Stimmbass. Sprachklassifizierung

Alle Singstimmen sind unterteilt in Damen, Herren und Kinder. Die wichtigsten weiblichen Stimmen sind Sopran, Mezzosopran und Alt, und die häufigsten männlichen Stimmen sind Tenor, Bariton und Bass.

Alle Sounds, die gesungen oder gespielt werden können Musikinstrument, es gibt hoch, mittel und niedrig. Musiker verwenden den Begriff, wenn sie über die Tonhöhe sprechen "registrieren", also ganze Gruppen von hohen, mittleren oder tiefen Tönen.

Im globalen Sinne singen Frauenstimmen hohe oder "obere" Registerklänge, Kinderstimmen singen mittlere Registerklänge und Männerstimmen singen tiefe oder "tiefe" Töne. Aber das stimmt nur teilweise, eigentlich ist alles viel interessanter. Innerhalb jeder der Stimmgruppen und sogar im Bereich jeder einzelnen Stimme gibt es auch eine Einteilung in hohe, mittlere und tiefe Lagen.

So ist zum Beispiel eine hohe Männerstimme ein Tenor, eine mittlere ein Bariton und eine tiefe ein Bass. Oder, ein anderes Beispiel, die Sänger haben am meisten hohe Stimme- Sopran mittlere Stimme Die Sänger sind Mezzosopran, und der tiefe ist Alt. Um endlich die Einteilung von männlich und weiblich, naja gleichzeitig Kinderstimmen in hoch und tief zu meistern, hilft Ihnen diese Platte:

Wenn wir über die Register einer Stimme sprechen, dann hat jede von ihnen sowohl tiefe als auch hohe Töne. Zum Beispiel singt ein Tenor sowohl tiefe Brustklänge als auch hohe Falsettklänge, die Bässen oder Baritonen nicht zur Verfügung stehen.

Weibliche Gesangsstimmen

Die Haupttypen weiblicher Gesangsstimmen sind also Sopran, Mezzosopran und Alt. Sie unterscheiden sich hauptsächlich in der Reichweite sowie in der Klangfarbenfärbung. Zu den Klangfarbeneigenschaften gehören beispielsweise Transparenz, Leichtigkeit oder umgekehrt Sättigung, Stimmstärke.

Sopran- die höchste weibliche Gesangsstimme, ihr üblicher Umfang beträgt zwei Oktaven (vollständig die erste und zweite Oktave). IN Opernaufführungen oft werden die Rollen der Hauptfiguren von Sängern mit einer solchen Stimme gesungen. Wenn sprechen künstlerische Bilder, dann charakterisiert eine hohe Stimme am besten ein junges Mädchen oder eine fantastische Figur (z. B. eine Fee).

Sopran wird je nach Art des Klangs unterteilt in lyrisch und dramatisch- Sie können sich leicht vorstellen, dass die Rollen eines sehr zarten Mädchens und eines sehr leidenschaftlichen Mädchens nicht von derselben Darstellerin aufgeführt werden können. Wenn die Stimme schnelle Passagen und Grazien in ihrer hohen Lage problemlos verkraftet, dann ist ein solcher Sopran angesagt Koloratur.

Altstimme- es wurde bereits gesagt, dass dies die tiefste der Frauenstimmen ist, außerdem sehr schön, samtig und auch sehr selten (in manchen Opernhäusern gibt es keinen einzigen Alt). Einem Sänger mit einer solchen Stimme in Opern wird oft die Rolle eines Teenagers anvertraut.

Nachfolgend finden Sie eine Tafel mit Beispielen für Opernpartien, die häufig von der einen oder anderen weiblichen Singstimme vorgetragen werden:

Mal hören, wie weibliche Gesangsstimmen klingen. Hier sind drei Videobeispiele für Sie:

Sopran. Arie der Königin der Nacht aus der Oper " magische Flöte» Mozart aufgeführt von Bela Rudenko

Mezzosopran. Habanera aus der Oper "Carmen" von Bizet, aufgeführt von der berühmten Sängerin - Elena Obraztsova

Altstimme. Arie von Ratmir aus der Oper „Ruslan und Ludmila“ von Glinka, aufgeführt von Elizaveta Antonova.

Männliche Gesangsstimmen

Es gibt nur drei männliche Hauptstimmen – Tenor, Bass und Bariton. Tenor von diesen ist der höchste Tonumfang die Noten der kleinen und der ersten Oktave. In Analogie zum Sopran-Timbre werden Interpreten mit diesem Timbre eingeteilt in dramatische Tenöre und lyrische Tenöre. Außerdem erwähnen sie manchmal so viele Sänger wie "charakteristischer" Tenor. "Charakter" wird ihm durch einen klanglichen Effekt verliehen - zum Beispiel Silbrigkeit oder Rasseln. charakteristischer Tenor einfach unentbehrlich, wenn man das Image eines grauhaarigen alten Mannes oder eines schlauen Schurken schaffen möchte.

Bariton- diese Stimme zeichnet sich durch ihre Weichheit, Dichte und ihren samtigen Klang aus. Der Tonumfang, den ein Bariton singen kann, liegt in den Grenzen der großen Oktave la bis zum la der ersten Oktave. Interpreten mit einem solchen Timbre werden oft mit den mutigen Rollen heroischer oder patriotischer Charaktere in Opern betraut, aber die Sanftheit der Stimme erlaubt es, liebeslyrische Bilder zu enthüllen.

Bass- Die Stimme ist die niedrigste, kann Töne vom F einer großen Oktave bis zum F der ersten singen. Bässe sind anders: manche dröhnen, „summen“, „glockenförmig“, andere sind hart und sehr „grafisch“. Dementsprechend vielfältig sind die Charakterteile für Bässe: Das sind heroische und „väterliche“ und asketische und sogar komische Bilder.

Wahrscheinlich interessiert es Sie, welche der männlichen Gesangsstimmen die tiefste ist? Das tiefgründiger Bass, manchmal werden auch Sänger mit einer solchen Stimme genannt Oktavisten, da sie tiefe Töne aus der Gegenoktave "nehmen". Übrigens haben wir die höchste männliche Stimme noch nicht erwähnt - diese Tenor altino oder Countertenor, die mit fast weiblicher Stimme recht ruhig singt und leicht erreicht hohe Töne zweite Oktave.

Wie im vorherigen Fall werden männliche Singstimmen mit Beispielen ihrer Opernpartie in der Tafel angezeigt:

Hören Sie sich jetzt an, wie männliche Gesangsstimmen klingen. Hier sind drei weitere Videos für Sie.

Tenor. Lied des indischen Gastes aus der Oper "Sadko" von Rimsky-Korsakov, aufgeführt von David Poslukhin.

