Das Geheimnis der Größe der Hauptwerke der japanischen Kunst. Die Entwicklung der japanischen Malerei

Mit diesem Artikel beginne ich eine Reihe von Artikeln über die Geschichte des Japanischen bildende Kunst. Diese Beiträge konzentrieren sich hauptsächlich auf die Malerei ab der Heian-Zeit, und dieser Artikel ist eine Einführung und beschreibt die Entwicklung der Kunst bis zum 8. Jahrhundert.

Jōmon-Zeit
Die japanische Kultur hat sehr alte Wurzeln – die frühesten Funde stammen aus dem 10. Jahrtausend vor Christus. e. aber offiziell wird der Beginn der Jomon-Zeit auf 4500 v. Chr. geschätzt. e. Über diese Zeit Nekokit hat einen sehr guten Beitrag geschrieben.
Die Einzigartigkeit von Jemon-Keramik besteht darin, dass normalerweise das Erscheinen von Keramik zusammen mit der Entwicklung der Landwirtschaft auf den Beginn der Jungsteinzeit hinweist. Doch schon im Mesolithikum, mehrere tausend Jahre vor dem Aufkommen der Landwirtschaft, stellten Jomon-Jäger und -Sammler Töpferwaren von ziemlich komplizierter Form her.

Trotz des sehr frühen Auftauchens von Töpferwaren entwickelten die Menschen der Jomon-Ära die Technologie sehr langsam und blieben auf dem Niveau der Steinzeit.

Während der mittleren Jōmon-Zeit (2500-1500 v. Chr.) erschienen Keramikfiguren. Aber sowohl in der mittleren als auch in der späten (1000-300 v. Chr.) Periode bleiben sie abstrakt und stark stilisiert.

Von Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Jomon-Periode, 1000–400 v.
Nationalmuseum Tokio

Übrigens glauben Ufologen, dass dies Bilder von Außerirdischen sind. In diesen Figuren sehen sie Raumanzüge, Schutzbrillen und Sauerstoffmasken auf ihren Gesichtern, und die Bilder von Spiralen auf den "Raumanzügen" gelten als Karten von Galaxien.

Yayoi-Zeit
Yayoi ist eine kurze Periode in der japanischen Geschichte, die von 300 v. Chr. bis 300 n. Chr. dauerte, während der die dramatischsten kulturellen Veränderungen in der japanischen Gesellschaft stattfanden. Während dieser Zeit brachten die Stämme, die vom Festland kamen und die indigene Bevölkerung der japanischen Inseln verdrängten, ihre Kultur und neue Technologien wie Reisanbau und Bronzeverarbeitung mit. Auch hier wurde der größte Teil der Kunst und Technologie der Yayoi-Zeit aus Korea und China importiert.

Kofun-Zeit
Zwischen 300 und 500 Jahren wurden Stammesführer in Hügeln begraben, die "Kofun" genannt wurden. Dieser Zeitraum wird mit diesem Namen bezeichnet.

Dinge, die die Toten brauchen könnten, wurden in die Gräber gelegt. Dies sind Lebensmittel, Werkzeuge und Waffen, Schmuck, Töpferwaren, Spiegel und die interessantesten - Tonfiguren namens "Haniwa".

Von Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Kofun-Zeit, 6. Jahrhundert.
Nationalmuseum Tokio

Der genaue Zweck der Figuren bleibt unbekannt, aber sie sind in allen Begräbnisstätten der Kofun-Ära zu finden. Anhand dieser kleinen Figuren kann man sich vorstellen, wie die Menschen damals gelebt haben, da Menschen mit Werkzeugen und Waffen und manchmal neben Häusern dargestellt sind.

Diese von chinesischen Traditionen beeinflussten Skulpturen haben eigenständige Elemente, die nur der lokalen Kunst innewohnen.

Tänzerin, westliche Han-Dynastie (206 v. Chr. – 9 n. Chr.), 2. Jahrhundert v.
China
Metropolitan Museum of Art, New York

Während der Kofun-Zeit werden die Figuren raffinierter und immer unterschiedlicher. Dies sind Bilder von Soldaten, Jägern, Sängern, Tänzern und so weiter.

Aus Nohara, Konan-machi, Saitama Gegenwart H. 64.2, 57.3.
Kofun-Zeit, 6. Jahrhundert.
Nationalmuseum Tokio

Es gibt noch ein weiteres Merkmal dieser Skulpturen. Haniva repräsentiert nicht nur eine soziale Funktion, sondern auch die Stimmung der Figur. Ein Krieger zum Beispiel hat einen strengen Gesichtsausdruck. und auf den Gesichtern der Bauern breites Lächeln.

Von Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130.5.
Kofun-Zeit, 6. Jahrhundert.
Nationalmuseum Tokio

Asuka-Zeit
Seit der Yayoi-Zeit ist die japanische bildende Kunst untrennbar mit der koreanischen oder verbunden Chinesische Kunst. Dies wird am deutlichsten im siebten und achten Jahrhundert, als sich die japanische Kunst schnell zu einer Vielzahl visueller Genres entwickelte.

Im 6. Jahrhundert fanden grundlegende Veränderungen in der japanischen Gesellschaft statt: Der erste japanische Staat Yamato nahm schließlich Gestalt an, und 552 kam auch der Buddhismus nach Japan, der buddhistische Skulpturen und das Konzept eines Tempels mit sich brachte, das das Erscheinen verursachte der Tempel in Japan - sowohl als Shinto als auch als Buddhist.
Shinto-Schreine folgten der Architektur von Getreidespeichern (Die frühesten Shinto-Schreine waren Getreidespeicher, in denen Erntefeiern abgehalten wurden. Während ritueller Feste glaubten die Menschen, dass die Götter mit ihnen feierten.)
Shinto-Götter - in erster Linie Naturkräfte so dass die Architektur dieser Schreine in die Natur wie Flüsse und Wälder integriert ist. Das ist wichtig zu verstehen. In der Shinto-Architektur sollten von Menschenhand geschaffene Strukturen Erweiterungen der natürlichen Welt sein.

Der erste buddhistische Tempel, Shitennoji, wurde erst 593 in Osaka gebaut. Diese frühen Tempel waren Nachahmungen koreanischer buddhistischer Tempel und bestanden aus einer zentralen Pagode, die von drei Gebäuden und einem überdachten Korridor umgeben war.

Die Verbreitung des Buddhismus erleichterte Kontakte zwischen Japan und Korea mit China und die Integration der chinesischen Kultur in die japanische Kultur.

Japan? Wie hat es sich entwickelt? Diese und weitere Fragen beantworten wir im Artikel. Die japanische Kultur entstand als Ergebnis einer historischen Bewegung, die begann, als die Japaner vom Festland auf den Archipel zogen und die Zivilisation der Jomon-Zeit geboren wurde.

Europa, Asien (insbesondere Korea und China) und Nordamerika haben die aktuelle Aufklärung dieses Volkes stark beeinflusst. Eines der Zeichen der japanischen Kultur ist ihre lange Entwicklung in der Ära der völligen Isolation des Staates (Sakoku-Politik) von allen anderen Ländern während der Herrschaft des Tokugawa-Shogunats, die bis Mitte des 19 Meiji-Ära.

Beeinflussen

Wie hast Kunstkultur Japan? Die Zivilisation wurde maßgeblich durch die isolierte regionale Lage des Landes, klimatisch u geographische Merkmale, sowie Naturphänomene (Taifune und häufige Erdbeben). Dies drückte sich in der außergewöhnlichen Einstellung der Bevölkerung zur Natur als Lebewesen aus. Besonderheit Volkscharakter Japanisch ist die Fähigkeit, die aktuelle Schönheit des Universums zu bewundern, die sich in vielen Arten von Kunst in einem kleinen Land ausdrückt.

Die künstlerische Kultur Japans entstand unter dem Einfluss von Buddhismus, Shintoismus und Konfuzianismus. Dieselben Trends beeinflussten seine weitere Entwicklung.

Antike

Stimmen Sie zu, die künstlerische Kultur Japans ist großartig. Der Shintoismus hat seine Wurzeln in der Antike. Obwohl der Buddhismus vor unserer Zeitrechnung auftauchte, begann er sich erst ab dem fünften Jahrhundert auszubreiten. Die Heian-Periode (8.-12. Jahrhundert) gilt als das goldene Zeitalter der japanischen Staatlichkeit. Zur gleichen Zeit erreichte die malerische Kultur dieses Landes ihren Höhepunkt.

Der Konfuzianismus entstand im 13. Jahrhundert. Zu diesem Zeitpunkt gab es eine Trennung der Philosophie des Konfuzius und des Buddhismus.

Hieroglyphen

Das Bild der künstlerischen Kultur Japans ist in einer einzigartigen Versschrift verkörpert, die den Titel trägt. In diesem Land ist auch die Kunst der Kalligrafie hoch entwickelt, die der Legende nach aus himmlischen Götterbildern entstanden ist. Sie waren es, die der Schrift Leben eingehaucht haben, daher ist die Bevölkerung freundlich zu jedem Zeichen in der Rechtschreibung.

Gerüchten zufolge waren es Hieroglyphen, die die japanische Kultur hervorbrachten, da von ihnen Bilder erschienen, die die Inschrift umgaben. Wenig später wurde eine starke Kombination von Elementen der Malerei und Poesie in einem Werk beobachtet.

Wenn Sie eine japanische Schriftrolle studieren, werden Sie feststellen, dass das Werk zwei Arten von Symbolen enthält. Dies sind Schriftzeichen - Siegel, Gedichte, Kolofen sowie malerisch. Gleichzeitig gewann das Kabuki-Theater große Popularität. Eine andere Art von Theater – aber – wird vor allem von Militärangehörigen bevorzugt. Ihre Strenge und Grausamkeit hatte einen starken Einfluss auf Nr.

Malen

Die künstlerische Kultur wurde von vielen Spezialisten untersucht. Eine große Rolle bei seiner Entstehung spielte die Kaiga-Malerei, was auf Japanisch Zeichnen oder Malen bedeutet. Diese Kunst gilt als die älteste Malerei des Landes, die durch eine Vielzahl von Lösungen und Formen bestimmt ist.

Darin nimmt die Natur einen besonderen Platz ein, der das heilige Prinzip bestimmt. Die Aufteilung der Malerei in Sumi-e und Yamato-e besteht seit dem zehnten Jahrhundert. Der erste Stil entwickelte sich näher am 14. Jahrhundert. Es ist eine Art monochromes Aquarell. Yamato-e sind horizontal gefaltete Schriftrollen, die häufig zur Dekoration literarischer Werke verwendet werden.

