Kunstgeschichte der französischen Renaissance. Französische Renaissance

Der Beginn der französischen Renaissance geht auf die Mitte des 15. Jahrhunderts zurück. Ihr ging der Prozess der französischen Staatsbildung und Erziehung voraus Nationalstaat. Auf dem königlichen Thron der Vertreter der neuen Dynastie - Valois. Unter Ludwig XI. wurde die politische Einigung des Landes vollzogen. Die Feldzüge der französischen Könige in Italien führten die Künstler in die Errungenschaften der italienischen Kunst ein. Gotische Traditionen und niederländische Tendenzen in der Kunst werden verdrängt Italienische Renaissance. Die französische Renaissance hatte den Charakter einer höfischen Kultur, deren Grundsteine ​​von Königen und Gönnern gelegt wurden, beginnend mit Karl V.

Jean Fouquet (1420-1481), der Hofmaler Karls VII. und Ludwigs XI., gilt als der größte Schöpfer der Frührenaissance. Er wird auch der große Meister der französischen Renaissance genannt.

Er war der erste in Frankreich, der konsequent die ästhetischen Prinzipien des italienischen Quattrocento verkörperte, die vor allem eine klare, rationale Vision der realen Zh-Welt und ein Verständnis der Natur der Dinge durch die Kenntnis ihrer inneren Gesetze voraussetzten. 1475 wird es

"Königsmaler". In dieser Eigenschaft schafft er viele zeremonielle Porträts, darunter Karl VII. Am meisten kreatives Erbe Fouquet stellt Miniaturen aus Stundenbüchern zusammen, an deren Aufführung seine Werkstatt manchmal beteiligt war. Fouquet malte Landschaften, Porträts, Gemälde zu historischen Themen. Fouquet war der einzige Künstler seiner Zeit, der eine epische Vision der Geschichte hatte, deren Größe der Bibel und der Antike entspricht. Seine Miniaturen und Buchillustrationen sind realistisch angefertigt, insbesondere für die Ausgabe des Decameron von G. Boccaccio.

Zu Beginn des 16. Jahrhunderts verwandelt sich Frankreich in den größten absolutistischen Staat Westeuropa. Der königliche Hof wird zum Zentrum des kulturellen Lebens, und die ersten Kenner und Kenner der Schönheit sind die Höflinge und das königliche Gefolge. Unter Franz I., einem Bewunderer des großen Leonardo da Vinci, wird die italienische Kunst zur offiziellen Mode. Die italienischen Manieristen Rosso und Primaticcio gründeten 1530 auf Einladung von Margherita von Navarra, der Schwester von Franz I., die Schule von Fontainebleau. Dieser Begriff wird verwendet, um sich auf die Richtung zu beziehen französische Malerei, die im XVI Jahrhundert im Schloss von Fontainebleau entstand. Darüber hinaus wird es in Bezug auf Werke zu mythologischen Themen verwendet, die manchmal üppig sind, und in komplizierten Allegorien, die von unbekannten Künstlern geschaffen wurden und auch auf Manierismus zurückgehen. Die Fontainebleau-Schule wurde berühmt für die Schaffung majestätischer dekorativer Gemälde der Schlossensembles. Die Kunst der Fontainebleau-Schule spielte zusammen mit der Pariser Kunst des frühen 17. Jahrhunderts eine Übergangsrolle in der Geschichte der französischen Malerei: In ihr finden sich die ersten Anzeichen sowohl des Klassizismus als auch des Barock.

Im 16. Jahrhundert wurden die Grundlagen der französischen Literatursprache und des Hochstils gelegt. Der französische Dichter Joashen du Bellay (ca. 1522-1560) veröffentlichte 1549 ein Programmmanifest „Schutz und Verherrlichung der französischen Sprache“. Er und der Dichter Pierre de Ronsard (1524–1585) waren die prominentesten Vertreter der französischen Dichterschule der Renaissance – „Die Plejaden“, die ihr Ziel in der Hebung sahen Französisch auf gleicher Ebene mit den klassischen Sprachen - Griechisch und Latein. Die Dichter der Plejaden konzentrierten sich auf antike Literatur. Sie sind aus

schien aus den Traditionen der mittelalterlichen Literatur zu stammen und versuchte, die französische Sprache zu bereichern. Die Herausbildung der französischen Schriftsprache war eng verbunden mit der Zentralisierung des Landes und dem Wunsch, dafür eine einzige Landessprache zu verwenden.

Ähnliche Trends in der Entwicklung nationaler Sprachen und Literaturen zeigten sich auch in anderen europäischen Ländern.

Zu den prominenten Vertretern der französischen Renaissance gehörte auch der französische humanistische Schriftsteller Francois Rabelais (1494-1553). Sein satirischer Roman „Gargantua und Pantagruel“ ist ein enzyklopädisches Monument der französischen Renaissancekultur. Die Arbeit basierte auf Volksbüchern über Riesen, die im 16. Jahrhundert verbreitet waren (die Riesen Gargantua, Pantagruel, der Wahrheitssucher Panurge). Rabelais lehnt mittelalterliche Askese, Einschränkung der geistigen Freiheit, Heuchelei und Vorurteile ab und offenbart in den grotesken Bildern seiner Helden die humanistischen Ideale seiner Zeit.

hinweisen kulturelle Entwicklung Das Frankreich des 16. Jahrhunderts wurde von dem großen humanistischen Philosophen Michel de Montaigne (1533-1592) geprägt. Aus einer wohlhabenden Kaufmannsfamilie stammend, erhielt Montaigne eine hervorragende humanistische Ausbildung und begann auf Drängen seines Vaters Jura. Der Ruhm von Montaigne wurde durch die „Experimente“ (1580-1588) gebracht, die in der Einsamkeit des Familienschlosses von Montaigne in der Nähe von Bordeaux geschrieben wurden und einer ganzen Richtung der europäischen Literatur den Namen gaben - Essays (französisch Essai - Erfahrung). Das von freiem Denken und einer Art skeptischem Humanismus geprägte Essaybuch stellt eine Reihe von Urteilen über alltägliche Sitten und Prinzipien menschlichen Verhaltens unter verschiedenen Umständen dar. Montaigne teilt die Idee des Vergnügens als Ziel der menschlichen Existenz und interpretiert sie im epikureischen Geist – indem er alles akzeptiert, was dem Menschen von der Natur freigesetzt wird.

