Tivadar Chontvari-Kostka. „Der alte Fischer“

Mir scheint, dass die Schicksale des ungarischen Künstlers Chontvari (Tivadar Kostka) und des georgischen Klassikers Niko Pirosmani () in vielerlei Hinsicht ähnlich sind, mit der Ausnahme, dass Chontvari keine allumfassende Liebe zu Margarita hegte. Auch er wurde zu Lebzeiten nicht erkannt, er galt ebenfalls als verrückt und starb ebenfalls in Armut... Allerdings das Wichtigste zuerst.

Landschaft bei Sonnenuntergang, 1899

Franz Liszt – Ungarische Rhapsodie (Spanisch Denis Matsuev)

Tivadar Kostka Csontvari wurde 1853 im kleinen ungarischen Dorf Kisseben geboren. Sein Vater Laszlo Kostka war Arzt und Apotheker. Tivadar und seine fünf Brüder wussten von Kindheit an, dass sie die Arbeit ihres Vaters fortsetzen würden. Doch bevor er Pharmakologie studierte, absolvierte Kostka das Gymnasium in der Stadt Ungvar (heute Uzhgorod), arbeitete einige Zeit als Verkäufer, besuchte dann Vorlesungen an der juristischen Fakultät, wurde dann erst Apotheker und arbeitete als solcher 14 Jahre.

Ostbahnhof bei Nacht, 1902

Tivadar begann seine Karriere als Künstler im Jahr 1880. Eines Herbsttages, während er in einer Apotheke arbeitete, schaute er aus dem Fenster, nahm mechanisch einen Bleistift und ein Rezeptformular zur Hand und begann zu zeichnen. Es war nichts Abstraktes – ein vorbeifahrender Karren wurde auf Papier festgehalten. Der Besitzer der Apotheke, der das Gemälde sah, lobte Chontvari und sagte, dass der Künstler erst heute geboren wurde. Später, am Ende seines Lebens, sagte Tivadar selbst in seiner auf seine charakteristische mystische und prophetische Weise verfassten Autobiografie, in der er beschrieb, was passiert war, dass er eine Vision gehabt habe. Dies war es, was Tivadar sein Schicksal vor Augen führte – ein großer Maler zu werden.

Ölberg in Jerusalem, 1905

Zunächst ging Tivadar Familienbetrieb Vater und eröffnete seine eigene Apotheke in der Stadt Gac im Norden Ungarns. Zehn Jahre lang arbeitete er weiterhin in einer Apotheke, um finanzielle Unabhängigkeit zu erlangen und das nötige Kapital für Kreativität anzusammeln. Gleichzeitig begann er, Stofftiere zu skizzieren und menschliche Figuren zu zeichnen. Bereits im Frühjahr 1881 sammelte Kostka Geld, um nach Italien zu reisen und sich Raffaels Gemälde anzusehen. In seinen Notizen nach dem Besuch der Vatikanischen Museen schrieb er: „Ich habe dort keine lebendige Natur gesehen, Raffael hat nicht die Sonne, nach der ich strebe ...“

Mandelblüte (italienische Landschaft), um 1901

Erst Mitte der 1890er Jahre begann Chontvari mit der Malerei, 1894 überließ er die Apotheke seinen Brüdern und kam im März nach München. In vielen Quellen wird der Künstler als Autodidakt bezeichnet, aber er studierte Malerei und das bei guten Lehrern. In München studiert Kostka an der privaten Kunstschule seines Landsmanns, des berühmten ungarischen Künstlers Szymon Hollosy, der zehn Jahre jünger war als sein Schüler. Sie wurden durch die von Hollosy vertretene Idee zusammengebracht, dass „die ungarische Kunst nur auf ihrem Heimatboden, unter dem ungarischen Himmel, in der Kommunikation mit dem wiedererstarkten Volk wirklich national werden kann.“

Highland Street (Häuser), um 1895

Während der „Münchner Zeit“ malte Kostka Porträts, und es wird festgestellt, dass sie „ein Gefühl der Traurigkeit und Hoffnungslosigkeit zeigen, sie liegen außerhalb des Rahmens seines Schaffens.“ Es heißt, dass der Künstler, als er ein Porträt des berühmten Münchner Models Wertmüller malte, das Werk betrachtete und ausrief: „Ich posiere seit fast siebzehn Jahren, aber noch nie hat es jemand geschafft, mich so zu zeichnen!“ Während seines Studiums malte der Künstler übrigens mehrere Porträts; später interessierte er sich nicht mehr für dieses Genre.

Frau sitzt am Fenster, 1890er Jahre

Nach München setzte Tivadar sein Studium in Karlsruhe im Atelier des Künstlers Friedrich Kallmorgen fort. Historiker weisen darauf hin, dass der Künstler zu dieser Zeit ein angenehmes Leben führte, da er für seine Gemälde teure belgische Leinwände kaufte. Die einzige „Unannehmlichkeit“ bestand darin, dass der Künstler die Gemälde aufgerollt von seinen Reisen mitbrachte; die in einer dicken Schicht aufgetragene Farbe riss oft auf und Tivadar musste seine Werke regelmäßig restaurieren. Er unternahm auch Reisen nach Rom und Paris.

Angeln in Castellammare, 1901

Das Studium brachte Tivadar keine Befriedigung. Der Künstler ignorierte alle Regeln der Kunst und widersetzte sich mit seinen Gemälden allen Versuchen, ihn als naiven Maler zu betrachten. Im Jahr 1895 unternahm der Künstler eine Reise durch Dalmatien und Italien, wo er Landschaften malte, in denen Wasser, Feuer und Erde vorhanden sein müssen. Dies ist am Beispiel eines davon zu sehen Berühmte Werke Künstler namens „Castellamare di Stabia“. Dies ist der Name einer Stadt unweit von Neapel, die an der Stelle des antiken Stabiae entstand, das am 24. August 79 zusammen mit Pompeji und Herculaneum durch den Ausbruch des Vesuvs zerstört wurde. An der Stelle der antiken Siedlung befindet sich die italienische Stadt Castellammare di Stabia, die aus dem Italienischen als „kleine Stabian-Festung am Meer“ übersetzt wird. Rechts im Bild stellt der Künstler eine sonnige Stadtstraße dar, durch die sich ein von einem Esel gezogener Karren bewegt, links hingegen ein turbulentes Meer vor einem herannahenden Sturm und in der Ferne der rauchende Vesuv.

Castellammare di Stabia, 1902

Neben Italien und Frankreich besuchte der Künstler Griechenland, Nordafrika und der Nahe Osten. In Griechenland zum Beispiel schrieben sie große Gemälde„Ruinen des griechischen Theaters in Taormina“ (1904-1905) und „Jupitertempel in den Ruinen von Athen“ (1904). Im Jahr 1900 änderte Tivadar seinen Nachnamen Kostka in das Pseudonym Chontvari.

Ruinen des griechischen Theaters in Taormina, 1904-1905

Insgesamt malte Chontvari über hundert Gemälde und mehr als zwanzig Zeichnungen. Die wichtigsten sind stilistisch dem Expressionismus nahe und entstanden zwischen 1903 und 1908. Beispielsweise wurde 1906 ein riesiges Gemälde „Baalbek“ gemalt – 7 x 4 Meter. Dies ist eines der „programmatischen“ Werke des Künstlers, in dem er versuchte, seine „Stadt der Sonne“ darzustellen. Kunstkritiker schreiben: „Hier vereinen sich Vergangenheit und Gegenwart. Es gab Leben, es gab Ruinen, es gab Erinnerung. Das Leben existiert, es geht weiter: Faule Kamele gehen irgendwohin und Menschen gehen.“

Baalbek, 1906

Im Jahr 1907 wurden Chontvaris Gemälde ausgestellt Internationale Ausstellung 1908 in Paris - in der Kunstgalerie in Budapest. In Paris schrieb ein berühmter amerikanischer Kunstkritiker über Chontvaris Gemälde: „Sie ließen alles zurück, was es zuvor in der Malerei gegeben hatte.“ Doch weder eine solche Beurteilung seines Werkes noch die anschließende Ausstellung in seiner Heimat brachten dem Künstler Ruhm oder Anerkennung.

