Το μυστικό του μεγαλείου των κύριων έργων της ιαπωνικής τέχνης. Η ανάπτυξη της ιαπωνικής ζωγραφικής

Με αυτό το άρθρο, ξεκινάω μια σειρά άρθρων για την ιστορία των Ιαπωνικών εικαστικές τέχνες. Αυτές οι αναρτήσεις θα επικεντρωθούν κυρίως στη ζωγραφική ξεκινώντας από την περίοδο Heian, και αυτό το άρθρο είναι μια εισαγωγή και περιγράφει την εξέλιξη της τέχνης μέχρι τον 8ο αιώνα.

Περίοδος Jōmon
Ο ιαπωνικός πολιτισμός έχει πολύ αρχαίες ρίζες - τα παλαιότερα ευρήματα χρονολογούνται από τη 10η χιλιετία π.Χ. μι. αλλά επίσημα η αρχή της περιόδου Jomon θεωρείται το 4500 π.Χ. μι. Σχετικά με αυτή την περίοδο nekokit έγραψε μια πολύ καλή ανάρτηση.
Η μοναδικότητα της κεραμικής Jemon είναι ότι συνήθως η εμφάνιση της κεραμικής, μαζί με την ανάπτυξη της γεωργίας, υποδηλώνει την έναρξη της νεολιθικής εποχής. Ωστόσο, ακόμη και στη Μεσολιθική εποχή, αρκετές χιλιάδες χρόνια πριν από την έλευση της γεωργίας, οι κυνηγοί-τροφοσυλλέκτες Jomon δημιούργησαν αγγεία με αρκετά περίπλοκο σχήμα.

Παρά την πολύ πρώιμη εμφάνιση της κεραμικής, οι άνθρωποι της εποχής Jomon ανέπτυξαν την τεχνολογία πολύ αργά και παρέμειναν στο επίπεδο της λίθινης εποχής.

Κατά τη Μέση περίοδο Jōmon (2500-1500 π.Χ.), εμφανίστηκαν κεραμικά ειδώλια. Όμως τόσο στη Μέση όσο και στην Ύστερη (1000-300 π.Χ.) περίοδο παραμένουν αφηρημένα και έντονα στυλιζαρισμένα.

Από τους Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Περίοδος Jomon, 1000-400 π.Χ.
Εθνικό Μουσείο του Τόκιο

Παρεμπιπτόντως, οι ουφολόγοι πιστεύουν ότι πρόκειται για εικόνες εξωγήινων. Σε αυτά τα ειδώλια βλέπουν διαστημικές στολές, γυαλιά και μάσκες οξυγόνου στα πρόσωπά τους και οι εικόνες των σπειρών στις «διαστημικές στολές» θεωρούνται χάρτες γαλαξιών.

περίοδος Yayoi
Το Yayoi είναι μια σύντομη περίοδος στην ιαπωνική ιστορία, που διαρκεί από το 300 π.Χ. έως το 300 μ.Χ., κατά την οποία σημειώθηκαν οι πιο δραματικές πολιτισμικές αλλαγές στην ιαπωνική κοινωνία. Την περίοδο αυτή, οι φυλές που ήρθαν από την ηπειρωτική χώρα και εκτόπισαν τον αυτόχθονα πληθυσμό των ιαπωνικών νησιών έφεραν τον πολιτισμό τους και τις νέες τεχνολογίες, όπως η καλλιέργεια ρυζιού και η επεξεργασία του χαλκού. Και πάλι, το μεγαλύτερο μέρος της τέχνης και της τεχνολογίας της περιόδου Yayoi εισήχθη από την Κορέα και την Κίνα.

Περίοδος Kofun
Μεταξύ 300 και 500 ετών, οι ηγέτες των φυλών θάβονταν σε τύμβους που ονομάζονταν «Κοφούν». Αυτή η περίοδος ονομάζεται με αυτό το όνομα.

Τα πράγματα που μπορεί να χρειάζονταν οι νεκροί τοποθετούνταν στους τάφους. Αυτά είναι τρόφιμα, εργαλεία και όπλα, κοσμήματα, αγγεία, καθρέφτες και τα πιο ενδιαφέροντα - πήλινα ειδώλια που ονομάζονται "haniwa".

Από το Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Περίοδος Kofun, 6ος αιώνας.
Εθνικό Μουσείο του Τόκιο

Ο ακριβής σκοπός των ειδωλίων παραμένει άγνωστος, αλλά βρίσκονται σε όλους τους ταφικούς χώρους της εποχής Kofun. Από αυτά τα μικρά ειδώλια μπορεί κανείς να φανταστεί πώς ζούσαν οι άνθρωποι εκείνη την εποχή, καθώς οι άνθρωποι απεικονίζονται με εργαλεία και όπλα, και μερικές φορές δίπλα σε σπίτια.

Αυτά τα γλυπτά, επηρεασμένα από τις κινεζικές παραδόσεις, έχουν ανεξάρτητα στοιχεία εγγενή μόνο στην τοπική τέχνη.

Γυναίκα χορεύτρια, δυναστεία Δυτικών Χαν (206 π.Χ.–9 μ.Χ.), 2ος αιώνας π.Χ.
Κίνα
Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη

Κατά την περίοδο Kofun, τα ειδώλια γίνονται πιο εκλεπτυσμένα και ολοένα και πιο διαφορετικά. Αυτές είναι εικόνες στρατιωτών, κυνηγών, τραγουδιστών, χορευτών και ούτω καθεξής.

Από το Nohara, Konan-machi, Saitama Παρουσία H. 64.2, 57.3.
Περίοδος Kofun, 6ος αιώνας.
Εθνικό Μουσείο του Τόκιο

Υπάρχει ένα άλλο χαρακτηριστικό αυτών των γλυπτών. Τα Haniva αντιπροσωπεύουν όχι μόνο μια κοινωνική λειτουργία, αλλά και τη διάθεση της φιγούρας. Ένας πολεμιστής, για παράδειγμα, έχει μια αυστηρή έκφραση στο πρόσωπό του. και στα πρόσωπα των χωρικών τεράστια χαμόγελα.

Από Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130,5.
Περίοδος Kofun, 6ος αιώνας.
Εθνικό Μουσείο του Τόκιο

Περίοδος Asuka
Από την περίοδο Yayoi, οι ιαπωνικές εικαστικές τέχνες ήταν αδιαχώριστες από την κορεατική ή Κινεζική τέχνη. Αυτό γίνεται πιο αισθητό τον έβδομο και τον όγδοο αιώνα, όταν η ιαπωνική τέχνη άρχισε να εξελίσσεται γρήγορα σε μια ποικιλία οπτικών ειδών.

Τον 6ο αιώνα, σημειώθηκαν βασικές αλλαγές στην ιαπωνική κοινωνία: το πρώτο ιαπωνικό κράτος Yamato τελικά διαμορφώθηκε και επίσης, το 552, ο Βουδισμός ήρθε στην Ιαπωνία, φέρνοντας μαζί του τη βουδιστική γλυπτική και την έννοια ενός ναού, που προκάλεσε την εμφάνιση των ναών στην Ιαπωνία - ως Σιντοϊσμός, καθώς και Βουδιστικός.
Τα ιερά του Σιντοϊσμού ακολουθούσαν την αρχιτεκτονική των σιτοβολώνων (Οι παλαιότεροι σιτοβολώνες ήταν σιταποθήκες όπου γίνονταν οι εορτασμοί του τρύγου. Κατά τη διάρκεια των τελετουργικών εορτών, οι άνθρωποι πίστευαν ότι οι θεοί γλέντιζαν μαζί τους.)
Σιντοϊστές θεοί - πρώτα και κύρια φυσικές δυνάμειςώστε η αρχιτεκτονική αυτών των ιερών να είναι ενσωματωμένη με τη φύση, όπως τα ποτάμια και τα δάση. Αυτό είναι σημαντικό να γίνει κατανοητό. Στη Σιντοϊστική αρχιτεκτονική, οι τεχνητές κατασκευές προορίζονταν να είναι προεκτάσεις του φυσικού κόσμου.

Ο πρώτος βουδιστικός ναός, Shitennoji, χτίστηκε μόλις το 593 στην Οσάκα. Αυτοί οι πρώτοι ναοί ήταν απομιμήσεις κορεατικών βουδιστικών ναών, αποτελούμενοι από μια κεντρική παγόδα που περιβάλλεται από τρία κτίρια και έναν καλυμμένο διάδρομο.

Η διάδοση του βουδισμού διευκόλυνε τις επαφές μεταξύ της Ιαπωνίας και της Κορέας με την Κίνα και την ενσωμάτωση του κινεζικού πολιτισμού στον ιαπωνικό πολιτισμό.

Ιαπωνία? Πώς αναπτύχθηκε; Θα απαντήσουμε σε αυτές και σε άλλες ερωτήσεις στο άρθρο. Ο ιαπωνικός πολιτισμός διαμορφώθηκε ως αποτέλεσμα μιας ιστορικής κίνησης που ξεκίνησε όταν οι Ιάπωνες μετακινήθηκαν από την ηπειρωτική χώρα στο αρχιπέλαγος και γεννήθηκε ο πολιτισμός της περιόδου Jomon.

