Zeitgenössische japanische Kunst. CraftsGirl

Die moderne japanische Kunstszene scheint vollständig globalisiert zu sein. Künstler reisen zwischen Tokio und New York, fast alle haben eine europäische oder amerikanische Ausbildung erhalten, sie sprechen über ihre Arbeit in internationalem Kunstenglisch. Dieses Bild ist jedoch noch lange nicht vollständig.

Nationale Formen und Trends erweisen sich als eines der begehrtesten Produkte, die Japan dem Weltmarkt zu bieten hat. künstlerische Ideen und funktioniert.

Flugzeugbetrieb. Wie Superflat amerikanische Geek-Kultur und traditionelle japanische Malerei vereint

Takashi Murakami. „Tang Tan Bo“

Wenn in der westlichen Welt für fast jeden (außer vielleicht den eifrigsten postmodernen Theoretikern) die Grenze zwischen hoch und hoch ist Popkultur ist immer noch relevant, wenn auch problematisch, in Japan sind diese Welten völlig gemischt.

Ein Beispiel dafür ist Takashi Murakami, der Ausstellungen in den besten Galerien der Welt und Streaming-Produktion erfolgreich kombiniert.

Aufzeichnung des Rundgangs durch die Murakami-Ausstellung „Es wird sanften Regen geben“

Allerdings ist Murakamis Beziehung zur Populärkultur – und für Japan ist dies in erster Linie die Kultur der Manga- und Anime-Fans (Otaku) – komplizierter. Der Philosoph Hiroki Azuma kritisiert das Verständnis von Otaku als authentisches japanisches Phänomen. Otaku sehen sich direkt mit den Traditionen der Edo-Zeit des 17.-19. Jahrhunderts verbunden – der Ära des Isolationismus und der Ablehnung der Modernisierung. Azuma behauptet, dass die Otaku-Bewegung auf Manga, Animation, Graphic Novels basiert. Computerspiele- konnte nur im Kontext der amerikanischen Besatzung nach dem Krieg als Folge des Imports amerikanischer Kultur entstanden sein. Die Kunst von Murakami und seinen Anhängern erfindet Otaku mit Pop-Art-Techniken neu und entlarvt den nationalistischen Mythos von der Authentizität der Tradition. Es stellt eine „Re-Amerikanisierung der japanisierten amerikanischen Kultur“ dar.

Aus kunsthistorischer Sicht kommt Superflat dem Frühen am nächsten Japanische Malerei ukiyo-e. Am meisten berühmtes Werk in dieser Tradition - Gravur " Eine große Welle in Kanagawa“ von Katsushiki Hokusai (1823-1831).

Für die westliche Moderne war die Entdeckung der japanischen Malerei ein Durchbruch. Sie ermöglicht es, das Bild als Fläche zu sehen und versucht, diese Eigentümlichkeit nicht zu überwinden, sondern mit ihr zu arbeiten.

Katsushiki Hokusai. „Die große Welle vor Kanagawa“

Pioniere der Leistung. Was bedeutet japanische Kunst der 1950er Jahre heute?

Dokumentation kreativer Vorgang Akira Kanayama und Kazuo Shiragi

Superflat nahm erst in den 2000er Jahren Gestalt an. Doch die für die Weltkunst bedeutsamen künstlerischen Aktionen begannen in Japan viel früher – und sogar früher als im Westen.

Die performative Wende in der Kunst vollzog sich an der Wende der 60er und 70er Jahre des letzten Jahrhunderts. In Japan erschien die Aufführung in den fünfziger Jahren.

Zum ersten Mal hat die Gutai-Gruppe ihren Fokus von der Schaffung autarker Objekte auf den Prozess ihrer Produktion verlagert. Von hier aus – ein Schritt zur Aufgabe des Kunstobjekts zugunsten eines flüchtigen Ereignisses.

Obwohl einzelne Künstler aus Gutai (und es gab 59 von ihnen in zwanzig Jahren) im internationalen Kontext aktiv existierten, verstanden sie Japanisch als ihre kollektive Aktivität Kunst der Nachkriegszeit Im Westen begann die Entwicklung im Allgemeinen erst vor kurzem. Der Boom kam 2013 mit mehreren Ausstellungen in kleinen Galerien in New York und Los Angeles, „Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde“ im MoMA und der großen historischen Retrospektive „Gutai: Splendid Playground“ im Guggenheim Museum. Der Moskauer Import japanischer Kunst scheint eine fast verspätete Fortsetzung dieses Trends zu sein.