Einsame Zeder, 1907

In den Jahren 1907-1908 besuchte Chontvari den Libanon, wo symbolische Gemälde gemalt wurden – „Einsame Zeder“, „Pilgerfahrt zu den Zedern des Libanon“ und „Der Brunnen der Jungfrau Maria in Nazareth“. Im letzten der genannten Gemälde stellte der Künstler sich selbst in Form eines Mannes dar, der aus einem Krug Wasser für einen Esel und Ziegen ausgießt.

Marienbrunnen in Nazareth, 1908

Chontvaris Gemälde wurden 1908 und 1910 in anderen europäischen Ländern ausgestellt, trugen aber auch nicht zu seinem Ruhm und seiner Anerkennung bei, auf die der Künstler so aufrichtig gehofft hatte. Darüber hinaus (und das war das Beleidigendste!) wurde das Werk des Künstlers in seiner Heimat nicht anerkannt. In Ungarn galt Csontwáry aufgrund seines seltsamen Verhaltens, seines asketischen Lebensstils und seiner Tendenz, bei der Kommunikation in einen prophetischen Ton zu verfallen, als Verrückter.

Blick auf die Stadt Banska Stiavnica am Horizont, 1902

Letztes Bild Der „Pferderitt am Meer“ des Künstlers (aus dem Ungarischen oft als „Spaziergang am Ufer“ übersetzt) ​​wurde 1909 in Neapel gemalt. Im selben Jahr wurde das Gemälde auf der Weltausstellung in Paris gezeigt und fast ein halbes Jahrhundert später, 1958, wurde dieses Werk auf der Ausstellung „50 Jahre zeitgenössische Kunst“ in Brüssel mit dem Hauptpreis ausgezeichnet.

Ausritt am Meer, 1909

Im Jahr 1910 hörte Chontvari praktisch auf zu malen, da die Krankheitsschübe immer schwerwiegender wurden. Historiker stellen zwar fest, dass es Versuche gab, etwas Neues zu malen, aber der Künstler vollendete nie ein einziges Werk. Er gründete nie eine Familie und kommunizierte nur gelegentlich mit seiner Schwester (über das Schicksal seiner Brüder ist nichts bekannt). Chontvari beschäftigte sich mit der Restaurierung alter Werke und träumte immer noch von einer großen Ausstellung in seiner Heimat, nach der er wirklich geschätzt werden würde.

Schaffhausenfälle, 1903

Der Künstler wollte eine eigene Galerie eröffnen, in der er Gemälde ausstellen konnte, für diese Galerie zeichnete er sogar einen Entwurf. Er führte einen asketischen Lebensstil und aß nur Gemüse und Obst. Bis zu seinem Lebensende blieb er ein Anhänger der Monarchie und ein großer Bewunderer des Kaisers von Österreich und seit 1848 malte der König von Ungarn, Franz Joseph I. Csontvary, sogar ein Porträt des Kaisers, wie die Legende besagt Als Franz Joseph eine Erkältung bekam, schickte ihm der Künstler ein Telegramm, in dem er seine Apothekenempfehlungen darlegte: Was sollte er wann und wie einnehmen?

Stadt am Meer, ca. 1902

IN letzten Jahren Auch Chontvari nahm das Leben in Angriff literarische Tätigkeit, verfasste er die Broschüre „Energie und Kunst, die Fehler des zivilisierten Menschen“ und die Studie „Genius. Wer kann ein Genie sein und wer nicht? Historiker betonen, dass Chontvari ein egozentrischer Mensch war, mit dem man nur schwer kommunizieren konnte und der bis zu seinem Lebensende von seiner messianischen Bestimmung überzeugt blieb. Bemerkenswert ist, dass der Künstler zu seinen Lebzeiten kein einziges seiner Gemälde verkaufte. Csontváry starb 1919 im Alter von sechzig Jahren in Budapest und wurde auf dem Kerepesi-Friedhof beigesetzt.

Frühling in Mostar, 1903

Nach Chontvaris Tod wollte seine Schwester die Gemälde verkaufen; sie wandte sich an Museumsmitarbeiter, die ihr versicherten, dass die Gemälde keinen Wert hätten. Aber meine Schwester kam zu dem Schluss, dass die Leinwände Geld wert sein könnten, auch wenn die Bilder „schmierig“ seien. Also schrieb sie eine Anzeige über den Verkauf aller Gemälde ihres Bruders. Viele Quellen schreiben, dass die Gemälde in großen Mengen von einem unbekannten Sammler gekauft wurden, aber später wurde der Name der Person bekannt, dank der man Csontvarys Gemälde heute in ungarischen Museen sehen kann. Das ist der Architekt Gedeon Gerlotsi. Und die Geschichte der Beinahe-Rettung der Gemälde ist einfach fantastisch.

Schiffbruch, 1903

Nach seinem Abschluss an der Akademie suchte Gerlotsi nach einer Mietmöglichkeit für ein Haus in Budapest. Eines Tages ging er die Straße entlang, in der sich Chontvaris Werkstatt befand, und sah eine Anzeige für den Verkauf von Gemälden und eines davon an der Wand lehnen. Gerlotsi erinnerte sich später, dass das Gemälde, als er am Haus vorbeiging, durch einen Windstoß herunterfiel. Dies war die berühmte „Lone Cedar“. Am nächsten Tag kaufte Gerlotsi alle Gemälde und setzte einen Preis fest, der etwas höher war als der seines Nachbarn, eines Trödelhändlers, der beim Verkauf anwesend war. Viele Jahre lang bewahrte Gerlotsi die Bilder aufgerollt in einer Truhe auf. Als der Architekt anfing, an der Schule zu unterrichten Bildende Kunst Nach Budapest transportierte und platzierte er dort die größten Leinwände. 1949 nahm Gerlotsi mit Csontvaris Gemälden an Ausstellungen in Paris und Brüssel teil.

Mandelblüten in Taormina, um 1902

Am Grab von Chontvari steht ein Denkmal – ein Bronzekünstler mit einem Pinsel in der linken Hand. Auch seine Geschichte ist interessant. Nach ungarischem Recht werden die sterblichen Überreste des Verstorbenen in ein Gemeinschaftsgrab umgebettet, wenn die Angehörigen 50 Jahre nach dem Tod den Friedhofsmitarbeitern für die weitere Grabpflege nicht zahlen. Schon zu seinen Lebzeiten betrachteten Chontvaris Verwandte ihn als einen „nicht von dieser Welt“-Exzentriker, der wer weiß was zeichnete. Die Erben kümmerten sich nicht um das Grab, auch Historiker und Museumsmitarbeiter befassten sich nicht mit seinem Werk, weshalb die sterblichen Überreste des Künstlers 1970 landeten. gemeinsames Grab. Aber zufällig begann das Interesse am Erbe des Künstlers ab den frühen 1970er Jahren zu wachsen, und so geschah dies 1979, am 60. Todestag des Künstlers Bronzedenkmal, und eine Kopie davon wurde vor dem sechs Jahre zuvor eröffneten Museum des Künstlers in Pec aufgestellt.

Denkmal am Grab von Chontvari

Die Entstehung des Museums verdanken wir seinem Direktor Zoltan Fülöp, der ein Fan von Csontvaris Werken war und seine Gemälde sammelte. Das Chontvari-Museum befindet sich in einem zweistöckigen Herrenhaus aus dem 19. Jahrhundert. Gerloci schenkte Fülöp fast seine gesamte Gemäldesammlung von Csontvari, und zwei Jahre nach der Eröffnung des Museums starb der Architekt. Historiker weisen darauf hin, dass er, obwohl er viele Gebäude in der ungarischen Hauptstadt schuf, als der Mann in die Geschichte der ungarischen Kunst einging, der das Erbe von Csontvary rettete.

Am Eingang zur Klagemauer in Jerusalem, 1904

Die Hauptwerke des Künstlers werden selbstverständlich im Ungarischen ausgestellt Nationalgallerie. Zusammen mit denen, die im Künstlermuseum in der Stadt Pécs dauerhaft ausgestellt sind, sind es fast 130 Stück. Historiker entdeckten etwa 25 Gemälde des Künstlers in Privatsammlungen. Viele Werke verschwanden während des Zweiten Weltkriegs, einige wurden im Gegenteil auf unerwartete Weise wiedergefunden. Sie sagen, dass eine Person, die sich zurückgekauft hat Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert in der Apotheke Chontvari, fand mehrere dort zurückgebliebene Zeichnungen und Gemälde und legte sie alle auf dem Dachboden ab; Mitte des 20. Jahrhunderts wurden sie in Berlin entdeckt.