Französische Kunst des XVI-XVII Jahrhunderts. basierend auf den Traditionen der französischen und italienischen Renaissance. Fouquets Gemälde und Zeichnungen, Goujons Skulpturen, Schlösser aus der Zeit Franz I., das Schloss Fontainebleau und der Louvre, Ronsards Poesie und Rabelais’ Prosa, Montaignes philosophische Experimente – alles trägt die Prägung eines klassischen Formverständnisses, strenger Logik, Rationalismus u entwickeltes Gefühl der Anmut.

Renaissance (Renaissance). Italien. XV-XVI Jahrhundert. Frühkapitalismus. Das Land wird von wohlhabenden Bankiers regiert. Sie interessieren sich für Kunst und Wissenschaft.

Die Reichen und Mächtigen scharen die Talentierten und Weisen um sich. Dichter, Philosophen, Maler und Bildhauer führen täglich Gespräche mit ihren Gönnern. Irgendwann schien es, als würden die Menschen von Weisen regiert, wie es Platon wollte.

Denken Sie an die alten Römer und Griechen. Sie bauten auch eine Gesellschaft freier Bürger auf, in der der Hauptwert eine Person ist (Sklaven natürlich nicht mitgezählt).

Die Renaissance kopiert nicht nur die Kunst der alten Zivilisationen. Dies ist eine Mischung. Mythologie und Christentum. Realismus der Natur und Aufrichtigkeit der Bilder. Körperliche und geistige Schönheit.

Es war nur ein Blitz. Die Periode der Hochrenaissance beträgt etwa 30 Jahre! Von den 1490er bis 1527 Vom Beginn der Blüte von Leonardos Kreativität. Vor der Plünderung Roms.

Fata Morgana ideale Welt schnell verblasst. Italien war zu zerbrechlich. Sie wurde bald von einem anderen Diktator versklavt.

Diese 30 Jahre bestimmten jedoch die Grundzüge der europäischen Malerei für 500 Jahre in der Zukunft! Bis zu .

Bildrealismus. Anthropozentrismus (wenn der Mensch der Mittelpunkt der Welt ist). Geradlinige Perspektive. Ölfarben. Porträt. Landschaft…

Unglaublicherweise haben in diesen 30 Jahren mehrere brillante Meister gleichzeitig gearbeitet. Zu anderen Zeiten werden sie alle 1000 Jahre geboren.

Leonardo, Michelangelo, Raffael und Tizian sind die Titanen der Renaissance. Aber es ist unmöglich, ihre beiden Vorgänger nicht zu erwähnen: Giotto und Masaccio. Ohne die es keine Renaissance geben würde.

1. Giotto (1267-1337)

Paulo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment des Gemäldes „Fünf Meister der Florentiner Renaissance“. Anfang des 16. Jahrhunderts. .

XIV Jahrhundert. Proto-Renaissance. Seine Hauptfigur ist Giotto. Dies ist ein Meister, der die Kunst im Alleingang revolutioniert hat. 200 Jahre vor der Hochrenaissance. Ohne ihn wäre die Ära, auf die die Menschheit so stolz ist, kaum gekommen.

Vor Giotto gab es Ikonen und Fresken. Sie wurden nach den byzantinischen Kanonen geschaffen. Gesichter statt Gesichter. flache Figuren. Proportionale Diskrepanz. Anstelle einer Landschaft - ein goldener Hintergrund. Wie zum Beispiel auf diesem Symbol.

Guido da Siena. Anbetung der Könige. 1275-1280 Altenburg, Lindenau-Museum, Deutschland.

Und plötzlich erscheinen Giottos Fresken. Auf sie dreidimensionale Figuren. Gesichter edle Leute. Alt und Jung. Traurig. Traurig. Überrascht. Anders.

Fresken von Giotto in der Scrovegni-Kirche in Padua (1302-1305). Links: Beweinung Christi. Mitte: Kuss des Judas (Detail). Rechts: Verkündigung der heiligen Anna (Marias Mutter), Fragment.

Die Hauptschöpfung von Giotto ist ein Zyklus seiner Fresken in der Scrovegni-Kapelle in Padua. Als diese Kirche für Gemeindemitglieder geöffnet wurde, strömten Menschenmassen hinein. Das haben sie noch nie gesehen.

Immerhin hat Giotto etwas noch nie Dagewesenes getan. Er übersetzte die biblischen Geschichten in eine einfache, verständliche Sprache. Und sie sind viel zugänglicher geworden. gewöhnliche Menschen.

Giotto. Anbetung der Könige. 1303-1305 Fresko in der Scrovegni-Kapelle in Padua, Italien.

Das wird für viele Meister der Renaissance charakteristisch sein. Lakonismus der Bilder. Live-Emotionen der Charaktere. Realismus.

Lesen Sie mehr über die Fresken des Meisters im Artikel.

Giotto wurde bewundert. Aber seine Innovation wurde nicht weiterentwickelt. Die Mode für den internationalen Gothic kam nach Italien.

Erst nach 100 Jahren wird ein würdiger Giotto-Nachfolger erscheinen.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Selbstbildnis (Fragment des Freskos „Heiliger Petrus auf der Kanzel“). 1425-1427 Die Brancacci-Kapelle in Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Anfang des 15. Jahrhunderts. Die sogenannte Frührenaissance. Ein weiterer Innovator betritt die Szene.

