Die Hauptströmungen und Richtungen der neuen Ära der Ästhetik. Geschichte der Ästhetik: Ästhetik der Neuzeit

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Einführung

1. Ästhetik als philosophische Wissenschaft

2. Ästhetische Vorstellungen der Völker des Alten Orients

3. Antikes ästhetisches Denken

4. Ästhetik des Mittelalters

5. Ästhetische Lehren der Renaissance

6. Ästhetik der neuen Zeit

7. Ästhetische Ideen der deutschen klassischen Philosophie

8. Nichtklassische Konzepte der westeuropäischen Ästhetik

Einführung

Die Möglichkeit, das menschliche Schicksal mit der Schönheit in Kontakt zu bringen, ist eine der erstaunlichsten Gelegenheiten, die die wahre Freude an der Kommunikation mit der Welt, die Erhabenheit des Daseins offenbaren kann. Doch diese Chance des Seins bleibt oft unbeansprucht, vertan. Und das Leben wird gewöhnlich grau, eintönig, unattraktiv. Warum passiert das?

Das Verhalten natürlicher Wesen ist durch die Struktur ihres Organismus vorgegeben. Jedes Tier wird also bereits mit einer Reihe von Instinkten auf die Welt geboren, die die Anpassungsfähigkeit an die Umwelt gewährleisten. Das Verhalten von Tieren ist fest programmiert, sie haben den „Sinn“ ihres eigenen Lebens.

Diese angeborene Verhaltenssicherheit hat der Mensch nicht, da in jedem Individuum die Möglichkeit zur unbegrenzten (sowohl positiven als auch negativen) Entwicklung steckt. Daraus erklärt sich die unerschöpfliche Vielfalt individueller Verhaltensweisen, die Unberechenbarkeit jedes Einzelnen. Wie Montaigne feststellte, gibt es weniger Ähnlichkeiten zwischen zwei Vertretern der menschlichen Rasse als zwischen zwei Tieren.

Mit anderen Worten, wenn ein Individuum geboren wird, befindet es sich sofort in einer unsicheren Situation für sich selbst. Trotz der reichsten Neigungen sagen Ihnen seine Gene nicht, wie Sie sich verhalten, wonach Sie streben, was Sie vermeiden, was Sie in dieser Welt lieben, was Sie hassen, wie Sie wahre Schönheit von falsch unterscheiden sollen usw. Gene schweigen über das Wichtigste, sich an jedes Verhalten anzupassen. Wie wird eine Person mit ihren Fähigkeiten umgehen? Wird das Licht der Schönheit in seinem Kopf aufblitzen? Wird er dem Druck der hässlichen Basis widerstehen können?

Es war die Anziehungskraft des Schönen und gleichzeitig der Wunsch eines Menschen, den zerstörerischen Einfluss der Basis zu überwinden, die zu einem der wichtigsten Gründe für die Entstehung einer speziellen Schönheitswissenschaft wurde.

Um die wachsende Relevanz ästhetischer Fragestellungen zu verstehen, ist es notwendig, darauf zu achten ganze Linie Merkmale der technogenen Entwicklung. Die moderne Gesellschaft ist mit dem gefährlichsten Trend in der gesamten Menschheitsgeschichte konfrontiert: dem Widerspruch zwischen der globalen Natur des wissenschaftlichen und technologischen Starts und den Einschränkungen des menschlichen Bewusstseins, der zu einer allgemeinen Katastrophe führen kann.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden kolossale spirituelle, wissenschaftliche und technische Erfahrungen gesammelt. Die Ideen von Humanismus, Freundlichkeit, Gerechtigkeit und Schönheit wurden weithin anerkannt. Alle Formen des Bösen wurden aufgedeckt und ein ganzes spirituelles Universum wurde geformt, das Schönheit kultivierte.

Aber die Weltgemeinschaft ist nicht klüger, harmonischer und menschlicher geworden. Und umgekehrt. Es stellte sich heraus, dass die Zivilisation des 20. Jahrhunderts in die massivsten Verbrechen verwickelt war und grundlegende Arten der Existenz replizierte. Zahlreiche hässliche gesellschaftliche Umwälzungen, extreme Äußerungen sinnloser Grausamkeiten im gesamten 20. Jahrhundert zerstörten den Glauben an den Menschen, ein optimistisches Persönlichkeitsbild. Schließlich wurden in dieser Zeit Millionen von Menschen zerstört. Scheinbar unerschütterliche Säulen jahrhundertealter kultureller Werte wurden vom Antlitz der Erde getilgt.

Eine der auffälligsten Tendenzen des vergangenen Jahrhunderts hängt mit der Verschärfung des tragischen Weltbildes zusammen. Selbst in wirtschaftlich stabilen Ländern steigt die Zahl der Suizide stetig, Millionen Menschen leiden darunter verschiedene Formen Depression. Die Erfahrung persönlicher Harmonie wird zu einem fragilen, unsicheren, eher seltenen Zustand, zu dem es immer schwieriger wird, im Strom des universellen menschlichen Chaos zu durchbrechen.

Reflexionen über die Zufälligkeit, Ungewissheit, Chaotik der menschlichen Existenz, die wachsende Skepsis gegenüber der Suche nach verlässlichen semantischen Leitlinien und der Entdeckung wahrer Schönheit werden zum dominierenden Motiv der Kultur.

Warum ist die Bewegung des Menschen in Zeit und Raum so tragisch? Ist es möglich, wachsende störende Symptome im menschlichen Leben zu überwinden? Und vor allem, auf welchen Wegen findet nachhaltige Harmonie statt?

Die häufigste Geisteskrankheit ist das Herausfallen aus der Welt der Schönheit. Tatsache ist, dass eine Person oft Glück sucht, indem sie den äußeren Raum beherrscht, nach Reichtum, Macht, Ruhm und physiologischen Freuden sucht. Und auf diesem Weg kann er gewisse Höhen erreichen. Sie sind jedoch nicht in der Lage, anhaltende Angst, Angst, zu überwinden, weil der Glaube an die unbegrenzte Macht des Geldes zu groß ist und infolgedessen der tiefe Kontakt mit der heiligen Grundlage des Seins - Schönheit - verloren geht.

Und in diesem Sinne kann die Ästhetik als Wissenschaft über die Schönheit, über den unerschöpflichen Reichtum und die Paradoxie ihrer Manifestationen in der Weltkultur zum wichtigsten Faktor der Humanisierung des Individuums werden. Und so besteht die Hauptaufgabe der Ästhetik darin, die allumfassende Phänomenalität des Schönen zu offenbaren, die Wege der Harmonisierung eines Menschen zu begründen, um ihn in der Welt der unentrinnbaren Schönheit und Kreativität zu verwurzeln. Als F. M. Dostojewski: "Ästhetik ist die Entdeckung schöner Momente in der menschlichen Seele durch dieselbe Person zur Selbstverbesserung."

1. EÄsthetik als philosophische Wissenschaft

Ästhetik ist ein System des Wissens über die allgemeinsten Eigenschaften und Entwicklungsgesetze von schönen und hässlichen, erhabenen und niederen, tragischen und komischen Phänomenen der Realität und den Merkmalen ihrer Widerspiegelung im menschlichen Geist. Ästhetik ist eine philosophische Wissenschaft, die mit der Lösung der Hauptfrage der Philosophie verbunden ist. In der Ästhetik erscheint sie als Frage nach dem Verhältnis des ästhetischen Bewusstseins zur Wirklichkeit.

Das Thema Ästhetik

Es entstand im Prozess der jahrhundertealten Entwicklung des ästhetischen Denkens auf der Grundlage einer Verallgemeinerung der Praxis der ästhetischen Einstellung der Menschen zu den Produkten ihrer Tätigkeit, zu Kunstwerken, zur Natur, zum Menschen selbst. Viele der Fragen, die die Ästhetik heute erforscht, beschäftigen die Menschheit schon lange; sie wurden von den alten Griechen vor sich hingestellt, und vor den Griechen dachten die Denker Ägyptens, Babylons, Indiens und Chinas an sie.

Der Name der Wissenschaft - Ästhetik - wurde jedoch erst Mitte des 18. Jahrhunderts von dem deutschen Philosophen in Umlauf gebracht Baumgarten. Vor ihm wurden Fragen der Ästhetik im Rahmen allgemeiner philosophischer Konzepte als deren organischer Teil betrachtet. Und nur dieser deutsche Aufklärer hat die Ästhetik im Rahmen der Philosophie als eigenständige Disziplin herausgehoben, die einen Platz neben anderen philosophischen Disziplinen einnimmt – Logik, Ethik, Erkenntnistheorie und so weiter. Baumgarten leitete den Begriff „Ästhetik“ von einem altgriechischen Wort ab, das „das Sinnliche betreffen“ bedeutet. Dementsprechend ist seine Ästhetik die Wissenschaft der sinnlichen Wahrnehmung. Das Thema Ästhetik und damit der Inhalt dieses Begriffs hat sich seither ständig verändert. Heute sind die Themen dieser Wissenschaft: erstens die Natur des Ästhetischen, das heißt die meisten Allgemeine Charakteristiken, Seiten, die verschiedenen ästhetischen Objekten der Realität innewohnen; zweitens die Art der Widerspiegelung dieser Phänomene im menschlichen Geist, in ästhetischen Bedürfnissen, Wahrnehmungen, Ideen, Idealen, Ansichten und Theorien; drittens die Natur der ästhetischen Tätigkeit der Menschen als Prozess der Schaffung ästhetischer Werte.

Das Wesen und die Besonderheit der ästhetischen Einstellung zur Welt

Die ästhetische Beziehung ist die spirituelle Verbindung des Subjekts mit dem Objekt, basierend auf einem uneigennützigen Verlangen nach letzterem und begleitet von einem Gefühl tiefer spiritueller Freude durch die Kommunikation mit ihm.

Ästhetische Objekte entstehen im Prozess der sozialgeschichtlichen Praxis: zunächst spontan und dann in Übereinstimmung mit den aufkommenden ästhetischen Gefühlen, Bedürfnissen, Ideen, im Allgemeinen dem ästhetischen Bewusstsein der Menschen. Von ihr geleitet, formt der Mensch die „Substanz“ der Natur nach den Gesetzen der ästhetischen Tätigkeit. Infolgedessen erscheinen die von ihm geschaffenen Objekte, zum Beispiel Werkzeuge, als Einheit der natürlichen und sozialen Aspekte, eine Einheit, die als ästhetischer Wert nicht nur die materiellen, nützlichen, sondern auch die spirituellen Bedürfnisse befriedigen kann von Leuten.

Gleichzeitig kann sich derselbe Gegenstand in einer Hinsicht als ästhetisch wertvoll erweisen, zum Beispiel schön, und in einer anderen als ästhetisch anti-wertvoll. Zum Beispiel kann eine Person als Objekt ästhetischer Einstellung eine schöne Stimme und ein hässliches Aussehen haben. Außerdem kann dasselbe ästhetische Objekt in derselben Hinsicht sowohl wertvoll als auch anti-wertvoll sein, aber zu unterschiedlichen Zeiten. Die Tatsache, dass ein ästhetisches Objekt eine relative ästhetische Bedeutung hat, wird auch durch die Polarität der ästhetischen Hauptkategorien (schön und hässlich, erhaben und niedrig, tragisch und komisch) belegt.

Problemfeld und methodische Grundlage der Ästhetik

Einer der modernen Ansätze, das Thema Ästhetik als Wissenschaft zu betrachten, besteht darin, dass das Problemfeld der Ästhetik keine spezielle Sphäre von Phänomenen ist, sondern die ganze Welt unter einem bestimmten Blickwinkel betrachtet, alle Phänomene im Lichte der Aufgabe, die diese darstellt Wissenschaft löst. Die Hauptfragen dieser Wissenschaft sind das Wesen des Ästhetischen und seine Vielfalt in der Realität und in der Kunst, die Prinzipien der ästhetischen Einstellung des Menschen zur Welt, das Wesen und die Gesetze der Kunst. Die Ästhetik als Wissenschaft drückt das System der ästhetischen Sichtweisen der Gesellschaft aus, die das ganze Gesicht der materiellen und geistigen Aktivität der Menschen prägen.

Dies betrifft zunächst die Position, dass ästhetische Phänomene in ihrer endgültigen Qualität ganzheitlich betrachtet werden müssen. Denn in einer ganzheitlichen, finalen Qualität manifestiert sich die Einheit der objektiven und subjektiven Bedingung ästhetischer Phänomene.

Die Umsetzung dieses methodischen Prinzips beginnt mit der Entdeckung der genetischen Wurzeln ästhetischer Phänomene. Der genetische Gesichtspunkt ist das ursprüngliche methodische Prinzip der Ästhetik. Es erklärt, wie ästhetische Phänomene (z. B. Kunst) von der Realität sowie von der Originalität der Persönlichkeit des Autors bestimmt werden. Der genetische Gesichtspunkt ist das wichtigste methodologische Prinzip der Ästhetik, dank dessen der Subjekt-Objekt-Charakter ästhetischer Phänomene berücksichtigt wird.

Struktur der ästhetischen Theorie

Das ästhetische Verhältnis eines Menschen zur Realität ist sehr vielfältig und vielseitig, am deutlichsten manifestiert es sich jedoch in der Kunst. Kunst ist auch Gegenstand der sogenannten kunsthistorischen Wissenschaften (Literaturkritik, Musikwissenschaft, Geschichte und Theorie der bildenden Künste, Theaterwissenschaft etc.). Die Kunstgeschichte besteht aus verschiedenen Wissenschaften (Geschichte und Theorie bestimmte Typen Künste). Den Komplex aus Theorien einzelner Kunstgattungen und kunsttheoretischen Erkenntnissen nennen manche Ästhetiker die allgemeine Kunsttheorie und grenzen sie von der eigentlichen Ästhetik ab.

Die kunsthistorischen Wissenschaftszweige erfüllen die Funktion wissenschaftlicher Hilfsdisziplinen in Bezug auf die Ästhetik. Damit enden die Hilfsdisziplinen der Ästhetik jedoch nicht. Die gleichen wissenschaftlichen Hilfsdisziplinen sind ihr gegenüber beispielsweise Kunstsoziologie, Kunstpsychologie, Erkenntnistheorie, Semantik usw. Die Ästhetik nutzt die Erkenntnisse vieler wissenschaftlicher Disziplinen, ohne mit ihnen identisch zu sein. Daher wird die Ästhetik aufgrund ihres verallgemeinernden Charakters als philosophische Wissenschaft bezeichnet.

Das spezifische Verhältnis von Ästhetik und Kunst manifestiert sich deutlich in der Kunstkritik. Ästhetik ist die theoretische Grundlage der Kritik; hilft ihr, die Probleme der Kreativität richtig zu verstehen und Aspekte hervorzuheben, die mit der Bedeutung der Kunst für Mensch und Gesellschaft übereinstimmen. Auf der Grundlage ihrer Schlussfolgerungen und Prinzipien, auf der Grundlage etablierter Muster gibt die Ästhetik der Kritik die Möglichkeit, Bewertungskriterien zu erstellen, Kreativität im Hinblick auf aktuelle Anforderungen an die Entwicklung sozialer und wertbezogener Aspekte zu bewerten.

2. Ästhetische Vorstellungen der Völker des Alten Orients

Traditionalismus der alten östlichen Kulturen

Der Übergang vom primitiven Gemeinschaftssystem zur Formation der Sklavenhalter führte zur Bildung einer Reihe mächtiger Zivilisationen des Ostens mit einem hohen Niveau an materieller und spiritueller Kultur.

