจ๊สคือการด้นสด แจ๊สมีจิตวิญญาณ แต่ไม่มีโครงกระดูกที่จะยึดมันไว้ด้วยกัน คุณสามารถเปลี่ยนแซกโซโฟนเป็นเปียโน หรือคุณสามารถวางเก้าอี้ของคุณแล้วหยิบไมโครโฟน หากไม่ได้ผล ให้กลับไปที่ทรัมเป็ตและลองเล่นสิ่งที่ Armstrong และ Bechet ไม่เคยเล่น

แจ๊สไม่ได้เป็นเพียงการแสดงดนตรีบางประเภทเท่านั้น แต่ยังเป็นยุคแห่งความร่าเริงที่ไม่เหมือนใครอีกด้วย

ต้นกำเนิด

คำถามเกี่ยวกับแหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊สเป็นที่รู้จักกัน - มันคืออเมริกา แต่มันมาจากไหน?

แจ๊สกลายเป็นการหลอมรวมที่ไม่เหมือนใคร และหนึ่งในส่วนประกอบที่ทำให้แน่ใจว่ามีต้นกำเนิดมาจากแอฟริกา ผู้ตั้งถิ่นฐานชาวแอฟริกันนำวัฒนธรรมของตนเองซึ่งพัฒนาขึ้นจากอิทธิพลของยุโรปและอเมริกาที่แข็งแกร่ง

ชุมชนและกฎของชุมชน (บรรทัดฐานของพฤติกรรม ประเพณี) อยู่ในสายเลือดของผู้ที่มาถึง แม้ว่าการเชื่อมต่อกับบรรพบุรุษของพวกเขาจะขาดสะบั้นลงก็ตาม และดนตรีในฐานะที่เป็นองค์ประกอบสำคัญของวัฒนธรรมดั้งเดิมได้กลายเป็นหนึ่งในความเชื่อมโยงระหว่างวัฒนธรรมแอฟริกันพื้นเมืองกับชีวิตใหม่ในทวีปอื่น

ดนตรีเสียงร้องของชาวแอฟริกันอเมริกัน เติมแต่งด้วยจังหวะและการเต้นรำ ร่างกายที่ยืดหยุ่น และการปรบมือ ได้เติบโตขึ้นเป็นวัฒนธรรมย่อยทางดนตรีใหม่ ดนตรีแอฟริกันนั้นแตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากแบบจำลองของยุโรป มันไม่มีเครื่องดนตรีมากมาย มันยังคงรักษาพิธีกรรมและความผูกพันกับขนบธรรมเนียมเป็นส่วนใหญ่

ต้นกำเนิด / ประวัติของดนตรีแจ๊ส

ในท้ายที่สุด ดนตรีของทาสนี้ได้ทำลายระบอบการปกครองแบบเผด็จการที่ซึ่งวงออเคสตร้าคลาสสิกปกครองอยู่ เชื่อฟังเจตจำนงของกระบองของผู้ควบคุมวงโดยสิ้นเชิง จากการวิจัยของศาสตราจารย์ด้านประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมอเมริกัน Penny Van Eschen กระทรวงการต่างประเทศสหรัฐฯ พยายามใช้ดนตรีแจ๊สเป็นอาวุธทางอุดมการณ์เพื่อต่อต้านสหภาพโซเวียตและการขยายอิทธิพลของสหภาพโซเวียตในประเทศโลกที่สาม ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สเชื่อมโยงกับเพลงบลูส์

ดนตรีแจ๊สเกิดขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 โดยเป็นการผสมผสานระหว่างจังหวะของแอฟริกาและความกลมกลืนของยุโรป แต่ควรค้นหาต้นกำเนิดจากช่วงเวลาที่ทาสถูกนำจากแอฟริกาไปยังดินแดนของโลกใหม่ ทาสที่นำมาไม่ได้มาจากกลุ่มเดียวกันและมักไม่เข้าใจซึ่งกันและกัน ความจำเป็นในการรวมเข้าด้วยกันนำไปสู่การรวมเป็นหนึ่งเดียวของหลายวัฒนธรรม และเป็นผลให้สร้างวัฒนธรรมเดียว (รวมถึงดนตรี) ของชาวแอฟริกันอเมริกัน กระบวนการผสมวัฒนธรรมดนตรีแอฟริกันและยุโรป (ซึ่งได้รับการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในโลกใหม่ด้วย) เกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 และในศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การเกิดขึ้นของ "โปรโตแจ๊ส" และจากนั้นแจ๊สก็เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป ความรู้สึก.

การด้นสดมีบทบาทพื้นฐานในดนตรีแจ๊สอย่างแท้จริง นอกจากนี้แจ๊สยังโดดเด่นด้วยการซิงโครไนซ์ (เน้นจังหวะที่อ่อนแอและสำเนียงที่ไม่คาดคิด) และไดรฟ์พิเศษ ส่วนประกอบสองส่วนสุดท้ายปรากฏในแร็กไทม์ จากนั้นจึงถ่ายโอนไปยังการเล่นของวงออเคสตร้า (วงดนตรี) หลังจากนั้นคำว่า "แจ๊ส" ดูเหมือนจะกำหนดรูปแบบการทำดนตรีแบบใหม่นี้ สะกดคำว่า "Jass" ก่อน แล้วตามด้วย "Jasz" และตั้งแต่ปี 1918 เท่านั้นที่ได้ซื้อของฉัน ดูทันสมัย. นอกจากนี้ดนตรีแจ๊สหลายพื้นที่ยังโดดเด่นด้วยเทคนิคพิเศษในการแสดง: "โยก" หรือการแกว่ง แหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊สคือทางตอนใต้ของอเมริกาและโดยเฉพาะนิวออร์ลีนส์ เมื่อวันที่ 26 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2460 นักดนตรีผิวขาว 5 คนจากนิวออร์ลีนส์บันทึกเพลงแจ๊สชุดแรกในสตูดิโอของบริษัทวิคเตอร์ในนิวยอร์ก เป็นการยากที่จะประเมินค่าความสำคัญของข้อเท็จจริงนี้สูงเกินไป: ก่อนการเปิดตัวอัลบั้มนี้ ดนตรีแจ๊สยังคงเป็นปรากฏการณ์เล็กน้อย นิทานพื้นบ้านทางดนตรี และหลังจากนั้นก็ทำให้ทั้งอเมริกาตะลึงไปหลายสัปดาห์ การบันทึกเสียงเป็นของ "Original Dixieland Jazz Band" ในตำนาน

ต้นกำเนิด / ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊ส

ต้นกำเนิดของแนวทางดนตรีนี้ควรได้รับการผสมผสานระหว่างวัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรป ผิดปกติพอสมควร แต่ดนตรีแจ๊สเริ่มต้นด้วยคริสโตเฟอร์โคลัมบัสเอง แน่นอน นักเดินทางและผู้ค้นพบที่ยิ่งใหญ่ไม่ใช่นักดนตรีแจ๊สคนแรก โดยการเปิดอเมริกาสู่ยุโรป โคลัมบัสเป็นจุดเริ่มต้นที่ยิ่งใหญ่ของการแทรกซึมของแอฟริกาและยุโรป ประเพณีดนตรี.

การควบคุมทวีปอเมริกาชาวยุโรปได้ขนส่งศัตรูสีดำจำนวนมากมาที่นี่โดยมีจำนวนมากกว่าหนึ่งแสนคนในปี 1700 ทาสถูกส่งมาจากฝั่งตะวันตกของแอฟริกาข้ามมหาสมุทรแอตแลนติก

ชาวยุโรปไม่สามารถคาดเดาได้ว่าพวกเขาร่วมกับทาสส่งไปยังอเมริกาและวัฒนธรรมดนตรีของแอฟริกาซึ่งโดดเด่นด้วยจังหวะดนตรีที่น่าทึ่ง ในแอฟริกา ดนตรีเป็นองค์ประกอบที่ขาดไม่ได้ของพิธีกรรมต่างๆ มาแต่ไหนแต่ไร จังหวะดนตรีมีบทบาทอย่างมากที่นี่

วัฒนธรรมยุโรปนำมาซึ่งความกลมกลืน มาตรฐานรองและมาตรฐานหลัก ท่วงทำนอง ตลอดจนทำนองเดี่ยวที่เริ่มเข้าสู่ดนตรีแจ๊ส

ร้องเพลงแจ๊ส

การร้องเพลงแจ๊สไม่สามารถเทียบได้กับการร้องเพลงในความหมายทั่วไปของคำ ในขั้นต้น ไม่มีเสียงเดี่ยวในดนตรีแจ๊ส มีเพียงเครื่องดนตรี และตั้งแต่การแสดงของหลุยส์ อาร์มสตรอง (หมายถึงผลงานในภายหลังของเขา) เสียงร้องจึงกลายเป็นส่วนหนึ่งของ "เครื่องดนตรี" ของนักดนตรีแจ๊ส แต่อีกครั้ง - นักร้องแจ๊สและนี่คืออย่างอื่น

เสียงร้องแจ๊สต้องมีคุณสมบัติบางอย่าง คือ เสียงของผู้แสดง เมื่อพิจารณาถึงพื้นฐานของดนตรีแจ๊ส - การด้นสด การไม่มีกฎ เราต้องเข้าใจว่าสิ่งเดียวกันนี้ใช้กับเสียงของนักแสดง: ความสามารถในการขยายขอบเขตของเพลง "ปกติ" การเล่นด้วยเสียงเป็นเรื่องง่ายที่จะด้นสด เพื่อให้มีช่วงที่ดี นักแสดงต้องปฏิบัติตามรูปแบบการแสดงดนตรีแจ๊ส: การใช้ถ้อยคำและ "โจมตี"

"การร้องเพลงสแกต" - คำนี้ปรากฏในเวลาที่หลุยส์ อาร์มสตรองทำงานบนเวที ซึ่งร้องเพลงแบบเดียวกับที่เขาเล่น เสียงของเขาคล้ายกับเสียงทรัมเป็ตของเขามาก เสียงร้องของแจ๊สจะเริ่มเปลี่ยนไปและซับซ้อนขึ้นเล็กน้อยในภายหลังเมื่อสไตล์ "ป็อบ" เข้ามาในแฟชั่น ถึงเวลาเล่นสเก็ต "ป็อบ" แล้ว และดาราสาวคนนี้ก็กลายเป็น "สุภาพสตรีหมายเลขหนึ่งแห่งดนตรีแจ๊ส" - Ella Fitzgerald

หากความเชื่อมโยงระหว่างดนตรีแจ๊สและบลูส์ไม่แน่นแฟ้นมากนัก ความเชื่อมโยงระหว่างเสียงร้องก็จะมีความเชื่อมโยงที่ชัดเจนยิ่งขึ้น ความเป็นไปได้ที่ใช้ในการแยกเสียง (การทำงานของกล่องเสียง เสียงหวีดและเสียงกระซิบ เสียงสูงต่ำ ฯลฯ) ของเพลงบลูส์ได้รับการยอมรับอย่างยินดีจากประเพณีของดนตรีแจ๊ส

ชื่อของนักร้องที่มีชื่อเสียงในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สจากการร้องเพลง แน่นอนว่า บรรพบุรุษคือ Louis Armstrong ตามด้วย Bing Crosby คนต่อไปเรียกง่ายๆ ว่า "the voice", Frank Sinatra, Nat King Cole ผู้หญิงได้มีส่วนร่วมอย่างมาก: Bessie Smith ผู้ได้รับฉายาว่า "Empress of the Blues" ตามด้วยชื่อของ Billy Holliday, Ella Fitzgerald, Sarah Voen นักร้องที่ไม่เหมือนใคร

ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สและสไตล์ของมัน

การแนะนำ

เมื่อหัวหน้าบรรณาธิการของนิตยสารแจ๊สอเมริกันที่มีชื่อเสียงที่สุด "Down Beat" ซึ่งจัดจำหน่ายใน 124 ประเทศทั่วโลกถูกนักข่าวถามในระหว่างการสัมภาษณ์: "แจ๊สคืออะไร" "คุณไม่เคยเห็นผู้ชายคนใดถูกจับได้เร็วขนาดนี้ด้วยคำถามง่ายๆ แบบนี้!" บรรณาธิการกล่าวในภายหลัง ในทางตรงข้าม บุคคลแจ๊สคนอื่น ๆ ที่สามารถตอบคำถามเดียวกันนี้เพื่อตอบคำถามเดียวกันสามารถบอกคุณเกี่ยวกับดนตรีนี้เป็นเวลาสองชั่วโมงขึ้นไปโดยไม่ต้องอธิบายอะไรเป็นพิเศษ เนื่องจากในความเป็นจริงยังไม่มีความถูกต้อง สั้น และในเวลาเดียวกัน สำหรับคำจำกัดความที่สมบูรณ์และตรงตามวัตถุประสงค์ของคำและแนวคิดของ "แจ๊ส"

แต่มีความแตกต่างอย่างมากระหว่างดนตรีของ King Oliver และ Miles Davis, Benny Goodman และ Modern Jazz Quartet, Stan Kenton และ John Coltrane, Charlie Parker และ Dave Brubeck ส่วนประกอบหลายอย่างและการพัฒนาอย่างต่อเนื่องของดนตรีแจ๊สตลอด 100 ปีได้นำไปสู่ความจริงที่ว่า แม้แต่ชุดของลักษณะที่แน่นอนของเมื่อวานก็ไม่สามารถนำมาใช้ได้อย่างสมบูรณ์ในวันนี้ และสูตรของวันพรุ่งนี้ก็สามารถตรงกันข้ามได้ (ตัวอย่างเช่น สำหรับ dixieland และ bebop, วงสวิงขนาดใหญ่ และคอมโบแจ๊สร็อค)

ความยากลำบากในการกำหนดดนตรีแจ๊สก็เช่นกัน ในความจริงที่ว่าพวกเขาพยายามแก้ไขปัญหานี้โดยตรงและพูดคำมากมายเกี่ยวกับดนตรีแจ๊สโดยมีผลเพียงเล็กน้อย เห็นได้ชัดว่าสามารถแก้ไขได้โดยทางอ้อมด้วยการกำหนดคุณลักษณะทั้งหมดที่อยู่รอบ ๆ สิ่งนี้ โลกดนตรีในสังคมแล้วจะเข้าใจสิ่งที่อยู่ตรงกลางได้ง่ายขึ้น พร้อมกันนี้คำถามที่ว่า "แจ๊ส คืออะไร" ถูกแทนที่ด้วย "แจ๊สหมายถึงอะไร" และที่นี่เราพบว่าคำนี้มีความหมายที่หลากหลายสำหรับผู้คนที่แตกต่างกัน แต่ละคนเติมคำศัพท์ใหม่นี้ด้วยความหมายบางอย่างตามดุลยพินิจของเขาเอง

มีคนสองประเภทที่ใช้คำนี้ บางคนชอบดนตรีแจ๊สในขณะที่บางคนไม่สนใจ คนรักดนตรีแจ๊สส่วนใหญ่ใช้คำนี้อย่างกว้างขวาง แต่ไม่มีใครสามารถระบุได้ว่าดนตรีแจ๊สเริ่มต้นและจบลงที่ใดเพราะทุกคนมีความคิดเห็นของตนเองเกี่ยวกับเรื่องนี้ พวกเขาสามารถหาภาษากลางระหว่างกันได้ อย่างไรก็ตาม แต่ละคนเชื่อมั่นในความถูกต้องและความรู้ของตนเองว่าดนตรีแจ๊สคืออะไร โดยไม่ต้องลงรายละเอียด แม้แต่นักดนตรีมืออาชีพเองที่เล่นดนตรีแจ๊สและเล่นเป็นประจำ ก็ยังให้คำจำกัดความที่แตกต่างและคลุมเครือของดนตรีนี้

การตีความที่หลากหลายไม่รู้จบไม่เปิดโอกาสให้เราได้ข้อสรุปเดียวและเถียงไม่ได้ว่าแจ๊สคืออะไรจากมุมมองทางดนตรีอย่างแท้จริง อย่างไรก็ตาม แนวทางที่แตกต่างออกไปอาจเป็นไปได้ที่นี่ ซึ่งในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 50 ได้รับการเสนอโดยนักดนตรีชื่อดังระดับโลก ประธานและผู้อำนวยการสถาบันดนตรีแจ๊สแห่งนิวยอร์ก Marshall Stearns (1908-1966) ซึ่งมีความสุขไม่จำกัด ความเคารพในแวดวงดนตรีแจ๊สในทุกประเทศของโลกเก่าและโลกใหม่ ในหนังสือเรียนที่ยอดเยี่ยมของเขา "History of Jazz" ซึ่งตีพิมพ์ครั้งแรกในปี 1956 เขานิยามดนตรีนี้จากมุมมองทางประวัติศาสตร์ล้วนๆ

สเติร์นส์เขียนว่า: "ประการแรก ไม่ว่าคุณจะได้ยินดนตรีแจ๊สที่ไหน การจดจำจะง่ายกว่าการอธิบายเป็นคำพูดเสมอ แต่ในการประมาณครั้งแรก เราสามารถให้คำจำกัดความว่าดนตรีแจ๊สเป็นดนตรีกึ่งอิมโพรไวส์ที่เกิดขึ้นจาก 300 ปี ของการผสมในดินแดนอเมริกาเหนือของสองประเพณีทางดนตรีที่ยิ่งใหญ่ - ยุโรปตะวันตกและแอฟริกาตะวันตก - นั่นคือการหลอมรวมที่แท้จริงของวัฒนธรรมสีขาวและสีดำ และแม้ว่าประเพณีของยุโรปจะมีบทบาทเด่นทางดนตรีที่นี่ แต่คุณสมบัติด้านจังหวะที่ทำให้ดนตรีแจ๊สมีลักษณะเฉพาะ ดนตรีที่แปลกและจำง่ายอย่างไม่ต้องสงสัยมีต้นกำเนิดมาจากแอฟริกา ดังนั้น ส่วนประกอบหลักของดนตรีนี้คือความกลมกลืนของยุโรป ทำนองเพลงยูโร-แอฟริกัน และจังหวะแอฟริกัน"

แต่เหตุใดดนตรีแจ๊สจึงมีต้นกำเนิดในอเมริกาเหนือ ไม่ใช่ทางใต้หรือภาคกลาง ที่ซึ่งมีคนผิวขาวและคนผิวดำเพียงพอ ท้ายที่สุดแล้ว เมื่อพวกเขาพูดถึงแหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊ส อเมริกามักถูกเรียกว่าแหล่งกำเนิด แต่ในขณะเดียวกันก็มักจะหมายถึงดินแดนสมัยใหม่ของสหรัฐอเมริกาเท่านั้น ความจริงก็คือว่าหากในอดีตครึ่งทางเหนือของทวีปอเมริกามีชาวโปรเตสแตนต์ (อังกฤษและฝรั่งเศส) อาศัยอยู่เป็นหลัก ซึ่งมีมิชชันนารีทางศาสนาจำนวนมากที่พยายามเปลี่ยนคนผิวดำให้นับถือศาสนาคริสต์ ดังนั้นทางตอนใต้และตอนกลางของพื้นที่อันกว้างใหญ่นี้ ชาวคาทอลิกในทวีป (สเปนและโปรตุเกส) ซึ่งมองว่าทาสผิวดำเป็นแค่สัตว์ร่างไร้วิญญาณ ไม่สนใจเรื่องการช่วยชีวิตของพวกเขา ดังนั้นจึงไม่สามารถมีการแทรกซึมของเชื้อชาติและวัฒนธรรมอย่างมีนัยสำคัญและลึกซึ้งเพียงพอ ซึ่งส่งผลกระทบโดยตรงต่อระดับการอนุรักษ์ดนตรีพื้นเมืองของทาสแอฟริกัน โดยส่วนใหญ่อยู่ในสาขาจังหวะของพวกเขา จนถึงขณะนี้ในประเทศทางใต้และอเมริกากลางมีลัทธินอกรีตที่จัดขึ้น พิธีกรรมลับและงานคาร์นิวัลที่ครึกครื้นพร้อมกับจังหวะแอฟโฟร-คิวบา (หรือละตินอเมริกา) ไม่น่าแปลกใจที่การเคารพในจังหวะนี้อย่างแม่นยำว่าทางตอนใต้ของโลกใหม่มีอิทธิพลอย่างมากต่อโลกของดนตรียอดนิยมในยุคของเราในขณะที่ทางเหนือได้มอบสิ่งอื่นให้กับคลังศิลปะดนตรีสมัยใหม่สำหรับ ตัวอย่าง จิตวิญญาณและบลูส์

