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Beethovens Leben und Werk. Die großen musikalischen Werke Ludwig van Beethovens Welchen Stil vertritt Beethoven

Sie besteht darin, dass er als Komponist die Ausdrucksfähigkeit der Instrumentalmusik bei gleichzeitiger Vermittlung geistiger Stimmungen aufs Höchste gehoben und ihre Formen stark erweitert hat. Ausgehend von den Werken Haydns und Mozarts in der ersten Periode seines Schaffens begann Beethoven dann, den Instrumenten ihre charakteristische Ausdruckskraft zu verleihen, so sehr, dass sie sowohl eigenständig (insbesondere das Klavier) als auch im Orchester Ausdrucksfähigkeit erlangten die höchsten Ideen und die tiefsten Stimmungen der menschlichen Seele. . Der Unterschied zwischen Beethoven und Haydn und Mozart, der auch die Sprache der Instrumente mitbrachte hochgradig Entwicklung liegt darin, dass er die von ihnen erhaltenen Formen der Instrumentalmusik modifizierte und der makellosen Schönheit der Form einen tiefen inneren Inhalt hinzufügte. Unter seinen Händen weitet sich das Menuett zu einem bedeutungsvollen Scherzo aus; das Finale, das bei seinen Vorgängern meist ein lebhafter, heiterer und unprätentiöser Teil war, wird für ihn zum Höhepunkt in der Entwicklung des gesamten Werkes und übertrifft oft den ersten Teil an Weite und Größe seiner Konzeption. Im Gegensatz zu der Ausgewogenheit der Stimmen, die Mozarts Musik den Charakter leidenschaftsloser Objektivität verleihen, gibt Beethoven oft der ersten Stimme den Vorrang, was seinen Kompositionen eine subjektive Schattierung verleiht, die es ermöglicht, alle Teile der Komposition mit einer stimmungsvollen Einheit zu verbinden Idee. Was er in manchen Werken, wie zum Beispiel in den Heroic- oder Pastoral-Symphonien, mit entsprechenden Inschriften kennzeichnet, ist bei den meisten seiner Instrumentalkompositionen zu beobachten: Die darin poetisch zum Ausdruck gebrachten seelischen Stimmungen stehen in enger Beziehung zueinander und damit diese Werke verdienen voll und ganz den Namen Gedichte.

Porträt von Ludwig van Beethoven. Künstler J. K. Stieler, 1820

Die Zahl der Kompositionen Beethovens, Werke ohne Opusbezeichnung nicht mitgerechnet, beträgt 138. Darunter sind 9 Sinfonien (die letzte mit einem Finale für Chor und Orchester auf Schillers Ode an die Freude), 7 Konzerte, 1 Septett, 2 Sextette, 3 Quintette, 16 Streichquartette, 36 Klaviersonaten, 16 Klaviersonaten mit anderen Instrumenten, 8 Klaviertrios, 1 Oper, 2 Kantaten, 1 Oratorium, 2 große Messen, mehrere Ouvertüren, Musik für Egmont, Ruinen von Athen usw., sowie zahlreiche Werke für Klavier und für einstimmigen und mehrstimmigen Gesang .

Ludwig van Beethoven. Die besten Werke

Diese Schriften umreißen naturgemäß drei Perioden, deren Vorbereitungszeit 1795 endet. Die erste Periode umfasst die Jahre von 1795 bis 1803 (bis zum 29. Werk). In den Werken dieser Zeit ist der Einfluss von Haydn und Mozart noch deutlich sichtbar, aber (besonders in Klavierkompositionen, sowohl in Form eines Konzerts, als auch in Sonate und Variationen), ist der Wunsch nach Eigenständigkeit bereits spürbar - und das nicht nur auf technischer Seite. Die zweite Periode beginnt 1803 und endet 1816 (bis zum 58. Werk). Hier ist ein brillanter Komponist in der vollen und reichen Blüte einer reifen künstlerischen Individualität. Die Werke dieser Zeit, die eine ganze Welt der reichsten Lebensempfindungen eröffnen, können gleichzeitig als Beispiel für ein wunderbares und dienen vollkommene Harmonie zwischen Inhalt und Form. Die dritte Periode umfasst Kompositionen mit grandiosem Inhalt, in denen durch Beethovens Verzicht auf die Außenwelt aufgrund völliger Taubheit die Gedanken noch tiefer, spannender, oft direkter werden als zuvor, aber die Einheit von Gedanke und Form in ihnen erweist sich als weniger perfekt und wird oft der Subjektivität der Stimmung geopfert.

Mehr als zwei Jahrhunderte sind seit der Geburt des großen deutschen Komponisten Ludwig van Beethoven vergangen. Die Blütezeit seines Schaffens fiel zu Beginn des 19. Jahrhunderts in die Zeit zwischen Klassizismus und Romantik. Der Höhepunkt des Schaffens dieses Komponisten war die klassische Musik. Er schrieb in vielen musikalischen Genres: Chormusik, Oper und Musikbegleitung zu dramatischen Aufführungen. Er komponierte viele Instrumentalwerke: er schrieb viele Quartette, Sinfonien, Sonaten und Konzerte für Klavier, Violine und Cello, Ouvertüren.

In Kontakt mit

In welchen Genres hat der Komponist gearbeitet?

Ludwig van Beethoven komponierte Musik in verschiedenen musikalischen Genres und für verschiedene Kompositionen. Musikinstrumente. Für Symphonieorchester alles, was sie geschrieben haben, ist:

9 Symphonien;
ein Dutzend Kompositionen verschiedener musikalischer Formen;
7 Konzerte für Orchester;
Oper "Fidelio";
2 Messen mit Orchesterbegleitung.

Sie schrieben: 32 Sonaten, mehrere Arrangements, 10 Sonaten für Klavier und Violine, Sonaten für Cello und Horn, viele kleine Vokalstücke und ein Dutzend Lieder. Auch die Kammermusik spielt in Beethovens Schaffen eine wichtige Rolle. Sein Werk umfasst sechzehn Streichquartette und fünf Quintette, Streich- und Klaviertrios sowie mehr als zehn Werke für Blasinstrumente.

kreative Weise

Beethovens Schaffensweg gliedert sich in drei Perioden. An frühe Periode in Beethovens Musik spürt man den Stil seiner Vorgänger – Haydn und Mozart, aber in einer neueren Richtung. Hauptwerke dieser Zeit:

die ersten beiden Sinfonien;
6 Streichquartette;
2 Klavierkonzerte;
die ersten 12 Sonaten, die berühmteste von ihnen ist die Pathetic.

In der mittleren Periode ist Ludwig van Beethoven sehr besorgt über seine Taubheit. Er übertrug all seine Erfahrungen in seine Musik, in der Ausdruck, Kampf und Heldentum zu spüren sind. In dieser Zeit komponierte er 6 Sinfonien und 3 Klavierkonzerte sowie ein Konzert für Klavier, Violine und Violoncello mit Orchester, Streichquartette und ein Violinkonzert. In dieser Zeit seines Schaffens entstanden die Mondscheinsonate und Appassionata, die Kreutzer-Sonate und die einzige Oper Fidelio.

In der Spätzeit erscheinen die Werke des großen Komponisten in der Musik neue komplexe Formen. Das vierzehnte Streichquartett hat sieben miteinander verbundene Sätze, und im letzten Satz der 9. Symphonie kommt Chorgesang hinzu. In dieser Schaffensperiode entstanden die Feierliche Messe, fünf Streichquartette, fünf Sonaten für Klavier. Die Musik des großen Komponisten lässt sich endlos anhören. Alle seine Kompositionen sind einzigartig und hinterlassen beim Zuhörer einen guten Eindruck.

Die beliebtesten Werke des Komponisten

Am meisten berühmter Aufsatz Ludwig van Beethoven "Symphonie Nr. 5", es wurde vom Komponisten im Alter von 35 Jahren geschrieben. Zu diesem Zeitpunkt war er bereits schwerhörig und wurde durch die Schaffung anderer Werke abgelenkt. Die Sinfonie gilt als das Hauptsymbol der klassischen Musik.

"Mondscheinsonate"- wurde vom Komponisten während starker Erlebnisse und seelischer Qualen geschrieben. In dieser Zeit war er bereits schwerhörig und brach die Beziehung zu seiner geliebten Frau, der Gräfin Giulietta Guicciardi, die er heiraten wollte. Dieser Frau ist die Sonate gewidmet.

"Für Elise" Eine der besten Kompositionen Beethovens. Wem hat der Komponist diese Musik gewidmet? Es gibt mehrere Versionen:

an seine Schülerin Teresa von Drossdik (Malfatti);
enge Freundin Elisabeth Reckel, deren Name Eliza war;
Elizaveta Alekseevna, Ehefrau des russischen Kaisers Alexander I.

Ludwig van Beethoven selbst nannte sein Werk für Klavier „eine Sonate im Geiste der Phantasie“. Symphonie Nr. 9 in d-Moll, die den Titel erhielt "Chor" Dies ist Beethovens jüngste Symphonie. Damit ist ein Aberglaube verbunden: "Beginnend mit Beethoven sterben alle Komponisten, nachdem sie die neunte Sinfonie geschrieben haben." Viele Autoren glauben dies jedoch nicht.

Egmont-Ouvertüre- Musik für die berühmte Tragödie von Goethe, die vom Wiener Hof in Auftrag gegeben wurde.

Konzert für Violine und Orchester. Beethoven widmete diese Musik seinem besten Freund Franz Clement. Zunächst schrieb Beethoven dieses Violinkonzert, hatte aber keinen Erfolg, und musste es dann auf Bitten eines Freundes für Klavier umarbeiten. 1844 spielte der junge Geiger Josef Joachim dieses Konzert mit dem königlichen Orchester unter der Leitung von Felix Mendelssohn. Danach wurde dieses Werk populär, sie begannen, es auf der ganzen Welt zu hören, und beeinflussten auch stark die Entwicklungsgeschichte der Violinmusik, die in unserer Zeit betrachtet wird das beste konzert für Violine und Orchester.

„Kreutzer-Sonate“ und „Appassionata“ trug zur Popularität Beethovens bei.

Liste der Werke Deutscher Komponist facettenreich. Seine Arbeit umfasst die Opern Fidelio und Fire of Vesta, das Ballett Creations of Prometheus, viel Musik für den Chor und Solisten mit dem Orchester. Es gibt auch viele Werke für Sinfonie- und Blasorchester, Vokaltexte und Instrumentenensemble, für Klavier und Orgel.

