Stilrichtungen in der Kunst. Welches sind die wichtigsten Genres der Malerei, die Sie kennen? Denke darüber nach, was du am häufigsten zeichnest
Richtungen in der Kunst sind ein System künstlerische Techniken, expressive Mittel, die dazu bestimmt sind, eine bestimmte Idee, eine Weltanschauung auszudrücken, die zu einem bestimmten Zeitpunkt in einer bestimmten Gemeinschaft vorherrscht. Stile haben sich im vergangenen Jahrtausend entwickelt und sich sukzessive gegenseitig abgelöst. Manchmal ein neuer Stil als Fortführung und Weiterentwicklung des Vorgängers entstanden, manchmal Ergebnis eines Ringens mit den Ideen des Vorgängers.
IN Einzelfälle es ist so schwierig, einen stil herauszugreifen, dass er eher als richtung klassifiziert wird. Der Symbolik, dem Kubismus kann also ein eigenständig geformter Stil zugeschrieben werden, und sie können als Richtungen einer umfassenden Moderne betrachtet werden.
Jede Epoche brachte mehr als eine hervor Kunst Stil. Durch das Studium von Kunstwerken können Sie die Zeit besser kennenlernen, in der diese oder jene künstlerische Stilrichtung geformt und dominiert wurde.
Die Hauptrichtungen in der Kunst des 10. - 19. Jahrhunderts
Romanischer Stil (X - XIII Jahrhundert)
Gotischer Stil (XIII - XVI Jahrhundert)
Barock (XVI - XVIII Jahrhundert)
Klassizismus (XVII - XIX Jahrhundert)
Sentimentalismus (XVIII Jahrhundert)
Romantik (XVIII - XIX Jahrhundert)
Realismus (XIX Jahrhundert)
Die wichtigsten Trends in der Kunst des 20. Jahrhunderts
Modernismus
Symbolismus
Impressionismus
Surrealismus
In den 1920er Jahren des letzten Jahrhunderts entstanden, ist es ein Stil paradoxer Formen und Anspielungen, der die Kombination von Traum und Realität widerspiegelt. In der Malerei spiegelt sich der Surrealismus deutlich in den Gemälden von Magritte, Ernst, Dali, Matta...
Die triumphale Rückkehr der klassischen Malerei; Andy Warhols digitale Revolution und andere interessante Dinge, die in der Welt der bildenden Kunst passieren
Moderne Kunst ist nicht mehr modern. Die zeitgenössische Kunst mit all ihren postmodernen Tricks wurde vor einem Jahrhundert erfunden.
Gehäutete Kuhkadaver, Videoperformances – am Anfang war es spannend, aber es stellt sich die Frage, wie es weitergeht. Können sich Künstler etwas noch Abstrakteres und Unverständlicheres einfallen lassen als das Quadrat von Kasimir Malewitsch und die Spritzer von Jackson Pollock?
Anders denken- riet dem berüchtigten Banksy. Neue Trends in der Kunst und im Kunstmarkt kamen aus einer unerwarteten Richtung.
Trend Nummer 1.
Handgezeichnetes Bild: Rückkehr zum Thron
Laut Kritikern „starb“ die Malerei bis vor kurzem und wurde durch andere Kunstarten ersetzt – Videokunst, Installation … Ende der 2000er Jahre änderte sich die Situation dramatisch: Die Malerei wurde als Genre wiederbelebt.
Die Grenze zwischen bildender Kunst (" Kunst“, auf altmodische Weise mit einem Pinsel auf Leinwand gemacht) und zeitgenössische Kunst (mit ihrem bewussten Wahnsinn und Nonkoformismus) – plötzlich irgendwo verschwunden.
Die Zuschauer und vor allem die Künstler selbst vermissten die Bilder im traditionellen Sinne furchtbar. Und es stellt sich heraus, dass hier noch längst nicht alles gesagt ist.
Um jedoch auf dem gigantischen, übersättigten Kunstmarkt Aufmerksamkeit zu erregen, muss ein Gemälde wirklich talentiert sein.
Die tschechischen Künstler Svetlana Kurmaz und Alexander Sokht sind glänzende Vertreter des neuen Trends. In Europa und den USA berühmt, sind sie in Russland fast unbekannt, obwohl sie aus der Region Krasnodar stammen.
Das Ehepaar ist vor langer Zeit nach Prag ausgewandert. Ziemlich schnell war ihre Arbeit in der westlichen Gemeinschaft erfolgreich.
Russische Auswanderer aus schwieriges Schicksal sind jetzt in der Liste der begehrtesten Pools von Teilnehmern der renommierten Weltkunstmessen und Biennalen enthalten.
Nicht zuletzt dank einer neuen Herangehensweise an das Kunstgeschäft – deshalb werden wir an ihrem Beispiel die neuesten Trends berücksichtigen.
Von mir selbst möchte ich sagen: Ich habe kürzlich die brillanten Werke von Kurmaz und Sokht gekreuzt, und ohne zu zögern fordere ich Sie auf, sich damit vertraut zu machen. Es hat es absolut verdient.
Trend Nummer 2.
Eine Revolution der Schnittstellen: Sie zeichnen auf einem Tablett, Sie erhalten eine Leinwand mit Öl.
Die weit verbreitete Verwendung der iPad-Mechanik hat die Technologie zur Erstellung von Gemälden ernsthaft beeinträchtigt. Populär geworden ist beispielsweise der Diasec-Frontaldruck: Ähnlich wie beim Fotodruck werden Farben auf Acryl aufgetragen.
Nadezhda Voronina, Kunstkritikerin:
- Alexander Sokht erstellt seine Arbeiten in Grafikprogrammen, die er dann auf Leinwand, Papier oder Diasec überträgt. Auf diese Weise tragen innovative Techniken zur Weiterentwicklung der kreativen Methode bei.
Trend Nummer 3.
Demokratisierung des Kunstmarktes: Kunst wird jetzt nicht mehr von gelangweilten Millionären gesammelt, sondern von einfachen Studenten und Hausfrauen.
Überraschende Tatsache: das Originalwerk berühmter Meister kann jetzt weniger als 100 $ kosten. Das europäische Publikum hat bereits die Freuden des Kunsteinkaufs gekostet und kauft massiv die Werke von Zeitgenossen auf.