Bariton. Glieres Romanze "Süß sang die Seelennachtigall", gesungen von Leonid Smetannikov

Bass. Die Arie von Prinz Igor aus Borodins Oper „Prinz Igor“ wurde ursprünglich für Bariton geschrieben, aber in dieser Fall es wird von einem der besten Bässe des 20. Jahrhunderts gesungen - Alexander Pirogov.

Der Arbeitsbereich der Stimme eines professionell ausgebildeten Sängers liegt in der Regel bei zwei Oktaven im Durchschnitt, manchmal haben Sängerinnen und Sänger jedoch wesentlich mehr Möglichkeiten. Damit Sie sich bei der Auswahl von Noten zum Üben mit Tessituren auskennen, schlage ich vor, dass Sie sich mit einer Zeichnung vertraut machen, die die zulässigen Bereiche für jede der Stimmen deutlich zeigt:

Bevor ich schließe, möchte ich Sie mit einem weiteren Zeichen erfreuen, mit dessen Hilfe Sie Sänger mit der einen oder anderen Stimmfarbe kennenlernen können. Dies ist notwendig, damit Sie noch mehr Hörbeispiele zum Klang männlicher und weiblicher Gesangsstimmen selbstständig finden und anhören können:

Das ist alles! Wir haben darüber gesprochen, welche Art von Stimmen Sänger und Sänger haben, haben die Grundlagen ihrer Klassifizierung, die Größe der Bereiche, die Ausdrucksmöglichkeiten von Klangfarben herausgefunden und uns auch Beispiele für den Klang der Stimmen berühmter Sänger angehört. Wenn Ihnen das Material gefallen hat, teilen Sie es auf Ihrer Kontaktseite oder in Ihrem Twitter-Feed. Dazu gibt es unter dem Artikel spezielle Schaltflächen. Viel Glück!

Zentralbass, hat ein tiefes, schönes, reiches Timbre. Manchmal fast dasselbe wie die Hochbass-Kantilene. Im Gegensatz zu den "hohen Bässen" haben die mittleren normalerweise eine große, kräftige Stimme, obwohl es Ausnahmen gibt, aber sie sind selten und das Ergebnis minderwertiger Technik, wie der junge Furlanetto, den er zu Beginn seiner Karriere hatte nicht sehr große Stimme, leicht klingend, eigentlich "hoher Bass" (in letzten Jahren Furlanetto singt mit seiner vollen Stimme, obwohl seine Stimme manchmal bei schlechter Gesundheit schwächer wird; Furlanetto ist ein seltener Sänger, der sich auch nach sechzig Jahren technisch und kreativ weiter entwickelt).

Nikolai Gyaurow. Er hatte einen weichen Bass, der sowohl leicht klingen konnte - lyrisch als auch reich dramatisch. Gyaurov hat ein wunderbares Timbre, Musikalität, Kunstfertigkeit und Technik. Die Aufnahmen, die mit seiner Beteiligung gemacht wurden, sind keine Schätze. Gyaurov nahm viel auf und trat mit Sängern wie Joan Sutherland, Luciano Pavarotti und Franco Corelli auf. Er spielt auch Igor in der schicksten La Skalov-Produktion von "Prinz Igor" auf Italienisch, die Rolle von Galitsky und Konchak wird von Boris Hristov gesungen.

„Auf Erden das ganze Menschengeschlecht“ Mephistopheles „Faust“ Charles Gounod.
Hier nutzt Gyaurov die ganze Kraft seiner Stimme, all ihre Schönheit, hebt aber gleichzeitig harte Töne hervor, um zu zeigen, dass es der Gesang des Teufels ist. Im Allgemeinen war Nikolai ein ausgezeichneter Schauspieler, und meiner Meinung nach, wenn er mitspielte Schauspiel Theater, hätte er das schönste Woland gemacht, für das Basilashvili wie der Mond gewesen wäre.

Arie des Fürsten Gremin „Eugen Onegin“ Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky.
Hier ist Giaurov schon gealtert, das ist ein sehr guter Gremin, vielleicht nicht der beste, aber diese Partie war nicht seine Lieblingspartie. Es lohnt sich, an einigen Stellen auf die Lyrik des Klangs seiner Stimme zu achten.

Ferruccio Furlanetto, ein wunderbarer Künstler, der sich bis heute weiter entwickelt, hatte und hat kein so reiches Timbre wie Gyaurov, aber gleichzeitig ist seine Stimme sehr schön, weich und kann bei Bedarf leise werden hart. Manchmal erlaubt er sich Abweichungen von der Technik, um das Bild zu verbessern, aber das passiert selten und ist immer vorhanden.

1986: König Phillip, „Don Carlos“ von Verdi. Hier ist Furlanetto jung, und seine Stimme klingt ganz leicht, ihm fehlt es hier noch an Kraft.

Derselbe König Phillip, erst nach 22 Jahren hingerichtet. 2008
Da ist schon alles und Kraft und Weichheit und Chic Forte. Ja, und der Unterschied im Schauspiel ist beeindruckend, als wären es zwei anderer Künstler, obwohl sie natürlich etwas gemeinsam haben.

"Die ganze Menschheit ist auf der Erde"
In diesem Spiel ist Furlanetto einfach hinreißend, ein echter Mephistopheles.

Gremin.
Hier gibt es natürlich einen Akzent, aber ich kann sagen, dass ich diesen Gremin wirklich mag, trotz der Inszenierung, einer anderen Interpretation des Bildes. Übrigens ist es erwähnenswert, dass Furlanettos Stimme trotz des geringeren Klangfarbenreichtums als die von Gyaurov oder dem gleichen George London sehr gut in Erinnerung bleibt. Es ist schwierig, ihn mit jemand anderem zu verwechseln.

Mark Osipovich Reizen. Ich muss gleich sagen, dass dies mein Lieblingsbass ist, Reizen war ein ausgezeichneter Künstler, Sänger und Mensch (soweit man das anhand der Worte gemeinsamer Bekannter beurteilen kann).
Reizen hat das reichste, schönste Timbre, frei, sowohl in Bezug auf die Klangerzeugung als auch in Bezug auf den Dynamikbereich, die Stimme. Er konnte vom donnernden Forte bis zum leichtesten Piano singen. Auch Mark Osipovich kontrollierte auf höchstem Niveau die Klangfarbe seiner Stimme, Dositheus, Boris, Gremin sang er in einer Klangfarbe, Holofernes, Konchak ganz anders. Mark Osipovich behielt seine Stimme bis zu seinem Tod im Alter von 97 Jahren. Geboren in zaristisches Russland 1895 sah er beide Weltkriege (er nahm am ersten teil), sah die Revolution, sah den Putsch und den Zusammenbruch des kommunistischen Systems, sah diesen kurzfristigen geistigen Aufschwung, der in Russland um die Wende von 1980 und 1990 stattfand . Ich hoffe, dass er sich bei seinem Tod sicher war, dass das Land, in dem er lebte und das er so sehr liebte, besser, sauberer und heller wurde (was nicht dazu bestimmt war, aber es lohnt sich nicht, hier darüber zu sprechen).