Zu den Besonderheiten der Entwicklung der alten östlichen Kulturen gehört ein solches Merkmal wie eine Tiefe Traditionalismus. Bestimmte frühe Ideen und Ideen lebten manchmal viele Jahrhunderte und sogar Jahrtausende in den Kulturen des Ostens. Für eine lange Zeit der Existenz der alten Kulturen des Ostens betraf die Entwicklung einzelne Nuancen bestimmter Ideen, und ihre Basis blieb unverändert.

Antikes Ägypten

Die Ägypter erzielten große Erfolge in den Bereichen Astronomie, Mathematik, Ingenieur- und Bauwissenschaften, Medizin, Geschichte, Geographie. Die frühe Erfindung der Schrift trug zur Entstehung origineller Beispiele hochkünstlerischer altägyptischer Literatur bei. Die Entwicklung der Kunst und ihr ehrenvoller Platz in der ägyptischen Kultur schufen die Grundlage für das Erscheinen der ersten in schriftlichen Quellen aufgezeichneten ästhetischen Urteile. Letztere bezeugen, dass die alten Ägypter einen hoch entwickelten Sinn für Schönheit, Schönheit (Nefer) hatten. Wort "nefer" trat der offizielle Titel der Pharaonen ein.

Das alte Ägypten gilt als Geburtsort der Lichtreligion und Lichtästhetik. Das vergötterte Sonnenlicht wurde bei den alten Ägyptern als das höchste Gut und die höchste Schönheit verehrt. Licht und Schönheit werden seit der Antike in der ägyptischen Kultur identifiziert. Die Essenz göttlicher Schönheit wurde oft auf Strahlen reduziert.

Ein weiterer Aspekt der Schönheit, der fast allen alten östlichen Kulturen innewohnt, ist die hohe ästhetische Wertschätzung von Edelmetallen. Gold, Silber, Elektr, Lapislazuli waren im Verständnis der Ägypter die schönsten Materialien. Auf der Grundlage der Vorstellungen der alten Ägypter über das Schöne und das Schöne entstand die Farbe. KanonÄgypter. Es enthielt einfache Farben: weiß, rot, grün. Aber die Ägypter schätzten besonders die Farben Gold und Lapislazuli. „Gold“ galt oft als Synonym für „schön“.

Das künstlerische Denken der Ägypter aus der Antike hat als Ergebnis langer Übung ein entwickeltes Kanonsystem entwickelt: den Kanon der Proportionen, den Farbkanon, den ikonografischen Kanon. Der Kanon ist hier zum wichtigsten ästhetischen Prinzip geworden, das die kreative Tätigkeit des Künstlers bestimmt. Der Kanon spielte eine wichtige Rolle in der Arbeit der altägyptischen Meister und lenkte ihre kreative Energie. Die künstlerische Wirkung in der kanonischen Kunst wurde durch die leichte Variation der Formen innerhalb des kanonischen Schemas erreicht.

Die Ägypter schätzten die Mathematik und wandten ihre Gesetze auf fast alle Bereiche ihrer Tätigkeit an. Für die bildende Kunst entwickelten sie ein System der harmonischen Bildproportionierung. Der Modul dieses Systems war ein numerischer Ausdruck "goldener Schnitt"-- die Zahl 1.618... Da die Proportionen universeller Natur waren, sich auf viele Bereiche der Wissenschaft, Philosophie und Kunst ausbreiteten und von den Ägyptern selbst als Spiegelbild der harmonischen Struktur des Universums wahrgenommen wurden, galten sie als heilig .

Antikes China

Das chinesische ästhetische Denken wurde erstmals unter den Philosophen des 6. bis 3. Jahrhunderts v. Chr. eindeutig identifiziert. e. Ästhetische Konzepte und Begriffe sowie die wichtigsten Bestimmungen der ästhetischen Theorie wurden in entwickelt antikes China auf der Grundlage des philosophischen Verständnisses der Natur- und Gesellschaftsgesetze.

Unter den vielen Schulen und Richtungen gehörte ein besonderer Platz dazu Taoismus Und Konfuzianismus . Diese beiden Lehren spielten in der Antike eine führende Rolle und hatten einen entscheidenden Einfluss auf die gesamte spätere Entwicklung. chinesische Kultur. Sowohl der Taoismus als auch der Konfuzianismus befassten sich mit der Suche nach einem gesellschaftlichen Ideal, aber die Richtung ihrer Suche war eine völlig andere. Der zentrale Teil des Taoismus war die Weltlehre. Alles andere - die Gesellschafts- und Staatslehre, die Erkenntnistheorie, die Kunsttheorie (in ihrer alten Form) - ging von der Weltlehre aus. Im Zentrum der konfuzianischen Philosophie stand ein Mensch in seiner Öffentlichkeitsarbeit, ein Mensch als Basis unerschütterlicher Ruhe und Ordnung, ein ideales Mitglied der Gesellschaft. Mit anderen Worten, im Konfuzianismus haben wir es immer mit einem ethischen und ästhetischen Ideal zu tun, während es für den Taoismus nichts Schöneres gibt als den Kosmos und die Natur, und die Gesellschaft und der Mensch sind so schön, wie sie werden können, wie die Schönheit der objektiven Welt . Die ästhetischen Ansichten von Konfuzius und seinen Anhängern entwickelten sich im Einklang mit ihrer gesellschaftspolitischen Theorie. Schon der Begriff „schön“ (Dürfen) bei Konfuzius ist es ein Synonym für „gut“, oder es bedeutet einfach äußerlich schön. Im Allgemeinen ist das ästhetische Ideal des Konfuzius eine synthetische Einheit des Schönen, des Guten und des Nützlichen.

3. Antikes ästhetisches Denken

Antike Ästhetik ist ein ästhetischer Gedanke, der sich im antiken Griechenland und Rom vom 6. Jahrhundert v. Chr. bis zum 6. Jahrhundert n. Chr. Entwickelte. Mit mythologischen Ideen als Quelle entsteht, gedeiht und vergeht die antike Ästhetik im Rahmen der Sklavenhalterbildung, die einer der auffälligsten Ausdrucksformen der damaligen Kultur ist.

In der Geschichte der antiken Ästhetik werden folgende Perioden unterschieden: 1) frühe Klassik oder kosmologische Ästhetik (VI-V Jahrhunderte v. Chr.); 2) mittlere Klassik oder anthropologische Ästhetik (5. Jahrhundert v. Chr.); 3) hohe (reife) Klassiker oder eidologische Ästhetik (V-IV Jahrhunderte v. Chr.); 4) früher Hellenismus (IV-I Jahrhunderte v. Chr.); 5) Späthellenismus (I-VI Jahrhunderte n. Chr.).

Kosmologismus als Grundlage der antiken Ästhetik

Für ästhetische Vorstellungen wie auch für das gesamte Weltbild der Antike ist ein betonter Kosmologismus charakteristisch. Der Kosmos wirkte aus Sicht der Alten zwar räumlich begrenzt, aber durch Harmonie, Proportion und Regelmäßigkeit der Bewegung darin ausgezeichnet, als Verkörperung der Schönheit. Die Kunst war in der Frühzeit des antiken Denkens noch nicht vom Handwerk getrennt und fungierte nicht als durchgängiges ästhetisches Objekt. Kunst war für die Griechen eine produktive und technische Tätigkeit. Daher die unauflösliche Einheit der praktischen und rein ästhetischen Einstellung zu Gegenständen und Phänomenen. Nicht umsonst hat das Wort „techne“, mit dem die Griechen den Kunstbegriff ausdrücken, dieselbe Wurzel wie „tikto“ – „ich gebäre“, so dass „Kunst“ im Griechischen „Erzeugung“ oder „Material“ bedeutet Schöpfung durch ein Ding aus sich selbst dasselbe, aber neue Dinge.

vorklassische Ästhetik

In ihrer reinsten und direktesten Form wurde die antike Ästhetik, verkörpert in der Mythologie, auf der Stufe der primitiven Gemeinschaftsbildung geformt. Das Ende des II. und der ersten Jahrhunderte des I. Jahrtausends v. e. waren in Griechenland eine Zeit epischer Kreativität. Griechisches Epos, das in Gedichten festgehalten wird Homer Die Ilias und die Odyssee sind nur die Quelle, aus der die antike Ästhetik hervorgegangen ist.

Für Homer war Schönheit eine Gottheit und die Hauptkünstler waren die Götter. Die Götter waren nicht nur die kosmischen Prinzipien, die dem Kosmos als Kunstwerk zugrunde liegen, sondern sie waren es auch für die menschliche Kreativität. Apollo und die Musen inspirierten Sänger und in der Arbeit des homerischen Sängers Hauptrolle nicht der Sänger selbst spielte, sondern die Götter, allen voran Apoll und die Musen.

Schönheit wurde von Homer in Form der dünnsten, durchsichtigen, leuchtenden Materie, in Form eines fließenden, lebendigen Stroms konzipiert. Schönheit wirkte wie eine Art leichter, luftiger Glanz, der Gegenstände umhüllen, bekleiden kann. Begabung, Umhüllung mit Schönheit ist äußerlich. Aber es gab auch eine innere Begabung. Es ist vor allem die Inspiration der homerischen Sänger und von Homer selbst.

Spezielle ästhetische Lehren der Antike

Es gab mehrere solcher Lehren, zu deren Problemen sich viele antike Autoren zu äußern versuchten.

Kalokagatija ("Kalos" - schön, "agatos" - gut, moralisch perfekt) - eines der Konzepte der antiken Ästhetik, das die Harmonie des Äußeren und Inneren bezeichnet, die eine Bedingung für die Schönheit des Individuums ist. Der Begriff „kalokagatia“ wurde in verschiedenen Perioden der sozialgeschichtlichen Entwicklung der antiken Gesellschaft je nach Denkweise unterschiedlich interpretiert. Die Pythagoräer verstanden darunter das äußere Verhalten eines Menschen, bestimmt durch innere Eigenschaften. Das alte aristokratische Verständnis von „kalokagatia“ ist Herodot innewohnend, der es in Verbindung mit priesterlichen Traditionen betrachtete, Plato, der es mit militärischem Können, „natürlichen“ Eigenschaften oder mit allgemeinen Merkmalen in Verbindung brachte. Mit der Entwicklung der alten individuellen Wirtschaft wurde der Begriff „kalokagatia“ verwendet, um praktische und fleißige Eigentümer zu bezeichnen, und im Bereich des politischen Lebens wurde er (als Substantiv) auf gemäßigte Demokraten angewendet. Ende des 5. Jahrhunderts v. e. Mit dem Aufkommen der Sophistik wurde der Begriff "kalokagatiya" verwendet, um Lernen und Bildung zu charakterisieren. Platon und Aristoteles verstanden Kalokagatiya philosophisch - als die Harmonie von Innen und Außen, und unter Innen verstanden sie Weisheit, deren Umsetzung im Leben eine Person zu Kalokagatiya führte. Mit der Entwicklung von Individualismus und Psychologismus in der Ära des Hellenismus wurde Kalokagatiya nicht mehr als natürliche Eigenschaft interpretiert, sondern als Ergebnis moralischer Übungen und Schulungen, was zu seinem moralistischen Verständnis führte.

Katharsis (Reinigung) - ein Begriff, der dazu diente, einen der wesentlichen Momente der ästhetischen Wirkung von Kunst auf eine Person zu bezeichnen. Die Pythagoräer entwickelten die Theorie, die Seele von schädlichen Leidenschaften zu reinigen, indem sie sie speziell ausgewählter Musik aussetzten. Plato verband die Katharsis nicht mit den Künsten, sondern verstand sie als die Reinigung der Seele von sinnlichen Bestrebungen, von allem Körperlichen, die die Schönheit der Ideen verdunkelt und verzerrt. Eigentlich wurde das ästhetische Verständnis der Katharsis von Aristoteles gegeben, der schrieb, dass unter dem Einfluss von Musik und Gesängen die Psyche der Zuhörer erregt wird, starke Affekte (Mitleid, Angst, Begeisterung) darin entstehen, wodurch die Zuhörer „erhalten eine Art Reinigung und Erleichterung, die mit Genuss verbunden ist …“ . Er wies auch auf die kathartische Wirkung der Tragödie hin und definierte sie als eine besondere Art der "Nachahmung durch Handlung, nicht durch Geschichte, die durch Mitgefühl und Angst solche Affekte reinigt".

Mimesis (Nachahmung, Reproduktion) - in der antiken Ästhetik das Grundprinzip künstlerischen Schaffens. Ausgehend von der Tatsache, dass alle Künste auf Mimesis beruhen, interpretierten Denker der Antike das Wesen dieses Konzepts auf unterschiedliche Weise. Die Pythagoräer glaubten, dass Musik die "Harmonie der himmlischen Sphären" imitiert, Demokrit war überzeugt, dass Kunst im weitesten Sinne (als produktive menschliche schöpferische Tätigkeit) aus der Nachahmung des Menschen durch Tiere (Weben - aus der Nachahmung einer Spinne, eines Hauses -Bauen - eine Schwalbe, Singen - Vögel usw.). Plato glaubte, dass Nachahmung die Grundlage aller Kreativität ist. Die eigentliche ästhetische Theorie der Mimesis gehört Aristoteles. Es umfasst sowohl eine adäquate Reflexion der Realität (die Darstellung der Dinge als „sie waren und sind“) als auch die Aktivität der kreativen Vorstellungskraft (ihre Darstellung als „über sie gesprochen und gedacht wird“) und die Idealisierung der Realität (ihre Darstellung als solche, „was sie sein sollten“). Der Zweck der Mimesis in der Kunst ist nach Aristoteles der Erwerb von Wissen und die Anregung eines Lustgefühls durch die Reproduktion, Betrachtung und Wahrnehmung eines Objekts.

4. Ästhetik des Mittelalters

Grundprinzipien

Mittelalterliche Ästhetik ist ein Begriff, der in zwei Bedeutungen verwendet wird, weit und eng. Im weitesten Sinne des Wortes ist mittelalterliche Ästhetik die Ästhetik aller mittelalterlichen Regionen, einschließlich der Ästhetik Westeuropas, der byzantinischen Ästhetik, der altrussischen Ästhetik und anderer. Im engeren Sinne ist die mittelalterliche Ästhetik die Ästhetik Westeuropas im 5.-14. Jahrhundert. In letzterem werden zwei chronologische Hauptperioden unterschieden - das frühe Mittelalter (5. - 10. Jahrhundert) und das späte Mittelalter (11. - 14. Jahrhundert) - sowie zwei Hauptbereiche - die philosophische und theologische und die Kunstkritik. Die erste Periode der mittelalterlichen Ästhetik ist durch eine Schutzstellung gegenüber dem antiken Erbe gekennzeichnet. Im späten Mittelalter erschienen spezielle ästhetische Abhandlungen als Teil großer philosophischer und religiöser Kodizes (die sogenannten "Summen"), die das theoretische Interesse an ästhetische Probleme, was besonders charakteristisch für die Denker des XII - XIII Jahrhunderts ist.

Die große chronologische Periode des Mittelalters im Westen korreliert mit der sozioökonomischen Formation des Feudalismus. Die hierarchische Struktur der Gesellschaft spiegelt sich im mittelalterlichen Weltbild in Form der Vorstellung von der sogenannten himmlischen Hierarchie wider, die in Gott ihre Vollendung findet. Die Natur wiederum erweist sich als sichtbare Manifestation des übersinnlichen Prinzips (Gott). Ideen über Hierarchie sind symbolisch. Separate sichtbare, sinnliche Phänomene werden nur als Symbole des "unsichtbaren, unaussprechlichen Gottes" wahrgenommen. Die Welt wurde als System gedacht Zeichenhierarchie.