Demokratisierung der Preise für hohe Kunst im Beispiel besonders auffällig langjähriger Erfolg die größte internationale Messe AAF(Affordable Art Fair, barrierefreie Kunstmesse)
Wichtigstes Kriterium für die Auswahl der Werke sind für die Organisatoren die Kosten: Sie sollen die Preisobergrenze für Durchschnittsverdiener nicht überschreiten.
Marketing im Zeitalter von Copy-Paste und Repost interpretierte Warhols Ideen neu: Das Bild kann nun in mehreren Versionen und zu unterschiedlichen Preisen produziert werden.
Zum Beispiel sind die Werke des gleichen Kurmaz und Sokhta ziemlich teuer. Aber sie haben eine Strategie entwickelt, die es ihnen ermöglicht, drei verschiedene Preiskategorien zu erfassen.
Die Zugänglichkeitsstrategie wird durch die Veröffentlichung limitierter Ausgaben auf Papier und Leinwänden der Originale des Autors erreicht.
Das heißt, ein Werk kann in fünf Exemplaren existieren, aber jedes davon ist ein Original, was durch ein internationales Zertifikat bestätigt wird.
Trendnummer 5.
Galerien werden heute nicht mehr von Galeristen, sondern von den Künstlern selbst eröffnet.
Wichtigster Trend: Die persönliche Galerie der Künstler wird zum zentralen Interaktionsort zwischen den Kunstmarktteilnehmern. Das ist die gleiche fortgeschrittene Formation wie ein kleiner Laden, wo der Besitzer selbst hinter der Theke steht.
Nadezhda Voronina, Kunstkritikerin
- Im Zentrum von Prag haben Kurmaz und Sokht ihre eigene Galerie, die geschaffen wurde, um sich selbst auszustellen. Vielleicht ist dies eine der erfolgreichsten Optionen für eine moderne Galerie, die Kunst ausstellt und verkauft, da hier alles zusammengeführt wird - ein klares Konzept, Ziele und Ziele des Künstlers. Das ist die Art Galerie der Zukunft, denn in zeitgenössische Kunst alles ist vereinfacht.
IN dieser Fall Die Mechanismen von Facebook und Twitter funktionieren. Die direkte Kommunikation zwischen dem Autor und Kennern seiner Werke wird immer mehr Gewinnstrategie als die Kommunikation über Agenten und Käufer.
Malen ist vielleicht das Beste antike Ansicht Kunst. Schon in der Urzeit malten unsere Vorfahren Bilder von Menschen und Tieren an die Wände von Höhlen. Dies sind die ersten Beispiele der Malerei. Seitdem ist diese Kunstform immer ein Begleiter Menschenleben. Beispiele für Malerei sind heute zahlreich und vielfältig. Wir werden versuchen, diese Art von Kunst so weit wie möglich abzudecken, um über die wichtigsten Genres, Stile, Richtungen und Techniken darin zu sprechen.
Maltechniken
Betrachten Sie zunächst die Grundtechniken des Malens. Eine der häufigsten ist Öl. Dies ist eine Technik, bei der Farben erstellt werden Auf Öl-Basis. Diese Farben werden in Strichen aufgetragen. Mit ihrer Hilfe können Sie eine Vielzahl verschiedener Farbtöne erstellen und die erforderlichen Bilder mit maximalem Realismus vermitteln.
Tempera ist eine weitere beliebte Technik. Wir sprechen davon, wenn Dispersionsfarben verwendet werden. Das Bindemittel in diesen Farben ist Ei oder Wasser.
Gouache- eine in der Grafik weit verbreitete Technik. Gouachefarbe wird auf Klebstoffbasis hergestellt. Es kann verwendet werden, um Karton, Papier, Knochen oder Seide zu bearbeiten. Das Bild ist langlebig und die Linien sind klar. Pastell- Dies ist eine Zeichentechnik mit trockenen Stiften, während die Oberfläche rau sein muss. Und natürlich ist es erwähnenswert, über Aquarelle zu sprechen. Diese Farbe wird normalerweise mit Wasser verdünnt. Weich und dünn Farbschicht mit dieser Technik erhalten. Besonders beliebt Natürlich haben wir nur die wichtigsten Techniken aufgeführt, die beim Malen am häufigsten zum Einsatz kommen. Da sind andere.
Worauf werden die Gemälde normalerweise gemalt? Das beliebteste Gemälde auf Leinwand. Es wird auf einen Rahmen gespannt oder auf Karton geklebt. Beachten Sie, dass in der Vergangenheit häufig Holzbretter verwendet wurden. Heutzutage ist nicht nur das Malen auf Leinwand beliebt, sondern es können auch alle anderen flachen Materialien verwendet werden, um ein Bild zu erstellen.
Malarten
Es gibt 2 Haupttypen davon: Staffelei und monumentale Malerei. Letzteres bezieht sich auf die Architektur. Dieser Typ umfasst Gemälde an den Decken und Wänden von Gebäuden, die mit Bildern aus Mosaiken oder anderen Materialien, Buntglasfenstern usw. dekoriert sind. Staffeleimalerei ist nicht an ein bestimmtes Gebäude gebunden. Es kann von Ort zu Ort verschoben werden. In der Staffeleimalerei gibt es viele Varianten (sonst werden sie Genres genannt). Lassen Sie uns näher darauf eingehen.
Gattungen der Malerei
Das Wort „Genre“ ist französischen Ursprungs. Es bedeutet übersetzt "Gattung", "Art". Das heißt, unter dem Namen des Genres gibt es einen Inhalt, und wenn wir seinen Namen aussprechen, verstehen wir, worum es in dem Bild geht, was wir darin finden werden: eine Person, eine Natur, ein Tier, Objekte usw.
