Künstlerische Kultur der Renaissance. vor der Wiederbelebung

Schaffung ideale Stadt quälten Wissenschaftler und Architekten verschiedener Länder und Epochen, aber die ersten Versuche, so etwas zu entwerfen, entstanden in der Renaissance. Obwohl am Hof ​​der Pharaonen und römischen Kaiser Wissenschaftler arbeiteten, deren Arbeiten darauf abzielten, eine Art ideale Siedlung zu schaffen, in der nicht nur alles eindeutig der Hierarchie gehorchte, sondern auch für beide Herrscher angenehm zu leben wäre und der einfache Handwerker. Erinnern Sie sich zumindest an Achetaton, Mohenjo-Daro oder ein fantastisches Projekt, das Alexander dem Großen von Stasicrates vorgeschlagen wurde, wonach er vorschlug, eine Statue eines Kommandanten vom Berg Athos mit einer Stadt auf seinem Arm zu schnitzen. Das einzige Problem war, dass diese Siedlungen entweder auf dem Papier blieben oder zerstört wurden. Die Idee, eine ideale Stadt zu entwerfen, kam nicht nur Architekten, sondern auch vielen Künstlern. Es gibt Hinweise darauf, dass Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana und viele andere daran beteiligt waren.

Piero della Francesco war seinen Zeitgenossen vor allem als Verfasser von Abhandlungen über Kunst bekannt. Nur drei davon sind uns überliefert: „Abhandlung über den Abakus“, „Perspektive in der Malerei“, „Fünf regelmäßige Körper“. Er war es, der als erster die Frage aufwarf, eine ideale Stadt zu schaffen, in der alles mathematischen Berechnungen unterworfen wäre, was Konstruktionen von klarer Symmetrie versprach. Aus diesem Grund schreiben viele Gelehrte Pierrot das Bild "Ansicht einer idealen Stadt" zu, das sich perfekt in die Prinzipien der Renaissance einfügt.

Leon Battista Alberti kam der Umsetzung eines solchen Großprojekts am nächsten. Zwar gelang es ihm nicht, seine Idee vollständig zu verwirklichen, aber er hinterließ eine Vielzahl von Zeichnungen und Notizen, denen zufolge andere Künstler in Zukunft das erreichen konnten, was Leon nicht gelang. Insbesondere Bernardo Rosselino fungierte als Ausführender vieler seiner Projekte. Aber Leon setzte seine Prinzipien nicht nur schriftlich um, sondern auch am Beispiel vieler von ihm gebauter Gebäude. Im Grunde sind dies zahlreiche Paläste, die für Adelsfamilien entworfen wurden. Der Architekt offenbart sein eigenes Beispiel einer idealen Stadt in seiner Abhandlung über die Architektur. Der Wissenschaftler schrieb diese Arbeit bis zu seinem Lebensende. Es wurde posthum veröffentlicht und war das erste gedruckte Buch, das die Probleme der Architektur offenlegte. Laut Leon musste die ideale Stadt alle Bedürfnisse eines Menschen widerspiegeln, auf alle seine humanistischen Bedürfnisse eingehen. Und das ist kein Zufall, denn der führende philosophische Gedanke in der Renaissance war der anthropozentrische Humanismus. Die Stadt sollte in Quartiere aufgeteilt werden, die nach einem hierarchischen Prinzip oder nach Art der Beschäftigung aufgeteilt würden. In der Mitte, auf dem Hauptplatz, befindet sich ein Gebäude, in dem die Stadtmacht konzentriert werden sollte, sowie die Hauptkathedrale und die Häuser von Adelsfamilien und Stadtverwaltern. Näher am Stadtrand lagen die Häuser von Kaufleuten und Handwerkern, und die Armen lebten direkt an der Grenze. Eine solche Anordnung von Gebäuden war laut dem Architekten ein Hindernis für die Entstehung verschiedener sozialer Unruhen, da die Häuser der Reichen von den Wohnungen der armen Bürger getrennt würden. Ein weiteres wichtiges Planungsprinzip war, dass es den Bedürfnissen aller Bürgerkategorien gerecht werden musste, damit sowohl der Herrscher als auch der Geistliche in dieser Stadt bequem leben konnten. Es sollte alle Gebäude enthalten, von Schulen und Bibliotheken bis hin zu Märkten und Thermalbädern. Wichtig ist auch die öffentliche Zugänglichkeit solcher Gebäude. Auch wenn wir alle ethischen und sozialen Prinzipien einer idealen Stadt ignorieren, bleiben äußere, künstlerische Werte bestehen. Der Grundriss musste regelmäßig sein, wonach die Stadt durch gerade Straßen in übersichtliche Viertel geteilt wurde. Im Allgemeinen sollten alle architektonischen Strukturen geometrischen Formen unterliegen und entlang eines Lineals gezeichnet werden. Die Quadrate waren entweder rund oder rechteckig. Nach diesen Grundsätzen wurden die alten Städte wie Rom, Genua und Neapel teilweise dem Abriss der alten mittelalterlichen Straßen und dem Bau neuer geräumiger Viertel unterzogen.

In einigen Abhandlungen wurde eine ähnliche Bemerkung über die Freizeit der Menschen gefunden. Es betraf hauptsächlich Jungen. Es wurde vorgeschlagen, Spielplätze und Kreuzungen in den Städten so zu bauen, dass die spielenden Jugendlichen unter ständiger Aufsicht von Erwachsenen stehen, die sie ungehindert beobachten können. Diese Vorsichtsmaßnahmen zielten darauf ab, junge Menschen zur Vorsicht zu erziehen.

Die Kultur der Renaissance lieferte in vielerlei Hinsicht Stoff für weitere Überlegungen zur Struktur der idealen Stadt. Dies galt insbesondere für die Humanisten. Nach ihrer Weltanschauung sollte alles für einen Menschen geschaffen werden, für sein angenehmes Dasein. Wenn all diese Bedingungen erfüllt sind, wird eine Person sozialen Frieden und spirituelles Glück erlangen. Daher in solchen
Die Gesellschaft kann einfach a priori keine Kriege oder Unruhen haben. Die Menschheit hat sich während ihrer gesamten Existenz auf ein solches Ergebnis zubewegt. Erinnern Sie sich zumindest an das berühmte „Utopia“ von Thomas More oder „1984“ von George Orwell. Arbeiten dieser Art berührten nicht nur funktionale Merkmale, sondern dachten auch über die Beziehungen, Ordnung und Struktur der Gemeinschaft nach, die an diesem Ort lebte, nicht unbedingt eine Stadt, vielleicht sogar die Welt. Aber diese Grundlagen wurden bereits im 15. Jahrhundert gelegt, sodass wir mit Sicherheit sagen können, dass die Wissenschaftler der Renaissance umfassend gebildete Menschen ihrer Zeit waren.

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Klassizismus in der Architektur Westeuropas

Überlassen wir das den Italienern

Leeres Lametta mit seinem falschen Glanz.

Gesamt Bedeutung ist wichtiger aber um zu ihm zu kommen,

Wir müssen Hindernisse und Pfade überwinden,

Folgen Sie strikt dem markierten Weg:

Manchmal hat der Verstand nur einen Weg...

Sie müssen über die Bedeutung nachdenken und erst dann schreiben!

N. Boileau. "Poetische Kunst".

Übersetzung von V. Lipetskaya

So lehrte einer der Hauptideologen des Klassizismus, der Dichter Nicolas Boileau (1636-1711), seine Zeitgenossen. Die strengen Regeln des Klassizismus wurden in den Tragödien von Corneille und Racine, den Komödien von Molière und den Satiren von La Fontaine, der Musik von Lully und der Malerei von Poussin, der Architektur und Dekoration der Paläste und Ensembles von Paris verkörpert ...

Der Klassizismus manifestierte sich am deutlichsten in den Werken der Architektur, die sich auf die besten Errungenschaften der antiken Kultur konzentrierten - ein Ordnungssystem, strenge Symmetrie, eine klare Proportionalität der Teile der Komposition und ihre Unterordnung unter die allgemeine Idee. Der „strenge Stil“ der klassizistischen Architektur schien ihre Idealformel von „edler Schlichtheit und ruhiger Erhabenheit“ visuell verkörpern zu wollen. In den architektonischen Strukturen des Klassizismus dominierten einfache und klare Formen, eine ruhige Harmonie der Proportionen. Bevorzugt wurden gerade Linien, unaufdringliches Dekor, das den Umriss des Objekts wiederholte. Die Einfachheit und der Adel der Verarbeitung, Praktikabilität und Zweckmäßigkeit beeinflussten alles.

Basierend auf den Vorstellungen der Renaissance-Architekten von der „idealen Stadt“ schufen die Architekten des Klassizismus ein grandioses Schloss- und Parkensemble neuen Typs, das sich strikt einem einzigen geometrischen Plan unterordnete. Eines der herausragenden architektonischen Bauwerke dieser Zeit war die Residenz der französischen Könige am Stadtrand von Paris - das Schloss Versailles.