Byzantinische Ästhetik

In den Jahren 324-330 gründete Kaiser Konstantin die neue Hauptstadt des Römischen Reiches an der Stelle einer kleinen antiken Stadt von Byzanz - Konstantinopel. Etwas später spaltete sich das Römische Reich in zwei Teile – West und Ost. Konstantinopel wurde die Hauptstadt der letzteren. Seit dieser Zeit ist es üblich, die Geschichte der byzantinischen Kultur zu betrachten, die bis 1453 im Rahmen eines einzigen Staates existierte.

Byzantinische Ästhetik, die viele auf ihre Weise aufgenommen und überarbeitet hat ästhetische Vorstellungen Antike, stellte und versuchte, eine Reihe neuer, für die Geschichte der Ästhetik bedeutsamer Probleme zu lösen. Darunter sind die Entwicklung von Kategorien wie Bild, Symbol, Kanon, neue Modifikationen des Schönen, das Aufwerfen einer Reihe von Fragen im Zusammenhang mit der spezifischen Analyse von Kunst, insbesondere der Analyse der Wahrnehmung von Kunst, hervorzuheben und Interpretation von Kunstwerken sowie die Akzentverschiebung auf die psychologische Seite ästhetischer Kategorien. Zu den wesentlichen Problemen dieser Ästhetik gehören die Frage nach der Rolle der Kunst im allgemeinen philosophischen und religiösen System des Weltverständnisses, ihre erkenntnistheoretische Rolle und einige andere Probleme.

„Absolute Schönheit“ ist das Ziel der spirituellen Bestrebungen der Byzantiner. Einen der Wege zu diesem Ziel sahen sie im „schönen“ materielle Welt, denn in ihm und durch ihn ist der „Schuld“ von allem bekannt. Die Einstellung der Byzantiner zur "irdischen Schönheit" ist jedoch ambivalent und nicht immer eindeutig.

Einerseits hatten byzantinische Denker eine ablehnende Haltung gegenüber sinnlicher Schönheit als Erreger sündiger Gedanken und fleischlicher Lust. Andererseits schätzten sie das Schöne in der materiellen Welt und in der Kunst sehr, weil es in ihrem Verständnis als „Ausstellung“ und Manifestation göttlicher absoluter Schönheit auf der Ebene des empirischen Seins fungierte.

Byzantinische Denker kannten auch die polare Kategorie des Schönen – des Hässlichen und versuchten, sie zu definieren. Mangelnde Schönheit, Ordnung, unverhältnismäßiges Mischen unterschiedlicher Objekte - all dies sind Indikatoren für das Hässliche, "denn Hässlichkeit ist Minderwertigkeit, Formlosigkeit und Ordnungswidrigkeit".

Für byzantinische Denker hatte „schön“ (in der Natur und in der Kunst) keinen objektiven Wert. Nur die göttliche „absolute Schönheit“ besaß es. Das Schöne war für sie jeweils nur im direkten Kontakt mit einem bestimmten Wahrnehmungsgegenstand bedeutsam. An erster Stelle des Bildes stand seine psychologische Funktion - sich auf eine bestimmte Weise zu organisieren internen Zustand Person. „Schön“ war nur ein Mittel, um eine mentale Illusion zu bilden, um die superschöne, „absolute Schönheit“ zu verstehen.

Neben Schönheit und Schönheit hat die byzantinische Ästhetik eine andere ästhetische Kategorie vorgeschlagen, die manchmal mit ihnen zusammenfällt, aber im Allgemeinen eine unabhängige Bedeutung hat - Licht. Die Byzantiner gehen von einer engen Beziehung zwischen Gott und Licht aus und nennen sie die Beziehung "Licht - Schönheit".

Frühes Mittelalter

Die westeuropäische mittelalterliche Ästhetik wurde stark von dem christlichen Denker beeinflusst Aurelius Augustinus . Augustinus identifizierte Schönheit mit Form, Formlosigkeit mit Hässlichkeit. Er glaubte, dass absolut Hässliches nicht existiert, aber es gibt Objekte, denen im Vergleich zu perfekt organisierten und symmetrischen Objekten die Form fehlt. Das Hässliche ist nur eine relative Unvollkommenheit, der niedrigste Grad an Schönheit.

Augustin lehrte, dass ein Teil, der als Teil des Ganzen schön ist, wenn er von ihm abgerissen wird, seine Schönheit verliert, im Gegenteil, das Hässliche wird an sich schön und geht in das schöne Ganze ein. Diejenigen, die die Welt für unvollkommen hielten, verglich Augustinus mit Menschen, die einen Mosaikwürfel betrachten, anstatt die gesamte Komposition zu betrachten und die Schönheit der Steine ​​zu genießen, die zu einem einzigen Ganzen verbunden sind. Nur eine reine Seele kann die Schönheit des Universums begreifen. Diese Schönheit ist ein Spiegelbild der "göttlichen Schönheit". Gott ist die höchste Schönheit, der Archetyp materieller und geistiger Schönheit. Die Ordnung, die im Universum herrscht, ist von Gott geschaffen. Diese Ordnung manifestiert sich in Maß, Einheit und Harmonie, da Gott „alles nach Maß, Zahl und Gewicht ordnete“.

Fast ein Jahrtausend lang waren die Werke von Augustinus einer der Hauptleiter des antiken Platonismus und Neuplatonismus in der westeuropäischen mittelalterlichen Ästhetik, sie legten die Grundlagen der mittelalterlichen religiösen Ästhetik und verstanden die Art und Weise, Kunst im Dienst der Kirche einzusetzen.

Spätmittelalter

Die sogenannten „Summen“ werden zu einem Beispiel für scholastisches Philosophieren im 13. Jahrhundert, bei dem die Darstellung in folgender Reihenfolge erfolgt: Problemstellung, Darstellung verschiedener Meinungen, Lösung des Autors, logische Beweise, Widerlegung möglicher und gültiger Einwände. Nach diesem Prinzip wird auch die „Summe der Theologie“ gebaut. Thomas von Aquin , von denen einige Teile der Ästhetik gewidmet sind.

Aquin definierte Schönheit als das, was durch sein Aussehen Freude bereitet. Schönheit erfordert drei Bedingungen:

1) Ganzheit oder Perfektion,

2) angemessene Proportion oder Konsonanz

3) Klarheit, aufgrund derer Objekte mit brillanter Farbe als schön bezeichnet werden. Klarheit liegt in der Natur der Schönheit. Dabei bedeutet „Klarheit“ weniger körperliche Ausstrahlung als vielmehr Klarheit der Wahrnehmung und nähert sich damit der Klarheit des Geistes.

Schönheit und Gut werden nicht wirklich unterschieden, da Gott seiner Ansicht nach sowohl absolute Schönheit als auch absolut gut ist, aber nur im Konzept. Ein Segen ist etwas, das einen Wunsch oder ein Bedürfnis befriedigt. Daher ist es mit dem Begriff des Ziels verbunden, da das Begehren eine Art Bewegung auf ein Objekt zu ist.

Schönheit braucht etwas mehr. Es ist so etwas Gutes, dessen bloße Wahrnehmung Befriedigung verschafft. Oder, mit anderen Worten, das Verlangen findet Befriedigung in der bloßen Betrachtung oder dem Verständnis einer schönen Sache. Ästhetischer Genuss ist eng mit Kognition verbunden. Deshalb sind zunächst die kognitiven Empfindungen, nämlich die visuellen und auditiven, mit der ästhetischen Wahrnehmung verbunden. Sehen und Hören sind eng mit dem Geist verbunden und daher in der Lage, Schönheit wahrzunehmen.

„Licht“ war eine wichtige Kategorie aller mittelalterlichen Ästhetik. Die Lichtsymbolik wurde aktiv entwickelt. Die „Metaphysik des Lichts“ war die Grundlage, auf der die Schönheitslehre im Mittelalter beruhte. Claritas bedeutet in mittelalterlichen Abhandlungen Licht, Glanz, Klarheit und ist in fast allen Definitionen von Schönheit enthalten. Schönheit ist für Augustinus der Glanz der Wahrheit. Das Licht des Schönen bedeutet für Aquin „das Leuchten der Form einer Sache, sei es ein Kunstwerk oder eine Natur … so, dass sie ihm in der ganzen Fülle und dem ganzen Reichtum ihrer Vollkommenheit erscheint und Befehl."

Die Aufmerksamkeit der mittelalterlichen Denker für die innere Welt des Menschen zeigt sich besonders deutlich und vollständig in ihrer Entwicklung der Probleme der Musikästhetik. Gleichzeitig ist es wichtig, dass die Probleme der Musikästhetik selbst eine Art „entferntes“ Modell universeller Konzepte von allgemeiner philosophischer Bedeutung sind.

Mittelalterliche Denker haben sich intensiv mit der Wahrnehmung von Schönheit und Kunst auseinandergesetzt und eine Reihe von Urteilen geäußert, die für die Geschichte der Ästhetik interessant sind.

5. Ästhetische Lehren der Renaissance

Der Übergangscharakter der Zeit, ihre humanistische Ausrichtung und ideologische Neuerungen

In der Renaissance gibt es: Proto-Renaissance (Ducento und Trecento, 12.-13. - 13.-14. Jahrhundert), Frührenaissance (Quattrocento, 14.-15. Jahrhundert), Hochrenaissance (Cinquecento, 15.-16. Jahrhundert).

Die Ästhetik der Renaissance ist mit der grandiosen Revolution verbunden, die sich in allen Bereichen des öffentlichen Lebens vollzieht: in Wirtschaft, Ideologie, Kultur, Wissenschaft und Philosophie. Zu dieser Zeit das Aufblühen der urbanen Kultur, die großen geografischen Entdeckungen, die den Horizont der Menschen immens erweiterten, der Übergang vom Handwerk zur Manufaktur.

Die Entwicklung der Produktivkräfte, die Auflösung feudaler Klassenverhältnisse, die die Produktion behinderten, führen zur Befreiung des Individuums, schaffen die Bedingungen für seine freie und universelle Entwicklung.

Günstige Bedingungen für die umfassende und universelle Entwicklung des Individuums werden nicht nur durch den Zerfall der feudalen Produktionsweise geschaffen, sondern auch durch die unzureichende Entwicklung des Kapitalismus, der noch am Anfang seiner Entstehung stand. Dieser doppelte Übergangscharakter der Kultur der Renaissance gegenüber der feudalen und kapitalistischen Produktionsweise muss bei der Betrachtung der ästhetischen Vorstellungen dieser Zeit berücksichtigt werden. Die Renaissance ist kein Zustand, sondern ein Prozess, und zwar ein Prozess mit Übergangscharakter. All dies spiegelt sich in der Natur der Weltanschauung wider.

In der Renaissance vollzieht sich ein radikaler Bruch mit dem mittelalterlichen Weltbildsystem und die Herausbildung einer neuen, humanistischen Ideologie. Im weitesten Sinne ist der Humanismus ein sich historisch veränderndes Sichtsystem, das den Wert eines Menschen als Person, sein Recht auf Freiheit, Glück, Entwicklung und Manifestation seiner Fähigkeiten anerkennt und das Wohl eines Menschen als Kriterium für die Bewertung des Sozialen betrachtet Institutionen und die Prinzipien der Gleichheit, Gerechtigkeit, Menschlichkeit als erwünschte Norm der Beziehungen zwischen den Menschen. Im engeren Sinne handelt es sich um eine Kulturbewegung der Renaissance. Alle Formen des italienischen Humanismus beziehen sich weniger auf die Geschichte der Renaissance-Ästhetik als vielmehr auf die gesellschaftspolitische Atmosphäre der Ästhetik.

Grundprinzipien der Ästhetik der Renaissance

Zuallererst ist die Neuheit in dieser Ära die Förderung des Primats der Schönheit und darüber hinaus der sinnlichen Schönheit. Gott hat die Welt erschaffen, aber wie schön ist diese Welt, wie viel Schönheit liegt im menschlichen Leben und im menschlichen Körper, im lebendigen Ausdruck des menschlichen Gesichts und in der Harmonie des menschlichen Körpers!

Zunächst tut der Künstler sozusagen auch das Werk Gottes und nach dem Willen Gottes selbst. Aber neben der Tatsache, dass der Künstler gehorsam und demütig sein muss, muss er gebildet und gebildet sein, er muss viel in allen Wissenschaften verstehen, einschließlich der Philosophie. Der allererste Lehrer des Künstlers sollte Mathematik sein, die auf die sorgfältige Vermessung des nackten menschlichen Körpers abzielt. Wenn die Antike die menschliche Figur in sechs oder sieben Teile unterteilt hat, dann hat Alberti sie, um Genauigkeit in Malerei und Skulptur zu erreichen, in 600 und Dürer später in 1800 Teile geteilt.

Der mittelalterliche Ikonenmaler interessierte sich wenig für die realen Proportionen des menschlichen Körpers, da dieser für ihn nur Träger des Geistes war. Die Harmonie des Körpers bestand für ihn in einem asketischen Umriß, in einer flächigen Widerspiegelung der überkörperlichen Welt darauf. Aber für den Erweckungskünstler Giorgione ist „Venus“ ein vollwertiger weiblicher nackter Körper, den man, obwohl er eine Schöpfung Gottes ist, irgendwie schon vergisst, wenn man ihn ansieht. Im Vordergrund steht hier die Kenntnis der realen Anatomie. Daher ist der Renaissance-Künstler nicht nur Experte in allen Wissenschaften, sondern vor allem in Mathematik und Anatomie.

Die Renaissance-Theorie predigt wie die antike die Nachahmung der Natur. Allerdings steht hier weniger die Natur als vielmehr der Künstler im Vordergrund. In seiner Arbeit möchte der Künstler die Schönheit offenbaren, die in den Nischen der Natur selbst liegt. Daher glaubt der Künstler, dass die Kunst noch höher ist als die Natur. Theoretiker der Renaissance-Ästhetik haben zum Beispiel einen Vergleich: Ein Künstler muss so erschaffen, wie Gott die Welt erschaffen hat, und noch vollkommener als das. Jetzt sagen sie dem Künstler nicht nur, dass er ein Experte in allen Wissenschaften sein muss, sondern heben auch seine Arbeit hervor, in der sie sogar versuchen, ein Kriterium für Schönheit zu finden.

Das ästhetische Denken der Renaissance vertraute erstmals dem menschlichen Sehen als solchem, ohne antike Kosmologie und ohne mittelalterliche Theologie. In der Renaissance begann zum ersten Mal ein Mensch zu denken, dass das wirkliche und subjektiv-sinnlich sichtbare Bild der Welt sein wirkliches Bild ist, dass dies keine Fiktion, keine Illusion, kein Sehfehler und kein spekulativer Empirismus ist, aber was wir mit unseren eigenen Augen sehen, - das ist es wirklich.

Und vor allem sehen wir wirklich, wie das Objekt, das wir sehen, wenn es sich von uns entfernt, ganz andere Formen annimmt und vor allem schrumpft. Zwei Linien, die in unserer Nähe völlig parallel zu sein scheinen, kommen sich von uns entfernend immer näher und nähern sich am Horizont, also in ausreichend großem Abstand von uns, einfach an, bis sie vollständig ineinander übergehen einziger Punkt. Aus der Sicht des gesunden Menschenverstandes scheint dies absurd zu sein. Wenn die Linien hier parallel sind, dann sind sie überall parallel. Aber hier ist ein so großes Vertrauen der Renaissance-Ästhetik in die Realität dieser Verschmelzung paralleler Linien in einer Entfernung, die weit genug von uns entfernt ist, dass später eine ganze Wissenschaft aus dieser Art echter menschlicher Empfindungen hervorging - die perspektivische Geometrie.