Porträt
Die älteste Gattung der Malerei ist das Porträt. Dies ist ein Bild einer Person, die nur wie sie selbst aussieht und sonst niemand. Mit anderen Worten, ein Porträt ist ein malerisches Abbild eines individuellen Erscheinungsbildes, da jeder von uns ein individuelles Gesicht hat. Dieses Genre der Malerei hat seine eigenen Varianten. Ein Porträt kann in voller Länge, Brustlänge oder nur einer Person gemalt werden. Beachten Sie, dass nicht jedes Bild einer Person ein Porträt ist, da ein Künstler beispielsweise „eine Person im Allgemeinen“ erstellen kann, ohne ihn von jemandem abzuschreiben. Allerdings, wenn er einen bestimmten Vertreter darstellt menschliche Rasse, dann arbeitet er an dem Porträt. Unnötig zu erwähnen, dass es zahlreiche Beispiele für Malerei in diesem Genre gibt. Aber das folgende Porträt ist fast jedem Einwohner unseres Landes bekannt. Wir sprechen über das Bild von A. S. Puschkin, das 1827 von Kiprensky geschaffen wurde.
Selbstporträts können ebenfalls zu diesem Genre hinzugefügt werden. In diesem Fall bildet sich der Künstler selbst ab. Es gibt ein paariges Porträt, wenn auf dem Bild Menschen zu zweit sind; Und Gruppenporträt wenn eine Gruppe von Personen gezeigt wird. Es kann auch vermerkt werden formelles Porträt, von denen eine Vielzahl Pferdesport ist, eine der feierlichsten. Es war in der Vergangenheit sehr beliebt, aber solche Werke sind heute selten. Das nächste Genre, über das wir sprechen werden, ist jedoch jederzeit relevant. Worum geht es? Dies lässt sich erraten, wenn wir die Gattungen durchgehen, die wir noch nicht benannt haben und die Malerei charakterisieren. Stillleben ist eines davon. Über ihn werden wir jetzt sprechen und weiter über Malerei nachdenken.
Stillleben
Dieses Wort hat auch Französischer Herkunft, es bedeutet "tote Natur", obwohl die Bedeutung genauer "unbelebte Natur" wäre. Stillleben - das Bild von unbelebten Objekten. Sie sind von großer Vielfalt. Beachten Sie, dass Stillleben auch „lebendige Natur“ darstellen können: Schmetterlinge, die auf den Blütenblättern versunken sind, wunderschöne Blumen, Vögel und manchmal kann man zwischen den Geschenken der Natur einen Menschen sehen. Dennoch wird es ein Stillleben bleiben, da das Bild des Lebenden in diesem Fall nicht das Wichtigste für den Künstler ist.
Landschaft
Landschaft ist eine andere französisches Wort, was übersetzt "Blick auf das Land" bedeutet. Es ist analog zum deutschen Begriff „Landschaft“. Landschaft ist ein Abbild der Natur in ihrer Vielfalt. Zu diesem Genre gesellen sich folgende Spielarten: die architektonische Landschaft und die sehr beliebte Meereslandschaft, die oft mit dem einzigen Wort „Marina“ bezeichnet wird, und die darin arbeitenden Künstler werden Marinemaler genannt. Zahlreiche Beispiele für Malerei des Genres Meereslandschaft finden sich in der Arbeit von I. K. Aivazovsky. Einer davon ist „Rainbow“ von 1873.
Dieses Bild ist in Öl gemalt und ist schwierig auszuführen. Aber es ist nicht schwierig, Aquarelllandschaften zu erstellen, daher wurde diese Aufgabe in der Schule im Zeichenunterricht jedem von uns übertragen.
Tiergenre
Das nächste Genre ist animalisch. Hier ist alles einfach - das ist ein Bild von Vögeln und Tieren in der Natur, in einer natürlichen Umgebung.
Haushaltsgenre
Das Haushaltsgenre ist eine Darstellung von Szenen aus dem Leben, dem Alltag, lustigen "Begebenheiten", dem häuslichen Leben und Geschichten gewöhnliche Menschen v gewöhnliche Umgebung. Und Sie können auf Geschichten verzichten - halten Sie einfach alltägliche Aktivitäten und Angelegenheiten fest. Solche Gemälde werden manchmal als Genremalerei bezeichnet. Betrachten Sie als Beispiel das obige Werk von Van Gogh (1885).
historische Gattung
Die Themen der Malerei sind vielfältig, aber das historische Genre sticht gesondert hervor. Dieses Bild historische Helden und Veranstaltungen. Das Battle-Genre grenzt daran, es präsentiert Kriegsepisoden, Schlachten.
Religiöses und mythologisches Genre
Im mythologischen Genre werden Gemälde zu Themen antiker und antiker Legenden über Götter und Helden geschrieben. Es sei darauf hingewiesen, dass das Bild weltlicher Natur ist und sich darin von den Bildern der auf der Ikone dargestellten Gottheiten unterscheidet. Übrigens besteht die religiöse Malerei nicht nur aus Ikonen. Sie vereint verschiedene Arbeiten zu religiösen Themen geschrieben.
Kampf der Genres
Je reichhaltiger der Inhalt des Genres ist, desto mehr erscheinen seine "Gefährten". Genres können verschmelzen, also gibt es ein Gemälde, das sich in keinen von ihnen einordnen lässt. In der Kunst gibt es sowohl ein Allgemeines (Techniken, Genres, Stile) als auch ein Individuelles (ein bestimmtes Werk getrennt betrachtet). Ein separates Bild trägt etwas gemeinsam. Daher mögen viele Künstler ein Genre haben, aber die darin gemalten Gemälde sind nie gleich. Solche Merkmale hat die Kultur der Malerei.
Stil
Style in ist ein Aspekt der visuellen Wahrnehmung von Gemälden. Es kann die Arbeit eines Künstlers oder die Arbeit von Künstlern einer bestimmten Periode, Richtung, Schule, Gegend kombinieren.