ดังนั้น สเติร์นส์จึงกล่าวต่อในแง่มุมทางประวัติศาสตร์ แจ๊สคือการสังเคราะห์ที่ได้มาจากต้นฉบับ 6 แหล่ง เหล่านี้รวมถึง:

1. จังหวะของแอฟริกาตะวันตก

2. เพลงทำงาน (เพลงทำงาน, เสียงโห่ร้องในสนาม);

3. เพลงศาสนานิโกร (จิตวิญญาณ);

4. เพลงฆราวาสนิโกร (บลูส์);

5. ดนตรีพื้นบ้านอเมริกันในศตวรรษที่ผ่านมา

6. ดนตรีของนักร้องและแตรวงข้างถนน

1. ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊ส

ป้อมแรกของคนผิวขาวในอ่าวกินีบนชายฝั่งแอฟริกาตะวันตกเกิดขึ้นแล้วในปี ค.ศ. 1482 10 ปีต่อมามีเหตุการณ์สำคัญเกิดขึ้น - การค้นพบอเมริกาโดยโคลัมบัส ในปี ค.ศ. 1620 ทาสผิวดำกลุ่มแรกปรากฏตัวในดินแดนสมัยใหม่ของสหรัฐอเมริกา ซึ่งขนส่งโดยเรือข้ามมหาสมุทรแอตแลนติกจากแอฟริกาตะวันตกได้อย่างสะดวก ในอีกร้อยปีข้างหน้าจำนวนของพวกเขาก็เพิ่มขึ้นเป็นหนึ่งแสนคน และในปี 1790 จำนวนนี้ก็เพิ่มขึ้น 10 เท่า

ถ้าเราพูดว่า "African Rhythm" แน่นอนว่าเราต้องจำไว้ว่าคนผิวดำในแอฟริกาตะวันตกไม่เคยเล่น "แจ๊ส" แบบนี้มาก่อน - เรากำลังพูดถึงจังหวะเป็นส่วนหนึ่งของการดำรงอยู่ของพวกเขาในบ้านเกิดเมืองนอน ซึ่งแสดงโดย "นักร้องเสียงกลอง" พิธีกรรมที่มีจังหวะที่ซับซ้อนและอื่นๆ อีกมากมาย แต่พวกทาสไม่สามารถนำเครื่องดนตรีใด ๆ ติดตัวไปที่โลกใหม่ได้และเป็นครั้งแรกในอเมริกาที่พวกเขาถูกห้ามไม่ให้ทำกลองแบบโฮมเมดตัวอย่างซึ่งต่อมาสามารถเห็นได้ในพิพิธภัณฑ์ชาติพันธุ์วิทยาเท่านั้น นอกจากนี้ ไม่มีใครในสีผิวใดที่เกิดมาพร้อมกับจังหวะที่พร้อม มันเป็นเรื่องของประเพณี กล่าวคือ ในความต่อเนื่องของรุ่นต่อรุ่นและสิ่งแวดล้อม ดังนั้น ขนบธรรมเนียมและพิธีกรรมของชาวนิโกรจึงได้รับการเก็บรักษาและถ่ายทอดในสหรัฐอเมริกาโดยเฉพาะทางวาจาและจากความทรงจำจากรุ่นสู่รุ่นของชาวแอฟริกัน-อเมริกันนิโกร ดังที่ Dizzy Gillespie กล่าวว่า “ฉันไม่คิดว่าพระเจ้าจะให้อะไรใครมากไปกว่าคนอื่นถ้าพวกเขาพบว่าตัวเองอยู่ในสภาพเดียวกัน คุณสามารถรับใครก็ได้และถ้าคุณใส่เขาเข้าไปด้วย สิ่งแวดล้อมแล้วเส้นทางชีวิตของเขาจะเหมือนกับของเราอย่างแน่นอน”

แจ๊สเกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาอันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์องค์ประกอบหลายอย่างของวัฒนธรรมดนตรีที่ตั้งถิ่นฐานใหม่ของชาวยุโรปในแง่หนึ่งและคติชนวิทยาของชาวแอฟริกัน วัฒนธรรมเหล่านี้มีคุณสมบัติที่แตกต่างกันโดยพื้นฐาน ดนตรีแอฟริกันเป็นดนตรีแบบด้นสดโดยธรรมชาติ โดยมีลักษณะเป็นรูปแบบการสร้างดนตรีโดยรวมที่มีจังหวะหลายจังหวะ โพลีเมทรี และลิเนียริตี้ที่แข็งแกร่ง ฟังก์ชั่นที่สำคัญที่สุดในนั้นคือการเริ่มต้นจังหวะ, พฤกษ์จังหวะซึ่งเป็นผลมาจากจังหวะข้ามเกิดขึ้น ความไพเราะและยิ่งกว่านั้นในหลักการฮาร์มอนิกได้รับการพัฒนาในระดับที่น้อยกว่าในการทำดนตรีแอฟริกันมากกว่าในดนตรียุโรป ดนตรีสำหรับชาวแอฟริกันมีค่ามากกว่าสำหรับชาวยุโรป มักเกี่ยวข้องกับกิจกรรมการใช้แรงงาน พิธีกรรม รวมถึงการบูชา การซิงโครไนซ์ของศิลปะประเภทต่าง ๆ ส่งผลต่อธรรมชาติของการทำดนตรี - มันไม่ได้แสดงอย่างอิสระ แต่ร่วมกับการเต้นรำ การปั้น การสวดมนต์ การท่อง ในสถานะที่ตื่นเต้นของชาวแอฟริกัน น้ำเสียงของพวกเขามีอิสระมากกว่าของชาวยุโรปที่ถูกล่ามโซ่ไว้ในระดับปกติ ในดนตรีแอฟริกัน รูปแบบการร้องเพลงแบบถาม-ตอบ (การโทร & การตอบกลับ) ได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง

ในส่วนของมัน ดนตรียุโรปมีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการสังเคราะห์ในอนาคต: การสร้างทำนองที่มีเสียงนำ มาตรฐานหลักและรองแบบโมดอล ความเป็นไปได้ของฮาร์มอนิก และอื่นๆ อีกมากมาย โดยทั่วไปแล้ว อารมณ์ความรู้สึกของชาวแอฟริกันที่ค่อนข้างพูด จุดเริ่มต้นที่เข้าใจได้ง่ายชนกับลัทธิเหตุผลนิยมของชาวยุโรป ซึ่งแสดงให้เห็นโดยเฉพาะอย่างยิ่งในนโยบายดนตรีของลัทธิโปรเตสแตนต์

2. "กระแสที่สาม"

คำว่า "กระแสที่สาม" ได้รับการประกาศเกียรติคุณจากนักวิจารณ์ จอห์น วิลสัน เขาสรุปทางเลือกหรือทางเลือกอื่นสำหรับการสังเคราะห์กระแสที่หนึ่งและสองนั่นคือ วิชาการดนตรีและดนตรีแจ๊ส ทิศทางนี้ถูกสร้างขึ้นในยุค 50 และไม่เกี่ยวข้องกับสไตล์เฉพาะ ผลงานทดลองของนักดนตรีหลายคนจับกระแสซิมโฟ-แจ๊ส แจ๊ส-ร็อก และแนวอาวองการ์ด

แจ๊สในฐานะหนึ่งในศิลปะดนตรีดั้งเดิมที่สุดในศตวรรษที่ 20 ค่อยๆ เริ่มที่จะพิชิตโลกทั้งใบ และในที่สุดก็ได้รับลักษณะสากล สิ่งนี้เกิดขึ้นเนื่องจากนักแต่งเพลงและนักแสดงในงานของพวกเขามักจะหันไปหาดนตรีของประเทศและชนชาติอื่น ๆ - อินเดีย, อเมริกาใต้, อาหรับและแน่นอนว่าเป็นนิทานพื้นบ้านของพวกเขาเอง แหล่งที่มาของแรงบันดาลใจที่สำคัญที่สุดสำหรับนักดนตรีแจ๊สในการค้นหาทิศทางใหม่สำหรับวิวัฒนาการของแนวเพลงของพวกเขาคือตัวอย่างที่ดีที่สุดของดนตรีคลาสสิกของยุโรปและเพลงที่ค่อนข้างเป็นที่นิยมมากกว่า

การติดต่อทางประวัติศาสตร์กับดนตรีแจ๊สโดยนักแต่งเพลงคลาสสิกเป็นที่รู้จักกันดี และอาจมีการกล่าวถึงชื่อที่มีชื่อเสียงหลายสิบชื่อในที่นี้ (เช่น Dvorak, Stravinsky, Debussy, Ravel, Milhaud, Honegger, Krenek รวมถึง Copland, Gershwin และ Bernstein) แต่ความพยายามของพวกเขาได้รับคำแนะนำจากความปรารถนาที่จะนำองค์ประกอบเฉพาะของดนตรีแจ๊สเข้าสู่วงการดนตรีเชิงวิชาการ ในทางกลับกัน มีงานทดลองมากมายในส่วนของนักเล่นดนตรีแจ๊สที่สนใจซึ่งพยายามใช้หลักการบางอย่างของการพัฒนาซิมโฟนิกและใช้หลักการดั้งเดิมของดนตรีคลาสสิกในโน้ตดนตรีแจ๊สของพวกเขา

ในทศวรรษที่แตกต่างกันบางครั้งการทดลองดังกล่าวนำไปสู่การเกิดขึ้นของรูปแบบใหม่หากไม่ใช่สไตล์ ในกรณีใด ๆ กิ่งก้านที่เป็นอิสระบนต้นไม้ลำดับวงศ์ตระกูลของประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊ส - ตัวอย่างเช่นในยุค 20 มันคือ "ดนตรีแจ๊สไพเราะ" (พอลไวท์แมน ที่ต้องการ "สร้างผู้หญิงจากดนตรีแจ๊ส") ในยุค 40 - "ก้าวหน้า" (Stan Kenton) และในยุค 60 - "เทรนด์ที่สาม"

"กระแสที่สาม" ถูกกล่าวถึงอย่างแม่นยำในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊ส เพราะตอนนั้นเองที่ดนตรีแจ๊สมาจากด้านข้างของพวกเขา ไม่ใช่ดนตรีคลาสสิก เป็นทิศทางการทดลองของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ ซึ่งผู้แทนได้พยายามสร้างผลงานที่มีรายละเอียดสำหรับวงดนตรีออเคสตร้าแบบผสม ซึ่งรวมทั้งนักวิชาการด้านการแสดงและนักด้นสดดนตรีแจ๊ส

การแต่งเพลงของ "Third Current" มีลักษณะเฉพาะโดยการผสมผสานเทคนิคการแต่งเพลงแบบยุโรปเข้ากับประเพณีของดนตรีแจ๊ส ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของกระแสนี้ในสหรัฐอเมริกาคือนักดนตรีและนักแต่งเพลง Günther Schuller, John Lewis (หัวหน้าวง Modern Jazz Quartet), Gary McFarland, Jimmy Giuffrey และคนอื่นๆ

ตัวอย่างเช่น การแสดงร่วมกัน (และการบันทึกเสียง) ของ Duke Ellington กับวงออเคสตราของ La Scala และ London Symphony การผสมผสานนี้ทำให้เกิดฮาร์มอนิกและความแตกต่างของเครื่องดนตรีแบบใหม่ ส่งผลให้เกิด "ดนตรีทางปัญญา" สมัยใหม่ มีแนวทางแบบคลาสสิกในธีม แต่แก่นแท้ของมันยังคงความเป็นแจ๊สอยู่มาก มีความเป็นไปได้ค่อนข้างมากที่จะสังเคราะห์ส่วนประกอบทั้งสองนี้ในดนตรีประเภทเดียว ใกล้เคียงกับดนตรีแจ๊ส (อิสระในการแสดงด้นสด ความรู้สึกของวงสวิง ความสดของเสียงต่ำใหม่) และเทคนิคการประพันธ์เพลงที่ "จริงจัง" (เทคนิคจากสาขา 12 -โทนเสียงดนตรี, พฤกษ์, พหุโทน, พหุจังหวะ, วิวัฒนาการใจความทั่วไป ฯลฯ)

เดฟ บรูเบคมีส่วนสำคัญในการเคลื่อนไหวครั้งที่สามด้วยการประพันธ์ดนตรีแจ๊สควอเตตและซิมโฟนีออร์เคสตร้า ประเพณีการรวมวงดุริยางค์ซิมโฟนีและ วงดนตรีแจ๊สหรือแม้แต่วงออร์เคสตราก็เล่นต่อกับ Wynton Marsalis และวง Lincoln Center Orchestra ของเขา

3. เพลงบลูส์สมัยใหม่ วงใหญ่แห่งยุคหลังวงสวิง

ในอดีต เพลงบลูส์ค่อยๆ แทรกซึมเข้าไปในศูนย์กลางอุตสาหกรรมขนาดใหญ่และได้รับความนิยมอย่างรวดเร็วที่นั่น มันสร้างลักษณะเฉพาะที่สืบทอดมาจากดนตรีของชาวแอฟริกันอเมริกัน และกำหนดรูปแบบ 12 บาร์อย่างชัดเจน (ตามแบบฉบับส่วนใหญ่) และกำหนดเสียงประกอบฮาร์มอนิกตามโหมดบลูส์ ในบรรดานักแสดงแจ๊สบลูส์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุค 50 และ 60 คือจิมมี่ รัชชิ่ง (พ.ศ. 2446-2515) และโจ วิลเลียมส์ (พ.ศ. 2461-2542)

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 40 และต้นทศวรรษที่ 50 ความหลากหลายใหม่เกิดขึ้น - "จังหวะและบลูส์" - เป็นการดัดแปลงเมืองของเพลงบลูส์คลาสสิกซึ่งแพร่หลายในพื้นที่สีดำของเมืองที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา การใช้วิธีการไพเราะและฮาร์มอนิกพื้นฐานของบลูส์ "rnb" มีความโดดเด่นด้วยการเพิ่มขึ้นอย่างมีนัยสำคัญในการบรรเลงดนตรีประกอบ ลักษณะการแสดงที่แสดงออก จังหวะที่เร็วขึ้น จังหวะที่ชัดเจน และจังหวะที่กระฉับกระเฉง ซึ่งทำได้ในรูปแบบของการสลับ จังหวะที่หนักแน่นและเฟื่องฟูในจังหวะที่ 1 และ 3 ของการวัด พร้อมสำเนียงที่แห้งและฉับพลันในจังหวะที่ 2 และ 4 การแสดงโดดเด่นด้วยความตึงเครียดทางอารมณ์อย่างต่อเนื่อง เสียงดัง การเน้น "โน้ตเพลงบลูส์" การเปลี่ยนนักร้องเป็นเสียงสูงต่ำบ่อยครั้ง ความเข้มสูงสุด (แรงกด "แรงขับ") ของเสียงประกอบและสร้างขึ้นจากแอนติฟอนของ "ริฟฟ์" สั้นๆ "ของนักร้องและดนตรีประกอบ

จนถึงปลายยุค 40 "rnb" ในเสียง "สด" และในบันทึก (ในชุดที่เรียกว่า "บันทึกทางเชื้อชาติ") เป็นที่รู้จักเฉพาะกับประชากรนิโกรในเมืองอุตสาหกรรมขนาดใหญ่เท่านั้น รายการโปรดของทิศทางนี้ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ได้แก่ นักเป่าแซ็กโซโฟน Louis Jordan และ Earl Bostic นักกีตาร์ "T-Bone" Walker และ Muddy Waters นักเปียโน Jay McShann และต่อมาคือ Ray Charles นักร้องนำ Big Joe Turner

อย่างไรก็ตาม ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ความสนใจในดนตรีจังหวะนี้ก็ปรากฏขึ้นในหมู่คนผิวขาวเช่นกัน ความต้องการชิ้น "r'n'b" ค่อยๆ เพิ่มขึ้นจากเยาวชนผิวขาว และนักดนตรีจำนวนหนึ่งหันมาทางนี้ และพวกเขากลายเป็นผู้สนับสนุนอย่างแข็งขันของ "rnb" ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ซึ่งต่อมาได้ปฏิวัติดนตรียอดนิยมและนำไปสู่ การเกิดขึ้นของร็อกแอนด์โรล เมื่อนักกีตาร์ผิวขาว Bill Haley บันทึกจังหวะและเพลงบลูส์อันโด่งดัง "Rock Around the Clock" กับวงดนตรีของเขาเมื่อวันที่ 12 เมษายน พ.ศ. 2497 วันที่เผยแพร่การบันทึกนี้จึงถือเป็นวันเกิดของ "Rock and Roll" และธีมนี้เอง - เพลงของเขา

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Alan Freed (2465-2508) นักจัดรายการจานสีขาวปรากฏตัวที่สถานีวิทยุคลีฟแลนด์และเริ่มออกอากาศการบันทึกของศิลปิน "rhythm and blues" เป็นประจำและตอนนี้อาจกล่าวได้ว่า Freed เป็นผู้รับผิดชอบในการเปลี่ยนแปลงทั้งหมด แน่นอน เพลงป๊อปอเมริกัน เขาเป็นคนที่นำนักเขียนและศิลปินชาวนิโกร "จังหวะและบลูส์" จากหลังม่านเชื้อชาติและแนะนำให้พวกเขารู้จักกับวัยรุ่นผิวขาวจำนวนมาก ด้วยแรงบันดาลใจ เขาเรียกการบันทึกเสียงเหล่านี้ว่า "ร็อกแอนด์โรล" และทำให้คำนี้เป็นที่นิยมในหมู่เยาวชนทั่วโลก

"rnb" เวอร์ชันดัดแปลงนี้ถูกลดขนาดลงเหลือสามคอร์ดหลัก กีตาร์ไฟฟ้า "riffs" สองสามตัว และจังหวะหนักๆ อย่างไรก็ตามความกลมกลืนของ "ร็อกแอนด์โรล" ยังคงเป็นไปตามแผนเพลงบลูส์ 12 บาร์ ดังนั้นข้อดีหลักของเขาคือการที่เขายอมรับในจิตสำนึกทางดนตรีของชาวอเมริกันผิวขาวและหลังจากนั้นชาวยุโรปแนวคิดพื้นฐานของเพลงบลูส์ , ซึ่งมีศักยภาพอย่างมากในการพัฒนาจังหวะ ทำนอง และความกลมกลืน เพลงบลูส์ไม่เพียงแต่ฟื้นฟูดนตรียอดนิยมทั่วไปเท่านั้น แต่ยังเปลี่ยนแนวเพลงยุโรป "สีขาว" แบบเดิมๆ และเปิดประตูสู่กระแสนวัตกรรมและการหยิบยืมจากวัฒนธรรมดนตรีในส่วนอื่นๆ ของโลก เช่น เพลงละตินอเมริกา

สภาพเศรษฐกิจที่ยากลำบากหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 การเปลี่ยนแปลงผลประโยชน์ของสาธารณชนและผู้จัดการส่งผลกระทบอย่างรุนแรงต่อวงดนตรีขนาดใหญ่ในยุคสวิง ส่วนใหญ่หายไปตลอดกาล อย่างไรก็ตาม ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 เริ่มมีการฟื้นฟูประเภท ด้วยความยากลำบาก แต่วงออเคสตราของ Benny Goodman, Count Basie และหลังจากนั้นไม่นานวงออเคสตราของ Duke Ellington ก็ได้รับการบูรณะ ประชาชนต้องการฟังเพลงก่อนสงครามอีกครั้ง แม้จะมีการต่ออายุไลน์อัพครั้งสำคัญและการมาถึงของนักดนตรีรุ่นใหม่ แต่ผู้นำก็ปล่อยใจไปตามความปรารถนาของผู้ฟัง ในบรรดาสามเสาหลักของยุควงสวิง มีเพียง Duke Ellington เท่านั้นที่อยู่บนเส้นทางแห่งการเปลี่ยนแปลง เรื่องนี้เกี่ยวข้องกับการใช้แบบฟอร์มชุด ซึ่งเริ่มขึ้นในช่วงสงครามปี ห้องชุดขนาดใหญ่พร้อมเนื้อหารายการปรากฏในละครของเขา ขั้นตอนสำคัญคือการสร้าง "Concerts of Sacred Music" (พ.ศ. 2508-66) สำหรับวงออเคสตรา คณะนักร้องประสานเสียง ศิลปินเดี่ยว และนักเต้น บิ๊กแบนด์ของไลโอเนล แฮมป์ตัน นักเล่นไวเบรเนี่ยมยังคงแสดงอย่างเต็มที่โดยเน้นไปที่การแสดงดนตรีและเสน่ห์ของหัวหน้าวงเป็นหลัก

ส่วนหนึ่งของวงออเคสตร้าค่อยๆ กลายเป็นรูปแบบอนุสรณ์ที่สนับสนุนประเพณีที่จัดตั้งขึ้น เหล่านี้รวมถึง Glenn Miller Orchestra ซึ่งเสียชีวิตในปี 1944, Count Basie Orchestra ซึ่งอยู่ภายใต้ชื่อเดียวกันหลังจากการเสียชีวิตของผู้นำในปี 1984 นำโดย Mercer Ellington (ลูกชายของ Duke) และต่อมาคือ Paul Mercer Ellington ซึ่งเป็นหลานชายของเขา เอลลิงตันออร์เคสตรา (d. . 1974).