Grundlegende Ästhetik philosophische Lehren und Kunsttheorie

Im frühen Humanismus war der Einfluss des Epikureismus besonders stark zu spüren, der als Form der Polemik gegen die mittelalterliche Askese und als Mittel zur Wiederherstellung der sinnlichen Körperschönheit diente, die mittelalterliche Denker in Frage stellten.

Die Renaissance interpretierte die epikureische Philosophie auf ihre eigene Weise, was im Werk des Schriftstellers Valla und seiner Abhandlung über das Vergnügen zu sehen ist. Vallas Genusspredigt hat eine kontemplative, sich selbst genügende Bedeutung. Valla lehrt in seiner Abhandlung nur über solche Lust oder Lust, die durch nichts belastet ist, nichts Böses droht, die uneigennützig und sorglos ist, die zutiefst menschlich und gleichzeitig göttlich ist.

Der Renaissance-Neuplatonismus stellt eine völlig neue Art des Neuplatonismus dar, der sich der mittelalterlichen Scholastik und dem "scholastisierten" Aristotelismus entgegenstellte. Die ersten Stadien in der Entwicklung der neuplatonischen Ästhetik waren mit dem Namen Nikolaus von Kues verbunden.

Kuzansky entwickelt seinen Begriff des Schönen in der Abhandlung Über die Schönheit. Schönheit erscheint bei ihm nicht nur als Schatten oder schwacher Abdruck des göttlichen Vorbilds, wie es für die Ästhetik des Mittelalters charakteristisch war. In jeder Form des Realen, des Sinnlichen, scheint eine unendliche Schönheit durch, die all ihren besonderen Manifestationen angemessen ist. Kuzansky lehnt jede Vorstellung von hierarchischen Ebenen der Schönheit ab, von höherer und niedrigerer Schönheit, absolut und relativ, sinnlich und göttlich. Alle Arten und Formen von Schönheit sind absolut gleich. Schönheit in Kuzansky ist eine universelle Eigenschaft des Seins. Kuzansky ästhetisiert alles Sein, jede, auch die prosaische Alltagswirklichkeit. In allem, was Form hat, ist Schönheit. Daher ist das Hässliche nicht im Sein selbst enthalten, es entsteht nur aus denen, die dieses Sein wahrnehmen. "Schande - von denen, die es akzeptieren ...", - behauptet der Denker. Daher enthält das Sein keine Hässlichkeit. In der Welt gibt es nur Schönheit als universelle Eigenschaft der Natur und des Seins überhaupt.

Zweite Hauptperiode an der Entwicklung des ästhetischen Denkens der Renaissance wurde der Neuplatonismus von der Platonischen Akademie in Florenz geleitet Ficino . Alle Liebe, so Ficino, ist ein Verlangen. Schönheit ist nichts anderes als „Wunsch nach Schönheit“ oder „Wunsch, Schönheit zu genießen“. Es gibt göttliche Schönheit, spirituelle Schönheit und körperliche Schönheit. Göttliche Schönheit ist eine Art Strahl, der in den engelhaften oder kosmischen Geist eindringt, dann in die kosmische Seele oder die Seele der ganzen Welt, dann in den sublunaren oder irdischen Bereich der Natur und schließlich in den formlosen und leblosen Bereich der Materie.

In Ficinos Ästhetik erhält die Kategorie des Hässlichen eine neue Interpretation. Wenn Nikolaus von Kues in der Welt selbst keinen Platz für Hässlichkeit hat, dann ist Hässlichkeit in der Ästhetik der Neuplatoniker bereits eigenständig. ästhetischer Wert. Sie hängt mit dem Widerstand der Materie zusammen, die sich der vergeistigenden Wirkung der ideellen, göttlichen Schönheit widersetzt. Dementsprechend verändert sich auch der Begriff des künstlerischen Schaffens. Der Künstler muss die Mängel der Natur nicht nur verbergen, sondern sie auch korrigieren, als würde er die Natur neu erschaffen.

Einen großen Beitrag zur Entwicklung des ästhetischen Denkens der Renaissance leistete ein italienischer Künstler, Architekt, Wissenschaftler, Kunsttheoretiker und Philosoph. Alberti . Im Zentrum von Albertis Ästhetik steht die Schönheitslehre. Schönheit liegt seiner Meinung nach in der Harmonie. Es gibt drei Elemente, die Schönheit ausmachen, insbesondere die Schönheit einer architektonischen Struktur. Diese sind Anzahl, Einschränkung und Platzierung. Aber Schönheit ist nicht eine einfache arithmetische Summe von ihnen. Ohne Harmonie zerfällt die höhere Harmonie der Teile.

Charakteristisch ist, wie Alberti den Begriff „hässlich“ interpretiert. Schönheit ist für ihn ein absolutes Kunstwerk. Das Hässliche wirkt nur als eine bestimmte Art von Fehler. Daher die Forderung, dass Kunst hässliche und hässliche Objekte nicht korrigieren, sondern verstecken soll.

großer italienischer Künstler da Vinci er verkörperte in seinem Leben, wissenschaftlichen und künstlerischen Schaffen das humanistische Ideal einer „umfassend entwickelten Persönlichkeit“. Die Bandbreite seiner praktischen und theoretischen Interessen war wirklich universell. Es umfasste Malerei, Bildhauerei, Architektur, Pyrotechnik, Militär- und Bauingenieurwesen, Mathematik und Naturwissenschaften, Medizin und Musik.

Wie Alberti sieht er in der Malerei nicht nur „die Übertragung der sichtbaren Schöpfungen der Natur“, sondern auch „witzige Fiktion“. Gleichzeitig wirft er einen grundlegend anderen Blick auf Sinn und Wesen der bildenden Kunst, vor allem der Malerei. Das Hauptproblem seiner Theorie, deren Auflösung alle anderen theoretischen Prämissen Leonardos vorwegnahm, war die Definition des Wesens der Malerei als eine Möglichkeit, die Welt zu erkennen. "Die Malerei ist eine Wissenschaft und die legitime Tochter der Natur" und "sollte über jede andere Tätigkeit gestellt werden, denn sie enthält alle Formen, sowohl existierende als auch nicht existierende in der Natur."

Die Malerei wird von Leonardo als jene universelle Methode zur Erkenntnis der Realität dargestellt, die alle Gegenstände der realen Welt umfasst, außerdem schafft die Kunst der Malerei sichtbare Bilder, die ausnahmslos jedem verständlich und dem Verständnis zugänglich sind. In diesem Fall wird die Persönlichkeit des Künstlers, angereichert mit tiefem Wissen über die Gesetze des Universums, der Spiegel sein, in dem sich die reale Welt widerspiegelt und durch das Prisma der schöpferischen Individualität bricht.

Die persönlich-materielle Ästhetik der Renaissance, die im Werk Leonardos sehr deutlich zum Ausdruck kommt, erreicht ihre intensivsten Formen in Michelangelo . Die Gestalten der Hochrenaissance offenbaren das Scheitern des ästhetischen Erneuerungsprogramms, das das Individuum in den Mittelpunkt der ganzen Welt stellte verschiedene Wege drücken diesen Verlust der Hauptstütze in ihrer Arbeit aus. Wenn bei Leonardo die von ihm dargestellten Figuren bereit sind, sich in ihrer Umgebung aufzulösen, wenn sie gleichsam in einen leichten Schleier gehüllt sind, dann zeichnet sich Michelangelo durch eine völlig entgegengesetzte Eigenschaft aus. Jede Figur in seinen Kompositionen ist etwas in sich Geschlossenes, sodass die Figuren manchmal so beziehungslos zueinander sind, dass die Einheit der Komposition zerstört wird.

Bis zum Ende seines Lebens von einer immer größer werdenden Welle erhabener Religiosität mitgerissen, kommt Michelangelo zur Leugnung von allem, was er in seiner Jugend verehrt hat, und vor allem zur Leugnung eines blühenden nackten Körpers, der übermenschliche Kraft ausdrückt und Energie. Er hört auf, den Idolen der Renaissance zu dienen. In seinen Augen sind sie besiegt, so wie sich das Hauptidol der Renaissance als besiegt herausstellt - der Glaube an die unbegrenzte kreative Kraft des Menschen, indem die Kunst Gott gleich wird. Der gesamte Lebensweg, den er von nun an durchlief, erscheint Michelangelo als völliger Wahn.

Die Krise der ästhetischen Ideale der Renaissance und der ästhetischen Prinzipien des Manierismus

Eines der deutlichsten Zeichen des zunehmenden Niedergangs der Renaissance ist die künstlerische und theoretisch-ästhetische Strömung, die als Manierismus bezeichnet wird. Das Wort "Manier" bedeutete ursprünglich einen besonderen Stil, der sich vom Gewöhnlichen unterscheidet, also einen bedingten Stil, der sich vom Natürlichen unterscheidet. Ein gemeinsames Merkmal der bildenden Kunst des Manierismus war der Wunsch, sich vom Ideal der Kunst der reifen Renaissance zu lösen.

Dieser Trend manifestierte sich darin, dass sowohl die ästhetischen Vorstellungen als auch die künstlerische Praxis des italienischen Quattrocento in Frage gestellt wurden. Dem Thema der Kunst dieser Zeit stand das Bild einer veränderten, transformierten Wirklichkeit gegenüber. Außergewöhnliche, erstaunliche Themen, tote Natur, anorganische Objekte wurden geschätzt. Regelkult und Proportionsprinzipien wurden hinterfragt.

Veränderungen in der künstlerischen Praxis brachten Modifikationen und Veränderungen in der Betonung ästhetischer Theorien mit sich. Dies betrifft zunächst die Aufgaben der Kunst und ihre Einordnung. Das Hauptproblem wird das Problem der Kunst, nicht das Problem der Schönheit. "Künstlichkeit" wird zum höchsten ästhetischen Ideal. Suchte die Ästhetik der Hochrenaissance nach präzisen, wissenschaftlich abgesicherten Regeln, mit deren Hilfe der Künstler eine echte Naturübertragung erreichen konnte, so widersetzen sich die Theoretiker des Manierismus der unbedingten Bedeutung jeglicher Regeln, insbesondere mathematischer. Das Problem des Verhältnisses von Natur und künstlerischem Genie wird in der Ästhetik des Manierismus anders interpretiert. Für Künstler des 15. Jahrhunderts wurde dieses Problem zugunsten der Natur gelöst. Der Künstler erschafft seine Werke, indem er der Natur folgt, Schönheit aus der ganzen Vielfalt der Phänomene auswählt und extrahiert. Die Ästhetik des Manierismus gibt dem Genie des Künstlers bedingungslos den Vorzug. Der Künstler muss die Natur nicht nur nachahmen, sondern sie auch korrigieren, danach streben, sie zu übertreffen.

Die Ästhetik des Manierismus, die einige Ideen der Renaissance-Ästhetik entwickelte, andere verleugnete und durch neue ersetzte, spiegelte die alarmierende und widersprüchliche Situation ihrer Zeit wider. Harmonische Klarheit und Ausgeglichenheit der reifen Renaissance, sie kontrastierte die Dynamik, Spannung und Raffinesse des künstlerischen Denkens und dementsprechend dessen Reflexion in ästhetischen Theorien und ebnete den Weg für eine der wichtigsten künstlerischen Strömungen des 17. Jahrhunderts - den Barock.

6 . Ästhetik der neuen Zeit

Rationalistische Grundlagen der Kultur. Es ist unmöglich, eine absolut genaue Grenze zwischen den Kulturen des 16. und 17. Jahrhunderts zu ziehen. Bereits im 16. Jahrhundert nahmen in den Lehren italienischer Naturphilosophen neue Vorstellungen von der Welt Gestalt an. Aber der wirkliche Wendepunkt in der Wissenschaft des Universums findet an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert statt, als Giordano Bruno, Galileo Galilei und Kepler, die die heliozentrische Theorie von Copernicus entwickeln, zu dem Schluss kommen, dass es um die Pluralität der Welten geht die Unendlichkeit des Universums, in der die Erde nicht der Mittelpunkt ist, sondern ein kleines Teilchen, als die Erfindung des Teleskops und des Mikroskops dem Menschen die Existenz des unendlich Fernen und des unendlich Kleinen offenbarte.

Im 17. Jahrhundert veränderte sich das Verständnis vom Menschen, seiner Stellung in der Welt, dem Verhältnis von Individuum und Gesellschaft. Die Persönlichkeit des Renaissance-Menschen zeichnet sich durch absolute Einheit und Integrität aus, sie ist frei von Komplexität und Entwicklung. Die Persönlichkeit – der Renaissance – behauptet sich im Einklang mit der Natur, die eine gute Kraft ist. Die Energie eines Menschen sowie sein Vermögen bestimmen seinen Lebensweg. Dieser "idyllische" Humanismus war jedoch nicht mehr geeignet für die neue Zeit, in der der Mensch aufhörte, sich selbst als Mittelpunkt des Universums zu erkennen, als er die Komplexität und Widersprüchlichkeit des Lebens spürte, als er einen erbitterten Kampf gegen feudale Katholiken führen musste Reaktion.

Die Persönlichkeit des 17. Jahrhunderts ist nicht an sich wertvoll, wie die Persönlichkeit der Renaissance, sie hängt immer von der Umgebung, von der Natur und von der Masse der Menschen ab, denen sie sich zeigen, beeindrucken und überzeugen will. Diese Tendenz, einerseits die Vorstellungskraft der Massen anzuregen und sie andererseits zu überzeugen, ist eines der Hauptmerkmale der Kunst des 17. Jahrhunderts.

Die Kunst des 17. Jahrhunderts ist wie die Kunst der Renaissance vom Heldenkult geprägt. Aber das ist ein Held, der sich nicht durch Handlungen auszeichnet, sondern durch Gefühle, Erfahrungen. Davon zeugt nicht nur die Kunst, sondern auch die Philosophie des 17. Jahrhunderts. Descartes schafft die Doktrin der Leidenschaften, während Spinoza die menschlichen Begierden „als wären sie Linien, Ebenen und Körper“ betrachtet.

Diese neue Wahrnehmung der Welt und des Menschen konnte im 17. Jahrhundert je nach Gebrauch zwei Richtungen annehmen. In dieser komplexen, widersprüchlichen, facettenreichen Welt der Natur und der menschlichen Psyche könnten ihre chaotische, irrationale, dynamische und emotionale Seite, ihre illusorische Natur, ihre sinnlichen Qualitäten betont werden. Dieser Weg führte zum Barock.

Aber die Betonung könnte auch auf klare, deutliche Ideen gelegt werden, die Wahrheit und Ordnung in diesem Chaos durchschauen, auf das Denken, das mit seinen Konflikten ringt, auf die Vernunft, die Leidenschaften überwindet. Dieser Weg führte zum Klassizismus.

Barock und Klassizismus, die ihre klassische Gestaltung in Italien bzw. Frankreich erhalten hatten, verbreiteten sich mehr oder weniger in allen europäischen Ländern und waren die dominierenden Strömungen in der Kunstkultur des 17. Jahrhunderts.