Sadamasa Motonaga. Arbeit (Wasser) im Guggenheim Museum

Es ist auffällig, wie modern diese Retrospektivausstellungen wirken. Zentrales Objekt der Ausstellung im Guggenheim Museum ist beispielsweise die Rekonstruktion von Work (Water) von Sadamasa Motonaga, bei der die Ebenen der Museumsrotunde durch Polyethylenrohre mit farbigem Wasser verbunden sind. Sie erinnern an von der Leinwand abgerissene Pinselstriche und verdeutlichen Gutais zentralen Fokus auf „Konkretheit“ (übersetzt aus: „Konkretheit“) Japanischer Name Gruppen), die Materialität der Objekte, mit denen der Künstler arbeitet.

Viele Gutai-Mitglieder erhielten eine Ausbildung mit Bezug zur klassischen Nihonga-Malerei, viele sind biografisch mit dem religiösen Kontext des Zen-Buddhismus und seiner charakteristischen japanischen Kalligraphie verbunden. Sie alle fanden einen neuen, prozessualen oder partizipatorischen Zugang zu alten Traditionen. Kazuo Shiraga hat auf Video aufgezeichnet, wie er seine Anti-Rauschenberg-Monochrome mit den Füßen zeichnet, und hat sogar Gemälde in der Öffentlichkeit geschaffen.

Minoru Yoshida verwandelte Blumen aus japanischen Drucken in psychedelische Objekte – ein Beispiel dafür ist die Bisexuelle Blume, eine der ersten kinetischen (bewegten) Skulpturen der Welt.

Die Kuratoren der Ausstellung im Guggenheim Museum sprechen über die politische Bedeutung dieser Werke:

„Die Gutai demonstrierten die Bedeutung freier individueller Aktion, der Zerstörung der Erwartungen des Publikums und sogar der Dummheit als Möglichkeiten, der sozialen Passivität und Konformität entgegenzuwirken, die es einer militaristischen Regierung über Jahrzehnte ermöglichten, eine kritische Masse an Einfluss zu erlangen, in China einzumarschieren und dann Treten Sie dem Zweiten Weltkrieg bei.

Gut und weise. Warum Künstler in den 1960er Jahren Japan nach Amerika verließen

Gutai war im Japan der Nachkriegszeit die Ausnahme von der Regel. Avantgardistische Gruppen blieben marginal, die Kunstwelt war streng hierarchisch. Der wichtigste Weg zur Anerkennung war die Teilnahme an Wettbewerben anerkannter Vereinigungen klassischer Künstler. Daher zogen es viele vor, in den Westen zu gehen und sich in das englischsprachige Kunstsystem zu integrieren.

Besonders hart war es für die Frauen. Selbst im fortschrittlichen Gutai erreichte ihr Anteil nicht einmal ein Fünftel. Was können wir über traditionelle Institutionen sagen, für deren Zugang es notwendig war? besondere Bildung. In den sechziger Jahren hatten sich Mädchen jedoch bereits das Recht dazu erworben, Kunst zu erlernen (wenn es nicht um Dekoration ging, die zu den Fähigkeiten gehörte). Ryosai Kenbo- eine gute Ehefrau und eine weise Mutter) war ein gesellschaftlich verpönter Beruf.

Yoko Ono. Stück abschneiden

Die Geschichte der Auswanderung fünf mächtiger japanischer Künstlerinnen aus Tokio in die Vereinigten Staaten war Gegenstand von Midori Yoshimotos Studie „Into Performance: Japanische Künstlerinnen in New York“. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi und Shigeko Kubota beschlossen zu Beginn ihrer Karriere, nach New York zu gehen und arbeiteten dort unter anderem an der Modernisierung der Traditionen der japanischen Kunst. Nur Yoko Ono wuchs in den USA auf – doch auch sie weigerte sich bewusst, nach Japan zurückzukehren, da sie während ihres kurzen Aufenthalts in den Jahren 1962–1964 von der künstlerischen Hierarchie Tokios desillusioniert war.

Ono wurde die berühmteste der fünf – nicht nur als Ehefrau von John Lennon, sondern auch als Autorin protofeministischer Performances, die sich der Objektivierung widmeten. Weiblicher Körper. Es gibt offensichtliche Parallelen zwischen Cut Piece It, bei dem das Publikum Stücke von der Kleidung des Künstlers abschneiden konnte, und „Rhythm 0“ von der „Großmutter der Performance“ Marina Abramović.