Wenig später, im 17. Jahrhundert, erschien im Land der Druck auf Tafeln - Ukiyo-e. Meister stellten Landschaften, Geishas, Berühmte Schauspieler das Kabuki-Theater. Diese Art der Malerei im 18. Jahrhundert hatte einen starken Einfluss auf die Kunst Europas. Der aufkommende Trend wurde "Japanismus" genannt. Im Mittelalter ging die Kultur Japans über die Grenzen des Landes hinaus - sie wurde weltweit für die Gestaltung stilvoller und modischer Innenräume verwendet.

Kalligraphie

Oh, wie schön ist die künstlerische Kultur Japans! Das Verständnis der Harmonie mit der Natur zeigt sich in jedem seiner Segmente. Was ist moderne japanische Kalligrafie? Es heißt Shodo ("Weg der Benachrichtigungen"). Kalligraphie ist wie das Schreiben eine Pflichtdisziplin. Wissenschaftler haben herausgefunden, dass diese Kunst gleichzeitig mit der chinesischen Schrift entstand.

Übrigens wurde in der Antike die Kultur einer Person nach ihrem Niveau der Kalligrafie beurteilt. Heute gibt es große Nummer Schreibstile und werden von buddhistischen Mönchen entwickelt.

Skulptur

Wie ist die japanische Kultur entstanden? Wir werden die Entwicklung und Art dieses Bereichs des menschlichen Lebens so detailliert wie möglich untersuchen. Die Skulptur ist die älteste Kunstform Japans. In der Antike stellten die Menschen dieses Landes Figuren aus Idolen und Geschirr aus Keramik her. Dann begannen die Menschen, Statuen von Khaniv aus gebranntem Ton auf den Gräbern zu installieren.

Die Entwicklung des bildhauerischen Handwerks in der Moderne Japanische Kultur verbunden mit der Verbreitung des Buddhismus im Staat. Als einer der ältesten Vertreter japanischer Denkmäler gilt die aus Holz gefertigte Statue des Buddha Amitabha, die im Zenko-ji-Tempel aufgestellt ist.

Skulpturen wurden sehr oft aus Balken hergestellt, aber sie sahen sehr reich aus: Die Handwerker bedeckten sie mit Lack, Gold und leuchtenden Farben.

Origami

Magst du die künstlerische Kultur Japans? Das Verständnis der Harmonie mit der Natur wird ein unvergessliches Erlebnis bringen. charakteristisches Merkmal Die japanische Kultur ist zu erstaunlichen Produkten von Origami („gefaltetes Papier“) geworden. Diese Fähigkeit verdankt ihren Ursprung China, wo das Pergament erfunden wurde.

Zunächst wurde "gefaltetes Papier" bei religiösen Zeremonien verwendet. Diese Kunst konnte nur von der Oberschicht studiert werden. Aber nach dem Zweiten Weltkrieg verließ Origami die Häuser der Adligen und fand seine Bewunderer auf der ganzen Welt.

Ikebana

Jeder sollte wissen, was die künstlerische Kultur der Länder des Ostens ist. Japan hat viel Arbeit in seine Entwicklung investiert. Ein weiterer Bestandteil dieser Kultur wundervolles Land ist Ikebana („lebende Blumen“, „neues Leben der Blumen“). Die Japaner sind Fans von Ästhetik und Schlichtheit. Genau diese beiden Qualitäten sind in die Arbeiten investiert. Die Raffinesse der Bilder wird durch die wohltuende Nutzung der natürlichen Schönheit der Vegetation erreicht. Ikebana diente wie Origami auch als Teil einer religiösen Zeremonie.

Miniaturen

Wahrscheinlich haben viele bereits verstanden, dass die künstlerische Kultur des alten China und Japan eng miteinander verflochten ist. Und was ist ein Bonsai? Es ist eine einzigartige japanische Fähigkeit, eine fast exakte Miniaturnachbildung eines echten Baumes zu züchten.

In Japan ist es auch üblich, Netsuke herzustellen – kleine Skulpturen, die eine Art Schlüsselanhänger sind. Oft wurden solche Figuren in dieser Funktion an der Kleidung der Japaner befestigt, die keine Taschen hatte. Sie schmückten ihn nicht nur, sondern dienten auch als originelles Gegengewicht. Schlüsselanhänger wurden in Form eines Schlüssels, eines Beutels, eines Weidenkorbs hergestellt.

Geschichte der Malerei

Kunstkultur altes japan Interesse an vielen Menschen. Die Malerei in diesem Land entstand während der japanischen Altsteinzeit und entwickelte sich folgendermaßen:

• Yamato-Zeit. Während der Zeit von Asuka und Kofun (4. bis 7. Jahrhundert) wurden zusammen mit der Einführung von Hieroglyphen, der Schaffung eines Staatsregimes nach chinesischem Vorbild und der Popularisierung des Buddhismus viele Kunstwerke aus China nach Japan gebracht. Danach wurden im Land der aufgehenden Sonne Gemälde im chinesischen Stil reproduziert.
• Nara-Zeit. Im VI und VII Jahrhundert. Der Buddhismus entwickelte sich in Japan weiter. In dieser Hinsicht begann die religiöse Malerei zu gedeihen, mit der die zahlreichen von der Aristokratie errichteten Tempel geschmückt wurden. Im Allgemeinen war der Beitrag zur Entwicklung von Skulptur und Kunst während der Nara-Ära größer als in der Malerei. Zu den frühen Gemälden dieses Zyklus gehören Wandmalereien an den Innenwänden des Horyu-ji-Tempels in der Präfektur Nara, die das Leben von Shakyamuni Buddha darstellen.
• Heian-Ära. In der japanischen Malerei wird ab dem 10. Jahrhundert der Trend des Yamato-e unterschieden, wie wir oben beschrieben haben. Solche Gemälde sind die horizontalen Schriftrollen, die zur Illustration von Büchern verwendet werden.
• Die Ära von Muromachi. Im 14. Jahrhundert erschien der Supi-e-Stil (einfarbiges Aquarell) und in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Künstler begannen, Gravuren auf Tafeln zu drucken - Ukiyo-e.
• Die Malerei der Azuchi-Momoyama-Ära steht in scharfem Kontrast zur Malerei der Muromachi-Zeit. Es hat einen polychromen Stil mit umfangreicher Verwendung von Silber und während dieser Zeit genoss die Bildungseinrichtung von Kano großes Ansehen und Ruhm. Sein Gründer war Kano Eitoku, der Decken und Schiebetüren zu separaten Räumen bemalte. Solche Zeichnungen schmückten die Burgen und Schlösser des Militäradels.
• Maiji-Ära. Seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts hat sich die Kunst in konkurrierende traditionelle und europäische Stilrichtungen gespalten. Während der Maiji-Ära erlebte Japan große soziale und politische Veränderungen im behördlich organisierten Prozess der Modernisierung und Europäisierung. Junge vielversprechende Künstler wurden zum Studium ins Ausland geschickt, und ausländische Künstler kamen nach Japan, um Schulkunstprogramme zu erstellen. Wie dem auch sei, nach anfänglicher Neugier auf den künstlerischen Stil des Westens schlug das Pendel ein Rückseite, und der traditionelle japanische Stil wurde wiederbelebt. 1880 wurden westliche Kunstpraktiken von offiziellen Ausstellungen verbannt und stark kritisiert.

Poesie

Die künstlerische Kultur des alten Japan wird immer noch untersucht. Sein Merkmal ist Vielseitigkeit, einige Kunststoffe, da es unter dem Einfluss verschiedener Religionen entstanden ist. Es ist bekannt, dass die japanische klassische Poesie aus dem Alltagsleben hervorgegangen ist, in ihm agiert hat und diese Bodenständigkeit bis zu einem gewissen Grad in den traditionellen Formen der heutigen Poesie bewahrt wurde - dreizeiliges Haiku und fünfzeiliges Tanka, die sich durch ein ausgeprägtes auszeichnen Massencharakter. Genau diese Eigenschaft unterscheidet sie übrigens von der elitär orientierten "freien Verse", die zu Beginn des 20. Jahrhunderts unter dem Einfluss der europäischen Poesie in Japan auftauchte.

Ist Ihnen aufgefallen, dass die Entwicklungsstufen der künstlerischen Kultur Japans vielfältig sind? Die Poesie spielte in der Gesellschaft dieses Landes eine besondere Rolle. Eines der bekanntesten Genres ist Haiku, man kann es nur verstehen, wenn man sich mit seiner Geschichte vertraut macht.

Es tauchte erstmals in der Heian-Ära auf, ähnelte dem Renga-Stil, der eine Art Ventil für Dichter war, die eine Pause von den nachdenklichen Versen des Wah einlegen wollten. Haikai ist geworden eigenständiges Genre im 16. Jahrhundert, als Renga zu ernst wurde und man sich auf Haiku verließ umgangssprachlich und war trotzdem humorvoll.

Natürlich wird die künstlerische Kultur Japans in vielen Werken kurz beschrieben, aber wir werden versuchen, ausführlicher darüber zu sprechen. Es ist bekannt, dass im Mittelalter Tanka („lakonisches Lied“) eines der berühmtesten literarischen Genres Japans war. In den meisten Fällen handelt es sich um einen Fünfzeiler, der aus einem Strophenpaar mit einer festen Anzahl von Silben besteht: 5-7-5 Silben in drei Zeilen der ersten Strophe und 7-7 in zwei Zeilen der zweiten. Was den Inhalt betrifft, verwendet das Tanka das folgende Schema: Die erste Strophe stellt ein bestimmtes natürliches Bild dar, und die zweite spiegelt das Gefühl einer Person wider, das dieses Bild widerspiegelt:

• In den fernen Bergen
  Langschwänziger Fasan döst -
  Diese lange, lange Nacht
  Kann ich alleine schlafen? ( Kakinomoto no Hitovaro, frühes 8. Jahrhundert, übersetzt von Sanovich.)

Japanische Dramaturgie

Viele argumentieren, dass die künstlerische Kultur Chinas und Japans faszinierend ist. Magst du darstellende Kunst? Die traditionelle Dramaturgie des Landes der aufgehenden Sonne gliedert sich in Joruri (Puppentheater), Dramaturgie des Noh-Theaters (Kyogen und Yokyoku), Kabuki-Theater und Shingeki. Die Bräuche dieser Kunst umfassen fünf grundlegende Theatergenres: Kyogen No, Bugaku, Kabuki und Bunraku. Alle diese fünf Traditionen sind noch heute präsent. Trotz der kolossalen Unterschiede sind sie durch gemeinsame ästhetische Prinzipien verbunden, die der japanischen Kunst zugrunde liegen. Die Dramaturgie Japans entstand übrigens auf der Bühne von Nr.