"Die ganze Menschheit ist auf der Erde."
Ich werde nichts kommentieren, Sie müssen nur zuhören.

König Philipp.
Hier hören Sie die gesamte Dynamik von Mark Osipovichs Stimme.

"Gremin"-Aufnahme von 1985, Mark Osipovich wird hier 90 Jahre alt!

Zum Vergleich die Leistung von "Gremin" in der Blütezeit seiner Karriere. Natürlich gibt es im Vergleich zu dieser Aufführung bei der vorherigen gewisse Verluste, die Atmung ist schwächer, das Timbre ist weniger ausdrucksstark. Aber andere, die jung sind, auf dem Zenit des Ruhms stehen und mit 90 nicht wie ein Raizen singen.

Bass ist die tiefste männliche Singstimme. Der Bereich des Basses reicht vom F einer großen Oktave bis zum F (G) der ersten. Es stimmt, der Bereich des zentralen Basses und des tiefen Basses kann tiefere Töne erfassen. Der hellste Ton im Hochbass liegt bis zur ersten Oktave, die Arbeitsmitte ist das B der großen Oktave - D der ersten Oktave. Der Bass ist eine sehr ausdrucksstarke und reiche Stimme, aber leider gibt es nur sehr wenige Sänger mit einer solchen Stimme, und es gibt nur wenige Opernpartien, die für den Bass geschrieben wurden. Der Tonumfang unterscheidet zwischen hohem (Bass Cantato), mittlerem (Zentral) Bass und tiefem (Bass Profundo). Je nach Klangart werden Baritonbass, Charakterbass oder Komischer Bass (Bassbuffo) unterschieden.

hoher Bass - Dies ist ein melodiöser Bass, das Timbre ist das leichteste und helle Stimme. Es klingt wie ein Bariton, besonders in der oberen Lage. Sein Betriebsbereich reicht vom Salz einer großen Oktave bis zum Salz der ersten.

Zentralbass – Es ist ein Bass, der eine größere Bandbreite an Möglichkeiten bietet. Es hat eine solide, sonore und beeindruckende Klangfarbe. Die Arbeitsmitte solcher Stimmen ist das Salz einer großen Oktave - bis zur ersten Oktave. Der gesamte Umfang einer solchen Stimme klingt nur im Brustresonator gut, im Kopfresonator verliert der Bass stark an Klangfarbe.

Tiefer Bass, tiefer Bass – Ein anderer Name für diese äußerst seltene Männerstimme ist Bassoktavist. Sänger mit diesen Stimmeigenschaften können die tiefsten Töne singen (Gegenoktave F-sol). Es scheint sogar, dass die menschliche Stimme solche Töne nicht hervorbringen kann. Bass profundos treten oft in Opern- oder Kirchenchören auf. Ein tiefes, tiefes Geräusch, das an ein Brüllen oder Brodeln erinnert, ist hypnotisierend. Laut Kritikern und Gesangskennern ist ein solches Phänomen nur in Russland zu finden, sie werden als „russisches Wunder“ bezeichnet und verleihen einer solchen Stimme den Titel eines einzigartigen Naturphänomens.

Bariton-Bass— Es ist eine Stimme, die sowohl Bass- als auch Baritonmerkmale aufweist. Es hat ein gutes Hoch und Tief, aber ohne profunde Noten. Bassbaritone haben oft ein sehr reiches Timbre und einen kraftvollen Klang und sind in der Lage, das Bariton-Repertoire zu singen.

Bass-Buffo— Das Ö normalerweise spielt der Bass-Buffo die unterstützenden Teile. Oft sind das Comic-Partys oder die Partys der alten Leute. Vom Besitzer einer solchen Stimme werden zuallererst schauspielerische Fähigkeiten verlangt, und sie haben möglicherweise überhaupt keine Gesangsmerkmale oder Schönheit des Timbres. In der Opera seria des 18. Jahrhunderts wurden Bässe selten verwendet, und Anerkennung erlangten sie erst mit dem Aufkommen von Opernfans, wo den Bässen ein bedeutender Platz eingeräumt wurde.

Die Bass-Singstimme ist von Natur aus weniger verbreitet als andere Männerstimmen, oft tritt sie nicht sofort auf, und lange Zeit Ein Sänger kann sich selbst als Bariton klassifizieren, aber durch Training kann sich ein Bariton im Laufe der Zeit zu einem Bass entwickeln. Tatsache ist, dass die Zeichen, durch die diese oder jene Stimme bestimmt wird, bei Anfängern verschwommen oder noch nicht entwickelt sein können. Eine Ausnahme können nur von Natur aus eingestellte Stimmen sein. Die Übungen für die Bassstimme sind die gleichen wie für andere Singstimmen, nur in ihrer Lage. Wenn Sie also einen Bass haben, dann sind Sie der Vertreter sehr seltener Gesangsstimmen.

Drei Kategorien von Bässen sollten unterschieden werden: Profundo-Bass (tiefer Bass), Cantante-Bass (wörtlich - melodiöser Bass) und Comic-Bass.

Die Bässe des Profundo sowie des bereits erwähnten Alts sind verschwunden.

Mit Chaliapin kamen Cantante-Bässe in Mode, also nicht ganz Bässe und nicht ganz Baritone; Diese Stimmen sind unbestimmt, mittel, was es ihnen ermöglicht, entweder „aufzuhellen“ und Falsett in Tenorweise zu spielen oder nur „umzureißen“ und diese oder jene musikalische Passage nicht zu singen.

Es ist durchaus nicht ungewöhnlich, dass der Bass die Arie von Philippe in „Don Carlos“ („Ich werde allein schlafen“) durch die Zähne murmeln hört, ohne dass ein wirklicher Klang zu erkennen wäre, und das Publikum einem so mysteriösen Sänger applaudiert, als ob er hatte den riskantesten Test bestanden! Diese Arie muss wirklich mit kaum hörbarem Ausatmen gesungen werden, aber das Basstimbre muss offengelegt werden, die Mezza Voche muss schal werden, atemlos, ohne Rucke und Pausen; jede Note hier ist ein Teilchen der Seele. Ich verweile bei dieser Arie, weil sie die technische Ignoranz vieler Sänger und die ästhetische Taubheit und übermäßige Toleranz unseres Publikums veranschaulicht. Derartig zu entstellen, derartig zu entstellen und Verdis Musik derart zu profanieren, bedeutet einen Eingriff in die Ehre und Würde der Kunst. Zu hören, wie der wilde Philip, lebendig begraben im düsteren Escurial, seine Arie singt, wie ein moderner Hippie ein melancholisches Lied, ist wirklich lächerlich.