Akademische Malerei und Realismus
Die akademische Malerei ist eine besondere Richtung, deren Entstehung mit der Tätigkeit der Kunstakademien in Europa verbunden ist. Es erschien im 16. Jahrhundert an der Bologna-Akademie, deren Eingeborene versuchten, die Meister der Renaissance nachzuahmen. Seit dem 16. Jahrhundert begannen Methoden des Malunterrichts auf der strengen Einhaltung von Regeln und Normen nach formalen Mustern zu basieren. Kunst in Paris galt als eine der einflussreichsten in Europa. Sie förderte die Ästhetik des Klassizismus, die Frankreich im 17. Jahrhundert beherrschte. Pariser Akademie? Beitrag zur Systematisierung der Bildung, verwandelte die Regeln der klassischen Richtung allmählich in ein Dogma. So ist die akademische Malerei zu einer besonderen Richtung geworden. Im 19. Jahrhundert war eine der prominentesten Manifestationen des Akademismus die Arbeit von J. L. Gerome, Alexandre Cabannel, J. Ingres. Klassische Kanons wurden erst an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert durch realistische ersetzt. Es war der Realismus, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts zur grundlegenden Lehrmethode in den Akademien wurde und sich in ein dogmatisches System verwandelte.
Barock
Barock ist ein Stil und eine Kunstepoche, die sich durch Aristokratie, Kontrast, Dynamik der Bilder, einfache Details bei der Darstellung von Fülle, Spannung, Dramatik, Luxus, eine Verschmelzung von Realität und Illusion auszeichnet. Dieser Stil tauchte 1600 in Italien auf und verbreitete sich in ganz Europa. Caravaggio und Rubens sind ihre prominentesten Vertreter. Barock wird oft mit Expressionismus verglichen, wirkt aber im Gegensatz zu diesem nicht allzu abstoßend. Gemälde dieses Stils zeichnen sich heute durch die Komplexität der Linien und eine Fülle von Ornamenten aus.
Kubismus
Der Kubismus ist eine avantgardistische Kunstbewegung, die im 20. Jahrhundert entstand. Sein Schöpfer ist Pablo Picasso. Der Kubismus hat die Skulptur und Malerei Europas revolutioniert und die Schaffung ähnlicher Trends in Architektur, Literatur und Musik inspiriert. Kunstmalerei Dieser Stil zeichnet sich durch neu kombinierte, gebrochene Objekte aus, die eine abstrakte Form haben. Bei der Darstellung werden viele Gesichtspunkte verwendet.
Expressionismus
Der Expressionismus ist eine weitere wichtige Richtung in der zeitgenössischen Kunst, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts in Deutschland auftauchte. Zunächst umfasste es nur Poesie und Malerei und breitete sich dann auf andere Bereiche der Kunst aus.
Expressionisten stellen die Welt subjektiv dar und verzerren die Realität, um eine größere emotionale Wirkung zu erzielen. Ihr Ziel ist es, den Betrachter zum Nachdenken anzuregen. Der Ausdruck im Expressionismus überwiegt das Bild. Es kann festgestellt werden, dass viele Werke durch Motive von Qual, Schmerz, Leiden und Schreien gekennzeichnet sind (das oben vorgestellte Werk von Edvard Munch heißt "Der Schrei"). Expressionistische Künstler interessieren sich überhaupt nicht für die materielle Realität, ihre Bilder sind voller tiefer Bedeutung und emotionaler Erfahrungen.
Impressionismus
Impressionismus - eine Malrichtung, die hauptsächlich darauf abzielt, im Freien (Open Air) und nicht im Studio zu arbeiten. Seinen Namen verdankt es dem Gemälde „Impression, Sonnenaufgang“ von Claude Monet, das auf dem Foto unten zu sehen ist.
Das Wort „Eindruck“ Englische Sprache- Eindruck. Impressionistische Gemälde vermitteln vor allem das Lichtempfinden des Künstlers. Die Hauptmerkmale der Malerei in diesem Stil sind wie folgt: kaum sichtbare, dünne Striche; Änderung der Beleuchtung, genau vermittelt (die Aufmerksamkeit wird oft auf die Wirkung des Zeitablaufs gerichtet); offene Komposition; ein einfaches gemeinsames Ziel; Bewegung wie Schlüsselelement menschliche Erfahrung und Wahrnehmung. Die prominentesten Vertreter eines solchen Trends wie dem Impressionismus sind Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.
Modernismus
Die nächste Richtung ist die Moderne, die als eine Reihe von Trends in entstand verschiedene Gebiete Kunst im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert. 1863 wurde der Pariser „Salon der Abgelehnten“ eröffnet. Hier wurden Künstler ausgestellt, deren Bilder im offiziellen Salon nicht erlaubt waren. Dieses Datum kann als Datum der Entstehung der Moderne als eigenständige Kunstrichtung angesehen werden. Ansonsten wird die Moderne manchmal als "eine andere Kunst" bezeichnet. Sein Ziel ist es, einzigartige Gemälde zu schaffen, die nicht wie andere sind. Hauptmerkmal Werke - eine besondere Weltanschauung des Autors.
Künstler rebellierten in ihrer Arbeit gegen die Werte des Realismus. Selbstbewusstsein ist ein markantes Merkmal dieses Trends. Dies führt oft zu Formexperimenten sowie einem Hang zur Abstraktion. Vertreter der Moderne legen besonderes Augenmerk auf die verwendeten Materialien und den Arbeitsprozess. Zu ihren prominentesten Vertretern gehören Henry Matisse (seine Arbeit „The Red Room“ von 1908 wird oben vorgestellt) und Pablo Picasso.
Neoklassizismus
Neoklassizismus ist die Hauptrichtung der Malerei in Nordeuropa von der Mitte des 18. Jahrhunderts bis Ende des 19. Jahrhunderts. Es zeichnet sich durch eine Rückkehr zu Features aus antike renaissance und sogar Klassizismus. In architektonischer, künstlerischer und kultureller Hinsicht entstand der Neoklassizismus als Antwort auf das Rokoko, das als seichter und kunstvoller Kunststil wahrgenommen wurde. Neoklassizistische Künstler versuchten dank ihrer guten Kenntnis der Kirchengesetze, Kanons in ihre Arbeit einzuführen. Sie vermieden es jedoch, klassische Motive und Themen einfach wiederzugeben. Neoklassizistische Künstler versuchten, ihre Malerei in den Rahmen der Tradition zu stellen und so die Beherrschung des Genres zu demonstrieren. Der Neoklassizismus steht in dieser Hinsicht direkt im Gegensatz zur Moderne, wo Improvisation und Selbstdarstellung als Tugenden gelten. Zu seinen berühmtesten Vertretern gehören Nicolas Poussin, Raffael.