Das Kabuki-Theater entstand im 17. Jahrhundert und erreichte gegen Ende des 18. Jahrhunderts seinen Höhepunkt. Auf der modernen Bühne des Kabuki wird die sich über den angegebenen Zeitraum entwickelnde Aufführungsform bewahrt. Die Inszenierungen dieses Theaters sind im Gegensatz zu den Bühnen von No auf einen engen Kreis von Bewunderern der antiken Kunst ausgerichtet und auf das Massenpublikum ausgerichtet. Die Wurzeln der Kabuki-Fähigkeiten stammen aus den Aufführungen von Comedians - Darstellern kleiner Possen, Szenen, die aus Tanzen und Singen bestanden. Die theatralischen Fähigkeiten von Kabuki absorbierten die Elemente von Joruri und No.

Das Erscheinen des Kabuki-Theaters ist mit dem Namen des Arbeiters des buddhistischen Heiligtums O-Kuni in Kyoto (1603) verbunden. O-Kuni trat auf der Bühne mit religiösen Tänzen auf, die die Bewegungen der Volkstänze der Nembutsu-odori beinhalteten. Ihre Auftritte waren mit komischen Stücken durchsetzt. Zu diesem Zeitpunkt hießen die Produktionen Yujo-Kabuki (Kabuki der Kurtisanen), O-Kuni-Kabuki oder Onna-Kabuki (Damen-Kabuki).

Gravuren

Im letzten Jahrhundert begegneten die Europäer und dann die Russen dem Phänomen der japanischen Kunst durch Gravuren. Unterdessen galt im Land der aufgehenden Sonne das Zeichnen auf einem Baum zunächst überhaupt nicht als Kunst, obwohl es alle Eigenschaften der Massenkultur hatte - Billigkeit, Verfügbarkeit, Verbreitung. Ukiyo-e-Kenner konnten sowohl bei der Verkörperung von Handlungen als auch bei ihrer Auswahl höchste Verständlichkeit und Einfachheit erreichen.

Ukiyo-e war eine besondere Kunstschule, daher konnte sie eine Reihe herausragender Meister vorweisen. So ist der Name Hisikawa Moronobu (1618-1694) mit der Anfangsphase der Entwicklung der Plotgravur verbunden. In der Mitte des 18. Jahrhunderts schuf Suzuki Harunobu, der erste Kenner der Mehrfarbengravur. Die Hauptmotive seiner Arbeit waren lyrische Szenen, in denen nicht auf Handlung geachtet wurde, sondern auf die Übertragung von Stimmungen und Gefühlen: Liebe, Zärtlichkeit, Traurigkeit. Wie die exquisite alte Kunst der Heian-Ära haben Ukiyo-e-Virtuosen den außergewöhnlichen Kult der exquisiten Schönheit von Frauen in einer renovierten städtischen Umgebung wiederbelebt.

Der einzige Unterschied war, dass die Drucke anstelle der stolzen Heian-Aristokraten anmutige Geishas aus den Vergnügungsvierteln von Edo zeigten. Der Künstler Utamaro (1753-1806) ist vielleicht ein einzigartiges Beispiel für einen Fachmann in der Geschichte der Malerei, der sein Schaffen vollständig der Darstellung von Damen in verschiedenen Posen und Kleidern unter verschiedenen Lebensumständen widmete. Eines seiner besten Werke ist der Stich „Geisha Osama“, der in Moskau im Puschkin-Malmuseum aufbewahrt wird. Die Einheit von Gestik und Stimmung, Mimik vermittelte der Künstler ungewöhnlich subtil.

Manga und Anime

Viele Künstler versuchen, die Malerei Japans zu studieren. Was ist Anime (japanische Animation)? Es unterscheidet sich von anderen Animationsgenres dadurch, dass es eher auf einen erwachsenen Zuschauer abgestimmt ist. Hier gibt es eine duplikative Einteilung in Stile für eine Eindeutigkeit Zielgruppe. Das Maß der Vernichtung ist das Geschlecht, das Alter oder das psychologische Porträt des Kinobesuchers. Anime ist sehr oft eine Verfilmung japanischer Manga-Comics, die ebenfalls große Berühmtheit erlangten.

Der grundlegende Teil des Mangas ist für einen erwachsenen Zuschauer konzipiert. Laut Daten aus dem Jahr 2002 waren etwa 20 % des gesamten japanischen Buchmarktes von Manga-Comics besetzt.

Japan liegt uns geografisch nahe, blieb aber trotzdem lange Zeit unverständlich und für die ganze Welt unzugänglich. Heute wissen wir viel über dieses Land. Eine lange freiwillige Isolierung hat dazu geführt, dass sich seine Kultur von den Kulturen anderer Staaten völlig unterscheidet.

Japan ist das kleinste Land im Fernen Osten - 372.000 Quadratkilometer. Aber der Beitrag, den Japan zur Geschichte der Weltkultur geleistet hat, ist nicht geringer als der Beitrag der großen alten Staaten.

Die Ursprünge der Kunst dieses alten Landes reichen bis ins 8. Jahrtausend v. Chr. zurück. Aber die bedeutendste Stufe in allen Bereichen seiner künstlerisches Leben Es gab eine Periode, die im 6.-7. Jahrhundert von R.Kh begann. und dauerte bis Mitte des 19. Jahrhunderts. Die Entwicklung der japanischen Kunst verlief ungleichmäßig, aber sie kannte keine allzu starken Veränderungen oder starken Rückgänge.

Die japanische Kunst entwickelte sich unter besonderen natürlichen und historischen Bedingungen. Japan liegt auf vier großen Inseln (Honshu, Hokkaido, Kyushu und Shioku) und vielen kleineren. Lange Zeit sie war uneinnehmbar und kannte keine äußeren Kriege. Die Nähe Japans zum Festland wirkte sich in der Antike auf die Kontaktaufnahme mit China und Korea aus. Dies beschleunigte die Entwicklung der japanischen Kunst.

Die japanische mittelalterliche Kunst wuchs unter dem Einfluss der koreanischen und chinesischen Kultur. Japan übernahm die chinesische Schrift und Merkmale der chinesischen Weltanschauung. Der Buddhismus wurde zur Staatsreligion Japans. Aber die Japaner brachen auf ihre Weise ab chinesische ideen und an ihre Lebensweise angepasst.

Japanisches Haus, japanisches Interieur
Das japanische Haus ist von innen genauso klar und schlicht wie von außen. Es wurde ständig sauber gehalten. Der auf Hochglanz polierte Boden war mit leichten Strohmatten - Tatami - bedeckt, die den Raum in gleichmäßige Rechtecke teilten. Schuhe wurden vor der Haustür ausgezogen, Sachen in Schränken aufbewahrt, die Küche vom Wohnraum getrennt. In den Räumen gab es in der Regel keine dauerhaften Dinge. Sie wurden nach Bedarf gebracht und abgeholt. Aber alles in einem leeren Raum, sei es eine Blume in einer Vase, ein Bild oder ein Lacktisch, erregte Aufmerksamkeit und erlangte eine besondere Ausdruckskraft.

Alle Arten von Kunst sind mit der Raumgestaltung eines Hauses, Tempels, Palastes oder Schlosses im mittelalterlichen Japan verbunden. Jeder diente als Ergänzung zum anderen. So ergänzte und unterstrich ein gekonnt ausgewählter Blumenstrauß die im Landschaftsbild vermittelte Stimmung.

Die gleiche makellose Präzision, das gleiche Materialgefühl wie bei der Dekoration eines japanischen Hauses war in den Produkten der dekorativen Kunst zu spüren. Nicht umsonst wurden bei Teezeremonien als größter Schmuck die von Hand geformten Utensilien verwendet. Sein weicher und ungleichmäßiger Topf bewahrte die Spur von Fingern, die nassen Ton formten. Pink-Perl-, Türkis-Flieder- oder Grau-Blau-Glasuren waren nicht eingängig, aber sie spürten das Strahlen der Natur selbst, mit deren Leben jedes Objekt japanischer Kunst verbunden ist.

Japanische Keramik
Unglasierte, von Hand geformte und bei niedriger Temperatur gebrannte Tongefäße ähnelten der Keramik anderer alter Völker. Aber sie hatten bereits Merkmale, die für die japanische Kultur einzigartig sind. Die Muster von Krügen und Schalen in verschiedenen Formen spiegelten Ideen über die Elemente von Wirbelstürmen, Meeren und feuerspeienden Bergen wider. Die Fantasie dieser Produkte schien von der Natur selbst angeregt worden zu sein.

Massive, fast einen Meter hohe Krüge mit einem aufgeklebten Muster aus konvexen Tonbündeln ähneln entweder gewundenen Muscheln oder verzweigten Korallenriffen oder Algenwirren oder zerklüfteten Kanten von Vulkanen. Diese majestätischen und monumentalen Vasen und Schalen dienten nicht nur häuslichen, sondern auch rituellen Zwecken. Aber in der Mitte des 1. Jahrtausends v. Bronzegegenstände kamen in Gebrauch und Keramikutensilien verloren ihren rituellen Zweck.

Neben Keramik erschienen neue Produkte des Kunsthandwerks - Waffen, Schmuck, Bronzeglocken und Spiegel.

Japanische Haushaltsgegenstände
Im 9. bis 12. Jahrhundert n. Chr. offenbarte sich der Geschmack der japanischen Aristokratie in der dekorativen Kunst. Glatte, feuchtigkeitsbeständige Lackartikel, mit Gold- und Silberpuder besprenkelt, leicht und elegant, als würden sie das Zwielicht japanischer Räume erhellen, und bildeten eine riesige Palette von Alltagsgegenständen. Lack wurde verwendet, um Schalen und Schatullen, Truhen und Tische herzustellen, Musikinstrumente. Jede Kleinigkeit des Tempels und des Alltags – Silberbesteck für Essen, Vasen für Blumen, gemustertes Papier für Briefe, bestickte Gürtel – offenbarte die poetische und emotionale Einstellung der Japaner zur Welt.