Der hybride "Comic-Bass" passt zu solchen karikierten Rollen wie Don Bartolo, Dulcamara, Don Pasquale. Auch diese Kategorie charakteristischer Stimmen verschwindet allmählich. Pini-Corsi und Azolini waren die letzten großen Interpreten dieser Partien; in den letzten Jahren ihrer künstlerischen Laufbahn wurden sie vor allem berühmt durch so große Baritone wie Cashman und Stabile, die mit ihnen ein erstaunlich komisches Gegenstück bildeten.

Bass profundo eignet sich für Parts, die auf einer Kombination aus Weisheit und Majestät aufbauen. Das ist der Pater Superior aus The Favorite und aus The Force of Destiny, Wagners Wotan, der Hohepriester aus Norma usw.

Ein typischer Basskantante ist Mephistopheles im Faust, Verdis Sparafucile, Rossinis Don Basilio.

Schließlich sollte noch eine Party erwähnt werden, die eine Kombination der Qualitäten eines profunden Basses und eines „melodiösen“ Basses erfordert - dies ist die von Rossini geschaffene Moses-Figur im Michelangelo-Maßstab, in der Leidenschaft, Wut und Inspiration vereint sind . - Nur eine Stimme, die wie eine Orgel grollen, wie eine Trompete klingen, wie ein Sturm wüten kann, kann das Gebet „Von seinem Sternenthron“ singen. Aber findet man heute auf den Opernbühnen der Welt Stimmen von solcher Kraft?

Das Publikum ist jetzt orientierungslos und enttäuscht, es spürt den Unterschied in Stilen, Stimmmustern, Klangfarben nicht und nimmt das Singen als selbstverständlich hin, in dem ein Sammelsurium von Ideen, Geschmäckern, Geschlechtern herrscht. Das Heulen von Kannibalen streichelt vielen die Ohren, ebenso wie die Rüschen von Radiosopranistinnen, von denen Normalmenschen mit Geschmack Gänsehaut über die Haut läuft.

Parallel Chaliapin - Rossi-Lemeni

Zu den glorreichen Legenden von Tamagno, Caruso und Titta Ruffo wurde eine weitere Legende hinzugefügt, als ein russischer Riese auftauchte, ein Freund von Maxim Gorki - Fyodor Chaliapin. Dieser Sänger brachte die Leute dazu, so viel über sich selbst zu sprechen, wie sie nicht über irgendeinen Bass sprachen. Der Grund dafür war nicht nur sein Gesang, sondern auch die Wechselfälle seines persönlichen Lebens und enormes Wachstum. Um sich noch mehr von der Masse abzuheben, trat er gerne in Begleitung einer gebrechlichen Sekretärin auf, die an ein anderes berühmtes Paar erinnerte – Don Quixote und Sancho Panza (in dieser Oper hatte Massenet Chaliapin keine Rivalen).

Chaliapin bekam alles, was er wollte. Ein Vierteljahrhundert lang beherrschte er die Bühne und das Leben, erregte überall leidenschaftliche Neugier und stürmische Sympathie. Für ihn war die Stimme nur ein Mittel, nur ein gehorsames (und manchmal heimtückisches) Instrument seines Willens und seiner Vorstellungskraft. Er war Tenor, Bariton und Bass nach Belieben, denn er hatte alle Farben der Stimmpalette. Unter den Bässen ist er eine historische Figur, sowohl dank seiner stürmischen als auch seiner reiches Leben, und dank nicht weniger fabelhafter Gebühren.

In Italien trat dieser Riese erstmals in Mephistopheles an der Mailänder Scala auf. Das Publikum war von der Plastizität der Bewegungen dieses skulpturalen Körpers und dem wahrhaft satanischen Blick des Künstlers so fasziniert, dass sowohl Carelli als auch Caruso und das Toscanini-Orchester im Schatten dieses monströsen Sängers zu verschwinden schienen. All dies ist Geschichte. Von diesem Moment an öffneten sich ihm alle Türen.

Ein Tenor an der Metropolitan Opera beklagte sich darüber, dass er auf der Bühne lächerlich fehl am Platz wirkte, als Chaliapin seinen scharlachroten Umhang um ihn wickelte. Der Bass antwortete: „Mein Freund, ich bin Mephistopheles, du hast mir deine lausige kleine Seele verkauft, ich habe dir Jugend und Schönheit gegeben, aber du bist mein, mein Wille nimmt dich auf, löscht dich zu Pulver aus. Ich kann mit dir machen was ich will, weißt du?" Der Tenor mit seinem Geist wie ein Fink verstand die Antwort des Adlers nicht und ging zu Gatti-Casazza, um zu protestieren. Der russische Sänger erzählte dem Verfasser dieser Zeilen diese Episode und sagte: „Entschuldigung, aber viele Ihrer„ Soshnikov “haben den Ruhm seltener Kretins verdient!“.

Zweifellos ist noch nie ein so mysteriöses Wesen auf der Bühne erschienen, ein so komplexer Künstler. Sein genialer Einfallsreichtum berücksichtigte nicht die Einschränkungen, die von den Dirigenten vorgebracht wurden, und oft räumten viele der besten von ihnen, die maßgeblichsten und mächtigsten, das Schlachtfeld.

Aber die Öffentlichkeit achtet nicht darauf, wer wann dirigiert helle Persönlichkeit erscheint auf der Bühne. Ein Satz, ein Schlag, ein kurzes Glucksen, eine kaum wahrnehmbare Geste genügte. In Gounods Faust bringt Mephistopheles Martha dazu, sich in sich selbst zu verlieben, und die Nachricht vom Tod ihres Mannes im Krieg stört sie überhaupt nicht. „La voisine est un peu mure“ – „Der Nachbar ist ein bisschen überreif“; Mit diesem „mure“, fast unartikuliert und von einer ausdrucksvollen Geste begleitet durch die Zähne geäußert, steckte Schaljapin, wie man im Theater sagt, „das Publikum in die Tasche“.