Pop-Art
Die letzte Richtung, die wir betrachten werden, ist die Pop-Art. Er erschien Mitte der 50er Jahre des letzten Jahrhunderts in Großbritannien und Ende der 50er Jahre in Amerika. Die Pop-Art ist vermutlich als Reaktion auf die damals dominierenden Ideen des abstrakten Expressionismus entstanden. Wenn man über diese Richtung spricht, ist es unmöglich, nicht zu erwähnen, dass „Eight Elvis“, eines seiner Gemälde, 2009 für 100 Millionen Dollar verkauft wurde.
Es gibt einfach eine riesige Vielfalt an Richtungen und Stilen Bildende Kunst. Oft haben sie keine ausgeprägten Grenzen und können sich reibungslos von einem zum anderen bewegen, während sie sich in ständiger Entwicklung, Opposition und Vermischung befinden. Die meisten Tendenzen in der Malerei existieren genau aus diesem Grund gleichzeitig nebeneinander - es gibt praktisch keine „reinen Stile“. Wir stellen euch heute die beliebtesten Malstile vor.
Impressionismus
Claude Monet „Eindruck. Aufgehende Sonne”
Seinen Namen verdankt es dem Gemälde „Impression, soleil levant“ von Claude Monet. Der Impressionismus ist ein Malstil, der dazu neigt, im Freien zu wirken. Das Malen in dieser Richtung soll das Lichtgefühl des Meisters vermitteln.
ZU Hauptmerkmale Impressionismus sind: dünne, relativ kleine, kaum sichtbare Striche; genau übertragene Beleuchtungsänderung; offene Komposition; das Vorhandensein von Bewegungen; ungewöhnliches Sehen von Objekten.
Herausragende Vertreter des Impressionismus: Pierre Renoir, Edgar Degas, Claude Monet.
Expressionismus
Edvard Munch „Der Schrei“
Einer von moderne Trends Kunst, die um die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts in Deutschland entstand. Zunächst umfasste der Expressionismus nur Poesie und Malerei.
Expressionisten stellen normalerweise dar die Umwelt nur subjektiv, völlig verzerrte Realität für noch größere emotionale Wirkung. Damit regen sie ihren Betrachter zum Nachdenken an.
Unter seinen Vertretern: Amedeo Modigliani, Edvard Munch, Ernst Ludwig Kirchner usw.
Kubismus
Pablo Picasso „Dora Maar“
Der Kubismus ist eine avantgardistische Kunstbewegung, die dank des berühmten Pablo Picasso im 20. Jahrhundert entstand. Daher ist er der prominenteste Vertreter dieses Stils. Beachten Sie, dass diese Richtung die Bildhauerei und Malerei Europas revolutioniert hat und auch ähnliche Trends in Architektur, Literatur und Musik inspiriert hat.
Kunstwerke dieser Stilrichtung zeichnen sich durch neu kombinierte, zerbrochene Objekte in abstrakter Form aus.
Modernismus
Henri Matisse „Tänzer in blaues Kleid”
Die Moderne zeigt eine Kombination verschiedener kultureller Strömungen sowie eine Reihe einheitlicher Kunstströmungen, die ihren Ursprung im 19. und 20. Jahrhundert haben.
Maler nennen die Moderne "andere Kunst", deren Zweck es ist, einzigartig zu sein, anders als alles andere, das heißt, sie zeigen eine besondere Vision des Künstlers.
Namhafte Vertreter: Henri Matisse und Pablo Picasso.
Neoklassizismus
Nicolas Poussin „Parnassos“
Der Neoklassizismus war die Hauptrichtung Nordeuropas um das 18. und 19. Jahrhundert, die von der Kunst der Renaissance, der Antike und sogar des Klassizismus geprägt ist.
Aufgrund ihrer tiefen Kenntnis der Kirchengesetze versuchten die Meister des Neoklassizismus, die Kanons zu rekonstruieren und in ihre Werke einzuführen.
Prominente Vertreter sind: Nicolas Poussin, Franz Josef Haydn, Raffael.
Pop-Art
Andy Warhol „Dollar“
Romantik
Francisco Goya „Tribunal der Inquisition“
Die Romantik als Kunstrichtung entstand im 18. Jahrhundert in Europa. Die wahre Quelle des ästhetischen Wissens wurde betrachtet starke Emotionen. Die am meisten geschätzten Emotionen waren Ehrfurcht, Angst, Entsetzen und Ehrfurcht.
Unter seinen Vertretern: Francisco Goya, Isaac Levitan, Ivan Shishkin, Ivan Aivazovsky, William Turner.
Realismus
Ilja Repin „Der schüchterne Mann“
Surrealismus ist die Enthüllung psychologischer Wahrheiten, indem Objekte von ihrer alltäglichen Bedeutung getrennt werden, um ein starkes Bild zu schaffen, um die Empathie des Betrachters zu wecken.
Berühmte Vertreter dieser Stilrichtung: Max Ernst, René Magritte und Salvador Dali.
Symbolismus
Mikhail Vrubel "Besiegter Dämon"
Symbolismus ist eine Art Protest zugunsten von Spiritualität, Träumen und Vorstellungskraft, die sich in einigen europäischen Ländern entwickelt hat spätes XIX Jahrhundert.
Symbolistische Künstler haben den Surrealismus und Expressionismus in der Malerei ziemlich stark beeinflusst. Diese beiden Richtungen kamen direkt aus der Symbolik.
Unter den Vertretern des Stils: Mikhail Vrubel, Gustave Moreau, Hugo Simberg, Viktor Vasnetsov usw.
Sehr abwechslungsreich und facettenreich. Einziges Prinzip künstlerisches Denken und es gibt genau das entscheidende Merkmal, nach dem die Werke der Meister der einen oder anderen Richtung zugeordnet werden können. Historisch gesehen veränderten sich die Hauptrichtungen in der Malerei je nach Veränderung der Wahrnehmung von Kunst. Auch bestimmte Ereignisse spielten bei dieser Ausgabe eine Rolle.