Ästhetische Prinzipien des Barock

Der Barockstil hat seinen Ursprung in Italien, in einem Land, das in kleine Staaten zersplittert war, in einem Land, das eine Gegenreformation und eine starke feudale Reaktion erlebte, wo wohlhabende Bürger zu einer Landaristokratie wurden, in einem Land, in dem Theorie und Praxis des Manierismus blühten, und wo gleichzeitig in all seiner Helligkeit die reichsten Traditionen der künstlerischen Kultur der Renaissance bewahrt wurden. Aus dem Manierismus nahm der Barock seine Subjektivität, aus der Renaissance die Faszination für die Wirklichkeit, aber beides in neuer stilistischer Brechung. Und obwohl die Reste des Manierismus noch das erste und sogar das zweite Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts beeinflussen, kann die Überwindung des Manierismus in Italien um 1600 im Wesentlichen als abgeschlossen angesehen werden.

Eines der charakteristischen Probleme der Barockästhetik ist das Problem der Überzeugung, das seinen Ursprung in der Rhetorik hat. Rhetorik unterscheidet Wahrheit nicht von Plausibilität; als Mittel der Überzeugung scheinen sie gleichwertig zu sein - und daraus folgt der illusorische, phantastische Subjektivismus der barocken Kunst, verbunden mit der Klassifizierung der "Kunst" -Technik, einen Effekt zu erzeugen, der einen subjektiven, irreführenden Eindruck von Plausibilität erzeugt.

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Die neueste Zeit beinhaltet auch den Tag der künstlerischen Ära: Avantgarde und Realismus. Originalität dieser Epochen liegt darin, dass sie sich nicht sequentiell, sondern historisch parallel entwickeln.

Avantgardistische Kunstgruppen N ui ( Vormoderne, Moderne, Neomoderne, Postmoderne) entwickeln sich parallel mit der realistischen Gruppe (Kritischer Realismus des 19. Jahrhunderts, sozialistischer Realismus, ländliche Prosa, Neorealismus, magischer Realismus, psychologischer Realismus, intellektueller Realismus). In dieser parallelen Entwicklung der Epochen erscheint allgemeine Beschleunigung der Bewegung der Geschichte.

Eine der Hauptbestimmungen des künstlerischen Konzepts der Avantgarde-Trends: Chaos, Unordnung "Gesetz modernes Leben menschliche Gesellschaft. Kunst wird zur Chaosologie und studiert die Gesetze der Weltunordnung.

Alle avantgardistischen Strömungen beschneiden den bewussten und erhöhen den unbewussten Ansatz sowohl im Schaffens- als auch im Rezeptionsprozess. Diese Bereiche widmen der Massenkunst und den Problemen der Bewusstseinsbildung des Individuums große Aufmerksamkeit.

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Geschicklichkeit, Experimente im Bereich Form und Stil, die Suche nach Neuem künstlerische Mittel und Tricks.

Vormoderne - die erste (Anfangs-)Periode der künstlerischen Entwicklung der Avantgarde-Ära; eine Gruppe künstlerischer Strömungen in der Kultur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, die eine ganze Stufe (die Stufe der verlorenen Illusionen) der neuesten künstlerischen Entwicklung eröffnet.

Naturalismus ist eine künstlerische Richtung, deren künstlerische Konzeption die Behauptung eines Menschen des Fleisches in der materiell-materiellen Welt war; eine Person, selbst wenn sie nur als hochorganisiertes biologisches Individuum betrachtet wird, verdient in jeder Manifestation Aufmerksamkeit; Trotz all ihrer Unvollkommenheiten ist die Welt stabil, und alle Details darüber sind von allgemeinem Interesse. Im künstlerischen Konzept des Naturalismus werden Wünsche und Möglichkeiten, Ideale und Realität ausbalanciert, eine gewisse Selbstgefälligkeit der Gesellschaft ist zu spüren, ihre Zufriedenheit mit ihrer Position und ihr Unwille, irgendetwas in der Welt zu ändern.

Der Naturalismus behauptet, dass die gesamte sichtbare Welt Teil der Natur ist und durch ihre Gesetze erklärt werden kann und nicht durch übernatürliche oder paranormale Ursachen. Der Naturalismus entstand aus der Verabsolutierung des Realismus und unter dem Einfluss darwinistischer biologischer Theorien, wissenschaftlicher Methoden der Gesellschaftsforschung und der deterministischen Ideen von Taine und anderen Positivisten.

Impressionismus - künstlerische Leitung (zweite Hälfte des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts), deren künstlerisches Konzept die Behauptung einer raffinierten, lyrisch ansprechenden, beeindruckenden Persönlichkeit war, die die Schönheit der Welt bewundert. Der Impressionismus eröffnete eine neue Art der Wahrnehmung der Wirklichkeit. Im Gegensatz zum Realismus, der sich auf die Übertragung des Typischen konzentriert, konzentriert sich der Impressionismus auf das Besondere, Individuelle und deren subjektives Sehen durch den Künstler.

Impressionismus ist eine Beherrschung der Farbe, Hell-Dunkel, die Fähigkeit, die Vielfalt, das bunte Leben, die Freude am Sein zu vermitteln, flüchtige Momente der Erleuchtung und den allgemeinen Zustand der sich verändernden Welt einzufangen, die freie Luft zu vermitteln - das Spiel des Lichts und Schatten um eine Person und Dinge herum, die Luftumgebung, natürliche Beleuchtung, die dem abgebildeten Objekt ein ästhetisches Aussehen verleiht.

Der Impressionismus manifestierte sich in der Malerei (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) und in der Musik (C. Debussy und M Ravel, A. Scriabin) und in der Literatur (teilweise G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eklektizismus- eine künstlerische Richtung (die sich hauptsächlich in der Architektur manifestierte), die bei der Erstellung von Werken jede Kombination jeglicher Formen der Vergangenheit, jeglicher nationaler Traditionen, offener Dekoration, Austauschbarkeit und Gleichwertigkeit von Elementen in einem Werk, Verletzung der Hierarchie in der künstlerisches System und Schwächung des Systems und der Integrität.

Eklektizismus ist gekennzeichnet durch: 1) eine Überfülle an Dekorationen; 2) gleiche Bedeutung verschiedener Elemente, alle Stilformen; 3) Verlust der Unterscheidung zwischen einem massiven und einzigartigen Gebäude in einem städtischen Ensemble oder einem Werk der Literatur und anderen Werken Literarischer Prozess; 4) Mangel an Einheit: Die Fassade löst sich vom Gebäudekörper, das Detail - vom Ganzen, der Stil der Fassade - vom Stil des Innenraums, die Stile der verschiedenen Räume des Innenraums - voneinander ; 5) optionaler symmetrisch-axialer Aufbau (Abweichung von der Regel einer ungeraden Anzahl von Fenstern an der Fassade), Gleichmäßigkeit der Fassade; 6) das Prinzip des "non-finito" (Unvollständigkeit der Arbeit, Offenheit der Komposition); 7) Stärkung

assoziatives Denken des Autors (Künstler, Schreiben La, Architekt) und Betrachter; 8) Befreiung von der alten Tradition und Abhängigkeit von den Kulturen verschiedener Epochen und verschiedener Völker; Verlangen nach Exotik; 9) Multistil; 10) ungeregelte Persönlichkeit (im Gegensatz zum Klassizismus), Subjektivismus, freie Manifestation persönlicher Elemente; 11) Demokratismus: die Tendenz, eine universelle, klassenlose Art des städtischen Wohnens zu schaffen.

Funktional zielt der Eklektizismus in Literatur, Architektur und anderen Künsten darauf ab, dem „Dritten Stand“ zu dienen. Der Schlüsselbau des Barock ist eine Kirche oder ein Palast, der Schlüsselbau des Klassizismus ein Staatsbau, der Schlüsselbau des Eklektizismus ein Mietshaus („für alle“). Eklektischer Dekorativismus ist ein Marktfaktor, der entstanden ist, um eine breite Kundschaft für ein Mehrfamilienhaus zu gewinnen, in dem Wohnungen vermietet werden. Rentables Haus - eine Massenwohnungsart.

Modernismus- eine künstlerische Ära, die künstlerische Bewegungen vereint, deren künstlerisches Konzept die Beschleunigung der Geschichte und die Verstärkung ihres Drucks auf eine Person widerspiegelt (Symbolismus, Rayonismus, Fauvismus, Primitivismus, Kubismus, Akmeismus, Futurismus); die Zeit der vollständigsten Verkörperung der Avantgarde. In der Zeit der Moderne verliefen die Entwicklung und Veränderung künstlerischer Strömungen rasant.

Modernistische Kunstbewegungen werden aufgebaut, indem die typologische Struktur dekonstruiert wird klassisches Werk- Einige seiner Elemente werden zu Objekten künstlerischer Experimente. IN klassische Kunst diese Elemente sind ausgeglichen. Die Moderne störte dieses Gleichgewicht, indem sie einige Elemente verstärkte und andere schwächte.

Symbolismus- die künstlerische Richtung der Ära der Moderne, die das künstlerische Konzept bekräftigt: Der Traum des Dichters ist Ritterlichkeit und eine schöne Dame. Träume von

Ritterlichkeit, Anbetung einer schönen Dame füllen Poesie Symbolismus.

Symbolik entstand in Frankreich. Seine Meister waren Baudelaire, Mallarmé, Verlaine und Rimbaud.

Akmeismus ist eine künstlerische Richtung der russischen Literatur des frühen 20. Jahrhunderts, die in " Silbernes Zeitalter“, die hauptsächlich in der Poesie existierte und behauptete: der Dichter- ein Zauberer und stolzer Herrscher der Welt, der ihre Geheimnisse enträtselt und ihr Chaos überwindet.

Zum Akmeismus gehörten: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich und andere Futurismus- die künstlerische Richtung der Moderne, die im urban organisierten Chaos der Welt eine aggressiv kämpferische Persönlichkeit behauptet.

Künstlerisch definieren Faktor des Futurismus - Dynamik. Die Futuristen setzten das Prinzip des unbegrenzten Experimentierens um und erzielten innovative Lösungen in Literatur, Malerei, Musik und Theater.

Primitivismus- eine künstlerische Richtung, die den Menschen und die Welt vereinfacht und danach strebt, die Welt mit Kinderaugen zu sehen, freudig und einfach, außerhalb des "Erwachsenen".» Schwierigkeiten. Dieser Wunsch führt zu starkem und schwache Seiten Primitivismus.

Primitivismus ist eine atavistische Nostalgie für die Vergangenheit, Sehnsucht nach einer vorzivilisierten Lebensweise.

Der Primitivismus versucht, die Hauptumrisse zu erfassen komplexe Welt auf der Suche nach fröhlichen und verständlichen Farben und Linien darin. Der Primitivismus ist eine Gegenbewegung zur Realität: Die Welt wird komplexer, und der Künstler vereinfacht sie. Allerdings vereinfacht der Künstler dann die Welt, um mit ihrer Komplexität fertig zu werden.

Kubismus - eine geometrisierte Variante des Primitivismus, die die Realität vereinfacht und sie mit kindlichen oder "wilden" Augen wahrnimmt.

der frühere Charakter der Primitivierung: die Vision der Welt durch die Formen geometrisch regelmäßiger Figuren.

Der Kubismus in Malerei und Skulptur wurde von den italienischen Künstlern D. Severini, U. Boccione, K. Kappa entwickelt; Deutsch - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerikaner - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, Mexikaner Diego Rivera, Argentinier E. Pettoruti usw.

Im Kubismus werden architektonische Konstruktionen gefühlt; die Massen werden mechanisch miteinander gepaart, und jede Masse behält ihre Unabhängigkeit. Der Kubismus eröffnete eine grundlegend neue Richtung in der figurativen Kunst. Die bedingten Werke des Kubismus (Braque, Gris, Picasso, Léger) behalten ihren Bezug zum Modell. Die Porträts entsprechen den Originalen und sind erkennbar (ein amerikanischer Kritiker in einem Pariser Café erkannte einen ihm bekannten Mann nur anhand eines aus geometrischen Figuren zusammengesetzten Porträts von Picasso).

Kubisten bilden nicht die Realität ab, sondern schaffen eine „andere Realität“ und vermitteln nicht das Aussehen eines Objekts, sondern dessen Design, Architektur, Struktur, Essenz. Sie geben keine „erzählerische Tatsache“ wieder, sondern verkörpern ihr Wissen um das Dargestellte visuell.

Abstraktionismus- künstlerische Kunstrichtung des 20. Jahrhunderts, deren künstlerisches Konzept die Notwendigkeit der Flucht des Einzelnen aus der banalen und illusorischen Realität bekräftigt.

Die Werke der abstrakten Kunst sind losgelöst von den Lebensformen selbst und verkörpern die subjektiven Farbeindrücke und Fantasien des Künstlers.

Es gibt zwei Strömungen im Abstraktionismus. Erster Strom lyrisch-emotionaler, psychologischer Abstraktionismus - eine Sinfonie der Farben, Harmonisierung formloser Farbkombinationen. Dieser Trend entstand aus der impressionistischen Vielfalt von Eindrücken über die Welt, die in den Leinwänden von Henri Matisse verkörpert sind.

Der Schöpfer des ersten Werks des psychologischen Abstraktionismus war V. Kandinsky, der das Gemälde "Berg" malte.

Der zweite Strom Der geometrische (logische, intellektuelle) Abstraktionismus ("Neoplastizismus") ist nicht-figurativer Kubismus. Bei der Geburt dieser Strömung essentielle Rolle gespielt von P. Cezanne und den Kubisten, die durch die Kombination verschiedener geometrischer Formen, farbiger Flächen, gerader und unterbrochener Linien eine neue Art von künstlerischem Raum geschaffen haben.

Suprematismus(der Autor des Begriffs und des entsprechenden künstlerischen Phänomens Kasimir Malewitsch) - für den Abstraktionismus, der seine Züge schärft und vertieft. Malewitsch eröffnete 1913 mit dem Gemälde „Schwarzes Quadrat“ die Strömung „Suprematismus“. Später formulierte Malewitsch seine ästhetischen Prinzipien: Kunst ist beständig aufgrund ihres zeitlosen Wertes; reine plastische Sensibilität - "die Würde der Kunstwerke". Die Ästhetik und Poetik des Suprematismus bejaht universelle (suprematistische) Bildformeln und -kompositionen - ideale Konstruktionen geometrisch regelmäßiger Elemente.

Der Rayonismus ist eine der fast abstraktionistischen Tendenzen, die die Schwierigkeit und Freude der menschlichen Existenz und die Ungewissheit der Welt bekräftigen, in der alle von verschiedenen Lichtquellen beleuchteten Objekte von den Strahlen dieses Lichts zerlegt werden und ihre klare Figuralität verlieren .

Der Luchismus entstand in 1908 - 1910 gg. in der Arbeit des russischen Künstlers Mikhail Larionov und seiner Frau Natalia Goncharova.

Während Aus der Neomoderne stammen alle avantgardistischen Kunstbewegungen aus ein solches Realitätsverständnis: Der Mensch kann dem Druck der Welt nicht standhalten und wird zum Neo-Menschen. In dieser Zeit ist die Entwicklung

Es gibt avantgardistische Kunstbewegungen, die freudlose, pessimistische künstlerische Welt- und Persönlichkeitskonzepte bejahen. Unter ihnen Dadaismus, Konstruktivismus, Surrealismus, Existentialismus, Neoabstraktionismus usw.

Dadaismus ist eine künstlerische Bewegung, die ein künstlerisches Konzept bekräftigt; Welt- sinnloser Wahnsinn, Revision von Vernunft und Glauben.