Das Geheimnis dieses magischen Schauspielersängers war die Fähigkeit, subtile Schattierungen zu erreichen. Er erreichte sie mit Hilfe von Stimm-"Echos". Nur wenige Sänger beherrschen das Geheimnis des Vokalechos. Wenn eine Glocke angeschlagen wird, hallt ihr Klang dort wider, wo sie die beste Resonanz hat. Dieses physikalische Phänomen ist allen bekannt und sollte es darstellen nützliches Beispiel für diejenigen, die die Natur der Singstimme studieren. Wenn man ein Innen-, Rachen- oder Nasengeräusch hört, denkt man normalerweise nicht über die Ursache des Defekts nach. Und der Defekt wird dadurch verursacht, dass die vom Kehlkopf ausgehenden Vibrationen auf Hindernissen auf ihrem Weg treffen. Das Gleiche passiert, wenn vor oder während des Aufpralls ein Fremdkörper in eine Glocke oder ein Kristallglas eingebracht wird. Der Klang der Glocke wird unweigerlich unterdrückt, abgetötet, und die Ausbreitung der Welle wird ganz am Anfang aufhören. Die Rolle des Fremdkörpers im menschlichen Rachen spielen jene Muskelkrämpfe und -kontraktionen, die verhindern, dass die Vibrationen des Kehlkopfes, die durch den Luftstrom aus der Lunge verursacht werden, ungehindert die Schädelhöhlen erreichen; dort findet der Klang sein Echo, verstärkt und zerstreut harmonische Klangfarben im Raum. Das Singenlernen muss von einer beharrlichen, fleißigen und unerbittlichen Suche nach stimmlichen Echos begleitet werden.

Schaljapin kannte dieses kostbarste Geheimnis des Stimm-Echos und setzte es mit erstaunlicher Geschicklichkeit ein, indem er seinem Klang ferne und gleichsam gedämpfte Gegen-Echos verlieh. Diese Echos erzeugten immer eine Wirkung und ermöglichten es, Stimmressourcen sinnvoll zu sparen.

In den Schattierungen seines Gesangs war die innere Essenz seiner Persönlichkeit zu spüren, die viele versucht haben und versuchen, in sich selbst nachzubilden, aber nur erreicht Ähnlichkeit, die sich eher als Zeichentrickfilm entpuppt.

Diese Plagiatoren versuchen nicht einmal, "mit dem Charakter zu verschmelzen", diese erstaunliche Assimilation, die die Unnachahmlichkeit von Fjodor Schaljapin erklärt.

Plagiatoren verstehen nicht, dass die wahre Kunst darin besteht, das Bild zu infiltrieren, sich in die abgebildete Figur zu verwandeln und sie mit der Wärme des eigenen Herzens wiederzubeleben. Sein, in einem Bild leben, aber darin leben, sich erneuern, nicht daneben, sondern mit ihm existieren. Das bedeutet es für einen Künstler, „im Zeichen der Ewigkeit“ zu leben, die Gegenwart mit der Vergangenheit zu füllen und in die Zukunft zu verlängern.

Der Plagiator, ständig auf der Suche nach äußeren Zeichen und Zeichen, an denen er sich festhalten kann, ist nur eine träge Puppe, eine lustige Marionette, angetrieben von unsichtbaren Fäden, die nach dem Verstand, nach dem Willen, nach der Seele eines anderen Künstlers greifen.

Chaliapin bleibt ein einsamer Riese.

Wie Caruso unter den Tenören und Titta Ruffo unter den Baritonen wurde Chaliapin zum Standardbass, und sein Name verbreitete sich über alle Kontinente.

Raoul Günsburg (der Berlioz' Oratorium The Damnation of Faust in eine Oper umwandelte) beschloss, mit Chaliapin zu spielen schlechter Witz. Damals, als der große Künstler im Teatro Monte Carlo den „Boris Godunov“ sang, machte sich dieser eigensinnige und listige Unternehmer, großzügig mit extravaganten Erfindungen, daran, den Franzosen zu beweisen, dass Schaljapin nur ein Primitiv war körperliche Stärke und dass er seine gesamte Karriere seiner Größe und den charmanten Gesten seiner langen Arme verdankt. Was hat er sich ausgedacht? Er rief einen anderen russischen Bass aus Paris, von gleicher gigantischer Statur, brachte ihm die Gesten und Bühnenmanieren von Chaliapin bei und präsentierte ihn dem Monte-Carlo-Publikum als Chaliapins Nachfolger, als Neuen, junger Schaljapin, mit der gleichen Stimme und größerer Musikalität. Die Kopie erschien allen vollkommen akkurat. Die Ähnlichkeit wurde durch die verwandte Art der Formulierung verstärkt, insbesondere wenn beide in ihrer Muttersprache sangen. Überhaupt war äußerlich alles genau gleich: die gleichen Inszenierungen, der gleiche imposante Gang, das gleiche realistische Entsetzen beim Anblick eines Gespenstes, die gleiche Majestät während der Krönungsszene. Doch eine Fälschung entging einem genauen Blick nicht. Der unglückliche Bass, auf dem Gunsburg so einen grausamen Scherz spielte, war nach diesem Experiment nie wieder zu hören. Das Experiment selbst bleibt ein klarer und lebendiger Beweis für das Unrecht derjenigen, die an die Wirksamkeit des Äußeren glauben und die Existenz des Absoluten im Leben, in der uns umgebenden Realität und in der Kunst leugnen. Kleine und gewöhnliche Menschen glauben nicht wirklich an Ausnahmen. Sie denken, dass große Namen ausnahmslos immer nur durch Zufall, Tricks, List entstanden sind, dass ihre Träger nur glückliche Mittelmaße sind.

In den letzten Jahren hat Rossi-Lemeni, ein Bass mit sonorer Stimme, ein glühender Verfechter der „wissenschaftlichen“ Gesangsschule, von sich reden gemacht.

In Macbeth, in Don Carlos, in Boris und in Faust bewies er einen zutiefst durchdringenden analytischen Verstand. Das russische Blut seiner Vorfahren und das slawische Seelen- und Körperlager sind in seinen Interpretationen zu spüren. Aber er zeigt Unentschlossenheit, Verlegenheit eines Mannes, der vor sich ein Bild sieht, das ihn unerklärlich anzieht, von dem er sich entfernen möchte, um nicht in seinen Bann zu geraten. Er spürt seine eigene Kraft in sich, aber sie bestimmt noch nicht sein ganzes Erscheinungsbild. Es wird noch länger dauern, bis er dagegen rebellieren kann fertige Probe, dagegen, die mit ihren klar definierten Grenzen stattfand. Wird ihm diese Rebellion gelingen? Der talentierte Künstler hat hervorragende stimmliche Fähigkeiten und einen großartigen Verstand, und er hat die Möglichkeit, sein Gesicht zu "trainieren". Lassen Sie ihn die Rundheit des Klangs nicht vernachlässigen, die für Sänger aller Register, besonders aber für Bässe, notwendig ist.