Wasserfall in Egg, 1903

Bis vor Kurzem kannten nur wenige Menschen, die sich für Malerei interessierten, den Namen Tivadar Kostka (Chontvari). Über den vor fast 100 Jahren in Armut verstorbenen Maler, der ebenfalls als verrückt galt, kam man erst vor Kurzem ins Gespräch. Tatsache ist, dass einer der Mitarbeiter des Stadtmuseums von Pecs beim Betrachten des Gemäldes „ Alter Fischer„(1902) entdeckte, dass man zwei erhält, wenn man die Leinwand mit einem vertikalen Spiegel in zwei Hälften teilt verschiedene Bilder! Es stellt sich heraus, dass das Gemälde nicht nur einen alten Fischer darstellt, sondern den Herrn selbst in Form eines weißbärtigen alten Mannes, hinter dem sich ein Berg und ein ruhiges Meer erhebt, und gleichzeitig Satan, der Teufel, vor dem Hintergrund stürmische Wellen. Dieses Detail interessierte nicht nur viele Kunstkritiker, sondern auch normale Menschen. Sie begannen über die geheime Mystik des Werkes zu sprechen, die Einstellung dazu kreatives Erbe Ungarischer Künstler.

Alter Fischer, 1902

Hier ist eine anderthalb Jahrhunderte lange Geschichte verbunden mit einem der originellsten ungarischen Maler. Natürlich kann man über seine Arbeit streiten, man kann sie kritisieren oder nicht akzeptieren, aber es scheint mir, dass selbst ein einfacher Laie beim Betrachten von Chontvaris Gemälden sagen wird: „Da ist etwas drin!“

Römische Brücke in Mostar, 1903

Zrinyi startet den letzten Angriff, 1903

Tempelplatz mit Blick auf das Tote Meer, Jerusalem, 1906

Großes Tarpatak-Tal in der Tatra

Kompanie beim Überqueren einer Brücke, 1904

Coaching in Athen bei Neumond, 1904

Fast jedes bedeutende Kunstwerk enthält ein Mysterium, einen „Doppelboden“ oder geheime Geschichte, was ich verraten möchte.

Musik auf dem Gesäß

Hieronymus Bosch, „Der Garten“ irdische Freuden", 1500-1510.

Fragment eines Teils eines Triptychons

Streitigkeiten über Bedeutungen und verborgene Bedeutungen bekanntestes Werk Niederländischer Künstler sind seit ihrem Erscheinen nicht abgeklungen. Der rechte Flügel des Triptychons mit dem Titel „Musikalische Hölle“ zeigt Sünder, die mit Hilfe von Folter in der Unterwelt gefoltert werden Musikinstrumente. Einer von ihnen hat Musiknoten auf seinem Gesäß eingeprägt. Amelia Hamrick, Studentin der Oklahoma Christian University, die das Gemälde studierte, übersetzte die Notation aus dem 16. Jahrhundert in moderner Stil und nahm „ein 500 Jahre altes Arschlied aus der Hölle“ auf.

Nackte Mona Lisa

Die berühmte „La Gioconda“ existiert in zwei Versionen: Die nackte Version heißt „Monna Vanna“ und wurde von ihr geschrieben wenig bekannter Künstler Salai, der ein Schüler und Vorbild des großen Leonardo da Vinci war. Viele Kunsthistoriker sind sich sicher, dass er das Vorbild für Leonardos Gemälde „Johannes der Täufer“ und „Bacchus“ war. Es gibt auch Versionen, dass Salai, gekleidet in ein Frauenkleid, als Abbild der Mona Lisa selbst diente.

Alter Fischer

Im Jahr 1902 malte der ungarische Künstler Tivadar Kostka Csontvary das Gemälde „Der alte Fischer“. Es scheint, dass das Bild nichts Ungewöhnliches enthält, aber Tivadar hat einen Untertext hineingelegt, der zu Lebzeiten des Künstlers nie enthüllt wurde.

Nur wenige Menschen dachten daran, einen Spiegel in der Mitte des Bildes zu platzieren. In jeder Person kann es sowohl Gott (die rechte Schulter des Alten Mannes ist dupliziert) als auch den Teufel (die linke Schulter des Alten Mannes ist dupliziert) geben.

Gab es einen Wal?

Hendrik van Antonissen, Uferszene.

Es scheint so, gewöhnliche Landschaft. Boote, Menschen am Ufer und ein verlassenes Meer. Und erst eine Röntgenuntersuchung ergab, dass sich Menschen aus einem bestimmten Grund am Ufer versammelten – im Original betrachteten sie den Kadaver eines an Land gespülten Wals.

Der Künstler entschied jedoch, dass niemand einen toten Wal sehen wollte, und schrieb das Gemälde neu.

Zwei „Frühstücke auf der Wiese“

Edouard Manet, „Mittagessen im Gras“, 1863.

Claude Monet, „Mittagessen im Gras“, 1865.

Die Künstler Edouard Manet und Claude Monet werden manchmal verwechselt – schließlich waren sie beide Franzosen, lebten zur gleichen Zeit und arbeiteten im Stil des Impressionismus. Monet übernahm sogar den Titel eines von Manets berühmtesten Gemälden, „Mittagessen im Gras“, und schrieb sein eigenes „Mittagessen im Gras“.

Doppelt beim Letzten Abendmahl

Leonardo da Vinci, „Das letzte Abendmahl“, 1495-1498.

Als Leonardo da Vinci schrieb: „ das letzte Abendmahl„Er legte besonderen Wert auf zwei Figuren: Christus und Judas. Er hat sehr lange nach Modellen für sie gesucht. Schließlich gelang es ihm, bei den jungen Sängern ein Vorbild für das Christusbild zu finden. Leonardo konnte drei Jahre lang kein Vorbild für Judas finden. Doch eines Tages traf er auf der Straße auf einen Trunkenbold, der in einer Dachrinne lag. Er war ein junger Mann, der durch starken Alkoholkonsum gealtert war. Leonardo lud ihn in eine Taverne ein, wo er sofort begann, Judas von ihm zu malen. Als der Trunkenbold zur Besinnung kam, erzählte er dem Künstler, dass er bereits einmal für ihn posiert hatte. Vor einigen Jahren, als er im Kirchenchor sang, malte Leonardo Christus von ihm.

„Nachtwache“ oder „Tageswache“?

Rembrandt, „ Die Nachtwache", 1642.

Eines von Rembrandts berühmtesten Gemälden, „Der Auftritt der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenburg“, hing etwa zweihundert Jahre lang in verschiedenen Räumen und wurde erst im 19. Jahrhundert von Kunsthistorikern entdeckt. Da die Figuren vor einem dunklen Hintergrund zu erscheinen schienen, wurde sie „Nachtwache“ genannt und gelangte unter diesem Namen in die Schatzkammer der Weltkunst.

Und erst bei der Restaurierung im Jahr 1947 stellte sich heraus, dass das Gemälde im Saal mit einer Rußschicht bedeckt war, die seine Farbe verfälschte. Nach der Räumung des Originalgemäldes stellte sich schließlich heraus, dass die von Rembrandt dargestellte Szene tatsächlich tagsüber spielt. Die Position des Schattens von Kapitän Koks linker Hand zeigt, dass die Aktionsdauer nicht mehr als 14 Stunden beträgt.

Umgestürztes Boot

Henri Matisse, „Das Boot“, 1937.

Henri Matisses Gemälde „Das Boot“ wurde 1961 im New Yorker Museum of Modern Art ausgestellt. Erst nach 47 Tagen bemerkte jemand, dass das Gemälde verkehrt herum hing. Die Leinwand zeigt 10 violette Linien und zwei blaue Segel auf weißem Hintergrund. Der Künstler hat aus einem bestimmten Grund zwei Segel gemalt: Das zweite Segel ist eine Spiegelung des ersten auf der Wasseroberfläche.
Um bei der Aufhängung des Bildes keinen Fehler zu machen, müssen Sie auf die Details achten. Das größere Segel sollte sich oben auf dem Gemälde befinden und die Spitze des Segels des Gemäldes sollte sich in der oberen rechten Ecke befinden.

Täuschung im Selbstporträt

Vincent van Gogh, „Selbstbildnis mit Pfeife“, 1889.