„Feentraum“ von Versailles

Mark Twain, der Mitte des 19. Jahrhunderts Versailles besuchte.

„Ich habe Ludwig XIV. beschimpft, der 200 Millionen Dollar für Versailles ausgegeben hat, als die Leute nicht genug für Brot hatten, aber jetzt habe ich ihm vergeben. Es ist außergewöhnlich schön! Du starrst, öffnest einfach deine Augen und versuchst zu verstehen, dass du auf der Erde bist und nicht in den Gärten von Eden. Und Sie sind fast bereit zu glauben, dass dies ein Scherz ist, nur ein fabelhafter Traum.

Tatsächlich erstaunt der „Märchentraum“ von Versailles immer noch mit der Größe des regelmäßigen Grundrisses, der prächtigen Pracht der Fassaden und der Brillanz der dekorativen Dekoration der Innenräume. Versailles wurde zu einer sichtbaren Verkörperung der großoffiziellen Architektur des Klassizismus, die die Idee eines rational arrangierten Weltmodells zum Ausdruck brachte.

Einhundert Hektar Land in einem extrem eine kurze Zeit(1666-1680) wurden in ein Paradies für die französische Aristokratie verwandelt. Die Architekten Louis Leveaux (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) und André Le Notre(1613-1700). Sie haben einige Jahre lang viel in ihrer Architektur umgebaut und verändert, so dass sie heute eine komplexe Verschmelzung mehrerer architektonischer Schichten ist, die absorbiert Charakterzüge Klassizismus.

Das Zentrum von Versailles ist der Große Palast, zu dem drei zusammenlaufende Alleen führen. Auf einer bestimmten Anhöhe gelegen, nimmt der Palast eine beherrschende Stellung über dem Gebiet ein. Seine Schöpfer teilten die fast einen halben Kilometer lange Fassade in einen zentralen Teil und zwei Seitenflügel - Risalit - und verliehen ihr eine besondere Feierlichkeit. Die Fassade wird durch drei Stockwerke dargestellt. Der erste, der die Rolle eines massiven Sockels spielt, ist mit Rustikierung nach dem Vorbild italienischer Renaissancepaläste verziert. An der zweiten Front befinden sich hohe Bogenfenster, zwischen denen sich ionische Säulen und Pilaster befinden. Die den Bau bekrönende Tribüne verleiht dem Erscheinungsbild des Schlosses Monumentalität: Sie ist verkürzt und endet mit Skulpturengruppen, die dem Gebäude eine besondere Eleganz und Leichtigkeit verleihen. Der Rhythmus von Fenstern, Pilastern und Säulen an der Fassade betont die klassische Strenge und Pracht. Es ist kein Zufall, dass Molière über den Großen Palast von Versailles sagte:

"Die künstlerische Ausstattung des Palastes steht so im Einklang mit der Perfektion, die die Natur ihm verleiht, dass man ihn als magisches Schloss bezeichnen kann."

Innenräume Großer Palast im Barockstil dekoriert: Sie sind reich an skulpturalen Dekorationen, reichem Dekor in Form von vergoldetem Stuck und Schnitzereien, vielen Spiegeln und exquisiten Möbeln. Die Wände und Decken sind mit farbigen Marmorplatten mit klaren geometrischen Mustern verkleidet: Quadrate, Rechtecke und Kreise. Malerische Tafeln und Wandteppiche auf mythologische Themen verherrlichen König Ludwig XIV. Massive Kronleuchter aus Bronze mit Vergoldung vervollständigen den Eindruck von Reichtum und Luxus.

Die Säle des Palastes (es gibt ungefähr 700) bilden endlose Enfiladen und sind für feierliche Prozessionen, prächtige Feste und Maskenbälle bestimmt. Im größten Prunksaal des Schlosses – der Spiegelgalerie (73 m lang) – wird die Suche nach neuen Raum- und Lichtwirkungen anschaulich demonstriert. Zu den Fenstern auf der einen Seite der Halle passten Spiegel auf der anderen. Unter Sonnen- oder Kunstlicht erzeugten 400 Spiegel eine außergewöhnliche Raumwirkung und vermittelten ein magisches Spiel von Reflexionen.

Die dekorativen Kompositionen von Charles Lebrun (1619-1690) in Versailles und im Louvre bestechen durch ihre zeremonielle Pracht. Die von ihm proklamierte „Methode der Darstellung von Leidenschaften“, bei der hochrangige Persönlichkeiten pompös gelobt wurden, brachte dem Künstler einen schwindelerregenden Erfolg. 1662 wurde er der erste Maler des Königs und dann Direktor der königlichen Manufaktur für Wandteppiche (handgewebte Teppichbilder oder Gobelins) und Leiter aller dekorativen Arbeiten im Schloss von Versailles. In der Spiegelgalerie des Schlosses malte Lebrun

eine vergoldete Decke mit vielen allegorischen Kompositionen zu mythologischen Themen, die die Herrschaft des "Sonnenkönigs" Ludwig XIV. verherrlichten. Aufgehäufte malerische Allegorien und Attribute, leuchtende Farben und dekorative Effekte des Barock kontrastierten deutlich mit der Architektur des Klassizismus.

Das Schlafzimmer des Königs befindet sich im zentralen Teil des Palastes und ist ihm zugewandt aufgehende Sonne. Von hier aus öffnete sich der Blick auf drei von einem Punkt ausgehende Autobahnen, die symbolisch an das Hauptzentrum der Staatsmacht erinnerten. Vom Balkon aus eröffnete der Blick auf den König die ganze Schönheit des Parks von Versailles. Seinem Hauptschöpfer Andre Le Nôtre gelang es, die Elemente der Architektur und der Gartenkunst miteinander zu verbinden. Im Gegensatz zu Landschaftsparks (engl.), die die Idee der Einheit mit der Natur zum Ausdruck brachten, ordneten reguläre (französische) Parks die Natur dem Willen und den Absichten des Künstlers unter. Der Park von Versailles besticht durch seine Klarheit und rationale Raumorganisation, seine Zeichnung wird vom Architekten mit Hilfe von Zirkel und Lineal genau überprüft.

Die Gassen des Parks werden als Fortsetzung der Palasthallen wahrgenommen, jede von ihnen endet mit einem Reservoir. Viele Pools haben die richtige geometrische Form. Die glatten Wasserspiegel in den Stunden vor Sonnenuntergang reflektieren die Sonnenstrahlen und skurrilen Schatten, die von Büschen und Bäumen geworfen werden, die in Form eines Würfels, Kegels, Zylinders oder einer Kugel getrimmt sind. Das Grün bildet manchmal feste, undurchdringliche Wände, manchmal breite Galerien, in künstlichen Nischen, in denen skulpturale Kompositionen, Hermen (tetraedrische Säulen, die mit einem Kopf oder einer Büste gekrönt sind) und zahlreiche Vasen mit Kaskaden dünner Wasserstrahlen platziert sind. Die allegorische Plastizität der von berühmten Meistern geschaffenen Brunnen soll die Herrschaft des absoluten Monarchen verherrlichen. Der „Sonnenkönig“ erschien in ihnen entweder in der Gestalt des Gottes Apollo oder Neptun, der in einem Streitwagen aus dem Wasser fuhr oder in einer kühlen Grotte zwischen den Nymphen ruhte.

Glatte Rasenteppiche verblüffen mit knallbunten Farben und einem skurrilen Blütenornament. In Vasen (es gab ungefähr 150.000 davon) befanden sich frische Blumen, die so verändert wurden, dass Versailles zu jeder Jahreszeit in ständiger Blüte stand. Die Wege des Parks sind mit buntem Sand übersät. Einige von ihnen waren mit Porzellansplittern ausgekleidet, die in der Sonne funkelten. All diese Pracht und Pracht der Natur wurde durch die Düfte von Mandeln, Jasmin, Granatapfel und Zitrone ergänzt, die sich aus Gewächshäusern ausbreiteten.

In diesem Park gab es Natur

Wie leblos;

Wie mit einem erhabenen Sonett,

Sie haben mit dem Gras herumgespielt.

Kein Tanzen, keine süßen Himbeeren,

Le Nôtre und Jean Lully

In Gärten und Tänzen der Unordnung

Konnte es nicht ertragen.

Die Eiben erstarrten wie in Trance,

Die Büsche reihen sich aneinander,

Und knickste

Gelernte Blumen.

V. Hugo Übersetzung von E. L. Lipetskaya

N. M. Karamzin (1766-1826), der 1790 Versailles besuchte, berichtete über seine Eindrücke in den Briefen eines russischen Reisenden:

„Die Unermesslichkeit, die perfekte Harmonie der Teile, die Wirkung des Ganzen: Das ist es, was der Maler nicht mit einem Pinsel darstellen kann!