วงออเคสตร้าโปรเกรสซีฟค่อยๆ สูญเสียจิตวิญญาณของการทดลองและได้รับเพลงที่ค่อนข้างมาตรฐาน วงออเคสตร้าของ Woody Herman และ Stan Kenton ได้โปรดิวซ์ศิลปินเดี่ยวที่น่าสนใจที่สุด ส่งกระบองไปให้เพื่อนร่วมงานรุ่นเยาว์ ในหมู่พวกเขาจำเป็นต้องสังเกตวงดนตรีที่สร้างเสียงใหม่จากการจัดเรียงที่สดใส, โพลีสไตลิสติก, การใช้เสียงเครื่องดนตรีทองเหลืองแบบใหม่, ท่อเป็นหลัก วงดนตรีของนักเป่าแตร Maynard Fergusson และ Don Ellis กลายเป็นศูนย์กลางของความก้าวหน้าด้านเสียงออเคสตราในยุค 60 การเคลื่อนไหวที่สอดคล้องกันในทิศทางที่เลือกเกิดขึ้นในห้องปฏิบัติการสร้างสรรค์ของหนึ่งในผู้ก่อตั้ง Gil Evans สุดเจ๋ง การแสดงของเขาเอง การบันทึกเสียงร่วมกับไมลส์ เดวิสในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 50 - 60 การทดลองเพิ่มเติมเกี่ยวกับดนตรีโมดอลและองค์ประกอบของดนตรีแจ๊ส-ร็อกในยุค 70 เป็นกระแสที่สำคัญในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊ส

ในช่วงทศวรรษที่ 70 วงออเคสตร้าที่รวมตัวกันจากนักดนตรีแจ๊สรุ่นใหม่ไฟแรงที่มีพลังขับเคลื่อนวงการดนตรีแจ๊สในนิวยอร์ก โดยแธด โจนส์นักเป่าแตร อดีตสมาชิกวง Basie และมือกลองเมล หลุยส์ ซึ่งเล่นในวง วงออร์เคสตราสแตน เคนตัน เป็นเวลากว่าทศวรรษที่วงดนตรีนี้ได้รับการพิจารณาว่าดีที่สุด ต้องขอบคุณการเรียบเรียงที่ทันสมัยและนักเล่นเครื่องดนตรีระดับสูง วงออเคสตราเลิกรากันไปเนื่องจากโจนส์ย้ายไปเดนมาร์ก แต่เป็นเวลานานแล้วที่เมล หลุยส์พยายามสนับสนุนเขาโดยร่วมมือกับนักเป่าทรอมโบนและนักเรียบเรียงเสียงประสาน Bob Brookmeier ในช่วงปี 1980 วงดนตรีที่สร้างสรรค์ขึ้นโดย Toshiko Akiyoshi นักเปียโนและนักเรียบเรียงเสียงประสานชาวญี่ปุ่น ร่วมกับ Lou Tabakin นักเป่าแซ็กโซโฟนสามีของเธอ วงออเคสตรานี้มีความแปลกตรงที่สร้างโดยผู้หญิง โดยส่วนใหญ่ใช้แสดงผลงานของเธอ แต่ยังคงปฏิบัติตามประเพณีของวงออร์เคสตราของอเมริกา ในปี พ.ศ. 2528 วงออร์เคสตราถูกยกเลิก และอากิโยชิได้จัดตั้งวงดนตรีใหม่ชื่อ "Toshiko Akiyoshi's New York Jazz Orchestra"

ในช่วงทศวรรษที่ 90 แนวเพลงบิ๊กแบนด์ไม่ได้แห้ง แต่อาจจะแข็งแกร่งขึ้น ในขณะเดียวกันช่วงของสไตล์ออเคสตร้าก็ขยายออกไป ฝ่ายอนุรักษนิยม นอกเหนือจากวงออร์เคสตราอนุสรณ์แล้ว ยังมีวงดนตรีลินคอล์นเซ็นเตอร์ออร์เคสตรา นำโดยหนึ่งในนักดนตรีแจ๊สที่ทางการชื่นชอบมากที่สุด นักเป่าแตรและนักแต่งเพลงผู้มีพรสวรรค์ Wynton Marsalis วงออร์เคสตราวงนี้พยายามเดินตามรอยของ Duke Ellington เพื่อสร้างสรรค์ผลงาน แบบฟอร์มขนาดใหญ่และแบบเป็นโปรแกรม ผลงานของวงออเคสตร้าที่แข็งแกร่งและทันสมัยกว่านั้นมีความหลากหลายมากขึ้นซึ่งตั้งชื่อตาม Charles Mingus (The Mingus Big Band) วงดนตรีนี้ดึงดูดนักดนตรีที่มีความคิดสร้างสรรค์ แนวคิดที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงได้รับการสนับสนุนโดย "เวิร์กชอป" ต่างๆ ที่มีตัวละครชั่วคราว และวงดนตรีหลากหลายที่นำเสนอแนวคิดที่ล้ำหน้ากว่า ในบรรดาวงออร์เคสตราดังกล่าว ได้แก่ วงดนตรีของ Sam Rivers (Sam Rivers), George Gruntz (George Gruntz) และกลุ่มบริษัทในเครือในยุโรปจำนวนมาก

4. ฮาร์ดบอป ขี้ขลาด

ตรงกันข้ามกับความประณีตและความเท่ของสไตล์เท่ ความมีเหตุผลของแนวเพลงที่ก้าวหน้าบนชายฝั่งตะวันออกของสหรัฐอเมริกา นักดนตรีรุ่นใหม่ในช่วงต้นยุค 50 ยังคงพัฒนาสไตล์บีป็อบที่ดูเหมือนหมดแรงไปแล้ว การเติบโตของการตระหนักรู้ในตนเองของชาวแอฟริกันอเมริกันซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุค 50 มีบทบาทสำคัญในแนวโน้มนี้ ดึงความสนใจอีกครั้งเพื่อรักษาความจงรักภักดีต่อประเพณีแอฟริกันอเมริกันแบบด้นสด ในเวลาเดียวกันความสำเร็จทั้งหมดของ bebop ยังคงอยู่ แต่มีการเพิ่มความสำเร็จที่ยอดเยี่ยมมากมายให้กับพวกเขาทั้งในด้านความสามัคคีและในด้านโครงสร้างจังหวะ ตามกฎแล้วนักดนตรีรุ่นใหม่มีการศึกษาด้านดนตรีที่ดี เทรนด์นี้เรียกว่า "ฮาร์ดบอป" กลายเป็นกระแสมากมาย ประกอบด้วยนักเป่าแตร Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown (Clifford Brown), Donald Byrd (Donald Byrd), นักเปียโน Thelonious Monk, Horace Silver, มือกลอง Art Blakey (Art Blakey), นักเป่าแซ็กโซโฟน Sonny Rollins (Sonny Rollins), Hank Mobley ( Hank Mobley), Cannonball Adderley, มือเบส Paul Chambers และอื่นๆ อีกมากมาย

สำหรับการพัฒนารูปแบบใหม่นั้น นวัตกรรมทางเทคนิคอีกอย่างก็มีความสำคัญ ซึ่งประกอบด้วยรูปลักษณ์ของเร็กคอร์ดที่เล่นได้นาน ตอนนี้คุณสามารถบันทึกโซโลยาวได้แล้ว สำหรับนักดนตรี สิ่งนี้กลายเป็นสิ่งล่อใจและการทดสอบที่ยากลำบาก เนื่องจากไม่ใช่ทุกคนที่สามารถพูดออกมาได้อย่างเต็มที่และรวบรัดเป็นเวลานาน นักเป่าทรัมเป็ตเป็นคนกลุ่มแรกที่ใช้ประโยชน์จากข้อได้เปรียบเหล่านี้ โดยดัดแปลงสไตล์ของ Dizzy Gillespie ให้เล่นอย่างสงบแต่ลุ่มลึก ผู้ที่มีอิทธิพลมากที่สุดคือ Fats Navarro และ Clifford Brown (ชะตากรรมของทั้งคู่ทำให้เส้นทางชีวิตสั้นเกินไป) นักดนตรีเหล่านี้ไม่ได้เน้นไปที่การร้องด้วยความเร็วสูงอัจฉริยะในเพลงระดับบน แต่เน้นไปที่แนวเมโลดิกที่รอบคอบและมีเหตุผล

ความซับซ้อนทางดนตรีที่เข้าถึงได้ เช่น โดย Art Blakey ซึ่งใช้โครงสร้างจังหวะที่ซับซ้อน ไม่ได้นำไปสู่การสูญเสียดนตรีแจ๊ส จิตวิญญาณทางอารมณ์ เช่นเดียวกับการปรับรูปร่างใหม่ในอิมโพรไวส์ของฮอเรซ ซิลเวอร์ หรือการวางแนวหลายจังหวะในโซโลของซันนี่ โรลลินส์ ดนตรีมีความเฉียบคม แหลมคม และมิติใหม่ของวงสวิง มีบทบาทพิเศษในการพัฒนาฮาร์ดบ็อบโดย Art Blakey ผู้สร้างวง Jazz Messengers ในปี 1955 องค์ประกอบนี้เล่นบทบาทของโรงเรียนซึ่งความสามารถของตัวแทนจำนวนมากในทิศทางนี้ได้รับการเปิดเผยและเจริญรุ่งเรือง ในบรรดานักเปียโน Bobby Timmons และ Horace Silver, นักเป่าแซ็กโซโฟน Benny Golson, Hank Mobley, นักเป่าทรัมเป็ต Lee Morgan, Kenny Dorham, Wynton Marsalis และคนอื่นๆ อีกมากมาย "Jazz Messengers" ในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งยังคงมีอยู่โดยมีอายุยืนกว่าผู้นำ (1993)

นักเป่าแซ็กโซโฟนเทเนอร์ Sonny Rollins ครอบครองสถานที่พิเศษในกาแล็กซี่ของนักดนตรีฮาร์ดบ็อบ สไตล์ของเขาพัฒนามาจากแนวของ Parker และโทนเสียงที่กว้างของ Coleman Hawkins และนวัตกรรมก็เชื่อมโยงกับอารมณ์และความเป็นธรรมชาติของเขาในฐานะนักด้นสด มันโดดเด่นด้วยอิสระพิเศษในการใช้วัสดุฮาร์มอนิก ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1950 โรลลินส์ดึงความสนใจไปที่ลักษณะเฉพาะของการใช้ถ้อยคำของเขา ซึ่งเป็นลักษณะจังหวะหลายจังหวะที่งดงาม โดยฉีกเนื้อหาฮาร์มอนิกที่มาจากธีมนี้ออกจากกัน ในการแสดงท่วงทำนองที่ไพเราะของเขา ความรุนแรงของเสียง การประชดประชันทางดนตรีก็ปรากฏขึ้น

ส่วนหนึ่งของดนตรีที่เกิดขึ้นในช่วง "ฮาร์ดบ็อบ" จะซึมซับความเป็นบลูส์โดยธรรมชาติ ใช้ในจังหวะช้าหรือจังหวะกลางที่มีอารมณ์พิเศษตามจังหวะที่เด่นชัด สไตล์นี้เรียกว่า "ขี้ขลาด" (ขี้ขลาด) คำนี้เป็นคำสแลงและหมายถึงคำจำกัดความที่รุนแรงขึ้นของกลิ่นหรือรสชาติที่แหลมคม ในดนตรีแจ๊สมีความหมายเหมือนกันกับดนตรี "จริง" ทางโลก การปรากฏตัวของสาขานี้ไม่ได้ตั้งใจ ในช่วงทศวรรษที่ 50 มีการออกจากแก่นแท้ของดนตรีแจ๊สแบบนิโกรในดนตรีแจ๊ส และสำนวนดนตรีแจ๊สที่อ่อนแอลงก็สังเกตเห็นได้ชัดเจน มันยากขึ้นเรื่อยๆ ที่จะตัดสินว่าดนตรีประเภทใดควรถูกมองว่าเป็นดนตรีแจ๊ส นักดนตรีแจ๊สได้ทดลองนิทานพื้นบ้าน คนที่แตกต่างกันพวกเขาถูกดึงดูดโดยลัทธิอิมเพรสชันนิสม์และลัทธิอัตนิยม พวกเขาเริ่มมีส่วนร่วมในดนตรียุคแรก กระบวนการเหล่านี้ไม่น่าเชื่อถือเพียงพอ นักดนตรีจำนวนหนึ่งหันไปใช้การประพันธ์เพลงที่มีกลิ่นอายของเพลงบลูส์แบบดั้งเดิมและบทสวดทางศาสนา ในขั้นต้นองค์ประกอบทางศาสนามีการตกแต่งมากกว่าการใช้งาน บางครั้งเสียงร้องไห้ของทุ่งฝ้ายแบบสมัยเก่าก็มีบทบาทในการแนะนำตุ๊กตาบีป็อบแบบดั้งเดิม Sonny Rollins แสดงสัญลักษณ์ของสไตล์นี้ แต่การแสดงออกที่โดดเด่นที่สุดสามารถพบได้ในนักเปียโน Horace Silver ผู้สร้างเพลงบลูส์ขี้ขลาด ความจริงใจในดนตรีของเขาได้รับการเสริมด้วยแรงจูงใจทางศาสนาที่ชี้นำนักดนตรี

จากสไตล์ขี้ขลาด ร่างของ Charles Mingus เติบโตขึ้น - นักแต่งเพลงและดรัมเมเยอร์เบสคู่นักดนตรีที่ไม่เข้ากับกรอบของสไตล์ที่แน่นอน Mingus ตั้งหน้าที่กระตุ้นความรู้สึกทางอารมณ์ที่เฉพาะเจาะจงในตัวผู้ฟัง ในเวลาเดียวกัน ภาระถูกกระจายระหว่างการแต่งเพลงเองและนักดนตรีซึ่งต้องด้นสดและสัมผัสกับอารมณ์เหล่านี้อย่างแม่นยำ Mingus อาจรวมอยู่ในนักแต่งเพลงแจ๊สประเภทเล็ก ๆ ตัวเขาเองคิดว่าตัวเองเป็นสาวกของ Duke Ellington และหันไปใช้พื้นที่เดียวกันของวัฒนธรรมแอฟริกันอเมริกัน, ศาสนา, เวทย์มนต์ - พื้นที่ที่ต้องใช้เทคนิคขี้ขลาด.