Es gibt Legenden, dass Van Gogh sich angeblich das Ohr selbst abgeschnitten haben soll. Die zuverlässigste Version besagt nun, dass van Gogh sich bei einer kleinen Schlägerei, an der ein anderer Künstler, Paul Gauguin, beteiligt war, sein Ohr verletzte.

Das Selbstporträt ist interessant, weil es die Realität in verzerrter Form widerspiegelt: Der Künstler ist mit verbundenem rechten Ohr dargestellt, weil er bei der Arbeit einen Spiegel benutzte. Tatsächlich war das linke Ohr betroffen.

Außerirdische Bären

Ivan Shishkin, „Morgen im Kiefernwald“, 1889.

Das berühmte Gemälde gehört nicht nur Shishkin. Viele miteinander befreundete Künstler griffen oft auf „die Hilfe eines Freundes“ zurück, und Iwan Iwanowitsch, der sein ganzes Leben lang Landschaften malte, hatte Angst, dass seine berührenden Bären nicht so werden würden, wie er es wollte. Deshalb wandte sich Shishkin an seinen Freund, den Tierkünstler Konstantin Savitsky.

Savitsky zeichnete vielleicht die besten Bären der Geschichte Russische Malerei, und Tretjakow befahl, seinen Namen von der Leinwand zu waschen, da alles auf dem Gemälde „vom Konzept bis zur Ausführung alles über die Art des Malens spricht, über kreative Methode, charakteristisch für Shishkin.“

Die unschuldige Geschichte von „Gothic“

Grant Wood, „ Amerikanische Gotik", 1930.

Grant Woods Werk gilt als eines der seltsamsten und deprimierendsten in der Geschichte der amerikanischen Malerei. Das Bild mit dem düsteren Vater und der Tochter ist voller Details, die auf die Strenge, den Puritanismus und die Rückschrittlichkeit der dargestellten Menschen hinweisen.
Tatsächlich hatte der Künstler nicht die Absicht, irgendwelche Schrecken darzustellen: Während einer Reise nach Iowa fiel ihm ein kleines Haus in auf Gothic Style und beschloss, diejenigen Menschen darzustellen, die seiner Meinung nach als Bewohner ideal wären. Grants Schwester und sein Zahnarzt sind als die Charaktere verewigt, die die Iowaner so beleidigten.

Salvador Dalis Rache

Das Gemälde „Figur am Fenster“ entstand 1925, als Dali 21 Jahre alt war. Zu diesem Zeitpunkt war Gala noch nicht in das Leben des Künstlers getreten und seine Muse war seine Schwester Ana Maria. Die Beziehung zwischen Bruder und Schwester verschlechterte sich, als er in einem der Gemälde schrieb: „Manchmal spucke ich auf das Porträt meiner eigenen Mutter, und das macht mir Freude.“ Ana Maria konnte solch ein schockierendes Verhalten nicht verzeihen.

In ihrem 1949 erschienenen Buch Salvador Dali Through the Eyes of a Sister schreibt sie über ihren Bruder, ohne ihn zu loben. Das Buch machte Salvador wütend. Weitere zehn Jahre danach erinnerte er sich bei jeder Gelegenheit wütend an sie. Und so erschien 1954 das Gemälde „Eine junge Jungfrau, die sich mit Hilfe der Hörner ihrer eigenen Keuschheit der Sünde der Sodomie hingibt“. Die Pose der Frau, ihre Locken, die Landschaft vor dem Fenster und die Farbgebung des Gemäldes erinnern deutlich an „Figur am Fenster“. Es gibt eine Version, dass Dali sich für ihr Buch an seiner Schwester gerächt habe.

Danae mit zwei Gesichtern

Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae“, 1636 – 1647.

Viele Geheimnisse eines der berühmtesten Gemälde Rembrandts wurden erst in den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts gelüftet, als die Leinwand mit Röntgenstrahlen beleuchtet wurde. Beispielsweise zeigten die Dreharbeiten, dass in einer frühen Fassung das Gesicht der eintretenden Prinzessin zu sehen war Liebesaffäre Bei Zeus ähnelte es dem Gesicht von Saskia, der Frau des Malers, die 1642 starb. In der endgültigen Fassung des Gemäldes begann es dem Gesicht von Gertje Dirks zu ähneln, der Geliebten von Rembrandt, mit der der Künstler nach dem Tod seiner Frau zusammenlebte.

Van Goghs gelbes Schlafzimmer

Vincent Van Gogh, „Schlafzimmer in Arles“, 1888 – 1889.

Im Mai 1888 erwarb Van Gogh ein kleines Atelier in Arles im Süden Frankreichs, wohin er vor Pariser Künstlern und Kritikern floh, die ihn nicht verstanden. In einem der vier Zimmer richtet Vincent ein Schlafzimmer ein. Im Oktober ist alles fertig und er beschließt, „Van Goghs Schlafzimmer in Arles“ zu malen. Für den Künstler waren die Farbe und die Behaglichkeit des Raumes sehr wichtig: Alles musste Gedanken der Entspannung hervorrufen. Gleichzeitig ist das Bild in alarmierenden Gelbtönen gestaltet.

Forscher von Van Goghs Werk erklären dies damit, dass der Künstler Fingerhut einnahm, ein Mittel gegen Epilepsie, das zu gravierenden Veränderungen in der Farbwahrnehmung des Patienten führt: Die gesamte umgebende Realität wird in Grün- und Gelbtönen gemalt.

Zahnlose Perfektion

Leonardo da Vinci, „Porträt der Lady Lisa del Giocondo“, 1503 – 1519.

Die allgemein anerkannte Meinung ist, dass die Mona Lisa Perfektion ist und ihr Lächeln in seinem Geheimnis wunderschön ist. Allerdings glaubt der amerikanische Kunstkritiker (und Teilzeitzahnarzt) Joseph Borkowski, ihrem Gesichtsausdruck nach zu urteilen, dass die Heldin viele Zähne verloren hat. Beim Studium vergrößerter Fotos des Meisterwerks entdeckte Borkowski auch Narben um ihren Mund. „Sie „lächelt“ gerade wegen dem, was ihr passiert ist, so“, glaubt der Experte. „Ihr Gesichtsausdruck ist typisch für Menschen, die ihre Vorderzähne verloren haben.“

Hauptfach Gesichtskontrolle

Pavel Fedotov, „Major's Matchmaking“, 1848.

Das Publikum, das zum ersten Mal das Gemälde „Major's Matchmaking“ sah, lachte herzlich: Der Künstler Fedotov füllte es mit ironischen Details, die für das damalige Publikum verständlich waren. So kennt sich der Major offenbar nicht mit den Regeln der edlen Etikette aus: Er erschien ohne die erforderlichen Blumensträuße für die Braut und ihre Mutter. Und ihre Kaufmannseltern kleideten die Braut selbst in ein Abendballkleid, obwohl es Tag war (alle Lampen im Raum waren erloschen). Das Mädchen probiert offensichtlich zum ersten Mal ein tief ausgeschnittenes Kleid an, ist verlegen und versucht, in ihr Zimmer zu fliehen.

Warum ist Liberty nackt?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Freiheit auf den Barrikaden“, 1830.

Laut dem Kunstkritiker Etienne Julie hat Delacroix das Gesicht der Frau an die berühmte Pariser Revolutionärin angelehnt – die Wäscherin Anne-Charlotte, die nach dem Tod ihres Bruders durch königliche Soldaten auf die Barrikaden ging und neun Gardisten tötete. Der Künstler stellte sie mit nackten Brüsten dar. Nach seinem Plan ist dies ein Symbol für Furchtlosigkeit und Selbstlosigkeit sowie für den Triumph der Demokratie: Die nackte Brust zeigt, dass die Freiheit als Bürgerin kein Korsett trägt.

Nicht quadratisches Quadrat

Kasimir Malewitsch, „Schwarzer suprematistischer Platz“, 1915.

Tatsächlich ist „Schwarzes Quadrat“ überhaupt nicht schwarz und überhaupt nicht quadratisch: Keine der Seiten des Vierecks ist parallel zu einer seiner anderen Seiten und zu keiner der Seiten des quadratischen Rahmens, der das Bild umrahmt. A dunkle Farbe- Dies ist das Ergebnis der Mischung verschiedener Farben, darunter kein Schwarz. Es wird angenommen, dass dies nicht die Nachlässigkeit des Autors war, sondern eine prinzipielle Haltung, der Wunsch, eine dynamische, bewegende Form zu schaffen.