Gehen wir in die Gärten, die Schöpfung von Le Nôtre, den das kühne Genie überall auf den Thron der stolzen Kunst setzte, und die demütige Na-tura, wie einen armen Sklaven, warf ihn ihm zu Füßen ...

Suchen Sie also nicht die Natur in den Gärten von Versailles; aber hier fesselt die Kunst auf Schritt und Tritt das Auge ... "

Architekturensembles von Paris. Reich

Nach Abschluss der Hauptbauarbeiten in Versailles, an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert, startete André Le Nôtre kräftige Aktivität für die Neugestaltung von Paris. Er führte die Aufteilung des Tuilerienparks durch und legte die Mittelachse eindeutig auf die Fortsetzung der Längsachse des Louvre-Ensembles fest. Nach Le Nôtre wurde der Louvre endgültig wieder aufgebaut, die Place de la Concorde entstand. Die große Achse von Paris vermittelte eine völlig andere Interpretation der Stadt, die den Anforderungen an Erhabenheit, Grandiosität und Pracht entsprach. Die Gestaltung städtischer Freiräume, das System architektonisch gestalteter Straßen und Plätze wurde zum bestimmenden Faktor in der Planung von Paris. Die Klarheit des geometrischen Musters verbindet Straßen und Plätze zu einem Ganzen lange Jahre wird zu einem Kriterium für die Bewertung der Perfektion des Stadtplans und der Fähigkeiten des Stadtplaners. Viele Städte auf der ganzen Welt werden in der Folge den Einfluss des klassischen Pariser Modells erfahren.

Ein neues Verständnis der Stadt als Objekt architektonischer Beeinflussung des Menschen findet in der Arbeit an urbanen Ensembles deutlichen Ausdruck. Während ihres Baus wurden die Haupt- und Grundprinzipien der Stadtplanung des Klassizismus umrissen - freie Entwicklung im Raum und organische Verbindung mit der Umgebung. Um das städtebauliche Chaos zu überwinden, suchten die Architekten Ensembles zu schaffen, die für eine freie und ungehinderte Sicht ausgelegt sind.

Renaissance-Träume von der Schaffung einer „idealen Stadt“ verkörperten sich in der Bildung eines neuen Platztyps, dessen Grenzen nicht mehr die Fassaden bestimmter Gebäude waren, sondern der Raum der angrenzenden Straßen und Viertel, Parks oder Gärten, u Flussdamm. Architektur sucht nicht nur direkt benachbarte Gebäude, sondern auch sehr abgelegene Punkte der Stadt in einer bestimmten Ensembleeinheit zu verbinden.

Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts und dem ersten Drittel des 19. Jahrhunderts. in Frankreich gefeiert neue Bühne Entwicklung des Klassizismus und seine Verbreitung in europäischen Ländern - Neoklassizismus. Nach dem Großen Französische Revolution und dem Vaterländischen Krieg von 1812 traten neue Prioritäten in der Stadtplanung auf, die dem Zeitgeist entsprachen. Den markantesten Ausdruck fanden sie im Empire-Stil. Es zeichnete sich durch folgende Merkmale aus: zeremonielles Pathos imperialer Größe, Monumentalität, Berufung auf die Kunst des kaiserlichen Roms und antikes Ägypten, die Verwendung von Attributen des Römers Militärgeschichte als die wichtigsten dekorativen Motive.

Die Essenz des Neuen künstlerischer Stil wurde sehr treffend in den bedeutsamen Worten Napoleon Bonapartes ausgedrückt:

„Ich liebe Kraft, aber als Künstler … liebe ich es, Klänge, Akkorde und Harmonien daraus zu extrahieren.“

Empire-Stil wurde zur Personifikation der politischen Macht und des militärischen Ruhms Napoleons und diente als eine Art Manifestation seines Kultes. Die neue Ideologie entsprach voll und ganz den politischen Interessen und dem künstlerischen Geschmack der neuen Zeit. Überall entstanden große architektonische Ensembles aus offenen Plätzen, breiten Straßen und Alleen, errichteten Brücken, Denkmäler und öffentliche Gebäude, die die imperiale Größe und Machtmacht demonstrierten.

So erinnerte beispielsweise die Austerlitzer Brücke an die große Schlacht Napoleons und wurde aus den Steinen der Bastille erbaut. Am Place Carruzel erbaut wurde Triumphbogen zu Ehren des Sieges bei Austerlitz. Zwei weit voneinander entfernte Plätze (Consent und Stars) wurden durch architektonische Perspektiven verbunden.

Kirche der Heiligen Genoveva, errichtet von J. J. Soufflot, wurde zum Pantheon – der Ruhestätte der großen Persönlichkeiten Frankreichs. Eines der spektakulärsten Denkmäler dieser Zeit ist die Säule der Großen Armee auf dem Place Vendôme. Ähnlich wie die antike römische Trajanssäule sollte sie nach dem Plan der Architekten J. Gonduin und J. B. Leper den Geist des Neuen Reiches und Napoleons Durst nach Größe ausdrücken.

In der Innenausstattung von Palästen und öffentlichen Gebäuden wurden Feierlichkeit und majestätische Pracht besonders hoch geschätzt, ihre Dekoration war oft mit militärischen Utensilien überladen. Die dominierenden Motive waren kontrastierende Farbkombinationen, Elemente römischer und ägyptischer Ornamente: Adler, Greifen, Urnen, Kränze, Fackeln, Grotesken. Der Empire-Stil manifestierte sich am deutlichsten in den Innenräumen der kaiserlichen Residenzen des Louvre und des Malmaison.

Die Ära von Napoleon Bonaparte endete 1815, und sehr bald begannen sie, seine Ideologie und seinen Geschmack aktiv auszurotten. Aus dem „wie ein Traum verschwundenen“ Reich gab es Kunstwerke im Empire-Stil, die deutlich von seiner einstigen Größe zeugen.

Fragen und Aufgaben

1. Warum kann Versailles auf herausragende Werke zurückgeführt werden?

Als städtebauliche Ideen des Klassizismus des XVIII Jahrhunderts. haben ihre praktische Anwendung in gefunden architektonische Ensembles Paris, zum Beispiel Place de la Concorde? Was unterscheidet sie von den Plätzen des italienischen Barock im Rom des 17. Jahrhunderts wie der Piazza del Popolo (siehe S. 74)?

2. Wie kam die Verbindung von Barock und Klassizismus zum Ausdruck? Welche Ideen hat der Klassizismus vom Barock geerbt?

3. Was sind die historischen Hintergründe für die Entstehung des Empire-Stils? Welche neuen Ideen seiner Zeit wollte er in Kunstwerken zum Ausdruck bringen? Auf welchen künstlerischen Prinzipien beruht sie?

kreative Werkstatt

1. Geben Sie Ihren Klassenkameraden eine Führung durch Versailles. Zur Vorbereitung können Sie Videomaterial aus dem Internet verwenden. Die Parks von Versailles und Peterhof werden oft verglichen. Was ist Ihrer Meinung nach die Grundlage für solche Vergleiche?

2. Versuchen Sie, das Bild der „idealen Stadt“ der Renaissancezeit mit den klassizistischen Ensembles von Paris (St. Petersburg oder seinen Vororten) zu vergleichen.

3. Vergleichen Sie das Design Innenausstattung(Innenräume) der Galerie von Franz I. in Fontainebleau und der Spiegelgalerie von Versailles.

4. Lernen Sie die Gemälde des russischen Künstlers A. N. Benois (1870-1960) aus dem Zyklus „Versailles. Gang des Königs“ (siehe S. 74). Wie vermitteln sie die allgemeine Atmosphäre des Hoflebens des französischen Königs Ludwig XIV.? Warum können sie als eigentümliche Bildsymbole betrachtet werden?

Themen von Projekten, Abstracts oder Botschaften

"Die Bildung des Klassizismus in der französischen Architektur des 17.-18. Jahrhunderts"; "Versailles als Modell der Harmonie und Schönheit der Welt"; "Ein Spaziergang durch Versailles: die Verbindung zwischen der Zusammensetzung des Schlosses und der Anlage des Parks"; „Meisterwerke der Architektur des westeuropäischen Klassizismus“; "Napoleonisches Reich in der Architektur Frankreichs"; "Versailles und Peterhof: Erfahrung vergleichende Merkmale»; « Künstlerische Entdeckungen in den architektonischen Ensembles von Paris“; "Die Plätze von Paris und die Entwicklung der Prinzipien der regelmäßigen Planung der Stadt"; "Klarheit der Komposition und Ausgewogenheit der Volumina der Kathedrale des Invalides in Paris"; „Concord Square ist eine neue Etappe in der Entwicklung städtebaulicher Ideen des Klassizismus“; „Die strenge Ausdruckskraft der Bände und die Geiz des Dekors der Kirche St. Genevieve (Pantheon) von J. Soufflot“; "Merkmale des Klassizismus in der Architektur westeuropäischer Länder"; "Herausragende Architekten des westeuropäischen Klassizismus".