Japanische Malerei
Mit der Entwicklung der monumentalen Palastarchitektur wurde die Tätigkeit der Maler der Hofschule viel aktiver. Künstler mussten große Flächen nicht nur von Wänden bemalen, sondern auch von mehrfach gefalteten Papier-Paravents, die sowohl die Rolle von Gemälden als auch von tragbaren Trennwänden im Raum spielten. Ein Merkmal der kreativen Art talentierter Handwerker war die Auswahl eines großen, vielfarbigen Details der Landschaft auf der riesigen Fläche einer Wandtafel oder eines Bildschirms.

Die Kompositionen aus Blumen, Kräutern, Bäumen und Vögeln, aufgeführt von Kano Eitoku auf golden glänzenden Hintergründen mit dicken und saftigen Flecken, verallgemeinerten Vorstellungen über die Macht und Pracht des Universums. Vertreter der Kano-Schule, zusammen mit natürlichen Motiven, die in den Gemälden und neuen Themen enthalten sind, die das Leben und Leben der japanischen Stadt des 16. Jahrhunderts widerspiegeln.

Auf den Leinwänden des Palastes waren auch monochrome Landschaften zu sehen. Aber sie haben eine tolle dekorative Wirkung. So sieht der Bildschirm aus, der von Sesshus Anhänger Hasegawa Tohaku (1539-1610) gemalt wurde. Seine weiß matte Oberfläche interpretiert der Maler als dichten Nebelschleier, aus dem wie Visionen plötzlich die Silhouetten alter Kiefern hervorbrechen. Mit nur wenigen kräftigen Tintenklecksen erschafft Tohaku ein poetisches Bild eines herbstlichen Waldes.

Die monochromen Landschaftsrollen konnten mit ihrer sanften Schönheit nicht mit dem Stil der Palastgemächer mithalten. Aber sie behielten ihre Bedeutung als unverzichtbarer Bestandteil des Chashitsu-Teepavillons, der für spirituelle Konzentration und Frieden gedacht war.

Kunstwerke japanischer Meister bleiben nicht nur alten Stilen treu, sondern haben auch immer etwas Neues in sich, das kein anderes Kunstwerk hat. In der japanischen Kunst gibt es keinen Platz für Klischees und Schablonen. Darin gibt es wie in der Natur keine zwei völlig identischen Schöpfungen. Und auch heute sind Kunstwerke japanischer Meister nicht mit Kunstwerken aus anderen Ländern zu verwechseln. In der japanischen Kunst hat sich die Zeit verlangsamt, aber sie hat nicht aufgehört. In der japanischen Kunst haben sich die Traditionen der Antike bis heute erhalten.

« Eine große Welle in Kanagawa“ von Katsushika Hokusai (1760-1849) ist einer der berühmtesten Stiche und das erste Blatt der Serie „Thirty-six Views of Fuji“. In den frühen 1830er Jahren begann Katsushika Hokusai im Auftrag des Eijudo-Verlags mit der Erstellung einer Serie von 46 Blättern (36 Haupt- und 10 zusätzliche Blätter), und The Great Wave off Kanagawa war ein Stich, der die gesamte Serie eröffnete.

Solche Stichsammlungen dienten den damaligen Städtern als eine Art "virtuelles Reisen", eine bequeme und kostengünstige Möglichkeit, Neugierde zu befriedigen. Fuji-ähnliche Drucke kosten etwa 20 Mon – ungefähr so ​​viel wie eine doppelte Portion Nudeln in einem japanischen Restaurant der damaligen Zeit. Der Erfolg war jedoch so groß, dass die Kosten für Hokusais Blätter bis 1838 auf fast 50 Mon angewachsen waren und nach dem Tod des Meisters allein die Welle mehr als 1000 Mal von neuen Platten nachgedruckt wurde.

Überraschenderweise scheint Fuji in The Wave trotz des erklärten Themas der gesamten Serie eine untergeordnete Rolle zu spielen. Die Hauptfigur in diesem Stich ist eine Welle, und im Vordergrund entfaltet sich eine dramatische Szene des Kampfes eines Mannes mit den Elementen. Die Ränder des Schaumkamms sehen aus wie die verkrümmten Finger eines fantastischen, wütenden Dämons, und die Gesichtslosigkeit und Untätigkeit der menschlichen Gestalten in den Booten lassen keinen Zweifel daran, wer in diesem Kampf der Gewinner sein wird. Doch nicht diese Konfrontation ist der Konflikt, der die Handlung des Kupferstichs ausmacht.
Indem Hokusai in dem Moment stoppt, in dem die Boote zusammenstoßen, ermöglicht Hokusai dem Betrachter, Fuji für einen Moment vor dem grauen Himmel zu sehen, der sich zum Horizont hin verdunkelt. Obwohl japanische Graveure zu dieser Zeit bereits mit den Prinzipien der europäischen Linear- und Luftperspektive vertraut waren, verspürten sie keine Notwendigkeit für diese Technik. Der dunkle Hintergrund sowie die lange Reise des Auges vom Vordergrund mit Booten durch die Bewegung der Welle zum Fuji überzeugen das Auge, dass der heilige Berg durch die Weite des Meeres von uns getrennt ist.

Fuji erhebt sich weit von der Küste entfernt als Symbol für Stabilität und Beständigkeit, im Gegensatz zu den stürmischen Elementen. Die Einheit und gegenseitige Abhängigkeit der Gegensätze lag der Idee der kosmischen Ordnung und absoluten Harmonie im Weltbild des Fernen Ostens zugrunde, und sie wurden zum Hauptthema des Stichs „Die große Welle vor Kanagawa“, mit dem die Serie eröffnet wurde Katsushika Hokusai.

„Schönheit Nanivaya Okita“ von Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Kitagawa Utamaro (1753-1806) kann zu Recht als Sänger bezeichnet werden weibliche Schönheit im japanischen Druck ukiyo-e: Er schuf eine Reihe kanonischer Bilder japanischer Schönheiten ( bijinga) - die Bewohner von Teehäusern und dem berühmten Vergnügungsviertel Yoshiwara in der Hauptstadt Japans, Edo edo — der Name von Tokio bis 1868..

Bei der Bijinga-Gravur ist nicht alles so, wie es dem modernen Betrachter erscheint. Reich gekleidete Edeldamen waren in der Regel in einem schändlichen Handwerk tätig und gehörten der Unterschicht an, und Stiche mit Porträts von Schönheiten hatten eine offene Werbefunktion. Gleichzeitig gab die Gravur keine Vorstellung vom Aussehen des Mädchens, und obwohl Okita aus dem Nanivaya-Teehaus in der Nähe des Asakusa-Tempels als die erste Schönheit von Edo galt, ist ihr Gesicht in der Gravur völlig ohne Individualität.

Seit dem 10. Jahrhundert unterliegen Frauenbilder in der japanischen Kunst dem Kanon des Minimalismus. "Linienauge, Hakennase" - Technik hikime-kagihana erlaubte dem Künstler nur anzugeben, dass eine bestimmte Frau abgebildet war: In der traditionellen japanischen Kultur wurde das Thema körperliche Schönheit oft ausgespart. Bei Frauen edle Geburt„Schönheit des Herzens“ und Bildung wurden viel mehr geschätzt, und die Bewohner der fröhlichen Viertel bemühten sich, in allem die höchsten Standards nachzuahmen. Laut Utamaro war Okita wirklich schön.

Das Blatt „Schönheit Nanivaya Okita“ wurde 1795-1796 in der Serie „Berühmte Schönheiten im Vergleich zu sechs unsterblichen Dichtern“ gedruckt, in der jeder Schönheit einer der Schriftsteller des 9. Jahrhunderts entsprach. Auf dem Blatt mit einem Porträt von Okita in der oberen linken Ecke befindet sich ein Bild von Arivara no Narihira (825-880), einem der am meisten verehrten Dichter Japans, dem traditionell der Roman Ise Monogatari zugeschrieben wird. Berühmt wurde der edle Adlige und brillante Dichter auch durch seine Liebschaften, von denen einige die Grundlage des Romans bildeten.

Dieses Blatt ist eine besondere Anwendung der Technik mildern(Vergleiche) in japanischer Gravur. Die Qualitäten eines autoritären „Prototyps“ übertragen sich auf die dargestellte Schönheit, und die elegante Kurtisane, die dem Gast mit gelassenem Gesicht eine Tasse Tee serviert, wird vom Betrachter bereits als eine Dame gelesen, die in Poesie und Liebestaten bewandert ist. Der Vergleich mit Arivara no Narihira war wirklich eine Anerkennung ihrer Überlegenheit unter den Edo-Schönheiten.

Gleichzeitig schafft Utamaro ein überraschend lyrisches Bild. Er balanciert dunkle und helle Flecken auf dem Blatt aus und umreißt die Form mit melodiösen, eleganten Linien, wodurch er ein wirklich perfektes Bild von Anmut und Harmonie schafft. „Werbung“ tritt zurück, und die von Utamaro eingefangene Schönheit bleibt zeitlos.

Paravent „Iris“ von Ogata Korin, 1710er Jahre

Ogata Korin (1658-1716) schuf um 1710 ein Paar sechsteiliger Irisschirme – heute ein nationaler Schatz Japans – für den Nishi-Hongan-ji-Tempel in Kyoto.

Seit dem 16. Jahrhundert hat sich die Malerei auf Wandpaneelen und Papierschirmen zu einem der führenden Genres der dekorativen Kunst in Japan entwickelt, und Ogata Korin, der Gründer der Rinpa-Kunstschule, war einer ihrer größten Meister.

Bildschirme im japanischen Interieur spielten eine wichtige Rolle. Die weitläufigen Räumlichkeiten des Palastes unterschieden sich strukturell nicht von den Wohnungen eines einfachen Japaners: Sie hatten fast keine Innenwände, und der Raum war mit Paravents in Zonen unterteilt. Die nur etwas mehr als anderthalb Meter hohen Bildschirme wurden für die gemeinsame japanische Tradition aller Klassen entworfen, um auf dem Boden zu leben. In Japan wurden Hochstühle und Tische erst im 19. Jahrhundert verwendet, und die Höhe des Bildschirms sowie die Komposition seiner Bemalung sind auf die Ansicht einer auf den Knien sitzenden Person ausgelegt. Aus dieser Sichtweise entsteht ein verblüffender Effekt: Die Schwertlilien scheinen den Sitzenden zu umgeben – und man fühlt sich am Ufer des Flusses, umgeben von Blumen.