Spezialisten Tretjakow-Galerie entdeckte die Inschrift des Autors auf berühmtes Gemälde Malewitsch. Die Inschrift lautet: „Der Kampf der Schwarzen in der dunklen Höhle.“ Dieser Satz bezieht sich auf den Titel des humorvollen Gemäldes des französischen Journalisten, Schriftstellers und Künstlers Alphonse Allais, „Die Schlacht der Neger in einer dunklen Höhle mitten in der Nacht“, das ein komplett schwarzes Rechteck darstellte.

Melodram der österreichischen Mona Lisa

Gustav Klimt, „Porträt der Adele Bloch-Bauer“, 1907.

Eines der bedeutendsten Gemälde Klimts zeigt die Frau des österreichischen Zuckermagnaten Ferdinad Bloch-Bauer. Ganz Wien diskutierte über die stürmische Romanze von Adele und berühmter Künstler. Der verwundete Ehemann wollte sich an seinen Liebhabern rächen, entschied sich aber dafür Auf ungewöhnliche Art und Weise: Er beschloss, bei Klimt ein Porträt von Adele zu bestellen und ihn zu zwingen, Hunderte von Skizzen anzufertigen, bis der Künstler anfing, sich von ihr zu übergeben.

Bloch-Bauer wollte, dass das Werk mehrere Jahre hält, damit der Dargestellte sehen konnte, wie Klimts Gefühle nachließen. Er machte dem Künstler ein großzügiges Angebot, das er nicht ablehnen konnte, und alles verlief nach dem Szenario des betrogenen Mannes: Die Arbeit war in 4 Jahren abgeschlossen, die Liebenden hatten sich längst abgekühlt. Adele Bloch-Bauer wusste nie, dass ihr Mann sich ihrer Beziehung zu Klimt bewusst war.

Das Gemälde, das Gauguin wieder zum Leben erweckte

Paul Gauguin, „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“, 1897-1898.

Am meisten berühmtes Gemälde Gauguin hat eine Besonderheit: Es wird nicht von links nach rechts „gelesen“, sondern von rechts nach links, wie die kabbalistischen Texte, für die sich der Künstler interessierte. In dieser Reihenfolge entfaltet sich die Allegorie des menschlichen geistigen und körperlichen Lebens: von der Geburt der Seele (ein schlafendes Kind in der unteren rechten Ecke) bis zur Unvermeidlichkeit der Todesstunde (ein Vogel mit einer Eidechse in den Klauen). in der unteren linken Ecke).

Das Gemälde wurde von Gauguin in Tahiti gemalt, wo der Künstler mehrmals der Zivilisation entkam. Doch dieses Mal klappte das Leben auf der Insel nicht: Die völlige Armut führte zu einer Depression. Nachdem er das Gemälde fertiggestellt hatte, das sein geistliches Testament werden sollte, nahm Gauguin eine Schachtel Arsen und ging in die Berge, um zu sterben. Allerdings berechnete er die Dosis nicht und der Selbstmord scheiterte. Am nächsten Morgen schwankte er zu seiner Hütte und schlief ein, und als er aufwachte, verspürte er einen vergessenen Lebensdurst. Und im Jahr 1898 begann sich sein Geschäft zu verbessern und eine bessere Zeit für seine Arbeit begann.

112 Sprichwörter auf einem Bild

Pieter Bruegel der Ältere, „Niederländische Sprichwörter“, 1559

Pieter Bruegel der Ältere stellte ein Land dar, das von wörtlichen Bildern niederländischer Sprichwörter jener Zeit bewohnt war. Das Gemälde enthält etwa 112 erkennbare Redewendungen. Einige davon werden heute noch verwendet, zum Beispiel: „Schwimmen Sie gegen den Strom“, „schlagen Sie Ihren Kopf gegen die Wand“, „bis an die Zähne bewaffnet“ und „Große Fische fressen kleine Fische“.

Andere Sprichwörter spiegeln die menschliche Dummheit wider.

Subjektivität der Kunst

Paul Gauguin, „Bretonisches Dorf im Schnee“, 1894

Gauguins Gemälde „Bretonisches Dorf im Schnee“ wurde nach dem Tod des Autors für nur sieben Franken und noch dazu unter dem Namen „Niagarafälle“ verkauft. Der Mann, der die Auktion durchführte, hängte das Gemälde versehentlich verkehrt herum auf, weil er darin einen Wasserfall sah.

Verstecktes Bild

Pablo Picasso, „Blaues Zimmer“, 1901

Im Jahr 2008 enthüllte Infrarotstrahlung, dass sich unter dem Blauen Raum ein weiteres Bild verbarg – das Porträt eines Mannes im Anzug mit Fliege, dessen Kopf auf die Hand gestützt war. „Sobald Picasso es getan hatte neue Idee, er nahm den Pinsel auf und verkörperte ihn. Aber er hatte nicht die Möglichkeit, jedes Mal, wenn eine Muse ihn besuchte, eine neue Leinwand zu kaufen“, erklärt er möglicher Grund diese Kunstkritikerin Patricia Favero.

Nicht verfügbare Marokkaner

Zinaida Serebryakova, „Nackt“, 1928

Eines Tages erhielt Zinaida Serebryakova ein verlockendes Angebot – auf eine kreative Reise zu gehen, um die nackten Figuren orientalischer Mädchen darzustellen. Es stellte sich jedoch heraus, dass es an diesen Orten einfach unmöglich war, Models zu finden. Zinaidas Übersetzer kam zur Rettung – er brachte seine Schwestern und seine Verlobte zu ihr. Niemandem zuvor oder danach ist es gelungen, nackte, verschlossene orientalische Frauen einzufangen.

Spontane Einsicht

Valentin Serov, „Porträt von Nikolaus II. in einer Jacke“, 1900

Serow konnte lange Zeit kein Porträt des Zaren malen. Als der Künstler völlig aufgab, entschuldigte er sich bei Nikolai. Nikolai war etwas verärgert, setzte sich an den Tisch und streckte die Arme vor sich aus... Und dann dämmerte es dem Künstler – hier ist das Bild! Ein einfacher Militärmann in einer Offiziersjacke mit klaren und traurigen Augen. Dieses Porträt gilt als die beste Darstellung des letzten Kaisers.

Noch eine Zwei

© Fedor Reshetnikov

Das berühmte Gemälde „Deuce Again“ ist nur der zweite Teil einer künstlerischen Trilogie.

Der erste Teil lautet „Angekommen im Urlaub“. Offensichtlich eine wohlhabende Familie, Winterferien, ein fröhlicher, ausgezeichneter Student.

Der zweite Teil ist „A deuce again.“ Eine arme Familie aus den Randbezirken der Arbeiterklasse, auf dem Höhepunkt von Schuljahr, der niedergeschlagene Stunner, der sich erneut den Deuce schnappte. In der linken obere Ecke das Gemälde „Im Urlaub angekommen“ ist zu sehen.

Der dritte Teil ist „Nachprüfung“. Ein ländliches Haus, Sommer, alle gehen spazieren, ein bösartiger Ignorant, der die jährliche Prüfung nicht bestanden hat, ist gezwungen, in seinen vier Wänden zu sitzen und zu stopfen. In der oberen linken Ecke ist das Gemälde „Deuce Again“ zu sehen.

Wie Meisterwerke entstehen

Joseph Turner, Regen, Dampf und Geschwindigkeit, 1844

Im Jahr 1842 reiste Frau Simon mit dem Zug durch England. Plötzlich setzte ein heftiger Regenguss ein. Der ihr gegenüber sitzende ältere Herr stand auf, öffnete das Fenster, streckte den Kopf hinaus und starrte etwa zehn Minuten lang. Die Frau konnte ihre Neugier nicht zurückhalten, öffnete auch das Fenster und begann nach vorne zu schauen. Ein Jahr später entdeckte sie auf einer Ausstellung in der Royal Academy of Arts das Gemälde „Rain, Steam and Speed“ und konnte darin dieselbe Episode im Zug erkennen.

Anatomie-Lektion von Michelangelo

Michelangelo, „Die Erschaffung Adams“, 1511

Zwei amerikanische Neuroanatomie-Experten glauben, dass Michelangelo in einem seiner berühmtesten Werke tatsächlich einige anatomische Illustrationen hinterlassen hat. Sie glauben, dass die rechte Seite des Gemäldes ein riesiges Gehirn darstellt. Überraschenderweise lassen sich sogar komplexe Bestandteile finden, etwa das Kleinhirn, die Sehnerven und die Hypophyse. Und das auffällige grüne Band passt perfekt zur Lage der Wirbelarterie.