Wie viel Musik wurde von einem großen Genie geschrieben? Wie viele Sinfonien hat Beethoven? Alle Werke des deutschen Genies überraschen immer noch Musikliebhaber. Den schönen und ausdrucksstarken Klang dieser Werke können Sie in hören Konzerthallen weltweit. Seine Musik erklingt überall und Beethovens Talent versiegt nicht.

Ludwig van Beethoven wurde in einer Ära großer Veränderungen geboren, darunter vor allem die Französische Revolution. Deshalb wurde das Thema des heroischen Kampfes zum Hauptthema im Werk des Komponisten. Der Kampf um republikanische Ideale, der Wunsch nach Veränderung, einer besseren Zukunft – Beethoven lebte mit diesen Ideen.

Kindheit und Jugend

Ludwig van Beethoven wurde 1770 in Bonn (Österreich) geboren, wo er auch seine Kindheit verbrachte. Häufig wechselnde Lehrer beschäftigten sich mit der Erziehung des zukünftigen Komponisten, die Freunde seines Vaters brachten ihm das Spielen verschiedener Musikinstrumente bei.

Erkennen, dass der Sohn hat musikalisches Talent Sein Vater, der in Beethoven einen zweiten Mozart sehen wollte, fing an, den Jungen zu hartem und langem Lernen zu zwingen. Die Hoffnungen waren jedoch nicht gerechtfertigt, Ludwig entpuppte sich zwar nicht als Wunderkind, aber er erhielt gute kompositorische Kenntnisse. Und dank dessen erschien im Alter von 12 Jahren sein erstes Werk: "Piano Variations on the Theme of Dressler's March".

Beethoven beginnt im Alter von 11 Jahren ohne Schulabschluss in einem Theaterorchester zu arbeiten. Bis ans Ende seiner Tage schrieb er mit Fehlern. Der Komponist las jedoch viel und lernte ohne fremde Hilfe Französisch, Italienisch und Latein.

Die frühe Zeit in Beethovens Leben war nicht die produktivste, zehn Jahre lang (1782-1792) wurden nur etwa fünfzig Werke geschrieben.

Wiener Zeit

Als Beethoven erkannte, dass er noch viel zu lernen hatte, zog er nach Wien. Hier besucht er Kompositionsunterricht und tritt als Pianist auf. Er wird von vielen Musikkennern bevormundet, aber der Komponist bleibt kalt und stolz auf sie und reagiert scharf auf Beleidigungen.

Diese Periode zeichnet sich durch ihren Umfang aus, zwei Symphonien erscheinen, "Christus am Ölberg" - das berühmte und einzige Oratorium. Aber gleichzeitig macht sich die Krankheit bemerkbar - Taubheit. Beethoven versteht, dass es unheilbar ist und schnell voranschreitet. Von Hoffnungslosigkeit und Untergang taucht der Komponist in die Kreativität ein.

Zentrale Periode

Diese Periode reicht von 1802-1012 und ist durch die Blüte von Beethovens Talent gekennzeichnet. Nachdem er das durch die Krankheit verursachte Leiden überwunden hatte, sah er die Ähnlichkeit seines Kampfes mit dem Kampf der Revolutionäre in Frankreich. Beethovens Werke verkörperten diese Ideen von Ausdauer und Standhaftigkeit des Geistes. Sie manifestierten sich besonders deutlich in der Heroischen Symphonie (Symphonie Nr. 3), der Oper Fidelio und der Appassionata (Sonate Nr. 23).

Übergangsphase

Diese Periode dauert von 1812 bis 1815. In dieser Zeit finden in Europa große Veränderungen statt, nach dem Ende der Herrschaft Napoleons wird seine Haltung die reaktionär-monarchistischen Tendenzen stärken.

Mit den politischen Veränderungen ändert sich auch die kulturelle Situation. Literatur und Musik weichen von der heroischen Klassik ab, die Beethoven vertraut war. Die Romantik beginnt, sich der befreiten Positionen zu bemächtigen. Der Komponist akzeptiert diese Änderungen, schafft eine symphonische Fantasie "Die Schlacht von Vattoria", eine Kantate "Happy Moment". Beide Kreationen finden beim Publikum großen Anklang.

Allerdings sind nicht alle Werke Beethovens aus dieser Zeit so. Der neuen Mode Tribut zollend, beginnt der Komponist zu experimentieren, sucht nach neuen Wegen und musikalischen Techniken. Viele dieser Funde wurden als brillant anerkannt.

Späte Kreativität

Die letzten Lebensjahre Beethovens waren geprägt vom politischen Niedergang in Österreich und der fortschreitenden Krankheit des Komponisten – die Taubheit wurde endgültig. Da er keine Familie hatte und in Schweigen versunken war, nahm Beethoven seinen Neffen auf, aber er brachte nur Kummer.

Beethovens Werke der Spätzeit unterscheiden sich auffallend von allem, was er früher geschrieben hat. Die Romantik übernimmt, und die Ideen des Kampfes und der Konfrontation zwischen Licht und Dunkel erhalten einen philosophischen Charakter.

1823 wurde Beethovens größte Schöpfung (wie er selbst glaubte) geboren – „Die feierliche Messe“, die in St. Petersburg uraufgeführt wurde.

Beethoven: „An Elise“

Dieses Werk wurde zur berühmtesten Schöpfung Beethovens. Die Bagatelle Nr. 40 (offizieller Name) war jedoch zu Lebzeiten des Komponisten nicht weithin bekannt. Das Manuskript wurde erst nach dem Tod des Komponisten entdeckt. 1865 wurde es von Ludwig Nohl, einem Erforscher von Beethovens Werk, gefunden. Er erhielt es aus den Händen einer bestimmten Frau, die behauptete, es sei ein Geschenk. Es war nicht möglich, den Zeitpunkt der Erstellung der Bagatelle festzustellen, da sie ohne Jahresangabe auf den 27. April datiert war. 1867 wurde das Werk veröffentlicht, aber das Original ging leider verloren.

Wer Eliza ist, der die Klavierminiatur gewidmet ist, ist nicht sicher bekannt. Es gibt sogar eine von Max Unger (1923) vorgebrachte Vermutung, dass der ursprüngliche Titel des Werks „To Therese“ lautete und dass Zero einfach Beethovens Handschrift missverstanden hat. Wenn wir diese Version als wahr annehmen, dann ist das Stück der Schülerin des Komponisten, Teresa Malfatti, gewidmet. Beethoven war in ein Mädchen verliebt und machte ihr sogar einen Heiratsantrag, wurde aber abgelehnt.

Trotz der vielen schönen und wunderbaren Werke, die für Klavier geschrieben wurden, ist Beethoven für viele untrennbar mit diesem geheimnisvollen und bezaubernden Stück verbunden.

Beethoven wurde vermutlich am 16. Dezember (nur das Datum seiner Taufe ist genau bekannt - der 17. Dezember) 1770 in der Stadt Bonn in einer Musikerfamilie geboren. Von Kindheit an begannen sie ihm beizubringen, Orgel, Cembalo, Geige und Flöte zu spielen.

Erstmals engagierte sich der Komponist Christian Gottlob Nefe ernsthaft mit Ludwig. Bereits im Alter von 12 Jahren wurde Beethovens Biografie mit dem ersten Werk einer musikalischen Ausrichtung ergänzt - einem Hilfsorganisten am Hof. Beethoven studierte mehrere Sprachen, versuchte Musik zu komponieren.

Der Beginn des kreativen Weges

Nach dem Tod seiner Mutter im Jahr 1787 übernahm er die finanziellen Verpflichtungen der Familie. Ludwig Beethoven begann im Orchester zu spielen, Universitätsvorlesungen zu hören. Beethoven trifft zufällig in Bonn auf Haydn und beschließt, bei ihm Unterricht zu nehmen. Dafür zieht er nach Wien. Schon damals sagte der große Mozart, nachdem er sich eine Improvisation Beethovens angehört hatte: „Er wird alle dazu bringen, von sich zu reden!“ Nach einigen Versuchen schickt Haydn Beethoven zum Studium zu Albrechtsberger. Dann wurde Antonio Salieri Beethovens Lehrer und Mentor.

Die Blütezeit einer musikalischen Karriere

Haydn bemerkte kurz, dass Beethovens Musik dunkel und seltsam sei. In jenen Jahren brachte Ludwig jedoch das virtuose Klavierspiel ersten Ruhm. Beethovens Werke unterscheiden sich vom klassischen Cembalospiel. Am gleichen Ort, in Wien, entstanden in Zukunft bekannte Kompositionen: Beethovens Mondscheinsonate, Pathétische Sonate.

In der Öffentlichkeit unhöflich, stolz, war der Komponist sehr offen, freundlich gegenüber Freunden. Beethovens Werk In den nächsten Jahren gefüllt mit neuen Werken: die Erste, Zweite Symphonie, "Die Erschaffung des Prometheus", "Christus am Ölberg". Jedoch zukünftiges Leben und Beethovens Arbeit wurden durch die Entwicklung einer Ohrenkrankheit - Tinitis - erschwert.

Der Komponist zieht sich in die Stadt Heiligenstadt zurück. Dort arbeitet er an der Dritten – Heroischen Symphonie. Völlige Taubheit trennt Ludwig von der Außenwelt. Doch auch dieses Ereignis kann ihn nicht vom Komponieren abbringen. Laut Kritikern offenbart Beethovens Dritte Symphonie ihn vollständig größtes Talent. Oper "Fidelio" wird in Wien, Prag, Berlin aufgeführt.

Letzten Jahren

In den Jahren 1802-1812 schrieb Beethoven Sonaten mit besonderer Lust und Eifer. Dann entstand eine ganze Reihe von Werken für Klavier, Cello, die berühmte Neunte Symphonie, Feierliche Messe.

Beachten Sie, dass die Biografie von Ludwig Beethoven jener Jahre voller Ruhm, Popularität und Anerkennung war. Selbst die Behörden wagten es trotz seiner offenen Gedanken nicht, den Musiker anzufassen. Starke Gefühle für seinen Neffen, den Beethoven unter seine Obhut nahm, ließen den Komponisten jedoch schnell altern. Und am 26. März 1827 starb Beethoven an einer Lebererkrankung.

Viele Werke von Ludwig van Beethoven sind nicht nur für Erwachsene, sondern auch für Kinder zu Klassikern geworden.

Rund hundert Denkmäler auf der ganzen Welt wurden dem großen Komponisten errichtet.