Bücher zum Nachlesen

Arkin D. E. Bilder der Architektur und Bilder der Skulptur. M., 1990. Kantor A. M. und andere, Kunst des 18. Jahrhunderts. M., 1977. (Kleine Kunstgeschichte).

Klassizismus und Romantik: Architektur. Skulptur. Malen. Zeichnung / Hrsg. R. Toman. M., 2000.

Kozhina E.F. Kunst Frankreichs des 18. Jahrhunderts. L., 1971.

LenotrJ. Alltag von Versailles unter den Königen. M., 2003.

Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Kultur der Aufklärung. M., 1996.

Watkin D. Geschichte der westeuropäischen Architektur. M., 1999. Fedotova E.D. Napoleonisches Reich. M., 2008.

Bei der Vorbereitung des Materials wurde der Text des Lehrbuchs „Welt Kunstkultur. Vom 18. Jahrhundert bis zur Gegenwart“ (Autorin Danilova G. I.).

Kunst der Renaissance

Renaissance- Dies ist die Blütezeit aller Künste, einschließlich des Theaters, der Literatur und der Musik, aber zweifellos war die wichtigste unter ihnen, die den Geist ihrer Zeit am besten zum Ausdruck brachte, die bildende Kunst.

Es ist kein Zufall, dass es eine Theorie gibt, dass die Renaissance damit begann, dass sich die Künstler mit dem Rahmen des vorherrschenden „byzantinischen“ Stils nicht mehr zufriedengaben und sich auf der Suche nach Vorbildern für ihre Arbeit als erste an sie wandten zur Antike. Der Begriff „Renaissance“ (Renaissance) wurde vom Denker und Künstler der Epoche selbst, Giorgio Vasari („Biographie berühmter Maler, Bildhauer und Architekten“), eingeführt. So nannte er die Zeit von 1250 bis 1550. Aus seiner Sicht war dies die Zeit der Wiederbelebung der Antike. Für Vasari erscheint die Antike in idealer Weise.

In der Zukunft hat sich der Inhalt des Begriffs weiterentwickelt. Die Wiederbelebung bedeutete die Emanzipation von Wissenschaft und Kunst von der Theologie, eine Abkühlung zur christlichen Ethik, die Geburt nationaler Literaturen, den Wunsch des Menschen nach Freiheit von den Beschränkungen der katholischen Kirche. Das heißt, die Renaissance begann im Wesentlichen zu bedeuten Humanismus.

WIEDERBELEBUNG, RENAISSANCE(Französische Renaissance - Wiedergeburt) - eine der größten Epochen, ein Wendepunkt in der Entwicklung der Weltkunst zwischen Mittelalter und Neuzeit. Die Renaissance umfasst die XIV-XVI Jahrhunderte. in Italien, XV-XVI Jahrhundert. in anderen europäischen Ländern. Sein Name - Renaissance (oder Renaissance) - erhielt diese Periode in der Entwicklung der Kultur im Zusammenhang mit der Wiederbelebung des Interesses an Antike Kunst. Die damaligen Künstler kopierten jedoch nicht nur alte Muster, sondern gaben ihnen auch einen qualitativ neuen Inhalt. Die Renaissance sollte nicht als künstlerischer Stil oder Richtung betrachtet werden, da es in dieser Zeit verschiedene künstlerische Stile, Trends und Strömungen gab. Das ästhetische Ideal der Renaissance wurde auf der Grundlage einer neuen fortschrittlichen Weltanschauung - des Humanismus - geformt. Die reale Welt und der Mensch wurden zum höchsten Wert erklärt: Der Mensch ist das Maß aller Dinge. Die Rolle der kreativen Person hat besonders zugenommen.

Das humanistische Pathos der Zeit verkörperte sich am besten in der Kunst, die wie in früheren Jahrhunderten darauf abzielte, ein Bild des Universums zu vermitteln. Neu war, dass sie versuchten, das Materielle und das Geistige zu einem Ganzen zu vereinen. Es war schwierig, eine Person zu finden, die der Kunst gleichgültig war, aber sie wurde bevorzugt Bildende Kunst und Architektur.

Italienische Malerei des 15. Jahrhunderts meist monumental (Fresken). Unter den bildenden Künsten nimmt die Malerei einen Spitzenplatz ein. Es entspricht am ehesten dem Renaissance-Prinzip der „Nachahmung der Natur“. Auf der Grundlage des Naturstudiums entsteht ein neues visuelles System. Der Künstler Masaccio leistete einen würdigen Beitrag zur Entwicklung eines Verständnisses von Volumen, seiner Übertragung mit Hilfe von Hell-Dunkel. Entdeckung und wissenschaftliche Begründung der Gesetze der linearen und Aerial Perspektive das weitere Schicksal der europäischen Malerei maßgeblich beeinflusst. Eine neue plastische Sprache der Skulptur entsteht, ihr Begründer war Donatello. Er belebte die freistehende runde Statue wieder. Sein bestes Werk ist die Skulptur von David (Florenz).

In der Architektur werden die Prinzipien des antiken Ordnungssystems wiederbelebt, die Bedeutung der Proportionen erhöht, neue Gebäudetypen geformt (Stadtschloss, Landvilla usw.), die Architekturtheorie und das Konzept einer idealen Stadt entwickelt werden. Der Architekt Brunelleschi baute Gebäude, in denen er das antike Architekturverständnis mit den Traditionen der Spätgotik verband und zu einer neuen figurativen Spiritualität der Architektur gelangte, die den Alten unbekannt war. Während der Hochrenaissance wurde das neue Weltbild am besten in den Werken von Künstlern verkörpert, die zu Recht als Genies bezeichnet werden: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione und Tizian. Die letzten zwei Drittel des 16. Jahrhunderts als Spätrenaissance bezeichnet. Zu diesem Zeitpunkt erfasst die Krise die Kunst. Es wird geregelt, höfisch, verliert seine Wärme und Natürlichkeit. Einzelne große Künstler - Tizian, Tintoretto - schaffen jedoch in dieser Zeit weiterhin Meisterwerke.

Die italienische Renaissance hatte einen großen Einfluss auf die Kunst Frankreichs, Spaniens, Deutschlands, Englands und Russlands.

Der Aufstieg in der Entwicklung der Kunst der Niederlande, Frankreichs und Deutschlands (XV-XVI Jahrhunderte) wird als Nordrenaissance bezeichnet. Das Werk der Maler Jan van Eyck, P. Brueghel d. Ä. ist der Höhepunkt dieser Periode der Kunstentwicklung. In Deutschland war A. Dürer der größte Künstler der deutschen Renaissance.

Die Entdeckungen der Renaissance auf dem Gebiet der geistigen Kultur und Kunst waren von großer historischer Bedeutung für die Entwicklung der europäischen Kunst in den folgenden Jahrhunderten. Das Interesse an ihnen hält bis heute an.

Die Renaissance in Italien durchlief mehrere Phasen: Frührenaissance, Hochrenaissance, Spätrenaissance. Florenz wurde zum Geburtsort der Renaissance. Die Grundlagen der neuen Kunst wurden von dem Maler Masaccio, dem Bildhauer Donatello und dem Architekten F. Brunelleschi entwickelt.

Der erste, der Gemälde anstelle von Ikonen schuf, war der größte Meister der Proto-Renaissance Giotto. Er war der erste, der sich bemühte, christliche ethische Ideen durch die Darstellung echter menschlicher Gefühle und Erfahrungen zu vermitteln, wobei er die Symbolik durch die Darstellung realer Räume und bestimmter Objekte ersetzte. Auf den berühmten Fresken von Giotto in Arena-Kapelle in Padua neben den Heiligen sieht man ganz ungewöhnliche Gestalten: Hirten oder einen Spinner. Jede einzelne Person in Giotto bringt ganz bestimmte Erfahrungen, einen bestimmten Charakter zum Ausdruck.

In der Ära der Frührenaissance in der Kunst findet die Entwicklung des alten künstlerischen Erbes statt, neue ethische Ideale werden gebildet, Künstler wenden sich den Errungenschaften der Wissenschaft (Mathematik, Geometrie, Optik, Anatomie) zu. Die führende Rolle bei der Bildung der ideologischen und stilistischen Prinzipien der Kunst der Frührenaissance wird von gespielt Florenz. In den Bildern von Meistern wie Donatello, Verrocchio dominiert die Reiterstatue des Condottiere Gattamelata David von Donatello die heroischen und patriotischen Prinzipien ("St. George" und "David" von Donatello und "David" von Verrocchio).

Masaccio war der Begründer der Renaissance-Malerei.(Wandmalereien in der Brancacci-Kapelle, "Dreifaltigkeit") verstand es Masaccio, die Tiefe des Raumes zu vermitteln, Figur und Landschaft mit einer einzigen kompositorischen Idee zu verbinden und den einzelnen Porträts Ausdruckskraft zu verleihen.

