Künstler Japans - von der Antike bis zur Gegenwart. Schulenzyklopädie Kunst Japan

Artelino

« Eine große Welle in Kanagawa“ von Katsushika Hokusai (1760-1849) ist einer der berühmtesten Stiche und das erste Blatt der Serie „Thirty-six Views of Fuji“. In den frühen 1830er Jahren begann Katsushika Hokusai im Auftrag des Eijudo-Verlags mit der Erstellung einer Serie von 46 Blättern (36 Haupt- und 10 zusätzliche Blätter), und The Great Wave off Kanagawa war ein Stich, der die gesamte Serie eröffnete.

Solche Stichsammlungen dienten den Bürgern der damaligen Zeit als eine Art „ virtuelles reisen“, eine Möglichkeit, die Neugier zu befriedigen - bequem und kostengünstig. Fuji-ähnliche Drucke kosten etwa 20 Mon – ungefähr so ​​viel wie eine doppelte Portion Nudeln in einem japanischen Restaurant der damaligen Zeit. Der Erfolg war jedoch so groß, dass die Kosten für Hokusais Blätter bis 1838 auf fast 50 Mon angewachsen waren und nach dem Tod des Meisters allein die Welle mehr als 1000 Mal von neuen Platten nachgedruckt wurde.

Es ist überraschend, dass sich Fuji in The Wave trotz des erklärten Themas der gesamten Serie wie spielt unwichtige Rolle. Chef " Schauspieler„Auf diesem Stich ist eine Welle, und im Vordergrund entfaltet sich eine dramatische Szene des Kampfes eines Mannes mit den Elementen. Die Ränder des Schaumkamms sehen aus wie die verkrümmten Finger eines fantastischen, wütenden Dämons, und die Gesichtslosigkeit und Untätigkeit der menschlichen Gestalten in den Booten lassen keinen Zweifel daran, wer in diesem Kampf der Gewinner sein wird. Doch nicht diese Konfrontation ist der Konflikt, der die Handlung des Kupferstichs ausmacht.
Indem Hokusai in dem Moment stoppt, in dem die Boote zusammenstoßen, ermöglicht Hokusai dem Betrachter, Fuji für einen Moment vor dem grauen Himmel zu sehen, der sich zum Horizont hin verdunkelt. Obwohl japanische Graveure zu dieser Zeit bereits mit den Prinzipien der europäischen Linear- und Luftperspektive vertraut waren, verspürten sie keine Notwendigkeit für diese Technik. Der dunkle Hintergrund sowie die lange Reise des Auges vom Vordergrund mit Booten durch die Bewegung der Welle bis zum Fuji überzeugen das Auge davon heiliger Berg durch das Meer von uns getrennt.

Fuji erhebt sich weit von der Küste entfernt als Symbol für Stabilität und Beständigkeit, im Gegensatz zu den stürmischen Elementen. Die Einheit und gegenseitige Abhängigkeit der Gegensätze lag der Idee der kosmischen Ordnung und absoluten Harmonie im Weltbild des Fernen Ostens zugrunde, und sie wurden zum Hauptthema des Stichs „Die große Welle vor Kanagawa“, mit dem die Serie eröffnet wurde Katsushika Hokusai.

„Schönheit Nanivaya Okita“ von Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Kunstinstitut von Chicago

Kitagawa Utamaro (1753-1806) kann zu Recht als Sänger bezeichnet werden weibliche Schönheit im japanischen Druck ukiyo-e: Er schuf eine Reihe kanonischer Bilder japanischer Schönheiten ( bijinga) - die Bewohner von Teehäusern und dem berühmten Vergnügungsviertel Yoshiwara in der Hauptstadt Japans, Edo edo — der Name Tokios vor 1868..

Bei der Bijinga-Gravur ist nicht alles so, wie es dem modernen Betrachter erscheint. Reich gekleidete Edeldamen waren in der Regel in einem schändlichen Handwerk tätig und gehörten der Unterschicht an, und Stiche mit Porträts von Schönheiten hatten eine offene Werbefunktion. Gleichzeitig gab die Gravur keine Vorstellung vom Aussehen des Mädchens, und obwohl Okita aus dem Nanivaya-Teehaus in der Nähe des Asakusa-Tempels als die erste Schönheit von Edo galt, ist ihr Gesicht in der Gravur völlig ohne Individualität.

Seit dem 10. Jahrhundert unterliegen Frauenbilder in der japanischen Kunst dem Kanon des Minimalismus. "Linienauge, Hakennase" - Empfang hikime-kagihana erlaubte dem Künstler nur anzugeben, dass eine bestimmte Frau abgebildet war: In der traditionellen japanischen Kultur wurde das Thema körperliche Schönheit oft ausgespart. Bei Frauen von adliger Geburt wurde die „Schönheit des Herzens“ und die Bildung viel mehr geschätzt, und die Bewohner der fröhlichen Viertel bemühten sich, in allem die höchsten Vorbilder nachzuahmen. Laut Utamaro war Okita wirklich schön.

Das Blatt „Schönheit Nanivaya Okita“ wurde 1795-1796 in der Serie „Berühmte Schönheiten im Vergleich zu sechs unsterblichen Dichtern“ gedruckt, in der jeder Schönheit einer der Schriftsteller des 9. Jahrhunderts entsprach. Auf dem Blatt mit einem Porträt von Okita in der oberen linken Ecke befindet sich ein Bild von Arivara no Narihira (825-880), einem der am meisten verehrten Dichter Japans, dem traditionell der Roman Ise Monogatari zugeschrieben wird. Berühmt wurde der edle Adlige und brillante Dichter auch durch seine Liebschaften, von denen einige die Grundlage des Romans bildeten.

Dieses Blatt ist eine besondere Anwendung der Technik mildern(Vergleiche) in japanischer Gravur. Die Qualitäten eines autoritären „Prototyps“ übertragen sich auf die dargestellte Schönheit, und die elegante Kurtisane, die dem Gast mit gelassenem Gesicht eine Tasse Tee serviert, wird vom Betrachter bereits als eine Dame gelesen, die in Poesie und Liebestaten bewandert ist. Der Vergleich mit Arivara no Narihira war wirklich eine Anerkennung ihrer Überlegenheit unter den Edo-Schönheiten.

Gleichzeitig schafft Utamaro ein überraschend lyrisches Bild. Er balanciert dunkle und helle Flecken auf dem Blatt aus und umreißt die Form mit melodiösen, eleganten Linien, wodurch er ein wirklich perfektes Bild von Anmut und Harmonie schafft. „Werbung“ tritt zurück, und die von Utamaro eingefangene Schönheit bleibt zeitlos.

Paravent „Iris“ von Ogata Korin, 1710er Jahre

Wikimedia Commons / Nezu-Museum, Tokio

Ogata Korin (1658-1716) schuf um 1710 ein Paar sechsteiliger Irisschirme – heute ein nationaler Schatz Japans – für den Nishi-Hongan-ji-Tempel in Kyoto.

Seit dem 16. Jahrhundert hat sich die Malerei auf Wandpaneelen und Papierschirmen zu einem der führenden Genres der dekorativen Kunst in Japan entwickelt, und Ogata Korin, der Gründer der Rinpa-Kunstschule, war einer ihrer größten Meister.

Bildschirme im japanischen Interieur spielten eine wichtige Rolle. Die weitläufigen Räumlichkeiten des Palastes unterschieden sich strukturell nicht von den Wohnungen eines einfachen Japaners: Sie hatten fast keine Innenwände, und der Raum war mit Paravents in Zonen unterteilt. Die nur etwas mehr als anderthalb Meter hohen Bildschirme wurden für die gemeinsame japanische Tradition aller Klassen entworfen, um auf dem Boden zu leben. In Japan wurden Hochstühle und Tische erst im 19. Jahrhundert verwendet, und die Höhe des Bildschirms sowie die Komposition seiner Bemalung sind auf die Ansicht einer auf den Knien sitzenden Person ausgelegt. Aus dieser Sichtweise entsteht ein verblüffender Effekt: Die Schwertlilien scheinen den Sitzenden zu umgeben – und man fühlt sich am Ufer des Flusses, umgeben von Blumen.

Schwertlilien sind konturlos gemalt - fast impressionistisch, breite Striche aus dunkelblauer, lila und violetter Temperafarbe vermitteln die üppige Pracht dieser Blume. Die malerische Wirkung wird durch den matten Goldschimmer verstärkt, auf dem Iris abgebildet sind. Die Bildschirme zeigen nichts als Blumen, aber ihre eckige Wachstumslinie lässt darauf schließen, dass sich die Blumen um den gewundenen Flusslauf oder die Zickzackbewegungen von Holzbrücken biegen. Für die Japaner wäre es natürlich, wenn auf dem Bildschirm eine Brücke fehlt, eine spezielle "Brücke aus acht Brettern" ( yatsuhashi hören)), verbunden mit Schwertlilien in der klassischen japanischen Literatur. Der Roman Ise Monogatari (9. Jahrhundert) beschreibt die traurige Reise eines aus der Hauptstadt vertriebenen Helden. Nachdem er sich mit seinem Gefolge niedergelassen hat, um sich am Flussufer in der Nähe der Yatsuhashi-Brücke auszuruhen, erinnert sich der Held, der Iris sieht, an seine Geliebte und verfasst Gedichte:

mein Geliebter in Kleidern
Anmutig dort, in der Hauptstadt,
Liebe übrig...
Und ich denke mit Sehnsucht, wie viel
Ich bin weit weg von ihr... Übersetzung von N. I. Konrad.

„Also faltete er zusammen und jeder vergoss Tränen über seinen getrockneten Reis, sodass er vor Feuchtigkeit anschwoll“, fügt der Autor und lyrische Held der Geschichte, Arivara no Narihira, hinzu.

Für einen gebildeten Japaner war die Verbindung zwischen Iris an der Brücke und Ise monogatari, Iris und dem Thema der getrennten Liebe klar, und Ogata Korin vermeidet Ausführlichkeit und Anschaulichkeit. Mit Hilfe der dekorativen Malerei schafft er nur einen idealen Raum voller Licht, Farbe und literarischer Konnotationen.

Kinkakuji Goldener Pavillon, Kyoto, 1397

Jewgen Pogorjelow / flickr.com, 2006

Der Goldene Tempel ist eines der Symbole Japans, das ironischerweise mehr durch seine Zerstörung als durch seinen Bau verherrlicht wurde. 1950 zündete ein psychisch labiler Mönch des Rokuonji-Klosters, zu dem dieses Gebäude gehört, einen Teich an, der auf der Oberfläche des Klosters stand
Pavillon Bei einem Brand im Jahr 1950 wurde der Tempel fast zerstört. Die Restaurierungsarbeiten in Kinkaku-ji begannen 1955, bis 1987 war der Wiederaufbau als Ganzes abgeschlossen, aber der Ersatz des völlig verlorenen Innenausstattung bis 2003 fortgesetzt.. Die wahren Motive seiner Tat blieben unklar, aber in der Interpretation des Schriftstellers Yukio Mishima war die unerreichbare, fast mystische Schönheit dieses Tempels schuld. Tatsächlich galt Kinkakuji mehrere Jahrhunderte lang als Inbegriff japanischer Schönheit.