Die enorme Popularität von Beethovens besten letzten Sonaten rührt von der Tiefe und Vielseitigkeit ihres Inhalts her. Serovs wohlgezielte Worte, dass „Beethoven jede Sonate nur als vorsätzliche Handlung geschaffen hat“, finden ihre Bestätigung in der Analyse der Musik. Beethovens Klaviersonatenwerk, schon im Wesen der Kammermusik, wandte sich besonders oft lyrischen Bildern zu, dem Ausdruck persönlicher Erfahrungen. Beethoven hat in seinen Klaviersonaten die Lyrik immer mit den grundlegenden und bedeutendsten ethischen Problemen unserer Zeit in Verbindung gebracht. Deutlich wird dies an der Breite des Intonationsfundus von Beethovens Klaviersonaten.

Der Aufsatz präsentiert eine Studie über die Merkmale von Beethovens Klavierstil, seine Verbindungen und Unterschiede zu seinen Vorgängern – hauptsächlich Haydn und Mozart.

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Gemeinde Stadtbezirk Simferopol

Stilistische Merkmale von Beethovens Werk, seiner Sonate, im Gegensatz zu

Stil von W. Mozart und I. Haydn

Pädagogisches und methodisches Material

Klavierlehrer

Kuzina L.N.

Simferopol

2017

Ludwig van Beethoven

Der Name Beethoven wurde zu seinen Lebzeiten in Deutschland, England, Frankreich und anderen europäischen Ländern berühmt. Aber nur die revolutionären Ideen der fortgeschrittenen sozialen Kreise Russlands, verbunden mit den Namen Radishchev, Herzen, Belinsky, ermöglichten es dem russischen Volk, alles Schöne an Beethoven besonders richtig zu verstehen. Zu den kreativen Bewunderern Beethovens zählen Glinka, A.S. Dargomyzhsky, V.G. Belinsky, A.I. Herzen, A. S. Griboyedov, M. Yu. Lermontov, N. P. Ogareva und andere.

„ Musik zu lieben und keine vollständige Vorstellung von Beethovens Schaffen zu haben, ist unserer Meinung nach ein großes Unglück. Jede von Beethovens Sinfonien, jede seiner Ouvertüren eröffnet dem Hörer eine ganz neue Welt der Kreativität des Komponisten“, schrieb Serov 1951. Komponisten einer mächtigen Handvoll schätzten Beethovens Musik sehr. Die Arbeit russischer Schriftsteller und Dichter (I. S. Turgenjew, L. N. Tolstoi, A. Tolstoi, Pisemsky und andere) spiegelte mit großer Kraft die Aufmerksamkeit der russischen Gesellschaft für den brillanten Symphoniker wider. Die ideologische und gesellschaftliche Fortschrittlichkeit, der enorme Inhalt und die Kraft von Beethovens kreativem Denken wurden zur Kenntnis genommen.

Beethoven mit Mozart vergleichen, V.V. Stasov schrieb an M.A. Balakirev am 12. August 1861. : „Mozart hatte überhaupt nicht die Fähigkeit, die Massen des Menschengeschlechts zu verkörpern. Nur Beethoven denkt und fühlt für sie. Mozart war nur für einzelne Persönlichkeiten der Geschichte und der Menschheit verantwortlich, er verstand nicht, und es scheint, dass er nicht über die Geschichte nachdachte, die gesamte Menschheit als eine Masse. Das ist der Shakespeare der Massen“

Serov, der Beethoven als „einen strahlenden Demokraten in seiner Seele“ charakterisierte, schrieb: „Alle Arten von Freiheit, von Beethoven in einer heroischen Symphonie mit aller gebotenen Reinheit, Strenge, sogar die Strenge heroischen Denkens gesungen, sind unendlich höher als das Soldatentum von der erste Konsul und alle französische Rhetorik und Übertreibung“

Die revolutionären Tendenzen von Beethovens Kreativität machten ihn dem fortschrittlichen russischen Volk sehr nahe und lieb. An der Schwelle zur Oktoberrevolution schrieb M. Gorki an Roman Rolland: „Unser Ziel ist es, jungen Menschen die Liebe und den Glauben an das Leben zurückzugeben. Wir wollen den Menschen Heldentum beibringen. Es ist notwendig, dass ein Mensch versteht, dass er der Schöpfer und Herr der Welt ist, dass er für alles Unglück auf Erden verantwortlich ist und dass er die Ehre für alles Gute im Leben hat.

Besonders hervorgehoben wurde der außerordentliche Gehalt von Beethovens Musik. Ein großer Schritt, den Beethoven auf dem Weg der Sättigung gemacht hat musikalische Bilder Ideen und Gefühle.

Serov schrieb: „Beethoven war ein musikalisches Genie, was ihn nicht daran hinderte, ein Dichter und Denker zu sein. Beethoven war der erste, der aufhörte, in der Sinfoniemusik „ein Spiel mit Klängen zu spielen“, hörte auf, eine Sinfonie so zu betrachten, als ob es darum ginge, Musik für Musik zu schreiben, und nahm eine Sinfonie erst dann in Angriff, wenn die ihn überwältigende Lyrik nach Ausdruck verlangte sich selbst in den Formen der höheren Instrumentalmusik, forderte die volle Kraft der Kunst, die Unterstützung aller ihrer Organe " Cui schrieb, dass "unsere Vorfahren vor Beethoven nicht nach einem neuen Weg in der Musik suchten, um unsere Leidenschaften und Gefühle auszudrücken, sondern zufrieden waren nur mit einer Kombination von Klängen, die angenehm für das Ohr sind.

A. Rubinstein behauptete, Beethoven habe „seelenvollen Klang“ in die Musik gebracht. Die einstigen Götter hatten Schönheit, auch die Herzlichkeit hatte Ästhetik, aber Ethik kommt nur bei Beethoven vor. Bei aller Extremität solcher Formulierungen waren sie natürlich im Kampf gegen Beethovens Bittsteller Ulybyshev und Lyarosh.

Eines der wichtigsten Merkmale des Inhalts von Beethovens Musik wurde von russischen Musikern als ihre inhärente Programmierung angesehen, ihr Wunsch, handlungsspezifische Bilder zu vermitteln. Beethoven war der Erste, der es verstand neue Aufgabe Jahrhundert; seine Symphonien sind rollende Klangbilder, bewegt und gebrochen mit dem ganzen Reiz der Malerei. “ sagt Stasov in einem seiner Briefe an M.A. Balakerev über den programmatischen Charakter von Beethovens Symphonien, op.124 „Borodin sah programmatisch pastorale Sinfonie Beethoven „ein großer Schritt in der Entwicklungsgeschichte der freien symphonischen Musik“ P.I. Tschaikowsky schrieb: „Beethoven erfand die Programmmusik, und zwar teils in der heroischen Sinfonie, aber doch entschlossen in der sechsten, postoralen“ Handlung musikalischer Bilder. Russische Musiker bemerkten die großen Verdienste von Beethovens kreativem Denken.

So schrieb Serov, dass „niemand mehr das Recht hat, als künstlerischer Denker bezeichnet zu werden als Beethoven.“ Cui sah Beethovens Hauptstärke in „einem unerschöpflichen thematischen Reichtum und R. Korsakov in dem erstaunlichen und einzigartigen Wert des Konzepts“ Neben der genialen melodischen Inspiration, die mit einer unerschöpflichen Tonart schlug, war Beethoven ein großer Meister der Form und des Rhythmus. Niemand verstand es, eine solche Vielfalt an Rhythmen zu erfinden, niemand verstand es, den Zuhörer mit ihnen zu interessieren, zu fesseln, zu verblüffen und zu versklaven wie der Schöpfer einer heroischen Symphonie. Dazu kommt noch die Genialität der Form. Beethoven war gerade das Genie der Form. Gestalt annehmen in Form von Gruppierung und Zusammensetzung, d.h. in Bezug auf die Zusammensetzung des Ganzen. Ljadow schrieb: Es gibt nichts Tieferes als Beethovens Gedanken, es gibt nichts Vollkommeneres als Beethovens Form. Es ist bemerkenswert, dass P.I. Tschaikowsky, der Mozart Beethoven vorzog, schrieb dennoch 1876. Taliyev: „Ich kenne keine einzige Komposition (mit Ausnahme einiger von Beethoven), von der man sagen könnte, dass sie vollkommen perfekt ist.“ Verwundert schrieb Tschaikowsky über Beethoven, „wie dieser Riese unter allen Musikern gleichermaßen voller Bedeutung und Kraft ist und wie er gleichzeitig den unglaublichen Druck seiner kolossalen Inspiration zu zügeln vermochte und nie die Balance und Vollständigkeit aus den Augen verlor des Formulars“.

Die Geschichte hat die Gültigkeit der Einschätzungen führender russischer Musiker zu Beethovens Werk bestätigt. Er verlieh seinen Bildern eine besondere Zielstrebigkeit, Erhabenheit, Fülle und Tiefe. Natürlich war Beethoven nicht der Erfinder der Programmmusik – letztere gab es lange vor ihm. Aber es war Beethoven, der mit großer Beharrlichkeit das Prinzip der Programmierung als Mittel vorbrachte, um musikalische Bilder mit konkreten Ideen zu füllen, um Musikkunst zu einem mächtigen Werkzeug des sozialen Kampfes zu machen. Ein gründliches Studium von Beethovens Leben durch zahlreiche Anhänger aller Länder zeigte die ungewöhnliche Beharrlichkeit, mit der Beethoven die unzerstörbare Harmonie musikalischer Gedanken erreichte - um in dieser Harmonie die Bilder der Außenwelt menschlicher Erfahrungen wahrheitsgemäß und schön wiederzugeben, zeigte das Außergewöhnliche Macht der musikalischen Logik. brillanter Komponist. „Wenn ich schaffe, was ich will“, sagte Beethoven, verlässt mich die Hauptidee nie, sie steigt auf, sie wächst, und ich sehe und höre das ganze Bild in seiner ganzen Breite, wie in seiner endgültigen Besetzung vor meinem inneren Blick stehen form. Woher ich meine Ideen bekomme, fragen Sie? Das kann ich Ihnen nicht mit Sicherheit sagen: Sie erscheinen ungebeten, sowohl mittelmäßig als auch nicht mittelmäßig. Ich fange sie im Schoße der Natur im Wald, auf Spaziergängen, in der Stille der Nacht, am frühen Morgen, aufgeregt von den Stimmungen, die der Dichter in Worte drückt, aber für mich werden sie zu Geräuschen, Geräuschen, Rauschen, Wut, bis sie in Form von Noten vor mir stehen“