„Das letzte Abendmahl“ von Van Gogh

Vincent van Gogh, " Nachtterrasse Café“, 1888

Der Forscher Jared Baxter glaubt, dass Van Goghs Gemälde „Caféterrasse bei Nacht“ eine verschlüsselte Widmung an Leonardo da Vincis „Letztes Abendmahl“ enthält. In der Bildmitte steht ein Kellner mit lange Haare und in einer weißen Tunika, die an die Kleidung Christi erinnert, und um ihn herum sind genau 12 Cafébesucher. Baxter macht auch auf das Kreuz aufmerksam, das sich direkt hinter dem Kellner in Weiß befindet.

Dalis Bild der Erinnerung

Salvador Dali, „Die Beständigkeit der Erinnerung“, 1931

Es ist kein Geheimnis, dass die Gedanken, die Dali bei der Entstehung seiner Meisterwerke besuchten, stets in Form sehr realistischer Bilder vorlagen, die der Künstler dann auf die Leinwand übertrug. So entstand nach Angaben des Autors das Gemälde „Die Beständigkeit der Erinnerung“ als Ergebnis von Assoziationen, die beim Anblick von Schmelzkäse entstanden.

Worüber schreit Munch?

Edvard Munch, „Der Schrei“, 1893.

Munch erzählte, wie er auf die Idee zu einem der schönsten kam geheimnisvolle Gemälde in der Weltmalerei: „Ich ging mit zwei Freunden einen Weg entlang – die Sonne ging unter – plötzlich wurde der Himmel blutrot, ich blieb erschöpft stehen und lehnte mich an den Zaun – ich betrachtete das Blut und die Flammen über dem Bläulichen- Schwarzer Fjord und die Stadt – meine Freunde zogen weiter, und ich stand zitternd vor Aufregung und spürte, wie ein endloser Schrei die Natur durchdrang. Aber welcher Sonnenuntergang könnte den Künstler so sehr erschrecken?

Es gibt eine Version, dass die Idee zu „Der Schrei“ Munch im Jahr 1883 geboren wurde, als es zu mehreren gewaltigen Ausbrüchen des Krakatau-Vulkans kam – so heftig, dass sie die Temperatur der Erdatmosphäre um ein Grad veränderten. Große Mengen Staub und Asche breiten sich über den ganzen Globus aus und erreichen sogar Norwegen. Mehrere Abende hintereinander wirkten die Sonnenuntergänge, als stünde die Apokalypse bevor – einer davon wurde zur Inspirationsquelle für den Künstler.

Ein Schriftsteller unter den Menschen

Alexander Ivanov, „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“, 1837-1857.

Dutzende Dargestellte posierten für Alexander Iwanow für sein Hauptgemälde. Einer von ihnen ist nicht weniger bekannt als der Künstler selbst. Im Hintergrund ist zwischen Reisenden und römischen Reitern, die die Predigt Johannes des Täufers noch nicht gehört haben, eine Figur in einer Gewandtunika zu sehen. Ivanov hat es von Nikolai Gogol geschrieben. Der Schriftsteller stand in Italien in engem Kontakt mit dem Künstler, insbesondere in religiösen Fragen, und gab ihm während des Malprozesses Ratschläge. Gogol glaubte, dass Iwanow „seit langem für die ganze Welt gestorben ist, außer für sein Werk“.

Michelangelos Gicht

Raphael Santi, „Die Schule von Athen“, 1511.

Raffael schuf das berühmte Fresko „Die Schule von Athen“ und verewigte seine Freunde und Bekannten in den Bildern antiker griechischer Philosophen. Einer von ihnen war Michelangelo Buonarotti „in der Rolle“ des Heraklit. Mehrere Jahrhunderte lang bewahrte das Fresko Geheimnisse aus Michelangelos Privatleben, und moderne Forscher vermuten, dass das seltsam eckige Knie des Künstlers auf eine Gelenkerkrankung hinweist.

Dies ist angesichts der Besonderheiten des Lebensstils und der Arbeitsbedingungen von Renaissance-Künstlern und Michelangelos chronischer Arbeitssucht durchaus wahrscheinlich.

Spiegel des Ehepaares Arnolfini

Jan van Eyck, „Bildnis des Ehepaares Arnolfini“, 1434

Im Spiegel hinter dem Ehepaar Arnolfini sieht man das Spiegelbild zweier weiterer Personen im Raum. Höchstwahrscheinlich handelt es sich hierbei um Zeugen, die beim Vertragsabschluss anwesend waren. Einer von ihnen ist van Eyck, wie die entgegen der Tradition über dem Spiegel in der Mitte der Komposition angebrachte lateinische Inschrift beweist: „Jan van Eyck war hier.“ Auf diese Weise wurden üblicherweise Verträge besiegelt.

Wie aus einem Nachteil ein Talent wurde

Rembrandt Harmens van Rijn, Selbstporträt im Alter von 63 Jahren, 1669.

Die Forscherin Margaret Livingston untersuchte alle Selbstporträts von Rembrandt und stellte fest, dass der Künstler an Schielen litt: Auf den Bildern schauen seine Augen in verschiedene Richtungen, was der Meister in den Porträts anderer Menschen nicht beobachtet. Die Krankheit führte dazu, dass der Künstler die Realität zweidimensional besser wahrnehmen konnte als Menschen mit normalem Sehvermögen. Dieses Phänomen wird „Stereoblindheit“ genannt – die Unfähigkeit, die Welt in 3D zu sehen. Da der Maler jedoch mit einem zweidimensionalen Bild arbeiten muss, könnte genau dieser Fehler Rembrandts eine Erklärung für sein phänomenales Talent sein.

Sündenlose Venus

Sandro Botticelli, „Geburt der Venus“, 1482-1486.

Vor dem Erscheinen der „Geburt der Venus“ entstand das Bild einer Nackten Weiblicher Körper in der Malerei symbolisierte es nur die Idee der Erbsünde. Sandro Botticelli war der erste europäische Maler, der nichts Sündhaftes an ihm fand. Darüber hinaus sind sich Kunsthistoriker sicher, dass das Fresko die heidnische Liebesgöttin symbolisiert Christliches Bild: Ihr Aussehen ist eine Allegorie der Wiedergeburt einer Seele, die den Ritus der Taufe durchlaufen hat.

Lautenspieler oder Lautenspieler?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Der Lautenspieler“, 1596.

Das Gemälde wurde lange Zeit in der Eremitage unter dem Titel „Der Lautenspieler“ ausgestellt. Erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren sich Kunsthistoriker einig, dass das Gemälde einen jungen Mann darstellt (wahrscheinlich posierte Caravaggios Bekannter, der Künstler Mario Minniti): Auf den Noten vor dem Musiker ist eine Aufnahme des Basses zu sehen Zeile aus Jacob Arkadelts Madrigal „Du weißt, dass ich dich liebe“. Eine Frau könnte eine solche Wahl kaum treffen – es liegt einfach im Hals. Darüber hinaus galt die Laute, ebenso wie die Geige am äußersten Bildrand, zu Caravaggios Zeiten als männliches Instrument.

Der Beitrag ist inspiriert von der Sendung „Was, wo, wann?“ Ich beginne mit einem Rätsel.
Dies ist ein Gemälde von Tivadar Kostka Chontvari, es heißt „Der alte Fischer“. Auf den ersten Blick ist daran nichts besonders Bemerkenswertes, wie auch Kunsthistoriker glaubten, doch einmal wurde vermutet, dass es Gott und den Teufel darstellt. Das Geheimnis ist, warum eine solche Idee geboren wurde. Unter dem Schnitt wird es ein größeres Bild, eine Biografie und eine Lösung geben :)

Hast du es erraten? Nein? Vielleicht verraten Ihnen die Details die Antwort?

Ich quäle Sie noch ein wenig mit einer Geschichte über den Künstler selbst. Wenn Sie es nicht erwarten können, fliegen Sie nach unten, um eine Antwort zu erhalten.

Selbstporträt

Tivadar Kostka wurde am 5. Juli 1853 im zu Österreich gehörenden Bergdorf Kisseben (heute Sabinov, Slowakei) als autodidaktischer ungarischer Künstler geboren.