Die Prinzipien des Dadaismus waren; Bruch mit den Traditionen der Weltkultur, einschließlich der Traditionen der Sprache; Flucht vor Kultur und Realität, die Vorstellung von der Welt als Chaos des Wahnsinns, in das ein wehrloser Mensch geworfen wird; Pessimismus, Unglaube, Verleugnung von Werten, ein Gefühl des allgemeinen Verlustes und der Sinnlosigkeit des Seins, die Zerstörung von Idealen und dem Sinn des Lebens. Der Dadaismus ist Ausdruck der Krise der klassischen Kulturwerte, der Suche nach einer neuen Sprache und neuen Werten.

Surrealismus ist eine Kunstbewegung, die sich auf eine verwirrte Person in einer mysteriösen und unerkennbaren Welt konzentriert. Der Persönlichkeitsbegriff im Surrealismus könnte in der Formel des Agnostizismus zusammengefasst werden: „Ich bin ein Mann, aber die Grenzen meiner Persönlichkeit und der Welt haben sich verwischt. Ich weiß nicht, wo mein „Ich“ anfängt und wo es aufhört, wo die Welt ist und was sie ist?

Der Surrealismus als künstlerische Richtung wurde entwickelt von: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

Der Surrealismus entstand aus dem Dadaismus, ursprünglich als Literarische Richtung, die später ihren Ausdruck in der Malerei, aber auch im Kino, Theater und teilweise in der Musik fand.

Für den Surrealismus sind Mensch und Welt, Raum und Zeit fließend und relativ. Sie verlieren ihre Grenzen. Ästhetischer Relativismus wird proklamiert: Alles fließt, alles ist

es scheint durcheinander zu sein, es verschwimmt; nichts ist sicher. Der Surrealismus bejaht die Relativität der Welt und sein Werte. Es gibt keine Grenzen zwischen Glück und Unglück, Individuum und Gesellschaft. Chaos der Welt verursacht Chaos im künstlerischen Denken- das ist das Prinzip der Ästhetik des Surrealismus.

Das künstlerische Konzept des Surrealismus bekräftigt das Mysterium und die Unerkennbarkeit der Welt, in der Zeit und Geschichte verschwinden, und ein Mensch im Unterbewusstsein lebt und angesichts von Schwierigkeiten hilflos ist.

Expressionismus- eine künstlerische Richtung, die behauptet: Entfremdet lebt ein Mensch in einer feindlichen Welt. Als Held der Zeit stellte der Expressionismus eine unruhige, von Emotionen überwältigte Persönlichkeit dar, [nicht in der Lage, Harmonie in eine von Leidenschaften zerrissene Welt zu bringen. -

Der Expressionismus als künstlerische Richtung entstand auf der Grundlage von Beziehungen zu verschiedenen Bereichen wissenschaftlicher Betätigung: zu Freuds Psychoanalyse, Husserls Phänomenologie, neukantianischer Erkenntnistheorie, der Philosophie des Wiener Kreises und der Gestaltpsychologie.

Der Expressionismus manifestierte sich in verschiedenen Kunstarten: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - in der Malerei; A. Rimbaud, A. Yu, Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - in der Literatur; I. Strawinsky, B. Bartok, A. Schönberg - in der Musik.

Expressionismus auf der Grundlage der Kultur des 20. Jahrhunderts. belebt die Romantik. Expressionismus angeborene Angst vor der Welt und Widerspruch zwischen externer Dynamik und die Idee des unveränderlichen Wesens der Welt (Unglaube an die Möglichkeit ihrer Verbesserung). Nach künstlerischen Begriffen des Expressionismus werden die wesentlichen Persönlichkeitskräfte im Gegensatz verfremdet Mann und feindselige öffentliche Einrichtungen: alles ist nutzlos. Ek Expressionismus ist Ausdruck des Schmerzes eines humanistischen Künstlers,

verursacht durch die Unvollkommenheit der Welt. Expressionistischer Persönlichkeitsbegriff: Menschlich- ein emotionales, „natürliches“ Wesen, das der industriellen und rationalen, urbanen Welt, in der es leben muss, fremd ist.

Konstruktivismus- künstlerische Leitung (20er Jahre des 20. Jahrhunderts), deren konzeptionelle Invariante die Idee ist- die Existenz des Menschen spielt sich in einer ihm entfremdeten Umgebung industrieller Kräfte ab; und der Held der Zeit- Rationalist der Industriegesellschaft.

Die neopositivistischen Prinzipien des Kubismus, die in der Malerei geboren wurden, wurden in transformierter Form auf die Literatur und andere Künste ausgedehnt und in einer neuen Richtung gefestigt, die mit den Ideen des Technikismus - des Konstruktivismus - konvergierte. Letztere betrachteten die Produkte der Industrie als unabhängig, dem Individuum entfremdet und seinen Werten entgegengesetzt. Der Konstruktivismus erschien im Morgengrauen wissenschaftliche und technologische Revolution und idealisierte die Ideen des Technikismus; er stellte maschinen und ihre produkte über den einzelnen. Selbst in den talentiertesten und humanistischsten Werken des Konstruktivismus werden die entfremdenden Faktoren des technischen Fortschritts als selbstverständlich hingenommen. Der Konstruktivismus ist voller Pathos des industriellen Fortschritts, der wirtschaftlichen Zweckmäßigkeit; es ist technokratisch.

Die Ästhetik des Konstruktivismus entwickelte sich zwischen Extremen (die manchmal in eines von ihnen fielen) - Utilitarismus, der die Zerstörung der Ästhetik erfordert, und Ästhetizismus. In der bildenden Kunst und in der Architektur sind die Gestaltungsprinzipien des Konstruktivismus so nah wie möglich am Ingenieurwesen und umfassen: mathematisches Rechnen, Lakonismus der künstlerischen Mittel, Schematismus der Komposition, Logisierung.

In der Literatur entwickelte sich der Konstruktivismus als künstlerische Richtung (1923 - 1930) in der Arbeit der Gruppe

LCC (Konstruktivistisches Literaturzentrum): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, W. M. Inber, H.A. Aduev, E. Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilowitsch, K.L. Zelinsky (Gruppentheoretiker) und andere Der Konstruktivismus beeinflusste auch das Theater (die Regiearbeit von Vsevolod Meyerhold, der die Prinzipien der Biomechanik und der Theatertechnik entwickelte und Elemente eines Zirkusspektakels in das Bühnengeschehen einführte. Die Ideen des Konstruktivismus umfassten verschiedene Typen der Kunst, hatte aber den größten Einfluss auf die Architektur. Dies betraf insbesondere das Werk von Le Corbusier, I. Leonidov, VA Shchuko und VG Gelfreich.

Existentialismus- das Konzept der menschlichen Existenz, sein Platz und seine Rolle in dieser Welt, Beziehung zu Gott. Das Wesen des Existentialismus- der Primat der Existenz über die Essenz (der Mensch selbst formt seine Existenz und bringt die Essenz ins Dasein, indem er entscheidet, was er tut und was er nicht tut). Der Existentialismus bestätigt eine einsame, selbstsüchtige, selbstwertvolle Persönlichkeit in der Welt des Absurden. Für den Existentialismus steht das Individuum über der Geschichte.

Der Existentialismus (J.P. Sartre, A. Camus) behauptet in seinem künstlerischen Konzept, dass die Grundlagen der menschlichen Existenz absurd sind, schon allein deshalb, weil der Mensch sterblich ist; Die Geschichte wird immer schlimmer und wieder zurück. Es gibt keine Aufwärtsbewegung, es gibt nur Eichhörnchen Rad Geschichte, in der sich das Leben der Menschheit sinnlos dreht.

Die grundlegende Einsamkeit, die der künstlerische Begriff des Existentialismus bekräftigt, hat die entgegengesetzte logische Konsequenz: Das Leben ist nicht absurd, wo sich ein Mensch in der Menschheit fortsetzt. Aber wenn ein Mensch ein Einzelgänger ist, wenn er der einzige Wert auf der Welt ist, dann ist er gesellschaftlich abgewertet, er hat keine Zukunft, und dann ist der Tod absolut. Es streicht eine Person durch und das Leben wird bedeutungslos.

Neo-Abstraktionismus(Abstraktionismus der zweiten Welle) - spontan-impulsiver Selbstausdruck; eine grundsätzliche Ablehnung der Figuration, der Abbildung der Realität im Namen der reinen Ausdruckskraft; Bewusstseinsstrom in Farbe festgehalten.

Der Neo-Abstraktionismus wurde von einer neuen Generation von Abstraktionisten geschaffen: J. Paul Lak, De Kuhn und Yig, A. Manisirer ua Sie beherrschten die surreale Technik und die Prinzipien des „mentalen Automatismus“. Paul Lak betont im kreativen Akt nicht das Werk, sondern den Entstehungsprozess selbst. Dieser Prozess wird zum Selbstzweck und hier bilden sich die Ursprünge der „Malaktion“.

Die Prinzipien des Neoabstraktionismus wurden von M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Gebräu, M. Raton. Der italienische Theoretiker D. Severini forderte dazu auf, die Realität zu vergessen, da sie den plastischen Ausdruck nicht beeinträchtigt. Ein anderer Theoretiker, M. Zefor, sieht das Verdienst der abstrakten Malerei darin, dass sie nichts von der normalen Umgebung des menschlichen Lebens trägt. Die Fotografie nahm der Malerei die Gegenständlichkeit und ließ ihr nur noch Ausdrucksmöglichkeiten, um die subjektive Welt des Künstlers zu enthüllen.

Das schwache Glied in der Theorie des Abstraktionismus und des Neoabstraktionismus ist das Fehlen klarer Wertkriterien, um Kreativität von Spekulation, Ernsthaftigkeit von Witz, Talent von Mittelmäßigkeit, Geschicklichkeit von List zu unterscheiden.

Künstlerische Lösungen des Abstraktionismus und Neoabstraktionismus (Harmonisierung von Farbe und Form, Schaffung eines "Gleichgewichts" von Flächen unterschiedlicher Größe aufgrund der Intensität ihrer Farbe) werden in Architektur, Design, dekorativer Kunst, Theater, Kino und Fernsehen verwendet.

Postmodernismus denn eine künstlerische Ära trägt ein künstlerisches Paradigma, das dies behauptet ein Mensch kann dem Druck der Welt nicht standhalten und wird zum Posthumanen. Alle künstlerischen Richtungen davon

Zeitraum von diesem Paradigma durchdrungen, manifestieren und brechen es durch ihre unveränderlichen Konzepte von Welt und Persönlichkeit: Pop Art, Sonopucmuka, Aleatorik, musikalischer Pointillismus, Hyperrealismus, Happenings etc.

Pop-Art- neue figurative Kunst. Der abstraktionistischen Realitätsverweigerung stellte die Pop Art die raue Welt der materiellen Dinge entgegen, der ein künstlerischer und ästhetischer Stellenwert zugeschrieben wird.

Pop-Art-Theoretiker argumentieren, dass jedes Objekt in einem bestimmten Kontext seine ursprüngliche Bedeutung verliert und zu einem Kunstwerk wird. Daher wird die Aufgabe des Künstlers nicht als die Schaffung eines künstlerischen Objekts verstanden, sondern darin, einem gewöhnlichen Objekt künstlerische Qualitäten zu verleihen, indem er einen bestimmten Kontext für seine Wahrnehmung organisiert. Die Ästhetisierung der materiellen Welt wird zum Prinzip der Pop-Art. Künstler streben nach Eingängigkeit, Sichtbarkeit und Verständlichkeit ihrer Kreationen und nutzen dafür die Poetik von Labels und Werbung. Pop Art ist eine Komposition aus Alltagsgegenständen, manchmal kombiniert mit einem Modell oder einer Skulptur.

Zerknitterte Autos, verblasste Fotografien, auf Kartons geklebte Zeitungsfetzen und Plakate, ein ausgestopftes Huhn unter einem Einmachglas, ein zerfetzter, mit weißer Ölfarbe bemalter Schuh, Elektromotoren, alte Reifen oder Gasherde – das sind die Kunstexponate der Pop-Art.

Unter den Künstlern der Pop-Art können identifiziert werden: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine und andere.

Pop Art als Kunstrichtung hat eine Reihe von Spielarten (Trends): Op-Art (künstlerisch organisierte optische Effekte, geometrische Kombinationen von Linien und Punkten), env-apm(Kompositionen, künstlerische Gestaltung der Umgebung des Betrachters), Email(Gegenstände bewegen sich mit Hilfe von Elektromotoren

und Konstruktionen stach dieser Trend der Pop-Art als eigenständige künstlerische Richtung hervor - Kinetismus).

Die Pop-Art brachte das Konzept der Identität des Verbrauchers in der Gesellschaft des "Massenkonsums" vor. Die Idealpersönlichkeit der Pop Art ist ein menschlicher Konsument, für den die ästhetisierten Stillleben von Warenkompositionen die spirituelle Kultur ersetzen sollen. Die Ersetzung von Wörtern durch Waren, die Ersetzung von Literatur durch Dinge, die Ersetzung von Schönheit durch Nützlichkeit, die Gier nach Material, der Konsum von Waren, die Ersetzung spiritueller Bedürfnisse sind charakteristisch für die Pop Art. Diese Richtung orientiert sich grundsätzlich an einem massenhaften, nicht kreativen Menschen, dem unabhängiges Denken entzogen ist und „seine“ Gedanken aus der Werbung und den Massenmedien entlehnt, ein Mensch, der durch Fernsehen und andere Medien manipuliert wird. Diese Persönlichkeit ist von der Pop-Art darauf programmiert, die vorgegebenen Rollen des Erwerbers und des Konsumenten zu erfüllen und pflichtbewusst den entfremdenden Einfluss der modernen Zivilisation zu zerstören. Pop-Art-Persönlichkeit - Massenkultur-Zombie.

Hyperrealismus ist eine künstlerische Bewegung, deren künstlerische Konzeption unveränderlich ist: ein entpersonalisiertes lebendiges System in einer grausamen und rauen Welt.

Hyperrealismus - schafft malerische übernatürliche Werke, die die kleinsten Details des abgebildeten Objekts vermitteln. Die Plots des Hyperrealismus sind bewusst banal, die Bilder betont „objektiv“. Diese Richtung führt die Künstler zurück zu den üblichen Formen und Mitteln der bildenden Kunst, insbesondere zur von der Pop-Art abgelehnten Malleinwand. Der Hyperrealismus macht die tote, menschengemachte „zweite“ Natur des urbanen Umfelds zum Hauptthema seiner Malerei: Tankstellen, Autos, Schaufenster, Wohnhäuser, Telefonzellen, die als vom Menschen entfremdet inszeniert werden.

Der Hyperrealismus zeigt die Folgen exzessiver Urbanisierung, die Zerstörung der Ökologie der Umwelt, beweist, dass die Metropole eine unmenschliche Umwelt schafft. Das Hauptthema des Hyperrealismus ist das unpersönliche mechanisierte Leben der modernen Stadt.

Theoretische Basis Hyperrealismus - die philosophischen Ideen der Frankfurter Schule, die die Notwendigkeit bekräftigt, sich von ideologisierten Formen des figurativen Denkens zu entfernen.