Auf kurzen Beinen. So bestehen Sie die Schauspielausbildung des Autors Tadashi Suzuki

Im Fall von Ono und Gutai erlangten die Methoden und Themen ihrer Arbeit unabhängig von den Autoren internationale Bedeutung. Es gibt andere Formen des Exports – wenn die Werke des Künstlers auf internationaler Ebene mit Interesse wahrgenommen werden, die Übernahme der eigentlichen Methode jedoch aufgrund ihrer Spezifität nicht erfolgt. Der auffälligste Fall ist das Schauspieltrainingssystem von Tadashi Suzuki.

Selbst in Russland ist das Suzuki-Theater beliebt – und das ist nicht verwunderlich. Das letzte Mal er war 2016 mit der Aufführung von „Die Trojanerinnen“ nach den Texten von Euripides bei uns und in den 2000er Jahren mehrfach mit Inszenierungen von Shakespeare und Tschechow dabei. Suzuki übertrug die Handlung der Stücke auf den aktuellen japanischen Kontext und bot nicht offensichtliche Interpretationen der Texte: Er entdeckte den Antisemitismus bei Ivanov und verglich ihn mit der verächtlichen Haltung der Japaner gegenüber den Chinesen, übertrug die Handlung von König Lear auf eine japanische Irrenanstalt.

Suzuki baute sein System im Gegensatz zum russischen auf Theaterschule. IN Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, während der sogenannten Meiji-Zeit, erlebte das modernisierende kaiserliche Japan den Aufstieg von Oppositionsbewegungen. Das Ergebnis war eine groß angelegte Verwestlichung einer zuvor äußerst geschlossenen Kultur. Zu den importierten Formen gehörte das Stanislavsky-System, das in Japan (und in Russland) immer noch eine der wichtigsten Regiemethoden ist.

Suzuki-Übungen

In den sechziger Jahren, als Suzuki seine Karriere begann, verbreitete sich immer mehr die These, dass sich japanische Schauspieler aufgrund ihrer körperlichen Merkmale nicht an Rollen aus westlichen Texten gewöhnen könnten, die das damalige Repertoire füllten. Dem jungen Regisseur gelang es, die überzeugendste Alternative anzubieten.

Suzukis Übungssystem, Beingrammatik genannt, umfasst Dutzende Arten des Sitzens und noch mehr Arten des Stehens und Gehens.

Seine Schauspieler spielen meist barfuß und wirken, durch die Absenkung des Schwerpunktes, möglichst fest am Boden verankert, schwer. Suzuki bringt ihnen und ausländischen Künstlern seine Technik im Dorf Toga bei, in alten japanischen Häusern voller moderner Ausrüstung. Seine Truppe gibt nur etwa 70 Auftritte pro Jahr, und die restliche Zeit lebt er fast ohne das Dorf zu verlassen und hat keine Zeit für persönliche Angelegenheiten – nur für die Arbeit.

Das Toga Center entstand in den 1970er Jahren und wurde auf Wunsch des Direktors vom weltberühmten Architekten Arata Isozaka entworfen. Suzukis System mag patriarchalisch und konservativ wirken, aber er selbst spricht über Toga in modernen Begriffen der Dezentralisierung. Schon Mitte der 2000er Jahre erkannte Suzuki, wie wichtig es ist, Kunst aus der Hauptstadt in die Regionen zu exportieren und lokale Produktionsstandorte zu organisieren. Laut dem Regisseur ähnelt die Theaterkarte Japans in vielerlei Hinsicht der russischen – die Kunst konzentriert sich auf Tokio und einige weniger Hauptzentren. Russisches Theater Ein Unternehmen, das regelmäßig in Kleinstädten auf Tour geht und seinen Sitz weit entfernt von der Hauptstadt hat, würde auch nicht schaden.

SCOT Company Center in Toga

Blumenpfade. Welche Ressource hat das moderne Theater in den Noh- und Kabuki-Systemen entdeckt?

Die Suzuki-Methode erwächst aus zwei alten japanischen Traditionen – aber auch aus Kabuki. Nicht nur, dass diese Theaterformen oft als die Kunst des Gehens bezeichnet werden, sondern auch in offensichtlicheren Details. Suzuki folgt oft der Regel über die Ausübung aller Rollen durch Männer, verwendet charakteristische räumliche Lösungen, zum Beispiel Hanamichi („der Weg der Blumen“) des Kabuki-Musters – eine Plattform, die sich von der Bühne in die Tiefe erstreckt Auditorium. Er nutzt auch durchaus erkennbare Symbole wie Blumen und Schriftrollen.

Natürlich in globale Welt Nicht es wird geredetüber das Privileg der Japaner, ihre nationalen Formen zu verwenden.