Η Ευρώπη, η Ασία (ιδιαίτερα η Κορέα και η Κίνα) και η Βόρεια Αμερική έχουν επηρεάσει έντονα τον σημερινό διαφωτισμό αυτού του λαού. Ένα από τα σημάδια του ιαπωνικού πολιτισμού είναι η μακρόχρονη ανάπτυξή του στην εποχή της πλήρους απομόνωσης του κράτους (πολιτική sakoku) από όλες τις άλλες χώρες κατά τη διάρκεια της βασιλείας του Σογκουνάτου Tokugawa, η οποία διήρκεσε μέχρι τα μέσα του 19ου αιώνα - στις αρχές του Εποχή Meiji.

Επιρροή

Πώς έγινε πολιτισμός της τέχνηςΙαπωνία? Ο πολιτισμός επηρεάστηκε σημαντικά από την απομονωμένη περιφερειακή θέση της χώρας, την κλιματική και γεωγραφικά χαρακτηριστικά, καθώς και φυσικά φαινόμενα (τυφώνες και συχνοί σεισμοί). Αυτό εκφράστηκε με την εξαιρετική στάση του πληθυσμού απέναντι στη φύση ως ζωντανό ον. χαρακτηριστικό εθνικό χαρακτήραΓιαπωνέζικα είναι η ικανότητα να θαυμάζεις τη σημερινή ομορφιά του σύμπαντος, η οποία εκφράζεται σε πολλά είδη τέχνης σε μια μικρή χώρα.

Η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιαπωνίας δημιουργήθηκε υπό την επίδραση του Βουδισμού, του Σιντοϊσμού και του Κομφουκιανισμού. Αυτές οι ίδιες τάσεις επηρέασαν την περαιτέρω ανάπτυξή του.

ΑΡΧΑΙΑ χρονια

Συμφωνώ, η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιαπωνίας είναι υπέροχη. Ο Σιντοϊσμός έχει τις ρίζες του στην αρχαιότητα. Ο Βουδισμός, αν και εμφανίστηκε πριν από την εποχή μας, άρχισε να διαδίδεται μόνο από τον πέμπτο αιώνα. Η περίοδος Heian (8ος-12ος αι.) θεωρείται η χρυσή εποχή του κρατισμού της Ιαπωνίας. Την ίδια περίοδο, η γραφική κουλτούρα αυτής της χώρας έφτασε στο υψηλότερο σημείο της.

Ο Κομφουκιανισμός εμφανίστηκε τον 13ο αιώνα. Σε αυτό το στάδιο, υπήρξε ένας διαχωρισμός της φιλοσοφίας του Κομφούκιου και του Βουδισμού.

Ιερογλυφικά

Η εικόνα της καλλιτεχνικής κουλτούρας της Ιαπωνίας ενσωματώνεται σε μια μοναδική στιχουργική, η οποία ονομάζεται Σε αυτή τη χώρα, η τέχνη της καλλιγραφίας είναι επίσης πολύ ανεπτυγμένη, η οποία, σύμφωνα με το μύθο, προέκυψε από ουράνιες θεϊκές εικόνες. Ήταν αυτοί που έδωσαν πνοή στη γραφή, έτσι ο πληθυσμός είναι ευγενικός με κάθε σημάδι στην ορθογραφία.

Φήμες λένε ότι ήταν ιερογλυφικά που έδωσαν τον ιαπωνικό πολιτισμό, αφού από αυτά εμφανίστηκαν εικόνες γύρω από το εγγεγραμμένο. Λίγο αργότερα άρχισε να παρατηρείται έντονος συνδυασμός στοιχείων ζωγραφικής και ποίησης σε ένα έργο.

Εάν μελετήσετε έναν ιαπωνικό κύλινδρο, θα διαπιστώσετε ότι το έργο περιέχει δύο είδη συμβόλων. Αυτά είναι σημάδια γραφής - σφραγίδες, ποιήματα, kolofen, καθώς και γραφικά. Ταυτόχρονα, το θέατρο Kabuki κέρδισε μεγάλη δημοτικότητα. Ένα διαφορετικό είδος θεάτρου -Μα- προτιμάται κυρίως από το στρατιωτικό προσωπικό. η αυστηρότητα και η σκληρότητά τους είχαν ισχυρή επιρροή στον Αρ.

Ζωγραφική

Η καλλιτεχνική κουλτούρα έχει μελετηθεί από πολλούς ειδικούς. Τεράστιο ρόλο στη διαμόρφωσή του έπαιξε η ζωγραφική kaiga, που στα ιαπωνικά σημαίνει σχέδιο ή ζωγραφική. Αυτή η τέχνη θεωρείται ως ο παλαιότερος τύπος ζωγραφικής του κράτους, ο οποίος καθορίζεται από έναν τεράστιο αριθμό λύσεων και μορφών.

Σε αυτό, μια ιδιαίτερη θέση κατέχει η φύση, η οποία καθορίζει την ιερή αρχή. Η διαίρεση της ζωγραφικής σε sumi-e και yamato-e υπάρχει από τον δέκατο αιώνα. Το πρώτο στυλ αναπτύχθηκε πιο κοντά στον δέκατο τέταρτο αιώνα. Είναι ένα είδος μονόχρωμης ακουαρέλας. Τα Yamato-e είναι οριζόντια διπλωμένα ειλητάρια που χρησιμοποιούνται συνήθως στη διακόσμηση έργων λογοτεχνίας.

Λίγο αργότερα, τον 17ο αιώνα, εμφανίστηκε στη χώρα η εκτύπωση σε ταμπλέτες - ukiyo-e. Οι Δάσκαλοι απεικόνιζαν τοπία, γκέισες, διάσημους ηθοποιούςτο θέατρο καμπούκι. Αυτός ο τύπος ζωγραφικής τον 18ο αιώνα είχε ισχυρή επιρροή στην τέχνη της Ευρώπης. Η αναδυόμενη τάση ονομάστηκε «Ιαπωνισμός». Στο Μεσαίωνα, ο πολιτισμός της Ιαπωνίας ξεπέρασε τα σύνορα της χώρας - άρχισε να χρησιμοποιείται στο σχεδιασμό κομψών και μοντέρνων εσωτερικών χώρων σε όλο τον κόσμο.

Καλλιγραφία

Ω, πόσο όμορφη είναι η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιαπωνίας! Η κατανόηση της αρμονίας με τη φύση φαίνεται σε κάθε τμήμα της. Τι είναι η σύγχρονη ιαπωνική καλλιγραφία; Ονομάζεται shodo («τρόπος ειδοποιήσεων»). Η καλλιγραφία, όπως και η γραφή, είναι υποχρεωτική επιστήμη. Οι επιστήμονες ανακάλυψαν ότι αυτή η τέχνη ήρθε εκεί ταυτόχρονα με την κινεζική γραφή.

Παρεμπιπτόντως, στην αρχαιότητα, ο πολιτισμός ενός ατόμου κρίθηκε από το επίπεδο καλλιγραφίας του. Σήμερα υπάρχει μεγάλος αριθμόςστυλ γραφής και έχουν αναπτυχθεί από βουδιστές μοναχούς.

Γλυπτική

Πώς προέκυψε ο ιαπωνικός πολιτισμός; Θα μελετήσουμε την ανάπτυξη και τους τύπους αυτού του τομέα της ανθρώπινης ζωής με όσο το δυνατόν περισσότερες λεπτομέρειες. Η γλυπτική είναι το αρχαιότερο είδος τέχνης στην Ιαπωνία. Στην αρχαιότητα, οι άνθρωποι αυτής της χώρας κατασκεύαζαν ειδώλια ειδώλων και πιάτα από κεραμικά. Τότε οι άνθρωποι άρχισαν να τοποθετούν αγάλματα του χανίβ, που δημιουργήθηκαν από ψημένο πηλό, στους τάφους.

Η ανάπτυξη της γλυπτικής τέχνης στη σύγχρονη ιαπωνική κουλτούρασυνδέεται με τη διάδοση του βουδισμού στο κράτος. Ένας από τους αρχαιότερους εκπροσώπους των ιαπωνικών μνημείων θεωρείται το άγαλμα του Βούδα Αμιτάμπα, κατασκευασμένο από ξύλο, τοποθετημένο στον ναό Zenko-ji.

Τα γλυπτά κατασκευάζονταν πολύ συχνά από δοκάρια, αλλά φαίνονταν πολύ πλούσια: οι τεχνίτες τα κάλυπταν με βερνίκι, χρυσό και έντονα χρώματα.

Origami

Σας αρέσει η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιαπωνίας; Η κατανόηση της αρμονίας με τη φύση θα φέρει μια αξέχαστη εμπειρία. χαρακτηριστικό στοιχείοΗ ιαπωνική κουλτούρα έχει γίνει καταπληκτικά προϊόντα origami («διπλωμένο χαρτί»). Αυτή η δεξιότητα οφείλει την καταγωγή της στην Κίνα, όπου, στην πραγματικότητα, εφευρέθηκε η περγαμηνή.

Στην αρχή το «διπλωμένο χαρτί» χρησιμοποιούνταν σε θρησκευτικές τελετές. Αυτή η τέχνη μπορούσε να μελετηθεί μόνο από την ανώτερη τάξη. Αλλά μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, το origami άφησε τα σπίτια των ευγενών και βρήκε τους θαυμαστές του σε όλη τη Γη.