Die letzte Periode von Beethovens Schaffen ist die bedeutungsvollste, erhabenste. Bedingungslos hochgeschätzt die letzten Werke Beethovens. Und Rubinstein, der schrieb: "Oh, Beethovens Taubheit, was für eine schreckliche Prüfung für sich selbst und was für ein Glück für die Kunst und die Menschheit." Stasov war sich jedoch der Originalität der Werke dieser Zeit bewusst. Nicht ohne Grund schrieb Stasov im Streit mit Severov: „Beethoven ist unendlich groß, seine letzten Werke sind kolossal, aber er wird sie nie in ihrer ganzen Tiefe begreifen, wird nicht alle ihre großen Qualitäten sowie Beethovens Mängel in sich begreifen In letzter Zeit seine Aktivitäten, wenn es von diesem lächerlichen Gesetz herrührt, liegt das Kriterium in den Ohren des Verbrauchers „Die Idee der geringen Verfügbarkeit neuste Werke Beethoven, wurde von Tschaikowsky entwickelt: „Egal, was fanatische Beethoven-Fans sagen, aber die Kompositionen davon musikalisches Genie bezüglich letzte Periode seine kompositorischen tätigkeiten werden selbst von einem kompetenten nie vollständig verstanden werden musikalisches Publikum, gerade durch die Überfülle der Hauptthemen und das damit verbundene Ungleichgewicht erschließen sich uns die Formen der Schönheit solcher Werke erst bei einer so engen Bekanntschaft mit ihnen, wie man es einem gewöhnlichen nicht zumuten kann Zuhörer, auch wenn sie für Musik sensibel sind, brauchen zu ihrem Verständnis nicht nur einen günstigen Boden, sondern auch eine solche Pflege, die nur in einem Musiker-Spezialisten möglich ist“. Unbestreitbar ist Tschaikowskys Formulierung etwas übertrieben. Es genügt, auf die neunte Symphonie hinzuweisen, die unter Nichtmusikern an Popularität gewann. Aber trotzdem, I.P. Tschaikowsky unterscheidet zu Recht die generelle Tendenz einer abnehmenden Verständlichkeit von Beethovens späteren Werken (im Vergleich zu derselben 9. und 5. Symphonie). Der Hauptgrund für den Rückgang der Verfügbarkeit von Musik in Beethovens späteren Werken war die Entwicklung von Beethovens Welt, Weltanschauung und insbesondere Weltanschauung. Einerseits stieg Beethoven in der Sinfonie Nr. 9 zu seinen höchsten progressiven Vorstellungen von Freiheit und Brüderlichkeit auf, andererseits historische Bedingungen und öffentliche Reaktion, in der weitergegangen ist später arbeiten Beethoven, haben dort ihre Spuren hinterlassen. In seinen späteren Jahren empfand Beethoven den schmerzlichen Zwiespalt zwischen schönen Träumen und bedrückender Wirklichkeit stärker, im wirklichen Leben fand er weniger Anhaltspunkte. öffentliches Leben, eher zum abstrakten Philosophieren geneigt. Unzählige Leiden und Enttäuschungen in Beethovens persönlichem Leben dienten als ein äußerst starker vertiefender Grund dafür, dass sich in seiner Musik Züge emotionaler Unausgeglichenheit, Impulse, träumerischer Fantasie, Rückzugswünsche in eine Welt bezaubernder Illusionen entwickelten. Auch der für den Musiker tragische Hörverlust spielte eine große Rolle. Es besteht kein Zweifel, dass das Werk Beethovens in seiner letzten Zeit die größte Leistung des Geistes, des Gefühls und des Willens war. Dieses Werk zeugt nicht nur von der außergewöhnlichen Denktiefe des alternden Meisters, nicht nur von der erstaunlichen Kraft seines inneren Ohrs und seiner musikalischen Vorstellungskraft, sondern auch von der historischen Einsicht eines Genies, das die für einen Musiker katastrophale Krankheit der Taubheit überwunden hat , konnte weitere Schritte zur Bildung neuer Intonationen und Formen gehen. Natürlich hat Beethoven die Musik einiger junger Zeitgenossen - insbesondere Schubert - sorgfältig studiert. Doch am Ende stellte sich ein Hörverlust für Beethoven als Komponist natürlich als ungünstig heraus. Schließlich ging es darum, die für einen Musiker wichtigsten spezifischen Hörverbindungen mit aufzubrechen Außenwelt. In der Notwendigkeit, sich nur noch vom alten Bestand auditiver Repräsentationen zu ernähren. Und diese Kluft hatte zwangsläufig einen starken Einfluss auf Beethovens Psyche. Die Tragödie Beethovens, der sein Gehör verlor, dessen schöpferische Persönlichkeit sich eher entwickelte als erniedrigte, lag nicht in der Armut seiner Weltanschauung, sondern in seiner großen Schwierigkeit, eine Übereinstimmung zwischen einem Gedanken, einer Idee und ihrem intonatorischen Ausdruck zu finden.

Es ist unmöglich, die großartige Gabe Beethovens als Pianist und Improvisator zu übersehen. Jede Kommunikation mit dem Klavier war für ihn besonders verlockend und aufregend. Das Klavier war sein bester Freund als Komponist. Es hat nicht nur Freude bereitet, sondern auch dazu beigetragen, die Umsetzung von Plänen vorzubereiten, die über das Klavier hinausgehen. In diesem Sinne erwiesen sich die Bilder und Formen und die ganze vielschichtige Logik des Denkens der Klaviersonaten als der nährende Schoß von Beethovens Schaffen überhaupt. Klaviersonaten sollten als einer der wichtigsten Bereiche des musikalischen Erbes Beethovens angesehen werden. Sie sind seit langem ein kostbares Gut der Menschheit. Sie sind in allen Ländern der Welt bekannt, gespielt und geliebt. Viele der Sonaten gingen in das pädagogische Repertoire ein und wurden zu einem festen Bestandteil davon. Die Gründe für die weltweite Popularität von Beethovens Klaviersonaten liegen darin, dass sie in der überwiegenden Mehrzahl zu den besten Werken Beethovens gehören und in ihrer Gesamtheit tief, anschaulich und vielseitig seinen Schaffensweg widerspiegeln.

Das meiste Genre Kammer Kreativität das Pianoforte veranlasste den Komponisten, sich anderen Bildkategorien zuzuwenden als etwa Symphonien, Ouvertüren, Konzerten.

In Beethovens Sinfonien gibt es weniger direkte Lyrik, sie macht sich gerade in den Klaviersonaten deutlicher bemerkbar. Der Zyklus von 32 Sonaten, der den Zeitraum von den frühen neunziger Jahren des 18. Jahrhunderts bis 1882 (dem Datum des Endes der letzten Sonate) abdeckt, dient als Chronik von Beethovens geistigem Leben, in dieser Chronik werden sie tatsächlich manchmal ausführlich und ausführlich dargestellt ständig, manchmal mit erheblichen Problemen.

Erinnern wir uns an einige Punkte über die Bildung des Sonaten-Allegros.

Die zyklische Sonatenform entstand aus der Verschmelzung der Suitenform mit der sich allmählich entwickelnden Form des Sonaten-Allegros.

Nicht-Tanz-Teile (normalerweise der erste) wurden in die Suite eingeführt. Solche Kompositionen werden manchmal Sonaten genannt. Klaviersonaten von J.S. Bach ist so eine Art. Die alten Italiener, Händel und Bach entwickelten eine Art vierstimmige Kammersonate mit dem üblichen Wechsel: langsam-schnell, langsam-schnell. Die schnellen Teile von Bachs Sonaten (Allemande, Courante, Gigue), einige der wohltemperierten Klavierpräludien (insbesondere aus dem 2. Band) sowie einige der Fugen aus dieser Sammlung tragen deutliche Züge der Sonaten-Allegro-Form.

Sehr typisch für die frühe Entwicklung dieser Form sind die berühmten Sonaten von Domenico Scarlatti. In der Entwicklung der zyklischen Form der Sonate, insbesondere der Sinfonie, das Werk der Komponisten der sogenannten „Mannheimer Schule“, der unmittelbaren Vorgänger der großen Wiener Klassiker – Haydn und Mozart, sowie das Werk des Sohnes des großen Bach – Philipp Emmanuel Bach“ eine wichtige Rolle gespielt.

Haydn und Mozart haben nicht versucht (wir berücksichtigen die 2., 3. - Mozarts späte Sonaten nicht), der Klaviersonate die Monumentalität einer orchestralen symphonischen Form zu verleihen. Bereits in den ersten 3 Sonaten (op. 2) hat Beethoven den Stil der Klaviersonate dem Stil der Sinfonie angenähert.

Im Gegensatz zu Haydn und Mozart (Sonaten, die meist 3-stimmig, manchmal 2-stimmig sind) sind Beethovens erste drei Sonaten bereits 4-stimmig. Wenn Haydn manchmal das Menuett als letzten Teil einführte, dann ist Beethovens Menuett (und in den Sonaten II und III sowie in anderen späten Sonaten - das Scherzo) immer einer der Mittelteile.

Bemerkenswert ist, dass Beethoven bereits in den frühen Klaviersonaten stärker orchestral denkt als in späteren (besonders in den Sonaten der „dritten“ Periode seines Schaffens), wo die Exposition immer pianistischer wird. Es ist üblich, eine überwiegende Verbindung zwischen Mozart und Beethoven herzustellen. Von seinen allerersten Werken an zeigt Beethoven helle individuelle Züge. Allerdings darf nicht vergessen werden, dass Beethoven mit seinen ersten Werken bereits ganz ausgereifte Kompositionen markierte. Aber schon in den ersten Werken unterscheidet sich Beethovens Stil deutlich von Mozarts. Beethovens Stil ist strenger, er ist viel näher dran Volksmusik. Etwas Schärfe und volkstümlicher Humor machen Beethovens Werk mehr mit dem Werk Haydns verwandt als mit dem Werk Mozarts. Die unendliche Vielfalt und der Reichtum der Sonatensatzform war für Beethoven nie ein ästhetisches Spiel: Jede seiner Sonaten ist in ihrer eigenen einzigartigen Form verkörpert, die den inneren Inhalt widerspiegelt, aus dem sie hervorgegangen ist.

Beethoven zeigte wie kein anderer vor ihm die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Sonatensatzform birgt; die Vielfalt der Sonatenform in seinen Werken, einschließlich seiner Klaviersonaten, ist unendlich groß.