Das Theater eines der bedeutendsten Regisseure unserer Zeit, des Amerikaners Robert Wilson, wurde auf Anleihen von But aufgebaut.

Er verwendet nicht nur Masken und Make-up, die das Massenpublikum an Japan erinnern, sondern übernimmt auch Handlungsweisen, die auf maximaler Verlangsamung der Bewegung und autarker Ausdruckskraft der Geste basieren. Die Kombination traditioneller und ritueller Formen mit modernster Lichtmusik und minimalistischer Musik (eine der beliebtesten Berühmte Werke Wilson – eine Inszenierung der Oper „Einstein on the Beach“ von Philip Glass) schafft Wilson im Wesentlichen die Synthese von Herkunft und Relevanz, die ein Großteil der modernen Kunst anstrebt.

Robert Wilson. „Einstein am Strand“

Aus No und Kabuki entstand eine der Säulen zeitgenössischer Tanz- buto, wörtlich übersetzt - Tanz der Dunkelheit. Butoh wurde 1959 von den Choreografen Kazuo Ono und Tatsumi Hijikata erfunden, die sich auch auf einen niedrigen Schwerpunkt und die Konzentration auf die Füße stützten. Es ging darum, Reflexionen traumatischer Kriegserlebnisse in die körperliche Dimension zu übertragen.

„Sie zeigten den Körper krank, zusammenbrechend, sogar monströs, monströs.<…>Die Bewegungen sind entweder langsam oder bewusst scharf und explosiv. „Dafür kommt eine spezielle Technik zum Einsatz, bei der die Bewegung aufgrund der Knochenhebel des Skeletts so ausgeführt wird, als ob die Hauptmuskeln nicht beansprucht werden“, schreibt die Tanzhistorikerin Irina Sirotkina Butoh in die Geschichte der Befreiung des Körpers ein, verbindet es mit der Abkehr von der Ballettnormativität. Sie vergleicht Butoh mit den Praktiken von Tänzern und Choreografen des frühen 20. Jahrhunderts – Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, spricht vom Einfluss auf den späteren „postmodernen“ Tanz.

Ein Fragment des Tanzes von Katsura Kana, dem modernen Nachfolger der Butoh-Tradition

Heute ist Butoh in seiner ursprünglichen Form keine avantgardistische Praxis mehr, sondern eine historische Rekonstruktion.

Das von Ohno, Hijikata und ihren Anhängern entwickelte Bewegungswörterbuch bleibt jedoch eine wertvolle Ressource für zeitgenössische Choreografen. Im Westen wird es von Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky und sogar im Video zu „Belong To The World“ von The Weekend verwendet. In Japan ist der Nachfolger der Butoh-Tradition beispielsweise Saburo Teshigawara, der im Oktober nach Russland kommen wird. Obwohl er selbst Parallelen zum Tanz der Dunkelheit bestreitet, finden Kritiker durchaus erkennbare Zeichen: einen scheinbar knochenlosen Körper, Zerbrechlichkeit, geräuschlosen Schritt. Zwar werden sie bereits in den Kontext der postmodernen Choreografie gestellt – mit ihrem hohen Tempo, ihren Läufen und der Arbeit mit postindustrieller Noise-Musik.

Saburo Teshigawara. Metamorphose

Lokal global. Inwiefern ähnelt zeitgenössische japanische Kunst der westlichen Kunst?

Die Werke von Teshigawara und vielen seiner Kollegen fügen sich organisch in die Programme der besten westlichen Festivals für zeitgenössischen Tanz ein. Wenn Sie die Beschreibungen der Aufführungen und Aufführungen durchgehen, die beim Festival / Tokio – der größten jährlichen Show des japanischen Theaters – gezeigt wurden, werden Sie kaum grundlegende Unterschiede zu europäischen Trends erkennen können.

Eines der zentralen Themen ist die Ortsspezifität – japanische Künstler erkunden die Räume Tokios, von Ansammlungen des Kapitalismus in Form von Wolkenkratzern bis hin zu Randgebieten der Otaku-Konzentration.

Ein weiteres Thema ist die Untersuchung von Missverständnissen zwischen den Generationen, Theater als Ort der Live-Begegnung und der organisierten Kommunikation von Menschen. verschiedene Alter. Ihr gewidmete Projekte von Toshika Okada und Akira Tanayama wurden mehrere Jahre in Folge nach Wien zu einem der wichtigsten europäischen Festivals der darstellenden Künste gebracht. Die Übertragung dokumentarischer Materialien und persönlicher Geschichten auf die Bühne war Ende der 2000er Jahre nichts Neues, doch der Kurator der Wiener Festwochen präsentierte diese Projekte der Öffentlichkeit als Möglichkeit für einen Live-Punkt-zu-Punkt-Kontakt miteinander Kultur.