Ικεμπάνα

Όλοι πρέπει να γνωρίζουν ποια είναι η καλλιτεχνική κουλτούρα των χωρών της Ανατολής. Η Ιαπωνία έχει επενδύσει πολύ δουλειά στην ανάπτυξή της. Ένα άλλο συστατικό αυτής της κουλτούρας υπέροχη χώραείναι η ikebana («ζωντανά λουλούδια», «νέα ζωή των λουλουδιών»). Οι Ιάπωνες είναι λάτρεις της αισθητικής και της απλότητας. Είναι ακριβώς αυτές οι δύο ιδιότητες που επενδύονται στα έργα. Η πολυπλοκότητα των εικόνων επιτυγχάνεται με την ευεργετική χρήση της φυσικής ομορφιάς της βλάστησης. Το Ikebana, όπως το origami, χρησίμευε επίσης ως μέρος μιας θρησκευτικής τελετής.

Μινιατούρες

Πιθανώς, πολλοί έχουν ήδη καταλάβει ότι η καλλιτεχνική κουλτούρα της Αρχαίας Κίνας και της Ιαπωνίας είναι στενά συνυφασμένη. Και τι είναι το μπονσάι; Είναι μια Ιαπωνική μοναδική δεξιότητα να καλλιεργείς ένα σχεδόν ακριβές μικροσκοπικό αντίγραφο ενός πραγματικού δέντρου.

Στην Ιαπωνία, είναι επίσης σύνηθες να φτιάχνουν netsuke - μικρά γλυπτά που είναι ένα είδος μπρελόκ. Συχνά τέτοια ειδώλια με αυτή την ιδιότητα ήταν προσαρτημένα στα ρούχα των Ιαπώνων, τα οποία δεν είχαν τσέπες. Όχι μόνο το διακόσμησαν, αλλά χρησίμευαν και ως πρωτότυπο αντίβαρο. Τα μπρελόκ κατασκευάζονταν σε μορφή κλειδιού, πουγκί, ψάθινου καλαθιού.

Ιστορία της ζωγραφικής

Καλλιτεχνική κουλτούρα αρχαία Ιαπωνίαενδιαφέρονται για πολλούς ανθρώπους. Η ζωγραφική σε αυτή τη χώρα ξεκίνησε κατά την ιαπωνική παλαιολιθική περίοδο και αναπτύχθηκε με αυτόν τον τρόπο:

• Περίοδος Yamato. Την εποχή της Asuka και του Kofun (4ος-7ος αι.), μαζί με την εισαγωγή ιερογλυφικών, τη δημιουργία ενός κρατικού καθεστώτος κινεζικού τύπου και τη διάδοση του βουδισμού, πολλά έργα τέχνης μεταφέρθηκαν στην Ιαπωνία από την Κίνα. Μετά από αυτό, οι πίνακες κινέζικου στυλ άρχισαν να αναπαράγονται στη Χώρα του Ανατέλλοντος Ήλιου.
• ώρα Νάρα. Τον VI και VII αιώνα. Ο Βουδισμός συνέχισε να αναπτύσσεται στην Ιαπωνία. Από αυτή την άποψη, η θρησκευτική ζωγραφική άρχισε να ανθίζει, που χρησιμοποιήθηκε για να διακοσμήσει τους πολυάριθμους ναούς που έχτισε η αριστοκρατία. Γενικά, την εποχή Νάρα, η συμβολή στην ανάπτυξη της γλυπτικής και της τέχνης ήταν μεγαλύτερη από ό,τι στη ζωγραφική. Οι πρώιμοι πίνακες αυτού του κύκλου περιλαμβάνουν τοιχογραφίες στους εσωτερικούς τοίχους του ναού Horyu-ji στο νομό Nara, που απεικονίζουν τη ζωή του Shakyamuni Βούδα.
• Εποχή Heian. Στην ιαπωνική ζωγραφική, ξεκινώντας από τον 10ο αιώνα, διακρίνεται η τάση του yamato-e, όπως γράψαμε παραπάνω. Τέτοιοι πίνακες είναι οι οριζόντιοι κύλινδροι που χρησιμοποιούνται για την εικονογράφηση βιβλίων.
• Η εποχή του Μουρομάτσι. Τον 14ο αιώνα, εμφανίστηκε το στυλ Supi-e (μονόχρωμη ακουαρέλα) και στο πρώτο μισό του XVII αιώνα. οι καλλιτέχνες άρχισαν να τυπώνουν χαρακτικά σε σανίδες - ukiyo-e.
• Η ζωγραφική της εποχής Azuchi-Momoyama βρίσκεται σε έντονη αντίθεση με τη ζωγραφική της περιόδου Muromachi. Έχει πολυχρωμία με εκτεταμένη χρήση ασημιού και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, το εκπαιδευτικό ίδρυμα Kano απέκτησε μεγάλο κύρος και φήμη. Ιδρυτής του ήταν ο Kano Eitoku, ο οποίος ζωγράφιζε ταβάνια και συρόμενες πόρτες σε ξεχωριστά δωμάτια. Τέτοια σχέδια κοσμούσαν τα κάστρα και τα παλάτια των στρατιωτικών ευγενών.
• Εποχή Maiji. Από το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, η τέχνη χωρίστηκε σε ανταγωνιστικά παραδοσιακά και ευρωπαϊκά στυλ. Κατά την εποχή του Maiji, η Ιαπωνία γνώρισε μεγάλη κοινωνική και πολιτική αλλαγήστη διαδικασία εκσυγχρονισμού και εξευρωπαϊσμού που οργανώνουν οι αρχές. Νέοι πολλά υποσχόμενοι καλλιτέχνες στάλθηκαν στο εξωτερικό για σπουδές και καλλιτέχνες από το εξωτερικό ήρθαν στην Ιαπωνία για να δημιουργήσουν σχολικά καλλιτεχνικά προγράμματα. Όπως και να έχει, μετά το αρχικό κύμα περιέργειας για το καλλιτεχνικό στυλ της Δύσης, το εκκρεμές αιωρήθηκε αντιθετη πλευρα, και το ιαπωνικό παραδοσιακό στυλ αναβίωσε. Το 1880, οι δυτικές πρακτικές τέχνης απαγορεύτηκαν από επίσημες εκθέσεις και επικρίθηκαν έντονα.

Ποίηση

Ο καλλιτεχνικός πολιτισμός της αρχαίας Ιαπωνίας εξακολουθεί να μελετάται. Το χαρακτηριστικό του είναι η ευελιξία, κάποια συνθετική, καθώς διαμορφώθηκε υπό την επίδραση διαφορετικών θρησκειών. Είναι γνωστό ότι η ιαπωνική κλασική ποίηση προέκυψε από την καθημερινή ζωή, έδρασε μέσα της και αυτή η γήινη ποίηση διατηρήθηκε σε κάποιο βαθμό στις παραδοσιακές μορφές της σημερινής ποίησης - τρίγραμμο χαϊκού και πεντάγραμμο τάνκα, που διακρίνονται από έντονη μαζικός χαρακτήρας. Παρεμπιπτόντως, αυτή ακριβώς η ιδιότητα τους διακρίνει από τον «ελεύθερο στίχο» που έλκει προς τον ελιτισμό, που εμφανίστηκε στην Ιαπωνία στις αρχές του 20ού αιώνα υπό την επίδραση της ευρωπαϊκής ποίησης.

Έχετε παρατηρήσει ότι τα στάδια ανάπτυξης της καλλιτεχνικής κουλτούρας της Ιαπωνίας είναι πολύπλευρα; Η ποίηση στην κοινωνία αυτής της χώρας έπαιξε ιδιαίτερο ρόλο. Ένα από τα πιο διάσημα είδη είναι το χαϊκού, μπορείτε να το καταλάβετε μόνο αν εξοικειωθείτε με την ιστορία του.

Εμφανίστηκε για πρώτη φορά στην εποχή Heian, ήταν παρόμοιο με το στυλ renga, το οποίο ήταν ένα είδος διέξοδος για ποιητές που ήθελαν να κάνουν ένα διάλειμμα από τους στοχαστικούς στίχους του wah. Χαϊκάι έχει γίνει ανεξάρτητο είδοςτον 16ο αιώνα, καθώς η renga έγινε πολύ σοβαρή και το χαϊκού βασίστηκε σε αυτό καθομιλουμένηκαι ήταν ακόμα χιουμοριστικό.

Φυσικά, η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιαπωνίας περιγράφεται εν συντομία σε πολλά έργα, αλλά θα προσπαθήσουμε να μιλήσουμε για αυτήν με περισσότερες λεπτομέρειες. Είναι γνωστό ότι στον Μεσαίωνα ένα από τα πιο διάσημα λογοτεχνικά είδη της Ιαπωνίας ήταν το tanka («λακωνικό τραγούδι»). Στις περισσότερες περιπτώσεις, πρόκειται για μια πεντάγραμμη, που αποτελείται από ένα ζευγάρι στροφών με σταθερό αριθμό συλλαβών: 5-7-5 συλλαβές σε τρεις γραμμές της πρώτης στροφής και 7-7 σε δύο γραμμές της δεύτερης. Όσον αφορά το περιεχόμενο, το tanka χρησιμοποιεί το ακόλουθο σχήμα: η πρώτη στροφή αντιπροσωπεύει μια συγκεκριμένη φυσική εικόνα και η δεύτερη αντικατοπτρίζει το συναίσθημα ενός ατόμου που απηχεί αυτήν την εικόνα:

• Στα μακρινά βουνά
  Ο μακρυουρός φασιανός κοιμάται -
  Αυτή η μακρά, μεγάλη νύχτα
  Μπορώ να κοιμηθώ μόνος μου; ( Kakinomoto no Hitovaro, αρχές 8ου αιώνα, μετάφραση Σάνοβιτς.)