1394 zog sich Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), der fast ganz Japan seinem Willen unterwarf, offiziell zurück und ließ sich in einer eigens dafür errichteten Villa im Norden Kyotos nieder. Das dreistöckige Gebäude am künstlichen See Kyokoti ("Seespiegel") spielte die Rolle einer Art Einsiedelei, eines abgeschiedenen Pavillons zum Entspannen, Lesen und Beten. Es enthielt eine Sammlung von Gemälden des Shoguns, eine Bibliothek und eine Sammlung buddhistischer Relikte. Kinkakuji liegt auf dem Wasser in der Nähe der Küste, hatte nur eine Bootskommunikation mit der Küste und war die gleiche Insel wie die künstlichen Inseln mit Steinen und Pinien, die um Kyokoti herum verstreut waren. Die Idee der „Insel der Himmlischen“ war der chinesischen Mythologie entlehnt, in der die Insel Penglai, die Insel der Unsterblichen, als Abbild des himmlischen Wohnortes diente. Schon die Spiegelung des Pavillons im Wasser weckt buddhistische Assoziationen mit Vorstellungen über die illusorische Natur der Welt der Sterblichen, die nur ein blasses Abbild der Pracht der buddhistischen Wahrheitswelt ist.

Obwohl all diese mythologischen Obertöne spekulativ sind, verleiht die Lage des Pavillons ihm eine erstaunliche Harmonie und Harmonie. Reflexion verbirgt die Squatness des Gebäudes und macht es höher und schlanker; Gleichzeitig ist es die Höhe des Pavillons, die es ermöglicht, ihn von jedem Ufer des Teichs aus zu sehen, immer vor einem dunklen Hintergrund aus Grün.

Es bleibt jedoch nicht ganz klar, wie golden dieser Pavillon war Ursprungsform. Wahrscheinlich war es unter Ashikaga Yoshimitsu tatsächlich mit Blattgold und einer schützenden Lackschicht überzogen. Aber wenn Sie den Fotografien des 19. bis frühen 20. Jahrhunderts und Yukio Mishima glauben, dann war die Vergoldung Mitte des 20. Jahrhunderts fast abgeblättert und ihre Überreste waren nur noch auf der oberen Etage des Gebäudes sichtbar. Zu dieser Zeit berührte er eher die Seele mit dem Charme der Verwüstung, der Spuren der Zeit, unerbittlich auch für die schönsten Dinge. Dieser melancholische Charme entsprach dem ästhetischen Prinzip sabi in der japanischen Kultur hoch verehrt.

Auf die eine oder andere Weise war die Pracht dieses Gebäudes überhaupt nicht in Gold. Die exquisite Strenge der Formen von Kinkakuji und seine makellose Harmonie mit der Landschaft machen es zu einem der Meisterwerke der japanischen Architektur.

Schüssel "Iris" im Karatsu-Stil, XVI-XVII Jahrhundert

Diane Martineau /pinterest.com/Das Metropolitan Museum of Art, New York

Das Wort Meibutsu- eine Sache mit einem Namen. Nur der Name dieses Bechers hat wirklich überlebt, da weder die genaue Zeit und der Ort seiner Entstehung noch der Name des Meisters überliefert sind. Trotzdem wird es als Nationalschatz Japans eingestuft und gehört zu den klare Beispiele Keramik im nationalen Stil.

Ende des 16. Jahrhunderts die Teezeremonie cha-no-yu das Anspruchsvolle aufgegeben Chinesisches Porzellan und Keramik mit Glasuren, die an edle Materialien erinnern. Ihre spektakuläre Schönheit erschien den Teemeistern zu künstlich und offen. Perfekte und teure Gegenstände – Schalen, Wassergefäße und Teedosen – entsprachen nicht dem fast asketischen spirituellen Kanon des Zen-Buddhismus, in dessen Geist sich die Teezeremonie entwickelte. Eine echte Revolution in der Teeaktion war die Berufung auf japanische Keramik, viel einfacher und kunstloser zu einer Zeit, als die japanischen Werkstätten gerade erst begonnen hatten, die Technologien der kontinentalen Töpferei zu beherrschen.

Die Form der Iris-Schale ist schlicht und unregelmäßig. Die leichte Krümmung der Wände, die am ganzen Korpus sichtbaren Dellen des Töpfers verleihen der Schale eine fast naive Leichtigkeit. Die Tonscherbe ist mit heller Glasur mit einem Netz von Rissen - Craquelé - überzogen. Auf der Vorderseite, die sich während der Teezeremonie an den Gast wendet, ist unter der Glasur das Bild einer Iris aufgebracht: Die Zeichnung ist naiv, aber mit energischem Pinsel ausgeführt, exakt, wie in einem Zug, ganz im Sinne des Zen Kalligraphie. Es scheint, dass sowohl die Form als auch das Dekor spontan und ohne den Einsatz von Spezialkräften entstanden sein könnten.

Diese Spontaneität spiegelt das Ideal wider Wabi- Einfachheit und Einfachheit, die ein Gefühl von spiritueller Freiheit und Harmonie entstehen lassen. Nach Ansicht japanischer Anhänger des Zen-Buddhismus hat jede Person oder sogar ein lebloses Objekt die erleuchtete Natur des Buddha, und die Bemühungen des Adepten zielen darauf ab, diese Natur in sich selbst und der Welt um ihn herum zu entdecken. Die Dinge, die bei der Teezeremonie verwendet werden, sollten bei all ihrer Ungeschicklichkeit eine tiefe Erfahrung der Wahrheit hervorrufen, die Relevanz jedes Moments, gezwungen, in die gewöhnlichsten Formen zu blicken und wahre Schönheit in ihnen zu sehen.

Den Kontrast zur rauen Textur der Schale und ihrer Schlichtheit bildet die Restaurierung mit einem kleinen abgeplatzten Goldlack (diese Technik nennt sich Kintsugi). Die Restaurierung wurde im 18. Jahrhundert durchgeführt und zeigt die Ehrfurcht, mit der japanische Teemeister Utensilien für die Teezeremonie behandelten. Die Teezeremonie bietet den Teilnehmern also einen "Weg", um die wahre Schönheit von Dingen wie der Irisschale zu entdecken. Selbstverständlichkeit, Geheimhaltung ist zur Grundlage des ästhetischen Konzepts von Wabi und zu einem wichtigen Bestandteil der japanischen Weltanschauung geworden.

Porträt des Mönchs Gandzin, Nara, 763

Toshodaiji, 2015

Im VIII. Jahrhundert wurde die Skulptur zur Hauptform des künstlerischen Ausdrucks der Ära, der Nara-Ära (710-794), die mit der Bildung der japanischen Staatlichkeit und der Stärkung des Buddhismus verbunden war. Japanische Meister haben bereits die Phase der Lehre und der blinden Nachahmung kontinentaler Techniken und Bilder hinter sich und begannen, den Geist ihrer Zeit in der Bildhauerei frei und lebendig auszudrücken. Die Verbreitung und das Wachstum der Autorität des Buddhismus verursachten das Erscheinen eines buddhistischen skulpturalen Porträts.

Eines der Meisterwerke dieses Genres ist das 763 entstandene Porträt von Gandzin. Hergestellt in der Technik des Trockenlacks (durch Aufbau von Lackschichten auf einem mit Stoff bespannten Holzrahmen), ist die Skulptur fast Lebensgröße war realistisch gemalt, und im Halbdunkel des Tempels saß Ganjin in einer Haltung der Meditation „wie lebendig“. Diese Lebensähnlichkeit war die Hauptkultfunktion solcher Porträts: Der Lehrer musste sich immer innerhalb der Mauern des Todaiji-Klosters in der Stadt Nara aufhalten und bei den wichtigsten Gottesdiensten anwesend sein.

Später, im 11. bis 13. Jahrhundert, erreichten skulpturale Porträts einen fast gnadenlosen Illusionismus und zeigten die senile Gebrechlichkeit ehrwürdiger Lehrer, ihre eingefallenen Münder, hängenden Wangen und tiefen Falten. Diese Porträts betrachten die Anhänger des Buddhismus mit lebendigen Augen, eingelegt mit Bergkristall und Holz. Aber Gandzins Gesicht wirkt verschwommen, es gibt keine klaren Konturen und klare Formen darin. Augenlider von halbgeschlossenen und nicht verkrusteten Augen erscheinen geschwollen; der angespannte Mund und die tiefen Nasolabialfalten drücken eher die gewohnheitsmäßige Vorsicht als die Konzentration der Meditation aus.

All diese Merkmale enthüllen die dramatische Biografie dieses Mönchs, die Geschichte von erstaunlicher Askese und Tragödien. Ganjin, ein chinesischer buddhistischer Mönch, wurde zur Einweihungszeremonie von Todaiji, dem größten Kloster von Nara, nach Japan eingeladen. Das Schiff wurde von Piraten gekapert, unbezahlbare Schriftrollen und buddhistische Skulpturen, die für einen fernen japanischen Tempel bestimmt waren, gingen im Feuer verloren, Ganjin verbrannte sein Gesicht und verlor sein Augenlicht. Doch den Wunsch, am äußersten Rand der Zivilisation zu predigen, ließ ihn nicht los – nämlich darüber, wie Japan damals vom Kontinent wahrgenommen wurde.

Mehrere weitere Versuche, das Meer zu überqueren, endeten ebenso erfolglos, und erst beim fünften Versuch erreicht der bereits mittelalte, blinde und kränkliche Ganjin die japanische Hauptstadt Nara.

In Japan lehrte Ganjin nicht lange buddhistisches Recht: Die dramatischen Ereignisse seines Lebens untergruben seine Gesundheit. Aber seine Autorität war so hoch, dass wahrscheinlich noch vor seinem Tod beschlossen wurde, seine Skulptur zu schaffen. Zweifellos versuchten die Künstlermönche, der Skulptur so viel Ähnlichkeit wie möglich mit dem Modell zu geben. Dies geschah jedoch nicht, um zu sparen Aussehen eines Menschen, sondern um seine individuelle spirituelle Erfahrung festzuhalten, jenen schwierigen Weg, den Ganjin gegangen ist und zu dem die buddhistische Lehre aufrief.