Ein weiterer Schwerpunkt ist die Aufarbeitung der traumatischen Erfahrung. Für die Japaner ist es nicht mit dem Gulag oder dem Holocaust verbunden, sondern mit der Bombardierung von Hiroshima und Nagasaki. Das Theater bezieht sich ständig auf ihn, aber die kraftvollste Aussage über Atomexplosionen ist der Moment der Entstehung aller Moderne Japanische Kultur gehört immer noch Takashi Murakami.

zur Ausstellung „Little Boy: Die Künste der explodierenden Subkultur Japans“

„Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture“ heißt es Kuratorisches Projekt 2005 in New York gezeigt. „Little Boy“ – „Baby“ auf Russisch – der Name einer der Bomben, die 1945 über Japan abgeworfen wurden. Murakami sammelte Hunderte von Manga-Comics von führenden Illustratoren, unverwechselbares Vintage-Spielzeug und Merchandise-Artikel, die von berühmten Animes von Godzilla bis Hello Kitty inspiriert wurden, und hat die Konzentration von Niedlichkeit – Kawaii – im Museumsraum auf die Spitze getrieben. Parallel dazu startete er eine Auswahl an Animationen, in denen zentrale Bilder Es gab Bilder von Explosionen, nackter Erde, zerstörten Städten.

Dieser Widerstand war die erste große Aussage über die Infantilisierung der japanischen Kultur als Mittel zur Bewältigung der posttraumatischen Belastungsstörung.

Nun scheint diese Schlussfolgerung bereits offensichtlich. Darauf baut eine akademische Studie über Kawaii von Inuhiko Yomota auf.

Es gibt auch spätere traumatische Auslöser. Zu den wichtigsten zählen die Ereignisse vom 11. März 2011, das Erdbeben und der Tsunami, die zu einem schweren Unfall im Kernkraftwerk Fukushima führten. Beim Festival/Tokyo-2018 war ein ganzes Programm von sechs Aufführungen dem Verständnis der Folgen einer Natur- und Technologiekatastrophe gewidmet; Sie wurden auch zum Thema eines der in Soljanka präsentierten Werke. Dieses Beispiel zeigt deutlich, dass das Arsenal Kritische Methoden Westliche und japanische Kunst unterscheiden sich nicht grundsätzlich. Haruyuki Ishii kreiert eine Installation aus drei Fernsehgeräten, die in Hochgeschwindigkeit geschnittenes und gelooptes Filmmaterial aus Fernsehprogrammen über das Erdbeben in einer Schleife abspielen.

„Die Arbeit besteht aus 111 Videos, die der Künstler täglich in den Nachrichten sah, bis zu dem Moment, als alles, was er sah, nicht mehr als Fiktion wahrgenommen wurde“, erklären die Kuratoren. „Neues Japan“ ist ein ausdrucksstarkes Beispiel dafür, wie Kunst sich der Interpretation auf der Grundlage nationaler Mythen nicht widersetzt, sondern gleichzeitig kritisches Auge ist der Ansicht, dass die gleiche Interpretation für Kunst jeglichen Ursprungs relevant sein könnte. Die Kuratoren sprechen über Kontemplation als Grundlage der japanischen Tradition und beziehen sich dabei auf Zitate aus Lao Tzu. Gleichzeitig, als würde man fast alles aus Klammern weglassen moderne Kunst Der Fokus liegt auf dem „Beobachtereffekt“ (wie die Ausstellung genannt wird) – sei es in Form der Schaffung neuer Kontexte für die Wahrnehmung bekannter Phänomene oder in der Fragestellung nach der Möglichkeit adäquater Wahrnehmung als solcher.

Imagined Communities – ein weiteres Werk des Videokünstlers Haruyuki Ishii

Spiel

Allerdings sollte man nicht glauben, dass das Japan der 2010er Jahre eine Konzentration von Fortschrittlichkeit ist.