Ιαπωνική δραματουργία

Πολλοί υποστηρίζουν ότι η καλλιτεχνική κουλτούρα της Κίνας και της Ιαπωνίας είναι μαγευτική. Σας αρέσουν οι παραστατικές τέχνες; Η παραδοσιακή δραματουργία της Χώρας του Ανατέλλοντος Ηλίου χωρίζεται σε joruri (κουκλοθέατρο), δραματουργία του θεάτρου Noh (kyogen και yokyoku), θέατρο kabuki και shingeki. Τα έθιμα αυτής της τέχνης περιλαμβάνουν πέντε βασικά θεατρικά είδη: kyogen no, bugaku, kabuki και bunraku. Και οι πέντε αυτές παραδόσεις εξακολουθούν να υπάρχουν σήμερα. Παρά τις κολοσσιαίες διαφορές, συνδέονται με κοινές αισθητικές αρχές που στηρίζουν την ιαπωνική τέχνη. Παρεμπιπτόντως, η δραματουργία της Ιαπωνίας ξεκίνησε στη σκηνή του Αρ.

Το θέατρο Καμπούκι εμφανίστηκε τον 17ο αιώνα και έφτασε στο απόγειό του προς τα τέλη του 18ου. Η μορφή των παραστάσεων που αναπτύχθηκε κατά την καθορισμένη περίοδο διατηρείται στη σύγχρονη σκηνή του Καμπούκι. Οι παραγωγές αυτού του θεάτρου, σε αντίθεση με τις σκηνές του No, εστιασμένες σε έναν στενό κύκλο θαυμαστών της αρχαίας τέχνης, είναι σχεδιασμένες για το μαζικό κοινό. Οι ρίζες των δεξιοτήτων Kabuki πηγάζουν από τις ερμηνείες κωμικών - ερμηνευτών μικρών φαρσών, σκηνών που αποτελούνταν από χορό και τραγούδι. Η θεατρική δεινότητα του Καμπούκι απορρόφησε τα στοιχεία του joruri και όχι.

Η εμφάνιση του θεάτρου Kabuki συνδέεται με το όνομα του εργάτη του βουδιστικού ιερού O-Kuni στο Κιότο (1603). Ο O-Kuni εμφανίστηκε στη σκηνή με θρησκευτικούς χορούς, που περιλάμβαναν τις κινήσεις των λαϊκών χορών των Nembutsu-odori. Οι παραστάσεις της διανθίστηκαν με κωμικά έργα. Σε αυτό το στάδιο, οι παραγωγές ονομάζονταν yujo-kabuki (καμπούκι των εταίρων), o-kuni-kabuki ή onna-kabuki (γυναικεία kabuki).

γκραβούρες

Τον περασμένο αιώνα, οι Ευρωπαίοι, και στη συνέχεια οι Ρώσοι, συνάντησαν το φαινόμενο της ιαπωνικής τέχνης μέσω της χαρακτικής. Εν τω μεταξύ, στη Χώρα του Ανατέλλοντος Ήλιου, το σχέδιο σε ένα δέντρο δεν θεωρήθηκε αρχικά καθόλου δεξιότητα, αν και είχε όλες τις ιδιότητες της μαζικής κουλτούρας - φθηνότητα, διαθεσιμότητα, κυκλοφορία. Οι γνώστες του Ukiyo-e μπόρεσαν να επιτύχουν την υψηλότερη ευαισθησία και απλότητα τόσο στην ενσάρκωση των πλοκών όσο και στην επιλογή τους.

Η Ukiyo-e ήταν μια ειδική σχολή τέχνης, έτσι ήταν σε θέση να παρουσιάσει μια σειρά από εξαιρετικούς δασκάλους. Έτσι, το όνομα του Hisikawa Moronobu (1618-1694) συνδέεται με την αρχική φάση της ανάπτυξης της χαρακτικής πλοκής. Στα μέσα του 18ου αιώνα, ο Suzuki Harunobu, ο πρώτος γνώστης της πολύχρωμης χαρακτικής, δημιούργησε. Τα κύρια κίνητρα του έργου του ήταν λυρικές σκηνές, στις οποίες δεν δόθηκε προσοχή στη δράση, αλλά στη μετάδοση διαθέσεων και συναισθημάτων: αγάπη, τρυφερότητα, θλίψη. Όπως η εξαίσια αρχαία τέχνη της εποχής Heian, οι βιρτουόζοι ukiyo-e αναβίωσαν την εξαιρετική λατρεία της εξαιρετικής ομορφιάς των γυναικών σε ένα ανακαινισμένο αστικό περιβάλλον.

Η μόνη διαφορά ήταν ότι αντί για τους περήφανους αριστοκράτες Heian, τα prints απεικόνιζαν χαριτωμένη γκέισα από τις περιοχές διασκέδασης του Edo. Ο καλλιτέχνης Utamaro (1753-1806) είναι, ίσως, ένα μοναδικό παράδειγμα επαγγελματία στην ιστορία της ζωγραφικής, που αφιέρωσε πλήρως τη δημιουργία του στην απεικόνιση κυριών σε διάφορες πόζες και φορέματα, σε διάφορες συνθήκες ζωής. Ένα από τα καλύτερα έργα του είναι το χαρακτικό «Γκέισα Οσάμα», που φυλάσσεται στη Μόσχα, στο Μουσείο Ζωγραφικής Πούσκιν. Ο καλλιτέχνης μετέφερε ασυνήθιστα διακριτικά την ενότητα της χειρονομίας και της διάθεσης, τις εκφράσεις του προσώπου.

Manga και anime

Πολλοί καλλιτέχνες προσπαθούν να μελετήσουν τη ζωγραφική της Ιαπωνίας. Τι είναι το anime (ιαπωνικό animation); Διαφέρει από τα άλλα είδη κινουμένων σχεδίων καθώς είναι περισσότερο προσαρμοσμένο σε έναν ενήλικο θεατή. Εδώ υπάρχει μια διπλή διαίρεση σε στυλ για ένα μονοσήμαντο στοχευμένο κοινό. Το μέτρο της σύνθλιψης είναι το φύλο, η ηλικία ή το ψυχολογικό πορτρέτο του κινηματογραφιστή. Πολύ συχνά, το anime είναι μια κινηματογραφική μεταφορά ιαπωνικών κόμικς manga, τα οποία έλαβαν επίσης μεγάλη φήμη.

Το βασικό μέρος του manga έχει σχεδιαστεί για έναν ενήλικο θεατή. Σύμφωνα με στοιχεία του 2002, περίπου το 20% της συνολικής ιαπωνικής αγοράς βιβλίων καταλαμβανόταν από κόμικς manga.

Η Ιαπωνία είναι κοντά μας γεωγραφικά, αλλά, παρόλα αυτά, για πολύ καιρό παρέμεινε ακατανόητη και απρόσιτη σε ολόκληρο τον κόσμο. Σήμερα γνωρίζουμε πολλά για αυτή τη χώρα. Μια μακρά εθελοντική απομόνωση οδήγησε στο γεγονός ότι ο πολιτισμός της είναι εντελώς διαφορετικός από τους πολιτισμούς άλλων κρατών.

Η Ιαπωνία είναι η μικρότερη χώρα στην Άπω Ανατολή - 372 χιλιάδες τετραγωνικά χιλιόμετρα. Αλλά η συνεισφορά που έχει κάνει η Ιαπωνία στην ιστορία του παγκόσμιου πολιτισμού δεν είναι μικρότερη από τη συμβολή των μεγάλων αρχαίων κρατών.

Οι απαρχές της τέχνης αυτής της αρχαίας χώρας χρονολογούνται από την 8η χιλιετία π.Χ. Αλλά το πιο σημαντικό στάδιο σε όλους τους τομείς της καλλιτεχνική ζωήυπήρξε περίοδος που ξεκίνησε τον 6ο-7ο αι. από τον Ρ.Χ. και συνεχίστηκε μέχρι τα μέσα του 19ου αιώνα. Η ανάπτυξη της ιαπωνικής τέχνης προχώρησε άνισα, αλλά δεν γνώριζε πολύ έντονες αλλαγές ή απότομες πτώσεις.

Η ιαπωνική τέχνη αναπτύχθηκε σε ιδιαίτερες φυσικές και ιστορικές συνθήκες. Η Ιαπωνία βρίσκεται σε τέσσερα μεγάλα νησιά (Honshu, Hokkaido, Kyushu και Shioku) και πολλά μικρότερα. Για πολύ καιρόήταν απόρθητη και δεν ήξερε εξωτερικούς πολέμους. Η εγγύτητα της Ιαπωνίας με την ηπειρωτική χώρα επηρέασε τη δημιουργία επαφών με την Κίνα και την Κορέα κατά την αρχαιότητα. Αυτό επιτάχυνε την ανάπτυξη της ιαπωνικής τέχνης.