Es ist unmöglich, die Bemerkungen von A.N. Serov in seinen kritischen Artikeln, dass Beethoven jede Sonate nur auf einem vorsätzlichen „Grundstück“ geschaffen habe „Alle Symphonien voller Ideen sind die Aufgabe ihres Lebens“

Beethoven improvisierte auf dem Klavier: Zu diesem Instrument - einem Ersatz für das Orchester - glaubte er an die Inspiration der Gedanken, die ihn überwältigten, und aus diesen Improvisationen entstanden einzelne Gedichte in Form von Klaviersonaten

Das Studium von Beethovens Klaviermusik ist bereits eine Bekanntschaft mit seinem gesamten Werk, in seinen 3 Modifikationen, und wie Lunacharsky schrieb: „Beethoven ist dem kommenden Tag näher. Das Leben ist sein Kampf, der viel Leid mit sich bringt. Beethoven neben dem Hauptthema des Heroischen und voller Glaube an den Sieg des Kampfes „Alle persönlichen Katastrophen und auch die öffentliche Reaktion vertieften in Beethoven nur seine düstere, gigantische Verleugnung der Unwahrheit der bestehenden Ordnung, seinen heroischen Kampfeswillen, Glaube an den Sieg. Wie der Musikwissenschaftler Asafiev 1927 schrieb. : „Beethovens Sonaten als Ganzes sind das ganze Leben eines Menschen.“

Die Aufführung von Beethovens Sonaten stellt hohe Anforderungen an den Pianisten, sowohl von virtuoser als auch vor allem von künstlerischer Seite. Es wird allgemein angenommen, dass ein Interpret, der versucht, die Absicht des Autors zu entwirren und den Zuhörern zu vermitteln, riskiert, seine Individualität als Interpret zu verlieren. Am wenigsten manifestiert es sich darin, dass die Absichten des Autors vernachlässigt würden, das Geschriebene durch etwas anderes zu ersetzen, das seiner Absicht fremd ist. Jede Bezeichnung in Noten, ein Hinweis auf dynamische oder rhythmische Schattierungen, ist nur ein Schema. Die Live-Verkörperung eines jeden Farbtons hängt ganz von den individuellen Qualitäten des Darstellers ab. Was ist auch in jedem separater Fall für P; - , „allegro“ oder „adagio“ ? All dies und vor allem die Kombination aus all dem ist ein individueller Schaffensakt, bei dem die künstlerische Individualität des Interpreten mit all seinen positiven und negative Eigenschaften. Der geniale Pianist A. Rubinstein und sein bemerkenswerter Schüler Iosif Hoffman predigten beharrlich solche Aufführungen des Textes des Autors, was sie jedoch nicht daran hinderte, ausgesprochen und völlig verschieden von einander künstlerischen Individuen zu sein. Kreative Gestaltungsfreiheit darf sich nie in Willkür ausdrücken. Gleichzeitig können Sie alle möglichen Anpassungen vornehmen und haben keine Individualität. Bei der Arbeit an Beethovens Sonaten ist es unbedingt erforderlich, deren Text sorgfältig und genau zu studieren und zu reproduzieren.

Es gibt mehrere Ausgaben von Klaviersonaten: Kramer, Giller, Henselt, Liszt, Lebert, Duke, Schnabel, Weiner, Gondelweiser. 1937 Sonaten von Martinssen und anderen wurden unter der Herausgeberschaft von Gondelweiser veröffentlicht.

In dieser Ausgabe, abgesehen von geringfügigen Korrekturen, Tippfehlern, Ungenauigkeiten usw. Änderungen im Fingersatz und Pedalieren. Die Hauptänderung betrifft die Ligen, die auf der Tatsache beruhen, dass Beethoven oft überhaupt keine Ligen setzte, wo Legato-Spiel klar impliziert ist, und außerdem oft, besonders in frühen Werken mit kontinuierlicher Bewegung, Ligen schematisch, Takte, unabhängig von der Struktur, setzte des Satzes und der deklamatorischen Bedeutung ergänzt, je nachdem, wie der Herausgeber die Bedeutung der Musik auffasste. In Beethovens Ligen gibt es viel mehr zu erkennen, als man auf den ersten Blick sieht. In späteren Werken hat Beethoven die Ligen detailliert und sorgfältig festgelegt. Fingersatz und Pedalbezeichnung fehlen bei Beethoven fast vollständig. In den Fällen, in denen Beethoven selbst inszenierte, ist es erhalten geblieben.

Die Bezeichnung des Pedals ist sehr bedingt. Da das Pedal, das ein reifer Meister verwendet, nicht aufgenommen werden kann.

Die Pedalisierung ist der wichtigste kreative Akt, der sich mit jeder Aufführung in Abhängigkeit von vielen Bedingungen ändert (allgemeines Konzept, Lautsprechertempo, Eigenschaften des Raums, dieses Instruments usw.).

Das Hauptpedal wird nicht nur schneller oder langsamer gedrückt und weggenommen, schließlich macht der Fuß oft viele kleine Bewegungen, die die Klangfülle korrigieren. All dies ist absolut nicht aufzeichnungsfähig.

Das von Gondelweiser ausgestellte Pedal kann einem Pianisten, der noch keine wahre Meisterschaft erreicht hat, eine solche Pedalisierung bieten, die, ohne den künstlerischen Sinn des Werkes zu verdunkeln, dem Pedal die gebührende Färbung verleiht. Man darf nicht vergessen, dass die Kunst des Tretens zunächst einmal die Kunst ist, Klavier ohne Pedal zu spielen.

Nur wenn der Pianist den Reiz der grenzenlosen Klangfülle des Klaviers spürt und beherrscht, beherrscht er auch die komplexe Kunst der Pedal-Klangfärbung. Die gewohnte Leistung auf einem konstanten Pedal beraubt aufgeführte Musik lebendigen Atem und verleiht der Klangfülle des Pianos statt Bereicherung eine monotone Viskosität.

Bei der Aufführung von Beethovens Werken sollte man zwischen dem Wechsel dynamischer Töne ohne Zwischenbezeichnungen Creshendo und Diminuendo unterscheiden - von solchen, bei denen Bezeichnungen vorhanden sind. Die Triller der Klassiker sollten ohne Schluss aufgeführt werden, mit Ausnahme der Fälle, die vom Autor selbst ausgeschrieben wurden. Beethoven hat manchmal offensichtlich kurze Vorschlagsnoten nicht gestrichen, er hat Schlüsse in Triller geschrieben, daher wird die Dekodierung in vielen Fällen umstritten. Seine Ligen sind meist eng mit Schlaganfällen verbunden. Streichinstrumente. Beethoven hat oft in Ligen gesetzt, um anzuzeigen, dass eine bestimmte Stelle legato gespielt werden sollte. Aber in den meisten Fällen, besonders in späteren Kompositionen, kann man Beethovens künstlerische Intention meilenweit erahnen. Im Anschluss daran ist die rhythmische Ausführung von Pausen sehr wichtig. Von beträchtlichem Wert ist die Charakteristik, die Beethovens Schüler Karl Czerny gegeben hat. Von unzweifelhaftem Interesse für die Erforschung von Beethovens Werk ist die Reaktion von I. Moscheles, der versuchte, die Neuausgabe von Beethovens Sonaten mit jener Ausdrucksschattierung zu bereichern, die er in Beethovens Spiel bemerkte. Die zahlreichen Ergänzungen von Moscheles beruhen jedoch nur auf Beethovens eigenen Spielerinnerungen. Die Ausgabe von F. Liszt ist näher an den Erstausgaben.

Bekanntlich wurden 1796 drei Klaviersonaten op. 2 veröffentlicht. und Joseph Haydn gewidmet. Sie waren nicht Beethovens lebendige Erfahrung auf dem Gebiet der Klaviersonatenmusik (zuvor wurden während seines Aufenthalts in Bonn einige Sonaten von ihm geschrieben). Aber gerade mit den Sonaten op Anerkennung und Popularität erlangt.

Die erste der Sonaten op. 2 entstand teilweise in Bonn (1792), die nächsten beiden, die sich durch einen brillanteren pianistischen Stil auszeichnen, befanden sich bereits in Wien. Die Widmung der Sonaten an I. Haydn, Beethovens ehemaligen Lehrer, muss auf eine recht hohe Einschätzung dieser Sonaten durch den Autor selbst hingewiesen haben. Sonaten op. 2 waren lange vor ihrer Veröffentlichung in Wiener Privatkreisen bekannt. Angesichts frühe Arbeiten Beethoven, manchmal sprechen sie von ihrer relativen Unselbstständigkeit, von ihrer Nähe zu den Traditionen ihrer Vorgänger - vor allem zu den Traditionen der Vorgänger von Haydn und Mozart, teilweise F, E. Bach usw. Zweifellos sind die Merkmale einer solchen Nähe sind offensichtlich. Wir finden sie im Allgemeinen insbesondere in der Verwendung einer Reihe vertrauter musikalischer Ideen und in der Anwendung etablierter Merkmale der Clavier-Textur. Viel wichtiger und richtiger ist es jedoch, schon in den ersten Sonaten etwas zutiefst Ursprüngliches und Ursprüngliches zu sehen, das sich später in dem mächtigen Schaffensbild Beethovens zu Ende entwickelte.

Sonate Nr. 1 (op2)

Bereits diese frühe Beethoven-Sonate wurde von russischen Musikern hoch geschätzt. In dieser Sonate, besonders in ihren 2 extremen Sätzen (I h und II h), manifestierte sich Beethovens kraftvolle, ursprüngliche Individualität überaus deutlich. A. Rubinstein charakterisierte es: „Im Allegro passt kein einziger Ton zu Haydn und Mozart, es ist voller Leidenschaft und Dramatik. Beethoven hat ein Stirnrunzeln im Gesicht. Adagio ist im Zeitgeist gezeichnet, aber trotzdem weniger zuckersüß“

„In der dritten Stunde ist wieder ein neuer Trend – ein dramatisches Menuett, dasselbe im letzten Satz. Da ist kein einziger Ton von Haydn und Mozart drin.“

Beethovens erste Sonaten entstanden Ende des 18. Jahrhunderts. Aber sie alle gehören in ihrem Geiste ganz dazu XIX Jahrhundert. Romain Rolland hat in dieser Sonate sehr richtig die figurative Richtung von Beethovens Musik geahnt. Er notiert: „Von den ersten Schritten an, in der Sonate Nr. 1, wo er (Beethoven) noch die gehörten Ausdrücke und Phrasen verwendet, tritt bereits eine raue, scharfe, ruckartige Intonation auf, die geliehene Wendungen prägt. Die heroische Denkweise manifestiert sich instinktiv. Die Quelle dafür liegt nicht nur in der Kühnheit des Temperaments, sondern auch in der Klarheit des Bewusstseins. Der ohne Schlichtung wählt, entscheidet und schneidet. Die Zeichnung ist schwer; es gibt keinen Mozart in der Linie, seine Nachahmer.“ Sie ist gerade und mit sicherer Hand gezeichnet, sie stellt den kürzesten und weitesten Weg von einem Gedanken zum anderen dar – die großen Wege des Geistes. Ein ganzes Volk kann darauf gehen; Truppen werden bald vorbeiziehen, mit schweren Karren und leichter Kavallerie. In der Tat macht sich trotz der vergleichsweise bescheidenen Fitura in der ersten Stunde eine heroische Geradlinigkeit bemerkbar, deren Fülle und Intensität an Emotionen allein dem Werk von Haydn und Mozart unbekannt ist.