Die Gewohnheiten des guten alten Traditionalismus und die Liebe zur orientalistischen Exotik sind noch nicht überlebt. „The Theatre of Virgins“ ist der Titel eines eher bewundernden Artikels über das japanische Theater „Takarazuka“ in der russischen konservativen Zeitschrift „PTJ“. Takarazuka entstand Ende des 19. Jahrhunderts als Geschäftsprojekt, um Touristen in eine abgelegene Stadt mit demselben Namen zu locken, die zufällig zum Endpunkt eines Privatunternehmens wurde Eisenbahn. Spielt nur im Theater unverheiratete Mädchen, die nach Angaben des Bahnbesitzers männliche Zuschauer in die Stadt locken sollten. Heute funktioniert Takarazuka als Industriebetrieb – mit einem eigenen, dichten Fernsehsender Konzertprogramm, sogar der örtliche Vergnügungspark. Aber nur unverheiratete Mädchen haben noch das Recht, in der Truppe zu sein – hoffen wir, dass sie nicht zumindest ihre Jungfräulichkeit prüfen.

Allerdings verblasst Takarazuka im Vergleich zum Toji Deluxe Club in Kyoto, den die Japaner auch Theater nennen. Demnach zu urteilen, sehen sie absolut wild aus Beschreibung New Yorker-Kolumnist Ian Buruma, Striptease-Show: Mehrere nackte Mädchen auf der Bühne machen die Demonstration ihrer Genitalien zum öffentlichen Ritual.

Wie viele künstlerische Praktiken, diese Show basiert auf alten Legenden (mit Hilfe einer Kerze und einer Lupe konnten die Männer aus dem Publikum abwechselnd die „Geheimnisse der Muttergöttin Amaterasu“ erkunden), und der Autor selbst wurde an die Noh-Tradition erinnert .

Suchen Westliche Kollegen Für „Takarazuki“ und Toji überlassen wir es dem Leser – es ist nicht schwer, sie zu finden. Wir stellen nur fest, dass ein erheblicher Teil der modernen Kunst genau auf die Bekämpfung solcher Unterdrückungspraktiken abzielt – sowohl westliche als auch japanische, vom Superflat- bis zum Butoh-Tanz.

Der Beitrag ist Werbung, aber die Eindrücke, Texte und Fotos sind ihre eigenen.

Zeitgenössische Kunst ist schwer zu beurteilen und zu bewerten, da sie zunächst über diese Möglichkeit hinausgeht. Es ist gut, dass es das gibt Alexey Lifanov , der zwar kein Japanisch-Experte ist, sich aber besser mit Kunst auskennt als ich. Wer, wenn nicht Alexei, würde mir helfen zu verstehen, was ich sah?
Ja, die Japaner sind seltsame Leute. Impressionen von der Ausstellung auf dem Gogol Boulevard.

Die Exponate der Ausstellung „Doppelte Perspektive“ lassen sich bedingt in drei Teile unterteilen (je nach den von den Autoren aufgeworfenen Themen). Der erste ist dem Individuum und dem Staat sowie der Rolle der Ideologie gewidmet Privatsphäre, das Diktat der Gesellschaft über den Einzelnen. Das zweite Thema bezieht sich auf den Menschen und seinen Einfluss auf die Natur (und das sogar im Rahmen einer Ausstellung). Diverse Künstleräußerten diametral entgegengesetzte Ansichten. Das dritte Thema ist rein japanisch und widmet sich der Ideologie von „Loli“ und anderen ephebophilen Dingen, die in der japanischen Gesellschaft florieren.

1. Die Werke von Kenji Yanobe sind in die postapokalyptische Ästhetik verwickelt, allerdings ohne jeglichen „Stalkerismus“. Seine Arbeit ist methodisch sehr naiv. „Child of the Sun“ ist eine großformatige und berührende Skulptur. Was für ein Mensch sollte man sein, um der technogenen Welt zu widerstehen – mutig, entschlossen oder direkt und naiv?

3. Fortsetzung des Themas in einem noch übertrieben naiven Stil.

4. Motohiko Odani spricht über Pubertät, Sexualität und ihre Psychologie. Gegenüber dieser Skulptur befindet sich eine viel ausdrucksstärkere Videoinstallation, die Sie jedoch mit eigenen Augen sehen müssen.

5. Makoto Aida entwickelt das Thema. Ein Bonsai-Baum mit mädchenhaften Köpfen ist ein hyperbolisches Symbol perverser Liebe. Die Symbolik ist transparent und bedarf kaum einer Erklärung.

6. Ein weiteres seiner Werke „Schüler der Harakiri-Schule“. Grafisch ist es einfach großartig.

7. Fortsetzung des „Kinder“-Themas von Yoshimoto Naro. Kindergesichter und nicht-kindliche Emotionen.

8. Takahiro Iwasaki hat aus allerlei Müll ein sehr konventionelles Diorama einer bestimmten Stadt geschaffen. Die Ästhetik der Stadt, die eigentlich eine Mülldeponie ist, ist keine neue Idee, aber interessant umgesetzt.