Schwertlilien sind konturlos gemalt - fast impressionistisch, breite Striche aus dunkelblauer, lila und violetter Temperafarbe vermitteln die üppige Pracht dieser Blume. Die malerische Wirkung wird durch den matten Goldschimmer verstärkt, auf dem Iris abgebildet sind. Die Bildschirme zeigen nichts als Blumen, aber ihre eckige Wachstumslinie lässt darauf schließen, dass sich die Blumen um den gewundenen Flusslauf oder die Zickzackbewegungen von Holzbrücken biegen. Für die Japaner wäre es natürlich, wenn auf dem Bildschirm eine Brücke fehlt, eine spezielle "Brücke aus acht Brettern" ( yatsuhashi), verbunden mit Iris in der Klassik Japanische Literatur. Der Roman Ise Monogatari (9. Jahrhundert) beschreibt die traurige Reise eines aus der Hauptstadt vertriebenen Helden. Nachdem er sich mit seinem Gefolge niedergelassen hat, um sich am Flussufer in der Nähe der Yatsuhashi-Brücke auszuruhen, erinnert sich der Held, der Iris sieht, an seine Geliebte und verfasst Gedichte:

mein Geliebter in Kleidern
Anmutig dort, in der Hauptstadt,
Liebe übrig...
Und ich denke mit Sehnsucht, wie viel
Ich bin weit weg von ihr... Übersetzung von N. I. Konrad.

„Also faltete er und jeder vergoss Tränen an seinem getrockneten Reis, so dass er vor Feuchtigkeit anschwoll“, fügt der Autor hinzu und lyrischer Held Geschichtenerzählen, Arivara no Narihira.

Für einen gebildeten Japaner war die Verbindung zwischen Iris an der Brücke und Ise monogatari, Iris und dem Thema der getrennten Liebe klar, und Ogata Korin vermeidet Ausführlichkeit und Anschaulichkeit. Mit Hilfe der dekorativen Malerei schafft er nur einen idealen Raum voller Licht, Farbe und literarischer Konnotationen.

Kinkakuji Goldener Pavillon, Kyoto, 1397

Der Goldene Tempel ist eines der Symbole Japans, das ironischerweise mehr durch seine Zerstörung als durch seinen Bau verherrlicht wurde. 1950 zündete ein psychisch labiler Mönch des Rokuonji-Klosters, zu dem dieses Gebäude gehört, einen Teich an, der auf der Oberfläche des Klosters stand
Pavillon Bei einem Brand im Jahr 1950 wurde der Tempel fast zerstört. Die Restaurierungsarbeiten in Kinkaku-ji begannen 1955, bis 1987 war der Wiederaufbau als Ganzes abgeschlossen, aber die Restaurierung der völlig verlorenen Innenausstattung dauerte bis 2003.. Die wahren Motive seiner Tat blieben unklar, aber in der Interpretation des Schriftstellers Yukio Mishima war die unerreichbare, fast mystische Schönheit dieses Tempels schuld. Tatsächlich galt Kinkakuji mehrere Jahrhunderte lang als Inbegriff japanischer Schönheit.

1394 zog sich Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), der fast ganz Japan seinem Willen unterwarf, offiziell zurück und ließ sich in einer eigens dafür errichteten Villa im Norden Kyotos nieder. Das dreistöckige Gebäude am künstlichen See Kyokoti ("Seespiegel") spielte die Rolle einer Art Einsiedelei, eines abgeschiedenen Pavillons zum Entspannen, Lesen und Beten. Es enthielt eine Sammlung von Gemälden des Shoguns, eine Bibliothek und eine Sammlung buddhistischer Relikte. Kinkakuji liegt auf dem Wasser in der Nähe der Küste, hatte nur eine Bootskommunikation mit der Küste und war die gleiche Insel wie die künstlichen Inseln mit Steinen und Pinien, die um Kyokoti herum verstreut waren. Die Idee der "Insel der Himmelskörper" wurde der chinesischen Mythologie entlehnt, in der himmlischer Aufenthaltsort diente als Insel Penglai, die Insel der Unsterblichen. Schon die Spiegelung des Pavillons im Wasser weckt buddhistische Assoziationen mit Vorstellungen über die illusorische Natur der Welt der Sterblichen, die nur ein blasses Abbild der Pracht der buddhistischen Wahrheitswelt ist.

Obwohl all diese mythologischen Obertöne spekulativ sind, verleiht die Lage des Pavillons ihm eine erstaunliche Harmonie und Harmonie. Reflexion verbirgt die Squatness des Gebäudes und macht es höher und schlanker; Gleichzeitig ist es die Höhe des Pavillons, die es ermöglicht, ihn von jedem Ufer des Teichs aus zu sehen, immer vor einem dunklen Hintergrund aus Grün.

Es bleibt jedoch nicht ganz klar, wie golden dieser Pavillon in seiner ursprünglichen Form war. Wahrscheinlich war es unter Ashikaga Yoshimitsu tatsächlich mit Blattgold und einer schützenden Lackschicht überzogen. Aber wenn Sie den Fotografien des 19. bis frühen 20. Jahrhunderts und Yukio Mishima glauben, dann war die Vergoldung Mitte des 20. Jahrhunderts fast abgeblättert und ihre Überreste waren nur noch auf der oberen Etage des Gebäudes sichtbar. Zu dieser Zeit berührte er eher die Seele mit dem Charme der Verwüstung, der Spuren der Zeit, unerbittlich auch für die schönsten Dinge. Dieser melancholische Charme entsprach dem ästhetischen Prinzip sabi in der japanischen Kultur hoch verehrt.

Auf die eine oder andere Weise war die Pracht dieses Gebäudes überhaupt nicht in Gold. Die exquisite Strenge der Formen von Kinkakuji und seine makellose Harmonie mit der Landschaft machen es zu einem der Meisterwerke der japanischen Architektur.

Schüssel "Iris" im Karatsu-Stil, XVI-XVII Jahrhundert

Das Wort Meibutsu- eine Sache mit einem Namen. Diese Schale trägt eigentlich nur den Namen, da beides nicht der Fall ist genaue Uhrzeit und der Ort seiner Entstehung noch der Name des Meisters sind nicht erhalten geblieben. Trotzdem gehört es zu den nationalen Schätzen Japans und ist eines der leuchtendsten Beispiele für Keramik im nationalen Stil.

Ende des 16. Jahrhunderts die Teezeremonie cha-no-yu verlassenes feines chinesisches Porzellan und Keramik mit Glasuren, die an kostbare Materialien erinnern. Ihre spektakuläre Schönheit erschien den Teemeistern zu künstlich und offen. Perfekte und teure Gegenstände – Schalen, Wassergefäße und Teedosen – entsprachen nicht dem fast asketischen spirituellen Kanon des Zen-Buddhismus, in dessen Geist sich die Teezeremonie entwickelte. Eine echte Revolution in der Teeaktion war die Berufung auf japanische Keramik, viel einfacher und kunstloser zu einer Zeit, als die japanischen Werkstätten gerade erst begonnen hatten, die Technologien der kontinentalen Töpferei zu beherrschen.

Die Form der Iris-Schale ist schlicht und unregelmäßig. Die leichte Krümmung der Wände, die am ganzen Korpus sichtbaren Dellen des Töpfers verleihen der Schale eine fast naive Leichtigkeit. Die Tonscherbe ist mit heller Glasur mit einem Netz von Rissen - Craquelé - überzogen. Auf der Vorderseite, die sich während der Teezeremonie an den Gast wendet, ist unter der Glasur das Bild einer Iris aufgebracht: Die Zeichnung ist naiv, aber mit energischem Pinsel ausgeführt, exakt, wie in einem Zug, ganz im Sinne des Zen Kalligraphie. Es scheint, dass sowohl die Form als auch das Dekor spontan und ohne den Einsatz von Spezialkräften entstanden sein könnten.

Diese Spontaneität spiegelt das Ideal wider Wabi- Einfachheit und Einfachheit, die ein Gefühl von spiritueller Freiheit und Harmonie entstehen lassen. Nach Ansicht japanischer Anhänger des Zen-Buddhismus hat jede Person oder sogar ein lebloses Objekt die erleuchtete Natur des Buddha, und die Bemühungen des Adepten zielen darauf ab, diese Natur in sich selbst und der Welt um ihn herum zu entdecken. Die Dinge, die bei der Teezeremonie verwendet werden, sollten bei all ihrer Ungeschicklichkeit eine tiefe Erfahrung der Wahrheit hervorrufen, die Relevanz jedes Moments, gezwungen, in die gewöhnlichsten Formen zu blicken und wahre Schönheit in ihnen zu sehen.

Den Kontrast zur rauen Textur der Schale und ihrer Schlichtheit bildet die Restaurierung mit einem kleinen abgeplatzten Goldlack (diese Technik nennt sich Kintsugi). Die Restaurierung wurde im 18. Jahrhundert durchgeführt und zeigt die Ehrfurcht, mit der japanische Teemeister Utensilien für die Teezeremonie behandelten. Die Teezeremonie bietet den Teilnehmern also einen "Weg", um die wahre Schönheit von Dingen wie der Irisschale zu entdecken. Selbstverständlichkeit, Geheimhaltung ist zur Grundlage des ästhetischen Konzepts von Wabi und zu einem wichtigen Bestandteil der japanischen Weltanschauung geworden.

Porträt des Mönchs Gandzin, Nara, 763

Im VIII. Jahrhundert wurde die Skulptur zur Hauptform des künstlerischen Ausdrucks der Ära, der Nara-Ära (710-794), die mit der Bildung der japanischen Staatlichkeit und der Stärkung des Buddhismus verbunden war. Japanische Meister haben bereits die Phase der Lehre und der blinden Nachahmung kontinentaler Techniken und Bilder hinter sich und begannen, den Geist ihrer Zeit in der Bildhauerei frei und lebendig auszudrücken. Die Verbreitung und das Wachstum der Autorität des Buddhismus verursachten das Erscheinen eines buddhistischen skulpturalen Porträts.

Eines der Meisterwerke dieses Genres ist das 763 entstandene Porträt von Gandzin. Hergestellt in der Technik des Trockenlacks (durch Aufbau von Lackschichten auf einem mit Stoff bespannten Holzrahmen), ist die Skulptur fast Lebensgröße war realistisch gemalt, und im Halbdunkel des Tempels saß Ganjin in einer Haltung der Meditation „wie lebendig“. Diese Lebensähnlichkeit war die Hauptkultfunktion solcher Porträts: Der Lehrer musste sich immer innerhalb der Mauern des Todaiji-Klosters in der Stadt Nara aufhalten und bei den wichtigsten Gottesdiensten anwesend sein.