Η ιαπωνική μεσαιωνική τέχνη αναπτύχθηκε υπό την επίδραση των κορεατικών και κινεζικών πολιτισμών. Η Ιαπωνία υιοθέτησε την κινεζική γραφή και τα χαρακτηριστικά της κινεζικής κοσμοθεωρίας. Ο Βουδισμός έγινε η κρατική θρησκεία της Ιαπωνίας. Όμως οι Ιάπωνες διαθλούνταν με τον δικό τους τρόπο κινέζικες ιδέεςκαι τους προσάρμοσε στον τρόπο ζωής τους.

Ιαπωνικό σπίτι, ιαπωνικό εσωτερικό
Το ιαπωνικό σπίτι είναι τόσο καθαρό και απλό εσωτερικά όσο και εξωτερικά. Διατηρήθηκε συνεχώς καθαρό. Το δάπεδο, γυαλισμένο σε λάμψη, καλύφθηκε με ελαφριά ψάθες - τατάμι, χωρίζοντας το δωμάτιο σε ομοιόμορφα ορθογώνια. Τα παπούτσια αφαιρέθηκαν στο κατώφλι, τα πράγματα κρατήθηκαν σε ντουλάπες, η κουζίνα ήταν ξεχωριστή από το σαλόνι. Στα δωμάτια, κατά κανόνα, δεν υπήρχαν μόνιμα πράγματα. Τους έφεραν και τους πήραν όπως χρειαζόταν. Αλλά κάθε πράγμα σε ένα άδειο δωμάτιο, είτε είναι ένα λουλούδι σε ένα βάζο, μια εικόνα ή ένα τραπέζι από λάκα, τράβηξε την προσοχή και απέκτησε μια ιδιαίτερη εκφραστικότητα.

Όλα τα είδη τέχνης συνδέονται με το σχεδιασμό του χώρου ενός σπιτιού, ναού, παλατιού ή κάστρου στη μεσαιωνική Ιαπωνία. Το καθένα χρησίμευε ως συμπλήρωμα του άλλου. Για παράδειγμα, ένα επιδέξια επιλεγμένο μπουκέτο συμπλήρωνε και πυροδότησε τη διάθεση που μεταδίδεται στη ζωγραφική τοπίου.

Η ίδια άψογη ακρίβεια, η ίδια αίσθηση υλικού, όπως στη διακόσμηση ενός ιαπωνικού σπιτιού, ήταν αισθητή στα προϊόντα της διακοσμητικής τέχνης. Όχι χωρίς λόγο στις τελετές τσαγιού, καθώς το μεγαλύτερο κόσμημα, τα σκεύη που έφτιαχναν τα χέρια χρησιμοποιούνταν. Το μαλακό και ανομοιόμορφο σκεύος του κρατούσε το ίχνος των δακτύλων που σμιλεύουν τον υγρό πηλό. Τα ροζ-μαργαριτάρι, τυρκουάζ-λιλά ή γκρι-μπλε λούστρο δεν ήταν πιασάρικα, αλλά ένιωθαν τη λάμψη της ίδιας της φύσης, με τη ζωή της οποίας συνδέεται κάθε αντικείμενο της ιαπωνικής τέχνης.

Ιαπωνική κεραμική
Χωρίς υάλωμα, χυτευμένα στο χέρι και ψημένα σε χαμηλή θερμοκρασία, τα πήλινα αγγεία έμοιαζαν με κεραμικά άλλων αρχαίων λαών. Αλλά είχαν ήδη χαρακτηριστικά που είναι μοναδικά στον ιαπωνικό πολιτισμό. Τα σχέδια των κανατών και των πιάτων διαφόρων σχημάτων αντανακλούσαν ιδέες για τα στοιχεία των τυφώνων, των θαλασσών και των βουνών που αναπνέουν φωτιά. Η φαντασία αυτών των προϊόντων φαινόταν να προκλήθηκε από την ίδια τη φύση.

Ογκώδεις κανάτες ύψους σχεδόν ενός μέτρου με κολλημένο σχέδιο από κυρτές δέσμες πηλού μοιάζουν είτε με τυλιγμένα κοχύλια, είτε με διακλαδισμένους κοραλλιογενείς υφάλους, είτε με κουβάρια από φύκια ή με οδοντωτές άκρες ηφαιστείων. Αυτά τα μεγαλοπρεπή και μνημειώδη αγγεία και κύπελλα εξυπηρετούσαν όχι μόνο οικιακούς, αλλά και τελετουργικούς σκοπούς. Όμως στα μέσα της 1ης χιλιετίας π.Χ. Τα χάλκινα αντικείμενα ήρθαν σε χρήση και τα κεραμικά σκεύη έχασαν τον τελετουργικό τους σκοπό.

Δίπλα στην κεραμική, εμφανίστηκαν νέα προϊόντα καλλιτεχνικής χειροτεχνίας - όπλα, κοσμήματα, χάλκινες καμπάνες και καθρέφτες.

Ιαπωνικά είδη οικιακής χρήσης
Τον 9ο έως τον 12ο αιώνα μ.Χ., τα γούστα της ιαπωνικής αριστοκρατίας αποκαλύφθηκαν στις διακοσμητικές τέχνες. Απαλά, ανθεκτικά στην υγρασία αντικείμενα λάκας, πασπαλισμένα με χρυσό και ασήμι σε σκόνη, ελαφριά και κομψά, σαν να φωτίζουν το λυκόφως των ιαπωνικών δωματίων και αποτελούν μια τεράστια γκάμα καθημερινών ειδών. Η λάκα χρησιμοποιήθηκε για τη δημιουργία μπολ και κασετιών, σεντούκια και τραπεζιών, μουσικά όργανα. Κάθε μικρό πράγμα του ναού και της καθημερινής ζωής - ασημένια μαχαιροπίρουνα για φαγητό, βάζα για λουλούδια, χαρτί με σχέδια για γράμματα, κεντημένες ζώνες - αποκάλυψε την ποιητική και συναισθηματική στάση των Ιαπώνων στον κόσμο.

Ζωγραφική της Ιαπωνίας
Με την ανάπτυξη της μνημειακής ανακτορικής αρχιτεκτονικής, η δραστηριότητα των ζωγράφων της αυλικής σχολής έγινε πολύ πιο ενεργή. Οι καλλιτέχνες έπρεπε να ζωγραφίσουν μεγάλες επιφάνειες όχι μόνο τοίχων, αλλά και πτυσσόμενων οθονών πολλαπλών χαρτιών, που έπαιζαν το ρόλο τόσο των ζωγραφιών όσο και των φορητών χωρισμάτων στο δωμάτιο. Ένα χαρακτηριστικό του δημιουργικού τρόπου των ταλαντούχων τεχνιτών ήταν η επιλογή μιας μεγάλης, πολύχρωμης λεπτομέρειας του τοπίου στο τεράστιο επίπεδο ενός πάνελ τοίχου ή οθόνης.

Οι συνθέσεις λουλουδιών, βοτάνων, δέντρων και πουλιών, που ερμήνευσε ο Kano Eitoku σε χρυσαφένια λαμπερά φόντο με χοντρές και ζουμερές κηλίδες, γενικεύουν ιδέες για τη δύναμη και το μεγαλείο του σύμπαντος. Εκπρόσωποι της σχολής Kano, μαζί με φυσικά μοτίβα, περιλαμβάνονται στους πίνακες και νέα θέματα που αντικατοπτρίζουν τη ζωή και τη ζωή της ιαπωνικής πόλης του 16ου αιώνα.

Υπήρχαν επίσης μονόχρωμα τοπία στις οθόνες του παλατιού. Έχουν όμως εξαιρετικό διακοσμητικό αποτέλεσμα. Τέτοια είναι η οθόνη που ζωγράφισε ο οπαδός του Sesshu, Hasegawa Tohaku (1539-1610). Η λευκή ματ επιφάνειά του ερμηνεύεται από τον ζωγράφο ως ένα παχύ πέπλο ομίχλης, από το οποίο, σαν οράματα, ξεσπούν ξαφνικά οι σιλουέτες των παλιών πεύκων. Με λίγες μόνο τολμηρές σταγόνες μελανιού, ο Tohaku δημιουργεί μια ποιητική εικόνα ενός φθινοπωρινού δάσους.

Οι μονόχρωμοι κύλινδροι του τοπίου, με την απαλή ομορφιά τους, δεν μπορούσαν να ταιριάζουν με το στυλ των θαλάμων του παλατιού. Όμως διατήρησαν τη σημασία τους ως αναπόσπαστο μέρος του περιπτέρου τσαγιού chashitsu, σχεδιασμένο για πνευματική συγκέντρωση και γαλήνη.

Έργα τέχνης Ιάπωνων δασκάλων όχι μόνο παραμένουν πιστά στα αρχαία στυλ, αλλά έχουν πάντα κάτι νέο μέσα τους που κανένα άλλο έργο τέχνης δεν έχει. Στην ιαπωνική τέχνη δεν υπάρχει χώρος για κλισέ και πρότυπα. Σε αυτό, όπως και στη φύση, δεν υπάρχουν δύο εντελώς πανομοιότυπες δημιουργίες. Και ακόμη και τώρα, τα έργα τέχνης από Ιάπωνες δασκάλους δεν μπορούν να συγχέονται με έργα τέχνης από άλλες χώρες. Στην ιαπωνική τέχνη, ο χρόνος έχει επιβραδυνθεί, αλλά δεν έχει σταματήσει. Στην ιαπωνική τέχνη, οι παραδόσεις των αρχαίων χρόνων έχουν επιβιώσει μέχρι σήμερα.