Masaccio war der erste Künstler, der es verwendete Geradlinige Perspektive. Es wurde von seinem Freund, dem Architekten Brunelleschi, entworfen. Nun ist die abgebildete Welt der realen ähnlich geworden. Spielzeugarchitektur gehört der Vergangenheit an.

Masaccio. Der heilige Petrus heilt mit seinem Schatten. 1425-1427 Die Brancacci-Kapelle in Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Er übernahm den Realismus von Giotto. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger kannte er sich jedoch bereits gut mit Anatomie aus.

Anstelle von blockigen Charakteren ist Giotto wunderschön gebaute Menschen. Genau wie die alten Griechen.

Masaccio. Taufe der Neophyten. 1426-1427 Brancacci-Kapelle, Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz, Italien.
Masaccio. Vertreibung aus dem Paradies. 1426-1427 Fresko in der Brancacci-Kapelle, Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Masaccio lebte Nicht langes Leben. Er starb, wie sein Vater, unerwartet. Mit 27 Jahren.

Er hatte jedoch viele Anhänger. Meister nächsten Generationen ging in die Brancacci-Kapelle, um von seinen Fresken zu lernen.

So wurde die Innovation von Masaccio von allen großen Künstlern der Hochrenaissance aufgegriffen.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Selbstportrait. 1512 Königliche Bibliothek in Turin, Italien.

Leonardo da Vinci ist einer der Titanen der Renaissance. Er beeinflusste die Entwicklung der Malerei maßgeblich.

Es war da Vinci, der den Status des Künstlers selbst erhöhte. Dank ihm sind Vertreter dieses Berufs nicht mehr nur Handwerker. Dies sind die Schöpfer und Aristokraten des Geistes.

Leonardo gelang in erster Linie der Durchbruch Porträtgemälde.

Er glaubte, dass nichts vom Hauptbild ablenken sollte. Das Auge sollte nicht von einem Detail zum anderen wandern. So erschien es berühmte Porträts. Prägnant. Harmonisch.

Leonardo da Vinci. Dame mit einem Hermelin. 1489-1490 Chertoryski-Museum, Krakau.

Die wichtigste Neuerung von Leonardo ist, dass er einen Weg gefunden hat, Bilder ... lebendig zu machen.

Vor ihm sahen die Figuren auf den Porträts aus wie Schaufensterpuppen. Die Linien waren klar. Alle Details sind sorgfältig gezeichnet. Eine gemalte Zeichnung kann unmöglich lebendig sein.

Leonardo erfand die Sfumato-Methode. Er verwischte die Linien. Den Übergang von Licht zu Schatten sehr weich gemacht. Seine Figuren scheinen in einen kaum wahrnehmbaren Schleier gehüllt zu sein. Die Charaktere erwachten zum Leben.

. 1503-1519 Louvre, Paris.

Sfumato wird in das aktive Vokabular aller großen Künstler der Zukunft eingehen.

Oft gibt es die Meinung, dass Leonardo natürlich ein Genie ist, aber nicht wusste, wie man etwas zu Ende bringt. Und er malte oft nicht zu Ende. Und viele seiner Projekte blieben auf Papier (übrigens in 24 Bänden). Im Allgemeinen wurde er in die Medizin geworfen, dann in die Musik. Sogar die Kunst des Dienens war einst beliebt.

Denken Sie jedoch selbst. 19 Bilder - und er - größter Künstler alle Zeiten und Völker. Und jemand ist nicht einmal annähernd groß, während er in seinem Leben 6.000 Leinwände schreibt. Offensichtlich hat wer eine höhere Effizienz.

Lesen Sie im Artikel über das berühmteste Gemälde des Meisters.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele von Volterra. Michelangelo (Ausschnitt). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo betrachtete sich als Bildhauer. Aber war universeller Meister. Wie seine anderen Renaissance-Kollegen. Daher ist sein bildnerisches Erbe nicht weniger grandios.

Er ist vor allem an körperlich entwickelten Charakteren erkennbar. Er stellte einen perfekten Mann dar, bei dem körperliche Schönheit geistige Schönheit bedeutet.

Deshalb sind alle seine Charaktere so muskulös und robust. Sogar Frauen und alte Leute.

Michelangelo. Fragmente des Freskos des Jüngsten Gerichts in der Sixtinischen Kapelle, Vatikan.

Oft malte Michelangelo die Figur nackt. Und dann fügte ich Kleidung oben hinzu. Um den Körper so geprägt wie möglich zu machen.

Er malte allein die Decke der Sixtinischen Kapelle. Obwohl dies ein paar hundert Zahlen sind! Er ließ nicht einmal jemanden die Farbe reiben. Ja, er war ungesellig. Er hatte eine zähe und streitsüchtige Persönlichkeit. Aber vor allem war er unzufrieden mit ... sich selbst.

Michelangelo. Fragment des Freskos "Erschaffung Adams". 1511 Sixtinische Kapelle, Vatikan.

Michelangelo lebte ein langes Leben. Überlebte den Niedergang der Renaissance. Für ihn war es eine persönliche Tragödie. Seine späteren Werke sind voller Traurigkeit und Trauer.

Mach einfach kreative Weise Michelangelo ist einzigartig. Seine frühen Werke sind das Lob des menschlichen Helden. Frei und mutig. In den besten Traditionen des antiken Griechenlands. Wie sein David.

IN letzten Jahren Leben ist tragische Bilder. Ein absichtlich grob behauener Stein. Wie vor uns liegen Denkmäler für die Opfer des Faschismus des 20. Jahrhunderts. Schauen Sie sich seine "Pieta" an.