Sein Vater Lasli Kostka war Arzt und Apotheker. Tivadar und seine fünf Brüder wuchsen in einer Atmosphäre auf, die vom Geist der Pharmakologie geprägt war. Der zukünftige Künstler wusste von Kindheit an, dass er Apotheker werden würde. Doch bevor er einer wurde, wechselte er viele Berufe – er arbeitete als Verkäufer, besuchte einige Zeit Vorlesungen an der juristischen Fakultät und studierte erst dann Pharmakologie.

Eines Tages, als er bereits 28 Jahre alt war, schnappte er sich in einer Apotheke einen Bleistift und zeichnete auf ein Rezeptformular eine einfache Szene, die er vom Fenster aus sah – einen vorbeifahrenden Karren, der von Büffeln gezogen wurde. Ob dies der Beginn der Schizophrenie war, an der er später litt, doch von da an erfasste ihn der Traum, Künstler zu werden.

Er geht nach Rom, dann nach Paris, wo er den berühmten ungarischen Künstler Mihaly Munkacsi trifft (der übrigens auch dort starb). psychiatrisches Krankenhaus). Und dann kehrt er in seine Heimat zurück und arbeitet vierzehn Jahre lang in einer Apotheke, um finanzielle Unabhängigkeit zu erlangen. Nachdem er ein kleines Kapital gespart hat, studiert er zunächst in München und dann in Paris.

Sein Studium brachte ihm keine Befriedigung. Deshalb unternahm er 1895 eine Reise nach Italien, um Landschaften zu malen. Er reiste auch nach Griechenland, Nordafrika und in den Nahen Osten.
Im Jahr 1900 änderte er seinen Nachnamen Kostka in das Pseudonym Chontvari.
Bereits 1907 und 1910 fanden in Paris Einzelausstellungen statt, die ihm jedoch keine Anerkennung einbrachten. Auch in Ungarn fanden seine Gemälde keine Anerkennung und der Autor galt als Verrückter.

Im Jahr 1910 endete die Schöpfungsperiode. Die Krankheitsschübe wurden immer heftiger. Jetzt zeichnete er äußerst selten, nur noch Skizzen seiner surrealen Visionen.
In den letzten Jahren schrieb er Bücher: die Broschüre „Energie und Kunst, die Fehler des zivilisierten Menschen“ und die Studie „Genius. Wer kann ein Genie sein und wer nicht?
Zu seinen Lebzeiten verkaufte der Künstler kein einziges Gemälde.
Zuletzt Hauptbild„Ride Along the Shore“ wurde 1909 in Neapel geschrieben.

Am 20. Juni 1919 starb der Künstler Chontvari, wie man sagt, an Arthritis.
Die Angehörigen konsultierten Experten, die ihnen Tivadars völliges künstlerisches Scheitern als Künstler versicherten, und schon bald wurden die Gemälde nicht mehr als Kunstwerke, sondern als Leinwandstücke versteigert. Ein zufälliger Sammler (oder ist es ein Zufall?) kaufte alle Gemälde in großen Mengen für eine magere Summe und befriedigte damit seine kurzsichtigen (oder getäuschten) Neffen.

Nun, jetzt die Antwort :) Nehmen Sie einen Spiegel und platzieren Sie ihn in der Mitte des Bildes, und Sie werden diese Antworten sehen :)
Gott, mit einem ruhigen Meer im Rücken.

Und der Teufel mit wütenden Leidenschaften.

Der zu Lebzeiten unbekannte Künstler Tivadar Kostka Chontvary wurde ein Jahrhundert nach seinem Tod plötzlich berühmt durch sein Gemälde „Der alte Fischer“. Der Meister selbst war von seinem messianischen Schicksal überzeugt, obwohl seine Zeitgenossen es Schizophrenie nannten. Nun suchen sie nach versteckten Symbolen und verschleierten Hinweisen in seinen Gemälden. Sind sie da? Eines dieser Werke, das einer umfassenden Analyse unterzogen wurde, ist das Gemälde „Der alte Fischer“.

Unbekannter Künstler

1853 wurde der zukünftige Maler im ungarischen Dorf Kisseben geboren. Das Schicksal von Tivadar und seinen fünf Brüdern war von Kindheit an vorbestimmt. Sie waren bereit, die Arbeit ihres Vaters fortzuführen. Und der Elternteil war Apotheker und hatte eine Arztpraxis. Doch bevor er sich mit der Pharmakologie beschäftigte, gelang es dem jungen Mann, sein Abitur zu machen, als Verkäufer zu arbeiten und an der juristischen Fakultät zu studieren. Und nach all dem wandte er sich dem Familienunternehmen zu. Nach seiner Ankunft in der Apotheke arbeitete Tivadar hier vierzehn lange Jahre.

Eines Tages, als er 28 Jahre alt war, schnappte er sich an einem normalen Arbeitstag ein Rezeptformular und einen Bleistift und skizzierte eine Handlung: einen Karren, der in diesem Moment am Fenster vorbeifuhr, an den Büffel angeschnallt waren. Zuvor hatte er keine Vorliebe für das Zeichnen gezeigt, schrieb jedoch später in seiner Autobiografie, dass er an diesem Tag eine Vision hatte, die das Schicksal des großen Malers prophezeite.

Im Frühjahr 1881 eröffnete Tivadar Kostka seine Apotheke in Nordungarn und sparte genug Geld, um nach Italien zu reisen. Wie alle jungen Künstler träumte er davon, die Meisterwerke der alten Meister zu sehen. Er fühlte sich besonders von den Gemälden Raffaels angezogen. Es muss gesagt werden, dass er später von seinem Idol desillusioniert wurde und auf seinen Leinwänden nicht die nötige Lebendigkeit und Aufrichtigkeit in der Natur fand. Nach Rom geht Kostka nach Paris und dann in seine Heimat.

Chontvari (der Künstler nahm dieses Pseudonym im Jahr 1900 an) begann sich Mitte der 1890er Jahre ernsthaft mit der Malerei zu beschäftigen. Er überlässt seine Apotheke seinen Brüdern und kommt nach München, um Malerei zu studieren. In vielen Quellen wird Kostka als Autodidakt bezeichnet, doch inzwischen studierte er an der Kunstschule seines berühmten, auf dem Gebiet der Kunst erfolgreicheren Landsmanns Shimon Hollosy. Der Lehrer war fast zehn Jahre jünger als sein Schüler.

In München entstehen mehrere Porträts von Chontvari. Der Ausdruck der Traurigkeit auf den Gesichtern der Models unterscheidet sie vom fröhlicheren Rest seiner Arbeit. Naturporträts malte er nur während seines Studiums, verlor aber später das Interesse daran. Nachdem er München verlassen hatte, ging der Künstler nach Karlsruhe, wo er weiterhin Unterricht nahm, nun bei Kallmorgen. Die Biographen des Künstlers sagen, dass er zu dieser Zeit ein angenehmes Leben führte und für seine Arbeit die besten in Belgien hergestellten Leinwände kaufte.

Letzten Jahren

Das Studium brachte Chontvari keine Befriedigung. Es schien, als ob er die Gesetze der Malerei nur begreifen würde, um sie zu brechen. 1895 ging er erneut nach Italien, um im Freien an seinem bevorzugten Landschaftsgenre zu arbeiten. Der Künstler besucht nicht nur Italien, sondern auch Frankreich, Griechenland, den Nahen Osten und den Libanon.

In den Jahren 1907–1910 fanden mehrere seiner persönlichen Ausstellungen in Paris, Budapest und zu Hause statt. Besonderer Ruhm sie bringen ihn nicht mit, obwohl einige Kritiker sich sehr zustimmend äußern. In Ungarn redet man sogar über den Künstler, als wäre er verrückt. Es ist kein Geheimnis, dass er an Schizophrenie litt, aber dennoch auf die Anerkennung seiner Landsleute hoffte.

Im Jahr 1910 begann die Krankheit fortzuschreiten. Die Angriffe wurden immer heftiger, die Arbeit war schwierig. Chontvari schreibt kaum noch und fertigt nur noch kleine Skizzen an. Er vollendete nie ein einziges Werk, obwohl er Versuche unternahm. Im Alter von sechzig Jahren starb der Künstler in Budapest, wo er auch begraben wurde.