Kunstwerke Fotorealismus basieren auf einem stark vergrößerten Foto und werden oft mit Hyperrealismus identifiziert. Sowohl in bildgebender Technik als auch vor allem in der Invariante der künstlerischen Welt- und Persönlichkeitsauffassung sind dies zwar nahe, aber unterschiedliche künstlerische Richtungen. Hyperrealisten ahmten Fotos mit bildnerischen Mitteln auf Leinwand nach, Fotorealisten imitierten Gemälde durch Bearbeitung (mit Farben, Collage) von Fotografien.

Der Fotorealismus bekräftigt den Vorrang der dokumentarischen und künstlerischen Konzeption: ein zuverlässiger, gewöhnlicher Mensch in einer zuverlässigen, gewöhnlichen Welt.

Der Zweck des Fotorealismus ist die Abbildung des modernen Alltags. Straßen, Passanten, Schaufenster, Autos, Ampeln, Häuser, Haushaltsgegenstände werden in den Werken des Fotorealismus authentisch, objektiv und superähnlich wiedergegeben.

Die Hauptmerkmale des Fotorealismus: 1) Figürlichkeit, die sich den Traditionen des Abstraktionismus widersetzt; 2) Anziehung zum Grundstück; 3) der Wunsch, "realistische Klischees" und Dokumentarfilme zu vermeiden; 4) Vertrauen auf die künstlerischen Errungenschaften der Fototechnik.

Sonoristik- Richtung in der Musik: das Spiel der Klangfarben, das das "Ich" des Autors ausdrückt. Für ihre Vertreter ist nicht die Tonhöhe wichtig, sondern die Klangfarbe. Sie suchen Neues Musical Farben, unkonventioneller Sound: Sie spielen auf einem Stock, auf

Säge, Essstäbchen auf die Saiten des Klaviers, Klatsche auf das Deck, weiter Fernbedienung, Der Ton wird durch Abwischen des Mundstücks mit einem Taschentuch erzeugt.

In der reinen sonoren Musik spielen Melodie, Harmonie und Rhythmus keine besondere Rolle, es kommt nur auf die Klangfarbe an. Die Notwendigkeit, es zu reparieren, erweckte spezielle grafische Formen der Aufnahme von Klangfarben in Form von dünnen, kräftigen, wellenförmigen, kegelförmigen Linien zum Leben. Manchmal wird auch der Bereich angegeben, in dem der Interpret spielen muss.

Der Begründer der Sonora-Musik war der polnische Komponist K. Penderecki, und seine Initiative wurde von K. Serocki, S. Bussotti und anderen fortgesetzt.

Musikalischer Pointillismus- Richtung im Visier * ein Merkmal davon ist der Bruch des musikalischen Gewebes, seine Zerstreuung in Register, die Komplexität von Rhythmus und Taktarten, die Fülle von Pausen.

Der musikalische Pointillismus weigert sich, ein Verständliches zu schaffen künstlerische Wirklichkeit(aus einer Realität, die auf der Grundlage der weltweiten musikalischen und künstlerischen Tradition und unter Verwendung traditioneller musikalischer semiotischer Codes verstanden werden könnte). Der Pointillismus orientiert das Individuum zur Auswanderung in die Welt seiner Seele und bekräftigt die Fragmentierung der umgebenden Welt.

Aleatorika- künstlerische Ausrichtung von Literatur und Musik, basierend auf der philosophischen Vorstellung, dass der Zufall im Leben regiert, und die Bekräftigung des künstlerischen Konzepts: Mensch- Spieler in der Welt der zufälligen Situationen.

Vertreter der Aleatorik: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky und andere. Der Zufall dringt in das literarische bzw Musikalische Werke mechanisch: durch Werfen von Chips (Würfeln), Schachspielen, Mischen von Seiten oder Variieren von Fragmenten sowie Verwenden

Improvisation: Der Notentext wird in „Zeichen-Symbolen“ geschrieben und dann frei interpretiert.

Ereignis- Dies ist eine der Arten moderner künstlerischer Kultur im Westen. A. Keprou war der Autor der ersten Produktionen des Happenings "Courtyard", "Creations". Happening Performances beinhalten mysteriöse, manchmal unlogische Handlungen der Performer und sind gekennzeichnet durch eine Fülle von Requisiten, die aus gebrauchten und sogar aus einer Mülldeponie stammenden Gegenständen hergestellt wurden. Happening-Teilnehmer ziehen bunte, übertrieben lächerliche Kostüme an und betonen die Leblosigkeit der Darsteller, ihre Ähnlichkeit mit Kisten oder Eimern. Manche Darbietungen bestehen zum Beispiel aus dem schmerzhaften Herauslösen unter einer Plane. Gleichzeitig ist das individuelle Verhalten der Akteure improvisatorisch. Manchmal wenden sich Schauspieler an das Publikum mit der Bitte, ihnen zu helfen. Diese Einbeziehung des Betrachters in das Geschehen entspricht dem Geist des Geschehens.

Der Welt- und Persönlichkeitsbegriff des Geschehens lässt sich so formulieren: die Welt- eine Kette von zufälligen Ereignissen, eine Person muss subjektiv völlige Freiheit fühlen, aber tatsächlich einer einzigen Aktion gehorchen, manipuliert werden.

Happening bedient sich der Lichtmalerei: Das Licht wechselt ständig Farbe und Stärke, wird direkt auf den Akteur gerichtet oder scheint durch Schirme aus unterschiedlichen Materialien. Oft wird es von Geräuscheffekten begleitet (menschliche Stimmen, Musik, Klirren, Knacken, Knirschen). Der Ton ist manchmal sehr stark, unerwartet, auf einen Schockeffekt ausgelegt. Die Präsentation umfasst Folien und Filmrahmen. Laura verwendet auch Aromastoffe. Der Darsteller erhält vom Regisseur eine Aufgabe, die Dauer der Aktionen der Teilnehmer ist jedoch nicht festgelegt. Jeder kann das Spiel jederzeit verlassen.

Happening findet an unterschiedlichen Orten statt: auf Parkplätzen, in von Hochhäusern umgebenen Höfen, im Untergrund. Wälle, Dachböden. Der Aktionsraum soll nach den Prinzipien dieser Aktion die Vorstellungskraft des Künstlers und des Betrachters nicht einschränken.

Der Happening-Theoretiker M. Kerby verweist diese Art von Spektakel auf das Gebiet des Theaters, obwohl er feststellt, dass sich das Happening vom Theater unterscheidet, da die traditionelle Struktur der Aufführung fehlt: Handlung, Charaktere und Konflikt. Andere Forscher assoziieren das Wesen des Geschehens mit Malerei und Skulptur und nicht mit dem Theater.

Das Happening geht in seinen Anfängen auf die künstlerische Suche des frühen 20. Jahrhunderts zurück, auf die Versuche einiger Maler und Bildhauer, den Fokus von einem Gemälde oder einer Skulptur auf den Entstehungsprozess selbst zu lenken, also auch das Happening zu nehmen Ursprünge im „Action Painting“: im „Droplet Splashing“ von J. Pollock, in De Koonings „slashing“ Strichen, in kostümierten Bildperformances von J. Mathieu.

selbstzerstörerische Kunst- das ist eines der seltsamen Phänomene der Postmoderne. Mit Farbe gemalte Gemälde verblassen vor dem Publikum. Das Buch "Nothing", 1975 in den USA erschienen und in England nachgedruckt. Es hat 192 Seiten, und keine davon hat eine einzige Zeile. Der Autor behauptet, er habe den Gedanken ausgedrückt: Ich habe dir nichts zu sagen. All dies sind Beispiele selbstzerstörerischer Kunst. Es hat auch seinen Ausdruck in der Musik: die Aufführung eines Stücks auf einem zerbröckelnden Klavier oder auf einer zerfallenden Geige und so weiter.

Konzeptualismus- ist eine Kunstrichtung Westliche Kunst, die in ihrer künstlerischen Konzeption eine Person bejaht, die von der direkten (unmittelbaren) Bedeutung der Kultur losgelöst und von ästhetisierten Produkten intellektueller Aktivität umgeben ist.

Die Werke des Konzeptualismus sind in ihrer Beschaffenheit und Erscheinung unvorhersehbar verschieden: Fotos, Fotokopien von Texten, Telegramme, Reproduktionen, Grafiken, Zahlenkolonnen, Diagramme. Der Konzeptualismus verwendet das intellektuelle Produkt menschlicher Aktivität nicht für den beabsichtigten Zweck: Der Rezipient sollte die Bedeutung des Textes nicht lesen und interpretieren, sondern ihn als rein ästhetisches Produkt wahrnehmen, das in seiner Erscheinung interessant ist.

Vertreter des Konzeptualismus; Amerikanische Künstler T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler und andere.

Kritischer Realismus des 19. Jahrhunderts,- künstlerische Leitung“, die das Konzept vorbringt: Die Welt und der Mensch sind unvollkommen; Ausfahrt- Nicht-Widerstand gegen das Böse durch Gewalt und Selbstverbesserung.

M Sozialistischer Realismus- eine künstlerische Ausrichtung, die ein künstlerisches Konzept bejaht: eine Person ist sozial aktiv und wird mit gewaltsamen Mitteln in die Entstehung der Geschichte einbezogen"

Bauernrealismus- eine künstlerische Richtung, die behauptet, dass der Bauer der Hauptträger der Moral und die Stütze des nationalen Lebens ist.

Bauernrealismus (Dorfprosa) - die literarische Richtung der russischen Prosa (60er - 80er Jahre); zentrales Thema - modernes Dorf, die Hauptfigur ist ein Bauer - der einzig wahre Vertreter des Volkes und Träger von Idealen.

Neorealismus- die künstlerische Richtung des Realismus des 20. Jahrhunderts, die sich im italienischen Nachkriegskino und teilweise in der Literatur manifestierte. Features: Neorealismus zeigte großes Interesse an einem Mann aus dem Volk, am Leben gewöhnliche Menschen: genaue Aufmerksamkeit für Details, Beobachtung und Fixierung von Elementen, die nach dem Zweiten Weltkrieg zum Leben erweckt wurden. Produkt-

Die Lehren des Neorealismus bekräftigen die Ideen des Humanismus, die Bedeutung einfacher Lebenswerte, Freundlichkeit und Gerechtigkeit in den menschlichen Beziehungen, die Gleichheit der Menschen und ihre Würde, unabhängig von ihrem Besitzstand.

magischer Realismus- die künstlerische Richtung des Realismus, die das Konzept bestätigt: Ein Mensch lebt in einer Realität, die Moderne und Geschichte, das Übernatürliche und das Natürliche, das Paranormale und das Gewöhnliche verbindet.

Besonderheit Magischer Realismus- fantastische Episoden entwickeln sich nach den Gesetzen der Alltagslogik als alltägliche Realität.

psychologischer Realismus- künstlerische Bewegung des 20. Jahrhunderts mit dem Konzept: Das Individuum ist verantwortlich; Die geistige Welt soll von einer Kultur erfüllt sein, die die Brüderlichkeit der Menschen fördert und ihre Egozentrik und Einsamkeit überwindet.

intellektueller Realismus- Das ist die künstlerische Richtung des Realismus, in dessen Werken sich ein Ideendrama entfaltet und die Charaktere in den Gesichtern die Gedanken des Autors „ausspielen“, verschiedene Aspekte seiner künstlerischen Konzeption zum Ausdruck bringen. Intellektueller Realismus setzt eine konzeptionelle und philosophische Denkweise des Künstlers voraus. Wenn der psychologische Realismus die Plastizität der Gedankenbewegung vermitteln will, die Dialektik der menschlichen Seele, das Zusammenspiel von Welt und Bewusstsein aufzeigt, dann will der intellektuelle Realismus tatsächliche Probleme künstlerisch und überzeugend lösen, den Zustand der Welt analysieren.

Ähnliche Informationen.

Planen

Einführung

Frage 1. Ästhetik der Neuen Zeit und moderne Ästhetik

Frage 2. Die Besonderheiten des Protestantismus als eine der Richtungen des Christentums

Abschluss

Liste der verwendeten Quellen

Einführung

Das Studienfach in Kontrollarbeit ist Gegenstand der Ethik, Ästhetik und Religionswissenschaft.

Gegenstand des Studiums sind die einzelnen Aspekte der Disziplin.

Die Relevanz der Studie ergibt sich zunächst aus der Tatsache, dass jede Religion eine Weltanschauung und ein soziales Denken ist, das in die Form eines Kultes gekleidet ist. Besonders interessant für die Forschung sind Fälle, in denen Religion nicht unverändert bleibt, sondern durch Leben und Veränderungen darin ergänzt wird. Gleichzeitig bildet jede Periode der menschlichen Entwicklung gemäß ihren moralischen, ethischen und philosophischen Ansichten ihre eigene Ethik und Ästhetik des menschlichen Verhaltens und Handelns in der Gesellschaft. Die Prozesse der religiösen Entwicklung stehen oft in direktem Zusammenhang damit ethische Standards Gesellschaft und ästhetische Verkörperungen. Manchmal stehen Ethik und Ästhetik im Widerspruch zum religiösen Kult, indem sie neue philosophische Ideen vorantreiben und einführen.

Der Zweck der Arbeit auf der Grundlage der untersuchten methodischen und pädagogische Literatur den Untersuchungsgegenstand in der Kontrollarbeit charakterisieren.

Um dieses Ziel zu erreichen, ist die Lösung der folgenden Hauptaufgaben geplant:

Betrachten Sie die Merkmale der Ästhetik des New Age und der modernen Ästhetik;

Beschreiben Sie den Entstehungsprozess des Protestantismus und die Prinzipien dieser Religion, stellen Sie die Grundzüge des Kultes dieses Glaubens dar;

Fassen Sie die Forschungsergebnisse in der Arbeit zusammen.

Frage 1. Ästhetik der Neuen Zeit und moderne Ästhetik

Die ideologische Grundlage des New Age war der Humanismus und dann die Naturphilosophie.

Humanismus- von lat. menschlich - Anerkennung des Wertes einer Person als Person, ihres Rechts auf freie Entfaltung und Manifestation ihrer Fähigkeiten. Anerkennung des Wohles des Menschen als Kriterium zur Beurteilung sozialer Beziehungen. IN philosophischen Sinn- säkulares Freidenken, Gegenscholastik und geistliche Dominanz der Kirche. In dieser Zeit fand eine Art Vergöttlichung des Menschen statt – der „Mikrokosmos“, ein gottgleiches Wesen, das sich erschafft und erschafft. Diese Ansichten sind Anthropozentrismus. Dies ist ein philosophischer Begriff, der sich in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts etabliert hat, um sich auf idealistische Lehren zu beziehen, die im Menschen das zentrale und höchste Ziel des Universums sehen. Aber seine Grundlagen wurden in der Renaissance gelegt.

Pantheismus- aus dem Griechischen. theos, was Gott bedeutet. Dies sind religiöse und philosophische Lehren, die Gott und die Welt als Ganzes identifizieren. Pantheistische Tendenzen manifestierten sich in der ketzerischen Mystik des Mittelalters. Der Pantheismus ist charakteristisch für die Naturphilosophie der Renaissance und das materialistische System von Spinoza, der die Begriffe „Gott“ und „Natur“ identifizierte.