Skulpturen von Michelangelo in der Akademie Bildende Kunst in Florenz. Links: David. 1504 Rechts: Pietà von Palestrina. 1555

Wie ist das möglich? Ein Künstler hat in seinem Leben alle Stationen der Kunst von der Renaissance bis zum 20. Jahrhundert durchlaufen. Was werden die nächsten Generationen tun? Gehen Sie Ihren eigenen Weg. Zu wissen, dass die Messlatte sehr hoch gelegt wurde.

5. Raffael (1483-1520)

. 1506 Galerie der Uffizien, Florenz, Italien.

Raphael wurde nie vergessen. Sein Genie wurde immer anerkannt: sowohl zu Lebzeiten als auch nach dem Tod.

Seine Figuren sind mit sinnlicher, lyrischer Schönheit ausgestattet. Er gilt zu Recht als der Schönste weibliche Bilder jemals geschaffen. Äußere Schönheit spiegelt die spirituelle Schönheit der Heldinnen wider. Ihre Sanftmut. Ihr Opfer.

Raffael. . 1513 Galerie Alte Meister, Dresden, Deutschland.

Die berühmten Worte „Schönheit wird die Welt retten“ sagte Fjodor Dostojewski genau über. Es war sein Lieblingsbild.

Sinnesbilder sind jedoch nicht die einzigen Stärke Raffael. Er dachte sehr sorgfältig über die Komposition seiner Bilder nach. Er war ein unübertroffener Architekt in der Malerei. Außerdem fand er immer die einfachste und harmonischste Lösung in der Raumorganisation. Es scheint, dass es nicht anders sein kann.

Raffael. Athener Schule. 1509-1511 Fresko in den Räumen des Apostolischen Palastes, Vatikan.

Rafael lebte nur 37 Jahre. Er starb plötzlich. Von einer Erkältung und medizinischer Fehler. Aber sein Vermächtnis ist nicht zu überschätzen. Viele Künstler vergötterten diesen Meister. Und sie multiplizierten seine sinnlichen Bilder auf Tausenden ihrer Leinwände.

Tizian war ein unübertroffener Kolorist. Er experimentierte auch viel mit Komposition. Im Allgemeinen war er ein wagemutiger Erneuerer.

Für solch ein brillantes Talent liebten ihn alle. Genannt "der König der Maler und der Maler der Könige".

Apropos Tizian, ich möchte nach jedem Satz setzen Ausrufezeichen. Schließlich war er es, der Dynamik in die Malerei brachte. Pathos. Begeisterung. Grelle Farbe. Glanz der Farben.

Tizian. Himmelfahrt Mariens. 1515-1518 Kirche Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venedig.

Gegen Ende seines Lebens entwickelte er eine ungewöhnliche Schreibtechnik. Die Striche sind schnell und dick. Die Farbe wurde entweder mit einem Pinsel oder mit den Fingern aufgetragen. Dadurch werden die Bilder noch lebendiger und atmen. Und die Handlungen sind noch dynamischer und dramatischer.

Tizian. Tarquinius und Lucretia. 1571 Fitzwilliam-Museum, Cambridge, England.

Erinnert dich das an nichts? Natürlich ist es eine Technik. Und Technik Künstler des 19 Jahrhundert: Barbizon u. Tizian wird wie Michelangelo in einem Leben 500 Jahre Malerei durchlaufen. Deshalb ist er ein Genie.

Lesen Sie im Artikel über das berühmte Meisterwerk des Meisters.

Renaissance-Künstler sind die Besitzer von großem Wissen. Um ein solches Vermächtnis zu hinterlassen, musste viel studiert werden. Im Bereich Geschichte, Astrologie, Physik und so weiter.

Daher regt uns jedes ihrer Bilder zum Nachdenken an. Warum wird es angezeigt? Was ist die verschlüsselte Nachricht hier?

Sie liegen fast nie falsch. Weil sie ihre zukünftige Arbeit gründlich durchdacht haben. Sie nutzten das ganze Gepäck ihres Wissens.

Sie waren mehr als Künstler. Sie waren Philosophen. Sie erklärten uns die Welt durch Malerei.

Deshalb werden sie für uns immer hochinteressant sein.

Der Beginn der französischen Renaissance geht auf die Mitte des 15. Jahrhunderts zurück. Ihm ging der Prozess der Bildung der französischen Nation und der Bildung eines Nationalstaates voraus. Auf dem königlichen Thron der Vertreter der neuen Dynastie - Valois. Die Feldzüge der französischen Könige in Italien führten die Künstler in die Errungenschaften der italienischen Kunst ein. Gotische Traditionen und niederländische Kunsttendenzen werden von der italienischen Renaissance verdrängt. Französische Renaissance hatte den Charakter einer höfischen Kultur, deren Grundsteine ​​von den Patronatenkönigen, beginnend mit Karl V., gelegt wurden.

Jean Fouquet (1420-1481), der Hofmaler Karls VII. und Ludwigs XI., gilt als der größte Schöpfer der Frührenaissance. Er wird auch der große Meister der französischen Renaissance genannt. Er war der erste in Frankreich, der konsequent die ästhetischen Prinzipien des italienischen Quattrocento verkörperte, was zuallererst eine klare, rationale Vision voraussetzte. echte Welt und Verständnis der Natur der Dinge durch die Kenntnis ihrer inneren Gesetze. Der größte Teil von Fouquets kreativem Vermächtnis besteht aus Miniaturen aus den Stundenbüchern. Darüber hinaus malte er Landschaften, Porträts, Gemälde zu historischen Themen. Fouquet war der einzige Künstler seiner Zeit, der eine epische Vision der Geschichte hatte, deren Größe der Bibel und der Antike entspricht.