Aber die Entstehung und Entwicklung des bildlichen Porträts, das das Interesse der Renaissancekultur am Menschen widerspiegelte, sind mit den Namen der Künstler der Umrbi-Schule verbunden: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Das Werk des Künstlers sticht in der Frührenaissance hervor Sandro Botticelli. Seine Bilder sind vergeistigt und poetisch. Die Forscher bemerken die Abstraktion und den raffinierten Intellektualismus in den Werken des Künstlers, seinen Wunsch, mythologische Kompositionen mit kompliziertem und verschlüsseltem Inhalt zu schaffen ("Frühling", "Die Geburt der Venus"). Einer von Botticellis Biographen sagte, dass seine Madonnen und Venus den Eindruck erwecken Verlust, der uns ein Gefühl unauslöschlicher Traurigkeit verursacht... Einige von ihnen haben den Himmel verloren, andere - die Erde.

"Frühling" "Geburt der Venus"

Der Höhepunkt in der Entwicklung der ideologischen und künstlerischen Prinzipien der italienischen Renaissance ist Hochrenaissance. Der Begründer der Kunst der Hochrenaissance ist Leonardo da Vinci - großartiger Künstler und Wissenschaftler.

Er schuf eine Reihe von Meisterwerken: „Mona Lisa“ („La Gioconda“) Streng genommen zeichnet sich das Gesicht der Gioconda durch Zurückhaltung und Ruhe aus, das Lächeln, das ihren Weltruhm begründete und das später zu einem unverzichtbaren Bestandteil der Werke wurde der Leonardo-Schule ist darin kaum zu spüren. Doch in dem sanft schmelzenden Schleier, der Gesicht und Figur umhüllt, gelang es Leonardo, die grenzenlose Variabilität der menschlichen Mimik fühlbar zu machen. Obwohl die Augen von Gioconda den Betrachter aufmerksam und ruhig anblicken, könnte man aufgrund der Schattierung ihrer Augenhöhlen meinen, dass sie leicht die Stirn runzeln; Ihre Lippen sind zusammengepresst, aber kaum wahrnehmbare Schatten zeichnen sich in der Nähe ihrer Ecken ab, was Sie glauben lässt, dass sie sich jede Minute öffnen, lächeln, sprechen werden. Schon der Kontrast zwischen ihrem Blick und dem halben Lächeln auf ihren Lippen lässt erahnen, wie widersprüchlich ihre Erfahrungen sind. Nicht umsonst quälte Leonardo sein Model mit langen Sessions. Wie keinem anderen gelang es ihm, in diesem Bild Schatten, Schattierungen und Halbtöne zu vermitteln, die ein Gefühl von zitterndem Leben entstehen lassen. Kein Wunder, dass Vasari dachte, dass man am Hals der Mona Lisa sehen kann, wie eine Ader schlägt.

Im Porträt von Gioconda hat Leonardo nicht nur den Körper und die ihn umgebende Luftumgebung perfekt inszeniert. Er hat auch ein Verständnis dafür eingebracht, was das Auge braucht, damit ein Bild einen harmonischen Eindruck macht, weshalb alles so aussieht, als wären die Formen natürlich aus dem anderen entstanden, wie es in der Musik geschieht, wenn eine gespannte Dissonanz aufgelöst wird durch einen harmonischen Akkord. Gioconda ist perfekt in ein streng proportionales Rechteck eingeschrieben, ihre Halbfigur bildet etwas Ganzes, gefaltete Hände geben ihrem Bild Vollständigkeit. Jetzt konnte natürlich von den bizarren Locken der frühen Verkündigung keine Rede sein. Doch wie weich alle Konturen auch sein mögen, die wellige Haarlocke der Gioconda harmoniert mit dem durchsichtigen Schleier, und der über die Schulter geworfene Stoff findet ein Echo in den glatten Windungen der fernen Straße. In all dem zeigt Leonardo seine Fähigkeit, nach den Gesetzen von Rhythmus und Harmonie zu schaffen. „In technischer Hinsicht galt Mona Lisa immer als etwas Unerklärliches. Jetzt glaube ich, kann ich dieses Rätsel lösen“, sagt Frank. Ihm zufolge verwendete Leonardo die von ihm entwickelte Technik "sfumato" (italienisch "sfumato", wörtlich - "verschwand wie Rauch"). Der Trick besteht darin, dass Objekte in den Gemälden keine klaren Grenzen haben sollten, alles sollte nahtlos ineinander übergehen, die Umrisse von Objekten werden mit Hilfe des sie umgebenden Licht-Luft-Schleiers weicher. Die Hauptschwierigkeit dieser Technik liegt in den kleinsten Strichen (etwa ein Viertel Millimeter), die weder unter dem Mikroskop noch mit Röntgenstrahlen einer Erkennung zugänglich sind. So dauerte es mehrere hundert Sitzungen, um ein da Vinci-Gemälde zu malen. Das Bild der Mona Lisa besteht aus etwa 30 Schichten flüssiger, fast durchsichtiger Ölfarbe. Für solche Schmuckarbeiten musste der Künstler offenbar eine Lupe verwenden. Vielleicht erklärt die Verwendung einer so mühsamen Technik die lange Arbeit an dem Porträt - fast 4 Jahre.

, "Das letzte Abendmahl" hinterlässt einen bleibenden Eindruck. An der Wand entfaltet sich das uralte Gospel-Drama des betrogenen Vertrauens, als würde es sie überwinden und den Betrachter in die Welt der Harmonie und der majestätischen Visionen entführen. Und dieses Drama findet seine Auflösung in einem allgemeinen Impuls, der sich an die Hauptfigur richtet - einen Ehemann mit traurigem Gesicht, der das Geschehen als unvermeidlich hinnimmt. Christus hatte gerade zu seinen Jüngern gesagt: "Einer von euch wird mich verraten." Der Verräter sitzt bei den anderen; Die alten Meister stellten Judas separat sitzend dar, aber Leonardo brachte seine düstere Isolation viel überzeugender zur Geltung, indem er seine Züge mit einem Schatten verhüllte. Christus ist seinem Schicksal unterwürfig, voller Bewusstsein des Opfers seiner Leistung. Sein geneigter Kopf mit gesenkten Augen, die Geste seiner Hände sind unendlich schön und majestätisch. Durch das Fenster hinter seiner Figur öffnet sich eine bezaubernde Landschaft. Christus ist das Zentrum der ganzen Komposition, all dieses Wirbels von Leidenschaften, die herumtoben. Seine Traurigkeit und Ruhe sind sozusagen ewig, natürlich - und das ist die tiefe Bedeutung des gezeigten Dramas.Er suchte die Quellen perfekter Kunstformen in der Natur, aber N. Berdyaev sieht ihn für den kommenden Prozess verantwortlich der Mechanisierung und Mechanisierung des menschlichen Lebens, die eine Person aus der Natur gerissen hat.

Malerei erreicht klassische Harmonie in der Kreativität Raffael. Seine Kunst entwickelt sich von den frühen, kühlen umbrischen Madonnenbildern (Madonna Conestabile) zur Welt des „glücklichen Christentums“ der florentinischen und römischen Werke. „Madonna mit Stieglitz“ und „Madonna im Sessel“ sind weich, menschlich und sogar gewöhnlich in ihrer Menschlichkeit.

Aber das Bild der "Sixtinischen Madonna" ist majestätisch und verbindet symbolisch die himmlische und die irdische Welt. Raphael ist vor allem als Schöpfer sanfter Madonnenbilder bekannt. Aber in der Malerei verkörperte er sowohl das Ideal des universellen Menschen der Renaissance (Porträt von Castiglione) als auch das Drama historischer Ereignisse. Die Sixtinische Madonna (um 1513, Dresden, Gemäldegalerie) ist eines der inspirierendsten Werke des Künstlers. Geschrieben als Altarbild für die Kirche des Klosters St. Sixtus in Piacenza unterscheidet sich dieses Gemälde in Gestaltung, Komposition und Bildinterpretation deutlich von den Madonnen der Florentiner Zeit. Anstelle eines intimen und irdischen Bildes eines schönen jungen Mädchens, das herablassend den Vergnügungen zweier Babys folgt, haben wir hier eine wundervolle Vision, die plötzlich am Himmel auftauchte, weil jemand einen Vorhang zurückgezogen hatte. Umgeben von goldenem Glanz, feierlich und majestätisch schreitet Maria durch die Wolken, das Christkind vor sich haltend. Links und rechts knien vor ihrem St. Sixtus und St. Barbara. Die symmetrische, streng ausbalancierte Komposition, die Klarheit der Silhouette und die monumentale Verallgemeinerung der Formen verleihen der Sixtinischen Madonna eine besondere Erhabenheit.