5. แจ๊สฟรี

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 การพัฒนารูปแบบดนตรีแจ๊สรอบต่อไปนั้นเกิดจากการเสริมสร้างความตระหนักในตนเองทางเชื้อชาติของนักดนตรีนิโกร ในบรรดาเยาวชนในยุคนั้น กระบวนการนี้ถูกแสดงออกในรูปแบบที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง รวมถึงดนตรีแจ๊สซึ่งเป็นช่องทางในวัฒนธรรมของชาวแอฟริกันอเมริกันมาโดยตลอด ในดนตรีสิ่งนี้แสดงให้เห็นอีกครั้งในความปรารถนาที่จะละทิ้งส่วนประกอบของยุโรปเพื่อกลับไปสู่ต้นตอของดนตรีแจ๊ส ในดนตรีแจ๊สใหม่ นักดนตรีผิวดำหันไปนับถือศาสนาที่ไม่ใช่ศาสนาคริสต์ โดยส่วนใหญ่เป็นศาสนาพุทธและศาสนาฮินดู ในทางกลับกัน ช่วงเวลานี้มีลักษณะเป็นการเกิดขึ้นของคลื่นการประท้วง ความไม่มั่นคงทางสังคม โดยไม่ขึ้นกับสีผิว (การเคลื่อนไหวของฮิปปี้ อนาธิปไตย ความหลงใหลในเวทย์มนต์ตะวันออก) "ดนตรีแจ๊สเสรี" ที่ปรากฏในเวลานั้นได้หันเหไปจากแนวทางหลักในการพัฒนาดนตรีแจ๊สอย่างรวดเร็วจากกระแสหลัก การผสมผสานระหว่างความบริบูรณ์ของประสบการณ์ทางจิตวิญญาณและสุนทรียศาสตร์กับแนวทางใหม่โดยพื้นฐานในการจัดระเบียบเนื้อหาทางดนตรีได้ขัดขวางดนตรีแจ๊สใหม่จากขอบเขตของศิลปะสมัยนิยมอย่างสิ้นเชิง มันเป็นการเร่งความเร็วอย่างน่าทึ่งของกระบวนการที่เริ่มต้นโดยนักบิด

Dixieland และสไตลิสต์วงสวิงสร้างอิมโพรไวส์ที่ไพเราะ นักดนตรีบีป็อบ เท่และฮาร์ดบอปตามโครงสร้างคอร์ดในโซโลของพวกเขา ฟรีแจ๊สเป็นการออกจากรูปแบบก่อนหน้านี้อย่างสิ้นเชิงเนื่องจากในรูปแบบนี้ศิลปินเดี่ยวไม่จำเป็นต้องปฏิบัติตามทิศทางที่กำหนดหรือสร้างรูปแบบตามหลักการที่รู้จักเขาสามารถไปในทิศทางที่คาดเดาไม่ได้ ในขั้นต้นความทะเยอทะยานหลักของผู้นำดนตรีแจ๊สฟรีคือการเน้นที่จังหวะโครงสร้างความกลมกลืนและท่วงทำนอง สิ่งสำคัญสำหรับพวกเขาคือการแสดงออกขั้นสูงสุด ความเปลือยเปล่าทางจิตวิญญาณ ความปีติยินดี ประสบการณ์ครั้งแรกของนักดนตรีแจ๊สหน้าใหม่ Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler ไม่ได้ทำลายความสัมพันธ์กับบรรทัดฐานกระแสหลัก การบันทึกเสียงแจ๊สฟรีครั้งแรกยังคงดึงดูดรูปแบบฮาร์มอนิก อย่างไรก็ตาม กระบวนการนี้ค่อย ๆ มาถึงจุดสูงสุดของการทำลายประเพณี เมื่อ Ornette Coleman นำเสนอดนตรีแจ๊สฟรีแก่ผู้ชมในนิวยอร์กอย่างเต็มรูปแบบ (แม้ว่า Cecil Taylor จะเป็นที่รู้จักมาก่อนและค่อนข้างดี) นักดนตรีบี๊บ็อบและผู้ที่ชื่นชอบดนตรีแจ๊สหลายคนได้ข้อสรุปว่าดนตรีนี้ไม่ได้เป็นเพียงดนตรีแจ๊สเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีด้วย . ดังนั้น อดีตกลุ่มหัวรุนแรงจึงกลายเป็นกลุ่มอนุรักษ์นิยมในเวลาไม่ถึง 15 ปี

หนึ่งในผู้ทำลายศีลคนแรกคือเซซิลเทย์เลอร์ซึ่งในเวลานั้นส่วนใหญ่เป็นนักดนตรีที่ได้รับการฝึกฝนมาเป็นอย่างดี เขาจบการศึกษาจากเรือนกระจก รู้จักดนตรีแจ๊สเป็นอย่างดี และคิดเกี่ยวกับการนำหลักการของนักแต่งเพลงมาใช้กับกระบวนการด้นสด ในปีพ. ศ. 2499 ร่วมกับนักเป่าแซ็กโซโฟน Steve Lacy เขาสามารถออกแผ่นเสียงที่มีแนวคิดเกี่ยวกับดนตรีแจ๊สใหม่ได้ ในทำนองเดียวกัน เล็ดลอดออกมาจาก Thelonious Monk นักเปียโนและนักแต่งเพลง Herbie Nichols ซึ่งเสียชีวิตก่อนเวลาก็เดินในเวลานี้ แม้จะมีความยากลำบากในการยอมรับเพลงที่ไม่มีจุดอ้างอิงตามปกติ แต่ Cecil Taylor ก็กลายเป็นบุคคลที่มีชื่อเสียงในปี 1958 ซึ่งได้รับการสนับสนุนจากการแสดงของเขาที่ Five Spot club

Ornette Coleman ผู้ก่อตั้งดนตรีแจ๊สฟรีอีกคน ซึ่งแตกต่างจาก Taylor มีประวัติการแสดงที่ยาวนานและยังไม่เคยเล่น "อย่างถูกต้อง" บางทีโคลแมนอาจถูกจัดตั้งขึ้นเพื่อเป็นปรมาจารย์แห่งลัทธิดึกดำบรรพ์โดยไม่รู้ตัว ในทางกลับกัน สิ่งนี้ทำให้เขามีพื้นฐานในการเปลี่ยนไปใช้ดนตรีที่ไม่ได้มาตรฐานได้ง่าย ซึ่งเขาเล่นร่วมกับนักเป่าแตรที่เล่นเป่าแตร - Don Cherry นักดนตรีโชคดี Red Mitchell นักดับเบิลเบสและนักเปียโน John Lewis ซึ่งมีน้ำหนักในสภาพแวดล้อมทางดนตรีเริ่มสนใจพวกเขา ในปี 1959 นักดนตรีได้ออกแผ่น "Something Else!!" และได้รับงานหมั้นใน "Five Spot" ความสำเร็จครั้งสำคัญสำหรับ New Jazz คือแผ่นดิสก์ที่บันทึกโดย "Free Jazz" ของ Ornette Coleman ในปี 1960

ดนตรีแจ๊สฟรีมักจะตัดกับการเคลื่อนไหวแบบเปรี้ยวจี๊ดอื่นๆ ซึ่งยกตัวอย่างเช่น สามารถใช้รูปแบบและลำดับของโครงสร้างจังหวะได้ ตั้งแต่เริ่มก่อตั้ง ดนตรีแจ๊สฟรียังคงเป็นสมบัติของคนจำนวนน้อยและมักพบในชั้นใต้ดิน อย่างไรก็ตาม ดนตรีแจ๊สนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อกระแสหลักสมัยใหม่ แม้จะมีการปฏิเสธโดยสิ้นเชิง แต่บรรทัดฐานบางอย่างได้พัฒนาขึ้นในดนตรีแจ๊สฟรี ซึ่งทำให้สามารถแยกความแตกต่างจากเทรนด์ดนตรีแจ๊สใหม่อื่น ๆ ได้ แบบแผนเหล่านี้เกี่ยวข้องกับแผนทั่วไปของงาน การโต้ตอบของนักดนตรี การสนับสนุนจังหวะ และแน่นอน แผนการทางอารมณ์ ควรสังเกตว่าการด้นสดแบบรวมแบบเก่าได้ปรากฏขึ้นอีกครั้งในดนตรีแจ๊สฟรี มันกลายเป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีแจ๊สฟรีที่จะทำงานกับ "รูปแบบเปิด" ที่ไม่เชื่อมโยงกับโครงสร้างเฉพาะ แนวทางนี้เริ่มปรากฏในหมู่นักดนตรีที่ไม่ได้เป็นแจ๊สอิสระอย่างแท้จริง ตัวอย่างเช่น Keith Jarrett ด้นสดในคอนเสิร์ตเดี่ยวของเขา

การปฏิเสธ "แจ๊สใหม่" จากบรรทัดฐานทางดนตรีของยุโรปทำให้เกิดความสนใจอย่างมากในวัฒนธรรมที่ไม่ใช่ของยุโรป ซึ่งส่วนใหญ่เป็นวัฒนธรรมตะวันออก John Coltrane จริงจังกับดนตรีอินเดียมาก Don Cherry - ภาษาอินโดนีเซียและภาษาจีน Farow Sanders - ภาษาอาหรับ ยิ่งไปกว่านั้น การวางแนวทางนี้ไม่ได้ฉาบฉวย ตกแต่ง แต่ลึกซึ้งมาก ด้วยความปรารถนาที่จะเข้าใจและซึมซับลักษณะทั้งหมดของดนตรีที่สอดคล้องกัน ไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสภาพแวดล้อมทางสุนทรียะและจิตวิญญาณด้วย

สำนวนแจ๊สฟรีมักกลายเป็นส่วนสำคัญของดนตรีหลายสไตล์ หนึ่งในการแสดงที่โดดเด่นที่สุดของแนวทางนี้คือผลงานของวงดนตรีนักดนตรีผิวดำในชิคาโกที่เริ่มแสดงในยุค 60 ภายใต้การอุปถัมภ์ของสมาคมเพื่อความก้าวหน้าของนักดนตรีสร้างสรรค์ (AACM) ต่อมา นักดนตรีเหล่านี้ (Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favors, Don Moye) ได้สร้าง "Chicago Art Ensemble" ขึ้น โดยเทศนาแนวต่างๆ ตั้งแต่คาถาพิธีกรรมของชาวแอฟริกัน ไปจนถึงดนตรีแจ๊สฟรี อีกด้านหนึ่งของกระบวนการเดียวกันปรากฏในงานของนักคลาริเน็ตและนักเป่าแซ็กโซโฟน Anthony Braxton ซึ่งมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับ "Chicago Art Ensemble" ดนตรีของเขามีทั้งอิสระและทางปัญญา บางครั้ง Braxton ใช้หลักการทางคณิตศาสตร์ในการแต่งเพลงของเขา เช่น ทฤษฎีกลุ่ม แต่สิ่งนี้ไม่ได้ลดผลกระทบทางอารมณ์ของดนตรีของเขา ข้อพิพาทเกี่ยวกับความเป็นไปได้ของดนตรีประเภทนี้ยังไม่ลดลงจนถึงทุกวันนี้ ดังนั้นผู้มีอำนาจอย่างเป็นทางการของสถานประกอบการดนตรีแจ๊สอเมริกัน Wynton Marsalis จึงเรียก Braxton ว่าเป็น "ผู้เล่นหมากรุกที่ดี" อย่างดูถูกเหยียดหยามในขณะเดียวกันในการสำรวจความคิดเห็นของสมาคมนักข่าวแจ๊สแห่งอเมริกา Marsalis อยู่ในบรรทัดถัดไปหลังจาก Braxton ใน การเสนอชื่อนักแต่งเพลงแจ๊ส

ควรสังเกตว่าในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ความสนใจในดนตรีแจ๊สฟรีเริ่มดึงดูดนักดนตรีที่มีความคิดสร้างสรรค์ของยุโรปซึ่งมักจะรวมหลักการของ "เสรีภาพ" เข้ากับพัฒนาการของดนตรีแจ๊สในยุโรปในศตวรรษที่ 20 - โทนเสียง เทคนิคอนุกรม , aleatoric, sonoristics ฯลฯ ในทางกลับกัน ผู้นำดนตรีแจ๊สฟรีบางคนกำลังถอยห่างจากลัทธิหัวรุนแรงสุดโต่ง และในทศวรรษที่ 80 กำลังมุ่งไปสู่การประนีประนอม แม้ว่าจะเป็นเพลงดั้งเดิมก็ตาม ในจำนวนนี้มี Ornette Coleman กับโครงการ Prime Time, Archie Shepp และคนอื่นๆ

6. พัฒนาการของฟิวชั่น: แจ๊ส-ร็อค ฟิวชั่น อีซีเอ็ม. แจ๊สโลก

คำจำกัดความดั้งเดิมของ "แจ๊สร็อค" นั้นชัดเจนที่สุด นั่นคือการผสมผสานการแสดงดนตรีแจ๊สเข้ากับพลังและจังหวะของดนตรีร็อค จนถึงปี 1967 โลกของดนตรีแจ๊สและร็อคแทบจะแยกจากกัน แต่มาถึงตอนนี้ ร็อคมีความสร้างสรรค์มากขึ้นและซับซ้อนมากขึ้น ไซเคเดลิกร็อค ดนตรีวิญญาณก็ปรากฏขึ้น ในขณะเดียวกัน นักดนตรีแจ๊สบางคนเริ่มเบื่อฮาร์ดบ็อบล้วน ๆ แต่พวกเขาก็ไม่อยากเล่นดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดที่ยากจะเข้าใจ ด้วยเหตุนี้สำนวนที่แตกต่างกันทั้งสองจึงเริ่มแลกเปลี่ยนความคิดเห็นและผนึกกำลังกัน เริ่มตั้งแต่ปี พ.ศ. 2510 Larry Coryell มือกีตาร์ นักไวบราฟอน Gary Burton และในปี พ.ศ. 2512 มือกลอง Billy Cobham ร่วมกับวง "Dreams" ซึ่งเล่นเป็น Brecker Brothers (Brecker Brothers) เริ่มเชี่ยวชาญสไตล์ที่กว้างขวางขึ้น ปลายทศวรรษที่ 60 ไมล์ส เดวิสมีศักยภาพที่จะเปลี่ยนไปเล่นดนตรีแจ๊ส-ร็อก เขาเป็นหนึ่งในผู้สร้างโมดอลแจ๊สโดยใช้จังหวะ 8/8 และเครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ Miles ก้าวไปอีกขั้นด้วยการบันทึกอัลบั้ม "Bitches Brew", "In a Silent Way" ร่วมกับเขาในเวลานี้เป็นดาราจักรที่ยอดเยี่ยมของนักดนตรีหลายคนซึ่งต่อมาได้กลายเป็นบุคคลสำคัญของทิศทางนี้ - John McLaughlin (John McLaughlin), Joe Zawinul (Joe Zawinul), Herbie Hancock การบำเพ็ญตบะ ความรัดกุม และลักษณะการไตร่ตรองทางปรัชญาของเดวิสได้รับการต้อนรับมากที่สุดในรูปแบบใหม่ ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 แจ๊ส-ร็อกมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวที่ชัดเจนว่าเป็นสไตล์แจ๊สที่สร้างสรรค์ แม้ว่าจะถูกเย้ยหยันจากนักเล่นดนตรีแจ๊สหลายคนก็ตาม กลุ่มหลักของทิศทางใหม่คือ "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", Miles Davis ensembles ต่างๆ พวกเขาเล่นแจ๊สร็อคคุณภาพสูงซึ่งผสมผสานเทคนิคมากมายจากทั้งแจ๊สและร็อค

ฟิวชั่น

การแต่งเพลงแจ๊สร็อคที่น่าสนใจที่สุดนั้นมีลักษณะโดยด้นสดรวมกับวิธีการแต่งเพลง, การใช้หลักการฮาร์มอนิกและจังหวะของดนตรีร็อค, ศูนย์รวมของท่วงทำนองและจังหวะของตะวันออก, การแนะนำที่มีประสิทธิภาพของวิธีการทางอิเล็กทรอนิกส์ในการประมวลผลและ สังเคราะห์เสียงเป็นเพลง ในรูปแบบนี้ขอบเขตของการประยุกต์ใช้หลักการโมดอลได้ขยายออกไป ชุดของโหมดต่างๆ รวมถึงโหมดที่แปลกใหม่ได้ขยายออกไป ในช่วงทศวรรษที่ 70 ดนตรีแจ๊สร็อคได้รับความนิยมอย่างเหลือเชื่อ วงดนตรีที่มีบทบาทมากที่สุดเข้ามามีบทบาท แจ๊สร็อคถูกเรียกว่า "ฟิวชั่น" (โลหะผสมฟิวชั่น) แรงกระตุ้นเพิ่มเติมสำหรับ "ฟิวชั่น" เป็นอีกสิ่งหนึ่ง (ไม่ใช่ครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊ส) พยักหน้าต่อดนตรีวิชาการของยุโรป ในความเป็นจริง ในขั้นตอนนี้ ฟิวชั่นยังคงดำเนินต่อไปในแนวของ "กระแสที่สาม" ของยุค 50

การผสมผสานของอิทธิพลทางวัฒนธรรมที่หลากหลายนั้นชัดเจนแม้ในองค์ประกอบของวงดนตรีที่น่าสนใจที่สุด ตัวอย่างที่โดดเด่นคือ "รายงานสภาพอากาศ" กำกับโดยโจเซฟ ซาวินุล นักเล่นคีย์บอร์ดชาวออสเตรียในยุคแรก และเวย์น ชอร์ตเตอร์ นักเป่าแซ็กโซโฟนชาวอเมริกัน ซึ่งแต่ละคน เวลาที่แตกต่างกันผ่านโรงเรียน Miles Davis วงดนตรีรวมนักดนตรีจากบราซิล เชคโกสโลวาเกีย และเปรู ในอนาคตนักดนตรีและนักร้องจากเกือบทั่วโลกเริ่มร่วมมือกับ Zawinul ในโครงการ "ซินดิแคต" ที่สืบทอดมาจาก "รายงานสภาพอากาศ" ภูมิศาสตร์ของนักดนตรีขยายจากตูวาไปยังอเมริกาใต้

น่าเสียดายที่เมื่อเวลาผ่านไป แจ๊ส-ร็อคได้รับคุณลักษณะของดนตรีเชิงพาณิชย์ในระดับมาก ในทางกลับกัน ร็อคเองก็ปฏิเสธการค้นพบที่สร้างสรรค์มากมายในช่วงกลางทศวรรษ 1970 ในหลายกรณี ฟิวชันกลายเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สกับเพลงป๊อปและจังหวะเบาๆ และเพลงบลูส์ ครอสโอเวอร์ ความทะเยอทะยานของดนตรีฟิวชั่นในด้านความลึกซึ้งและการเสริมอำนาจยังไม่บรรลุผล แม้ว่าการค้นหาจะดำเนินต่อไปในบางโอกาส เช่น ในวงดนตรีอย่าง "Tribal Tech" และวงดนตรีของ Chick Corea

แจ๊สไฟฟ้า

การใช้ตัวแปลงเสียงอิเล็กทรอนิกส์และซินธิไซเซอร์ได้รับการพิสูจน์แล้วว่ามีความน่าสนใจอย่างยิ่งสำหรับนักดนตรีที่ส่วนใหญ่อยู่ติดกับดนตรีร็อกหรือดนตรีเชิงพาณิชย์ ในความเป็นจริงมีตัวอย่างค่อนข้างน้อยในดนตรีไฟฟ้าทั่วไป ตัวอย่างเช่น Joe Zawinul ในโครงการ "รายงานสภาพอากาศ" ได้ประสบความสำเร็จในการผสมผสานองค์ประกอบชาติพันธุ์และวรรณยุกต์เข้าด้วยกันอย่างมีประสิทธิภาพ เฮอร์บี แฮนค็อกเป็นเวลานานแล้วที่กลายเป็นไอดอลที่ไม่เป็นที่รู้จักของสาธารณชนมากนักในฐานะนักดนตรี โดยใช้ซินธิไซเซอร์ คีย์บอร์ดจำนวนมาก และเทคนิคอิเล็กทรอนิกส์ต่างๆ ในยุค 70 และ 80 ในช่วงทศวรรษที่ 90 ดนตรีแนวนี้กำลังเคลื่อนเข้าสู่วงที่ไม่ใช่ดนตรีแจ๊สมากขึ้นเรื่อยๆ สิ่งนี้อำนวยความสะดวกโดยการปรับปรุง การสร้างคอมพิวเตอร์ดนตรีซึ่งมีข้อดีและโอกาสบางอย่างสูญเสียการติดต่อกับคุณภาพดนตรีแจ๊สหลัก - การด้นสด

ช่องที่แยกจากกันในชุมชนสไตล์แจ๊สตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 70 ถูกครอบครองโดย บริษัท ECM ของเยอรมัน (Edition of Contemporary Music - Publishing House เพลงร่วมสมัย) ซึ่งค่อย ๆ กลายเป็นศูนย์กลางของสมาคมนักดนตรีที่อ้างว่าไม่ผูกพันกับต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สแอฟริกัน - อเมริกันมากนักเนื่องจากความสามารถในการแก้ปัญหางานศิลปะที่หลากหลายโดยไม่ จำกัด เฉพาะสไตล์ที่แน่นอน แต่อยู่ในแนวเดียวกัน ด้วยกระบวนการด้นสดอย่างสร้างสรรค์ อย่างไรก็ตามเมื่อเวลาผ่านไป บริษัท ได้รับการพัฒนาซึ่งนำไปสู่การแยกศิลปินของป้ายกำกับนี้ไปสู่ทิศทางโวหารขนาดใหญ่และเด่นชัด การวางแนวทางของผู้ก่อตั้งค่ายเพลง Manfred Eicher (Manfred Eicher) เพื่อรวมสำนวนแจ๊สต่างๆ คติชนโลก และดนตรีเชิงวิชาการใหม่เข้าไว้ในเสียงแนวอิมเพรสชันนิสม์เดียว ทำให้สามารถอ้างสิทธิ์ในเชิงลึกและความเข้าใจเชิงปรัชญาเกี่ยวกับคุณค่าชีวิตโดยใช้วิธีการเหล่านี้