Zu Beginn des 16. Jahrhunderts entwickelte sich Frankreich zum größten absolutistischen Staat Westeuropas. Center Kulturleben der königliche Hof wird, und die ersten Kenner und Kenner der Schönheit sind die Nahen und das königliche Gefolge. Unter Franz I., einem Bewunderer des großen Leonardo da Vinci, wird die italienische Kunst zur offiziellen Mode. Die italienischen Manieristen Rosso und Primaticcio gründeten 1530 auf Einladung von Margherita von Navarra, der Schwester von Franz I., die Schule von Fontainebleau. Mit diesem Begriff wird üblicherweise die Richtung in der französischen Malerei bezeichnet, die im 16. Jahrhundert im Schloss von Fontainebleau entstand. Darüber hinaus wird es in Bezug auf Werke zu mythologischen Themen verwendet, die manchmal üppig sind, und in komplizierten Allegorien, die von unbekannten Künstlern geschaffen wurden und auch auf Manierismus zurückgehen. Die Fontainebleau-Schule wurde berühmt für die Schaffung majestätischer dekorativer Gemälde der Schlossensembles.

Im 16. Jahrhundert wurden die Grundlagen der französischen Literatursprache und des Hochstils gelegt. Der französische Dichter Joashen du Bellay (ca. 1522-1560) veröffentlichte 1549 ein Programmmanifest „Schutz und Verherrlichung der französischen Sprache“. Er und der Dichter Pierre de Ronsard (1524-1585) waren die meisten prominente Vertreter Französische poetische Schule der Renaissance - "Plejaden", die ihr Ziel darin sah, die französische Sprache auf das gleiche Niveau mit den klassischen Sprachen - Griechisch und Latein - zu heben. Die Dichter der Plejaden konzentrierten sich auf die antike Literatur.

Zu den prominenten Vertretern der französischen Renaissance gehörte auch der französische humanistische Schriftsteller Francois Rabelais (1494-1553). Sein satirischer Roman „Gargantua und Pantagruel“ ist ein enzyklopädisches Monument der französischen Renaissancekultur. Die Arbeit basierte auf dem im 16. Jahrhundert üblichen Volksbücherüber Riesen (die Riesen Gargantua, Pantagruel, der Wahrheitssucher Panurge). Rabelais lehnt mittelalterliche Askese, Einschränkung der geistigen Freiheit, Heuchelei und Vorurteile ab und offenbart in den grotesken Bildern seiner Helden die humanistischen Ideale seiner Zeit.

Der große humanistische Philosoph Michel de Montaigne (1533-1592) setzte der kulturellen Entwicklung Frankreichs im 16. Jahrhundert ein Ende. Das von freiem Denken und einer Art skeptischem Humanismus geprägte Essaybuch stellt eine Reihe von Urteilen über alltägliche Sitten und Prinzipien menschlichen Verhaltens unter verschiedenen Umständen dar. Montaigne teilt die Idee des Vergnügens als Ziel der menschlichen Existenz und interpretiert sie im epikureischen Geist – indem er alles akzeptiert, was dem Menschen von der Natur freigesetzt wird.

Französische Kunst des XVI-XVII Jahrhunderts. basierend auf den Traditionen der französischen und italienischen Renaissance. Fouquets Gemälde und Zeichnungen, Goujons Skulpturen, Schlösser aus der Zeit Franz I., das Schloss Fontainebleau und der Louvre, Ronsards Poesie und Rabelais’ Prosa, Montaignes philosophische Experimente – alles trägt die Prägung eines klassischen Formverständnisses, strenger Logik, Rationalismus und ein entwickeltes Gefühl der Anmut.

Abschnitt "Kunst von Frankreich". Allgemeine Kunstgeschichte. Band III. Kunst der Renaissance. Autoren: A.I. Wenediktov (Architektur), M.T. Kuzmina (Bildende Kunst); unter der allgemeinen Redaktion von Yu.D. Kolpinsky und E.I. Rotenberg (Moskau, Staatlicher Kunstverlag, 1962)

Die Renaissance ist eine glänzende Etappe in der Entwicklung der französischen Kultur und Kunst. Es entspricht der historischen Periode der Bildung bürgerlicher Verhältnisse, der Bildung und Festigung des absolutistischen Staates in Frankreich. Zu dieser Zeit triumphierte ein neues, humanistisches Weltbild über die religiöse Ideologie des Mittelalters, weltliche Kultur und Kunst, die in der Tiefe wurzelten, waren weit verbreitet. Volkskunst. Kommunikation mit der Wissenschaft, Berufung auf antike Bilder, Realismus und lebensbejahendes Pathos bringen ihn der Kunst der italienischen Renaissance näher. Gleichzeitig war die Kunst der Renaissance in Frankreich zutiefst eigenartig. Lebensbejahender Humanismus verbindet sich darin mit den Zügen der Tragödie, die durch die widersprüchliche Komplexität der Entstehung einer neuen historischen Etappe erzeugt wird, die für Frankreich charakteristisch ist.

Verglichen mit der italienischen Renaissance ist die französische Renaissance fast anderthalb Jahrhunderte zu spät (der Beginn der französischen Renaissance fällt in die Mitte des 15. Jahrhunderts). Noch bedeutsamer ist die Tatsache, dass in Italien die Gotik und ihre Traditionen keine entscheidende Rolle bei der Entstehung der Renaissancekunst spielten, im Gegenteil, die Frührenaissance in Frankreich wurde maßgeblich im Prozess des Umdenkens realistischer Tendenzen und der entschlossenen Überwindung des Mystischen geprägt Grundlage der gotischen Kunst.

Gleichzeitig ist neben der Aufarbeitung und Weiterentwicklung der realistischen Elemente des gotischen Erbes in Bezug auf die neuen gesellschaftlichen und ästhetischen Anforderungen der Zeit ein Appell an die Erfahrung der italienischen Kunst, die bereits einen hohen Reifegrad erreicht hatte , spielte ab Ende des 15. Jahrhunderts auch in Frankreich eine wichtige Rolle.