Daibutsu - Großer Buddha des Todaiji-Tempels, Nara, Mitte des 8. Jahrhunderts

Todd/flickr.com

Mitte des 8. Jahrhunderts litt Japan unter Naturkatastrophen und Epidemien, und die Intrigen der einflussreichen Familie Fujiwara und die von ihnen ausgelöste Rebellion zwangen Kaiser Shomu, aus der Hauptstadt Nara zu fliehen. Im Exil gelobte er, dem Weg der buddhistischen Lehren zu folgen und befahl 743 den Bau des Haupttempels des Landes und den Guss einer kolossalen Bronzestatue des Buddha Vairochana (Buddha Great Sun oder All Illuminating Light). Diese Gottheit galt als universelle Inkarnation von Buddha Shakyamuni, dem Begründer der buddhistischen Lehre, und sollte während der Zeit der Unruhen und Rebellionen zum Garanten des Schutzes des Kaisers und des ganzen Landes werden.

Die Arbeiten begannen 745 und waren der riesigen Buddha-Statue in den Longmen-Höhlentempeln nahe der chinesischen Hauptstadt Luoyang nachempfunden. Die Statue in Nara sollte, wie jedes Bild des Buddha, „große und kleine Zeichen des Buddha“ zeigen. Zu diesem ikonografischen Kanon gehörten längliche Ohrläppchen, die daran erinnern, dass Buddha Shakyamuni aus einer fürstlichen Familie stammte und von Kindheit an schwere Ohrringe, eine Erhebung auf dem Scheitel (ushnisha), einen Punkt auf der Stirn (urne) trug.

Die Höhe der Statue betrug 16 Meter, die Breite des Gesichts 5 Meter, die Länge der ausgestreckten Handfläche 3,7 Meter und die Urne war größer als ein menschlicher Kopf. Für den Bau wurden 444 Tonnen Kupfer, 82 Tonnen Zinn und eine riesige Menge Gold benötigt, das speziell im Norden des Landes gesucht wurde. Um die Statue herum wurde eine Halle, der Daibutsuden, errichtet, um den Schrein zu schützen. In seinem kleinen Raum füllt eine leicht gebeugte sitzende Buddha-Figur den gesamten Raum aus und veranschaulicht eines der Hauptpostulate des Buddhismus - die Idee, dass die Gottheit allgegenwärtig und alles durchdringend ist, sie umarmt und alles erfüllt. Die transzendentale Ruhe des Gesichts und die Geste der Hand der Gottheit (Mudra, die Geste der Schutzgewährung) ergänzen das Gefühl der ruhigen Erhabenheit und Kraft des Buddha.

Allerdings sind heute nur noch wenige Fragmente der ursprünglichen Statue erhalten: Brände und Kriege richteten im 12. und 16. Jahrhundert enorme Schäden an der Statue an, und die moderne Statue ist hauptsächlich ein Guss aus dem 18. Jahrhundert. Bei der Restaurierung im 18. Jahrhundert wurde die Bronzefigur nicht mehr mit Gold überzogen. Der buddhistische Eifer des Kaisers Shomu im 8. Jahrhundert leerte praktisch die Schatzkammer und blutete das bereits geschockte Land aus, und die späteren Herrscher konnten sich solch maßlose Ausgaben nicht mehr leisten.

Dennoch liegt die Bedeutung von Daibutsu nicht im Gold und nicht einmal in verlässlicher Authentizität – die Idee einer solch grandiosen Verkörperung buddhistischer Lehren ist ein Denkmal für eine Ära, als japanische Monumentalkunst eine echte Blüte erlebte, von der sie sich befreite blindes Kopieren kontinentaler Proben und erreichte Integrität und Ausdruckskraft, die später verloren gingen.

Die Japaner entdeckten die in den Dingen verborgene Schönheit im 9.-12. Jahrhundert, in der Heian-Ära (794-1185) und bezeichneten sie sogar mit einem besonderen Begriff " mono no avare"(Japanisch: 物の哀れ (もののあわれ)), was "der traurige Charme der Dinge" bedeutet. „Der Charme der Dinge“ ist eine der frühesten Definitionen von Schönheit in der japanischen Literatur. Sie wird mit dem Shinto-Glauben in Verbindung gebracht, dass jedes Ding seine eigene Gottheit – Kami – und seinen eigenen einzigartigen Charme hat. Avare ist die innere Essenz der Dinge, das, was Freude und Aufregung hervorruft.

- Washi (wasi) oder wagami (wagami).
Manuelle Papierherstellung. Mittelalterliche Japaner schätzten Washi nicht nur wegen seiner praktischen Qualitäten, sondern auch wegen seiner Schönheit. Sie war berühmt für ihre Subtilität, fast Transparenz, die ihr jedoch nicht die Kraft nahm. Washi wird aus der Rinde des Kozobaums (Maulbeerbaum) und einigen anderen Bäumen hergestellt.
Washi-Papier wird seit Jahrhunderten aufbewahrt, ein Beweis dafür sind die Alben und Bände alter japanischer Kalligrafie, Gemälde, Siebe und Gravuren, die im Laufe der Jahrhunderte bis heute erhalten geblieben sind.
Vasyas Papier ist faserig, wenn Sie durch ein Mikroskop schauen, sehen Sie Risse, durch die Luft und Sonnenlicht eindringen. Diese Qualität wird bei der Herstellung von Paravents und traditionellen japanischen Laternen verwendet.
Washi-Souvenirs sind bei Europäern sehr beliebt. Viele kleine und nützliche Dinge werden aus diesem Papier hergestellt: Brieftaschen, Umschläge, Fächer. Sie sind ziemlich langlebig und dennoch leicht.

- Gohei.
Maskottchen aus Papierstreifen. Gohei - ein ritueller Stab eines Shinto-Priesters, an dem Papierzickzackstreifen befestigt sind. Die gleichen Papierstreifen werden am Eingang eines Shinto-Schreins aufgehängt. Die Rolle des Papiers im Shinto war traditionell sehr groß, und den daraus hergestellten Produkten wurde immer eine esoterische Bedeutung beigemessen. Und der Glaube, dass jedes Ding, jedes Phänomen, sogar Worte, einen Kami – eine Gottheit – enthalten, erklärt das Auftreten dieser Art angewandte Künste wie gohei. Der Shintoismus ist unserem Heidentum etwas ähnlich. Für Shintoisten ist der Kami besonders bereit, sich in allem Außergewöhnlichen niederzulassen. Zum Beispiel auf Papier. Und noch mehr in einem zu einem verschlungenen Zickzack verdrehten Gohei, der heute vor dem Eingang von Shinto-Schreinen hängt und auf die Anwesenheit einer Gottheit im Tempel hinweist. Es gibt 20 Möglichkeiten, den Gohei zu falten, und diejenigen, die besonders ungewöhnlich gefaltet sind, ziehen den Kami an. Gohei ist überwiegend weiß, aber auch Gold, Silber und viele andere Farbtöne sind zu finden. Seit dem 9. Jahrhundert gibt es in Japan den Brauch, den Gohei an den Gürteln der Sumo-Ringer vor Beginn des Kampfes zu stärken.

-Anesama.
Dies ist die Herstellung von Papierpuppen. Im 19. Jahrhundert stellten Samurai-Ehefrauen Papierpuppen her, mit denen Kinder spielten, und zogen ihnen verschiedene Kleider an. In Zeiten, in denen es kein Spielzeug gab, war anesama die einzige Gesprächspartnerin für Kinder, die die Rolle der Mutter, der großen Schwester, des Kindes und der Freundin „ausübte“.
Die Puppe ist aus japanischem Washi-Papier gefaltet, die Haare sind aus zerknittertem Papier, mit Tinte gefärbt und mit Kleber überzogen, der ihr Glanz verleiht. Unterscheidungsmerkmal ist eine nette kleine Nase auf einem länglichen Gesicht. Heute wird dieses einfache Spielzeug, das nichts als geschickte Hände erfordert, traditionell in der Form, nach wie vor auf die gleiche Weise hergestellt.

-Origami.
Die alte Kunst des Papierfaltens (折り紙, lit.: "gefaltetes Papier"). Die Kunst des Origami hat ihre Wurzeln in Antikes China wo Papier erfunden wurde. Ursprünglich wurde Origami in religiösen Zeremonien verwendet. Lange Zeit war diese Art von Kunst nur Vertretern der Oberschicht zugänglich, wo der Besitz von Papierfalttechniken ein Zeichen des guten Geschmacks war. Erst nach dem Zweiten Weltkrieg ging Origami über den Osten hinaus nach Amerika und Europa, wo es sofort seine Fans fand. Klassisches Origami wird aus einem quadratischen Blatt Papier gefaltet.
Es ist ein bestimmter Satz konventioneller Symbole erforderlich, um das Faltschema selbst des komplexesten Produkts zu skizzieren. Die meisten konventionellen Zeichen wurden Mitte des 20. Jahrhunderts von dem berühmten japanischen Meister Akira Yoshizawa in die Praxis umgesetzt.
Klassisches Origami schreibt die Verwendung eines quadratischen, gleichmäßig gefärbten Blatt Papiers ohne Kleber und Schere vor. Zeitgenössische Kunstformen weichen manchmal von diesem Kanon ab.

- Kirigami.
Kirigami ist die Kunst, mit Hilfe einer Schere verschiedene Formen aus einem mehrfach gefalteten Blatt Papier zu schneiden. Eine Art Origami, die die Verwendung von Scheren und Scherenschnitten bei der Herstellung des Modells ermöglicht. Dies ist der Hauptunterschied zwischen Kirigami und anderen Papierfalttechniken, der im Namen betont wird: 切る (kiru) - schneiden, 紙 (gami) - Papier. Wir alle haben in der Kindheit gerne Schneeflocken geschnitten - eine Variante von Kirigami, mit dieser Technik können Sie nicht nur Schneeflocken, sondern auch verschiedene Figuren, Blumen, Girlanden und andere niedliche Dinge aus Papier schneiden. Diese Produkte können als Schablonen für Drucke, Albumdekorationen, Postkarten, Fotorahmen, Modedesign, Innenarchitektur und andere verschiedene Dekorationen verwendet werden.

- Ikebana.
Ikebana, (jap. 生け花 oder いけばな) übersetzt aus japanische Sprache- ike“ – Leben, „bana“ – Blumen oder „Blumen, die leben“. Die japanische Kunst des Blumensteckens ist eine der schönsten Traditionen des japanischen Volkes. Bei der Zusammenstellung von Ikebana werden neben Blumen geschnittene Zweige, Blätter und Triebe verwendet.Das Grundprinzip ist exquisite Einfachheit, um dies zu erreichen, versuchen sie zu betonen natürliche Schönheit Pflanzen. Ikebana ist die Kreation einer neuen natürlichen Form, in der die Schönheit einer Blume und die Schönheit der Seele des Meisters, der die Komposition erstellt, harmonisch kombiniert werden.
Heute gibt es in Japan 4 große Ikebana-Schulen: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Darüber hinaus gibt es etwa tausend verschiedene Richtungen und Trends, die an einer dieser Schulen festhalten.