สตูดิโอบันทึกเสียงหลักในออสโลของบริษัทมีความสัมพันธ์กับบทบาทผู้นำในรายชื่อนักดนตรีสแกนดิเนเวียอย่างเห็นได้ชัด ก่อนอื่น ได้แก่ Jan Garbarek ชาวนอร์เวย์, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer, Jon Christensen อย่างไรก็ตาม ภูมิศาสตร์ของ ECM ครอบคลุมทั่วโลก นี่คือชาวยุโรป John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mikhail Alperin และตัวแทนของวัฒนธรรมนอกยุโรป Egberto Gismonti , Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem และอีกมากมาย คนอื่น. American Legion เป็นตัวแทนไม่น้อย - Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Dewey Redman (Redman Dewey), Bill Frisell, John Abercrombie ( John Abercrombie, Leo Smith. แรงกระตุ้นในการปฏิวัติครั้งแรกของสิ่งพิมพ์ของบริษัทได้เปลี่ยนไปตามกาลเวลาจนกลายเป็นเสียงที่แยกออกมาอย่างมีสมาธิ แบบฟอร์มเปิดด้วยเลเยอร์เสียงที่ขัดเกลาอย่างพิถีพิถัน Aicher ข้ามเส้นแบ่งที่มองไม่เห็นซึ่งแยกความพยายามมากมายในการผสมผสานดนตรีแจ๊สและดนตรียุโรปเชิงวิชาการ นี่ไม่ใช่เทรนด์ที่สามอีกต่อไป แต่เป็นเพียงกระแสที่ไหลเข้าสู่ "ซีรีส์ใหม่" ของ ECM อย่างราบรื่นด้วยดนตรีเชิงวิชาการ ซึ่งใกล้เคียงกับจิตวิญญาณของดนตรีแจ๊สอย่างมาก อย่างไรก็ตาม ทิศทางของนโยบายของค่ายเพลงที่อยู่นอกขอบเขตของวัฒนธรรมสมัยนิยมได้นำไปสู่ความนิยมที่เพิ่มขึ้นของดนตรีประเภทนี้ ซึ่งสามารถมองได้ว่าเป็นความขัดแย้งประเภทหนึ่ง ผู้นับถือกระแสหลักบางคนปฏิเสธเส้นทางที่เลือกโดยนักดนตรีในทิศทางนี้ อย่างไรก็ตาม ดนตรีแจ๊สในฐานะวัฒนธรรมโลก พัฒนาขึ้นแม้จะมีข้อโต้แย้งเหล่านี้ และให้ผลลัพธ์ที่น่าประทับใจมาก

แจ๊สโลก

"เวิลด์แจ๊ส" (World Jazz) เป็นคำภาษารัสเซียที่มีเสียงแปลกๆ ซึ่งหมายถึงการหลอมรวมของดนตรีโลกที่สามหรือ "ดนตรีโลก" เข้ากับดนตรีแจ๊ส ทิศทางที่แตกแขนงมากนี้สามารถแบ่งออกได้เป็นหลายประเภท

ดนตรีชาติพันธุ์ ซึ่งรวมถึงการแสดงดนตรีแจ๊สแบบด้นสด เช่น ละตินแจ๊ส ในกรณีนี้ บางครั้งมีเพียงโซโลเท่านั้นที่ถูกด้นสด ดนตรีประกอบและการเรียบเรียงโดยพื้นฐานแล้วเหมือนกับในดนตรีชาติพันธุ์

แจ๊สซึ่งรวมถึงดนตรีที่ไม่ใช่ดนตรีตะวันตกในแง่มุมที่จำกัด ตัวอย่าง ได้แก่ การบันทึกเสียง "Night in Tunisia" แบบเก่าของ Dizzy Gillespie เพลงของ Keith Jarrett สี่วงและ quintet LPs ที่วางจำหน่ายในปี 1970 บนฉลาก Impulse! โดยใช้เครื่องดนตรีตะวันออกกลางที่เปลี่ยนแปลงไปเล็กน้อยและเทคนิคฮาร์มอนิกที่คล้ายกัน ซึ่งรวมถึงดนตรีบางเพลงของ Sun Ra จากยุค 50 ถึง 90 ซึ่งผสมผสานจังหวะของแอฟริกา การบันทึกเสียงของ Yusef Lateef บางส่วนโดยใช้เครื่องดนตรีและเทคนิคแบบดั้งเดิมของอิสลาม

แนวดนตรีใหม่ๆ ที่เกิดขึ้นจากแนวทางธรรมชาติของการผสมผสานการอิมโพรไวส์ของแจ๊สเข้ากับแนวคิดและเครื่องดนตรีดั้งเดิม ฮาร์โมนี เทคนิคการแต่งเพลง และจังหวะของประเพณีชาติพันธุ์ที่มีอยู่ ผลลัพธ์ที่ได้คือต้นฉบับและสะท้อนถึงแง่มุมที่สำคัญของชาติพันธุ์อย่างชัดเจน ตัวอย่างของแนวทางนี้มีมากมายและรวมถึงวงดนตรี Don Cherry, Codona และ Nu; ดนตรีบางเพลงของ John McLaughlin จากยุค 70 ถึง 90 ตามประเพณีของอินเดีย เพลงบางส่วนของ Don Ellis ในยุค 70 ซึ่งยืมแนวคิดมาจากดนตรีของอินเดียและบัลแกเรีย ผลงานของ Andy Narell ในยุค 90 ผู้ผสมผสานดนตรีและเครื่องดนตรีของ Trinidad เข้ากับการแสดงสดของแจ๊สและฟังก์

"World Fusion Jazz" ไม่ใช่ครั้งแรกในเส้นทางนี้ในประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊ส และกระแสดังกล่าวก็ไม่ได้มีเฉพาะในดนตรีแจ๊สอเมริกันเท่านั้น ตัวอย่างเช่น ดนตรีโพลีนีเชียนผสมผสานกับแนวเพลงป๊อปตะวันตกในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 และเสียงของดนตรีนั้นมาจากนักดนตรีแจ๊สรุ่นแรกๆ บางคน แคริบเบียน จังหวะการเต้นกลายเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมป๊อปอเมริกันตลอดศตวรรษที่ 20 และเนื่องจากนักดนตรีแจ๊สมักจะด้นสดในธีมป๊อป พวกเขาจึงผสมผสานกันเกือบตลอดเวลา Django Reinhardt ได้รวมเอาประเพณีของดนตรียิปซี อิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศสเข้ากับการแสดงดนตรีแจ๊สในยุค 30 ในฝรั่งเศส รายชื่อนักดนตรีที่ทำงานอยู่ในพื้นที่ชายแดนอาจมีชื่อเป็นร้อยเป็นพัน ตัวอย่างเช่นในหมู่พวกเขาเช่น Al DiMeola (Al DiMeola), กลุ่ม "Dead Can Dance", Joe Zawinul, กลุ่ม "Shakti", Lakshminarayana Shankar (Lakshminarayana Shankar), Paul Winter (Paul Winter), Trilok Gurtu และอื่น ๆ อีกมากมาย

7. โผล่ - แจ๊ส : ฟังก์, แอซิดแจ๊ส, ครอสโอเวอร์, สมูทแจ๊ส

ฉุน

ฟังก์สมัยใหม่หมายถึงสไตล์ดนตรีแจ๊สยอดนิยมในยุค 70 และ 80 ซึ่งนักดนตรีเล่นดนตรีในสไตล์ป๊อปโซลสีดำและดนตรีฟังก์ ในขณะที่การแสดงเดี่ยวแบบอิมโพรไวส์ที่กว้างขวางนั้นมีความสร้างสรรค์และแจ๊สโดยธรรมชาติมากกว่า แทนที่จะใช้ชุดสำนวนแจ๊สที่หลากหลายและสะสมจากคลังแสงของนักเป่าแซ็กโซโฟนแจ๊สสมัยใหม่ (ชาร์ลี ปาร์กเกอร์, ลี โคนิทซ์, จอห์น โคลเทรน, ออร์เน็ตต์ โคลแมน) นักเป่าแซ็กโซโฟนแนวนี้ส่วนใหญ่ใช้ชุดวลีง่ายๆ ของตนเอง ซึ่งประกอบด้วยเสียงตะโกนบลูส์ และคร่ำครวญ พวกเขาสร้างประเพณีที่สืบทอดมาจากการโซโลแซกโซโฟนในการบันทึกเสียง R&B เช่น King Curtis on the Coastrs, Junior Walker กับกลุ่มนักร้อง Motown, David Sanborn Sanborn) กับ "Blues Band" โดย Paul Butterfield (พอล บัตเตอร์ฟิลด์) บุคคลที่โดดเด่นในประเภทนี้คือ Grover Washington, Jr. ซึ่งมักจะเล่นเพลงเดี่ยวสไตล์ Hank Crawford พร้อมกับดนตรีประกอบที่ฟังก์ นี่คือลักษณะที่เขาเห็นในการบันทึกเสียงที่โด่งดังที่สุดของเขา แม้ว่าวอชิงตันจะสามารถเล่นดนตรีแจ๊สสไตล์อื่นได้ สมาชิกของ The Jazz Crusaders, Felder Wilton และ Joe Sample ได้รับความนิยมอย่างแพร่หลายโดยการเปลี่ยนแนวเพลงในช่วงปี 1970 และลบคำว่า "jazz" ออกจากชื่อวง ดนตรีส่วนใหญ่ของ Michael Brecker, Tom Scott และนักเรียนของพวกเขาใช้วิธีนี้ แม้ว่าพวกเขาอาจเล่นในสไตล์ของ John Coltrane หรือ Joe Henderson เช่นกัน "นาจี" ริชาร์ด เอลเลียต (Richard Elliott) และคนรุ่นราวคราวเดียวกันก็ทำงานในสไตล์ "โมเดิร์น ฟังก์" ระหว่างปี 1971 ถึง 1992 Miles Davis เป็นผู้นำวงที่เล่นดนตรีสไตล์นี้ที่ซับซ้อน แม้ว่านักเป่าแซ็กโซโฟนในวงของเขาจะได้รับอิทธิพลจาก John Coltrane และมือกีตาร์ของเขาก็แสดงความคิดแบบแจ๊สสมัยใหม่พร้อมกับอิทธิพลจาก Jimy Hendrix ฟังก์สมัยใหม่จำนวนมากสามารถจัดประเภทเป็น "ครอสโอเวอร์" ได้เช่นกัน

แอซิดแจ๊ส

หลายคนคิดว่าการแต่งเพลงช่วงปลายของ Miles Davis เป็นบรรพบุรุษของทิศทางนี้ คำว่า "แจ๊สกรด" ("แจ๊สกรด") ถูกกำหนดให้กับหนึ่งในประเภทของดนตรีแจ๊สเบา ๆ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นประเภทการเต้นรำซึ่งรวมกันเป็นส่วนหนึ่งโดยนักดนตรี "สด" และส่วนที่เหลือจะถูกนำไปใช้ ทั้งในรูปแบบตัวอย่างหรือในรูปแบบของเสียงซึ่งได้มาจากการใช้แผ่นเสียงซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นไวนิลแบบเก่าซึ่งผลิตขึ้นสำหรับดิสโก้ ผลลัพธ์ทางดนตรีสามารถเป็นสไตล์ใดก็ได้ ด้วยเสียงที่เปลี่ยนไป "พังก์แจ๊ส", "วิญญาณ", "ฟิวชั่น" ที่รุนแรงกว่าสำหรับวัตถุประสงค์เหล่านี้ แอซิดแจ๊สยังมีปีกแนวเปรี้ยวจี๊ดที่รุนแรงกว่า เช่นผลงานของ Derek Bailey นักกีตาร์ชาวอังกฤษ อย่างไรก็ตามมันแตกต่างจากแจ๊สกรดในเวอร์ชั่นดิสโก้โดยมีส่วนสำคัญในการเล่น "สด" ของนักดนตรี เห็นได้ชัดว่าทิศทางนี้มีอนาคตที่ช่วยให้สามารถพัฒนาได้

ครอสโอเวอร์

ด้วยกิจกรรมดนตรีร็อกที่ค่อยๆ ลดลง (จากมุมมองทางศิลปะ) ตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 70 พร้อมกับการลดลงของกระแสความคิดจากโลกของร็อก ดนตรีฟิวชัน (ผสมผสานการด้นสดของแจ๊สกับจังหวะร็อก) จึงกลายเป็นสิ่งที่ตรงไปตรงมามากขึ้น ในเวลาเดียวกัน หลายคนเริ่มตระหนักว่าดนตรีแจ๊สไฟฟ้าสามารถกลายเป็นเชิงพาณิชย์มากขึ้น ผู้ผลิตและนักดนตรีบางคนเริ่มมองหาการผสมผสานของสไตล์ดังกล่าวเพื่อเพิ่มยอดขาย พวกเขาประสบความสำเร็จอย่างมากในการสร้างดนตรีแจ๊สที่ผู้ฟังทั่วไปเข้าถึงได้มากขึ้น ชุดค่าผสมต่างๆ มากมายได้เกิดขึ้นในช่วงสองทศวรรษที่ผ่านมา ซึ่งผู้ก่อการและนักประชาสัมพันธ์ชอบใช้สำนวนว่า " แจ๊สร่วมสมัย" ใช้เพื่ออธิบาย "การหลอมรวม" ของดนตรีแจ๊สที่มีองค์ประกอบของดนตรีป๊อป ริธึ่ม และบลูส์ และ "ดนตรีสากล" อย่างไรก็ตาม คำว่า "ครอสโอเวอร์" นั้นถูกต้องกว่าในการอธิบายสาระสำคัญของเรื่อง การครอสโอเวอร์และฟิวชันบรรลุเป้าหมายของพวกเขา และเพิ่มผู้ชมแจ๊สโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับผู้ที่เบื่อกับสไตล์อื่น ๆ ในบางกรณีดนตรีนี้สมควรได้รับความสนใจแม้ว่าในกรณีส่วนใหญ่เนื้อหาของดนตรีแจ๊สจะลดลงเหลือศูนย์ก็ตาม สำหรับสไตล์ที่อยู่ใน ความจริงแล้ว เพลงป๊อปที่มีการอิมโพรไวส์แทรกสลับเล็กน้อย ซึ่งนำดนตรีไปไกลกว่าดนตรีแจ๊ส "ป๊อปบรรเลง" เป็นคำที่เหมาะสมที่สุด ตัวอย่างของสไตล์ครอสโอเวอร์มีตั้งแต่การบันทึกเสียงของ Al Jarreau และ George Benson ไปจนถึง Kenny G, Spyro Gyra และ the Rippingtons . มีอิทธิพลต่อดนตรีแจ๊ส แต่ถึงกระนั้น ดนตรีนี้ก็เข้ากับวงการศิลปะป๊อป ซึ่งแสดงโดย Gerald Albright, David Benoit, Michael Brecker, Randy Brecker, "พวกครูเสด", จอร์จ ดุ๊ค, นักเป่าแซ็กโซโฟน บิล อีแวนส์, เดฟ กรูซิน, ควินซี โจนส์, เอิร์ล คลูห์, ฮิวเบิร์ต ลอว์, ชัค แมงจิโอเน (Chuck Mangione), ลี ริเทนัวร์, โจ แซมเพิล, ทอม สก็อตต์, โกรเวอร์ วอชิงตัน จูเนียร์

เรียบ

"แจ๊สสมูท" (แจ๊สสมูท) เป็นผลิตภัณฑ์ของสไตล์ฟิวชั่นซึ่งเน้นด้านที่นุ่มนวลและนุ่มนวลของดนตรี โดยทั่วไปแล้ว "เพลงแจ๊สสมูท" จะอาศัยจังหวะและแนวทำนองมากกว่าการด้นสด มันใช้เลเยอร์เสียงซินธิไซเซอร์ จังหวะฟังก์ ฟังก์เบส เส้นยืดหยุ่นของกีตาร์และทรัมเป็ต อัลโตหรือโซปราโนแซกโซโฟน ดนตรีไม่ฉลาดเหมือนฮาร์ดบ็อบ แต่ก็ไม่มีพลังมากเกินไปเหมือนฟังก์หรือโซลแจ๊ส การประพันธ์เพลง "แจ๊สที่นุ่มนวล" ดูเรียบง่าย ผิวเผิน และขัดเกลา และเสียงโดยรวมก็มี มูลค่าที่มากขึ้นกว่าชิ้นส่วนแต่ละชิ้น ตัวแทนลักษณะของสไตล์ "เรียบ" ได้แก่ George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman

แจ๊สเป็นดนตรีประเภทพิเศษที่ผสมผสานระหว่างดนตรีอเมริกันในศตวรรษก่อนๆ จังหวะแอฟริกัน เพลงฆราวาส งานและพิธีกรรม แฟน ๆ ของทิศทางดนตรีประเภทนี้สามารถดาวน์โหลดเพลงโปรดได้โดยใช้เว็บไซต์ http://vkdj.org/

คุณสมบัติแจ๊ส

แจ๊สโดดเด่นด้วยคุณสมบัติบางอย่าง:

• จังหวะ;
• ด้นสด;
• หลายจังหวะ

เขาได้รับความสามัคคีอันเป็นผลมาจากอิทธิพลของยุโรป แจ๊สขึ้นอยู่กับจังหวะเฉพาะของแหล่งกำเนิดของแอฟริกา สไตล์นี้ครอบคลุมการบรรเลงและการร้อง ดนตรีแจ๊สมีอยู่โดยการใช้เครื่องดนตรีซึ่งมีความสำคัญรองลงมาจากดนตรีธรรมดา นักดนตรีแจ๊สต้องมีความสามารถในการด้นสดทั้งเดี่ยวและวงออร์เคสตรา

ลักษณะเฉพาะของดนตรีแจ๊ส

สัญญาณหลักของดนตรีแจ๊สคืออิสระของจังหวะ ซึ่งปลุกให้นักแสดงรู้สึกถึงความเบา ความผ่อนคลาย อิสระ และการเคลื่อนไหวไปข้างหน้าอย่างต่อเนื่อง ในงานคลาสสิกดนตรีประเภทนี้มีขนาดและจังหวะของตัวเองซึ่งเรียกว่าสวิง สำหรับทิศทางนี้ การเต้นสม่ำเสมอเป็นสิ่งสำคัญมาก

ดนตรีแจ๊สมีลักษณะเฉพาะและรูปแบบที่ไม่ธรรมดา เพลงหลักคือเพลงบลูส์และเพลงบัลลาดซึ่งเป็นพื้นฐานสำหรับเวอร์ชันดนตรีทุกประเภท

ทิศทางของดนตรีนี้เป็นความคิดสร้างสรรค์ของผู้ที่แสดง ความเฉพาะเจาะจงและความคิดริเริ่มของนักดนตรีเป็นพื้นฐาน ไม่สามารถเรียนรู้ได้จากบันทึกเท่านั้น ประเภทนี้ขึ้นอยู่กับความคิดสร้างสรรค์และแรงบันดาลใจของนักแสดงในขณะเล่นเกม ซึ่งใส่อารมณ์และจิตวิญญาณลงไปในผลงาน

ลักษณะเด่นของเพลงนี้ได้แก่:

• ความสามัคคี;
• ความไพเราะ;
• จังหวะ.