Sind die Intonationen von ch.p. nicht schon bezeichnend? Die Verwendung von Akkordtönen im Geiste der Traditionen der Epoche. Solche harmonischen Bewegungen begegnen uns oft bei den Mannheimern und Haydn, Mozart. Wie Sie wissen, Haydn, sind sie eher inhärent. Es ist jedoch offensichtlich, dass die Verbindung zu Mozart mit dem Thema des Finales seiner „g-Moll“-Symphonie sukzessive ist. Wenn jedoch in der Mitte des 18. Jahrhunderts. und früher wurden solche Bewegungen im Akkordton mit Jagdmusik in Verbindung gebracht, dann erhielten sie in der revolutionären Ära Beethovens eine andere Bedeutung - „kriegerische Wehrpflicht“. Besonders bedeutsam ist die Verbreitung solcher Intonationen in den Bereich von allem Willensstarken, Entschlossenen, Mutigen. In Anlehnung an das Themenmuster aus dem letzten „sol-min“. Mozarts Symphonien, Beethoven denkt Musik völlig neu.

Mozart hat ein elegantes Spiel, Beethoven hat willensstarke Emotionen, Fanfaren. Beachten Sie, dass in Beethovens Klaviertextur ständig „orchestrales“ Denken zu spüren ist. Bereits im ersten Teil zeigt sich die enorme realistische Fähigkeit des Komponisten, Intonationen zu finden und zu schmieden, die das Bild eindeutig charakterisieren können.

Teil II des Adagio -F dur - war, wie Sie wissen, ursprünglich Teil des Jugendquartetts von Beethoven, geschrieben 1785 in Bonn. Beethoven hatte es als Klage gedacht, und Wegeler machte mit seinem Einverständnis ein Lied daraus unter dem Titel „Klage“. Im zweiten Teil ist der "Beethovenian" auffälliger als der alte. Die Sonate I ist ein herausragendes Dokument seiner schöpferischen Persönlichkeitsbildung. Getrennte Merkmale von Instabilität und Zögern, Hommage an die Vergangenheit lösten nur den ungestümen Druck von Ideen und Bildern aus, eine Person einer revolutionären Ära, die ihre Ära der Einheit von Geist und Herz behauptet und danach strebt, ihre Seelenkräfte mutigen Aufgaben, edlen Zielen unterzuordnen .

Sonate Nr. 2 (op. 2) in A-Dur.

Die Sonate „A dur“ unterscheidet sich charakterlich deutlich von der Sonate Nr. 1. Darin gibt es, mit Ausnahme des zweiten Teils, keine dramatischen Elemente. In dieser leichten, heiteren Sonate finden sich vor allem im letzten Satz deutlich mehr Elemente einer konkreten Klavierexposition als in Sonate I. Gleichzeitig nähern sich Charakter und Stil im Vergleich zur Sonate Nr. 1 eher einer klassischen Orchestersymphonie an. In dieser Sonate macht sich eine neue, nicht allzu lange Etappe in der Entwicklung von Beethovens schöpferischem Wesen bemerkbar. Umzug nach Wien, gesellschaftliche Erfolge, wachsender Ruhm eines virtuosen Pianisten, zahlreich, aber oberflächlich, flüchtig Liebe Interessen. Spirituelle Widersprüche sind offensichtlich. Wird er sich den Forderungen der Öffentlichkeit, der Welt fügen, wird er einen Weg finden, sie so getreu wie möglich zu erfüllen, oder wird er seinen eigenen harten Weg gehen? Das dritte Moment kommt hinzu - die lebhafte mobile Emotionalität junger Jahre, die Fähigkeit, sich leicht und reaktionsschnell allem hinzugeben, was mit seiner Brillanz und Ausstrahlung lockt. Tatsächlich gibt es Zugeständnisse, sie sind bereits in den ersten Takten zu spüren, deren leichter Humor Joseph Haydn ebenbürtig ist. Es gibt viele virtuose Figuren in der Sonate, einige von ihnen (z. B. Sprünge) haben kleine Technik, schnelle Aufzählung von gebrochenen Akten, blicken sowohl in die Vergangenheit als auch in die Zukunft (erinnern an Scarlatti, Clementi usw.). Doch beim genauen Hinhören stellen wir fest, dass der Inhalt von Beethovens Individualität erhalten geblieben ist, sich darüber hinaus entwickelt, vorwärts bewegt.

I h allegro A dur - vivace - Reichtum thematisches Material und Umfang der Entwicklung. Nach dem schlauen, schelmischen „Haydnian“-Anfang von Kap. Teil (vielleicht enthält er auch etwas Ironie bei der Ansprache von „Papa Haydn“) folgt eine Arie klar rhythmisierter und hell pianistisch gefärbter Kadenzen (mit Beethovens Lieblingsakzenten an Drehpunkten). Dieses fröhliche rhythmische Spiel verlangt nach verrückten Freuden. Die Nebenpartei – (im Gegensatz zum Kap.) Mattigkeit – ist bereits ein fast romantisches Lagerhaus. Es ist im Übergang zum ersten Schritt vorgesehen, gekennzeichnet durch Seufzer von Achteln, abwechselnd zwischen der rechten und der linken Hand. Durchführung - symphonische Durchführung, ein neues Element erscheint - heroisch, Fanfare, umgewandelt von Ch. Parteien. Ein Weg wird skizziert, um die Ängste und Sorgen des persönlichen Lebens und des heroischen Kampfes, der Arbeit und der Leistung zu überwinden.

Reprise - enthält keine wesentlich neuen Elemente. Das Ende ist tiefgründig. Beachten Sie, dass das Ende der Exposition und die Reprise durch Pausen gekennzeichnet sind. Die Essenz liegt in der unterstrichenen Unlösbarkeit in den sozusagen fragwürdigen Ergebnissen der Bildentwicklung. Ein solches Ende verschärft die bestehenden Widersprüche und zieht die Aufmerksamkeit der Zuhörer besonders stark auf sich.

II. largo appassionato - D dur - Pondo, mehr reine Beethoven-Merkmale als in anderen Sonaten. Es ist unmöglich, die Dichte und Saftigkeit der Textur, die Momente rhythmischer Aktivität (übrigens, der rhythmische Hintergrund der Achtel „lötet das Ganze“), die klar ausgedrückte Melodiösität nicht zu bemerken; Legato-Dominanz. Das geheimnisvollste mittlere Klavierregister herrscht vor. Das Hauptthema wird in 2 Stunden präsentiert. Die letzten Themen klingen wie ein leichter Kontrast. Aufrichtigkeit, Wärme, Erfahrungsreichtum sind sehr charakteristische vorherrschende Merkmale der Bilder von largo appassionato. Und das sind Neuerungen im Klavierwerk, die weder Haydn noch Mozart hatten. A. Rubinstein hatte Recht, der hier „eine neue Welt der Kreativität und Klangfülle“ fand. Große Liebe Schitkow an Vera Nikolajewna.

Beethoven schuf in all seinen Werken nicht nur seinen eigenen hellen, originellen Stil, sondern nahm gleichsam den Stil einiger bedeutender Komponisten vorweg, die nach ihm lebten. Adagio aus der Sonate (op. 106) sagt den exquisitesten subtilen Chopin-Scorzo (Barkarolentakt) derselben Sonate voraus - typisch Schumann II ch: - Op. - 79 - "Lied ohne Worte" - Mendelssohn. I ch: - Op. idealisierter Mendelssohn usw. Auch Beethoven hat Lisztsche Klänge (in Teil I: - op. - 106) sind bei Beethoven keine Seltenheit und nehmen die Techniken späterer Komponisten vorweg - der Impressionisten oder gar Prokofjews. Beethoven veredelte den Stil einiger seiner zeitgenössischen oder unter ihm stehenden Komponisten, die ihre Karriere begonnen hatten; zum Beispiel der virtuose Stil von Hummel und Czerny, Kalkbrenner, Hertz usw. Ein schönes Beispiel für diesen Stil ist das Adagio aus der Sonate Op. Nr. 1 D-Dur.

In dieser Sonate hat Beethoven offensichtlich bewusst viele Techniken Clementis verwendet (Doppelnoten, Passagen aus „kleinen“ Arpeggios usw.) Der Stil ist trotz der Fülle an Klavier-„Passagen“ immer noch überwiegend orchestral.

Viele Elemente der ersten Stunden dieser Sonate entlehnte Beethoven seinem jugendlichen Klavierquartett C-Dur, das er 1785 komponierte. Dennoch offenbart die Sonate op. 2 Nr. 3 einen weiteren, sehr bedeutenden Fortschritt in Beethovens Klavierwerk. Manche Kritiker wie Lenz waren von dieser Sonate mit ihrer Fülle an virtuosen Toccata-Elementen abgestoßen. Aber es ist unmöglich, nicht zu übersehen, dass wir die Entwicklung einer bestimmten Linie von Beethovens Klavierspiel vor uns haben, die später in der Sonate C-dur zum Ausdruck kommt. op. 53 („Aurora“) Entgegen oberflächlichen Meinungen war Beethovens Toccato keineswegs ein formales virtuoses Mittel, sondern wurzelte im figurativen künstlerischen Denken, verbunden entweder mit den Intonationen kämpferischer Fanfaren, Märsche oder mit den Intonationen der Natur 1h. allegro con brio C dur - fällt durch seinen Umfang sofort auf. Laut Romain Rolland wird hier „der Empire-Stil angedeutet, mit einem stämmigen Körper und Schultern, nützlicher Stärke, manchmal langweilig, aber edel, gesund und mutig, wobei Verweichlichung und Schmuck verachtet werden.“

Diese Einschätzung ist weitgehend richtig, aber immer noch einseitig. Romain Rolland verschärft die Grenzen seiner Einschätzung, indem er diese Sonate zu den Sonaten „architektonischer Konstruktionen, deren Geist abstrakt ist“ einordnet. Tatsächlich ist bereits der erste Teil der Sonate äußerst reich an verschiedenen Emotionen, die unter anderem zum Ausdruck kommen unter anderem durch die Großzügigkeit der thematischen Komposition.