-Oribana.
Mitte des 17. Jahrhunderts gingen zwei Schulen von Ohara (die Hauptform von Ikebana - Oribana) und Koryu (die Hauptform - Sek) von Ikenobo aus. Übrigens studiert die Ohara-Schule immer noch nur Oribanu. Wie die Japaner sagen, ist es sehr wichtig, dass Origami nicht zu Origami wird. Gomi bedeutet Müll auf Japanisch. Schließlich haben Sie zufällig ein Stück Papier gefaltet, und was tun Sie dann damit? Oribana bietet viele Ideen für Blumensträuße zur Dekoration des Innenraums. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Fehler.
Eine aus der Floristik entstandene Kunstform. Die Floristik ist in unserem Land vor acht Jahren aufgetaucht, obwohl sie in Japan seit mehr als sechshundert Jahren existiert. Irgendwann im Mittelalter verstanden Samurai den Weg eines Kriegers. Und oshibana war Teil dieses Weges, genau wie das Schreiben von Hieroglyphen und das Führen eines Schwertes. Die Bedeutung des Fehlers war, dass der Meister im Zustand der totalen Präsenz im Moment (Satori) ein Bild von getrockneten Blumen (gepressten Blumen) schuf. Dann könnte dieses Bild als Schlüssel dienen, als Leitfaden für diejenigen, die bereit sind, in die Stille einzutreten und dasselbe Satori zu erfahren.
Die Essenz der Kunst des "Oshibana" besteht darin, dass der Autor durch das Sammeln und Trocknen von Blumen, Kräutern, Blättern und Rinde unter Druck und das Aufkleben auf die Unterlage mit Hilfe von Pflanzen ein wahres "Malwerk" schafft. Mit anderen Worten: Falsch ist das Malen mit Pflanzen.
Künstlerische Kreativität Floristen basiert auf der Erhaltung von Form, Farbe und Textur von getrocknetem Pflanzenmaterial. Die Japaner haben eine Technik entwickelt, um „Oshibana“-Gemälde vor Verblassen und Verdunkelung zu schützen. Seine Essenz besteht darin, dass zwischen Glas und Bild Luft herausgepumpt wird und ein Vakuum entsteht, das das Verderben der Pflanzen verhindert.
Es zieht nicht nur die Unkonventionalität dieser Kunst an, sondern auch die Möglichkeit, Vorstellungskraft, Geschmack und Wissen über die Eigenschaften von Pflanzen zu zeigen. Floristen schaffen Ornamente, Landschaften, Stillleben, Porträts und Geschichtenbilder.

- Bonsai.
Bonsai als Phänomen tauchte vor mehr als tausend Jahren in China auf, aber diese Kultur erreichte ihren Höhepunkt der Entwicklung nur in Japan. (Bonsai – japanisch 盆栽 lit. „Pflanze in einem Topf“) – die Kunst, eine exakte Kopie eines echten Baums im Miniaturformat zu züchten. Diese Pflanzen wurden mehrere Jahrhunderte vor unserer Zeitrechnung von buddhistischen Mönchen angebaut und wurden später zu einer der Aktivitäten des örtlichen Adels.
Bonsai schmückten japanische Häuser und Gärten. In der Tokugawa-Ära erhielt die Parkgestaltung einen neuen Aufschwung: Der Anbau von Azaleen und Ahorn wurde zum Zeitvertreib der Reichen. Die Produktion von Zwergpflanzen (hachi-no-ki - "Baum im Topf") entwickelte sich ebenfalls, aber die Bonsai dieser Zeit waren sehr groß.
Jetzt werden gewöhnliche Bäume für Bonsai verwendet, sie werden durch ständiges Beschneiden und verschiedene andere Methoden klein. Gleichzeitig entspricht das Verhältnis der Größen des Wurzelsystems, begrenzt durch das Volumen der Schale, und des geschliffenen Teils des Bonsai den Proportionen eines erwachsenen Baumes in der Natur.

- Mizuhiki.
Makramee analog. Dies ist eine alte japanische angewandte Kunst, verschiedene Knoten aus speziellen Schnüren zu binden und daraus Muster zu erstellen. Solche Kunstwerke hatten eine extrem große Bandbreite – von Geschenkkarten und Briefen bis hin zu Frisuren und Handtaschen. Derzeit ist Mizuhiki in der Geschenkindustrie sehr weit verbreitet - für jedes Ereignis im Leben soll ein Geschenk auf eine ganz bestimmte Art und Weise verpackt und gebunden werden. Es gibt extrem viele Knoten und Kompositionen in der Mizuhiki-Kunst, und nicht jeder Japaner kennt sie alle auswendig. Natürlich gibt es die gängigsten und einfachsten Knoten, die am häufigsten verwendet werden: für Glückwünsche zur Geburt eines Kindes, für eine Hochzeit oder Gedenkfeier, einen Geburtstag oder die Zulassung zum Studium.

- Kumihimo.
Kumihimo ist eine japanische geflochtene Schnur. Beim Weben werden Fäden, Bänder und Spitzen erhalten. Diese Schnürsenkel werden auf speziellen Maschinen gewebt - Marudai und Takadai. Die Marudai-Maschine wird zum Weben von runden Spitzen und die Takadai-Maschine zum Weben von flachen verwendet. Kumihimo bedeutet auf Japanisch "Seile weben" (kumi - weben, zusammenfalten, himo - Seil, Spitze). Trotz der Tatsache, dass Historiker hartnäckig darauf bestehen, dass ähnliche Webereien bei den Skandinaviern und Andenbewohnern zu finden sind, ist die japanische Kumihimo-Kunst tatsächlich eine der ältesten Webarten. Die erste Erwähnung geht auf das Jahr 550 zurück, als sich der Buddhismus in ganz Japan verbreitete und besondere Zeremonien besondere Dekorationen erforderten. Später wurden Kumihimo-Schnürsenkel als Befestigungsmittel für den Obi-Gürtel an einem Kimono für Frauen, als Seile zum „Verpacken“ des gesamten Samurai-Waffenarsenals (Samurai verwendeten Kumihimo zu dekorativen und funktionalen Zwecken, um ihre Rüstung und Pferderüstung zu binden) und verwendet auch zum Binden schwerer Gegenstände.
Eine Vielzahl von Mustern des modernen Kumihimo lassen sich sehr einfach auf hausgemachten Webstühlen aus Pappe weben.

-Komono.
Was bleibt von einem Kimono, wenn er ausgedient hat? Glaubst du, es wird weggeworfen? Nichts dergleichen! Die Japaner werden das niemals tun. Kimonos sind teuer. Es ist undenkbar und unmöglich, ihn einfach so wegzuwerfen ... Neben anderen Arten des Kimono-Recyclings stellten Handwerkerinnen aus kleinen Fetzen kleine Souvenirs her. Dies sind kleine Spielzeuge für Kinder, Puppen, Broschen, Girlanden, Damenschmuck und andere Produkte. Der alte Kimono wird zur Herstellung kleiner süßer Dinge verwendet, die zusammen "Komono" genannt werden. Kleine Dinge, die ein Eigenleben entwickeln und den Weg des Kimonos fortsetzen. Das bedeutet das Wort „Komono“.

- Kanzashi.
Die Kunst, Haarspangen (meistens mit Blumen (Schmetterlingen usw.) verziert) aus Stoff (hauptsächlich Seide) zu dekorieren. Japanisches Kanzashi (Kanzashi) ist eine lange Haarnadel für eine traditionelle japanische Frauenfrisur. Sie wurden aus Holz, Lack, Silber, Schildpatt, das in traditionellen chinesischen und japanischen Frisuren verwendet wird. Vor etwa 400 Jahren änderte sich in Japan der Stil der Frauenfrisuren: Frauen hörten auf, ihr Haar in der traditionellen Form zu kämmen - Taregami (langes glattes Haar) und begannen, es kompliziert zu stylen bizarre formen - nihongami verwendet verschiedene gegenstände - haarnadeln, stöcke, kämme.Damals verwandelt sich sogar ein einfacher kushi-kamm in ein elegantes accessoire von außergewöhnlicher schönheit, das zu einem echten kunstwerk wird.traditionelle japanische frauentrachten erlaubten es nicht Handgelenkschmuck und Halsketten, also Frisuren Hauptschönheit und ein Feld zur Selbstdarstellung - sowie den Geschmack und die Dicke des Geldbeutels des Besitzers zu demonstrieren. Auf den Gravuren sieht man – wenn man genau hinschaut – wie Japanerinnen locker bis zu zwanzig teure Kanzashi in ihre Frisur hängen.
Es gibt jetzt eine Wiederbelebung der Tradition der Verwendung von Kanzashi unter jungen japanischen Frauen, die ihren Frisuren Raffinesse und Eleganz verleihen möchten. Moderne Haarspangen können mit nur einer oder zwei zierlichen handgefertigten Blumen geschmückt werden.

- Kinusaiga.
Eine erstaunliche Art von Handarbeiten aus Japan. Kinusaiga (絹彩画) ist eine Mischung aus Batik und Patchwork. Die Hauptidee ist, dass Stück für Stück neue Gemälde aus alten Seidenkimonos gesammelt werden - wahre Werke Kunst.
Zuerst fertigt der Künstler eine Skizze auf Papier an. Dann wird diese Zeichnung auf ein Holzbrett übertragen. Die Kontur des Musters wird mit Rillen oder Rillen durchschnitten, und dann werden kleine Fetzen, die in Farbe und Ton übereinstimmen, aus dem alten Seidenkimono geschnitten, und die Ränder dieser Fetzen füllen die Rillen. Wenn Sie sich ein solches Bild ansehen, haben Sie das Gefühl, ein Foto zu betrachten oder auch nur die Landschaft vor dem Fenster zu betrachten, so realistisch sind sie.

-Temari.
Dies sind traditionelle japanische geometrisch bestickte Bälle, die mit einfachen Stichen hergestellt wurden, die einst ein Kinderspielzeug waren und heute zu einer Kunstform mit vielen Fans nicht nur in Japan, sondern auf der ganzen Welt geworden sind. Es wird angenommen, dass diese Produkte vor langer Zeit von Samurai-Ehefrauen zur Unterhaltung hergestellt wurden. Am Anfang wurden sie wirklich als Ball für ein Ballspiel verwendet, aber nach und nach nahmen sie künstlerische Elemente an und verwandelten sich später in dekorative Ornamente. Die zarte Schönheit dieser Kugeln ist in ganz Japan bekannt. Und heute gehören farbenfrohe, sorgfältig gefertigte Produkte zu den Arten des Volkshandwerks in Japan.