ด้วยการด้นสด จึงมีการสร้างผลงานใหม่ทุกครั้ง ไม่เคยมีมาก่อนในชีวิตที่ดนตรีสองชิ้นที่แสดงโดยนักดนตรีที่แตกต่างกันจะให้เสียงเหมือนกัน มิฉะนั้นวงออร์เคสตร้าจะพยายามลอกเลียนแบบกัน

สไตล์สมัยใหม่นี้มีคุณลักษณะหลายอย่างของดนตรีแอฟริกัน หนึ่งในนั้นคือเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นสามารถทำหน้าที่เป็นเครื่องเพอร์คัชชันได้ เมื่อทำการแต่งเพลงแจ๊ส จะใช้เสียงเรียกขานที่รู้จักกันดี คุณลักษณะที่ยืมมาอีกอย่างหนึ่งคือการเล่นเครื่องดนตรีจะคัดลอกการสนทนา ศิลปะดนตรีระดับมืออาชีพประเภทนี้ซึ่งเปลี่ยนแปลงอย่างมากตามกาลเวลา ไม่มีขอบเขตที่เข้มงวด มันเปิดรับอิทธิพลของนักแสดงอย่างสมบูรณ์

แจ๊สเป็นอันดับแรกของการแสดงสด ชีวิต คำพูด วิวัฒนาการ ดนตรีแจ๊สที่แท้จริงมีชีวิตอยู่ในแม่น้ำมิสซิสซิปปี้ มาจากมือของนักเปียโนในบาร์ Storyville หรือจากกลุ่มนักดนตรีที่เล่นในสถานที่เงียบสงบแถบชานเมืองชิคาโก

สถานที่เกิดจริง

ประวัติของดนตรีแจ๊สเป็นหนึ่งในเรื่องราวที่เป็นต้นฉบับที่สุดในดนตรี ตัวละครและสไตล์ของเขา ลักษณะบุคลิกภาพที่แข็งแกร่งของเขา มีเสน่ห์อย่างมาก แม้ว่าเทรนด์บางอย่างจะต้องการความพร้อมอย่างมากในส่วนของผู้ฟัง ดังที่ John Philip Sousa ดรัมเมเยอร์ของสหรัฐอเมริกาเคยกล่าวไว้ว่าควรฟังดนตรีแจ๊สด้วยเท้า ไม่ใช่ศีรษะ แต่นั่นคือช่วงทศวรรษที่ 30 กับวงดนตรีแจ๊สจาก New Orleans - Buddy Bolden - หรือผู้ชายจาก Austin High ในบาร์ผิดกฎหมายในชิคาโก พวกเขาเล่นดนตรีเพื่อการเต้นรำ

อย่างไรก็ตาม ตั้งแต่ทศวรรษที่ 1940 เป็นต้นมา ประชาชนเริ่มฟังดนตรีแจ๊สด้วยศีรษะแทนที่จะใช้เท้า รูปแบบใหม่ของเสียงปรากฏขึ้น - พยายามดึงดูดผู้ฟังด้วยสติปัญญา เจ๋ง และฟรี - พวกเขายังคงอยู่ข้างๆ เล็กน้อย แม้จะมีคำพูดที่ไม่ดีและการโจมตีจาก Souza แต่ผู้ชมก็รับรู้ถึงดนตรีแจ๊สด้วยความกระตือรือร้นที่มากยิ่งขึ้น ความลับของความมีชีวิตชีวาที่ยิ่งใหญ่คืออะไร?

หากเราพูดถึงดนตรีแจ๊ส เช่น - เกี่ยวกับดนตรีแอฟริกันอเมริกัน - ก็ไม่มีอะไรจะพูดมากนัก
นี่คือรูปแบบหนึ่งของการแสดงออกที่เกิดขึ้นเองตามธรรมชาติของแต่ละบุคคลที่สร้างขึ้นในขณะนี้ สิ่งเหล่านี้ ได้แก่ การด้นสด เสรีภาพ เพลงแห่งการประท้วง และชายขอบ รากเหง้าของดนตรีแจ๊สควรพิจารณาถึงการเป็นทาสคนผิวดำในรัฐทางใต้ อเมริกาเหนือ - เมื่อทำงาน ในสวนฝ้าย ที่นี่เป็นที่ที่เมล็ดพันธุ์และต้นอ่อนแรกผลิ , เพลงและท่วงทำนองเพลงแรกของแนวเพลงที่ได้รับความนิยมครั้งสุดท้ายในประวัติศาสตร์ดนตรีตะวันตกถูกวางลงที่นี่ การแสดงออกแบบคนเมืองที่เริ่มฟื้นคืนชีพในร้านกาแฟสีดำของนิวออร์ลีนส์ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20

ตามสถิติแล้ว ตลาดสำหรับทาสชาวแอฟริกันมีประมาณ 15 ล้านคน ผู้ชาย ผู้หญิง และเด็กขายในส่วนต่างๆ ของโลก คนเหล่านี้ส่วนใหญ่จบจากอเมริกา ไร่ฝ้ายและไร่ยาสูบต้องใช้แรงงานมาก ชาวแอฟริกันผิวดำแข็งแรงและทำงานเพียงเล็กน้อย ค่าจ้างอาหารและที่พักอาศัย นอกจากนี้ พวกเขาไม่มีอะไรนอกจากความทรงจำเกี่ยวกับเพลงและการเต้นรำที่ยากจะลืมเลือนของแอฟริกาพื้นเมืองของพวกเขา ดังนั้น ดนตรีจึงเป็นศูนย์กลางของชีวิตทาส ช่วยให้เอาชนะความยากลำบากและความทุกข์ทรมานทั้งหมดของการเป็นทาส นี่คือสัมภาระหลักของจังหวะและทำนองของทาส

ชาวแอฟริกันผิวดำที่นับถือศาสนาคริสต์ยอมรับศาสนาคริสต์อย่างง่ายดาย แต่เนื่องจากคุ้นเคยกับการเริ่มพิธีกรรมทางศาสนาด้วยเพลงและการเต้นรำ ในไม่ช้าพวกเขาก็เริ่มแนะนำการปรบมือและการเคลื่อนไหวเป็นจังหวะในการประชุมและพิธีในค่ายทางใต้ เสียงของคนผิวคล้ำมีเสียงต่ำที่แปลกมาก การร้องเพลงของท่วงทำนองทำให้คุณเคลื่อนไหวได้จริงๆ ชุมชนศาสนาโปรเตสแตนต์ผิวดำสร้างเพลงสวดของตนเองเพื่อเรียกร้องการต่อต้าน

เพลงเกี่ยวกับงานถูกเพิ่มเข้าไปในธีม คำอธิษฐาน และการวิงวอนเหล่านี้ ทำไม ใช่ เพราะทาสรู้ว่ามันง่ายกว่ามากสำหรับเขาที่จะทำงานด้วยการร้องเพลง
ความเรียบง่ายของวลีเหล่านี้อาจเนื่องมาจากความรู้ภาษาของชาวอาณานิคมที่ต่ำ และได้รับการพัฒนาเป็นบทกวีที่มีพลังและความอ่อนโยน ตามคำกล่าวของ Jean Cocteau กลอนเพลงบลูส์เป็นการปรากฏตัวครั้งสุดท้ายของกวีนิพนธ์ที่ได้รับความนิยมโดยอัตโนมัติ และเพลงบลูส์ มักจะเป็นแนวเพลงแจ๊ส

สหรัฐอเมริกาในการค้นหาวัฒนธรรม

แจ๊สสำหรับสหรัฐอเมริกาเป็นหนึ่งในนามบัตรที่ดีที่สุด และนักประวัติศาสตร์ดนตรีทุกคนต่างก็เห็นด้วยกับการมีส่วนร่วมที่สำคัญที่สุดของพวกเขาต่อวัฒนธรรมโลก

กระบวนการของเอกลักษณ์ทางวัฒนธรรมนี้ค่อนข้างสั้น ขั้นตอนต่อไปเริ่มขึ้น: ความเป็นอิสระของอาณานิคม แต่...สิ่งที่พวกเขาต้องสร้างมันขึ้นมา มรดกทางวัฒนธรรม? ในแง่หนึ่ง มรดกยุโรปของชนพื้นเมือง: ลูกหลานของผู้ตั้งถิ่นฐานเก่า ผู้อพยพล่าสุด ในทางกลับกัน พลเมืองอเมริกันผิวดำหลังจากการเป็นทาสมายาวนาน และที่ใดมีทาส ที่นั่นมีดนตรี จากนี้สรุปได้ว่าดนตรีนิโกรได้รับความนิยมมากกว่าอย่างน้อยในภาคใต้

การคุ้มครองและการยอมรับอย่างเป็นทางการ

ผู้ปกครองตระหนักว่านี่เป็นปรากฏการณ์ทางดนตรีใหม่ ในระหว่างนี้ กระทรวงการต่างประเทศได้ควบคุมและแม้แต่จัดทัวร์ต่างประเทศของ "แจ๊ส" ของชาวอเมริกัน Louis Armstrong, Duke Ellingtong, Dizzy Gillespie, Jack Teagarden, Stanz Getz, Keith Jarrots และอีกมากมายได้จัดแสดงสไตล์นี้ทั่วโลก สมเด็จพระสันตะปาปาทรงต้อนรับหลุยส์ อาร์มสตรองในสำนักวาติกัน โดยแสดงต่อหน้าราชาและราชินี เบนนี กู๊ดแมนและวงออร์เคสตราของเขาไปเที่ยวรัสเซียในช่วงฤดูร้อนปี 1962 เสียงปรบมือดังกึกก้อง แม้แต่นิกิตา ครุสชอฟก็ยังยืนปรบมือ
โดยธรรมชาติแล้ว บลูส์มีวิวัฒนาการ จึงสร้างภาษาของตัวเองขึ้นมา นั่นคือ แจ๊ส ภาษาดังกล่าวคืออะไร? การใช้จังหวะต่อเนื่อง เสียงต่ำของเครื่องดนตรีที่ไม่ธรรมดา การอิมโพรไวส์โซโล่ที่ซับซ้อนซึ่งหาได้ยากในดนตรีประเภทอื่น นี่คือภาษาของดนตรีแจ๊ส จิตวิญญาณของมัน ทุกอย่างเต็มไปด้วยคำวิเศษ: วงสวิง ดังที่ Duke Ellingtong กล่าว - "วงสวิงเป็นสิ่งที่นอกเหนือไปจากการตีความของมันเอง
อันที่จริงแล้ว ดนตรีแจ๊สเป็นและเป็นหนึ่งในวิธีที่พบได้บ่อยที่สุดในการทำความเข้าใจดนตรีอเมริกันผิวดำ เพลงที่สื่อถึงความรัก ความอาลัย กล่าวถึงชีวิตของวีรบุรุษ ความขมขื่น และความผิดหวังในแต่ละวัน ดนตรีแจ๊สยุคแรกเป็นวาล์วทางอารมณ์ของความผิดหวัง ชายผิวดำในโลกของคนผิวขาว

ความสุขของชีวิตนิวออร์ลีนส์

ชื่อ - นิวออร์ลีนส์ - เป็นกุญแจวิเศษที่ช่วยให้เราค้นหา รู้จัก และชื่นชอบดนตรีแจ๊ส ในเมืองนี้ซึ่งสร้างและอยู่อาศัยโดยผู้อพยพชาวฝรั่งเศสและสเปนเป็นส่วนใหญ่ บรรยากาศแตกต่างจากรัฐอื่นๆ (รัฐ) ระดับวัฒนธรรมสูงขึ้น - ผู้อยู่อาศัยจำนวนมากเป็นชนชั้นสูง มีชนชั้นนายทุนจากทวีปเก่ามากขึ้น - รายได้สูงขึ้น และแน่นอนว่ามีร้านอาหารดีๆ และบ้านที่สวยงาม ทุกสิ่งที่นำมาจากยุโรปยุคเก่า - เฟอร์นิเจอร์ที่ละเอียดอ่อน คริสตัล เงิน หนังสือ โน้ตเพลง และเครื่องดนตรีต่างๆ เพื่อเพิ่มสีสันให้กับค่ำคืนอันอบอุ่นของฤดูใบไม้ผลิ กุญแจ ไวโอลิน ขลุ่ย ฯลฯ ทุกอย่างจบลงที่นิวออร์ลีนส์ก่อน เมืองนี้ถูกล้อมรอบด้วยกำแพงสูงเพื่อขับไล่การโจมตีของชาวอินเดียนแดง เมืองนี้ได้รับการปกป้องโดยกองทหารรักษาการณ์ของทหารฝรั่งเศส ซึ่งแน่นอนว่ามีวงดุริยางค์ของตนเองเพื่อทำการเดินขบวนทางทหาร ด้วยความบังเอิญเหล่านี้ นิวออร์ลีนส์จึงร่าเริงและมั่นใจมากขึ้น
ถือว่าเป็นเมืองที่อดทนในทุก ๆ ด้าน รวมถึงความสัมพันธ์กับคนผิวดำ
สงครามกลางเมืองได้นำการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่มาสู่ประเทศ ทาสถูกยกเลิกสำหรับคนผิวดำ พวกเขาเริ่มย้ายไปทำงานในเมืองและกับพวกเขาด้วยดนตรี

ในนิวออร์ลีนส์ ในที่สุดอดีตทาสก็สามารถซื้อสิ่งที่พวกเขาเห็นในร้านขายแผ่นเสียงได้ ก่อนหน้านั้นพวกเขาทำเครื่องมือของตัวเองจากน้ำเต้า, กระดูก, ที่ขูด, ชามโลหะ ตอนนี้ นอกจากแบนโจและฮาร์โมนิกาแล้ว พวกเขายังสามารถซื้อทรอมโบน ฮอร์น คลาริเน็ต และกลองได้อีกด้วย ปัญหาคืออดีตทาสไม่มีความคิดเกี่ยวกับโน้ตเพลง โซลเฟกจิโอ โน้ต ไม่รู้เทคนิคทางดนตรีใดๆ เลย พวกเขาแค่รู้สึกถึงดนตรีและสามารถด้นสดได้

ปัญหาของความไม่รู้ได้รับการแก้ไขด้วยความยากลำบาก แต่พวกเขาเข้าใจว่าคุณต้องเล่นและร้องเพลงด้วย เครื่องดนตรีน่าจะเป็นเสียงต่อเนื่องกัน.และการฝึกก็เริ่มขึ้น.
ถ้าคณะทหารเดินผ่านถนนพวกนิโกรจะอยู่แถวหน้าเสมอและฟังอย่างตั้งใจไม่มีเพลงศักดิ์สิทธิ์สักบทเดียวในโบสถ์ พวกเขาผสมจังหวะมือทีละน้อยและเพิ่มการตบมือสองสามจังหวะ (ฟังเท้า) พวกเขาเริ่มแนะนำอดีต (การเป็นทาส) ของพวกเขาลงในเพลงบลูส์ ดังนั้นดนตรีใหม่จึงเริ่มได้รับการฟื้นฟูซึ่งทำจากหัวใจและเป็นบทกวีมาก

การใช้ดนตรีนี้ถูกใช้โดยคนผิวดำในงานศพ ซึ่งเป็นชนชั้นต่ำที่สุดในสังคม องค์กรการกุศลหรือบริษัทต่าง ๆ ไม่ค่อยสนับสนุนความสงบสุขทางเศรษฐกิจของอดีตทาสในชีวิตสาธารณะ แต่เมื่อถึงแก่กรรม พวกเขาได้ให้เงินจำนวนหนึ่ง ดังนั้น ญาติ ๆ จึงจัดงานศพอย่างงดงาม โดยมีกลุ่มนักดนตรีและผู้สนับสนุนหลายคนร่วมด้วย จากครอบครัว มิตรสหาย และเพื่อนบ้าน ในขบวนยาว เพลงช้าเศร้าฟังไปถึงสุสาน เมื่อกลับมา ธีมเปลี่ยนและเล่นเพลงเร็ว หรือจะเป็นแจ๊สแบบด้นสด เพราะโดยทั่วไปเห็นว่าผู้ตายอยู่ในสวรรค์ และ พวกเขาควรจะชื่นชมยินดีกับพระองค์ นอกจากนี้ เนื่องจากการขาดความผ่อนคลายหลังจากการถอนหายใจและอารมณ์ที่ยาวนาน สภาพแวดล้อมจึงเรียกร้องจากนักดนตรีเสมอว่าช่วงสุดท้ายของพิธีควรจะสนุกสนานอยู่เสมอ
ผู้เชี่ยวชาญเชื่อว่าในงานศพของคนผิวดำ พวกเขาเริ่มเล่นดนตรีแจ๊สเป็นครั้งแรก

เป็นเวลาหลายทศวรรษที่พวกเขาพยายามห้าม ปิดเสียง และเพิกเฉยต่อดนตรีแจ๊ส พวกเขาพยายามต่อสู้กับมัน แต่พลังของดนตรีกลับกลายเป็นว่าแข็งแกร่งกว่าความเชื่อทั้งหมด ถึง ศตวรรษที่ 21แจ๊สได้มาถึงหนึ่งใน คะแนนสูงสุดการพัฒนาและไม่ได้ตั้งใจที่จะชะลอตัวลง

ทั่วโลก ปี 1917 เป็นยุคและจุดเปลี่ยนหลายประการ การปฏิวัติสองครั้งกำลังเกิดขึ้นในจักรวรรดิรัสเซีย วูดโรว์ วิลสันได้รับเลือกให้ดำรงตำแหน่งสมัยที่สองในสหรัฐอเมริกาอีกครั้ง และนักจุลชีววิทยาเฟลิกซ์ เดอเฮอเรลล์ประกาศการค้นพบแบคทีเรียไบโอฟาจ อย่างไรก็ตาม ในปีนี้มีเหตุการณ์หนึ่งเกิดขึ้นซึ่งจะอยู่ในบันทึกประวัติศาสตร์ตลอดไป วันที่ 30 มกราคม พ.ศ. 2460 ดนตรีแจ๊สแผ่นแรกบันทึกที่สตูดิโอของวิกเตอร์ในนิวยอร์ก เหล่านี้เป็นสองชิ้น - "Livery Stable Blues" และ "Dixie Jazz Band one Step" - แสดงโดย Original Dixieland Jazz Band ซึ่งเป็นกลุ่มนักดนตรีผิวขาว นักดนตรีคนโต Nick LaRocca อายุ 28 ปี Tony Sbarbaro มือกลองคนสุดท้องอายุ 20 ปี แน่นอนว่าชาวพื้นเมืองของนิวออร์ลีนส์ได้ยิน "ดนตรีสีดำ" ชื่นชอบและอยากจะเล่นดนตรีแจ๊สในการแสดงของพวกเขาเอง หลังจากบันทึกแผ่นดิสก์ได้ไม่นาน วงออริจินอล Dixieland Jazz Band ก็ได้เซ็นสัญญากับร้านอาหารชื่อดังและมีราคาแพง

บันทึกแจ๊สแรกมีลักษณะอย่างไร? แผ่นเสียงเป็นแผ่นบาง ๆ ที่ทำโดยการกดหรือขึ้นรูปพลาสติกขององค์ประกอบต่าง ๆ บนพื้นผิวที่มีการแกะสลักร่องพิเศษที่มีการบันทึกเสียงเป็นเกลียว เสียงของบันทึกทำซ้ำโดยใช้อุปกรณ์ทางเทคนิคพิเศษ - แผ่นเสียง, แผ่นเสียง, อิเล็กโทรโฟน วิธีการบันทึกเสียงนี้เป็นวิธีเดียวที่จะ "ยืดอายุ" ดนตรีแจ๊สได้ เนื่องจากแทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะถ่ายทอดรายละเอียดทั้งหมดของดนตรีด้นสดในโน้ตดนตรีได้อย่างแม่นยำ ด้วยเหตุนี้ผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีในระหว่างการหารือเกี่ยวกับดนตรีแจ๊สหลาย ๆ ชิ้นก่อนอื่นให้ดูที่จำนวนแผ่นเสียงที่มีการบันทึกชิ้นส่วนนี้หรือชิ้นนั้น