In diesem Bild gelang es Raphael vielleicht mehr als anderswo, die lebensechte Wahrhaftigkeit des Bildes mit den Merkmalen idealer Perfektion zu verbinden. Das Bild der Madonna ist komplex. Die berührende Reinheit und Naivität einer sehr jungen Frau verbindet sich in ihm mit fester Entschlossenheit und heroischer Opferbereitschaft. Dieses Heldentum lässt das Bild der Madonna mit den besten Traditionen des italienischen Humanismus in Verbindung stehen. Die Kombination von Ideal und Wirklichkeit in diesem Bild erinnert an die bekannten Worte Rafaels aus einem Brief an seinen Freund B. Castiglione. „Und ich werde Ihnen sagen“, schrieb Raphael, „dass ich, um eine Schönheit zu schreiben, viele Schönheiten sehen muss … aber aufgrund des Mangels … an schönen Frauen verwende ich eine Idee, die mir in den Sinn kommt . Ob es irgendeine Perfektion hat, weiß ich nicht, aber ich bemühe mich sehr, es zu erreichen. Diese Worte beleuchten die kreative Methode des Künstlers. Ausgehend von der Realität und sich auf sie verlassend, strebt er zugleich danach, das Bild über alles Zufällige und Vergängliche zu erheben.

Michelangelo(1475-1564) - zweifellos einer der inspirierendsten Künstler der Kunstgeschichte und neben Leonardo da Vinci die mächtigste Figur der italienischen Hochrenaissance. Als Bildhauer, Architekt, Maler und Dichter hatte Michelangelo einen enormen Einfluss auf seine Zeitgenossen und auf die spätere westliche Kunst im Allgemeinen.

Er betrachtete sich als Florentiner – obwohl er am 6. März 1475 in dem kleinen Dorf Caprese nahe der Stadt Arezzo geboren wurde. Michelangelo liebte seine Stadt, ihre Kunst und Kultur sehr und trug diese Liebe bis ans Ende seiner Tage. Er verbrachte die meisten seiner reifen Jahre in Rom und arbeitete für die Päpste; er hinterließ jedoch ein Testament, wonach sein Leichnam in Florenz in einem wunderschönen Grab in der Kirche Santa Croce beerdigt wurde.

Michelangelo trat auf Marmorskulptur Pieta(Beweinung Christi) (1498-1500), die sich noch an ihrem ursprünglichen Standort - im Petersdom - befindet. Dies ist einer der meisten Berühmte Werke in der Geschichte der Weltkunst. Die Pieta wurde wahrscheinlich von Michelangelo fertiggestellt, bevor er 25 Jahre alt war. Dies ist das einzige Werk, das er signiert hat. Die junge Maria ist mit dem toten Christus auf den Knien dargestellt, ein Bild, das der nordeuropäischen Kunst entlehnt ist. Marys Blick ist weniger traurig als ernst. Dies ist der Höhepunkt des Schaffens des jungen Michelangelo.

Nicht weniger bedeutendes Werk des jungen Michelangelo war ein riesiges (4,34 m) Marmorbild David(Akademie, Florenz), hingerichtet zwischen 1501 und 1504, nach Rückkehr nach Florenz. Der Held des Alten Testaments wird von Michelangelo in Form eines gutaussehenden, muskulösen, nackten jungen Mannes dargestellt, der ängstlich in die Ferne blickt, als würde er seinen Feind abschätzen - Goliath, mit dem er kämpfen muss. Der lebendige, angespannte Ausdruck von Davids Gesicht ist charakteristisch für viele Werke Michelangelos – ein Zeichen seiner individuellen skulpturalen Art. Der David, Michelangelos berühmteste Skulptur, ist zu einem Symbol von Florenz geworden und wurde ursprünglich auf der Piazza della Signoria vor dem Palazzo Vecchio, dem Florentiner Rathaus, aufgestellt. Mit dieser Statue bewies Michelangelo seinen Zeitgenossen, dass er nicht nur alle zeitgenössischen Künstler, sondern auch die Meister der Antike übertroffen hat.

Malerei auf dem Gewölbe der Sixtinischen Kapelle 1505 wurde Michelangelo von Papst Julius II. nach Rom gerufen, um zwei Aufträge zu erfüllen. Das wichtigste war die Freskenmalerei des Gewölbes der Sixtinischen Kapelle. Auf hohen Gerüsten direkt unter der Decke liegend schuf Michelangelo zwischen 1508 und 1512 die schönsten Illustrationen zu einigen biblischen Geschichten. Auf dem Gewölbe der päpstlichen Kapelle stellte er neun Szenen aus dem Buch Genesis dar, beginnend mit der Trennung des Lichts von der Dunkelheit und einschließlich der Erschaffung Adams, der Erschaffung Evas, der Versuchung und des Falls von Adam und Eva und der Sintflut . Um die Hauptgemälde herum wechseln sich Bilder von Propheten und Sibyllen auf Marmorthronen, anderen alttestamentlichen Figuren und den Vorfahren Christi ab.

Zur Vorbereitung dieses großartigen Werkes fertigte Michelangelo eine Vielzahl von Skizzen und Kartons an, auf denen er die Figuren der Dargestellten in unterschiedlichen Posen darstellte. Diese majestätischen, kraftvollen Bilder beweisen das meisterhafte Verständnis des Künstlers für die menschliche Anatomie und Bewegung, das der westeuropäischen Kunst eine neue Richtung gab.

Zwei weitere ausgezeichnete Statuen, Gebundener Gefangener und Tod eines Sklaven(beide um 1510-13) befinden sich im Louvre, Paris. Sie demonstrieren Michelangelos Herangehensweise an die Skulptur. Seiner Meinung nach sind die Figuren einfach im Marmorblock eingeschlossen, und es ist die Aufgabe des Künstlers, sie zu befreien, indem er den überschüssigen Stein entfernt. Oft ließ Michelangelo die Skulpturen unvollendet, entweder weil sie nicht mehr benötigt wurden oder weil sie einfach das Interesse für den Künstler verloren hatten.

Bibliothek von San Lorenzo Das Projekt des Grabes von Julius II erforderte ein Architekturstudium, aber Michelangelos ernsthafte Arbeit auf dem Gebiet der Architektur begann erst 1519, als er den Auftrag erhielt, die Fassade der Bibliothek von St. Lawrence in Florenz zu gestalten, wohin der Künstler wieder zurückkehrte ( dieses Projekt wurde nie umgesetzt). In den 1520er Jahren entwarf er auch die elegante Eingangshalle der Bibliothek neben der Kirche San Lorenzo. Diese Strukturen wurden nur wenige Jahrzehnte nach dem Tod des Autors fertiggestellt.

Michelangelo, ein Anhänger der republikanischen Fraktion, nahm in den Jahren 1527-29 am Krieg gegen die Medici teil. Zu seinen Aufgaben gehörten der Bau und Wiederaufbau der Befestigungsanlagen von Florenz.

Medici-Kapellen. Nachdem er längere Zeit in Florenz gelebt hatte, vollendete Michelangelo zwischen 1519 und 1534 den Auftrag der Familie Medici, zwei Gräber in der neuen Sakristei der Kirche San Lorenzo zu errichten. In einem Saal mit hohem Kuppelgewölbe errichtete der Künstler an den Wänden zwei prächtige Gräber, bestimmt für Lorenzo De Medici, Herzog von Urbino, und für Giuliano De Medici, Herzog von Nemours. Zwei komplexe Gräber wurden als Darstellungen gegensätzlicher Typen konzipiert: Lorenzo – ein in sich eingeschlossener, nachdenklicher, zurückgezogener Mensch; Giuliano hingegen ist aktiv, offen. Über dem Grab von Lorenzo platzierte der Bildhauer allegorische Skulpturen von Morgen und Abend und über dem Grab von Giuliano - Allegorien von Tag und Nacht. Die Arbeit an den Medici-Gräbern wurde fortgesetzt, nachdem Michelangelo 1534 nach Rom zurückgekehrt war. Er besuchte seine geliebte Stadt nie wieder.

Jüngstes Gericht

Von 1536 bis 1541 arbeitete Michelangelo in Rom an der Bemalung der Altarwand der Sixtinischen Kapelle im Vatikan. Das größte Fresko der Renaissance stellt den Tag des Jüngsten Gerichts dar. Christus teilt mit einem feurigen Blitz in der Hand unaufhaltsam alle Bewohner der Erde in die geretteten Gerechten, die auf der linken Seite der Komposition dargestellt sind, und die Sünder, die in sie hinabsteigen Dantes Hölle (linke Seite des Freskos). Strikt seiner eigenen Tradition folgend malte Michelangelo ursprünglich alle Figuren nackt, aber ein Jahrzehnt später „kleidete“ ein puritanischer Künstler sie an, als das kulturelle Klima konservativer wurde. Michelangelo hinterließ sein eigenes Selbstporträt auf dem Fresko – sein Gesicht ist leicht auf der abgerissenen Haut des heiligen Märtyrer-Apostels Bartholomäus zu erahnen.