Parallel Mansueto - Pazero

Während der Inszenierung von Rigoletto, auf die die Mailänder Scala stolz ist und die einen festen Platz in den Annalen dieses Theaters eingenommen hat (die Uraufführung fand zu Beginn der toskanischen Siebenjahre statt, also in der Spielzeit 1923/24), Unter den Interpreten der Hauptpartien dieser Oper trat ein Ligurier in der Rolle des Sparafucile Claudio Mansueto hervor.

Seine Stimme war so stark wie seine Muskeln, was die sorglosen und unverschämten Schauspielerinnen erzittern ließ, die, getäuscht von der gutmütigen Einfalt dieses stolzen Mannes, alberne Witze mit ihm zu machen versuchten, was sie später mit schallenden Ohrfeigen bezahlten. Und die Stimme und der Bizeps des Liguriers waren unter den Stammgästen der Galerie ziemlich berühmt, und nicht nur dort. Die mächtige Stimme von Mansueto in der Phrase „Sparafuchil, ich heiße Sparafuchil“ auf diesem letzten „und“ grollte wie Infraschall (wenn Infraschall zu hören war), so breit und kraftvoll war dieser letzte Ton. Es war nicht die übliche "tiefe" Eigenschaft von Baritonbässen und ähnelte einem unbestimmten Summen. Mansueto feuerte nicht mit einer Waffe, sondern mit einer Kanone.

Vor uns liegt eines der seltenen Beispiele des Profundo-Bass, das mit solchen Bässen des letzten Jahrhunderts wie Navarrini, Nanetti, Lablache gleichgesetzt werden kann. „Erschalle furchtlos die Trompete … Ruhm, Sieg, Ehre“ – dieser Ruf der puritanischen Ritter klang für ihn wie Hammerschläge auf eine Bronzeglocke. Und in Norma befahl seine schreckliche Stimme mit barbarischer Wut der schreienden Menge von Priestern, die mit dem Prokonsul und der Macht Roms unzufrieden waren: „Versammelt euch auf dem Hügel, Druiden!“

1933 ehrten ihn Zehntausende Zuschauer in der Arena in Verona bei den Hugenotten. Das berühmte „Bang and Bang“ des unversöhnlichen und sturen Hugenotten von Marseille wird für immer in Erinnerung bleiben in der Produktion, in der Rosa Raiza und Giacomo Lauri-Volpi die Rollen von Valentina und Raoul spielten (bisher die letzten Darsteller dieses erstaunlichen Oper, so geliebt von Berlioz und verachtet von modernen Kritikern).

Parallel Mardones - Neri

Gesangsbassinstrument gefunden in der höchste Grad perfekten Performer in der Person des Spaniers Giuseppe Mardones.

Er sang oder rezitierte nicht. Nichts wie das. Er war, wir wiederholen es, ein Interpret, der ein Musikinstrument spielte, wie Retberg und Stignani. Bild? Inszenierung? Mimikry? Ausführungstiefe? Nichts davon war in Sicht. Aber was für ein Werkzeug! Zwei Oktaven überraschend glatter und weicher Klang, ein Timbre voller Adel und Strenge. „Götter, gebt uns den Sieg“, sang der Hohepriester von Memphis, klang im Mund der Mardones aus Navarra wie ein Lobgesang einer frommen Menge.

Nicht so tief und monolithisch, aber auch mit überwiegend matten Klangfarben und dumpf gedämpfter Brillanz gleicht Giulio Neris Stimme einem spanischen Bass mit biblischer Erhabenheit. toskanisch war bester Künstler aber der Spanier ist der beste Sänger.

In Don Carlos konnte der Inquisitor Giulio Neri den einsamen Meister von Escurial tatsächlich in Angst und Schrecken versetzen. Außergewöhnlich groß, asketisch dünn, brachte er so mächtige Klangwellen auf den Kopf des unglücklichen Monarchen, dass Gänsehaut über die Haut lief und selbst die unempfänglichsten Zuhörer begannen, die höchste Schönheit von Verdis Musik zu verstehen. Und wer einmal bei der Aufführung in den Caracalla-Thermen dabei war, wird nie die glorreiche Gestalt des Moses vergessen, der mit der Geste und der Stimme dieses letzten echten Basses hervorquillt.

Es ist nicht klar, warum die Mailänder Scala und die Metropolitan Opera ihn ignorierten und weniger perfekte und schwach klingende Stimmen sogar bei Stimmen mit niedriger Tessitura bevorzugten. Wer könnte sich zum Beispiel mit Neri in der Tonsur-Szene in Force of Destiny vergleichen? Wir sprechen natürlich über die Stimme, nicht über die Schauspielerei. Es gibt Partys, bei denen es vor allem auf den Klang ankommt und bei denen der Künstler einem Sänger mit starker Stimme weichen muss.

Neri starb 1958, ohne seinen Wunsch erfüllen zu können geliebter Traum- an der Mailänder Scala singen. Das ist eine bedauerliche Tatsache, eine klare Ungerechtigkeit, die in der grotesken Welt des Theaters so verbreitet ist.

Parallel De Angelis - Journet

Die Stimmen des ursprünglichen Roman Nazareno De Angelis und des Franzosen Marcel Journet, der Italien und Toscanini so viel verdankt, sind längst verstummt, wir vereinen uns dank der diesen Sängern innewohnenden plastischen Ausdruckskraft und der skulpturalen Gesangsweise. Soll De Angelis uns nicht böse sein. Journet eignet sich mehr als Chaliapin (dessen Stimme schwer zu definieren ist) für einen Vergleich mit ihm.

Wer erinnert sich nicht an Wotan, Boits Mephistopheles und Moses Nadzareno De Angelis? Eine fast schmerzhafte Spannung, die während der gesamten Aufführung in der Luft zu spüren war, hielt alle wie betäubt, als ob Drähte den Sänger und das Publikum verbinden würden. De Angelis gönnte sich und seinen Zuhörern keine Pause. Und dies ist eines der interessantesten und aufregendsten Phänomene der Realität und keineswegs hyperbolische Übertreibungen, mit denen Memoirenschreiber manchmal sündigen. Für einige Künstler ist das Singen nur ein Zeitvertreib, aus dem sie dieses oder jenes Einkommen beziehen, sie kümmern sich nicht um Kunst oder spirituelle Werte im Allgemeinen. Andere dagegen leiden auf der Bühne, wagen, kämpfen, siegen, nur um erschöpft zu sterben, verbrannt vor Leidenschaft, ständiger Unruhe der Kreativität, Durst nach Perfektion. De Angelis, dieser Opern-Laokoon, lebt und singt immer noch unsichtbar, er hat einen Meilenstein in der Geschichte gesetzt Gesangskunst.