ห้าปีหลังจากวง Dixieland Jazz Band ดั้งเดิมเปิดตัว นักดนตรีผิวดำก็เริ่มบันทึกเสียงที่สตูดิโอ กลุ่มแรกที่ได้รับการบันทึกคือวงดนตรีของ Joe King Oliver และ Jelly Roll Morton อย่างไรก็ตาม การบันทึกเสียงของนักดนตรีแจ๊สผิวดำทั้งหมดได้รับการเผยแพร่ในอเมริกาโดยเป็นส่วนหนึ่งของ "ซีรีส์ทางเชื้อชาติ" พิเศษที่เผยแพร่ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในหมู่ชาวอเมริกันผิวดำเท่านั้น บันทึกที่เผยแพร่ใน "ชุดเชื้อชาติ" มีอยู่จนถึงยุค 40 ของศตวรรษที่ XX นอกจากดนตรีแจ๊สแล้ว พวกเขายังบันทึกเพลงบลูส์และสปิริตส์ ซึ่งเป็นเพลงประสานเสียงทางจิตวิญญาณของชาวแอฟริกันอเมริกัน

แผ่นเสียงแจ๊สแผ่นแรกมีเส้นผ่านศูนย์กลาง 25 ซม. ที่ 78 รอบต่อนาที และบันทึกแบบอะคูสติก อย่างไรก็ตาม ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 1920 เป็นต้นมา ในศตวรรษที่ 20 การบันทึกถูกดำเนินการด้วยระบบเครื่องกลไฟฟ้า และสิ่งนี้มีส่วนทำให้คุณภาพเสียงเพิ่มขึ้น ตามด้วยการเปิดตัวบันทึกที่มีเส้นผ่านศูนย์กลาง 30 ซม. ในยุค 40 แผ่นเสียงดังกล่าวผลิตขึ้นจำนวนมากโดยค่ายเพลงหลายแห่งที่ตัดสินใจปล่อยผลงานเพลงทั้งเก่าและใหม่ที่แสดงโดย Louis Armstrong, Count Basie, Sidney Bechet, Art Tatum, Jack Teagarden, Thomas Fets Waller, Lionel Hampton, Colman Hawkins, Roy Eldridge และอื่น ๆ อีกมากมาย

บันทึกแผ่นเสียงดังกล่าวมีป้ายกำกับพิเศษ - "V-disc" (ย่อมาจาก "Victory disc") และมีไว้สำหรับทหารอเมริกันที่เข้าร่วมในสงครามโลกครั้งที่สอง การเผยแพร่เหล่านี้ไม่ได้มีไว้เพื่อขายและตามกฎแล้วนักดนตรีแจ๊สได้โอนค่าธรรมเนียมทั้งหมดไปยังกองทุนแห่งชัยชนะในสงครามโลกครั้งที่สอง

ในปีพ. ศ. 2491 Columbia Records ได้เปิดตัวแผ่นเสียงแบบเล่นยาวแผ่นแรก (ที่เรียกว่า "Longplay" LP) ในตลาดแผ่นเสียงที่มีการจัดเรียงร่องเสียงที่หนาแน่นขึ้น แผ่นเสียงมีเส้นผ่านศูนย์กลาง 25 ซม. และหมุนที่ 33 1/3 รอบต่อนาที แผ่นเสียงมีบทละครมากถึง 10 บทแล้ว

ต่อจากโคลัมเบีย การผลิตละครยาวของตนเองในปี 2492 ก่อตั้งขึ้นโดยตัวแทนของ RCA Victor บันทึกของพวกเขามีเส้นผ่านศูนย์กลาง 17.5 ซม. ด้วยความเร็วในการหมุน 45 รอบต่อนาทีและต่อมาเริ่มมีการสร้างบันทึกที่คล้ายกันด้วยความเร็วการหมุน 33 1/3 รอบต่อนาที ในปีพ. ศ. 2499 การเปิดตัวแผ่นเสียงที่มีเส้นผ่านศูนย์กลาง 30 ซม. เริ่มขึ้น 12 ชิ้นถูกวางไว้ที่ทั้งสองด้านของบันทึกดังกล่าวและเวลาเล่นเพิ่มขึ้นเป็น 50 นาที สองปีต่อมา แผ่นเสียงสเตอริโอที่มีการบันทึกแบบสองช่องสัญญาณเริ่มเข้ามาแทนที่แผ่นเสียงแบบโมโนโฟนิก ผู้ผลิตยังพยายามผลักดันเร็กคอร์ด 16 รอบต่อนาทีเข้าสู่ตลาดเพลง แต่ความพยายามเหล่านี้จบลงด้วยความล้มเหลว

หลังจากนั้นเป็นเวลาหลายปีนวัตกรรมในการผลิตแผ่นเสียงก็หายไป แต่ในช่วงปลายยุค 60 แผ่นเสียงควอดราโฟนิกพร้อมระบบบันทึกสี่แชนเนลได้รับการแนะนำให้รู้จักกับคนรักดนตรี

การผลิตแผ่นเสียงเป็นการก้าวกระโดดครั้งใหญ่ให้กับดนตรีแจ๊สและทำหน้าที่พัฒนาดนตรีนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง การเกิดขึ้นของการประพันธ์เพลงในรูปแบบที่ใหญ่ขึ้น เป็นเวลาหลายปีที่ระยะเวลาของการเล่นหนึ่งครั้งไม่เกินสามนาทีซึ่งเป็นเงื่อนไขสำหรับการบันทึกเสียงในแผ่นเสียงมาตรฐาน ในเวลาเดียวกันแม้จะมีการพัฒนาความคืบหน้าในการเปิดตัวแผ่นเสียง แต่ระยะเวลาของดนตรีแจ๊สก็ไม่ได้เพิ่มขึ้นในทันที: ในช่วงทศวรรษที่ 50 แผ่นเสียงถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของเมทริกซ์สิ่งพิมพ์ของปีที่แล้วเป็นหลัก ในช่วงเวลาเดียวกัน บันทึกได้รับการปล่อยตัวโดยบันทึกโดย Scott Joplin และนักแสดงแร็กไทม์ที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ซึ่งบันทึกในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 บนกระบอกกระดาษแข็งเจาะรูสำหรับเปียโนเชิงกลเช่นเดียวกับกระบอกขี้ผึ้งสำหรับแผ่นเสียง

เมื่อเวลาผ่านไป เริ่มมีการใช้แผ่นเสียงที่เล่นนานเพื่อบันทึกผลงานในรูปแบบที่ใหญ่ขึ้นและการแสดงคอนเสิร์ตสด การเปิดตัวอัลบั้มจากสองหรือสามแผ่นหรือกวีนิพนธ์พิเศษและรายชื่อจานเสียงของศิลปินคนหนึ่งหรืออีกคนหนึ่งก็แพร่หลายเช่นกัน

แต่แจ๊สเองล่ะ? เป็นเวลาหลายปีที่ถือว่าเป็น "ดนตรีของเผ่าพันธุ์ที่ด้อยกว่า" ในสหรัฐอเมริกาถือว่าเป็นดนตรีของคนผิวดำซึ่งไม่คู่ควรกับสังคมอเมริกันชั้นสูง ในนาซีเยอรมนี การเล่นและฟังดนตรีแจ๊สหมายถึงการเป็น วิถีชีวิต” และ “ตัวแทนของจักรวรรดินิยมโลก”.

ลักษณะเฉพาะของดนตรีแจ๊สคือดนตรีนี้ประสบความสำเร็จและได้รับการยอมรับมานานหลายทศวรรษ หากนักดนตรีสไตล์อื่น ๆ สามารถพยายามเล่นในสถานที่และสนามกีฬาที่ใหญ่ที่สุดตั้งแต่เริ่มต้นอาชีพ และมีตัวอย่างมากมายสำหรับพวกเขา นักดนตรีแจ๊สสามารถวางใจได้เฉพาะการเล่นในร้านอาหารและคลับโดยไม่ต้องฝันถึงสถานที่ขนาดใหญ่ .

แจ๊สเป็นสไตล์ที่มีต้นกำเนิดเมื่อกว่าศตวรรษที่แล้วในไร่ฝ้าย ที่นั่นคนงานผิวดำร้องเพลงของพวกเขาซึ่งหลอมรวมจากบทสวดของโปรเตสแตนต์ เพลงประสานเสียงทางจิตวิญญาณของชาวแอฟริกัน "จิตวิญญาณ" และฆราวาสที่รุนแรงและเป็นบาปเกือบเป็นเพลง "อาชญากร" - เพลงบลูส์ซึ่งแพร่หลายในร้านอาหารริมถนนที่สกปรก อเมริกันจะไม่ก้าว ความสำเร็จสูงสุดของ "ค็อกเทล" นี้คือแตรวงซึ่งฟังราวกับว่าเด็กแอฟริกัน - อเมริกันเท้าเปล่าหยิบเครื่องดนตรีที่เลิกใช้แล้วและเริ่มเล่นทุกสิ่ง

ยุค 20 ของศตวรรษที่ XX กลายเป็น "ยุคแจ๊ส" - นั่นคือสิ่งที่นักเขียน Francis Scott Fitzgerald เรียกพวกเขา คนงานผิวดำส่วนใหญ่กระจุกตัวอยู่ในเมืองหลวงทางอาญาของสหรัฐอเมริกาในช่วงหลายปีที่ผ่านมา - แคนซัสซิตี้ การแพร่กระจายของดนตรีแจ๊สในเมืองนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกโดยร้านอาหารและร้านอาหารจำนวนมากที่มาเฟียชอบใช้เวลา เมืองนี้ได้สร้างสไตล์เฉพาะสไตล์ของวงดนตรีขนาดใหญ่ที่เล่นเพลงบลูส์อย่างรวดเร็ว ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เด็กชายผิวสีชื่อ Charlie Parker เกิดใน Kansas City เขาเองที่จะกลายเป็นนักปฏิรูปดนตรีแจ๊สในอีกกว่าสองทศวรรษต่อมา ในแคนซัสซิตี้ เขาเดินผ่านสถานที่ที่จัดคอนเสิร์ต และซึมซับดนตรีที่เขาชอบอย่างแท้จริง

แม้ว่าดนตรีแจ๊สจะได้รับความนิยมอย่างมากในนิวออร์ลีนส์และการจัดจำหน่ายอย่างกว้างขวางในแคนซัสซิตี้ แต่นักดนตรีแจ๊สจำนวนมากก็ยังชอบชิคาโกและนิวยอร์ก สองเมืองบนชายฝั่งตะวันออกของสหรัฐอเมริกากลายเป็นจุดที่สำคัญที่สุดของความเข้มข้นและการพัฒนาของดนตรีแจ๊ส ดาวเด่นของทั้งสองเมืองคือนักเป่าแตรและนักร้องหนุ่ม หลุยส์ อาร์มสตรอง ผู้สืบทอดตำแหน่งต่อจาก คิง โอลิเวอร์ นักเป่าแตรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของนิวออร์ลีนส์ ในปี 1924 ชาวนิวออร์ลีนอีกคนหนึ่งมาถึงชิคาโก - นักเปียโนและนักร้อง Jelly Roll Morton นักดนตรีหนุ่มไม่เจียมตัวและประกาศอย่างกล้าหาญต่อทุกคนว่าเขาเป็นผู้สร้างดนตรีแจ๊ส และเมื่ออายุได้ 28 ปี เขาก็ได้ย้ายไปอยู่ที่นิวยอร์ก ซึ่งขณะนั้นวงออเคสตราของ Duke Ellington นักเปียโนหนุ่มชาววอชิงตันกำลังได้รับความนิยม ซึ่งกำลังทำให้วงออเคสตราของ Fletcher Henderson คับคั่งจากรัศมีแห่งความรุ่งโรจน์

คลื่นความนิยมของ "ดนตรีสีดำ" บุกเข้ามาในยุโรป และถ้าแจ๊สฟังในปารีสก่อนเริ่มสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและไม่ได้อยู่ใน "ร้านเหล้า" แต่อยู่ในร้านเสริมสวยและคอนเสิร์ตของชนชั้นสูงในยุค 20 ลอนดอนก็ยอมจำนน นักดนตรีแจ๊สผิวดำชอบที่จะเดินทางไปยังเมืองหลวงของอังกฤษ - โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อคำนึงถึงความจริงที่ว่าพวกเขาได้รับการปฏิบัติด้วยความเคารพและมีมนุษยธรรมและอยู่เบื้องหลังซึ่งแตกต่างจากรัฐอื่น ๆ และไม่เพียง แต่ในนั้นเท่านั้น

เป็นที่น่าสังเกตว่ากวี นักแปล นักเต้น และนักออกแบบท่าเต้น Valentin Parnakh กลายเป็นผู้จัดคอนเสิร์ตแจ๊สครั้งแรกในมอสโกในปี 2465 และ 6 ปีต่อมา ความนิยมของเพลงนี้มาถึงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

จุดเริ่มต้นของทศวรรษที่ 1930 ถูกทำเครื่องหมายโดย ยุคใหม่- ยุคของวงใหญ่วงออเคสตราขนาดใหญ่และรูปแบบใหม่เริ่มสั่นคลอนบนฟลอร์เต้นรำ - วงสวิง วงออเคสตราของ Duke Ellinton สามารถแซงหน้าวงออร์เคสตรา Fletcher Henderson ที่ได้รับความนิยมด้วยความช่วยเหลือจากท่วงทำนองดนตรีที่ไม่ได้มาตรฐาน การด้นสดพร้อมกันแบบรวมที่กลายเป็นเครื่องหมายการค้า โรงเรียนนิวออร์ลีนส์ดนตรีแจ๊สกำลังกลายเป็นอดีตไปแล้ว และแทนที่จะใช้โน้ตเพลงที่ซับซ้อน วลีที่มีจังหวะซ้ำๆ และเสียงเรียกขานของกลุ่มออร์เคสตรากำลังได้รับความนิยม ในฐานะส่วนหนึ่งของวงออเคสตรา บทบาทของผู้เรียบเรียงเพิ่มขึ้น ผู้ประพันธ์วงออร์เคสตราซึ่งกลายเป็นกุญแจสู่ความสำเร็จของทั้งทีม ในเวลาเดียวกัน ศิลปินเดี่ยว-ด้นสดยังคงเป็นผู้นำในวงออเคสตรา โดยที่แม้แต่ทีมที่มีวงออร์เคสตราที่สมบูรณ์แบบก็ยังไม่มีใครสังเกตเห็น ในขณะเดียวกัน จากนี้ไป ศิลปินเดี่ยวจะปฏิบัติตามจำนวน "สี่เหลี่ยม" ในเพลงอย่างเคร่งครัด ในขณะที่ส่วนที่เหลือสนับสนุนตามการเรียบเรียงที่เป็นลายลักษณ์อักษร ความนิยมของวงออเคสตราของ Duke Ellington ไม่เพียงนำมาซึ่งโซลูชันที่ไม่ได้มาตรฐานในการจัดเตรียมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงองค์ประกอบชั้นหนึ่งของวงออร์เคสตราด้วย: นักเป่าทรัมเป็ต Bubber Miley, Rex Stewart, Cootie Williams, นักคลาริเน็ต Barney Bigard, นักเป่าแซ็กโซโฟน Johnny Hodges และ Ben Jimmy Blanton มือดับเบิลเบสแห่งเว็บสเตอร์รู้จักธุรกิจของพวกเขาไม่เหมือนใคร วงออเคสตร้าแจ๊สวงอื่น ๆ ก็แสดงให้เห็นถึงการทำงานเป็นทีมในเรื่องนี้เช่นกัน นักเป่าแซ็กโซโฟน Lester Young และนักเป่าแตร Buck Clayton เล่นที่ Count Basie และแกนหลักของวงออเคสตราคือส่วนจังหวะที่ "สวิงที่สุดในโลก" - นักเปียโน Basie นักดับเบิลเบส Walter Page มือกลอง Joe Jones และ เฟรดดี กรีน มือกีตาร์

วงออร์เคสตราของนักคลาริเน็ตต์ Benny Goodman ซึ่งประกอบด้วยนักดนตรีผิวขาวทั้งหมด ได้รับความนิยมอย่างล้นหลามในช่วงกลางทศวรรษที่ 30 และในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 30 ได้เกิดผลกระทบอย่างรุนแรงต่อข้อจำกัดทางเชื้อชาติในดนตรีแจ๊ส: บนเวทีของ Carnegie Hall ในวงออเคสตราที่นำโดย Goodman นักดนตรีขาวดำแสดงในเวลาเดียวกัน! แน่นอนว่าเหตุการณ์ดังกล่าวไม่ใช่เรื่องใหม่สำหรับคนรักดนตรีที่มีความซับซ้อน แต่ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา การแสดงของคนผิวขาว (นักคลาริเน็ต Goodman และ Gene Krupa มือกลอง) และคนผิวดำ (Teddy Wilson นักเปียโนและนักไวโอลิน Lionel Hampton) ได้ฉีกรูปแบบทั้งหมดอย่างแท้จริง เป็นชิ้นเล็กชิ้นน้อย

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 30 วงออร์เคสตราสีขาวของ Glenn Miller ได้รับความนิยม ผู้ชมและผู้ฟังดึงความสนใจไปที่ "เสียงคริสตัล" ที่มีลักษณะเฉพาะทันทีและการเรียบเรียงอย่างเชี่ยวชาญ แต่ในขณะเดียวกันก็ระบุว่ามีจิตวิญญาณของดนตรีแจ๊สน้อยที่สุดในดนตรีของวงออเคสตรา ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 "ยุคแห่งวงสวิง" สิ้นสุดลง ความคิดสร้างสรรค์ได้เข้ามาอยู่ในเงามืด และ "ความบันเทิง" ก็ฉายแววบนเวที และดนตรีเองก็กลายเป็นผู้บริโภคจำนวนมากที่ไม่ต้องการความพิเศษใดๆ นอกจากสงครามแล้ว ความสิ้นหวังก็มาถึงค่ายของนักดนตรีแจ๊ส: สำหรับพวกเขาแล้ว ดูเหมือนว่าดนตรีโปรดของพวกเขากำลังเคลื่อนเข้าสู่พระอาทิตย์ตกดินอย่างราบรื่น

อย่างไรก็ตาม จุดเริ่มต้นของการปฏิวัติดนตรีแจ๊สครั้งใหม่เกิดขึ้นในหนึ่งในเมืองพื้นเมืองสำหรับดนตรีสไตล์นี้ นั่นคือนิวยอร์ก นักดนตรีรุ่นเยาว์ซึ่งส่วนใหญ่เป็นคนผิวสี ไม่สามารถทนได้กับการลดลงของดนตรีออเคสตร้าในคลับอย่างเป็นทางการ หลังจากคอนเสิร์ตในช่วงดึก รวมตัวกันในคลับของตัวเองที่ 52nd Street เมกกะสำหรับพวกเขาทั้งหมดคือสโมสร Milton Playhouse ในคลับของนิวยอร์คเหล่านี้ นักดนตรีแจ๊สรุ่นเยาว์ทำบางสิ่งที่เหนือความคาดหมายและแปลกใหม่อย่างสิ้นเชิง พวกเขาด้นสดบนคอร์ดบลูส์ธรรมดาๆ ให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ สร้างมันขึ้นมาในลำดับที่ดูเหมือนไม่เหมาะสมอย่างสิ้นเชิง เปลี่ยนมันข้างในออกและจัดเรียงมันใหม่ เล่นที่ซับซ้อนและยาวมาก ท่วงทำนองที่เริ่มต้นที่กลางวัดและสิ้นสุดที่นั่น โรงละครมิลตันในช่วงหลายปีที่ผ่านมามีผู้มาเยี่ยมชมจำนวนมาก ทุกคนต้องการเห็นและฟังสัตว์ร้ายนอกโลกที่เกิดบนเวทีอย่างวิจิตรงดงามและเหนือจินตนาการ ในความพยายามที่จะตัดขาดกลุ่มคนที่ดูหมิ่นแบบสุ่มที่มักชอบปีนขึ้นไปบนเวทีและด้นสดกับนักดนตรี นักเล่นดนตรีแจ๊สจึงเริ่มใช้จังหวะการประพันธ์เพลงสูง บางครั้งก็เร่งความเร็วให้เร็วจนเหลือเชื่อที่มืออาชีพเท่านั้นจะรับมือได้