- Yubinuki.
Japanische Fingerhüte werden beim Nähen oder Sticken von Hand auf das Mittelglied des Mittelfingers der arbeitenden Hand gelegt, mit Hilfe der Fingerspitzen wird der Nadel die gewünschte Richtung gegeben und die Nadel durch den Ring in der Mitte geschoben Finger in der Arbeit. Ursprünglich wurden japanische Yubinuki-Fingerhüte ganz einfach hergestellt - ein etwa 1 cm breiter Streifen aus dichtem Stoff oder Leder wurde in mehreren Lagen fest um den Finger gewickelt und mit ein paar einfachen Zierstichen zusammengehalten. Da Yubinuki ein unverzichtbarer Gegenstand in jedem Haushalt waren, wurden sie mit geometrischen Stickereien mit Seidenfäden verziert. Aus der Verflechtung von Stichen, bunt und komplizierte Muster. Yubinuki von einem einfachen Haushaltsgegenstand hat sich auch zu einem Objekt zum "Bewundern", zur Dekoration des Alltags entwickelt.
Yubinuki werden immer noch zum Nähen und Sticken verwendet, aber man findet sie auch einfach an den Händen an jedem Finger, wie dekorative Ringe. Stickereien im Yubinuki-Stil werden verwendet, um verschiedene Objekte in Form eines Rings zu dekorieren - Serviettenringe, Armbänder, Temari-Ständer, die mit Yubinuki-Stickerei verziert sind, und es gibt auch gestickte Nadelbetten im gleichen Stil. Yubinuki-Muster können eine großartige Inspiration für Temari-Obi-Stickereien sein.

- Suibokuga oder Sumie.
Japanische Tuschemalerei. Das chinesischer Stil Malerei wurde von japanischen Künstlern im 14. Jahrhundert und bis zum Ende des 15. Jahrhunderts ausgeliehen. wurde zum Mainstream der Malerei in Japan. Suibokuga ist einfarbig. Es zeichnet sich durch die Verwendung von schwarzer Tinte (Sumi) aus, einer festen Form Holzkohle oder aus dem Ruß chinesischer Tusche, die in einem Tintenfass gemahlen, mit Wasser verdünnt und mit einem Pinsel auf Papier oder Seide aufgetragen wird. Monochrom bietet dem Meister eine endlose Auswahl an Tonoptionen, die die Chinesen vor langer Zeit als die „Farben“ der Tinte erkannten. Suibokuga erlaubt manchmal die Verwendung echter Farben, beschränkt sie aber auf dünne, transparente Striche, die immer der Tintenlinie untergeordnet bleiben. Die Tuschemalerei teilt mit der Kunst der Kalligrafie so wesentliche Eigenschaften wie streng kontrollierten Ausdruck und technische Beherrschung der Form. Die Qualität der Tuschemalerei hängt, wie in der Kalligraphie, von der Unversehrtheit und Reißfestigkeit der mit Tusche gezeichneten Linie ab, die das Kunstwerk sozusagen an sich hält, so wie Knochen Gewebe an sich halten.

- Etegami.
Gezeichnete Postkarten (e - Bild, getaggt - Brief). Das Selbermachen von Postkarten ist in Japan im Allgemeinen eine sehr beliebte Aktivität, und vor den Feiertagen nimmt ihre Popularität noch weiter zu. Die Japaner lieben es, Postkarten an ihre Freunde zu schicken, und sie lieben es auch, sie zu erhalten. Dies ist eine Art Schnellbrief auf speziellen Rohlingen, der ohne Umschlag per Post verschickt werden kann. Nicht im Etegami besondere Regeln oder ein Techniker, es kann jede Person ohne besondere Ausbildung sein. Etagami hilft dabei, die Stimmung und Eindrücke genau auszudrücken. Dies ist eine handgefertigte Postkarte, die aus einem Bild und einem kurzen Brief besteht und die Emotionen des Absenders wie Wärme, Leidenschaft, Fürsorge, Liebe usw. vermittelt. Sie versenden diese Postkarten für die Feiertage und einfach so, mit Jahreszeiten, Aktivitäten, Gemüse und Obst, Menschen und Tieren. Je einfacher dieses Bild gezeichnet ist, desto interessanter sieht es aus.

- Furoshiki.
Japanische Wickeltechnik oder die Kunst des Stofffaltens. Furoshiki trat lange Zeit in das Leben der Japaner ein. Alte Schriftrollen aus der Kamakura-Muromachi-Periode (1185 - 1573) mit Bildern von Frauen, die Kleiderbündel auf dem Kopf tragen, sind erhalten geblieben. Diese interessante Technik entstand bereits 710 - 794 n. Chr. in Japan. Das Wort „Furoshiki“ bedeutet wörtlich „Badeteppich“ und ist ein quadratisches Stück Stoff, das zum Einwickeln und Tragen von Gegenständen aller Formen und Größen verwendet wurde.
Früher war es üblich, japanische Bäder (furo) in Kimonos aus leichter Baumwolle zu betreten, die Besucher von zu Hause mitbrachten. Der Badegast brachte auch eine spezielle Decke (Shiki) mit, auf der er beim Ausziehen stand. Nachdem er sich in einen "Bade"-Kimono verwandelt hatte, wickelte der Besucher seine Kleidung in eine Decke und nach dem Bad wickelte er einen nassen Kimono in eine Decke, um ihn nach Hause zu bringen. So wird aus der Badematte eine multifunktionale Tasche.
Furoshiki ist sehr einfach zu verwenden: Der Stoff nimmt die Form des Objekts an, das Sie einwickeln, und die Griffe erleichtern das Tragen der Last. Darüber hinaus erhält ein Geschenk, das nicht in hartes Papier, sondern in einen weichen, mehrschichtigen Stoff verpackt ist, eine besondere Ausdruckskraft. Es gibt viele Schemata zum Falten von Furoshiki für jeden Anlass, jeden Tag oder festlich.

- Amigurumi.
Die japanische Kunst des Strickens oder Häkelns kleiner Kuscheltiere und humanoider Wesen. Amigurumi (編み包み, wörtlich: „gestrickt-eingewickelt“) sind meistens niedliche Tiere (wie Bären, Hasen, Katzen, Hunde usw.), kleine Männer, aber sie können auch unbelebte Objekte sein, die mit menschlichen Eigenschaften ausgestattet sind. Zum Beispiel Cupcakes, Hüte, Handtaschen und andere. Amigurumi wird gestrickt oder gestrickt oder gehäkelt. In letzter Zeit sind gehäkelte Amigurumi immer beliebter und häufiger geworden.
in einer einfachen Strickmethode aus Garn gestrickt - in einer Spirale und im Gegensatz zur europäischen Strickmethode sind die Kreise normalerweise nicht verbunden. Sie werden auch in einer kleineren Größe im Verhältnis zur Garnstärke gehäkelt, um einen sehr dichten Stoff ohne Lücken zum Herauskommen der Füllung zu schaffen. Amigurumi werden oft aus Teilen hergestellt und dann zusammengesetzt, mit Ausnahme einiger Amigurumi, die keine Gliedmaßen haben, sondern nur Kopf und Rumpf, die ein Ganzes bilden. Die Gliedmaßen sind manchmal mit Plastikteilen gefüllt, um ihnen Lebendgewicht zu verleihen, während der Rest des Körpers mit Faserfüllung gefüllt ist.
Die Verbreitung der Amigurumi-Ästhetik wird durch ihre Niedlichkeit („kawaii“) begünstigt.

Er schuf seine Bilder während der Taise-Zeit (1912-26) und frühen Showa. Er wurde 1891 geboren
Jahr in Tokio, war der Sohn der Journalistin Kishida Ginko. 1908 schloss er die Schule im Alter von ab
Mit 15 Jahren wurde er Christ und widmete sich kirchlichen Aktivitäten, dann Kishida
Ryūsei studierte westliche Kunststile im Hakubakai-Studio unter
Seiki Kuroda (1866-1924), der einer der Gründer der Akademie der Künste in Japan war.
Bereits 1910 begann der junge Künstler, seine Arbeiten auf dem Jahrbuch auszustellen
Bantener Landesausstellung. Seine frühen Werke, vor allem Landschaften, wurden gemalt
stark beeinflusst und spiegeln den Stil seines Lehrers Kuroda Seiki wider.

Reiko-Porträt

Später lernte der Künstler Musanoka Saneatsu (Mushanokoji Saneatsu) kennen und freundete sich mit ihm an.
der den Künstler in die Gesellschaft der Sirakaba (Weiße Birke) einführte und ihn in die europäische Gesellschaft einführte
Fauvismus und Kubismus. Die Gründung von Kishida Ryūsei als Künstler geschah im ersten
Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts, als viele japanische junge Künstler weggingen, um zu studieren
Malen im Ausland, hauptsächlich nach Paris. Kishida Ryūsei war noch nie in Europa und
nicht bei europäischen Meistern studiert, sondern den Einfluss des europäischen Postimpressionismus auf ihn
war enorm, besonders die Arbeit von Van Gogh und Cezanne. Von Ende 1911 bis Anfang
1912 ließ er sich von der Arbeit zeitgenössischer französischer Künstler mit deren Werk inspirieren
Er traf sich in der Zeitschrift Shirakaba und durch illustrierte Bücher. Sein Frühwerk ist eindeutig
entstanden unter dem Einfluss von Henri Matisse und den Fauvisten.

Selbstbildnis mit Hut, 1912
Stil: Fauvismus

1912, im Alter von einundzwanzig Jahren, debütierte Kishida Ryūsei als
professioneller Künstler, seine erste Einzelausstellung fand in statt
Rokando-Kunstgalerie. Im selben Jahr organisierte der Künstler seine
Fyizankai Art Circle zu studieren und zu fördern
Post-Impressionismus.

Garten des Präsidenten der Südmandschurischen Eisenbahngesellschaft 1929

Der Kreis löste sich bald auf interne Konflikte nach zwei Ausstellungen.
Ab etwa 1914 verabschiedete sich der Künstler von seinem frühen Stil, dem Fauvismus. 1915
Jahr gründete Kishida Reisai die Shodosa-Gruppe, in der sein wichtigster Kamerad Student war
und der Künstler Michisai Kono war ein Anhänger.

Weg im Frühsommer 1917
Stil: Yoga-ka

Seitdem hat er seinen eigenen einzigartigen Stil eines großen Meisters auf Japanisch entwickelt
in der Sprache heißt es "Shajitsu" oder "Shasei", normalerweise ins Russische als Realismus übersetzt.
Der Künstler vereinfacht Formen, findet eine einzigartige Farbe, all dies kommt aus der Kunst
Cézanne. Kishida Reisai schätzte zwar die Kunst Frankreichs sehr, aber in der späteren Zeit er
als orientalische Kunst der westlichen Kunst weit überlegen.

Straßendurchbruch durch einen Hügel, 1915
Stil: Yoga-ka

Porträt von Bernard Leach, 1913
Stil: Fauvismus

Selbstbildnis, 1915,
Stil: Yoga-ka

Selbstbildnis, 1913,
Stil: Yoga-ka

Selbstbildnis, 1917,
Stil: Yoga-ka

Porträt eines Mannes
Stil: Yoga-ka

Ab etwa 1917 zog der Künstler nach Kugenuma Fujisawa in der Gegend von Kanagawa. Er begann
studieren Sie die Stile und Techniken nordeuropäischer Renaissance-Künstler wie z
Dürer und Van Dyck. Während dieser Zeit malte er seine berühmte Gemäldeserie von Reikos Tochter,
die fast fotografischen Realismus mit Surrealem verbinden
dekorative Elemente. In den frühen 1920er Jahren interessierte sich Kishida Ryūsei für
Elemente der orientalischen Kunst, insbesondere zu den chinesischen Gemälden „Lieder“ u
"Yuan-Dynastie".