Später, im 11. bis 13. Jahrhundert, erreichten skulpturale Porträts einen fast gnadenlosen Illusionismus und zeigten die senile Gebrechlichkeit ehrwürdiger Lehrer, ihre eingefallenen Münder, hängenden Wangen und tiefen Falten. Diese Porträts betrachten die Anhänger des Buddhismus mit lebendigen Augen, eingelegt mit Bergkristall und Holz. Aber Gandzins Gesicht wirkt verschwommen, es gibt keine klaren Konturen und klare Formen darin. Augenlider von halbgeschlossenen und nicht verkrusteten Augen erscheinen geschwollen; der angespannte Mund und die tiefen Nasolabialfalten drücken eher die gewohnheitsmäßige Vorsicht als die Konzentration der Meditation aus.

All diese Merkmale enthüllen die dramatische Biografie dieses Mönchs, die Geschichte von erstaunlicher Askese und Tragödien. Ganjin, ein chinesischer buddhistischer Mönch, wurde zur Einweihungszeremonie von Todaiji, dem größten Kloster von Nara, nach Japan eingeladen. Das Schiff wurde von Piraten gekapert, unbezahlbare Schriftrollen und buddhistische Skulpturen, die für einen fernen japanischen Tempel bestimmt waren, gingen im Feuer verloren, Ganjin verbrannte sein Gesicht und verlor sein Augenlicht. Doch den Wunsch, am äußersten Rand der Zivilisation zu predigen, ließ ihn nicht los – nämlich darüber, wie Japan damals vom Kontinent wahrgenommen wurde.

Mehrere weitere Versuche, das Meer zu überqueren, endeten ebenso erfolglos, und erst beim fünften Versuch erreicht der bereits mittelalte, blinde und kränkliche Ganjin die japanische Hauptstadt Nara.

In Japan lehrte Ganjin nicht lange buddhistisches Recht: Die dramatischen Ereignisse seines Lebens untergruben seine Gesundheit. Aber seine Autorität war so hoch, dass wahrscheinlich noch vor seinem Tod beschlossen wurde, seine Skulptur zu schaffen. Zweifellos versuchten die Künstlermönche, der Skulptur so viel Ähnlichkeit wie möglich mit dem Modell zu geben. Dies geschah jedoch nicht, um das äußere Erscheinungsbild eines Menschen zu bewahren, sondern um seine individuelle spirituelle Erfahrung festzuhalten, den schwierigen Weg, den Ganjin gegangen ist und zu dem die buddhistische Lehre aufgerufen hat.

Daibutsu - Großer Buddha des Todaiji-Tempels, Nara, Mitte des 8. Jahrhunderts

Mitte des 8. Jahrhunderts litt Japan unter Naturkatastrophen und Epidemien, und die Intrigen der einflussreichen Familie Fujiwara und die von ihnen ausgelöste Rebellion zwangen Kaiser Shomu, aus der Hauptstadt Nara zu fliehen. Im Exil gelobte er, dem Pfad der buddhistischen Lehren zu folgen und befahl 743, mit dem Bau des Haupttempels des Landes zu beginnen und einen Koloss zu gießen Bronze Statue Buddha Vairochana (Buddha Great Sun oder alles erleuchtende Licht). Diese Gottheit galt als universelle Inkarnation von Buddha Shakyamuni, dem Begründer der buddhistischen Lehre, und sollte während der Zeit der Unruhen und Rebellionen zum Garanten des Schutzes des Kaisers und des ganzen Landes werden.

Die Arbeiten begannen 745 und waren der riesigen Buddha-Statue in den Longmen-Höhlentempeln nahe der chinesischen Hauptstadt Luoyang nachempfunden. Die Statue in Nara sollte, wie jedes Bild des Buddha, „große und kleine Zeichen des Buddha“ zeigen. Zu diesem ikonografischen Kanon gehörten längliche Ohrläppchen, die daran erinnern, dass Buddha Shakyamuni aus einer fürstlichen Familie stammte und von Kindheit an schwere Ohrringe, eine Erhebung auf dem Scheitel (ushnisha), einen Punkt auf der Stirn (urne) trug.

Die Höhe der Statue betrug 16 Meter, die Breite des Gesichts 5 Meter, die Länge der ausgestreckten Handfläche 3,7 Meter und die Urne war größer als ein menschlicher Kopf. Für den Bau wurden 444 Tonnen Kupfer, 82 Tonnen Zinn und eine riesige Menge Gold benötigt, das speziell im Norden des Landes gesucht wurde. Um die Statue herum wurde eine Halle, der Daibutsuden, errichtet, um den Schrein zu schützen. In seinem kleinen Raum füllt eine leicht gebeugte sitzende Buddha-Figur den gesamten Raum aus und veranschaulicht eines der Hauptpostulate des Buddhismus - die Idee, dass die Gottheit allgegenwärtig und alles durchdringend ist, sie umarmt und alles erfüllt. Die transzendentale Ruhe des Gesichts und die Geste der Hand der Gottheit (Mudra, die Geste der Schutzgewährung) ergänzen das Gefühl der ruhigen Erhabenheit und Kraft des Buddha.

Allerdings sind heute nur noch wenige Fragmente der ursprünglichen Statue erhalten: Brände und Kriege richteten im 12. und 16. Jahrhundert enorme Schäden an der Statue an, und die moderne Statue ist hauptsächlich ein Guss aus dem 18. Jahrhundert. Bei der Restaurierung im 18. Jahrhundert wurde die Bronzefigur nicht mehr mit Gold überzogen. Der buddhistische Eifer des Kaisers Shomu im 8. Jahrhundert leerte praktisch die Schatzkammer und blutete das bereits geschockte Land aus, und die späteren Herrscher konnten sich solch maßlose Ausgaben nicht mehr leisten.

Dennoch liegt die Bedeutung von Daibutsu nicht im Gold und nicht einmal in verlässlicher Authentizität – die Idee einer solch grandiosen Verkörperung buddhistischer Lehren ist ein Denkmal für eine Ära, als japanische Monumentalkunst eine echte Blüte erlebte, von der sie sich befreite blindes Kopieren kontinentaler Proben und erreichte Integrität und Ausdruckskraft, die später verloren gingen.

Die Japaner entdeckten die in den Dingen verborgene Schönheit im 9.-12. Jahrhundert, in der Heian-Ära (794-1185) und bezeichneten sie sogar mit dem speziellen Begriff „mono noconscious“ (物の哀れ (もののあわれ)), was „ trauriger Charme der Dinge. „Der Charme der Dinge“ ist eine der frühesten Definitionen von Schönheit in der japanischen Literatur. Sie wird mit dem Shinto-Glauben in Verbindung gebracht, dass jedes Ding seine eigene Gottheit – Kami – und seinen eigenen einzigartigen Charme hat. Avare ist die innere Essenz der Dinge, das, was Freude und Aufregung hervorruft.

- Washi (wasi) oder wagami (wagami).
Manuelle Papierherstellung. Mittelalterliche Japaner schätzten Washi nicht nur wegen seiner praktischen Qualitäten, sondern auch wegen seiner Schönheit. Sie war berühmt für ihre Subtilität, fast Transparenz, die ihr jedoch nicht die Kraft nahm. Washi wird aus der Rinde des Kozobaums (Maulbeerbaum) und einigen anderen Bäumen hergestellt.
Washi-Papier wird seit Jahrhunderten aufbewahrt, ein Beweis dafür sind die Alben und Bände alter japanischer Kalligrafie, Gemälde, Siebe und Gravuren, die im Laufe der Jahrhunderte bis heute erhalten geblieben sind.
Vasyas Papier ist faserig, wenn Sie durch ein Mikroskop schauen, sehen Sie Risse, durch die Luft und Sonnenlicht eindringen. Diese Qualität wird bei der Herstellung von Paravents und traditionellen japanischen Laternen verwendet.
Washi-Souvenirs sind bei Europäern sehr beliebt. Viele kleine und nützliche Dinge werden aus diesem Papier hergestellt: Brieftaschen, Umschläge, Fächer. Sie sind ziemlich langlebig und dennoch leicht.

- Gohei.
Talisman aus Papierstreifen. Gohei - ein ritueller Stab eines Shinto-Priesters, an dem Papierzickzackstreifen befestigt sind. Die gleichen Papierstreifen werden am Eingang eines Shinto-Schreins aufgehängt. Die Rolle des Papiers im Shinto war traditionell sehr groß, und Papierprodukte waren schon immer gegeben Esoterische Bedeutung. Und der Glaube, dass jedes Ding, jedes Phänomen, sogar Worte, einen Kami – eine Gottheit – enthalten, erklärt die Entstehung einer Art angewandter Kunst wie Gohei. Der Shintoismus ist unserem Heidentum etwas ähnlich. Für Shintoisten ist der Kami besonders bereit, sich in allem Außergewöhnlichen niederzulassen. Zum Beispiel auf Papier. Und noch mehr in einem zu einem verschlungenen Zickzack verdrehten Gohei, der heute vor dem Eingang von Shinto-Schreinen hängt und auf die Anwesenheit einer Gottheit im Tempel hinweist. Es gibt 20 Möglichkeiten, den Gohei zu falten, und diejenigen, die besonders ungewöhnlich gefaltet sind, ziehen den Kami an. Gohei ist überwiegend weiß, aber auch Gold, Silber und viele andere Farbtöne sind zu finden. Seit dem 9. Jahrhundert gibt es in Japan den Brauch, den Gohei an den Gürteln der Sumo-Ringer vor Beginn des Kampfes zu stärken.

-Anesama.
Dies ist die Herstellung von Papierpuppen. Im 19. Jahrhundert stellten Samurai-Ehefrauen Papierpuppen her, mit denen Kinder spielten, und zogen ihnen verschiedene Kleider an. In Zeiten, in denen es kein Spielzeug gab, war anesama die einzige Gesprächspartnerin für Kinder, die die Rolle der Mutter, der großen Schwester, des Kindes und der Freundin „ausübte“.
Die Puppe ist aus japanischem Washi-Papier gefaltet, die Haare sind aus zerknittertem Papier, mit Tinte gefärbt und mit Kleber überzogen, der ihr Glanz verleiht. Eine Besonderheit ist eine nette kleine Nase auf einem länglichen Gesicht. Heute wird dieses einfache Spielzeug, das nichts als geschickte Hände erfordert, traditionell in der Form, nach wie vor auf die gleiche Weise hergestellt.