Richtungen in der Malerei des 19. Jahrhunderts
Frankreich blieb im 19. Jahrhundert das führende Land, das einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung leistete Europäische Kultur. Erster Platz drin künstlerisches Leben stellte sich als Malerei heraus. Richtungen in der Malerei des 19. Jahrhunderts sind Klassizismus, Romantik, Realismus, Akademismus und Dekadenz. Eugene Delacroix galt als Hauptfigur der Romantik. Seine meisten berühmtes Bild"Freedom at the Barricades" wurde danach geschrieben echte Ereignisse. In der Mitte des 19. Jahrhunderts waren Klassizismus und Realismus die Hauptrichtungen in der Malerei. Die Positionen des Realismus in Europa wurden von Gustave Courbet gestärkt. Und in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts zogen dieselben Strömungen von Frankreich nach Russland. Richtungen in Kunst, Malerei, Architektur und anderen Bereichen Kulturleben Europa dieses Jahrhunderts ist sehr vielfältig. Das letzte Drittel des 19. Jahrhunderts bewegte sich an der Grenze zwischen Realismus und Dekadenz. Als Ergebnis dieses Spagats entstand eine völlig neue Richtung – der Impressionismus. Aber der Haupttrend in der russischen Malerei dieser Zeit blieb immer noch der Realismus.
Klassizismus
Diese Richtung entwickelte sich in Frankreich vom 17. bis zum 19. Jahrhundert. Sie war geprägt von Harmonie und dem Streben nach dem Ideal. Der Klassizismus definierte seine eigene Hierarchie, wonach Hohe Position religiöse historische und mythologische Genres wurden aufgenommen. Aber das Porträt, das Stillleben sowie die Landschaft galten als unbedeutend und sogar alltäglich. Es war verboten, Genres zu kombinieren. Viele Traditionen von Künstlern verdanken ihr Aussehen dem Klassizismus. Insbesondere, wir redenüber die Vollständigkeit der Komposition und vereinbarte Formen. Die Werke des Klassizismus fordern Harmonie und Konsonanz.
Akademismus
Richtungen in der Malerei änderten sich nicht nur im Laufe der Zeit. Sie durchdrangen einander, eng miteinander verflochten und folgten einige Zeit gemeinsam. Und es kam oft vor, dass eine Richtung aus der anderen entstand. Das ist der Wissenschaft passiert. Es entstand als Folge der klassischen Kunst. Das ist immer noch derselbe Klassizismus, aber schon ausgefeilter und systematisierter. Die Schlüsselpunkte, die diesen Trend vollständig charakterisieren, waren die Idealisierung der Natur sowie hohes Können bei der technischen Leistung. Die bekanntesten Künstler dieses Trends waren K. Bryullov, A. Ivanov, P. Delaroche und andere. Natürlich nimmt der moderne Akademismus nicht mehr die (führende) Rolle ein, die ihm zur Zeit der Geburtsstunde dieses Stils zugeschrieben wurde.
Romantik
Es ist unmöglich, die Hauptrichtungen der Malerei des 19. Jahrhunderts zu betrachten, ohne die Romantik zu erwähnen. Die Ära der Romantik hat ihren Ursprung in Deutschland. Allmählich drang es in England, Frankreich, Russland und andere Länder ein. Dank dieser Einführung wurde die Welt der Malerei und Kunst mit leuchtenden Farben neu bereichert Handlungsstränge und mutige Nacktheit. Künstler dieses Trends stellten alle menschlichen Emotionen und Gefühle in leuchtenden Farben dar. Sie drehten alle inneren Ängste, Liebe und Hass um und bereicherten die Leinwände mit einer Vielzahl von Spezialeffekten.
Realismus
Betrachtet man die Hauptrichtungen der Malerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, so ist an erster Stelle der Realismus zu nennen. Und obwohl die Entstehung dieses Stils bis ins 18. Jahrhundert zurückreicht, fällt seine größte Blüte doch in die Mitte und in die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die Hauptregel des Realismus dieser Zeit war die Darstellung der modernen Realität in all ihrer Vielfalt an Erscheinungsformen. Die Revolution, die 1848 in Frankreich stattfand, hatte einen großen Einfluss auf die Entstehung dieser Richtung in der Malerei. Aber in Russland war die Entwicklung dieses Kunsttrends eng mit dem Trend demokratischer Ideen verbunden.
Dekadenz
Die Zeit der Dekadenz ist geprägt von Darstellungen der Hoffnungslosigkeit und Desillusionierung. Dieser Kunststil ist von Dekadenz durchdrungen Vitalität. Sie tauchte Ende des 19. Jahrhunderts als eine Form des Widerstands gegen die öffentliche Moral auf. Und obwohl sich in der Malerei die Dekadenz dennoch nicht als eigene Richtung herausgebildet hat künstlerische Geschichte hebt einzelne Schöpfer in diesem Bereich der Kunst hervor. Zum Beispiel Aubrey Beardsley oder Mikhail Vrubel. Aber es sollte beachtet werden, dass dekadente Künstler, die keine Angst davor hatten, mit dem Verstand zu experimentieren, oft am Rande schwankten. Aber genau das ermöglichte es ihnen, die Öffentlichkeit mit ihrer Weltanschauung zu schockieren.
Impressionismus
Obwohl Impressionismus berücksichtigt wird Erstphase Zeitgenössische Kunst, die Voraussetzungen für diese Richtung sind im 19. Jahrhundert entstanden. Die Romantik war der Ursprung des Impressionismus. Denn er war es, der die individuelle Persönlichkeit in den Mittelpunkt der Kunst stellte. 1872 malte Monet sein Gemälde „Impression. Sonnenaufgang". Es war diese Arbeit, die der ganzen Richtung den Namen gab. Aller Impressionismus baute auf Wahrnehmung auf. Die Künstler, die in diesem Stil arbeiteten, wollten nicht decken Philosophische Probleme Menschheit. Das Wichtigste war nicht, was man darstellen sollte, sondern wie man es tat. Jedes Bild sollte die innere Welt des Künstlers offenbaren. Aber auch die Impressionisten wollten Anerkennung. Deshalb versuchten sie, Kompromissthemen zu finden, die für alle Bevölkerungsschichten interessant wären. Auf ihren Leinwänden stellten Künstler Feiertage oder Partys dar. Und wenn alltägliche Situationen ihren Platz in ihren Bildern fanden, wurden sie nur von der positiven Seite dargestellt. Daher kann der Impressionismus als "innere" Romantik bezeichnet werden.