"Porträt von Sanada Hisakichi"

Während des großen Kanto-Erdbebens im Jahr 1923 war Kugenum das Zuhause des Künstlers
zerstört, zog Kishida Ryūsei für kurze Zeit nach Kyoto, danach im Februar
1926 Rückkehr nach Kamakura. In den 1920er Jahren malte der Künstler zahlreich
Artikel zur Ästhetik und Geschichte der japanischen Malerei.

Teetasse Teeschale und drei grüne Äpfel, 1917
Stil: Sezannismus

Stillleben, 1918,
Stil: Sezannismus

Zwei rote Äpfel, Teetasse, Teeschale und eine Flasche, 1918
Stil: Sezannismus

1929 machte Kishida Ryūsei mit Unterstützung der Südmandschurischen Eisenbahn
die einzige Auslandsreise in meinem Leben, die Besuche in Dalian, Harbin und Fengtian
in der Mandschurei. Auf dem Heimweg machte er einen Zwischenstopp in der Stadt Tokuyama, einem Stadtteil
Yamaguchi, wo er plötzlich an einer akuten Selbstvergiftung des Körpers starb. Kishida Ryusei
schuf seine Porträts, Landschaften und Stillleben bis zu seinem frühen Tod im Alter von
38 Jahre. Das Grab der Künstlerin befindet sich auf dem Tama-Reien-Friedhof in Tokio. Nach dem Tod
Kishida Ryūsei zu zwei seiner Gemälde Japanese Government Agency for Cultural Affairs
mit dem Titel „Staatsangehöriger“ ausgezeichnet Kultureller Wert". Im Dezember 2000, einer von
sein Porträt seiner Tochter Reiko mit einem Taschentuch auf den Schultern wurde für 360 Millionen Yen verkauft, was
wurde zum höchsten Preis bei japanischen Gemäldeauktionen.

Die riesige Region, die üblicherweise als Fernost bezeichnet wird, umfasst China, Japan, Korea, die Mongolei und Tibet – Länder, die eine Reihe von Ähnlichkeiten, aber gleichzeitig erhebliche Unterschiede in der Kultur aufweisen.

Alle Länder des Fernen Ostens wurden von den alten Zivilisationen Chinas und Indiens beeinflusst, wo bereits im 1. Jahrtausend v. Chr. philosophische und religiöse Lehren entstanden, die den Grundstein für das Konzept der Natur als umfassenden Kosmos legten – ein lebendiger und vergeistigter Organismus, der nach seinen eigenen Gesetzen lebt. Die Natur stand im Mittelpunkt der philosophischen und künstlerischen Forschungen des gesamten Mittelalters, und ihre Gesetze galten als universell und bestimmten das Leben und die Beziehungen der Menschen. Die innere Welt des Menschen wurde mit den vielfältigen Erscheinungsformen der Natur verglichen. Dies beeinflusste die Entwicklung der symbolischen Methode in der bildenden Kunst und definierte ihre allegorische poetische Sprache. In China, Japan und Korea wurden unter dem Einfluss einer solchen Einstellung zur Natur Kunstarten und -gattungen gebildet, architektonische Ensembles errichtet, die eng mit der umgebenden Landschaft verbunden sind, Gartenkunst und schließlich war da der Beginn der Landschaftsmalerei. Unter dem Einfluss der alten indischen Zivilisation begann sich der Buddhismus auszubreiten, und der Hinduismus begann sich auch in der Mongolei und in Tibet auszubreiten. Diese religiösen Systeme brachten nicht nur neue Ideen in die Länder des Fernen Ostens, sondern wirkten sich auch direkt auf die Entwicklung der Kunst aus. Dank des Buddhismus tauchte in allen Ländern der Region eine bis dahin unbekannte neue künstlerische Sprache der Bildhauerei und Malerei auf, es entstanden Ensembles, deren charakteristisches Merkmal das Zusammenspiel von Architektur und bildender Kunst war.

Merkmale des Bildes buddhistischer Gottheiten in Skulptur und Malerei entwickelten sich über viele Jahrhunderte zu einer besonderen Symbolsprache, die Vorstellungen über das Universum, moralische Gesetze und das Schicksal des Menschen ausdrückte. So wurden die kulturellen Erfahrungen und spirituellen Traditionen vieler Völker gefestigt und bewahrt. Die Bilder der buddhistischen Kunst verkörperten die Ideen der Konfrontation zwischen Gut und Böse, Barmherzigkeit, Liebe und Hoffnung. All diese Qualitäten bestimmten die Originalität und universelle Bedeutung der herausragenden Schöpfungen der fernöstlichen Kunstkultur.

Japan liegt auf den Inseln des Pazifischen Ozeans und erstreckt sich entlang der Ostküste des asiatischen Festlandes von Nord nach Süd. Japanische Inseln befindet sich in einem Gebiet, das häufig Erdbeben und Taifune ausgesetzt ist. Die Bewohner der Inseln sind es gewohnt, ständig auf der Hut zu sein, sich mit einem bescheidenen Leben zufrieden zu geben und ihre Häuser und Haushalte nach Naturkatastrophen schnell wieder aufzubauen. Trotz der natürlichen Elemente, die das Wohlergehen der Menschen ständig bedrohen, spiegelt die japanische Kultur den Wunsch nach Harmonie mit der Außenwelt wider, die Fähigkeit, die Schönheit der Natur im Großen und im Kleinen zu sehen.

In der japanischen Mythologie galten die göttlichen Ehegatten Izanagi und Izanami als die Vorfahren von allem auf der Welt. Von ihnen stammt eine Triade großer Götter ab: Amaterasu – die Göttin der Sonne, Tsukiyomi – die Göttin des Mondes und Susanoo – der Gott des Sturms und des Windes. Nach den Vorstellungen der alten Japaner hatten die Gottheiten keine sichtbare Erscheinung, sondern waren in der Natur selbst verkörpert – nicht nur in Sonne und Mond, sondern auch in Bergen und Felsen, Flüssen und Wasserfällen, Bäumen und Gräsern, die wurden als Geister-Kami verehrt (slowakisch in der Übersetzung aus dem Japanischen bedeutet göttlicher Wind). Diese Vergöttlichung der Natur hielt während des gesamten Mittelalters an und wurde Shinto genannt - der Weg der Götter - und wurde zur japanischen Nationalreligion; Europäer nennen es Shinto. Die Ursprünge der japanischen Kultur liegen in der Antike. Die frühesten Kunstwerke stammen aus dem 4. bis 2. Jahrtausend v. Die längste und fruchtbarste für die japanische Kunst war die Zeit des Mittelalters (6....19. Jahrhundert).

Das Design eines traditionellen japanischen Hauses, das im 17.-18. Jahrhundert entwickelt wurde. Es ist ein Holzrahmen mit drei beweglichen und einer festen Wand. Die Wände haben keine tragenden Funktionen, können also auseinander bewegt oder sogar entfernt werden und dienen gleichzeitig als Fenster. In der warmen Jahreszeit waren die Wände eine Gitterstruktur, beklebt mit durchscheinendem Papier, das das Licht durchließ, und in der kalten und regnerischen Jahreszeit wurden sie verkleidet oder durch Holzpaneele ersetzt. Bei hoher Luftfeuchtigkeit im japanischen Klima muss das Haus von unten belüftet werden. Daher ist es um 60 cm über dem Bodenniveau erhöht.Um die Stützpfeiler vor dem Verfall zu schützen, wurden sie auf Steinfundamenten installiert.

Der leichte Holzrahmen hatte die nötige Flexibilität, was die zerstörerische Kraft des Stoßes bei häufigen Erdbeben im Land reduzierte. Das Dach, Ziegel oder Schilf, hatte große Vordächer, die die Papierwände des Hauses vor Regen und der sengenden Sommersonne schützten, aber das schwache Sonnenlicht im Winter, frühen Frühling und späten Herbst nicht zurückhielten. Unter dem Baldachin des Daches befand sich eine Veranda.

Der Boden der Wohnzimmer war mit Matten ausgelegt – Tatami-Matten, auf denen sie meistens saßen, nicht standen. Daher wurden alle Proportionen des Hauses auf eine sitzende Person ausgerichtet. Da es im Haus keine festen Möbel gab, schliefen sie auf dem Boden, auf speziellen dicken Matratzen, die tagsüber in den Schränken verstaut waren. Sie aßen, auf Matten sitzend, an niedrigen Tischen, sie bedienten auch verschiedene Berufe. Mit Papier oder Seide bezogene verschiebbare Innenwände konnten die Innenräume je nach Bedarf unterteilen, was eine vielfältigere Nutzung ermöglichte, jedoch war es unmöglich, dass sich jeder seiner Bewohner vollständig in das Haus zurückzog, was sich auf das Innere auswirkte -Familienbeziehungen in der japanischen Familie und im allgemeineren Sinne - über die Merkmale des nationalen Charakters der Japaner. Wichtiges Detail zu Hause - eine Nische in der Nähe einer festen Wand - Tokonama, wo ein Bild hängen könnte oder eine Blumenkomposition - Ikebana könnte stehen. Es war das spirituelle Zentrum des Hauses. In der Dekoration der Nische manifestierten sich die individuellen Qualitäten der Bewohner des Hauses, ihr Geschmack und ihre künstlerischen Neigungen.

Eine Fortsetzung des traditionellen japanischen Hauses war ein Garten. Er spielte die Rolle eines Zauns und schloss gleichzeitig das Haus mit Umfeld. Als die Außenwände des Hauses auseinandergezogen wurden, verschwand die Grenze zwischen dem Innenraum des Hauses und dem Garten und es entstand ein Gefühl der Nähe zur Natur, eine direkte Kommunikation mit ihr. Es war wichtiges Merkmal Nationalgefühl. Die japanischen Städte wuchsen jedoch, die Größe des Gartens nahm ab, oft wurde er durch eine kleine symbolische Komposition aus Blumen und Pflanzen ersetzt, die die gleiche Rolle als Kontakt zwischen der Wohnung und der natürlichen Welt spielte. japanisches mythologiehaus ikebana netsuke

Die Kunst, Blumen in Vasen zu arrangieren – Ikebbna (das Leben der Blumen) – geht auf den alten Brauch zurück, Blumen auf den Altar einer Gottheit zu stellen, der sich mit dem Buddhismus im 6. Jahrhundert nach Japan ausbreitete. Meistens bestand die Komposition im damaligen Stil - Rikka (gepflanzte Blumen) - aus einem Kiefern- oder Zypressenzweig und Lotusblumen, Rosen, Narzissen, die in alten Bronzegefäßen installiert waren.