« Μεγάλο κύμα in Kanagawa» του Katsushika Hokusai (1760-1849) είναι ένα από τα πιο διάσημα χαρακτικά και το πρώτο φύλλο της σειράς Thirty-six Views of Fuji. Στις αρχές της δεκαετίας του 1830, ο Katsushika Hokusai, με εντολή του εκδοτικού οίκου Eijudo, άρχισε να δημιουργεί μια σειρά 46 φύλλων (36 κύρια και 10 επιπλέον) και το The Great Wave off Kanagawa ήταν ένα χαρακτικό που ανοίγει ολόκληρη τη σειρά.

Τέτοιες συλλογές χαρακτικών χρησίμευαν ως ένα είδος «εικονικού ταξιδιού» για τους κατοίκους της πόλης εκείνης της εποχής, ένας βολικός και φθηνός τρόπος για να ικανοποιήσουν την περιέργεια. Οι εκτυπώσεις που μοιάζουν με το Fuji κοστίζουν περίπου 20 δευτ. - περίπου το ίδιο με μια διπλή μερίδα noodles σε ένα ιαπωνικό εστιατόριο της εποχής. Ωστόσο, η επιτυχία ήταν τόσο μεγάλη που μέχρι το 1838 το κόστος των φύλλων του Hokusai είχε αυξηθεί σε σχεδόν 50 μήνες, και μετά το θάνατο του πλοιάρχου, το Wave μόνο ανατυπώθηκε από νέους πίνακες περισσότερες από 1000 φορές.

Παραδόξως, παρά το δηλωμένο θέμα ολόκληρης της σειράς, ο Fuji στο The Wave φαίνεται να παίζει δευτερεύοντα ρόλο. Ο κύριος «χαρακτήρας» σε αυτό το χαρακτικό είναι ένα κύμα και σε πρώτο πλάνο ξετυλίγεται μια δραματική σκηνή της πάλης ενός άνδρα με τα στοιχεία. Οι άκρες της κορυφής του αφρού μοιάζουν με τα στριμμένα δάχτυλα ενός φανταστικού θυμωμένου δαίμονα και η απρόσωπη και η αδράνεια των ανθρώπινων μορφών στις βάρκες δεν αφήνει καμία αμφιβολία ποιος θα είναι ο νικητής σε αυτόν τον αγώνα. Ωστόσο, δεν είναι αυτή η αντιπαράθεση που είναι η σύγκρουση που δημιουργεί την πλοκή του χαρακτικού.
Σταματώντας τη στιγμή μετά την οποία συντρίβονται τα σκάφη, ο Χοκουσάι επιτρέπει στον θεατή να δει για μια στιγμή τον Φούτζι στον γκρίζο ουρανό, σκοτεινίζοντας προς τον ορίζοντα. Αν και οι Ιάπωνες χαράκτες ήταν ήδη εξοικειωμένοι με τις αρχές της ευρωπαϊκής γραμμικής και εναέριας προοπτικής εκείνη την εποχή, δεν ένιωθαν την ανάγκη για αυτήν την τεχνική. Το σκοτεινό φόντο, καθώς και το μακρύ ταξίδι του ματιού από το προσκήνιο με τις βάρκες μέσα από την κίνηση του κύματος προς το Φούτζι, πείθουν το μάτι ότι το ιερό βουνό μας χωρίζει η έκταση της θάλασσας.

Το Fuji υψώνεται μακριά από την ακτή ως σύμβολο σταθερότητας και σταθερότητας, σε αντίθεση με τα θυελλώδη στοιχεία. Η ενότητα και η αλληλεξάρτηση των αντιθέτων στηρίζουν την ιδέα της κοσμικής τάξης και της απόλυτης αρμονίας στην κοσμοθεωρία της Άπω Ανατολής και ήταν αυτά που έγιναν το κύριο θέμα του χαρακτικού "The Great Wave off Kanagawa", που άνοιξε τη σειρά από Κατσουσίκα Χοκουσάι.

"Beauty Nanivaya Okita" του Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Ο Kitagawa Utamaro (1753-1806) δικαίως μπορεί να ονομαστεί τραγουδιστής γυναικεία ομορφιάσε ιαπωνική εκτύπωση ukiyo-e: δημιούργησε μια σειρά από κανονικές εικόνες γιαπωνέζων καλλονών ( bijinga) - οι κάτοικοι των σπιτιών τσαγιού και της διάσημης συνοικίας ψυχαγωγίας Yoshiwara στην πρωτεύουσα της Ιαπωνίας, Έντο edo — το όνομα του Τόκιο μέχρι το 1868..

Στη χαρακτική bijinga, όλα δεν είναι ακριβώς όπως φαίνονται στον σύγχρονο θεατή. Οι πλούσια ντυμένες ευγενείς κυρίες, κατά κανόνα, ασχολούνταν με μια επαίσχυντη τέχνη και ανήκαν στην κατώτερη τάξη, και τα χαρακτικά με πορτρέτα καλλονών είχαν μια ανοιχτά διαφημιστική λειτουργία. Ταυτόχρονα, η γκραβούρα δεν έδωσε ιδέα για την εμφάνιση του κοριτσιού, και παρόλο που η Okita από το τεϊοποτείο Nanivaya κοντά στο ναό Asakusa θεωρήθηκε η πρώτη ομορφιά του Edo, το πρόσωπό της στη γκραβούρα είναι στερείται εντελώς ατομικότητας.

Από τον 10ο αιώνα, οι γυναικείες εικόνες στην ιαπωνική τέχνη υπόκεινται στον κανόνα του μινιμαλισμού. "Γραμμή-μάτι, γάντζος-μύτη" - τεχνική hikime-kagihanaεπέτρεψε στον καλλιτέχνη μόνο να υποδείξει ότι απεικονιζόταν μια συγκεκριμένη γυναίκα: στην ιαπωνική παραδοσιακή κουλτούρα, το ζήτημα της φυσικής ομορφιάς συχνά παραλείπονταν. Στις γυναίκες ευγενής γέννησηΗ «ομορφιά της καρδιάς» και η εκπαίδευση εκτιμήθηκαν πολύ περισσότερο και οι κάτοικοι των χαρούμενων συνοικιών προσπαθούσαν να μιμηθούν τα υψηλότερα πρότυπα σε όλα. Σύμφωνα με τον Utamaro, η Okita ήταν πραγματικά όμορφη.

Το φύλλο "Beauty Nanivaya Okita" τυπώθηκε το 1795-1796 στη σειρά "Διάσημες ομορφιές που παρομοιάζονται με έξι αθάνατους ποιητές", στην οποία ένας από τους συγγραφείς του 9ου αιώνα αντιστοιχούσε σε κάθε ομορφιά. Στο φύλλο με το πορτρέτο του Okita στην επάνω αριστερή γωνία υπάρχει μια εικόνα του Arivara no Narihira (825-880), ενός από τους πιο σεβαστούς ποιητές στην Ιαπωνία, στον οποίο αποδίδεται παραδοσιακά το μυθιστόρημα Ise Monogatari. Αυτός ο ευγενής ευγενής και λαμπρός ποιητής έγινε επίσης διάσημος για τους έρωτές του, μερικές από τις οποίες αποτέλεσαν τη βάση του μυθιστορήματος.

Αυτό το φύλλο είναι μια ιδιόμορφη χρήση της τεχνικής ακάρεα(συγκρίσεις) σε ιαπωνική γκραβούρα. Οι ιδιότητες ενός έγκυρου «πρωτότυπου» μεταφέρονται στην εικονιζόμενη ομορφιά και η κομψή εταίρα, με ένα γαλήνιο πρόσωπο που σερβίρει στον καλεσμένο ένα φλιτζάνι τσάι, διαβάζεται ήδη από τον θεατή ως μια κυρία με δεξιοτεχνία στην ποίηση και τα έργα αγάπης. Η σύγκριση με την Arivara no Narihira ήταν πραγματικά μια αναγνώριση της υπεροχής της μεταξύ των καλλονών Edo.

Ταυτόχρονα, ο Utamaro δημιουργεί μια εκπληκτικά λυρική εικόνα. Εξισορροπώντας σκοτεινά και ανοιχτόχρωμα σημεία στο φύλλο και σκιαγραφώντας τη φόρμα με μελωδικές, κομψές γραμμές, δημιουργεί μια πραγματικά τέλεια εικόνα χάρης και αρμονίας. Η «διαφήμιση» υποχωρεί και η ομορφιά που συνέλαβε ο Utamaro παραμένει διαχρονική.

Οθόνη «Irises» της Ogata Korin, δεκαετία του 1710

Ένα ζευγάρι οθόνες ίριδας με έξι πάνελ - τώρα εθνικός θησαυρός της Ιαπωνίας - δημιουργήθηκαν από τον Ogata Korin (1658-1716) γύρω στο 1710 για τον ναό Nishi Hongan-ji στο Κιότο.

Από τον 16ο αιώνα, η ζωγραφική σε πάνελ τοίχου και χάρτινες οθόνες έχει γίνει ένα από τα κορυφαία είδη διακοσμητικής τέχνης στην Ιαπωνία και ο Ogata Korin, ο ιδρυτής της σχολής τέχνης Rinpa, ήταν ένας από τους μεγαλύτερους δασκάλους της.