Natürlich war die Existenz der italienischen Kunst, künstlerisch perfekt und von außerordentlichem Ansehen in ganz Europa, in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts vorbestimmt. große Anziehungskraft der Kultur des Renaissance-Frankreichs auf seine Erfahrungen und Leistungen. Die junge, lebendige Kultur Frankreichs überdachte jedoch die Errungenschaften Italienische Kultur entsprechend den nationalen Aufgaben, vor denen die Kultur und Kunst der nationalen französischen Monarchie standen.

Ein externer Anstoß zu dieser breiten Berufung auf die italienische Erfahrung, die die Einladung einer Reihe bedeutender Meister der Hoch- und Hochkultur nach Frankreich beinhaltete Spätrenaissance, diente als Feldzug in Italien, der 1494 begann. Die wahren Gründe lagen viel tiefer. Feldzüge in Italien durch die französischen Könige Karl VIII. und später Franz I. wurden möglich durch das Wachstum der wirtschaftlichen und politischen Macht des Landes, die Erfolge auf dem Weg zur Schaffung einer zentralisierten Monarchie.

Übergang von früh zu Hochrenaissance, die im ersten Drittel des 16. Jahrhunderts stattfand, war mit der Schaffung einer Kultur einer großen zentralisierten Adelsmonarchie, der Schaffung eines einheitlichen Nationalstaates, verbunden.

Natürlich musste unter diesen Bedingungen die eng mit den Traditionen der einzelnen Regionen des Landes verbundene Kunst einer nicht nur eigentlich säkularen, sondern relativ unbeeinflussten Kunst weichen. lokale Traditionen. In diesen Jahren entstand eine solche Kunst, die im Prinzip einen nationalen Charakter hatte und zugleich von der höfischen Kultur geprägt war. Diese höfische Konnotation war unvermeidlich in einer Zeit, in der die Macht des Monarchen dazu neigte, zum Symbol der nationalen Einheit des Landes zu werden.

Die Errichtung einer neuen historischen Etappe in der Entwicklung der französischen Gesellschaft und ihrer Kultur verlief in einem gespannten und grausamen Kampf. Die antifeudalen und antikatholischen Aktionen der Massen, die von der königlichen Macht und dem dahinter stehenden Adel benutzt und dann unterdrückt wurden, fanden ihre indirekte Widerspiegelung in den fortschrittlichsten und demokratischsten Strömungen des französischen Humanismus.

Mächtiger Volksatem, unerschöpfliche gallische Lebensfreude, Glaube an den Menschen und seine Fähigkeiten, gnadenloser Hass auf alle Erscheinungsformen der mittelalterlichen Scholastik durchziehen das Werk eines der größten Meister des Realismus der Spätrenaissance – Francois Rabelais.

Mitte des 16. Jahrhunderts. Die Tätigkeit der Dichter der Plejaden, angeführt von Ronsard, die eine enorme Rolle bei der Entwicklung der nationalen Poesie spielten, entfaltet sich. Das auffälligste Denkmal für das fortschrittliche soziale Denken dieser Zeit waren die "Experimente" von Montaigne, einem der Begründer der rationalistischen und antiklerikalen Tradition der westeuropäischen Kultur.

IN Bildende Kunst und Architektur wurde der progressive Inhalt der Epoche vor allem im Rahmen der adeligen und adelsbürgerlichen Kultur der neuen Monarchie bejaht. Und doch die historische und künstlerische Bedeutung von Errungenschaften wie der Schlossarchitektur der Loire, die Aktivitäten der bemerkenswerten Maler Jean Fouquet, der Familie Clouet, der Bildhauer Jean Goujon, Germain Pilon, der Architekten und Architekturtheoretiker Pierre Lescaut und Philibert Delorme wächst deutlich über diesen Rahmen hinaus und bildet die Basis weitere Entwicklung progressive Tendenzen in der französischen Kunst.

Die Renaissance ist ein phänomenales Phänomen in der Geschichte der Menschheit. Nie wieder hat es im Bereich der Kunst einen so fulminanten Blitz gegeben. Bildhauer, Architekten und Künstler der Renaissance (die Liste ist lang, aber wir werden die berühmtesten ansprechen), deren Namen jedem bekannt sind, gaben der Welt einen unschätzbaren Wert.Einzigartige und außergewöhnliche Menschen zeigten sich nicht auf einem Gebiet, sondern auf mehreren auf einmal.

Malerei der Frührenaissance

Die Renaissance hat einen relativen Zeitrahmen. Es begann zuerst in Italien - 1420-1500. Zu dieser Zeit unterscheidet sich die Malerei und die gesamte Kunst im Allgemeinen nicht wesentlich von der jüngsten Vergangenheit. Allerdings tauchen erstmals Elemente aus der klassischen Antike auf. Und erst in den Folgejahren wurden Bildhauer, Architekten und Künstler der Renaissance (deren Liste sehr lang ist) beeinflusst modernen Bedingungen Leben und progressive Trends endgültig aufgeben mittelalterliche Fundamente. Sie übernehmen mutig die besten Beispiele Antike Kunst für ihre Werke, sowohl im Allgemeinen als auch in einzelnen Details. Ihre Namen sind vielen bekannt, konzentrieren wir uns auf die klügsten Persönlichkeiten.