Marcel Journet wird als Simon Magot aus Voights Nero an der Mailänder Scala und vor allem als Wilhelm Tell in die Annalen der Oper eingehen Pariser Oper. Er war ein unvergleichlicher Interpret.

Der Autor dieses Buches sprach 1930 mit ihm. Danach nahm er an den Jubiläumsaufführungen vieler berühmter Theater teil, die das hundertjährige Bestehen von "Wilhelm Tell", dieser so kraftvollen und so strengen Oper, feierten. Aber weder Danise an der Metropolitan Opera, noch Franchi an der Scala, noch Galeffi am Teatro Colon in Buenos Aires – keiner dieser Baritoninnen beeindruckte ihn in dieser Rolle, denn dieses Bild brach ihm in einer wunderbaren Darbietung dieses buchstäblich wohlklingenden Basses ins Gedächtnis . Heroismus, Plastizität, Weite, Kraft – das zeichnet die Stimme, die Kunst und die Seele von Marcel Journet aus.

Parallele Pinza - Siepi

In der Oper hat der Bass normalerweise die Aufgabe, Weisheit, väterliche Strenge, asketisches Martyrium und Heiligkeit auszudrücken. Ein von einer solchen Stimme belebter Charakter tritt meist mit Autorität ausgestattet auf die Bühne, er ist gesetzt, gesetzt, zurückhaltend. Aber unter dem Make-up und der Kleidung der Figur verbirgt sich fast immer eine starke und energische Person. tiefe Stimme, aber groß.

Bass Ezio Pinza, ursprünglich aus der Romagna, debütierte in der Rolle des "singenden Basses", spielte die Rolle des Des Grie - Vater. Kurze Zeit später sang dieser klassische Sänger bereits die Rolle des Pater Superior in The Power of Destiny und später in The Favorite. Er hatte eine Stimme von erstaunlicher Schönheit und Beweglichkeit, reich, samtig, perfekt in Timbre und Flüchtigkeit.

Aber als er an der Metropolitan Opera ankam, entschied er, dass die Beeindruckung der oben genannten Charaktere ihn zwang, in einer ihm fremden Weise und Klangfarbenpalette zu arbeiten. Instinkt und seine reichste Natur trieben ihn weit und hoch. Und er wechselte zu den Baritonparts, nachdem er sich in der Rolle des wagemutigen Breteurs und Frauenschwarms Don Giovanni in Mozarts Oper versucht hatte. Um erfolgreich zu sein, musste er seinen Klang aufhellen, ihm Bariton-Trägheit und Tenor-Mobilität verleihen. Und es gelang ihm um den Preis, seine Stimme zu bleichen und ihn seiner natürlichen Modulationen zu berauben. Aber die Dynamik und Männlichkeit seiner Schauspielpersönlichkeit, die ihn unter dem schönen Geschlecht verherrlichte, wurden offenbart.

Sein Ruhm als Eroberer der Herzen, mehr noch als seine seltenste Stimme, machte ihn beliebt in einem Land, in dem Ehekatastrophen Glück und Erfolg fördern. Tatsächlich verließ Pinza daraufhin die Oper und wechselte zur Broadway Revue, wo sein Ruf als unwiderstehlicher Verführer gefestigt wurde; Dies brachte ihm zusätzlich eine Menge hart verdienter Dollars ein. In der Revue ist es sogar jetzt noch zu sehen; er verzieht das Gesicht und singt leise, und das, nachdem er in der Rolle von Ramfis gedonnert, wie Mephistopheles gelacht und die Baritonpartie von Don Giovanni mühelos bewältigt hat.

An der Metropolitan Opera wurde er von Cesare Siepi abgelöst, einem jungen Basskantanten, dessen kreative Denkweise nicht an die seines Vorgängers heranreicht.

Aber andererseits scheint Siepi es geschafft zu haben, der instinktiven Methode zu entwachsen und das Thema seiner Kunst zu unterwerfen. Als fleißiger Forscher entdeckt er die Melodie der Seele und lenkt seine Stimme auf das richtige Ziel. Daher die Zärtlichkeit und Überzeugungskraft seines Gesangs, die Würde seines Stils, die Strenge seiner farbenfrohen Diktion, die biblische Bedeutung seines Bühnenverhaltens. Die Oper erwartet viel von ihm.

Parallel Didur - Christov

Der eine ist Pole, der andere Bulgare. Die Natur gab Didur eine sonore Stimme oben und eine weiche unten, eine athletische Figur, ein ausdrucksstarkes Gesicht, durchdringende Augen - mit einem Wort, alles außer dem Verständnis der Gesangstechnik.

In wenigen Jahren verprasste er sein Kapital und musste sich mit den Brosamen begnügen, die ihm von der Banketttafel der Metropolitan Opera zufielen; Die einst glorreiche Stimme war nun unter den erbärmlichen Gewändern eines unterstützenden Sängers verborgen.

Wenn Sie die einst großen Künstler sehen, die einen solchen Zustand erreicht haben, schrumpft Ihr Herz vor Schmerz und Sie beginnen unwillkürlich, über die Gründe für einen solchen Niedergang nachzudenken. Derjenige, der das Erbe vergeudet hat und auf dem Bürgersteig gelandet ist, ist erbärmlich. Aber der einst große Gesangskünstler, der die Bühne betritt und aus voller Kehle zu schreien beginnt, dann klagend heult, als ob er in Todesangst wäre, ist der schmerzhafteste Anblick, den es geben kann.

Wie viel besser wäre es gewesen, wenn Didur rechtzeitig die Bühne verlassen hätte! Kollegen, die auf ihrem Höhepunkt waren, hätten ihm sicherlich geholfen. Sie sind reaktionsschnell und geben ihre Stimme großzügig ab, wenn wir reden darüber, einem Freund auf der Bühne zu helfen. So würde Didur schließlich das erhalten, was er am Anfang gegeben hatte.

Wir wollen keineswegs sagen, dass die Rollen des Grafen in La sonnambula und Philip in Don Carlos in der Person Christi einen unwürdigen und unfähigen Darsteller finden. Aber wie gewinnt er, wenn er in seiner Muttersprache singt! Wenn Didur seine Stimme so geschickt einzusetzen verstand wie Hristov, hätte er viel länger durchgehalten und hätte die Stiche der Not nicht ertragen müssen.

Der Bulgare hat einen roten Faden des richtigen Sounds gefunden und folgt ihm wie ein Zug auf Schienen. Das Phänomen des Vokalechos ist ihm vertraut, was ihn sehr positiv auszeichnet.