Mit Entwicklung weltliche Kultur im 10. bis 12. Jahrhundert wurden Blumenarrangements in Palästen und Wohnvierteln von Vertretern der aristokratischen Klasse angebracht. Am kaiserlichen Hof wurden spezielle Wettbewerbe zum Arrangieren von Blumensträußen populär. In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts entstand eine neue Richtung in der Ikebana-Kunst, deren Begründer der Meister Ikenobo Sen'ei war. Die Werke der Ikenobo-Schule zeichneten sich durch ihre besondere Schönheit und Raffinesse aus, sie wurden auf Hausaltären installiert und als Geschenke überreicht. Im 16. Jahrhundert wurde mit der Verbreitung von Teezeremonien eine besondere Art von Ikebana gebildet, um die Tokonoma-Nische im Teepavillon zu schmücken. Die Forderung nach Schlichtheit, Harmonie, zurückhaltender Farbigkeit, die sich allen Gegenständen des Teekults stellt, erstreckte sich auch auf die Gestaltung von Blumen – Tyabana (Ikebana für die Teezeremonie). Der berühmte Teemeister Senno Rikyu schuf einen neuen, freieren Stil - Nageire (nachlässig platzierte Blumen), obwohl gerade in der scheinbaren Unordnung die besondere Komplexität und Schönheit der Bilder dieses Stils bestand. Eine der Nageire-Arten war die sogenannte Tsuribana, bei der die Pflanzen in einem hängenden Gefäß in Form eines Bootes platziert wurden. Solche Kompositionen wurden einer Person angeboten, die ein Amt antrat oder die Schule abschloss, da sie symbolisierten, „auf das offene Meer des Lebens zu gehen“. Im 17. bis 19. Jahrhundert verbreitete sich die Kunst des Ikebana, und es entstand ein Brauch für die obligatorische Ausbildung von Mädchen in der Kunst der Herstellung von Blumensträußen. Aufgrund der Popularität von Ikebana wurden die Kompositionen jedoch vereinfacht, und die strengen Regeln von Stylerikka mussten zugunsten von Nageire aufgegeben werden, woraus ein weiterer neuer Stil von Seika oder Shoka (lebende Blumen) hervorging. Ende des 19. Jahrhunderts schuf der Meister Ohara Usin den Moribana-Stil, dessen Hauptinnovation darin bestand, dass die Blumen in breiten Gefäßen platziert wurden.

In der Komposition von Ikebana gibt es in der Regel drei obligatorische Elemente, die die drei Prinzipien bezeichnen: Himmel, Erde und Mensch. Sie können als Blume, Zweig und Gras verkörpert sein. Ihr Verhältnis zueinander u zusätzliche Elemente schafft Werke unterschiedlichen Stils und Inhalts. Die Aufgabe des Künstlers besteht nicht nur darin, eine schöne Komposition zu schaffen, sondern darin auch seine eigenen Gedanken über das Leben eines Menschen und seinen Platz in der Welt am besten zu vermitteln. Die Werke herausragender Ikebana-Meister können Hoffnung und Traurigkeit, spirituelle Harmonie und Traurigkeit ausdrücken.

Gemäß der Tradition im Ikebana wird die Jahreszeit notwendigerweise reproduziert, und die Kombination von Pflanzen bildet symbolische gute Wünsche, die in Japan bekannt sind: Kiefer und Rose - Langlebigkeit; Pfingstrose und Bambus - Wohlstand und Frieden; Chrysantheme und Orchidee - Freude; Magnolie - spirituelle Reinheit usw.

Miniaturskulptur - Netsuke wurde im 18. und 19. Jahrhundert als eine der Arten von Kunst und Kunsthandwerk weit verbreitet. Sein Aussehen ist darauf zurückzuführen, dass die japanische Nationaltracht - Kimono - keine Taschen hat und alle notwendigen Kleinteile (Pfeife, Beutel, Medikamentenbox) mit einem Gegengewichtsschlüsselbund am Gürtel befestigt sind. Netsuke hat also zwangsläufig ein Loch für eine Schnur, mit deren Hilfe das gewünschte Objekt daran befestigt wird. Früher wurden Schlüsselanhänger in Form von Stäbchen und Knöpfen verwendet, aber seit dem Ende des 18. Jahrhunderts haben bereits bekannte Meister an der Herstellung von Netsuke gearbeitet und den Werken ihre Handschrift verliehen.

Netsuke ist die Kunst der urbanen Klasse, der Masse und der Demokraten. Gemäß den Netsuke-Plots kann man die spirituellen Bedürfnisse, alltäglichen Interessen, Sitten und Bräuche der Stadtbewohner beurteilen. Sie glaubten an Geister und Dämonen, die oft in Miniaturskulpturen dargestellt wurden. Sie liebten die Figuren der „sieben Glücksgötter“, von denen die beliebtesten der Reichtumsgott Daikoku und der Glücksgott Fukuroku waren. Die ständigen Handlungen des Netsuke waren die folgenden: eine gerissene Aubergine mit vielen Samen darin - ein Wunsch nach einem großen männlichen Nachwuchs, zwei Enten - ein Symbol Familienglück. Eine große Anzahl von Netsuke widmet sich alltäglichen Themen und dem täglichen Leben der Stadt. Dies sind wandernde Schauspieler und Zauberer, Straßenverkäufer, Frauen, die verschiedenen Aktivitäten nachgehen, wandernde Mönche, Wrestler, sogar die Holländer in ihrer aus japanischer Sicht exotischen Kleidung - breitkrempige Hüte, Mieder und Hosen. Netsuke zeichnete sich durch thematische Vielfalt aus und behielt seine ursprüngliche Funktion als Schlüsselring bei, und dieser Zweck diktierte den Handwerkern eine kompakte Form ohne zerbrechliche hervorstehende Details, abgerundet und angenehm anzufassen. Damit hängt auch die Materialwahl zusammen: nicht sehr schwer, langlebig, aus einem Stück bestehend. Die gängigsten Materialien waren verschiedene Holzarten, Elfenbein, Keramik, Lack und Metall.

Die japanische Malerei ist nicht nur inhaltlich, sondern auch formal sehr vielfältig: Das sind Wandmalereien, Siebbilder, vertikale und horizontale Schriftrollen, ausgeführt auf Seide und Papier, Albumblätter und Fächer.

UM alte Malerei kann nur anhand von Referenzen in schriftlichen Dokumenten beurteilt werden. Die frühesten erhaltenen herausragenden Werke stammen aus der Heian-Zeit (794-1185). Dies sind Illustrationen des berühmten „The Tale of Prince Genji“ des Schriftstellers Murasaki Shikibu. Die Illustrationen wurden auf mehreren horizontalen Schriftrollen erstellt und mit Text ergänzt. Sie werden dem Pinsel des Künstlers Fujiwara Takayoshi (erste Hälfte des 12. Jahrhunderts) zugeschrieben.

Ein charakteristisches Merkmal der Kultur dieser Zeit, das von einem ziemlich engen Kreis der Aristokratenklasse geschaffen wurde, war der Kult der Schönheit, der Wunsch, in allen Manifestationen des materiellen und spirituellen Lebens ihren inhärenten Charme zu finden, manchmal schwer fassbar und schwer fassbar. Die Malerei jener Zeit, die später Yamato-e (wörtlich japanische Malerei) genannt wurde, vermittelte keine Handlung, sondern einen Geisteszustand. Als die harten und mutigen Vertreter der Militärklasse an die Macht kamen, begann die Kultur der Heian-Ära zu verfallen. In der Malerei auf den Schriftrollen wurde das narrative Prinzip festgelegt: Dies sind Legenden über Wunder voller dramatischer Episoden, Biografien von Predigern des buddhistischen Glaubens, Szenen von Kriegerkämpfen. Im 14.-15. Jahrhundert begann sich unter dem Einfluss der Lehren der Zen-Sekte mit ihrer besonderen Aufmerksamkeit für die Natur die Landschaftsmalerei zu entwickeln (zunächst unter dem Einfluss chinesischer Vorbilder).

Eineinhalb Jahrhunderte lang beherrschten japanische Künstler das chinesische Kunstsystem und machten die monochrome Landschaftsmalerei zum Eigentum der nationalen Kunst. Ihre höchste Blüte ist mit dem Namen des herausragenden Meisters Toyo Oda (1420...1506), besser bekannt unter dem Pseudonym Sesshu, verbunden. In seinen Landschaften gelang es ihm, mit nur feinsten Schwarztönen die ganze Vielfarbigkeit der Natur und ihrer unzähligen Zustände wiederzugeben: die feuchtigkeitsgesättigte Atmosphäre des frühen Frühlings, den unsichtbaren, aber spürbaren Wind und kalten Herbstregen, das Reglose Stille des Winters.

Das 16. Jahrhundert eröffnet die Ära der sogenannten Spätmittelalter dauert dreieinhalb Jahrhunderte. Zu dieser Zeit verbreiteten sich Wandmalereien, die die Paläste der Landesherren und großen Feudalherren schmückten. Einer der Begründer der neuen Richtung in der Malerei war der berühmte Meister Kano Eitoku, der in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts lebte. Der Holzstich (Xylographie), der im 18.-19. Jahrhundert seine Blütezeit erlebte, wurde zu einer weiteren Art der bildenden Kunst des Mittelalters. Das Gravieren wurde wie die Genremalerei Ukiyo-e (Bilder der Alltagswelt) genannt. Neben dem Künstler, der die Zeichnung erstellt und seinen Namen auf das fertige Blatt geschrieben hat, wurde die Gravur von einem Schnitzer und einem Drucker erstellt. Zunächst war die Gravur monophon, sie wurde vom Künstler selbst oder vom Käufer von Hand gemalt. Dann wurde der Zweifarbendruck erfunden und 1765 verwendete der Künstler Suzuki Harunobu (1725-1770) erstmals den Mehrfarbendruck. Dazu legte der Schnitzer ein Pauspapier mit einem Muster auf ein speziell präpariertes längsgesägtes Brett (aus Birne, Kirsche oder japanischem Buchsbaum) und schnitt je nach Farbgebung der Gravur die benötigte Anzahl bedruckter Bretter aus. Manchmal waren es mehr als 30. Danach machte der Drucker, der die richtigen Farbtöne auswählte, Drucke auf Spezialpapier. Seine Fähigkeit bestand darin, eine genaue Übereinstimmung der Konturen jeder Farbe zu erreichen, die von verschiedenen Holzbrettern erhalten wurde. Alle Gravuren wurden in zwei Gruppen unterteilt: theatralisch, die japanische Schauspieler darstellten. klassisches Theater Kabuki in verschiedenen Rollen und Alltag, gewidmet dem Bild von Schönheiten und Szenen aus ihrem Leben. Der berühmteste Meister der Theaterdrucke war Toshushai Syaraku, der Nahaufnahme porträtierte die Gesichter der Schauspieler und betonte die Merkmale der Rolle, die sie spielten, Charakterzüge eine Person, die als Figur in einem Stück wiedergeboren wird: Wut, Angst, Grausamkeit, Betrug.