Eine solche Einstellung gegenüber einer Person markierte die Entstehung neuer Formen des Selbstbewusstseins und des Individualismus der Renaissance. Der Schwerpunkt lag auf ethischen Fragen, der Lehre vom freien Willen des Einzelnen, der auf das Gute und das Gemeinwohl ausgerichtet war. Es gab eine Art Rehabilitierung des Menschen und seines Geistes. Sie lehnte die mittelalterliche theologische Haltung gegenüber dem Menschen als einem sündigen Gefäß ab, das dazu verdammt war, im Leben zu leiden. Freude und Genuss wurden zum Zweck des irdischen Daseins erklärt. Die Möglichkeit einer harmonischen Existenz des Menschen und der umgebenden Welt wurde proklamiert. Humanisten trugen zur Entwicklung des Ideals einer vollkommenen, umfassend entwickelten Persönlichkeit bei, deren Tugenden nicht durch Geburtsadel, sondern durch Taten, Intelligenz, Talente und Verdienste um die Gesellschaft bestimmt wurden. Im Humanismus wurden von Anfang an naturphilosophische Tendenzen geschlossen, die im 16. Jahrhundert eine besondere Entwicklung erhielten. das Hauptproblem, die Naturphilosophen beschäftigte - das Verhältnis von Gott und Natur. In Anbetracht dessen versuchten sie, den Dualismus des mittelalterlichen Denkens zu überwinden, sie verstanden die Welt als eine organische Verbindung zwischen Materie und Geist. Sie erkannten die Materialität und Unendlichkeit der Welt und statteten die Materie mit der Fähigkeit aus, sich selbst zu reproduzieren und gleichzeitig Leben zu erschaffen Lehre vom Lebensraum. So entstand in den philosophischen Systemen der Renaissance ein pantheistisches Weltbild. Die Idee der universellen Animation des Universums stellte die Existenz des Übernatürlichen, Jenseitigen in Frage, da alles Wunderbare für natürlich, natürlich, potenziell erkennbar erklärt wurde: Sobald es entdeckt und erklärt wurde, wie es aufhörte, wunderbar zu sein. Solche Urteile widersprachen dem kirchlichen Dogma. Der mittelalterlichen Scholastik, die auf Buchwissen und Autoritäten beruhte, standen der Humanismus und die Naturphilosophie dem Rationalismus gegenüber, einer experimentellen Methode der Welterkenntnis, die auf sinnlicher Wahrnehmung und Experimenten beruhte. Gleichzeitig führte die Belebung des Kosmos zu der Idee einer geheimnisvollen Verbindung zwischen Mensch und Natur, der Anerkennung der okkulten Wissenschaften. Wissenschaft wurde als natürliche Magie verstanden, Astronomie war mit Astrologie verflochten und so weiter. Überhaupt bedeutete das Verständnis der Natur als innerer, selbstständig handelnder, nach eigenen Gesetzen lebender Meister einen Bruch mit den etablierten mittelalterlichen Vorstellungen vom Schöpfergott und führte zur Entstehung einer neuen Naturreligion. Dieser ideologische Umbruch basierte auf dem Aufstieg der Produktivkräfte, der materiellen Produktion, der Wissenschaft und der Technologie. All dies führte zur fortschreitenden Entwicklung Europas.

Wichtigstes Unterscheidungsmerkmal des Weltbildes der Renaissance ist die Konzentration auf die Kunst. Stand in der Antike das naturkosmische Leben im Mittelpunkt, war es im Mittelalter Gott und der mit ihm verbundene Heilsgedanke, so steht in der Renaissance der Mensch im Mittelpunkt. Daher kann das philosophische Denken dieser Zeit als anthropozentrisch charakterisiert werden.

In der Renaissance erlangt der Einzelne eine viel größere Selbständigkeit, er repräsentiert zunehmend nicht mehr diese oder jene Vereinigung, sondern sich selbst. Daraus erwächst ein neues Selbstbewusstsein des Menschen und seine neue gesellschaftliche Stellung: Stolz und Selbstbestätigung, das Bewusstsein der eigenen Stärke und Begabung werden zu den unverwechselbaren Eigenschaften eines Menschen.

Vielseitigkeit ist das Ideal eines Renaissancemenschen. Architekturtheorie, Malerei und Bildhauerei, Mathematik, Mechanik, Kartographie, Philosophie, Ethik, Ästhetik, Pädagogik – das ist der Studienkreis beispielsweise des Florentiner Künstlers und Humanisten Alberti.

Wenden wir uns der Argumentation eines der Humanisten des 15. Jahrhunderts, Giovanni Pico (1463-1494), in seiner berühmten Rede über die Würde des Menschen zu. Nachdem Gott den Menschen erschaffen und „in den Mittelpunkt der Welt gestellt“ hatte, richtete sich Gott nach diesem Philosophen mit diesen Worten an ihn: „Wir geben dir, o Adam, weder einen bestimmten Ort noch dein eigenes Bild noch ein besondere Verpflichtung, so dass sowohl der Ort als auch Sie aus freiem Willen, nach Ihrem Willen und Ihrer Entscheidung, dazu verpflichtet waren.

Pico hat die Vorstellung von einem Mann, dem Gott den freien Willen gegeben hat und der selbst über sein Schicksal entscheiden muss, seinen Platz in der Welt bestimmen muss. Der Mensch ist hier nicht nur ein natürliches Wesen, sondern der Schöpfer seiner selbst.

In der Renaissance wird jede Tätigkeit – sei es die Tätigkeit eines Künstlers, Bildhauers, Architekten oder Ingenieurs, Seefahrers oder Dichters – anders wahrgenommen als in der Antike und im Mittelalter. Bei den alten Griechen wurde Kontemplation über Aktivität gestellt (im Griechischen ist Kontemplation Theorie). Im Mittelalter galt Arbeit als eine Art Sühne für Sünden. Die höchste Form der Tätigkeit aber wird hier als diejenige anerkannt, die zum Heil der Seele führt, und sie ist in vielerlei Hinsicht der Kontemplation verwandt: Es ist das Gebet, ein liturgisches Ritual. Und erst in der Renaissance bekommt die schöpferische Tätigkeit eine Art sakralen Charakter. Mit ihrer Hilfe befriedigt der Mensch nicht nur seine spezifisch-irdischen Bedürfnisse; Er erschafft neue Welt Er erschafft Schönheit, erschafft das Höchste der Welt, sich selbst. Und es ist kein Zufall, dass gerade in der Renaissance die zuvor bestehende Grenze zwischen Wissenschaft, praktisch-technischer Tätigkeit und künstlerischer Phantasie erstmals verwischt wurde. Der Ingenieur und Künstler ist jetzt nicht nur „Handwerker“, „Techniker“, jetzt ist er Schöpfer. Von nun an imitiert der Künstler nicht nur die Schöpfungen Gottes, sondern die sehr göttliche Kreativität. In der Welt der Wissenschaft finden wir einen solchen Ansatz bei Kepler, Galileo, Navanieri.

Der Mensch strebt danach, sich von seiner transzendentalen Wurzel zu befreien, indem er nicht nur im Kosmos, aus dem er in dieser Zeit sozusagen herausgewachsen ist, einen Halt sucht, sondern in sich selbst, in einem neuen Licht – einem Körper, durch den er von nun an er sieht die Körperlichkeit überhaupt anders. So paradox es scheinen mag, es war gerade die mittelalterliche Lehre von der Auferstehung des Menschen im Fleisch, die zu jener „Rehabilitation“ des Menschen mit all seiner materiellen Leiblichkeit führte, die für die Renaissance so charakteristisch ist.

Der für die Renaissance charakteristische Schönheitskult ist mit dem Anthropozentrismus verbunden, und es ist kein Zufall, dass die Malerei in erster Linie schön dargestellt wird menschliches Gesicht Und menschlicher Körper werden die dominierende Kunstform in dieser Ära. Die großen Künstler – Botticelli, Leonardo da Vinci, Raffael – das Weltbild der Renaissance erhält seinen höchsten Ausdruck.

In der Renaissance stieg wie nie zuvor der Wert des Individuums. Weder in der Antike noch im Mittelalter gab es ein derart brennendes Interesse am Menschen in all seinen vielfältigen Erscheinungsformen. Vor allem wird in dieser Epoche die Originalität und Einzigartigkeit jedes Einzelnen in den Vordergrund gestellt.

Reiche Entfaltung der Persönlichkeit in XV-XVI Jahrhundert oft begleitet von Extremen des Individualismus: Der Eigenwert der Individualität bedeutet die Verabsolutierung des ästhetischen Umgangs mit dem Menschen.

Frage 2. Die Besonderheiten des Protestantismus als eine der Richtungen des Christentums

Der Protestantismus ist neben dem Katholizismus und der Orthodoxie eine der drei Hauptrichtungen des Christentums, die eine Sammlung zahlreicher unabhängiger Kirchen und Sekten ist, die ursprünglich mit der Reformation, einer breiten antikatholischen Bewegung des 16. Jahrhunderts, verwandt sind. in Europa. Die Bewegung begann in Deutschland 1517, als M. Luther seine „95 Thesen“ veröffentlichte, und endete in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. offizielle Anerkennung des Protestantismus. Im Mittelalter wurden viele Versuche unternommen, die katholische Kirche zu reformieren. Der Begriff "Reformation" tauchte jedoch erst im 16. Jahrhundert auf; Es wurde von Reformatoren eingeführt, um die Idee auszudrücken, dass die Kirche zu ihren biblischen Ursprüngen zurückkehren muss. Die römisch-katholische Kirche wiederum betrachtete die Reformation als eine Rebellion, eine Revolution. Als Sammelbezeichnung für alle Anhänger der Reformation entstand der Begriff „Protestant“.

Die Entwicklung der ästhetischen Wissenschaft in den Ländern Westeuropas und der USA in der ersten Hälfte unseres Jahrhunderts brachte diese widersprüchliche Periode in vielen ihrer Konzepte und Theorien zum Ausdruck, die vor allem unrealistischer Natur sind, für die viele der Begriff "Moderne" wurde gegründet.

Der Modernismus (von französisch modern - das neueste, modern) ist ein allgemeines Symbol für die Kunstströmungen des 20. Jahrhunderts, die sich durch die Abkehr von traditionellen Methoden der künstlerischen Darstellung der Welt auszeichnen.

Moderne als Kunstsystem wurde durch zwei Prozesse ihrer Entwicklung vorbereitet: Dekadenz (d. h. Flucht, Ablehnung des wirklichen Lebens, Schönheitskult als einziger Wert, Ablehnung sozialer Probleme) und die Avantgarde (deren Manifeste den Bruch mit dem Erbe der Vergangenheit und etwas Neues zu schaffen, im Gegensatz zu traditionellen künstlerischen Einstellungen).

Alle Hauptrichtungen und Strömungen der Moderne – Kubismus, Expressionismus, Futurismus, Konstruktivismus, Imaginismus, Surrealismus, Abstraktionismus, Pop Art, Hyperrealismus usw. – haben das gesamte System der künstlerischen Mittel und Techniken entweder abgelehnt oder vollständig verändert. Genauer gesagt im verschiedene Arten Kunst äußerte sich dies: in einer Veränderung von Raumbildern und der Abkehr von künstlerischen und figurativen Mustern in der bildenden Kunst; in der Überarbeitung der melodischen, rhythmischen und harmonischen Organisation in der Musik; B. in der Entstehung eines „Bewusstseinsstroms“, eines inneren Monologs, assoziativer Montage in der Literatur usw. Die Ideen des irrationalistischen Voluntarismus von A. Schopenhauer und F. Nietzsche, die Intuitionslehre von A. Bergson und N. Lossky, die Psychoanalyse 3 hatte großen Einfluss auf die Praxis der Moderne: Freud und C. G. Jung, der Existentialismus von M. Heidegger, J.-P. Sartre und A. Camus, die Theorie der Sozialphilosophie der Frankfurter Schule T. Adorno und G. Marcuse.

Die allgemeine emotionale Stimmung der Werke modernistischer Künstler kann in folgendem Satz ausgedrückt werden: Das Chaos des modernen Lebens, seine Auflösung tragen zur Unordnung und Einsamkeit eines Menschen bei, seine Konflikte sind unlösbar und hoffnungslos und die Umstände, in denen er sich befindet platziert sind unüberwindbar.

Nach dem Zweiten Weltkrieg verloren die meisten modernistischen Kunstrichtungen ihre einstige Avantgarde-Position. Im Europa und Amerika der Nachkriegszeit beginnen sich „Massen“- und „Elite“-Kulturen aktiv zu manifestieren, wobei ihnen verschiedene ästhetische Trends und Trends entsprechen, und sich auch erklären Ästhetische Schulen nichtmarxistischer Charakter. Allgemein kann die Nachkriegsphase in der Entwicklung fremder Ästhetik als postmodern definiert werden.

Postmoderne ist ein Begriff, der eine neue, bisher letzte Superstufe in der Kette von Kulturtrends bezeichnet, die sich im Laufe der Geschichte natürlich gegenseitig verändern. Die Postmoderne als Paradigma der modernen Kultur ist eine allgemeine Entwicklungsrichtung Europäische Kultur in den 70er Jahren gegründet. 20. Jahrhundert

Das Aufkommen postmoderner Kulturtrends ist verbunden mit dem Bewusstsein der Grenzen des sozialen Fortschritts und der Angst der Gesellschaft, dass seine Ergebnisse die Zerstörung der Zeit und des Raums der Kultur bedrohen. Die Postmoderne sollte sozusagen die Grenzen menschlicher Eingriffe in die Entwicklung von Natur, Gesellschaft und Kultur festlegen. Die Postmoderne ist daher gekennzeichnet durch die Suche nach einer universellen künstlerischen Sprache, die Konvergenz und Verschmelzung verschiedener künstlerischer Bewegungen, darüber hinaus den „Anarchismus“ der Stile, ihre endlose Vielfalt, den Eklektizismus, die Collage, das Reich der subjektiven Montage.

Die charakteristischen Merkmale der Postmoderne sind:

Die Orientierung der postmodernen Kultur und der „Masse“ und der „Elite“ der Gesellschaft;

Signifikanter Einfluss der Kunst auf nicht-künstlerische Bereiche menschlichen Handelns (auf Politik, Religion, Informatik etc.);

Stilpluralismus;

Breites Zitat in ihren Kreationen von Kunstwerken früherer Epochen;

Ironie vorbei künstlerische Traditionen vergangene Kulturen;

Anwendung der Technik des Spiels bei der Erstellung von Kunstwerken.

Im postmodernen künstlerischen Schaffen findet eine bewusste Umorientierung von der Kreativität zum Kompilieren und Zitieren statt. Für die Postmoderne ist Kreativität nicht gleich Schöpfung. Funktioniert in vorpostmodernen Kulturen das System „Künstler – Kunstwerk“, so verschiebt sich in der Postmoderne die Betonung auf das Verhältnis „Kunstwerk – Betrachter“, was auf einen grundlegenden Wandel im Selbstbewusstsein des Künstlers hindeutet. Er hört auf, ein „Schöpfer“ zu sein, da die Bedeutung des Werks direkt im Akt seiner Wahrnehmung geboren wird. Ein postmodernes Kunstwerk muss gesehen, ausgestellt werden, es kann ohne Betrachter nicht existieren. Wir können sagen, dass es in der Postmoderne einen Übergang von einem „Kunstwerk“ zu einer „künstlerischen Konstruktion“ gibt.

Die Postmoderne als Theorie erhielt eine bedeutende Begründung in den Werken von J. Baudrillard „The System of Things“ (1969), J. F. Lyotard „Postmodern Knowledge“ (1979) und „Dispute“ (1984), P. Sloterdijk „Magic Tree“ (1985 ) und andere

In diesem Abschnitt werden nur die wichtigsten ästhetischen Strömungen und Schulen nichtmarxistischer Orientierung sowie die Schlüsselprobleme der ästhetischen Wissenschaft des 20. Jahrhunderts analysiert.