Obwohl Michelangelo in dieser Zeit andere malerische Aufträge hatte, wie zum Beispiel die Kapelle des Apostels Paulus (1940), versuchte er zunächst, seine ganze Kraft der Architektur zu widmen.

Kuppel des Petersdoms. 1546 wurde Michelangelo zum Chefarchitekten des im Bau befindlichen Petersdoms im Vatikan ernannt. Das Gebäude wurde nach den Plänen von Donato Bramante gebaut, aber Michelangelo wurde letztendlich für den Bau der Altarapsis und für die Entwicklung der technischen und künstlerischen Lösung für die Kuppel der Kathedrale verantwortlich. Die Vollendung des Baus des Petersdoms war die höchste Errungenschaft des Florentiner Meisters auf dem Gebiet der Architektur. Während seines langen Lebens war Michelangelo ein enger Freund von Fürsten und Päpsten, von Lorenzo de Medici bis Leo X., Clemens VIII. und Pius III., sowie vielen Kardinälen, Malern und Dichtern. Der Charakter des Künstlers, seine Lebensstellung ist durch seine Werke schwer eindeutig zu erfassen – so vielfältig sind sie. Außer vielleicht in der Poesie wandte sich Michelangelo in seinen eigenen Gedichten häufiger und intensiver Fragen der Kreativität und seines Platzes in der Kunst zu. Einen großen Platz in seinen Gedichten nehmen die Probleme und Schwierigkeiten ein, mit denen er sich bei seiner Arbeit auseinandersetzen musste, sowie die persönlichen Beziehungen zu den prominentesten Vertretern dieser Zeit berühmte Dichter Renaissance Lodovico Ariosto schrieb dafür ein Epitaph berühmter Künstler: "Michele ist mehr als ein Sterblicher, er ist ein göttlicher Engel."

Das Auftreten des Begriffs "Renaissance" (Renaissance, Renaissance) fällt auf das 16. Jahrhundert. Geschrieben über Renaissance» Kunst Italiens - der erste Historiograph Italienische Kunst, ein großer Maler, Autor des berühmten "Lebens der berühmtesten Maler, Bildhauer und Architekten" (1550) - Giorgio Vasari.

Dieses Konzept stammt aus der damals weit verbreiteten Grundlage historisches Konzept, wonach die Ära des Mittelalters von ständiger Barbarei und Unwissenheit geprägt war, die auf den Untergang folgte große Zivilisation klassisch archaisch.

Wenn wir über die Zeit des Mittelalters als eine Art einfacher Kulturentwicklung sprechen, müssen die Annahmen der damaligen Historiker über die Kunst berücksichtigt werden. Man glaubte, dass Kunst, die in Früher in der Antike blühte, findet genau in ihrer Zeit seine erste Wiederbelebung zu einer neuen Existenz.

Frühling/Sandro Botticelli

Im ersten Bewusstsein wurde der Begriff „Erweckung“ nicht so sehr als Name der gesamten Ära interpretiert, sondern vielmehr genaue Uhrzeit(normalerweise Anfang des 14. Jahrhunderts) die Entstehung neuer Kunst. Erst nach einer gewissen Zeit gewann dieser Begriff eine breitere Interpretation und begann, in Italien und anderen Ländern die Ära der Entstehung und Blüte einer dem Feudalismus entgegengesetzten Kultur zu bezeichnen.

Nun gilt das Mittelalter nicht als Bruch in der Geschichte der künstlerischen Kultur Europas. Im letzten Jahrhundert begann eine gründliche Auseinandersetzung mit der Kunst des Mittelalters, die sich im letzten halben Jahrhundert stark intensiviert hat. Es führte zu seiner Neubewertung und zeigte das sogar Renaissance-Kunst hat dem Mittelalter viel zu verdanken.

Aber man sollte nicht von der Renaissance als trivialer Fortsetzung des Mittelalters sprechen. Einige moderne westeuropäische Historiker haben versucht, die Grenze zwischen dem Mittelalter und der Renaissance zu verwischen, haben darin aber keine Bestätigung gefunden historische Fakten. Tatsächlich weist die Analyse der Kulturdenkmäler der Renaissance auf die Ablehnung der meisten Grundüberzeugungen des feudalen Weltbildes hin.

Allegorie der Liebe und Zeit/Agnola Bronzino

Mittelalterliche Askese und Einsicht in alles Weltliche wird abgelöst von einem unersättlichen Interesse an der realen Welt mit der Erhabenheit und Schönheit der Natur und natürlich des Menschen. Glaube an Superkräfte menschlicher Verstand als höchstes Wahrheitskriterium führte zu der für das Mittelalter so charakteristischen prekären Stellung des unantastbaren Primats der Theologie über die Wissenschaft. Unterordnung menschliche Persönlichkeit kirchliche und feudale Obrigkeit wird durch das Prinzip der freien Entfaltung der Individualität ersetzt.

Mitglieder der neugeprägten säkularen Intelligenz richteten alle Aufmerksamkeit auf die menschlichen Aspekte im Gegensatz zu den göttlichen und nannten sich Humanisten (nach dem Konzept der Zeit von Cicero „studia hmnanitatis“, was das Studium von allem bedeutet, was mit der menschlichen Natur und seiner spirituellen Welt zusammenhängt ). Dieser Begriff spiegelt eine neue Einstellung zur Realität wider, den Anthropozentrismus der Kultur der Renaissance.

In der Zeit des ersten heroischen Angriffs auf die feudale Welt wurde ein weites Feld für kreative Impulse eröffnet. Die Menschen dieser Zeit haben die Netzwerke der Vergangenheit bereits aufgegeben, aber noch keine neuen gefunden. Sie glaubten, ihre Möglichkeiten seien endlos. Daraus entstand der für uns so charakteristische Optimismus Kultur der Renaissance.

schlafende Venus/ Giorgione

Fröhlicher Charakter und unendlicher Glaube an das Leben ließen den Glauben an die Grenzenlosigkeit der Möglichkeiten für den Geist und die Möglichkeit, die Persönlichkeit harmonisch und ohne Barrieren zu entwickeln, entstehen.
Renaissance-Kunst es steht in vielerlei Hinsicht im Gegensatz zum Mittelalter. Die europäische künstlerische Kultur findet ihre Entwicklung in der Bildung des Realismus. Dies hinterlässt Spuren sowohl in der Verbreitung von Bildern weltlicher Natur, der Entwicklung von Landschaften und Porträts, die der Genreinterpretation manchmal religiöser Themen nahe stehen, als auch in der radikalen Erneuerung einer gesamten künstlerischen Organisation.

Die mittelalterliche Kunst basierte auf der Idee der hierarchischen Struktur des Universums, deren Höhepunkt außerhalb des Kreises der irdischen Existenz lag, der einen der einnahm letzten Plätze. Es gab eine Abwertung irdischer realer Zusammenhänge und Phänomene in der Zeit mit dem Raum, da die Hauptaufgabe der Kunst die visuelle Verkörperung der von der Theologie geschaffenen Werteskala war.

In der Renaissance verschwindet das spekulative Kunstsystem und an seine Stelle tritt ein System, das auf dem Wissen und dem objektiven Weltbild basiert, das dem Menschen präsentiert wird. Deshalb war eine der Hauptaufgaben der Renaissance-Künstler die Frage der Raumreflexion.

Im 15. Jahrhundert wurde diese Frage überall verstanden, mit dem einzigen Unterschied, dass sich der Norden Europas (die Niederlande) aufgrund empirischer Beobachtungen in Richtung einer objektiven Konstruktion des Raums in Stufen bewegte und die Gründung Italiens in der ersten Hälfte des 20 Jahrhunderts basierte auf Geometrie und Optik.

David/ Donatello

Diese Annahme, die die Möglichkeit bietet, ein dreidimensionales Bild auf einer Ebene zu konstruieren, das sich unter Berücksichtigung seines Standpunkts am Betrachter orientiert, diente als Sieg über das Konzept des Mittelalters. Die bildliche Darstellung einer Person zeigt die anthropozentrische Ausrichtung der neuen künstlerischen Kultur.

Die Kultur der Renaissance zeigt deutlich die charakteristische Verbindung zwischen Wissenschaft und Kunst. Dem kognitiven Prinzip wurde eine besondere Rolle zugeschrieben, um die Welt und den Menschen einigermaßen wahrheitsgetreu abzubilden. Natürlich führte die Suche nach Unterstützung für Künstler in der Wissenschaft zur Stimulierung der Entwicklung der Wissenschaft selbst. In der Renaissance erschienen viele Künstler-Wissenschaftler, angeführt von Leonardo da Vinci.

Neue Zugänge zur Kunst diktierten eine neue Art der Darstellung menschliche Figur und Übertragung von Handlungen. Die damalige Vorstellung des Mittelalters von der Kanonizität von Gestik, Mimik und zulässiger Beliebigkeit der Proportionen entsprach nicht einer objektiven Sicht auf die Welt um uns herum.