Οι οθόνες στο ιαπωνικό εσωτερικό έπαιξαν σημαντικό ρόλο. Οι ευρύχωροι χώροι του παλατιού δεν διέφεραν δομικά από τις κατοικίες ενός απλού Ιάπωνα: δεν είχαν σχεδόν καθόλου εσωτερικούς τοίχους και ο χώρος ήταν ζωνοποιημένος με πτυσσόμενες οθόνες. Μόλις λίγο περισσότερο από ενάμιση μέτρο ύψος, οι οθόνες σχεδιάστηκαν για την κοινή ιαπωνική παράδοση όλων των τάξεων να ζουν στο πάτωμα. Στην Ιαπωνία, τα παιδικά καρεκλάκια και τα τραπέζια δεν χρησιμοποιήθηκαν μέχρι τον 19ο αιώνα και το ύψος της οθόνης, καθώς και η σύνθεση της ζωγραφικής της, έχουν σχεδιαστεί για την θέα ενός ατόμου που κάθεται στα γόνατά του. Με αυτήν την άποψη προκύπτει ένα εκπληκτικό αποτέλεσμα: οι ίριδες φαίνεται να περιβάλλουν τον καθισμένο άτομο - και ένα άτομο μπορεί να αισθανθεί τον εαυτό του στις όχθες του ποταμού, περιτριγυρισμένο από λουλούδια.

Οι ίριδες είναι ζωγραφισμένες με τρόπο χωρίς περίγραμμα - σχεδόν ιμπρεσιονιστικές, φαρδιές πινελιές από σκούρο μπλε, λιλά και μοβ τέμπερα μεταδίδουν την πλούσια μεγαλοπρέπεια αυτού του λουλουδιού. Το γραφικό αποτέλεσμα ενισχύεται από τη θαμπή λάμψη του χρυσού, πάνω στην οποία απεικονίζονται ίριδες. Οι οθόνες δεν απεικονίζουν τίποτα άλλο εκτός από λουλούδια, αλλά η γωνιακή γραμμή ανάπτυξής τους υποδηλώνει ότι τα λουλούδια κάμπτονται γύρω από την ελικοειδή ροή του ποταμού ή τα ζιγκ-ζαγκ ξύλινων γεφυρών. Θα ήταν φυσικό για τους Ιάπωνες να δουν μια γέφυρα να λείπει από την οθόνη, μια ειδική «γέφυρα οκτώ σανίδων» ( γιατσουχάσι), που σχετίζεται με τις ίριδες στην κλασική Ιαπωνική λογοτεχνία. Το μυθιστόρημα Ise Monogatari (9ος αιώνας) περιγράφει το θλιβερό ταξίδι ενός ήρωα που εκδιώχθηκε από την πρωτεύουσα. Έχοντας εγκατασταθεί με τη συνοδεία του για να ξεκουραστεί στην όχθη του ποταμού κοντά στη γέφυρα Yatsuhashi, ο ήρωας, βλέποντας ίριδες, θυμάται την αγαπημένη του και συνθέτει ποιήματα:

η αγαπημένη μου με τα ρούχα
Χαριτωμένο εκεί, στην πρωτεύουσα,
Έφυγε η αγάπη...
Και σκέφτομαι με λαχτάρα πόσο
Είμαι μακριά της... Μετάφραση N.I. Konrad.

«Έτσι δίπλωσε, και όλοι έριξαν δάκρυα στο ξερό ρύζι τους, έτσι που φούσκωσε από υγρασία», προσθέτει ο συγγραφέας και λυρικός ήρωαςαφήγηση, Arivara no Narihira.

Για έναν μορφωμένο Ιάπωνα, η σύνδεση μεταξύ ίριδες δίπλα στη γέφυρα και Ise monogatari, ίριδες και το θέμα του χωρισμένου έρωτα ήταν ξεκάθαρη, και η Ogata Korin αποφεύγει τη βερμπαλισμό και την παραστατικότητα. Με τη βοήθεια της διακοσμητικής ζωγραφικής, δημιουργεί μόνο έναν ιδανικό χώρο γεμάτο φως, χρώμα και λογοτεχνικές υποδηλώσεις.

Kinkakuji Golden Pavilion, Κιότο, 1397

Ο Χρυσός Ναός είναι ένα από τα σύμβολα της Ιαπωνίας, που, κατά ειρωνικό τρόπο, δοξάστηκε περισσότερο από την καταστροφή του παρά από την κατασκευή του. Το 1950, ένας ψυχικά ασταθής μοναχός του μοναστηριού Rokuonji, στο οποίο ανήκει αυτό το κτίριο, έβαλε φωτιά σε μια λίμνη που στεκόταν στην επιφάνεια του
περίπτερο Κατά τη διάρκεια πυρκαγιάς το 1950, ο ναός σχεδόν καταστράφηκε. Οι εργασίες αποκατάστασης στο Kinkaku-ji ξεκίνησαν το 1955, μέχρι το 1987 ολοκληρώθηκε η ανακατασκευή στο σύνολό της, αλλά η αποκατάσταση της εντελώς χαμένης εσωτερικής διακόσμησης συνεχίστηκε μέχρι το 2003.. Τα αληθινά κίνητρα της πράξης του παρέμειναν ασαφή, αλλά στην ερμηνεία του συγγραφέα Yukio Mishima, έφταιγε η άφταστη, σχεδόν μυστικιστική ομορφιά αυτού του ναού. Πράγματι, για αρκετούς αιώνες, το Kinkakuji θεωρούνταν η επιτομή της ιαπωνικής ομορφιάς.

Το 1394, ο Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), ο οποίος υπέταξε σχεδόν όλη την Ιαπωνία στη θέλησή του, αποσύρθηκε επίσημα και εγκαταστάθηκε σε μια ειδικά κατασκευασμένη βίλα στο βόρειο Κιότο. Το τριώροφο κτίριο στην τεχνητή λίμνη Κυοκώτη («λίμνη-καθρέφτης») έπαιζε τον ρόλο ενός είδους ερημητηρίου, ενός απομονωμένου περιπτέρου για χαλάρωση, διάβασμα και προσευχή. Περιείχε μια συλλογή από πίνακες ζωγραφικής του σογκούν, μια βιβλιοθήκη και μια συλλογή βουδιστικών κειμηλίων. Τοποθετημένο στο νερό κοντά στην ακτή, το Kinkakuji είχε επικοινωνία μόνο με βάρκα με την ακτή και ήταν το ίδιο νησί με τα τεχνητά νησιά με πέτρες και πεύκα διάσπαρτα γύρω από το Kyokoti. Η ιδέα του «νησιού των ουρανών» δανείστηκε από την κινεζική μυθολογία, στην οποία παραδεισένια κατοικίαχρησίμευε ως το νησί Penglai, το νησί των αθανάτων. Η αντανάκλαση του περιπτέρου στο νερό προκαλεί ήδη βουδιστικούς συσχετισμούς με ιδέες για την απατηλή φύση του θνητού κόσμου, που είναι μόνο μια χλωμή αντανάκλαση της λαμπρότητας του κόσμου της βουδιστικής αλήθειας.

Αν και όλες αυτές οι μυθολογικές αποχρώσεις είναι εικασιακές, η θέση του περιπτέρου του δίνει μια εκπληκτική αρμονία και αρμονία. Η αντανάκλαση κρύβει την κλίση του κτιρίου, καθιστώντας το ψηλότερο και πιο λεπτό. Ταυτόχρονα, είναι το ύψος του περιπτέρου που δίνει τη δυνατότητα να το δεις από οποιαδήποτε όχθη της λίμνης, πάντα σε ένα σκοτεινό φόντο πρασίνου.

Παραμένει, ωστόσο, όχι απολύτως σαφές πόσο χρυσό ήταν αυτό το περίπτερο στην αρχική του μορφή. Πιθανώς, κάτω από το Ashikaga Yoshimitsu, ήταν πράγματι καλυμμένο με φύλλα χρυσού και ένα προστατευτικό στρώμα βερνικιού. Αλλά αν πιστεύετε τις φωτογραφίες του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα και τον Yukio Mishima, τότε μέχρι τα μέσα του 20ου αιώνα η επιχρύσωση είχε σχεδόν ξεφλουδίσει και τα υπολείμματά της ήταν ορατά μόνο στην επάνω βαθμίδα του κτιρίου. Αυτή την ώρα μάλλον άγγιξε την ψυχή με τη γοητεία της ερήμωσης, τα ίχνη του χρόνου, αδυσώπητα και στα πιο όμορφα πράγματα. Αυτή η μελαγχολική γοητεία αντιστοιχούσε στην αισθητική αρχή σάμπιπολύ σεβαστή στην ιαπωνική κουλτούρα.

Με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, η λαμπρότητα αυτού του κτιρίου δεν ήταν καθόλου σε χρυσό. Η εξαιρετική αυστηρότητα των μορφών του Kinkakuji και η άψογη αρμονία του με το τοπίο το καθιστούν ένα από τα αριστουργήματα της ιαπωνικής αρχιτεκτονικής.

Μπολ "Iris" στο στυλ του καράτσου, αιώνες XVI-XVII

Η λέξη meibutsu- ένα πράγμα με όνομα. Αυτό το μπολ έχει πραγματικά μόνο το όνομα, αφού κανένα από τα δύο ακριβής ώρακαι ο τόπος δημιουργίας του, ούτε το όνομα του πλοιάρχου δεν έχουν διατηρηθεί. Παρόλα αυτά, συγκαταλέγεται στους εθνικούς θησαυρούς της Ιαπωνίας και είναι ένα από τα λαμπρότερα δείγματα κεραμικής σε εθνικό στυλ.