-Origami.
Die alte Kunst des Papierfaltens (折り紙, lit.: "gefaltetes Papier"). Die Kunst des Origami hat ihre Wurzeln im alten China, wo Papier erfunden wurde. Ursprünglich wurde Origami in religiösen Zeremonien verwendet. Lange Zeit war diese Art von Kunst nur Vertretern der Oberschicht zugänglich, wo der Besitz von Papierfalttechniken ein Zeichen des guten Geschmacks war. Erst nach dem Zweiten Weltkrieg ging Origami über den Osten hinaus nach Amerika und Europa, wo es sofort seine Fans fand. Klassisches Origami wird aus einem quadratischen Blatt Papier gefaltet.
Es ist ein bestimmter Satz konventioneller Symbole erforderlich, um das Faltschema selbst des komplexesten Produkts zu skizzieren. Die meisten konventionellen Zeichen wurden Mitte des 20. Jahrhunderts von dem berühmten japanischen Meister Akira Yoshizawa in die Praxis umgesetzt.
Klassisches Origami schreibt die Verwendung eines quadratischen, gleichmäßig gefärbten Blatt Papiers ohne Kleber und Schere vor. Moderne Formen die Künste weichen manchmal von diesem Kanon ab.

- Kirigami.
Kirigami ist die Kunst, mit Hilfe einer Schere verschiedene Formen aus einem mehrfach gefalteten Blatt Papier zu schneiden. Eine Art Origami, die die Verwendung von Scheren und Scherenschnitten bei der Herstellung des Modells ermöglicht. Dies ist der Hauptunterschied zwischen Kirigami und anderen Papierfalttechniken, der im Namen betont wird: 切る (kiru) - schneiden, 紙 (gami) - Papier. Wir alle haben in der Kindheit gerne Schneeflocken geschnitten - eine Variante von Kirigami, mit dieser Technik können Sie nicht nur Schneeflocken, sondern auch verschiedene Figuren, Blumen, Girlanden und andere niedliche Dinge aus Papier schneiden. Diese Produkte können als Schablonen für Drucke, Albumdekorationen, Postkarten, Fotorahmen, Modedesign, Innenarchitektur und andere verschiedene Dekorationen verwendet werden.

- Ikebana.
Ikebana, (jap. 生け花 oder いけばな) übersetzt aus japanische Sprache- ike“ – Leben, „bana“ – Blumen oder „Blumen, die leben“. Die japanische Kunst des Blumensteckens ist eine der schönsten Traditionen des japanischen Volkes. Bei der Zusammenstellung von Ikebana werden neben Blumen auch geschnittene Zweige, Blätter und Triebe verwendet.Das Grundprinzip ist exquisite Einfachheit, um die natürliche Schönheit der Pflanzen zu betonen. Ikebana ist die Kreation einer neuen natürlichen Form, in der die Schönheit einer Blume und die Schönheit der Seele des Meisters, der die Komposition erstellt, harmonisch kombiniert werden.
Heute gibt es in Japan 4 große Ikebana-Schulen: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Darüber hinaus gibt es etwa tausend verschiedene Richtungen und Trends, die an einer dieser Schulen festhalten.

-Oribana.
Mitte des 17. Jahrhunderts gingen zwei Schulen von Ohara (die Hauptform von Ikebana - Oribana) und Koryu (die Hauptform - Sek) von Ikenobo aus. Übrigens studiert die Ohara-Schule immer noch nur Oribanu. Wie die Japaner sagen, ist es sehr wichtig, dass Origami nicht zu Origami wird. Gomi bedeutet Müll auf Japanisch. Schließlich haben Sie zufällig ein Stück Papier gefaltet, und was tun Sie dann damit? Oribana bietet viele Ideen für Blumensträuße zur Dekoration des Innenraums. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Fehler.
Eine aus der Floristik entstandene Kunstform. Die Floristik ist in unserem Land vor acht Jahren aufgetaucht, obwohl sie in Japan seit mehr als sechshundert Jahren existiert. Irgendwann im Mittelalter verstanden Samurai den Weg eines Kriegers. Und oshibana war Teil dieses Weges, genau wie das Schreiben von Hieroglyphen und das Führen eines Schwertes. Die Bedeutung des Fehlers war, dass der Meister im Zustand der totalen Präsenz im Moment (Satori) ein Bild von getrockneten Blumen (gepressten Blumen) schuf. Dann könnte dieses Bild als Schlüssel dienen, als Leitfaden für diejenigen, die bereit sind, in die Stille einzutreten und dasselbe Satori zu erfahren.
Die Essenz der Kunst des "Oshibana" besteht darin, dass der Autor durch das Sammeln und Trocknen von Blumen, Kräutern, Blättern und Rinde unter Druck und das Aufkleben auf die Unterlage mit Hilfe von Pflanzen ein wahres "Malwerk" schafft. Mit anderen Worten: Falsch ist das Malen mit Pflanzen.
Die künstlerische Kreativität von Floristen basiert auf der Bewahrung von Form, Farbe und Textur von getrocknetem Pflanzenmaterial. Die Japaner haben eine Technik entwickelt, um „Oshibana“-Gemälde vor Verblassen und Verdunkelung zu schützen. Seine Essenz besteht darin, dass zwischen Glas und Bild Luft herausgepumpt wird und ein Vakuum entsteht, das das Verderben der Pflanzen verhindert.
Es zieht nicht nur die Unkonventionalität dieser Kunst an, sondern auch die Möglichkeit, Vorstellungskraft, Geschmack und Wissen über die Eigenschaften von Pflanzen zu zeigen. Floristen schaffen Ornamente, Landschaften, Stillleben, Porträts und Geschichtenbilder.

- Bonsai.
Bonsai als Phänomen tauchte vor mehr als tausend Jahren in China auf, aber diese Kultur erreichte ihren Höhepunkt der Entwicklung nur in Japan. (Bonsai – japanisch 盆栽 lit. „Pflanze in einem Topf“) – die Kunst, eine exakte Kopie eines echten Baums im Miniaturformat zu züchten. Diese Pflanzen wurden mehrere Jahrhunderte vor unserer Zeitrechnung von buddhistischen Mönchen angebaut und wurden später zu einer der Aktivitäten des örtlichen Adels.
Bonsai schmückten japanische Häuser und Gärten. In der Tokugawa-Ära erhielt die Parkgestaltung einen neuen Aufschwung: Der Anbau von Azaleen und Ahorn wurde zum Zeitvertreib der Reichen. Die Produktion von Zwergpflanzen (hachi-no-ki - "Baum im Topf") entwickelte sich ebenfalls, aber die Bonsai dieser Zeit waren sehr groß.
Jetzt werden gewöhnliche Bäume für Bonsai verwendet, sie werden durch ständiges Beschneiden und verschiedene andere Methoden klein. Gleichzeitig entspricht das Verhältnis der Größen des Wurzelsystems, begrenzt durch das Volumen der Schale, und des geschliffenen Teils des Bonsai den Proportionen eines erwachsenen Baumes in der Natur.

- Mizuhiki.
Makramee analog. Dies ist eine alte japanische angewandte Kunst, verschiedene Knoten aus speziellen Schnüren zu binden und daraus Muster zu erstellen. Solche Kunstwerke hatten eine extrem große Bandbreite – von Geschenkkarten und Briefen bis hin zu Frisuren und Handtaschen. Derzeit ist Mizuhiki in der Geschenkindustrie sehr weit verbreitet - für jedes Ereignis im Leben soll ein Geschenk auf eine ganz bestimmte Art und Weise verpackt und gebunden werden. Es gibt extrem viele Knoten und Kompositionen in der Mizuhiki-Kunst, und nicht jeder Japaner kennt sie alle auswendig. Natürlich gibt es die gängigsten und einfachsten Knoten, die am häufigsten verwendet werden: für Glückwünsche zur Geburt eines Kindes, für eine Hochzeit oder Gedenkfeier, einen Geburtstag oder die Zulassung zum Studium.

- Kumihimo.
Kumihimo ist eine japanische geflochtene Schnur. Beim Weben werden Fäden, Bänder und Spitzen erhalten. Diese Schnürsenkel werden auf speziellen Maschinen gewebt - Marudai und Takadai. Die Marudai-Maschine wird zum Weben von runden Spitzen und die Takadai-Maschine zum Weben von flachen verwendet. Kumihimo bedeutet auf Japanisch "Seile weben" (kumi - weben, zusammenfalten, himo - Seil, Spitze). Trotz der Tatsache, dass Historiker hartnäckig darauf bestehen, dass ähnliche Webereien bei den Skandinaviern und Andenbewohnern zu finden sind, ist die japanische Kumihimo-Kunst tatsächlich eine der ältesten Webarten. Die erste Erwähnung geht auf das Jahr 550 zurück, als sich der Buddhismus in ganz Japan verbreitete und besondere Zeremonien besondere Dekorationen erforderten. Später wurden Kumihimo-Schnürsenkel als Befestigungsmittel für den Obi-Gürtel an einem Kimono für Frauen, als Seile zum „Verpacken“ des gesamten Samurai-Waffenarsenals (Samurai verwendeten Kumihimo zu dekorativen und funktionalen Zwecken, um ihre Rüstung und Pferderüstung zu binden) und verwendet auch zum Binden schwerer Gegenstände.
Eine Vielzahl von Mustern des modernen Kumihimo lassen sich sehr einfach auf hausgemachten Webstühlen aus Pappe weben.

-Komono.
Was bleibt von einem Kimono, wenn er ausgedient hat? Glaubst du, es wird weggeworfen? Nichts dergleichen! Die Japaner werden das niemals tun. Kimonos sind teuer. Es ist undenkbar und unmöglich, ihn einfach so wegzuwerfen ... Neben anderen Arten des Kimono-Recyclings stellten Handwerkerinnen aus kleinen Fetzen kleine Souvenirs her. Dies sind kleine Spielzeuge für Kinder, Puppen, Broschen, Girlanden, Damenschmuck und andere Produkte. Der alte Kimono wird zur Herstellung kleiner süßer Dinge verwendet, die zusammen "Komono" genannt werden. Kleine Dinge, die ein Eigenleben entwickeln und den Weg des Kimonos fortsetzen. Das bedeutet das Wort „komono“.