Die Hauptrichtungen der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts (erste Hälfte)
Die erste Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts gilt als eine besonders helle Seite in der Kultur Russlands. Zu Beginn des Jahrhunderts blieb der Klassizismus der Haupttrend in der russischen Malerei. Aber in den dreißiger Jahren ging seine Bedeutung verloren. Die gesamte Kultur Russlands hat mit dem Aufkommen der Romantik einen neuen Atemzug erhalten. Sein Hauptpostulat war die Behauptung der individuellen Persönlichkeit sowie des menschlichen Denkens als Hauptwert aller Kunst. Es besteht ein besonderes Interesse an innere Welt Person. Die Richtungen der russischen Malerei der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts werden von der Romantik angeführt. Außerdem hatte er zunächst einen heroischen Charakter und verwandelte sich später in eine tragische Romantik.
Wenn man über die erste Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts in der Geschichte der russischen Kultur spricht, teilen die Forscher sie in zwei Viertel. Aber egal, welche Trennungen bestehen, es ist immer noch fast unmöglich, die Zeitlinie zwischen den drei Stilen in der bildenden Kunst zu bestimmen. Die Richtungen der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts (Klassizismus, Romantik und Realismus) waren in ihrer ersten Hälfte so stark miteinander verflochten, dass eine Unterscheidung nur bedingt möglich ist.
Man kann mit Sicherheit sagen, dass die Malerei in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts einen viel größeren Platz im gesellschaftlichen Leben einnahm als im 18. Jahrhundert. Durch den Sieg im Krieg von 1812 erhielt das russische Selbstbewusstsein einen starken Entwicklungsschub, wodurch das Interesse der Menschen an der eigenen Kultur stark zunahm. Zum ersten Mal entstanden Organisationen in der Gesellschaft, die es als ihre erste Aufgabe ansahen, sich zu entwickeln heimische Kunst. Es erschienen die ersten Zeitschriften, die über die Malerei der Zeitgenossen sprachen, sowie die ersten Versuche, Ausstellungen mit Werken von Künstlern zu arrangieren.
Die Porträtmalerei erzielte in dieser Zeit herausragende Leistungen. Dieses Genre hat den Künstler und die Gesellschaft am meisten vereint. Dies liegt daran, dass genau in diesem Zeitraum die meisten Bestellungen getätigt wurden Portrait-Genre. Einer der herausragenden Porträtmaler der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts war Vladimir Borovikovsky. Es sollte auch so berühmte Künstler wie A. Orlovsky, V. Tropinin und O. Kiprensky erwähnt werden.
Zu Beginn des Jahrhunderts entwickelte sich auch die russische Landschaftsmalerei. Unter den Künstlern, die in diesem Genre gearbeitet haben, sollte vor allem Fjodor Alekseev hervorgehoben werden. Er war ein Meister der urbanen Landschaft und einer der Gründer dieses Genre in der russischen Malerei. Andere berühmte Landschaftsmaler der erwähnten Zeit waren Shchedrin und Aivazovsky.
Bryullov, Fedotov und A. Ivanov galten im zweiten Viertel des 19. Jahrhunderts als die besten Künstler Russlands. Jeder von ihnen hat einen besonderen Beitrag zur Entwicklung der Malerei geleistet.
Karl Bryullov war nicht nur ein ziemlich intelligenter, sondern auch ein sehr umstrittener Maler. Und obwohl der Haupttrend in der russischen Malerei des zweiten Viertels des 19. Jahrhunderts die Romantik war, blieb der Künstler dennoch einigen Kanons des Klassizismus treu. Vielleicht wurde seine Arbeit deshalb so hoch geschätzt.
Alexander Ivanov gelang es, mit Tiefe zu bereichern philosophisches Denken nicht nur Russisch, sondern auch Europäische Malerei neunzehnten Jahrhundert. Er hatte eine sehr breite Kreativität und war nicht nur ein Innovator historische Gattung Und Landschaftsmalerei sondern auch ein hervorragender Porträtmaler. Keiner der Künstler seiner Generation wusste die Welt um ihn herum so wahrzunehmen wie Ivanov und verfügte nicht über eine solche Vielfalt an Techniken.
Eine wichtige Etappe in der Entwicklung der realistischen Malerei in Russland ist mit dem Namen Pavel Fedotov verbunden. Dieser Künstler war der erste, der dem alltäglichen Genre einen kritischen Ausdruck geben konnte, da er das Talent eines Satirikers hatte. Die Figuren in seinen Gemälden waren normalerweise Stadtbewohner: Kaufleute, Offiziere, Arme und andere.
Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts
Ende der fünfziger Jahre des 19. Jahrhunderts begann ein völlig neues Kapitel in der Geschichte der realistischen Malerei in Russland. Die globale Auswirkung auf diese Ereignisse war die Niederlage zaristisches Russland im Krimkrieg. Sie war die Ursache für den demokratischen Aufschwung und die Bauernreform. 1863 lehnten sich 14 Künstler gegen die Forderung auf, zu vorgegebenen Themen zu malen, und gründeten unter der Leitung von Kramskoy ein Artel, das nur nach eigenem Ermessen schaffen wollte. Wenn der Realismus in Russland in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts bestrebt war, das außergewöhnlich Schöne in einer Person zu offenbaren, und als poetisch bezeichnet wurde, dann wurde derjenige, der ihn in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts ersetzte, als kritisch bezeichnet. Aber der poetische Anfang verließ diese Strömung nicht. Jetzt manifestierte es sich in den empörten Gefühlen des Schöpfers, die er in sein Werk investierte. Der Haupttrend in der russischen Malerei in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts war der Realismus, der auf dem Weg der Kritik und Denunziation marschierte. Tatsächlich war es ein Kampf um Anerkennung Haushaltsgenre, was den natürlichen Zustand in Russland widerspiegeln würde.