10. Gemälde von Tadanori Yokoo – eine Collage aus Anspielungen, Zitaten und Archetypen. Gleichzeitig ist die Farbgebung einfach umwerfend.

11. Yayoi Kusama wandte sich der existenziellen Ästhetik von Sein und Nichtsein zu und schuf einen Raum, in dem der Raum zerbricht und auseinanderfällt.

12. Yasumasa Morimura machte eine Parodie auf eine Parodie. Er stellt überhaupt nicht Adolf Hitler dar, wie es scheinen könnte, sondern Ginkels Adenoid – eine Figur aus Chaplins Film „Der große Diktator“. Der Rest seiner Werke ist bereits den unmittelbaren Herrschern und Diktatoren gewidmet, aber das Wesentliche ist klar – die Bedrohung durch eine totale Ideologie.

13. Es gibt nur wenige Zuschauer, aber diejenigen, die da sind, diskutieren sehr enthusiastisch über das, was sie gesehen haben. Generell scheint den Besuchern das Geschehen wirklich zu gefallen.

14. Das ist der Kopf von George Bush. George Bush singt die US-Hymne. Die Idee ist einfach zu verstehen – über das Eindringen von Ideologie und Staat, sogar in den persönlichen Bereich einer Person.

15. Ratten-Pokemon. Mein Lieblingsabschnitt.

16. Teil der Ausstellung – Fotografien. Manchmal interessant, manchmal zu intim, um es zu verstehen.

18. Fotografien von Toshio Shibata. Hier wird die Idee des harmonischen Zusammenlebens von Mensch und Natur in Form von Fotografien gelöst, ästhetisch viel näher an der Abstraktion als am Realismus – eine so gut abgestimmte Geometrie und Komposition.

19. Einer der Grüße an Lenin.

Auf jeden Fall sind die Ausstellungen entstanden, um sie live zu besuchen, und nicht, um Fotoreportagen auf Blogs anzuschauen. Viele Werke sind statisch und in der Größe eines Bildschirmfotos überhaupt nicht zu beurteilen. Daher ist es besser, selbst in die Ausstellung „Double Perspective“ zu gehen.

Der Projektpartner Sony veranstaltet einen Wettbewerb und verlost einen Laptop und weitere Preise! Wenn Sie die Ausstellung besuchen, machen Sie unbedingt Fotos von den Exponaten und schreiben Sie Ihre kurze eindrücke. Teilen, um am Wettbewerb teilzunehmen

Es wird eine Ausstellung zeitgenössischer japanischer Kunst „Double Perspective“ geben.

1. In der zeitgenössischen japanischen Kunst gibt es viele ungewöhnliche Dinge. Diese Gemälde von Izumi Kato werden beispielsweise von Hand und ohne Pinsel angefertigt.

2. Auf den ersten Blick scheint es, dass es sich um gewöhnliche Glühbirnen handelt. Aber das ist Arbeit tiefe Bedeutung gewidmet dem 38. Breitengrad, der Nord- und Südkorea trennt.

3. Natürlich steckt in jedem Werk eine tiefe Bedeutung, die nicht an der Oberfläche liegt, aber selbst wenn Sie sie nicht finden, können Sie beispielsweise einfach die Schönheit dieser kunstvoll gefertigten Rose bewundern.

4. Dies ist die Arbeit von Kenji Yanobe darüber, wie ein Mensch das Ende der Welt überleben kann

6. Sein berühmtestes Werk „Child of the Sun“ entstand nach dem Unfall im Kernkraftwerk Fukushima.

8. Makoto Aida „Bonsai Ai-chan“

9. Auch das ist moderne japanische Kunst

10. Intersny-Projekt „Lenin wird in Moskauer Wohnungen gesucht“. Yoshinori Niva durchsuchte die Häuser der Moskauer nach erhaltenen Gegenständen, die mit der Persönlichkeit Lenins in Zusammenhang stehen. Das Seltsamste ist, dass dies nicht von einem Russen, sondern von einem Japaner getan wurde.

14. Für diese Arbeit wurden übrigens ausgestopfte echte Ratten verwendet.

15. Diese Fotos zeigen die Ängste der Menschen

In der Eremitage läuft eine interessante Ausstellung – Moderne Kunst Japans „MONO-NO AWARE. Der Charme der Dinge“.