Masaccio - das Genie der europäischen Malerei

Er war es, der einen großen Beitrag zur Entwicklung der Malerei leistete und ein großer Reformer wurde. Der Florentiner Meister wurde 1401 in eine Familie von Kunsthandwerkern hineingeboren, daher lagen ihm Geschmackssinn und Schaffensdrang im Blut. Im Alter von 16-17 Jahren zog er nach Florenz, wo er in Werkstätten arbeitete. Donatello und Brunelleschi, die großen Bildhauer und Architekten, gelten als seine Lehrer. Die Kommunikation mit ihnen und die erworbenen Fähigkeiten konnten sich nur auswirken junger Maler. Von Anfang an entlehnte Masaccio ein neues Verständnis menschliche Persönlichkeit charakteristisch für die Skulptur. Beim zweiten Meister - die Grundlage Als erstes gesichertes Werk halten die Forscher das Triptychon von San Giovenale (auf dem ersten Foto), das in einer kleinen Kirche in der Nähe des Geburtsortes von Masaccio entdeckt wurde. Das Hauptwerk sind die Fresken, die der Lebensgeschichte des heiligen Petrus gewidmet sind. Der Künstler war an der Entstehung von sechs von ihnen beteiligt, nämlich: „Das Wunder mit dem Stater“, „Die Vertreibung aus dem Paradies“, „Die Taufe der Neophyten“, „Die Verteilung des Eigentums und der Tod des Hananias“, „Die Auferstehung“. von Theophilus' Sohn", "Heiliger Petrus heilt die Kranken mit seinem Schatten" und "Heiliger Petrus auf der Kanzel".

Italienische Künstler der Renaissance sind Menschen, die sich ganz der Kunst verschrieben haben und sich nicht um alltägliche Probleme gekümmert haben, was sie manchmal zu einer ärmlichen Existenz geführt hat. Masaccio ist da keine Ausnahme: Der brillante Meister starb sehr früh im Alter von 27-28 Jahren und hinterließ großartige Werke und eine große Anzahl von Schulden.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Dies ist ein Vertreter der Malerschule von Padua. Die handwerklichen Grundlagen erhielt er von seinem Adoptivvater. Der Stil wurde unter dem Einfluss der Werke von Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello und gebildet Venezianische Malerei. Dies bestimmte die etwas schroffe und schroffe Art von Andrea Mantegna gegenüber den Florentinern. Er war ein Sammler und Kenner kultureller Werke der Antike. Dank seines einzigartigen Stils wurde er als Innovator berühmt. Seine bekanntesten Werke sind: „Der tote Christus“, „Cäsars Triumph“, „Judith“, „Kampf der Meeresgötter“, „Parnassus“ (im Bild) usw. Von 1460 bis zu seinem Tod war er als Hofmaler in der Familie der Herzöge von Gonzaga tätig.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli ist ein Pseudonym, der richtige Name ist Filipepi. Er wählte nicht sofort den Weg eines Künstlers, sondern studierte zunächst Schmuckherstellung. Erste unabhängige Arbeit(mehrere „Madonnen“) ist der Einfluss von Masaccio und Lippi zu spüren. Künftig glorifizierte er sich auch als Porträtmaler, der Großteil der Aufträge kam aus Florenz. Die raffinierte und raffinierte Art seiner Arbeit mit Elementen der Stilisierung (Verallgemeinerung von Bildern mit konventionellen Techniken - Einfachheit von Form, Farbe, Volumen) unterscheidet ihn von anderen Meistern dieser Zeit. Ein Zeitgenosse von Leonardo da Vinci und der junge Michelangelo haben die Weltkunst stark geprägt („Die Geburt der Venus“ (Foto), „Frühling“, „Anbetung der Könige“, „Venus und Mars“, „Weihnachten“ usw.). .). Seine Malerei ist aufrichtig und sensibel, und Lebensweg komplex und tragisch. Die romantische Wahrnehmung der Welt in jungen Jahren wurde durch Mystik und religiöse Erhebung im Erwachsenenalter ersetzt. Die letzten Jahre seines Lebens lebte Sandro Botticelli in Armut und Vergessenheit.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Ein italienischer Maler und ein weiterer Vertreter der Frührenaissance, ursprünglich aus der Toskana. Der Stil des Autors wurde unter dem Einfluss der Florentiner Malschule geformt. Neben dem Talent der Künstlerin hatte Piero della Francesca herausragende Fähigkeiten auf dem Gebiet der Mathematik und widmete ihr die letzten Jahre seines Lebens, um sie mit ihr zu verbinden hohe Kunst. Das Ergebnis waren zwei wissenschaftliche Abhandlungen: „Über die Perspektive in der Malerei“ und „Das Buch der fünf richtigen Körper“. Sein Stil zeichnet sich durch Feierlichkeit, Harmonie und Adel der Bilder, kompositorische Ausgewogenheit, präzise Linien und Konstruktion, weiche Farbpalette aus. Piero della Francesca hatte für diese Zeit ein erstaunliches Wissen technische Seite Malerei und Perspektiven, die ihm unter seinen Zeitgenossen hohes Ansehen einbrachten. Die berühmtesten Werke: „Die Geschichte der Königin von Saba“, „Die Geißelung Christi“ (im Bild), „Der Altar von Montefeltro“ usw.

Malerei der Hochrenaissance

Wenn Proto-Renaissance und frühe Ära dauerte fast eineinhalb bzw. Es war ein heller, blendender Blitz, der der Welt eine ganze Galaxie großartiger, vielseitiger und brillanter Menschen schenkte. Alle Kunstzweige gingen Hand in Hand, so viele Meister sind auch Wissenschaftler, Bildhauer, Erfinder und nicht nur Renaissance-Künstler. Die Liste ist lang, aber der Höhepunkt der Renaissance wurde durch die Arbeit von L. da Vinci, M. Buanarotti und R. Santi markiert.

Das außergewöhnliche Genie von Da Vinci

Vielleicht ist dies das außergewöhnlichste und herausragende Persönlichkeit in der Weltgeschichte künstlerische Kultur. Er war ein universeller Mensch im vollen Sinne des Wortes und verfügte über vielseitigste Kenntnisse und Begabungen. Künstler, Bildhauer, Kunsttheoretiker, Mathematiker, Architekt, Anatom, Astronom, Physiker und Ingenieur – all das geht über ihn. Darüber hinaus zeigte sich Leonardo da Vinci (1452-1519) in jedem der Bereiche als Innovator. Bisher sind nur 15 seiner Gemälde sowie viele Skizzen erhalten. Mit erstaunlich Lebensenergie und Wissensdurst, er war ungeduldig, er war fasziniert vom Erkenntnisprozess selbst. In sehr jungen Jahren (20 Jahre alt) qualifizierte er sich als Meister der Lukasgilde. Seine wichtigsten Werke waren das Fresko „ Das letzte Abendmahl“, Gemälde „Mona Lisa“, „Madonna Benois“ (Bild oben), „Dame mit dem Hermelin“ usw.