- Kanzashi.
Die Kunst, Haarspangen (meistens mit Blumen (Schmetterlingen usw.) verziert) aus Stoff (hauptsächlich Seide) zu dekorieren. Japanisches Kanzashi (Kanzashi) ist eine lange Haarnadel für eine traditionelle japanische Frauenfrisur. Sie wurden aus Holz, Lack, Silber, Schildpatt, das in traditionellen chinesischen und japanischen Frisuren verwendet wird. Vor etwa 400 Jahren änderte sich in Japan der Stil der Frauenfrisuren: Frauen hörten auf, ihr Haar in der traditionellen Form zu kämmen - Taregami (langes glattes Haar) und begannen, es kompliziert zu stylen bizarre formen - nihongami verwendet verschiedene gegenstände - haarnadeln, stöcke, kämme.Damals verwandelt sich sogar ein einfacher kushi-kamm in ein elegantes accessoire von außergewöhnlicher schönheit, das zu einem echten kunstwerk wird.traditionelle japanische frauentrachten erlaubten es nicht Handgelenkschmuck und Halsketten, so dass Frisurendekorationen die Hauptschönheit und das Feld für Selbstdarstellung waren - sowie den Geschmack und die Dicke der Tasche zu demonstrieren wie der Besitzer. Auf den Gravuren sieht man – wenn man genau hinschaut – wie Japanerinnen locker bis zu zwanzig teure Kanzashi in ihre Frisur hängen.
Es gibt jetzt eine Wiederbelebung der Tradition der Verwendung von Kanzashi unter jungen japanischen Frauen, die ihren Frisuren Raffinesse und Eleganz verleihen möchten. Moderne Haarspangen können mit nur einer oder zwei zierlichen handgefertigten Blumen geschmückt werden.

- Kinusaiga.
Eine erstaunliche Art von Handarbeiten aus Japan. Kinusaiga (絹彩画) ist eine Mischung aus Batik und Patchwork. Die Grundidee ist, dass aus alten Seidenkimonos neue Gemälde zusammengesetzt werden – wahre Kunstwerke.
Zuerst fertigt der Künstler eine Skizze auf Papier an. Dann wird diese Zeichnung auf ein Holzbrett übertragen. Die Kontur des Musters wird mit Rillen oder Rillen durchschnitten, und dann werden kleine Fetzen, die in Farbe und Ton übereinstimmen, aus dem alten Seidenkimono geschnitten, und die Ränder dieser Fetzen füllen die Rillen. Wenn Sie sich ein solches Bild ansehen, haben Sie das Gefühl, ein Foto zu betrachten oder auch nur die Landschaft vor dem Fenster zu betrachten, so realistisch sind sie.

-Temari.
Dies sind traditionelle japanische geometrisch bestickte Bälle, die mit einfachen Stichen hergestellt wurden, die einst ein Kinderspielzeug waren und heute zu einer Kunstform mit vielen Fans nicht nur in Japan, sondern auf der ganzen Welt geworden sind. Es wird angenommen, dass diese Produkte vor langer Zeit von Samurai-Ehefrauen zur Unterhaltung hergestellt wurden. Am Anfang wurden sie wirklich als Ball für ein Ballspiel verwendet, aber nach und nach nahmen sie künstlerische Elemente an und verwandelten sich später in dekorative Ornamente. Die zarte Schönheit dieser Kugeln ist in ganz Japan bekannt. Und heute gehören farbenfrohe, sorgfältig gefertigte Produkte zu den Arten des Volkshandwerks in Japan.

- Yubinuki.
Japanische Fingerhüte werden beim Nähen oder Sticken von Hand auf das Mittelglied des Mittelfingers der arbeitenden Hand gelegt, mit Hilfe der Fingerspitzen wird der Nadel die gewünschte Richtung gegeben und die Nadel durch den Ring in der Mitte geschoben Finger in der Arbeit. Ursprünglich wurden japanische Yubinuki-Fingerhüte ganz einfach hergestellt - ein etwa 1 cm breiter Streifen aus dichtem Stoff oder Leder wurde in mehreren Lagen fest um den Finger gewickelt und mit ein paar einfachen Zierstichen zusammengehalten. Da waren die Yubinuks notwendiges Thema In jedem Haus wurden sie mit geometrischen Stickereien mit Seidenfäden verziert. Aus der Verflechtung von Maschen entstanden bunte und komplexe Muster. Yubinuki von einem einfachen Haushaltsgegenstand hat sich auch zu einem Objekt zum "Bewundern", zur Dekoration des Alltags entwickelt.
Yubinuki werden immer noch zum Nähen und Sticken verwendet, aber man findet sie auch einfach an den Händen an jedem Finger, wie dekorative Ringe. Stickereien im Yubinuki-Stil werden verwendet, um verschiedene Objekte in Form eines Rings zu dekorieren - Serviettenringe, Armbänder, Temari-Ständer, die mit Yubinuki-Stickerei verziert sind, und es gibt auch gestickte Nadelbetten im gleichen Stil. Yubinuki-Muster können eine großartige Inspiration für Temari-Obi-Stickereien sein.

- Suibokuga oder Sumie.
Japanische Tuschemalerei. Dieser chinesische Malstil wurde im 14. Jahrhundert und Ende des 15. Jahrhunderts von japanischen Künstlern übernommen. wurde zum Mainstream der Malerei in Japan. Suibokuga ist einfarbig. Es zeichnet sich durch die Verwendung von schwarzer Tinte (Sumi) aus, einer festen Form Holzkohle oder aus dem Ruß chinesischer Tusche, die in einem Tintenfass gemahlen, mit Wasser verdünnt und mit einem Pinsel auf Papier oder Seide aufgetragen wird. Monochrom bietet dem Meister eine endlose Auswahl an Tonoptionen, die die Chinesen vor langer Zeit als die „Farben“ der Tinte erkannten. Suibokuga erlaubt manchmal die Verwendung echter Farben, beschränkt sie aber auf dünne, transparente Striche, die immer der Tintenlinie untergeordnet bleiben. Die Tuschemalerei teilt mit der Kunst der Kalligrafie so wesentliche Eigenschaften wie streng kontrollierten Ausdruck und technische Beherrschung der Form. Die Qualität der Tuschemalerei hängt, wie in der Kalligraphie, von der Unversehrtheit und Reißfestigkeit der mit Tusche gezeichneten Linie ab, die das Kunstwerk sozusagen an sich hält, so wie Knochen Gewebe an sich halten.

- Etegami.
Gezeichnete Postkarten (e - Bild, getaggt - Brief). Das Selbermachen von Postkarten ist in Japan im Allgemeinen eine sehr beliebte Aktivität, und vor den Feiertagen nimmt ihre Popularität noch weiter zu. Die Japaner lieben es, Postkarten an ihre Freunde zu schicken, und sie lieben es auch, sie zu erhalten. Dies ist eine Art Schnellbrief auf speziellen Rohlingen, der ohne Umschlag per Post verschickt werden kann. Nicht im Etegami besondere Regeln oder ein Techniker, es kann jede Person ohne besondere Ausbildung sein. Etagami hilft dabei, die Stimmung und Eindrücke genau auszudrücken. Dies ist eine handgefertigte Postkarte, die aus einem Bild und einem kurzen Brief besteht und die Emotionen des Absenders wie Wärme, Leidenschaft, Fürsorge, Liebe usw. vermittelt. Sie versenden diese Postkarten für die Feiertage und einfach so, mit Jahreszeiten, Aktivitäten, Gemüse und Obst, Menschen und Tieren. Je einfacher dieses Bild gezeichnet ist, desto interessanter sieht es aus.

- Furoshiki.
Japanische Wickeltechnik oder die Kunst des Stofffaltens. Furoshiki trat lange Zeit in das Leben der Japaner ein. Alte Schriftrollen aus der Kamakura-Muromachi-Periode (1185 - 1573) mit Bildern von Frauen, die Kleiderbündel auf dem Kopf tragen, sind erhalten geblieben. Diese interessante Technik entstand bereits 710 - 794 n. Chr. in Japan. Das Wort „Furoshiki“ bedeutet wörtlich „Badeteppich“ und ist ein quadratisches Stück Stoff, das zum Einwickeln und Tragen von Gegenständen aller Formen und Größen verwendet wurde.
Früher war es üblich, japanische Bäder (furo) in Kimonos aus leichter Baumwolle zu betreten, die Besucher von zu Hause mitbrachten. Der Badegast brachte auch eine spezielle Decke (Shiki) mit, auf der er beim Ausziehen stand. Nachdem er sich in einen "Bade"-Kimono verwandelt hatte, wickelte der Besucher seine Kleidung in eine Decke und nach dem Bad wickelte er einen nassen Kimono in eine Decke, um ihn nach Hause zu bringen. So wird aus der Badematte eine multifunktionale Tasche.
Furoshiki ist sehr einfach zu verwenden: Der Stoff nimmt die Form des Objekts an, das Sie einwickeln, und die Griffe erleichtern das Tragen der Last. Darüber hinaus erhält ein Geschenk, das nicht in hartes Papier, sondern in einen weichen, mehrschichtigen Stoff verpackt ist, eine besondere Ausdruckskraft. Es gibt viele Schemata zum Falten von Furoshiki für jeden Anlass, jeden Tag oder festlich.

- Amigurumi.
Die japanische Kunst des Strickens oder Häkelns kleiner Kuscheltiere und humanoider Wesen. Amigurumi (編み包み, wörtlich: „gestrickt-eingewickelt“) sind meistens niedliche Tiere (wie Bären, Hasen, Katzen, Hunde usw.), kleine Männer, aber sie können auch unbelebte Objekte sein, die mit menschlichen Eigenschaften ausgestattet sind. Zum Beispiel Cupcakes, Hüte, Handtaschen und andere. Amigurumi wird gestrickt oder gestrickt oder gehäkelt. In letzter Zeit sind gehäkelte Amigurumi immer beliebter und häufiger geworden.
in einer einfachen Strickmethode aus Garn gestrickt - in einer Spirale und im Gegensatz zur europäischen Strickmethode sind die Kreise normalerweise nicht verbunden. Sie werden auch in einer kleineren Größe im Verhältnis zur Garnstärke gehäkelt, um einen sehr dichten Stoff ohne Lücken zum Herauskommen der Füllung zu schaffen. Amigurumi werden oft aus Teilen hergestellt und dann zusammengesetzt, mit Ausnahme einiger Amigurumi, die keine Gliedmaßen haben, sondern nur Kopf und Rumpf, die ein Ganzes bilden. Die Gliedmaßen sind manchmal mit Plastikteilen gefüllt, um ihnen Lebendgewicht zu verleihen, während der Rest des Körpers mit Faserfüllung gefüllt ist.
Die Verbreitung der Amigurumi-Ästhetik wird durch ihre Niedlichkeit („kawaii“) begünstigt.