Kreatives Erbe

Mehr als 150 Gemälde und Zeichnungen wurden von Tivadar Kostka Chontvari hinterlassen. Das Gemälde „Der alte Fischer“ aus dem Jahr 1902 ist vielleicht das berühmteste von allen, „ikonisch“. Die meisten Werke entstanden in der kurzen Zeit zwischen 1903 und 1909. Dies war die kreative Blüte des Künstlers, ein Geistesblitz. In ihrem Stil ähneln sie dem Expressionismus. Seinen Werken werden auch Merkmale des Symbolismus, des Postimpressionismus und sogar des Surrealismus zugeschrieben.

Posthume Anerkennung

Nach dem Tod von Chontvari blieben seine Werke nur durch ein Wunder erhalten. Die Schwester wandte sich an Gutachter, um herauszufinden, wie viel sie für die Gemälde bekommen konnte. Sie versicherten ihr, dass ihr künstlerischer Wert gleich Null sei. Dann kam die Frau zu dem Schluss, dass, wenn die Bilder schlecht wären, die Leinwände zumindest für jemanden nützlich sein würden. Und sie in großen Mengen zum Verkauf anbieten. Der Architekt Gedeon Gerlotsi nahm die ganze Arbeit auf sich und überbot damit den Schrotthändler. Später stellte er die Gemälde an der Budapester Kunsthochschule aus und stellte sie 1949 in Belgien und Frankreich aus.

Vor seinem Tod übergab der Architekt seine Sammlung an Zoltan Fülep, den zukünftigen Direktor des Csontvari-Museums. Es war bereits ein Erfolg. Doch der Künstler wäre in seiner Heimat nur einem engen Kreis von Fans bekannt geblieben, wenn nicht fast ein Jahrhundert nach seinem Tod einer der Museumsmitarbeiter ein gewisses Geheimnis entdeckt hätte, das das Gemälde „Der alte Fischer“ noch immer birgt. Seitdem ist der Name Chontvari, der zu seinen Lebzeiten kein einziges Gemälde verkaufte, in der ganzen Welt bekannt.

„Der alte Fischer“: Beschreibung des Gemäldes

Fast die gesamte Fläche der Leinwand nimmt die Figur eines älteren Mannes ein. Der Sturmwind zerzaust sein Haar und seine alten, abgenutzten Kleider. Der Fischer trägt eine schwarze Bluse, eine graue Baskenmütze und einen Umhang. Er stützt sich auf seinen Stab und blickt den Betrachter direkt an. Sein Gesicht hat raue Haut und ist mit einem häufigen Faltennetz bedeckt. Im Hintergrund platzierte der Künstler eine Meeresbucht. Die Wellen schlagen ans Ufer und dichter Rauch steigt aus den Schornsteinen der Häuser am Ufer. Am Horizont sind Berge bzw. deren Silhouetten zu sehen, die von einem milchigen Nebel verdeckt werden. Im Verhältnis zur Figur des Fischers ist die Landschaft zweitrangig und übernimmt die Rolle des Hintergrunds.

Das Gemälde „Der alte Fischer“ von Chontvari ist in einer zurückhaltenden Farbgebung gehalten, wobei gedämpfte, sanfte Farben vorherrschen: Taube, Grau, Sand, Brauntöne.

Das Geheimnis des Gemäldes „Der alte Fischer“

Welche Entdeckung hat der Museumsmitarbeiter gemacht? Lassen Sie uns die Intrige enthüllen: Er hat herausgefunden, dass man ein vollständig fertiges Bild erhält, wenn man die Hälfte der Leinwand abdeckt und den restlichen Teil symmetrisch spiegelt Kunstwerk. Darüber hinaus funktioniert dies in beiden Fällen: sowohl mit dem rechten als auch mit dem linken Teil des Bildes. Dies ist das Geheimnis, das das Gemälde „Der alte Fischer“ fast hundert Jahre lang bewahrte. Fotos der montierten Hälften sind mittlerweile problemlos im Internet zu finden. Das Spiegelbild der rechten Hälfte ist ein hübscher alter Mann, weiß mit grauem Haar, vor dem Hintergrund der Meeresoberfläche. Wenn wir die linke Seite spiegeln, sehen wir einen Mann mit spitzem Hut, schrägen Augen und tosenden Wellen hinter ihm.

Deutung

Das Gemälde „Der alte Fischer“ markierte den Beginn der Suche nach mystischen Hinweisen in Chontvaris Werken. Was das Feuer noch weiter anheizte, war, dass der Künstler zu Lebzeiten oft einen prophetischen Ton annahm. Diese Leinwand wird üblicherweise als Symbol der dualen menschlichen Natur interpretiert: Sowohl die helle als auch die dunkle Hälfte, Gut und Böse, existieren in einem Mann nebeneinander. Sie wird manchmal auch „Gott und der Teufel“ genannt, was wiederum ihren Dualismus widerspiegelt.

Die Erfolgsgeschichte von Tivadar Kostka Chontvari ist wahrlich ein Beispiel für eine Reihe glücklicher Zufälle (oder großes Schicksal, der ihm in Visionen erschien, wer weiß?). Das Gemälde „Der alte Fischer“ – Genie und Wahnsinn – wurde ironischerweise zu seinem Schlüssel zum Weltruhm. Leider erlangte er zu seinen Lebzeiten keine Anerkennung. Aber heute gilt Chontvari als einer der besten und beliebtesten Originalkünstler Ungarn.

Mandelblüte (Landschaft in Italien), 1902

Tivadar Kosztka Tivadar (ungarisch: Csontváry Kosztka Tivadar, 5. Juli 1853, Kisseben, Österreichisches Kaiserreich, heute Sabinov, Slowakei – 20. Juni 1919, Budapest, Ungarn) ist ein ungarischer Autodidakt. Seine Werke können dem Postimpressionismus und Expressionismus zugeordnet werden.

Im Jahr 1865 zog die Familie Chontvari in das Dorf Sredne (heute Transkarpatien) und Tivadar wurde zum Studium an eine Handelsschule in Uschgorod geschickt. Er war wie sein Vater als Apotheker tätig. Im Jahr 1881 erlebte er eine Offenbarung, die sein Schicksal als großer Maler vorwegnahm, „bedeutsamer als Raffael selbst“. 1883 lernte er in Paris Mihaly Munkacsi kennen, der als der größte ungarische Maler gilt. Reiste nach Dalmatien, Italien, Griechenland, Nordafrika und in den Nahen Osten. Im Jahr 1900 änderte er seinen Nachnamen Kostka in das Pseudonym Chontvari.

Chontvari begann Mitte der 1890er Jahre zu malen. Er besitzt über hundert Gemälde. Die meisten von ihnen, deren Stil dem Expressionismus nahesteht, wurden zwischen 1903 und 1909 geschaffen. Auch in seinen Gemälden gab es Besonderheiten magischer Realismus, Symbolik, mythischer Surrealismus, Postimpressionismus.

Chontvaris Gemälde wurden in Paris (1907, 1910) und anderen europäischen Städten ausgestellt, fanden jedoch in ihrer Heimat keine Anerkennung. In Ungarn galt der Künstler aufgrund seines seltsamen Verhaltens, seines asketischen Lebensstils und seiner Tendenz, bei der Kommunikation in einen prophetischen Ton zu verfallen, als Verrückter. In den letzten Jahren schrieb er Bücher – die Broschüre „Energie und Kunst, die Fehler des zivilisierten Menschen“ und die Studie „Genie. Wer kann ein Genie sein und wer nicht?“. Zu seinen Lebzeiten verkaufte der Künstler kein einziges Gemälde. Die Hauptwerke des Künstlers sind im Museum der Stadt Pécs gesammelt.

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Ein interessanter Spiegeleffekt ist im Gemälde „Der alte Fischer“ zu beobachten. Es ist bekannt, dass das Gesicht eines Menschen asymmetrisch ist, das heißt, dass der rechte und der linke Teil nicht miteinander übereinstimmen.
Es ist schwer zu sagen, ob der Künstler etwas damit sagen wollte, dass der rechte und der linke Teil des Gesichts des auf dem Gemälde dargestellten alten Mannes so unterschiedlich sind, aber der Effekt war sehr interessant.

Alter Fischer

Auf der linken Seite ist ein Porträt zu sehen, das aus der rechten Gesichtshälfte und ihren Seiten besteht Spiegelreflexion, rechts - von der linken Seite und ihrem Spiegelbild.