So herausragende Künstler wie Suzuki Harunobu und Kitagawa Utamaro wurden in der Alltagsgravur berühmt. Utamaro war der Schöpfer weibliche Bilder Verkörperung des nationalen Schönheitsideals. Seine Heldinnen scheinen für einen Moment erstarrt zu sein und setzen nun ihre sanfte, anmutige Bewegung fort. Aber diese Pause ist der ausdrucksstärkste Moment, in dem die Neigung des Kopfes, die Geste der Hand, die Silhouette der Figur die Gefühle vermitteln, in denen sie leben.

Der berühmteste Graveur war der brillante Künstler Katsushika Hokusai (1776-1849). Hokusais Werk basiert auf der jahrhundertealten Bildkultur Japans. Hokusai fertigte über 30.000 Zeichnungen an und illustrierte etwa 500 Bücher. Bereits siebzig Jahre alt, schuf Hokusai eines der bedeutendsten Werke - eine Serie von "36 Views of Fuji", die ihn mit den herausragendsten Künstlern der Weltkunst auf eine Stufe stellen lässt. Hokusai zeigt den Berg Fuji – das Nationalsymbol Japans – von verschiedenen Orten und offenbart zum ersten Mal das Bild des Mutterlandes und das Bild der Menschen in ihrer Einheit. Der Künstler sah das Leben als einen einzigen Prozess in all seiner Vielfalt an Erscheinungsformen, die von den einfachen Gefühlen eines Menschen über seine täglichen Aktivitäten bis hin zum Ende reichten umgebende Natur mit seinen Elementen und seiner Schönheit. Die Arbeit von Hokusai, die die jahrhundertealte Erfahrung der Kunst seines Volkes aufnahm, ist der letzte Höhepunkt in künstlerische Kultur mittelalterlichen Japan, sein bemerkenswertes Ergebnis.

Japan zeichnete sich schon immer durch seine ehrfürchtige Haltung gegenüber der Bewahrung und Reproduktion seiner alten Traditionen aus, und diese bemerkenswerte Eigenschaft macht das Land aus aufgehende Sonne ein einzigartiger Ort, an dem moderne Innovationen harmonisch mit jahrhundertealten kulturellen Traditionen im Leben der gewöhnlichen Japaner kombiniert werden.

Wenn Sie schon einmal in Japan waren, sind Sie zweifellos schon auf rote und schwarze Suppentassen, Tabletts, Essstäbchen und mehr gestoßen. lackierte Objekte(Ihre Gegenstücke von eher geringer Qualität finden Sie in unserem Land). Die Lackkunst ist eines der traditionellen japanischen Handwerke, die ihren Ursprung in der Antike haben – die ersten Produkte wurden in Japan bereits in der Jomon-Zeit (14.000–300 v. Chr.) entdeckt – und bis heute überlebt haben. In der Neuzeit wurden japanische Lackwaren aktiv exportiert und wurden zu einer Art "Marke" des Landes - es ist kein Zufall, dass das Wort "Japan" in der westlichen Welt eine zweite Bedeutung erhielt - "Lack, Lackwaren, Lack auftragen".

Japanischer Lack ist organische Materie Hergestellt aus dem Saft des Urushi-Baums (漆), der durch Kratzen des Baums gewonnen wird. Der resultierende Lack wird auch genannt. Es wird angenommen, dass dieses Wort von zwei anderen japanischen Wörtern stammt: uruwashii (麗しい), was "schön, schön" bedeutet, und uruosu (潤す), was "befeuchten" bedeutet. Die Hieroglyphe Urushi selbst hat im Gegensatz zu anderen Baumnamen, die mit dem Schlüssel „Baum“ [木] (桜 – Sakura, 梅 – Pflaume, 松 – Kiefer usw.) geschrieben werden, den Schlüssel „Wasser“ [氵], was betont, dass dieser Baum wegen des Wassers, also des darin enthaltenen Saftes, mehr geschätzt wird. Auf Japanisch werden Lackwaren Shikki (漆器: 漆 „Lack, Lackholz“ + 器 „Werkzeug, Zubehör“) oder Nurimono (塗物: 塗る „auftragen, malen“ + 物 „Ding, Gegenstand“) genannt.

Der ausgehärtete Lack bildet eine wasserabweisende Schutzschicht, die das Objekt vor Fäulnis bewahrt und es weniger anfällig für Angriffe durch Säuren, Laugen, Salze und Alkohol macht. Als Material für Produkte werden Holz (das gebräuchlichste Material), Leder, Papier, Keramik, Glas, Metall und sogar Kunststoff verwendet. Es gibt viele Möglichkeiten, Lackwaren herzustellen und zu dekorieren. Lassen Sie uns heute ein wenig über die berühmtesten Arten dieses japanischen Handwerks sprechen.

Ouchi-Lackwaren

Die Ouchi-Lackkunst entstand in der Präfektur Yamaguchi (山口県) durch die Bemühungen des Kriegsherrn Ouchi Hiroyo (1325-1380). In dem Bemühen, seinen Besitz in eine Art Hauptstadt der damaligen Zeit, Kyoto (京都), zu verwandeln, lud er aktiv verschiedene Meister und Handwerker ein, was zu einer Kombination der Fähigkeiten und Ideen der Kyoto-Handwerker führte lokale Traditionen brachte eine neue einzigartige Kultur hervor.

Kishu-Lackwaren

Etwa im 14.-16. Jahrhundert. Buddhistische Mönche im Negoroji-Tempel (in der Gegend der modernen Stadt Iwade (岩出市), Präfektur Wakayama (和歌山県) begannen mit der Herstellung von Gebrauchslackwaren - Essstäbchen, Tabletts, Schalen sowie einer religiösen Kult - Gegenstände für Gebete und Mantras Da ihre Verarbeitung nicht perfekt war, waren an manchen Stellen Flecken auf den fertigen Gegenständen. besonderen Stil Produkte hieß Negoro. Im 17. Jahrhundert wurden mit Unterstützung der Behörden des Fürstentums Kishu die Lackarbeiten der Mönche berühmt, und ihnen wurde der Name dieses Gebiets zugeschrieben.

Lackierte Wakasa-Sticks

Diese lackierten Küchenutensilien werden in Obama City (小浜市), Präfektur Fukui (福井県) hergestellt. Mehr als 80 % aller lackierten Essstäbchen in Japan werden hier produziert. Solche Zauberstäbe von außergewöhnlicher Schönheit und Anmut sind ein beliebtes Hochzeitsgeschenk im Land der aufgehenden Sonne.

Odawara-Lackwaren

Präfektur Kanagawa (神奈川県). Diese Art der Lackkunst geht auf die Kamakura-Zeit (1185-1333) zurück, als der starke und einflussreiche Hojo-Clan die Entwicklung des Handwerks aktiv förderte und die Stadt Odawara (小田原市) zu einem Zentrum der Lackherstellung machte. In der Edo-Zeit (1603-1868) wurde eine große Anzahl solcher Produkte nach Edo (heutiges Tokio) exportiert – Schalen, Tabletts und sogar lackierte Rüstungen.

Kagawa-Lackwaren

Präfektur Kagawa (香川県). 1638 kam Daimyo Yorishige Matsudaira nach der Ernennung zum Shogunat an diese Orte. Er zeichnete sich durch seine Liebe zu Lackwaren und Skulpturen aus, und so begann er, diese Arten von Kunsthandwerk in seinem Bereich zu entwickeln. Zwei Jahrhunderte später wurden Kagawa-Lackwaren dank der Arbeit des Meisters Tsukoku Tamakaji (1807-1869) im ganzen Land berühmt. Die Verwendung spezieller Schleif- und Poliermethoden verleiht den Produkten eine außergewöhnliche Brillanz.

Wajima-Lackwaren

Präfektur Ishikawa (石川県). Das älteste erhaltene Beispiel dieser Art von Kunst ist das lackierte Tor des Shigezo-Tempels in der Stadt Wajima (輪島市), das um 1397 erbaut wurde. Während der Edo-Zeit (1603-1868) wurde Zinoko-Pulver aus zerkleinertem gebranntem Ton erfunden, das diese Lackwaren unglaublich langlebig machte, was ihre Nachfrage in der Bevölkerung stark beeinflusste.

Aizu-Lackwaren

Aizu-Ware ist eine der traditionellen Künste der Präfektur Fukushima (福島県). Das Erscheinen dieses Handwerks geht auf das Jahr 1590 zurück, als der örtliche Feudalherr Gamo Ujisato begann, Meister aus seinen früheren Besitztümern einzuberufen und sie dann weitergab neueste Technik Handwerk dieser Zeit. Dadurch wurde Aizu einer der größten Hersteller von Lackwaren. Die Ausweitung der Produktion führte zu der Möglichkeit, Produkte nach China und Holland zu exportieren, was die Region in anderen Ländern verherrlichte.

Tsugaru-Lackwaren

Tsugaru ist der Name des westlichen Teils der Präfektur Aomori (青森県). Die Tsugaru-Lackkunst entstand im 17. und 18. Jahrhundert, als die industrielle Entwicklung in den Städten während der Edo-Zeit gefördert wurde. Der Tsugaru-Stil entstand aus diesem Aufschwung, als die Handwerker und Kunsthandwerker der Gegend Impulse und Gelegenheiten erhielten, ihre Fähigkeiten weiterzuentwickeln. Bei der Herstellung von Produkten wird auch heute noch auf die vor über 300 Jahren angewandte Methode zurückgegriffen.

Wir haben uns einige der Hauptstile der japanischen Lackkunst angesehen. Zweifellos gibt es noch viel mehr davon, und viele werden mit neuen Techniken ergänzt und verbessert.

Das japanische Handwerk der Herstellung von Lackwaren hat seinen Ursprung in der Antike und hat sich bis heute erhalten und ist eine der elegantesten, harmonischsten und spektakulärsten Arten von Kunst und Kunsthandwerk der Welt. Dies ist eine der kulturellen Traditionen, ohne deren Berücksichtigung wir die Vision der Welt, die ästhetischen Prinzipien und den Charakter des japanischen Volkes nicht vollständig wahrnehmen können.

Für einen Laien kann es anfangs schwierig sein, alle Arten von Lackwaren zu verstehen. Daher ist es besser, in den Geschäften, in denen sie verkauft werden, herumzulaufen, sie live anzusehen, mit dem Verkäufer zu chatten und, wenn Sie etwas für sich und Ihre Freunde als Geschenk kaufen möchten, einen Artikel nach Ihrem Geschmack auszuwählen.

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