Der Hauptteil - mit seinem ziselierten Rhythmus erklingt heimlich. Ab Takt „5“ knospt langsam und zurückhaltend ein Element einer neuen Textur und „Orchestrierung“ heraus. Sich auflösend, aber bereits in Takt 13, gibt es ein plötzliches Dröhnen der C-dur-Dreiklangsfanfare. Dieses Bild eines Trompetenrufs ist sehr hell und echt und ergießt sich in die schnelle Bewegung des rhythmischen Hintergrunds der Sechzehntelnoten in der linken Hand.

Ein neues Thema entsteht mit sanften, bettelnden Intonationen, Farben von Molldreiklängen (im Gegensatz zum Dur Ch.p.)

So entwickelte sich die Handlung der Exposition einerseits - kämpferische, heroische Fanfare, andererseits - lyrische Weichheit und Zärtlichkeit. Die üblichen Seiten von Beethovens Helden sind offensichtlich.

Die Ausarbeitung ist ziemlich kurz, aber bemerkenswert durch das Erscheinen eines neuen Ausdrucksfaktors (ab S. 97) – gebrochene Arpeggios, die das Bild von Angst und Verwirrung perfekt vermitteln. Bemerkenswert ist auch die Rolle dieser Episode beim Aufbau des Ganzen. Wenn im I-Teil eine klare harmonische Funktionalität besonders charakteristisch ist, die vor allem auf der Einheit von T, D, S beruht (der Wert von S als aktives harmonisches Prinzip wird bei Beethoven besonders groß), dann findet der Komponist hier etwas anderes - eine lebendige Dramaturgie harmonischer Komplexe, wie aktuelle. Ähnliche Effekte gab es bei Sebastian Bach (man erinnere sich zumindest an das erste Präludium aus dem CTC), aber erst die Ära Beethovens und Schuberts entdeckte die wunderbaren Möglichkeiten der Intonationsbilder der Harmonie, des Spiels der harmonischen Modulationen.

Die Reprise wurde gegenüber der Exposition durch die Entwicklung von Durchführungselementen erweitert. Dieser Wunsch, die mechanische Wiederholung der Reprise zu überwinden, ist typisch für Beethoven und wird sich in späteren Sonaten mehr als einmal bemerkbar machen. (die Intonationen der Natur (Vögel) erscheinen in der Kadenz der Entwicklung) Obwohl dies natürlich nur ein Hinweis auf jene Vögel ist, die in „Aurora“ aus vollem Halse frei und freudig singen werden

Wenn man den ersten Teil der Sonate als Ganzes betrachtet, kann man nicht umhin, ihre Hauptelemente erneut zu bemerken - das Heldentum der Fanfaren und des schnellen Laufens, die Wärme der lyrischen Sprache, das aufregende Dröhnen irgendeiner Art von Geräuschen, Summen, Echos einer Fröhlichkeit Natur. Es ist klar, dass wir eine tiefe Absicht haben und keine abstrakte Klangkonstruktion.

Teil II adagio - E dur - wurde von Musikkritikern hoch geschätzt.

Lenz schrieb, dass vor diesem Adagio mit dem gleichen Ehrgefühl für die mächtige Schönheit wie vor der Venus von Milo im Louvre die Nähe des friedlichen Teils des Adagio zu den Intonationen von Lacrimoza aus Mozarts „Requiem“ zu Recht bemerkt wurde

Die Struktur des Adagios ist wie folgt (wie eine Sonate ohne Durchführung); nach Zusammenfassung Hauptpartei in Mi Maj. Es folgt ein Seitenteil (im weitesten Sinne des Wortes) in e-Moll. Der Hauptkern des pp in G-Dur.

Teil II steht stilistisch in der Nähe von Beethovens Quartetten - ihren langsamen Sätzen. Die Ligen, die Beethoven (insbesondere in den frühen Sonaten - F-th-Kompositionen) zeigte, haben viel mit den Schlägen von Saiteninstrumenten gemeinsam. Nach einer verkürzten Präsentation eines Seitenthemas in E-Dur folgt eine Coda, die auf dem Material des Hauptteils aufbaut. Die Natur des Klangs III. (seherzo) ist – wie auch das Finale (trotz des virtuosen Klavierspiels) – rein orchestral. Der Form nach ist der letzte Satz eine Rondosonate.

Die Coda hat den Charakter einer Kadenz.

Ausführung Ich. Es sollte sehr gesammelt, rhythmisch, bestimmt, fröhlich und vielleicht etwas harsch sein. Verschiedene Fingersätze für Anfangsterzen sind möglich. Akkorde in Takt -2 - sollten kurz und leicht gespielt werden. In Takt - 3 - kommt in der linken Hand eine Dezima (sol - si) vor. Dies ist fast das erste - (vor Beethoven haben Komponisten die Dezima auf dem Klavier nicht verwendet) Im "5" -Takt - P - gibt es eine Art Wechsel in der Instrumentierung. In Takt "9" - nach sf - nya "to" - in der linken Hand sf - im zweiten Viertel - die Einführung von 2 Hörnern. Die nächste Fortissimo-Folge soll wie ein orchestrales „Tutti“ klingen. Ein Schwerpunkt sollte auf die 4. Maßnahme gelegt werden. Beide Male sollten die ersten 2 Takte auf einem komplexen Pedal gespielt werden, die zweiten 2 Takte - poca marcato, aber etwas weniger forte.

Sf - in Takt 20 müssen Sie es auf jeden Fall tun. Es gilt nur für den Bass „D“

In Takt 27 erklingt ein Zwischenthema.

Sonate Nr. 8 op. 13 („Erbärmlich“)

Niemand wird der pathetischen Sonate einen Platz unter den besten Klaviersonaten Beethovens abstreiten, sie erfreut sich zu Recht großer Beliebtheit.

Sie hat nicht nur die größten inhaltlichen Vorteile, sondern auch die bemerkenswerten Vorzüge einer Form, die Monometallismus mit Lokalität verbindet. Beethoven suchte nach neuen Wegen und Formen der Pianoforte-Sonate, was sich in der Sonate Nr. 8 des ersten Teils dieser Sonate niederschlug, der Beethoven eine ausführliche Einleitung voranstellt, auf deren Material er zu Beginn der Durchführung und davor zurückkommt die Coda. In Beethovens Klaviersonaten finden sich langsame Einleitungen nur in 3 Sonaten: fis dur op. 78, Es-Dur Op. 81 und c moll - op. 111. Beethoven hat in seinem t-ve mit Ausnahme von Werken zu bestimmten literarischen Themen („Prometheus, Egmont, Coriolanus“) selten auf Programmbezeichnungen in Klaviersonaten zurückgegriffen, wir haben nur 2 solche Fälle. Diese Sonate nennt Beethoven „Pathétique“ und die drei Sätze der Sonate „E b“ in Dur Op. 81 heißen „Abschied“, „Abschied“, „Rückkehr“. Andere Namen der Sonaten – „Mondschein“, „Pastorale“, „Aurora“, „Appassionata“ – gehören nicht Beethoven und die diesen Sonaten später willkürlich zugewiesenen Namen. Fast alle Werke Beethovens dramatischer, pathetischer Natur sind in Moll geschrieben. Viele von ihnen sind in c-Moll geschrieben (Klaviersonate Nr. 1 - op. 10, Sonate - mit Moll - op. 30; zweiunddreißig Variationen - in c-Moll, drittes Klavierkonzert, 5. Symphonie, Ouvertüre "Coriolan" usw ..d.)

Die „erbärmliche“ Sonate ist laut Ulybyshev „ein Meisterwerk von Anfang bis Ende, ein Meisterwerk des Geschmacks, der Melodie und des Ausdrucks“. A. Rubenstein, der diese Sonate sehr schätzte, glaubte jedoch, dass ihr Name nur für die ersten Akkorde geeignet sei, weil ihr allgemeiner, bewegungsreicher Charakter viel dramatischer sei. Weiter schrieb A. Rubenstein, dass „die pathetische Sonate wohl nur durch die Einleitung und durch ihre episodische Wiederholung in Teil I so benannt wurde, weil. das Thema des 1. Allegros ist ein lebhafter dramatischer Charakter, das darin enthaltene 2. Thema mit seinen Mordenten ist alles andere als pathetisch.“ Der II. Teil der Sonate lässt diese Bezeichnung jedoch immer noch zu, und dennoch sollte A. Rubensteins Leugnung der pathetischen Natur des größten Teils der Musik der Sonate op. 13 als unbewiesen anerkannt werden. Es war wohl der erste Teil der erbärmlichen Sonate, den Leo Tolstoi im Sinn hatte, als er im elften Kapitel der „Kindheit“ über das Spiel der Mutter schrieb: „Sie fing an, Beethovens erbärmliche Sonate zu spielen, und ich erinnerte mich an etwas Trauriges, Schweres und Düsteres . ., es schien, als würden Sie sich an etwas erinnern, das es nie gegeben hat.“ Heutzutage ist B.V. Zhdanov, der die pathetische Sonate charakterisiert, bemerkte „das feurige Pathos des ersten Teils, die erhabene Ruhe und kontemplative Stimmung des zweiten Teils und das träumerisch sensible Rondo (III-Teil abschließend) Wertvolle Aussagen über die pathetische Sonate von Romain Rolland, der hineinsieht Es ist eines der markanten Bilder von „Beethovens Dialogen authentische Szenen aus dem Drama der Gefühle. Gleichzeitig wies R. Rolland auf die bekannte Theatralik seiner Form hin, in der "die Schauspieler zu auffällig sind". Das Vorhandensein von dramatischen und theatralischen Elementen in dieser Sonate bestätigt unbestreitbar und offensichtlich die Ähnlichkeit von Stil und Ausdruckskraft nicht nur mit Prometheus (1801), sondern auch mit einem großartigen Beispiel einer tragischen Szene - mit einem Fehler, dessen "Arie und Duett" aus Akt II von "Orpheus" erinnert mich direkt an die stürmische Bewegung des Anfangs des ersten Teils des Allegros aus dem "pathetischen".