นี่คือจุดเริ่มต้นของสไตล์ดนตรีแจ๊สแนวปฏิวัติอย่าง บี-ป็อบ Charlie Parker นักเป่าอัลโตแซ็กโซโฟนที่เติบโตในแคนซัสซิตี้ นักเป่าแตร John Berks Gillespie ชื่อเล่นว่า "Dizzy" ("Dizzy") นักกีตาร์ Charlie Christian (หนึ่งในผู้ก่อตั้งภาษาฮาร์มอนิก) มือกลอง Kenny Clarke และ Max Roach - ชื่อเหล่านี้จะคงอยู่ตลอดไป จารึกด้วยตัวอักษรสีทองถึงประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สและโดยเฉพาะเพลง Be-bop พื้นฐานจังหวะของกลองใน Be-bop ถูกถ่ายโอนไปยังจาน คุณสมบัติพิเศษภายนอกของนักดนตรีปรากฏขึ้น และคอนเสิร์ตส่วนใหญ่เหล่านี้เกิดขึ้นในคลับปิดขนาดเล็ก นี่คือวิธีอธิบายการทำเพลงของวง และเหนือสิ่งอื่นใดที่ดูเหมือนโกลาหลนี้ เสียงแซกโซโฟนของ Parker ก็ดังขึ้น: ไม่มีระดับ เทคนิค และทักษะเทียบเท่าเขา ไม่น่าแปลกใจที่อารมณ์ของนักดนตรีเพียงแค่เผาเจ้านายของเขา: ปาร์กเกอร์เสียชีวิตในปี 2498 "หมดไฟ" จากการเล่นแซกโซโฟนแอลกอฮอล์และยาเสพติดอย่างต่อเนื่องและความเร็วสูง

มันคือการสร้างบีป็อบที่ไม่เพียงเป็นแรงผลักดันในการพัฒนาดนตรีแจ๊สเท่านั้น แต่ยังกลายเป็น จุดเริ่มซึ่งการแตกแขนงของดนตรีแจ๊สดังกล่าวเริ่มต้นขึ้น Be-bop เดินไปในทิศทางของใต้ดิน - สถานที่เล็ก ๆ ผู้ฟังที่เลือกสรรและอุทิศตนและยังสนใจในรากเหง้าของดนตรีโดยทั่วไป ในขณะที่สาขาที่สองเป็นตัวแทนของแจ๊สในขอบเขตของระบบผู้บริโภค - นี่คือวิธีที่ป๊อปแจ๊สเป็น ถือกำเนิดมาจนทุกวันนี้ ดังนั้น ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา องค์ประกอบของดนตรีป๊อปแจ๊สจึงถูกนำมาใช้โดยดาราดนตรี เช่น Frank Sinatra, Sting, Kathy Melua, Zaz, Amy Winehouse, Kenny G, Norah Jones และคนอื่นๆ

สำหรับสาขาแจ๊สที่ได้รับความนิยมน้อยกว่า ฮาร์ดบ็อบตามด้วยบี-ป็อบ ในรูปแบบนี้ การเดิมพันเกิดขึ้นที่บลูส์ การเริ่มต้นที่มีความสุข พัฒนาการของฮาร์ดบ็อบได้รับอิทธิพลมาจากการเล่นของนักเป่าแซ็กโซโฟน Sonny Rollins นักเปียโน Horace Silver นักเป่าแตร Clifford Brown และมือกลอง Art Blakey อย่างไรก็ตาม ทีมเบลคกี้ภายใต้ ชื่อเรื่องว่า Jazz Messengers กลายเป็นแหล่งที่มาของพรสวรรค์ด้านดนตรีแจ๊สทั่วโลกจนกระทั่งนักดนตรีเสียชีวิตในปี 1990 ในขณะเดียวกัน อื่นๆ สไตล์ของตัวเอง: ดนตรีแจ๊สเย็น ๆ ชนะใจผู้ฟัง ซึ่งมีอยู่ทั่วไปในชายฝั่งตะวันออก และตะวันตกสามารถต่อต้านสไตล์ชายฝั่งตะวันตกกับเพื่อนบ้านได้ สมาชิกวง Parker Orchestra, นักเป่าแตรผิวสี Miles Davis พร้อมด้วยผู้เรียบเรียง Gil Evans ได้สร้างดนตรีแจ๊สสุดเท่ ความสำคัญเปลี่ยนจากจังหวะดนตรีสูงไปสู่ความซับซ้อนของการเรียบเรียง ในขณะเดียวกัน Gerry Mulligan นักเป่าแซ็กโซโฟนบาริโทนสีขาวและวงดนตรีของเขาก็ใช้สำเนียงอื่นๆ ในดนตรีแจ๊สเท่ๆ เช่น การอิมโพรไวส์แบบรวมที่มาจากโรงเรียนนิวออร์ลีนส์พร้อมกัน ชายฝั่งตะวันตกซึ่งมีนักเป่าแซ็กโซโฟนผิวขาว สแตน เก็ตซ์ และซูต ซิมส์เล่นที่ชายฝั่งตะวันตก ("ชายฝั่งตะวันตก") นำเสนอภาพบีป็อบที่ต่างออกไป โดยสร้างเสียงที่เบากว่าของชาร์ลี ปาร์กเกอร์ และนักเปียโน John Lewis กลายเป็นผู้ก่อตั้ง Modern Jazz Quartet ซึ่งโดยพื้นฐานแล้วไม่ได้เล่นในคลับโดยพยายามจัดคอนเสิร์ตแจ๊สในรูปแบบที่กว้างและจริงจัง โดยวิธีการเดียวกันก็ประสบความสำเร็จโดยวงสี่ของนักเปียโน Dave Brubeck

ดังนั้นดนตรีแจ๊สจึงเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง: การแต่งเพลงและท่อนโซโล่ของนักดนตรีแจ๊สก็ยาวขึ้น ในเวลาเดียวกันเทรนด์ก็ปรากฏขึ้นในเพลงฮาร์ดป็อบและเพลงแจ๊สสุดเท่: ชิ้นหนึ่งใช้เวลาเจ็ดถึงสิบนาทีและหนึ่งเพลงเดี่ยว - "สี่เหลี่ยม" ห้า, หก, แปด ในขณะเดียวกันสไตล์เองก็ได้รับการเสริมแต่งด้วยวัฒนธรรมที่หลากหลายโดยเฉพาะละตินอเมริกา

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 การปฏิรูปครั้งใหม่เกิดขึ้นกับดนตรีแจ๊ส คราวนี้ในด้านภาษาฮาร์มอนิก ผู้ริเริ่มในส่วนนี้คือไมลส์ เดวิสอีกครั้ง ซึ่งเปิดตัวเพลง "Kind of Blue" อันโด่งดังของเขาในปี 2502 คีย์ดั้งเดิมและความก้าวหน้าของคอร์ดเปลี่ยนไป นักดนตรีไม่สามารถทิ้งคอร์ดสองคอร์ดไว้เป็นเวลาหลายนาที แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็แสดงให้เห็นถึงการพัฒนาความคิดทางดนตรีในลักษณะที่ผู้ฟังไม่สังเกตเห็นความซ้ำซากจำเจ นักเป่าแซ็กโซโฟนเทเนอร์ของ Davis, John Coltrane ก็กลายเป็นสัญลักษณ์ของการปฏิรูปเช่นกัน เทคนิคการเล่นและความคิดทางดนตรีของ Coltrane ซึ่งแสดงให้เห็นในการบันทึกเสียงในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 นั้นไม่มีใครเทียบได้จนถึงทุกวันนี้ นักเป่าแซ็กโซโฟนอัลโต Ornette Coleman ผู้สร้างสไตล์ของฟรีแจ๊ส ("ฟรีแจ๊ส") ก็กลายเป็นสัญลักษณ์ของการเข้าสู่ยุค 50 และ 60 ในดนตรีแจ๊ส ความกลมกลืนและจังหวะในรูปแบบนี้ไม่ได้รับการเคารพและนักดนตรีก็ทำตามแม้กระทั่งท่วงทำนองที่ไร้สาระที่สุด ในแง่ฮาร์มอนิก ดนตรีแจ๊สฟรีกลายเป็นจุดสุดยอด - จากนั้นก็มีเสียงรบกวนและเสียงขรมหรือเงียบสนิท ขีดจำกัดดังกล่าวทำให้ Ornette Coleman เป็นอัจฉริยะทางดนตรีโดยทั่วไปและโดยเฉพาะอย่างยิ่งดนตรีแจ๊ส บางทีอาจมีเพียงนักดนตรีแนวหน้าอย่าง John Zorn เท่านั้นที่เข้ามาใกล้เขาที่สุดในงานของเขา

ยุค 60 ยังไม่ได้กลายเป็นยุคแห่งความนิยมของดนตรีแจ๊สอย่างไม่มีเงื่อนไข ดนตรีร็อคมาก่อน ซึ่งตัวแทนเต็มใจทดลองด้วยเทคนิคการบันทึกเสียง ความดัง อุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์ การบิดเบือนเสียง แนววิชาการ เทคนิคการเล่น ตามตำนานความคิดในการบันทึกเสียงร่วมกันของนักกีตาร์อัจฉริยะ Jimi Hendrix และ John Coltrane นักกีตาร์แจ๊สในตำนานนั้นเกิดขึ้นในเวลานั้น อย่างไรก็ตามในปี 1967 Coltrane เสียชีวิตและอีกสองสามปีต่อมา Hendrix ก็เสียชีวิตและความคิดนี้ยังคงอยู่ในตำนาน Miles Davis ประสบความสำเร็จในแนวเพลงแนวนี้เช่นกัน ในช่วงปลายยุค 60 เขาประสบความสำเร็จค่อนข้างมากในการข้ามดนตรีร็อคและแจ๊ส ทำให้เกิดแนวดนตรีแจ๊ส-ร็อค ตัวแทนระดับแนวหน้าที่เล่นในวงดนตรีของเดวิสเป็นส่วนใหญ่ ได้แก่ มือคีย์บอร์ด เฮอร์บี แฮนค็อก และ Chick Corea มือกีตาร์ John McLaughlin มือกลอง Tony Williams ในเวลาเดียวกัน แจ๊ส-ร็อค หรือที่เรียกว่าฟิวชั่นก็สามารถให้กำเนิดตัวแทนที่โดดเด่นของแต่ละคนได้: มือกีตาร์เบส Jaco Pastorius มือกีตาร์ Pat Metheny มือกีตาร์ Ralph Towner อย่างไรก็ตามความนิยมของฟิวชั่นซึ่งเกิดขึ้นในช่วงปลายยุค 60 และได้รับความนิยมในยุค 70 ได้ลดลงอย่างรวดเร็วและในปัจจุบันสไตล์นี้เป็นผลิตภัณฑ์เชิงพาณิชย์อย่างสมบูรณ์โดยเปลี่ยนเป็นดนตรีแจ๊สแบบเรียบ ("ดนตรีแจ๊สแบบเรียบ") - เพลงประกอบที่จังหวะและ ท่วงทำนองไพเราะหลีกทางให้การแสดงด้นสด แจ๊สมูทแสดงโดย George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman และคนอื่นๆ

ในช่วงทศวรรษที่ 70 ช่องที่แยกจากกันถูกครอบครองโดยดนตรีแจ๊สโลก ("ดนตรีของโลก") ซึ่งเป็นการหลอมรวมพิเศษที่ได้รับจากการผสมผสานของสิ่งที่เรียกว่า "ดนตรีโลก" (ดนตรีชาติพันธุ์ส่วนใหญ่มาจากประเทศโลกที่สาม) และแจ๊ส เป็นลักษณะเฉพาะที่รูปแบบนี้เน้นอย่างเท่าเทียมกันทั้งในโรงเรียนดนตรีแจ๊สแบบเก่าและโครงสร้างทางชาติพันธุ์ เป็นที่รู้จักสำหรับตัวอย่างเช่นแรงจูงใจ ดนตรีพื้นบ้าน ละตินอเมริกา(เฉพาะโซโลเท่านั้นที่ได้รับการด้นสด ดนตรีประกอบและการเรียบเรียงยังคงเหมือนเดิมในดนตรีเอธโน) ลวดลายของตะวันออกกลาง (Dizzy Gillespie ควอเต็ตและควินเต็ตของ Keith Jarrett) ลวดลายดนตรีอินเดีย (John McLaughlin) บัลแกเรีย (Don Ellis) และ Trinidad ( แอนดี นาร์เรล)

หากยุค 60 กลายเป็นยุคของการผสมผสานดนตรีแจ๊สเข้ากับดนตรีร็อคและชาติพันธุ์ ในยุค 70 และ 80 นักดนตรีก็ตัดสินใจเริ่มทดลองอีกครั้ง ฟังก์สมัยใหม่มีรากฐานมาจากช่วงเวลานี้ โดยมีนักดนตรีบรรเลงเพลงป๊อปโซลและฟังก์สีดำ ในขณะที่การแสดงเดี่ยวแบบด้นสดจะมีความสร้างสรรค์และแจ๊สมากกว่า ตัวแทนที่โดดเด่นของสไตล์นี้คือ Grover Washington Jr. สมาชิกของ The Crusaders Felder Wilton และ Joe Semple ต่อจากนั้น นวัตกรรมทั้งหมดส่งผลให้มีดนตรีแจ๊สฟังค์ที่หลากหลายขึ้น ซึ่งตัวแทนที่ชัดเจนที่สุดคือ Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics

นอกจากนี้ แอซิดแจ๊ส ("กรดแจ๊ส") ก็ค่อยๆ เริ่มปรากฏบนเวที ซึ่งโดดเด่นด้วยความเบาและ "การเต้น" คุณลักษณะเฉพาะของการแสดงของนักดนตรีคือการประกอบตัวอย่างที่นำมาจากนกกางเขนไวนิล Miles Davis ที่แพร่หลายได้กลายมาเป็นผู้บุกเบิกดนตรีแจ๊สแนวแอซิดอีกครั้ง และ Derek Bailey ก็เริ่มเป็นตัวแทนของปีกที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงของแผนแนวเปรี้ยวจี๊ด ในสหรัฐอเมริกาคำว่า "แจ๊สกรด" ไม่ได้รับความนิยมในทางปฏิบัติ: ดนตรีประเภทนี้เรียกว่ากรูฟแจ๊สและคลับแจ๊ส ความนิยมสูงสุดของแจ๊สกรดเกิดขึ้นในช่วงครึ่งแรกของทศวรรษที่ 90 และในช่วง "ศูนย์" ความนิยมของสไตล์ก็เริ่มลดลง: แจ๊สใหม่เข้ามาแทนที่แจ๊สกรด

สำหรับสหภาพโซเวียตนั้น Alexander Tsfasman นักเปียโนและนักแต่งเพลงมอสโกออเคสตราถือเป็นวงดนตรีแจ๊สมืออาชีพวงแรกที่แสดงทางวิทยุและบันทึกแผ่นดิสก์ ก่อนหน้าเขาวงดนตรีแจ๊สอายุน้อยมุ่งเน้นไปที่การแสดงดนตรีเต้นรำในช่วงหลายปีที่ผ่านมา - Foxtrot, Charleston ต้องขอบคุณวงดนตรีเลนินกราดที่นำโดยนักแสดงและนักร้อง Leonid Utyosov และนักเป่าแตร Ya. B. Skomorovsky ดนตรีแจ๊สจึงมาถึง เว็บไซต์ขนาดใหญ่สหภาพโซเวียตอยู่ในยุค 30 แล้ว ภาพยนตร์ตลกเรื่อง "Merry Fellows" ที่มี Utyosov ถ่ายทำในปี 2477 และเล่าเรื่องนักดนตรีแจ๊สอายุน้อยมีเพลงประกอบโดย Isaac Dunayevsky Utyosov และ Skomorovsky ได้สร้างสไตล์พิเศษที่เรียกว่า tea-jazz ("ละครเพลงแจ๊ส") Eddie Rosner ผู้ซึ่งย้ายจากยุโรปไปยังสหภาพโซเวียตและกลายเป็นผู้นิยมวงสวิงร่วมกับวงดนตรีมอสโกในยุค 30 และ 40 ได้มีส่วนร่วมในการพัฒนาดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียต ภายใต้การนำของ Alexander Tsfasman และ Alexander Varlamov

รัฐบาลในสหภาพโซเวียตค่อนข้างคลุมเครือเกี่ยวกับดนตรีแจ๊ส ไม่มีการห้ามการแสดงเพลงแจ๊สและการจำหน่ายแผ่นเสียงแจ๊สอย่างเป็นทางการ อย่างไรก็ตาม มีการวิจารณ์ดนตรีสไตล์นี้ในแง่ของการปฏิเสธอุดมการณ์ตะวันตกโดยทั่วไป ในช่วงทศวรรษที่ 40 ดนตรีแจ๊สต้องลงใต้ดินเนื่องจากการประหัตประหารที่เริ่มขึ้น แต่ในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 ด้วยการถือกำเนิดของ "การละลาย" ของครุสชอฟนักดนตรีแจ๊สก็ออกมาอีกครั้ง อย่างไรก็ตาม การวิพากษ์วิจารณ์ดนตรีแจ๊สไม่ได้หยุดเพียงแค่นั้น ดังนั้นวงออเคสตราของ Eddie Rozner และ Oleg Lundstrem จึงกลับมาทำกิจกรรมอีกครั้ง การแต่งเพลงใหม่ก็ปรากฏขึ้นในหมู่วงออเคสตราของ Joseph Weinstein (Leningrad) และ Vadim Ludvikovsky (มอสโก) รวมถึง Riga Variety Orchestra (REO) ที่โดดเด่น ผู้เรียบเรียงที่มีความสามารถและนักด้นสดเดี่ยวก็ขึ้นเวทีเช่นกัน: Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin กำลังพัฒนาแชมเบอร์และคลับแจ๊สซึ่งมีสมัครพรรคพวกคือ Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, เยอรมัน Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor บริล และลีโอนิด ชิซิก เมกกะของโซเวียตและจากนั้นแจ๊สรัสเซียคือสโมสร Blue Bird ซึ่งมีตั้งแต่ปี 1964 ถึง 2009 และเลี้ยงดูนักดนตรีเช่นพี่น้อง Alexander และ Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko และคนอื่น ๆ

ในดนตรีแจ๊ส "ศูนย์" พบลมหายใจใหม่และการแพร่กระจายอย่างรวดเร็วของอินเทอร์เน็ตทำหน้าที่เป็นแรงผลักดันมหาศาลไม่เพียง แต่สำหรับการบันทึกที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักแสดงใต้ดินด้วย วันนี้ทุกคนสามารถไปดูคอนเสิร์ตของ John Zorn นักทดลองที่คลั่งไคล้และ Cathy Malua นักร้องแจ๊สป๊อปที่ "โปร่งสบาย" ผู้อาศัยอยู่ในรัสเซียสามารถภาคภูมิใจใน Igor Butman และชาวคิวบาสามารถภาคภูมิใจใน Arturo Sandoval หลายสิบสถานีปรากฏบนวิทยุ กระจายเสียงดนตรีแจ๊สในทุกรูปแบบ ไม่ต้องสงสัยเลยว่าศตวรรษที่ 21 ได้ทำให้ทุกอย่างเข้าที่และให้ดนตรีแจ๊สอยู่ในที่ที่ควรอยู่ - บนแท่นพร้อมกับสไตล์คลาสสิกอื่น ๆ