Für die Werke der Renaissance ist menschliches Verhalten inhärent, nicht Ritualen oder Kanons unterworfen, sondern psychologischer Konditionierung und der Entwicklung von Handlungen. Künstler versuchen, die Proportionen der Figuren der Realität näher zu bringen. Dazu gehen sie verschiedene Wege, so geschieht dies in den nördlichen Ländern Europas empirisch, und in Italien erfolgt das Studium realer Formen in Verbindung mit der Kenntnis der Denkmäler der klassischen Antike (der Norden Europas wird erst später angeschlossen).

Die Ideale des Humanismus durchdringen Renaissance-Kunst, wodurch das Bild einer schönen, harmonisch entwickelten Person entsteht. Für die Kunst der Renaissance sind charakteristisch: Titanismus der Leidenschaften, Charaktere und Heldentaten.

Meister der Renaissance schaffen Bilder, die das stolze Bewusstsein ihrer Kräfte, der Unendlichkeit, verkörpern menschliche Fähigkeiten im Bereich der Kreativität und des wahren Glaubens an die Freiheit seines Willens. Viele Kreationen der Renaissance-Kunst stimmen mit diesem Ausdruck des berühmten italienischen Humanismus Pico della Mirandola überein: „Oh, die wundersame und erhabene Bestimmung einer Person, der es gegeben ist, das zu erreichen, wonach er strebt, und das zu sein, was er will.“

Leda und der Schwan/ Leonardo da Vinci

War die Bestimmung für das Wesen der bildenden Kunst mehr der Wunsch nach wahrheitsgetreuer Darstellung der Wirklichkeit, so spielte die Berufung auf die klassische Tradition eine wichtige Rolle bei der Herausbildung neuer architektonischer Formen. Diese bestand nicht nur in der Wiederherstellung des antiken Ordnungssystems und dem Verzicht auf gotische Konfigurationen, sondern auch in der klassischen Proportionalität, dem anthropozentrischen Charakter der neuen Architektur und in der Gestaltung zentrischer Gebäude in der Tempelarchitektur, bei denen der Innenraum gut sichtbar war.

Im Bereich der zivilen Architektur wurden viele neue Kreationen geschaffen. So erhalten in der Renaissance mehrstöckige öffentliche Gebäude der Stadt: Rathäuser, Universitäten, Häuser von Kaufmannszünften, Bildungshäuser, Lagerhäuser, Märkte, Lagerhäuser erhalten eine elegantere Dekoration. Es entsteht eine Art Stadtpalast oder ein Palazzo – das Zuhause eines wohlhabenden Bürgers, aber auch eine Art Landvilla. Es werden neue Systeme der Fassadendekoration gebildet, ein neues konstruktives System eines Backsteingebäudes wird entwickelt (im europäischen Bauwesen bis zum 20. Jahrhundert erhalten), das Backstein- und Holzböden kombiniert. Städtebauliche Probleme werden neu gelöst, urbane Zentren werden umgebaut.

Neu architektonischer Stil Leben erweckt mit Hilfe fortschrittlicher handwerklicher Bautechnik, vorbereitet vom Mittelalter. Grundsätzlich waren Renaissance-Architekten direkt an der Gestaltung des Gebäudes beteiligt und leiteten dessen Umsetzung in die Realität. In der Regel verfügten sie auch über eine Reihe anderer architekturbezogener Fachrichtungen, wie z. B.: Bildhauer, Maler, manchmal Dekorateur. Die Kombination von Fähigkeiten trug zum Wachstum der künstlerischen Qualität der Strukturen bei.

Verglichen mit dem Mittelalter, als die Hauptabnehmer der Werke große Feudalherren und die Kirche waren, erweitert sich nun der Kundenkreis mit einer Veränderung der gesellschaftlichen Zusammensetzung. Zunftverbände von Handwerkern, Kaufmannszünfte und sogar Privatpersonen (Adel, Bürger) sowie die Kirche geben nicht selten Aufträge an Künstler.

Auch der soziale Status des Künstlers ändert sich. Obwohl Künstler auf der Suche sind und die Werkstätten betreten, erhalten sie oft Preise und hohe Ehrungen, nehmen Sitze in Stadträten ein und führen diplomatische Missionen aus.
Es gibt eine Entwicklung in der Einstellung einer Person zur bildenden Kunst. War es früher auf der Ebene des Handwerks, steht es jetzt auf einer Stufe mit den Wissenschaften, und Kunstwerke werden erstmals als Ergebnis geistiger schöpferischer Tätigkeit betrachtet.

Jüngstes Gericht/ Michelangelo

Das Aufkommen neuer Techniken und Kunstformen wird durch die Ausweitung der Nachfrage und die wachsende Zahl weltlicher Kunden provoziert. Monumentale Formen werden von der Staffelei begleitet: Malerei auf Leinwand oder Holz, Holzskulptur, Majolika, Bronze, Terrakotta. Die ständig wachsende Nachfrage nach Kunstwerke führten zum Erscheinen von Gravuren auf Holz und Metall - der preiswertesten und beliebtesten Kunstform. Diese Technik ermöglichte zum ersten Mal, Bilder in einer großen Anzahl von Kopien zu reproduzieren.
Eines der Hauptmerkmale der italienischen Renaissance ist die weit verbreitete Nutzung der Traditionen des antiken Erbes, die im Mittelmeerraum nicht aussterben. Hier zeigte sich schon früh das Interesse an der klassischen Antike – auch in den Werken italienischer Künstler der Proto-Renaissance von Piccolo und Giovanni Pisano bis Ambrogio Lorsnzetti.

Die Erforschung der Antike im 15. Jahrhundert wird zu einer der zentralen Aufgaben der Geisteswissenschaften. Es gibt eine erhebliche Ausweitung der Informationen über Kultur antike Welt. In den Bibliotheken alter Klöster wurden viele Manuskripte bisher unbekannter Werke antiker Autoren gefunden. Die Suche nach Kunstwerken ermöglichte es, viele antike Statuen, Reliefs und schließlich Fresken zu entdecken. antikes Rom. Sie wurden ständig von Künstlern studiert. Beispiele sind die erhaltenen Nachrichten von einer Reise von Donatello und Brunelleschi nach Rom, um Denkmäler der antiken römischen Architektur und Skulptur zu messen und zu skizzieren, die Werke von Leon Battista Alberti, über die Studie Raffaels über neu entdeckte Reliefs und Malerei, die Art und Weise, wie der junge Michelangelo kopierte antike Skulptur. Die Kunst Italiens wurde (aufgrund der ständigen Berufung auf die Antike) mit einer Fülle von Techniken, Motiven und Formen bereichert, die für die damalige Zeit neu waren, und gab gleichzeitig einen Hauch von heroischer Idealisierung, die in den Werken der Italiener völlig fehlte Künstler Nordeuropas.

Es gab noch ein weiteres Hauptmerkmal der italienischen Renaissance – ihre Rationalität. Viele Menschen arbeiteten an der Bildung der wissenschaftlichen Grundlagen der Kunst. Italienische Künstler. So entstand im Kreis um Brunelleschi, Masaccio und Donatello die Theorie der Linearperspektive, die dann 1436 in der Abhandlung von Leon Battista Alberti „Das Buch der Malerei“ niedergelegt wurde. An der Entwicklung der Perspektiventheorie waren zahlreiche Künstler beteiligt, insbesondere Paolo Uccello und Piero della Francesca, die 1484-1487 die Abhandlung über die malerische Perspektive verfassten. Darin werden schließlich Versuche sichtbar, die mathematische Theorie auf die Konstruktion der menschlichen Figur anzuwenden.

Erwähnenswert sind auch andere Städte und Regionen Italiens, die eine herausragende Rolle in der Entwicklung der Kunst spielten: im 14. Jahrhundert - Siena, im 15. Jahrhundert - Umbrien, Padua, Venedig, Ferrara. Im 16. Jahrhundert schwand die Vielfalt der lokalen Schulen (die einzige Ausnahme ist das ursprüngliche Venedig), und für eine gewisse Zeit konzentrierten sich die führenden künstlerischen Kräfte des Landes in Rom.

Unterschiede in der Entstehung und Entwicklung der Kunst einzelner Regionen Italiens stören nicht die Schaffung und Unterordnung eines allgemeinen Musters, das es uns ermöglicht, die wichtigsten Entwicklungsstadien zu skizzieren Italienische Renaissance. Die moderne Kunstgeschichte unterteilt die Geschichte der italienischen Renaissance in vier Etappen: die Proto-Renaissance (Ende des 13. – erste Hälfte des 14. Jahrhunderts), die Frührenaissance (das 15 das 15. - die ersten drei Jahrzehnte des 16. Jahrhunderts) und die Spätrenaissance (mittlere und zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts) .

Italienische Renaissance (25:24)

Ein wunderbarer Film von Vladimir Ptashchenko, der als Teil der Masterpieces of the Hermitage-Reihe veröffentlicht wurde