Teil I grave allegro di molto e con brio - c moll - gibt bereits in den Anfangstakten eine verallgemeinernde Beschreibung des gesamten Bilderspektrums.

Die Introduktion (Grab) trägt den Schwerpunkt des Inhalts – dies ist der Faktor von Beethovens kreativer Innovation im Schaffen von Leitmotiv-Kohärenz. Wie das Leitmotiv der Leidenschaft in Berlioz' Fantastischer Symphonie oder das Leitmotiv des "Schicksals" in Tschaikowskys Symphonien, so dient das Thema der Einleitung der pathetischen Sonate als Leitmotiv in ihrem ersten Teil und kehrt zweimal zu jenen zurück, die den emotionalen Kern bilden. Das Wesen der Graxe liegt im Aufeinanderprallen – im Wechsel widersprüchlicher Prinzipien, was bereits in den ersten Takten der Sonate op. 10 Nr. 1. Aber hier ist der Kontrast noch stärker, und seine Entwicklung ist viel monumentaler. Die Einleitung der pathetischen Sonate ist ein Meisterwerk der Tiefe und logischen Kraft von Beethovens Denken, gleichzeitig sind die Intonationen dieser Einleitung so ausdrucksstark, so prominent, dass sie Worte hinter sich zu verbergen scheinen, als plastische musikalische Formen dienen spirituelle Bewegungen. Im Allegro der pathetischen Sonate ist bei einiger Ähnlichkeit der Grundlagen jedoch eine andere Lösung gegeben, es entsteht ein anderes Bild als im Traum Nr. 3 op. 10. Es gab Hingabe an die Kraft des gemessenen Laufens, sich schnell ändernder Eindrücke. Die Bewegung selbst unterliegt hier einer beispiellos geballten, erfahrungsgesättigten Emotion. Allegro ist in seiner Struktur konzentrierter Emotion von Erfahrung durchdrungen. CH. der Teil (16-Takt-Periode) endet mit einer halben Kadenz; darauf folgt ein wiederholter viertaktiger Zusatz, worauf eine verbindende Episode folgt, die auf dem Material von Ch.p. und führt zu einem Anschlag auf der dominanten Parallele zum Dur.

Jedoch, das Spiel beginnt nicht im parallelen Dur, sondern in dessen Minor mit dem gleichen Namen(e-Moll). Dies ist das Verhältnis der Töne. Stimmen - in c-Moll und e-Moll - unter den Klassikern ist völlig ungewöhnlich. Nach einem sanften, melodiösen Beat. n., dargelegt vor dem Hintergrund der Viertelbewegung, wird abgeschlossen. die Sendung. (in E-Dur) kehrt wieder zum Achtelsatz zurück und hat einen peppig ungestümen Charakter. Es folgt eine wiederholte 4-Takt-Zugabe, aufgebaut auf dem Material von Ch.p.

Die Exposition endet nicht tonal, sondern wird durch einen Stopp auf dem D-dominanten Quintsex-Akkord (fa #, - la - do - re) unterbrochen. Beim Übergang zur Entwicklung wird es erneut wiederholt. Nach der Fermate kommt (in g-Moll) die Durchführung.

Kühne Registerwürfe am Ende der Exposition spiegeln die temperamentvolle Bandbreite von Beethovens Klavierspiel wider.

Es ist äußerst natürlich, dass die Geburt solcher Musik und kriegerischer Rassen einen so reichen und konkreten Inhalt hatte.

Die Ausstellung ist vorbei, und jetzt klingt und verklingt das Leitmotiv „Rock“ wieder

Die Entwicklung ist prägnant, prägnant, führt aber neue emotionale Details ein.

Der Sprung wird fortgesetzt, aber er klingt leichter, und die Intonationen der Bitte (V. 140 usw.), die der Anweisung entlehnt sind, werden darin verkeilt. Dann scheinen alle Geräusche zu verhallen, zu dämmern, sodass nur noch ein dumpfes Summen zu hören ist.

Der Beginn der Reprise (V. 195), die mit Variationen, Erweiterungen und Kontraktionen der Expositionsmomente wiederholt wird. In der Wiederholung - Folge ich po. Teile sind in der Tonart S (f moll) und im II-ten - im Hauptsystem (in Moll) Zakl festgelegt. P. bricht plötzlich mit einem Stopp bei mind.7 ab (fa #-la-do-mi b) - (eine Technik, die oft bei Bach zu finden ist)

Nach der Fermate einer solchen „Oper“ Um 7 (T 294) erklingt in der Coda erneut das Leitmotiv der Einleitung (jetzt wie aus der Vergangenheit, wie eine Erinnerung) und der erste Teil endet mit einer willensstarken Formel von leidenschaftliche Bestätigung.

Teil II Adagio - Schön in ihrer edlen Prostata. Die Klangfülle dieses Satzes nähert sich der eines Streichquartetts. Adagio ist in komplexer 3-stimmiger Form mit verkürzter Reprise geschrieben. GL. der Artikel hat eine 3-teilige Struktur; endet mit einer vollen perfekten Kadenz in der Hauptstimmung (A B-Dur)

Bemerkenswert sind die innovativen Eigenschaften von Adagio - hier werden Wege gefunden, ruhige, durchdringende Emotionen auszudrücken. Die mittlere Episode ist wie ein Dialog zwischen der Oberstimme und dem Bass in As molle.

Reprise - Rückkehr zu As dur. abgekürzt, besteht nur aus dem wiederholten I-ten Satz von Kap. und endet mit einem 8-taktigen Zusatz mit einer neuen Melodie in der Oberstimme, wie es oft bei Beethoven am Ende großer Konstruktionen der Fall ist.

Das III-Finale-Rondo ist im Grunde das erste Finale in Beethovens Klaviersonaten, das ganz organisch die Besonderheit der Rondoform mit Dramatik verbindet. Das Finale der pathetischen Sonate ist ein weit entwickeltes Rondo, dessen Musik dramatisch zielstrebig ist, reich an Entwicklungselementen, ohne Merkmale selbstgenügsamer Variation und Verzierung. Es ist unschwer zu verstehen, warum Beethoven nicht gleich zu einer ähnlichen, dynamisch ansteigenden Konstruktion gelangte. Seine Sonaten-symphonischen Formen. Das Vermächtnis von Haydn und Mozart insgesamt konnte Beethoven nur eine viel isoliertere Interpretation von Teilen der Sonaten-Symphonie und insbesondere ein viel „suitenartigeres“ Verständnis des Finales als schnelle (meist fröhliche) Satz, der die Sonate eher formal als Ganzes abschließt - kontrastreich als handlungsorientiert. .

Es ist unmöglich, die bemerkenswerten intonatorischen Qualitäten des Themas des Finales zu bemerken, in dem die Emotionen ergreifender poetischer Traurigkeit erklingen. Der allgemeine Charakter des Finales tendiert sicherlich zu eleganten, leichten, aber leicht verstörenden pastoralen Bildern, die aus Intonationen entstehen. Volkslied, Hirtenlieder, Wasserrauschen usw.

In der Fugenepisode (V. 79) tauchen Intonationen des Tanzes auf, sogar ein kleiner Sturm wird gespielt, der sich schnell legt.

Der pastorale, elegant-plastische Charakter der Rondomusik war vermutlich das Ergebnis einer gewissen Intention Beethovens, den Leidenschaften des ersten Satzes Elemente der Beschwichtigung entgegenzusetzen. Immerhin beschäftigte das Dilemma der leidenden, kriegerischen Menschheit und der menschenfreundlichen, fruchtbaren Natur bereits Beethovens Bewusstsein stark (später wurde es typisch für die Kunst der Romantik). Wie kann man dieses Problem lösen? In seinen frühen Sonaten war Beethoven mehr als einmal geneigt, unter dem Schutz des Himmels, zwischen Wäldern und Feldern, Zuflucht vor den Stürmen des Lebens zu suchen. Dieselbe Tendenz, seelische Wunden zu heilen, ist auch im Finale der Sonate Nr. 8 spürbar.

Im Code - neue Ausgabe gefunden. Ihre willensstarke Intonation zeigt, dass er selbst im Schoß der Natur zum wachen Kampf, zum Mut aufruft. Die letzten Takte des Finales lösen sozusagen die Ängste und Unruhen auf, die durch die Einführung des ersten Satzes verursacht wurden. Hier für die schüchterne Frage „Wie soll ich sein?“ gefolgt von einer selbstbewussten Antwort einer mutigen, strengen und unflexiblen Behauptung eines willensstarken Anfangs.

Abschluss.

Natürlich konnte Beethoven viel von seinen Vorgängern lernen – vor allem von Sebastian Bach, Haydn und Mozart.

Die außergewöhnliche intonatorische Wahrhaftigkeit Bachs mit der bisher unbekannten Kraft der Intonation der menschlichen Sprache, die sich im Werk der menschlichen Stimme widerspiegelt; volkstümlicher Wohlklang und tänzerischer Haydn, sein poetisches Naturgefühl; Platonizität und subtile Emotionspsychologie in Mozarts Musik – all das wird von Beethoven weithin wahrgenommen und umgesetzt. Gleichzeitig ging Beethoven auf dem Weg des Realismus musikalischer Bilder viele entscheidende Schritte voran, indem er sich sowohl um die Umsetzung der Intonationen als auch um den Realismus der Logik kümmerte.

Der Intonationsfundus von Beethovens Klaviersonaten ist sehr umfangreich, zeichnet sich aber durch außergewöhnliche Einheit und Harmonie aus, die Intonationen der menschlichen Sprache, in ihrem vielseitigen Reichtum, Naturklänge aller Art, Militär- und Jagdfanfaren, Hirtenstimmen, Rhythmen und Grollen Schritte, kriegerische Rassen, schwere Bewegungen der Menschenmassen - all dies und noch viel mehr (natürlich in musikalischer Umdenkung) flossen in Beethovens Festungssonaten in den intonatorischen Hintergrund und dienten als Elemente zur Konstruktion realistischer Bilder. Als Sohn seiner Zeit, als Zeitgenosse der Revolutionen und Kriege gelang es Beethoven bravourös, die wesentlichsten Elemente im Kern seines Intonationsfundus zu bündeln und ihnen eine verallgemeinernde Bedeutung zu geben. Konsequent und systematisch die Intonationen eines Volksliedes verwendend, zitierte Beethoven sie nicht, sondern machte sie zum Grundstoff für die komplexen, verzweigten figurativen Konstruktionen seines philosophischen Schaffens. Ungewöhnliche Stärke der Erleichterung.

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