Porträts von Künstlern der Renaissance sind selten. Sie hinterließen ihre Bilder lieber in Gemälden mit vielen Gesichtern. Um das Selbstporträt von da Vinci (im Bild) legen sich die Streitigkeiten bis heute nicht. Es werden Versionen vorgebracht, dass er es im Alter von 60 Jahren geschafft hat. Laut dem Biografen, Künstler und Schriftsteller Vasari starb der große Meister in seinen Armen enger Freund König Franz I. in seinem Schloss Clos Luce.

Raphael Santi (1483-1520)

Künstler und Architekt ursprünglich aus Urbino. Sein Name in der Kunst ist unweigerlich mit der Vorstellung von erhabener Schönheit und natürlicher Harmonie verbunden. Für genug kurzes Leben(37 Jahre alt) schuf er viele weltberühmte Gemälde, Fresken und Porträts. Die Handlungen, die er porträtierte, sind sehr unterschiedlich, aber er war immer von dem Bild der Muttergottes angezogen. Raffael wird zu Recht als „Meister der Madonnen“ bezeichnet, besonders berühmt sind die, die er in Rom gemalt hat. Im Vatikan wirkte er von 1508 bis zu seinem Lebensende als offizieller Künstler am päpstlichen Hof.

Umfassend begabt, wie viele andere große Künstler der Renaissance, war Raffael auch Architekt und auch an archäologischen Ausgrabungen beteiligt. Nach einer Version steht das letzte Hobby in direktem Zusammenhang mit dem vorzeitigen Tod. Vermutlich erkrankte er während der Ausgrabungen am Römischen Fieber. Der große Meister ist im Pantheon begraben. Das Foto zeigt sein Selbstporträt.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Der lange 70-Jährige dieses Mannes war hell, er hinterließ seinen Nachkommen unvergängliche Schöpfungen nicht nur der Malerei, sondern auch der Skulptur. Wie andere große Renaissance-Künstler lebte Michelangelo in einer Zeit voller historische Ereignisse und Schocks. Seine Kunst ist eine schöne Schlussnote der gesamten Renaissance.

Der Meister stellte die Bildhauerei über alle anderen Künste, aber durch den Willen des Schicksals wurde er ein hervorragender Maler und Architekt. Sein ehrgeizigstes und ungewöhnlichstes Werk ist das Gemälde (im Bild) im Palast im Vatikan. Die Fläche des Freskos übersteigt 600 Quadratmeter und enthält 300 menschliche Figuren. Am beeindruckendsten und bekanntesten ist die Szene des Jüngsten Gerichts.

Italienische Renaissance-Künstler waren vielseitige Talente. Nur wenige wissen also, dass Michelangelo auch ein großer Dichter war. Diese Facette seines Genies kam am Ende seines Lebens voll zur Geltung. Etwa 300 Gedichte sind bis heute erhalten.

Malerei der Spätrenaissance

Die letzte Periode umfasst den Zeitraum von 1530 bis 1590-1620. Laut der Encyclopædia Britannica endete die Renaissance als historische Periode mit dem Fall Roms im Jahr 1527. Etwa zur gleichen Zeit in Südeuropa Die Gegenreformation hat gesiegt. Die katholische Bewegung betrachtete mit Besorgnis jegliches freie Denken, einschließlich der Verherrlichung der Schönheit. menschlicher Körper und die Wiederauferstehung der Kunst der Antike - also alles, was die Säulen der Renaissance war. Dies führte zu einem besonderen Trend - dem Manierismus, der durch den Verlust der Harmonie zwischen dem Geistigen und dem Körperlichen, zwischen Mensch und Natur gekennzeichnet ist. Aber auch in dieser schwierigen Zeit haben einige berühmte Künstler Die Renaissance schuf ihre Meisterwerke. Unter ihnen sind Antonio da Correggio (der als Begründer des Klassizismus und Palladianismus gilt) und Tizian.

Tizian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Er gilt zu Recht als Titan der Renaissance, zusammen mit Michelangelo, Raffael und da Vinci. Schon vor seinem 30. Lebensjahr war Tizian als „König der Maler und Maler der Könige“ bekannt. Grundsätzlich malte der Künstler Bilder zu mythologischen und biblische Themen, außerdem wurde er als großartiger Porträtmaler berühmt. Die Zeitgenossen glaubten, dass die Prägung mit dem Pinsel eines großen Meisters bedeutet, Unsterblichkeit zu erlangen. Und das ist es tatsächlich. Befehle an Tizian kamen von den angesehensten und edelsten Personen: Päpste, Könige, Kardinäle und Herzöge. Hier sind nur einige seiner bekanntesten Werke: „Venus von Urbino“, „Die Entführung Europas“ (im Bild), „Kreuztragung“, „Dornenkrönung“, „Madonna von Pesaro“, „Frau mit ein Spiegel" usw.

Nichts wird zweimal wiederholt. Das Zeitalter der Renaissance hat der Menschheit brillante, außergewöhnliche Persönlichkeiten beschert. Ihre Namen sind eingeschrieben Weltgeschichte kunst goldene buchstaben. Architekten und Bildhauer, Schriftsteller und Künstler der Renaissance – ihre Liste ist sehr lang. Wir haben nur die Titanen angesprochen, die Geschichte geschrieben und die Ideen der Aufklärung und des Humanismus in die Welt gebracht haben.