Didur machte Geräusche. Hristov singt Noten und weiß, wie man sie zusammennäht und die Nähte zuverlässig abdeckt. Er ist immer aufmerksam und vorsichtig und geht nicht über seine stimmlichen Fähigkeiten hinaus. Er ist klug und gebildet und hat es geschafft, seinen besonderen Platz einzunehmen Opernbühne. Und dabei hatte er einen brillanten Assistenten - Riccardo Straccari, seinen Lehrer.

Parallel Chirino-Rotier

Es gab eine Zeit, Goldene Zeit Gesangskunst, wenn die italienischen Opernhäuser, die im Überfluss vorhanden waren schöne stimmen und voller guter vorsätze überquerten sie die ozeane und trugen das licht der musik in die entferntesten länder. Gatti-Casazza an der Metropolitan Opera, Emma Carelli und Walter Mocchi in Städtisches Theater Rio de Janeiro und Sao Paolo, am Teatro Solis in Montevideo und am Teatro Coliseum in Buenos Aires, Bonetti am Teatro Colon in Buenos Aires, Salviati in Santiago und in Valparaiso, Bracle in Venezuela, Peru, Mexiko, Kuba, Gaetano Merola in Kalifornien und Fortunato Gallo insgesamt Nordamerika und in Kanada - sie alle wetteiferten miteinander und hissten das Banner des italienischen Melos in allen Ecken der zivilisierten Welt. Unter diesen Impresario, nicht nur berühmte Sänger, aber auch weniger glückliche Künstler aller Rassen und Länder.

Darunter sind der Basscantante des Franzosen Rothier und des Römers Giulio Chirino zu nennen. Solche Sängerinnen und Sänger sind dank ihrer vielseitigen Begabung und Auftrittsflexibilität in großen Opernhäusern, die schwierige Tourneen machen und während ihrer langen Spielzeiten allerlei Überraschungen ausgesetzt sind, absolut unverzichtbar.

Man musste Chirino als den alten Freund in „Der Rosenkavalier“ hören, um zu verstehen, wie viele künstlerische Möglichkeiten diese Rolle verbirgt. Und der schlaue Don Basilio war in seiner Darbietung lebhaft und schlug mit einer abwechslungsreichen, aber gleichzeitig zurückhaltenden Komik, die nie in Clownerie, Vulgarität und Geschmacklosigkeit verfiel.

Leon Rothier, der eine reichere Stimme hatte, neigte dazu, in der Klangpräsentationstechnik klüger zu sein. Diese "Chemie" nahm seinem Gesang normalerweise die Einfachheit, aber in der Rolle des Mephistopheles in Gounods "Faust" wurde er plötzlich zu einer darstellenden Farbe - dadurch entstand eine abstoßende List und raffinierte Unaufrichtigkeit, die dieser Figur so angemessen und so erfolgreich zum Ausdruck kam .

Beiden Sängern gelang es, die Zeit zu täuschen - der Römer durch sorgfältige List, der Franzose durch genaue Berechnung. Keiner seiner Zeitgenossen kann es mit diesen beiden Meistern an Geschicklichkeit, kluger Energieeinsparung und Ausführungstiefe aufnehmen.

Der achte Ton der Tonleiter, der ähnlich wie der erste klingt, aber in einer höheren Tonlage liegt und den gleichen Namen wie der erste hat

acht Noten

Achte Stufe der Skala

Jedes achttägige Fest in der katholischen Kirche

Musikalische Pause

Musikalisches Intervall, das 12 Halbtöne vereint

Abstand von „bis“ zu „bis“

Eine poetische Strophe von acht Zeilen, in der die ersten sechs Verse durch zwei Kreuzreime verbunden sind, und die beiden letzter Vers- Nebenreim

Musikalisches Intervall

Singstimme Bereich Einheit

Frequenzintervalleinheit

Russisches Gedicht 19. Dichter Jahrhundert A. Maykov

Poetische Form von acht Zeilen

Von „bis“ bis „bis“

Abstand zwischen zwei benachbarten "zu"

Teil der Tonleiter

Kirschsorte

Intervall in der Akustik

Intervall in der Musik

Acht-Noten-Intervall

Der achte Ton der Tonleiter

Reichweite beachten

Zeile beachten

Tonleiter beachten

Intervall beachten

Abstand zwischen "bis"

Teil der Skala

Intervall von „bis“ bis „bis“

Skalenintervall von sieben Noten

. "Krake"

7-Noten-Intervall

Oktave

Siebenminütiges musikalisches Intervall

Acht Schritte und sechs Töne

Musikalisches Intervall in 7 Tönen

. "a b a b a b c c" (Art der Strophe)

Sehr niedriger Bass

Musikalisches Intervall von sieben Noten

Sehr starker Bass

Welche Strophe hat Vasily Zhukovsky in die russische Poesie eingeführt?

Zu niedriger Bass

Musikalisches Intervall, das 12 Halbtöne vereint

8. Grad der Tonleiter

Masseneinheit in Mexiko (3,6 g)

Vielzahl von Strophen

Sehr niedriger Bass

. "a b a b a b c c" (Art der Strophe)

. "Krake"

J. Musik. lat. die achte Note oder Stufe der Tonleiter, der achte Ton über oder unter jedem Ton; die ganze Leiter der musikalischen Klänge, von ganzen und 4 Halbklängen. Oktavgesang, Stimme von Stimme zu Oktave. Ein Flügel mit sieben Oktaven und einer Lautstärke von sieben Oktaven. Oktett m. Musik über Stimmen. Oktant m. Astronom. Projektil zur Messung von Winkeln, das ein Achtel eines Kreises darstellt. Oktaeder m. geometrisch. Oktaeder, eine in acht Fünfecke geschnittene Kugel; oktaedrisch, um einen oktaedrischen Körper herum. Oktaedrit, fossiler Anatas oder Titansäure. Oktett, Musik für acht Stimmen oder Musikinstrumente. Oktoih m. octoglasnik, Kirchenbuch. zu den Stimmen singen. Oktober M. Pazdernik, Brust, Laubfall, alt; dreckig, hochzeit, winter, menschen, der zehnte monat des jahres zwischen september und november. Oktober mag keine Räder oder Läufer. Mne und trampeln Flachs aus der Hälfte des Drecks, Süd. Decken Sie den ersten Winter ab. Hochzeiten; Fristen für alle Grenzen, Transaktionen. Siehe Schleier. Oktoberfröste. März, April, Mai, Juni, Wein in Fässern trocknet; juli, august, september, oktober erdrückt den besitzer

Von „bis“ bis „bis“

Abstand zwischen "bis"