In den siebziger Jahren änderte sich die Richtung der Malerei etwas. Die Künstler der sechziger Jahre spiegelten in ihren Werken den Glauben an den Beginn des Gemeinwohls nach dem Wegfall der Leibeigenschaft. Und die Siebziger, die sie ersetzten, waren enttäuscht über das Unglück der Bauern, das der Reform folgte, und ihre Bürsten waren bereits gegen die kommende neue Zukunft gerichtet. Einer der prominentesten Vertreter dieser Genremalerei war Myasoedov, und seine bestes Bild, das die gesamte Realität dieser Zeit widerspiegelte, hieß "Zemstvo issing Lunch".
Die achtziger Jahre verlagerten die Aufmerksamkeit der Kunst von einem Menschen, der sich um die Menschen sorgte, hin zu den Menschen selbst. Dies ist die Blütezeit der Kreativität von I. Repin. Die ganze Stärke dieses Künstlers lag in der Objektivität seiner Werke. Alle Abbildungen seiner Gemälde überzeugten auf vitale Weise. Ganze Linie seine Leinwände waren revolutionären Themen gewidmet. Mit seiner Kunst versuchte Repin, alle Fragen zu beantworten, die ihn und den Rest der Menschen beschäftigen, die in ihm auftauchen Alltagsleben dieser Ära. Gleichzeitig haben andere Künstler in der Vergangenheit nach denselben Antworten gesucht. Das war die Eigentümlichkeit und Stärke der Kunst des großen Malers. Andere berühmter Künstler dieser Zeitraum war Vasnetsov. Seine Arbeit basierte auf Volkskunst. Durch seine Leinwände versuchte Vasnetsov, die Vorstellung von der großen Macht des russischen Volkes und seiner heroischen Größe zu vermitteln. Die Grundlage seiner Arbeit waren Legenden und Traditionen. In seinen Kreationen verwendete der Künstler nicht nur Stilisierungselemente, sondern schaffte es auch, die Integrität des Bildes zu erreichen. Als Hintergrund auf seinen Leinwänden stellte Vasnetsov in der Regel die Landschaft Zentralrusslands dar.
In den neunziger Jahren Konzept kreatives Lebenändert sich wieder. Nun gilt es, die Brücken zwischen Kunst und Gesellschaft gnadenlos zu zerstören. Unter dem Namen „World of Art“ bildet sich eine Künstlervereinigung, die die Reinheit der Kunstwerke fördert, also ihre Trennung vom Alltag. Ein Merkmal der kreativen Natur der Künstler, die Teil dieser Vereinigung waren, war das begrenzte Maß an Intimität. Aktiv weiterentwickeln museale Aktivitäten, dessen Hauptaufgabe es ist, das Interesse an Kulturdenkmälern zu wecken. So wurden zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts alle mehr Künstler bestrebt, auf ihren Leinwänden die historische Vergangenheit Russlands zu vermitteln. Eine besondere Rolle in der Entwicklung der Kunst spielten die Figuren des Vereins „World of Art“. Buchillustration, sowie theatralische und dekorative Kunst. Einer von beste Künstler Diese Richtung wurde als Somov betrachtet. Er hat nie in seinen Werken dargestellt modernes Leben. Im Extremfall könnte er es durch eine historische Maskerade vermitteln. Nach der Welt der Kunst begannen sich andere Verbände zu bilden. Sie wurden von Künstlern geschaffen, die eine andere Sichtweise auf die Malerei hatten.
Die Meister, die die Arbeit der Schöpfer der oben genannten Gewerkschaft kritisierten, gründeten (im Gegensatz dazu) die Gewerkschaft „ Blaue Rose". Sie forderten die Rückkehr der leuchtenden Farben in die Malerei und sagten, dass die Kunst nur einseitig die inneren Gefühle des Künstlers vermitteln solle. Der talentierteste unter diesen Figuren war Sapunov.
Trotz der Blauen Rose tauchte bald eine andere Vereinigung auf, die Karo-Bube genannt wurde. Es hatte eine offen gesagt antipoetische Bedeutung. Aber seine Anhänger wollten überhaupt nicht zur Realität zurückkehren. Sie haben sie (auf ihre eigene Weise) allen Arten von Verzerrungen und Verfall ausgesetzt. So entsteht dank all dieser kriegerischen Allianzen die russische Moderne.
Moderne Trends
Die Zeit fließt, und alles, was früher als modern galt, wird zum Eigentum der Geschichte, und die Kunst ist keine Ausnahme. Heute gilt der Begriff „Zeitgenössische Kunst“ für alles, was geschaffen wurde kreative Leute beginnend im Jahr eintausendneunhundertsiebzig. Neue Tendenzen in der Malerei entwickelten sich in zwei Phasen. Das erste ist die Moderne, das zweite die Postmoderne. Das siebzigste Jahr des zwanzigsten Jahrhunderts gilt als Wendepunkt in der gesamten Kunst. Seit diesem Jahr sind künstlerische Bewegungen praktisch unklassifizierbar. Mit absoluter Sicherheit lässt sich nur sagen, dass die gesellschaftliche Ausrichtung der Kunst in den letzten dreißig Jahren viel intensiver zum Ausdruck gekommen ist als in allen vergangenen Epochen. Gleichzeitig nimmt die Malerei in der zeitgenössischen Kunst keine führende Stellung mehr ein. Immer mehr Künstler wenden sich nun der Fotografie, sowie der Computertechnik zu, um ihre Ideen und Vorstellungen zu verwirklichen.
Trotz der vielfältigen Tendenzen in der Malerei können wir sagen, dass die Hauptaufgabe des künstlerischen Lebens des 19. Jahrhunderts darin bestand, alle Kunstgattungen so nah wie möglich an den Alltag zu bringen. Und es wurde durch den Appell der Meister des Pinsels – und nicht nur – erfolgreich umgesetzt zeitgenössische Themen Menschlichkeit und die innere Welt des Künstlers selbst. Alle Richtungen in der Malerei dieser Zeit lassen Sie den Zeitgeist spüren und sich ein Bild davon machen, was die Menschen damals gelebt und gefühlt haben.