Ich kann nicht sagen, dass ich ein Fan zeitgenössischer Kunst bin. Mir gefällt es besser, wenn es etwas zum Anschauen gibt (fleißige Grafik oder Kunsthandwerk, Ethno ist mein Alles). Die Schönheit eines reinen Konzepts zu bewundern, macht mir nicht immer Spaß. (Malevich, sorry! Ich mag Black Square nicht!)

Aber heute bin ich zu dieser Ausstellung gekommen!

Wertvoll, wenn Sie in St. Petersburg sind, sich für Kunst interessieren und noch nicht dort waren, dann ist die Ausstellung bis zum 9. Februar zu sehen! Gehen Sie hin, denn es ist interessant!

Konzepte überzeugen mich ein wenig, wie ich oben geschrieben habe. Irgendwie dachte ich, dass mir in einem Jahr, in dem ich moderne Ausstellungen besuche, höchstens ein oder zwei Objekte komisch vorkommen. Und viele Dinge berühren mich nicht so sehr, dass mir die Zeit, die ich verbracht habe, leid tut. Aber in jedem Genre, in jeder Kunst ist das Verhältnis von Talent und Mittelmäßigkeit prozentual, es ist gut, wenn es eins zu zehn ist! Aber mir gefiel diese Show.

Japanische Kreationen wurden in den Ausstellungshallen des Generalstabs ausgestellt. Die erste Installation, die die Besucher begrüßt, ist ein unglaubliches Labyrinth voller Salz auf dem Boden. Grauer Boden, weißes Salz, unglaublich sauber markierter Raum, verwoben in einem Feld. Groß Ausstellungsraum und ein weißes Ornament, das wie eine erstaunliche Schmerle über den Boden ausgebreitet war. Und Sie verstehen, wie vergänglich diese Kunst ist. Die Ausstellung wird geschlossen, das Labyrinth wird mit dem Besen weggefegt. Ich habe einmal den Film „Little Buddha“ gesehen. Und dort legte zu Beginn ein buddhistischer Mönch ein komplexes Ornament aus farbigem Sand an. Und am Ende des Films machte der Mönch eine scharfe Bewegung mit seinem Pinsel und das gigantische Werk löste sich im Wind auf. Das war, dann hüpf, und nein. Und es heißt: Schätze die Schönheit hier und jetzt, alles ist vergänglich. Dieses Labyrinth aus Salz tritt also in einen Dialog mit Ihnen, Sie beginnen, die Fragen zu beantworten, vor die er Sie stellt. Der Künstler ist Motoi Yamamoto.

Ja Ja! Das ist so ein großes Labyrinth. Haben Sie die Größe gespürt?

Das zweite Objekt, das fasziniert, ist die riesige Kuppel aus Polyethylen und schwarzem Harz von Yasuaki Onishi. Ungewöhnlich entschiedener Raum. Auf den schwarzen, dünnsten, unebenen Harzfäden hängt, leicht bewegt, eine Kuppel ... oder ein Berg mit einem komplexen Relief. Wenn man hineingeht, sieht man ein buntes Muster aus Punkten – Stellen, an denen das Harz klebt. Es ist lustig, als ob der schwarze Regen lautlos fällt und man sich unter dem Blätterdach befindet.

Wie ist diese Technik entstanden? Lustig, richtig? Aber live sieht es „lebendiger“ aus, die Kuppel schwankt leicht im Wind, der von vorbeigehenden Besuchern erzeugt wird. Und es gibt ein Gefühl Ihrer Interaktion mit dem Objekt. Sie können die „Höhle“ betreten und von innen sehen, wie sie ist!

Damit aber nicht der Eindruck entsteht, dass alles nur schwarz-weiß war, werde ich hier noch ein paar Fotos der Komposition posten, die aus zusammengefügten Reifen besteht. So bunte, lustige Plastiklocken! Und Sie können auch durch diesen Raum gehen, in die Reifen hinein, oder Sie können sich alles von außen ansehen.

Diese Artikel sind meine Favoriten. Natürlich wird die konzeptuelle zeitgenössische Kunst bald anders und im Einklang mit der neuen Zeit sein. Es wird nicht zum Alten zurückkehren und nicht so bleiben, wie es jetzt ist. Es wird sich ändern. Aber um zu verstehen, was war, wo der Strom rauschte und was und woher er kommt, muss man wissen, was jetzt passiert. Und scheuen Sie sich nicht davor zurück, nein, das Konzept ist nichts für mich, aber versuchen Sie es zu sehen und zu bewerten. Talente gibt es wie immer wenig, aber sie sind vorhanden. Und wenn die Exponate Anklang finden, ist noch nicht alles verloren!!!