Στα τέλη του 16ου αιώνα η τελετή του τσαγιού cha-no-yuεγκαταλελειμμένες εκλεκτές κινέζικες πορσελάνες και κεραμικά με λούστρες που θυμίζουν πολύτιμα υλικά. Η εντυπωσιακή ομορφιά τους φαινόταν πολύ τεχνητή και ειλικρινής στους δασκάλους του τσαγιού. Τέλεια και ακριβά αντικείμενα - μπολ, δοχεία νερού και τσαγιού - δεν αντιστοιχούσαν στους σχεδόν ασκητικούς πνευματικούς κανόνες του βουδισμού Ζεν, στο πνεύμα του οποίου αναπτύχθηκε η τελετή του τσαγιού. Μια πραγματική επανάσταση στη δράση του τσαγιού ήταν η απήχηση στην ιαπωνική κεραμική, πολύ πιο απλή και άτεχνη σε μια εποχή που τα εργαστήρια της Ιαπωνίας μόλις είχαν αρχίσει να κυριαρχούν στις τεχνολογίες της ηπειρωτικής κεραμικής.

Το σχήμα του μπολ Iris είναι απλό και ακανόνιστο. Η ελαφριά καμπυλότητα των τοίχων, τα βαθουλώματα του αγγειοπλάστη ορατά σε όλο το σώμα δίνουν στο μπολ μια σχεδόν αφελή ευκολία. Το θραύσμα πηλού καλύπτεται με ελαφρύ λούστρο με δίκτυο ρωγμών - κρακέλου. Στην μπροστινή πλευρά, που απευθύνεται στον καλεσμένο κατά τη διάρκεια της τελετής τσαγιού, μια εικόνα μιας ίριδας εφαρμόζεται κάτω από το γλάσο: το σχέδιο είναι αφελές, αλλά εκτελείται με ένα ενεργητικό πινέλο, ακριβώς, σαν σε μια κίνηση, στο πνεύμα του Ζεν καλλιγραφία. Φαίνεται ότι τόσο η φόρμα όσο και το ντεκόρ θα μπορούσαν να έχουν γίνει αυθόρμητα και χωρίς την εφαρμογή ειδικών δυνάμεων.

Αυτός ο αυθορμητισμός αντανακλά το ιδανικό wabi- απλότητα και άτεχνη, δημιουργώντας μια αίσθηση πνευματικής ελευθερίας και αρμονίας. Οποιοδήποτε άτομο ή ακόμα και ένα άψυχο αντικείμενο στις απόψεις των Ιαπώνων οπαδών του Ζεν Βουδισμού έχει τη φωτισμένη φύση του Βούδα και οι προσπάθειες του ειδικού στοχεύουν στην ανακάλυψη αυτής της φύσης στον εαυτό του και στον κόσμο γύρω του. Τα πράγματα που χρησιμοποιούνται στην τελετή του τσαγιού, παρ' όλη τους την αδεξιότητα, θα έπρεπε να προκαλούν μια βαθιά εμπειρία της αλήθειας, τη συνάφεια κάθε στιγμής, να αναγκάζονται να κοιτάξουν τις πιο συνηθισμένες μορφές και να δουν αληθινή ομορφιά σε αυτές.

Η αντίθεση με την τραχιά υφή του μπολ και την απλότητά του είναι η αποκατάσταση με μια μικρή πελεκημένη χρυσή λάκα (αυτή η τεχνική ονομάζεται kintsugi). Η αποκατάσταση πραγματοποιήθηκε τον 18ο αιώνα και καταδεικνύει την ευλάβεια με την οποία οι Ιάπωνες δάσκαλοι του τσαγιού περιποιήθηκαν τα σκεύη για την τελετή του τσαγιού. Έτσι, η τελετή του τσαγιού παρέχει στους συμμετέχοντες έναν «τρόπο» να ανακαλύψουν την αληθινή ομορφιά των πραγμάτων, όπως το μπολ της Ίριδας. Η σιωπηρή, η μυστικότητα έχει γίνει η βάση της αισθητικής έννοιας του wabi και ένα σημαντικό μέρος της ιαπωνικής κοσμοθεωρίας.

Πορτρέτο του μοναχού Gandzin, Nara, 763

Τον 8ο αιώνα, η γλυπτική έγινε η κύρια μορφή καλλιτεχνικής έκφρασης της εποχής, της εποχής Νάρα (710-794), που συνδέεται με τη διαμόρφωση του ιαπωνικού κράτους και την ενίσχυση του βουδισμού. Οι Ιάπωνες δάσκαλοι έχουν ήδη περάσει το στάδιο της μαθητείας και της τυφλής μίμησης ηπειρωτικών τεχνικών και εικόνων και άρχισαν να εκφράζουν ελεύθερα και ζωντανά το πνεύμα της εποχής τους στη γλυπτική. Η εξάπλωση και η ανάπτυξη της εξουσίας του Βουδισμού προκάλεσε την εμφάνιση ενός βουδιστικού γλυπτικού πορτρέτου.

Ένα από τα αριστουργήματα αυτού του είδους είναι το πορτρέτο του Gandzin, που δημιουργήθηκε το 763. Κατασκευασμένο με την τεχνική της ξηρής λάκας (δημιουργώντας στρώματα λάκας σε ξύλινο πλαίσιο καλυμμένο με ύφασμα), το γλυπτό είναι σχεδόν μέγεθος ζωήςήταν ζωγραφισμένο ρεαλιστικά και στο μισοσκόταδο του ναού, ο Ganjin κάθισε σε μια στάση διαλογισμού «σαν ζωντανός». Αυτή η ζωντάνια ήταν η κύρια λατρευτική λειτουργία τέτοιων πορτρέτων: ο δάσκαλος έπρεπε να είναι πάντα μέσα στα τείχη του μοναστηριού Todaiji στην πόλη Nara και να είναι παρών στις πιο σημαντικές θείες λειτουργίες.

Αργότερα, τον 11ο-13ο αιώνα, τα γλυπτικά πορτρέτα έφτασαν σε έναν σχεδόν ανελέητο ψευδαίσθηση, που απεικονίζουν τη γεροντική αναπηρία των αξιοσέβαστων δασκάλων, τα βυθισμένα στόματά τους, τα χαλαρά μάγουλά τους και τις βαθιές ρυτίδες. Αυτά τα πορτρέτα κοιτάζουν τους οπαδούς του Βουδισμού με ζωντανά μάτια, ένθετα με βράχο κρύσταλλο και ξύλο. Αλλά το πρόσωπο του Gandzin φαίνεται θολό, δεν υπάρχουν σαφή περιγράμματα και σαφείς μορφές σε αυτό. Τα βλέφαρα των μισόκλειστων και μη επικαλυμμένων ματιών φαίνονται πρησμένα. το τεταμένο στόμα και οι βαθιές ρινοχειλικές πτυχές εκφράζουν τη συνήθη προσοχή παρά τη συγκέντρωση του διαλογισμού.

Όλα αυτά τα χαρακτηριστικά αποκαλύπτουν τη δραματική βιογραφία αυτού του μοναχού, την ιστορία εκπληκτικού ασκητισμού και τραγωδιών. Ο Ganjin, ένας Κινέζος βουδιστής μοναχός, προσκλήθηκε στην Ιαπωνία για την τελετή αγιασμού του μεγαλύτερου μοναστηριού της Nara, του Todaiji. Το πλοίο αιχμαλωτίστηκε από πειρατές, ανεκτίμητα ειλητάρια και βουδιστικά γλυπτά που προορίζονταν για έναν μακρινό ιαπωνικό ναό χάθηκαν στη φωτιά, ο Ganjin έκαψε το πρόσωπό του και έχασε την όρασή του. Αλλά δεν άφησε την επιθυμία να κηρύξει στα μακρινά περίχωρα του πολιτισμού - δηλαδή, πώς αντιλήφθηκε η Ιαπωνία από την ήπειρο εκείνη την εποχή.

Αρκετές ακόμα προσπάθειες να διασχίσει τη θάλασσα τελείωσαν με τον ίδιο ανεπιτυχή τρόπο και μόνο στην πέμπτη προσπάθεια, ο ήδη μεσήλικας, τυφλός και άρρωστος Ganjin φτάνει στην ιαπωνική πρωτεύουσα Νάρα.

Στην Ιαπωνία, ο Ganjin δεν δίδαξε βουδιστικό νόμο για πολύ: τα δραματικά γεγονότα της ζωής του υπονόμευσαν την υγεία του. Αλλά η εξουσία του ήταν τόσο υψηλή που, πιθανότατα, ακόμη και πριν από το θάνατό του, αποφασίστηκε να δημιουργήσει το γλυπτό του. Αναμφίβολα, οι καλλιτέχνες-μοναχοί προσπάθησαν να δώσουν στο γλυπτό όσο το δυνατόν περισσότερη ομοιότητα με το μοντέλο. Αλλά αυτό δεν έγινε για να διατηρηθεί η εξωτερική εμφάνιση ενός ατόμου, αλλά για να αποτυπωθεί η ατομική πνευματική του εμπειρία, το δύσκολο μονοπάτι που πέρασε ο Ganjin και στο οποίο καλούσε η βουδιστική διδασκαλία.

Daibutsu - Μεγάλος Βούδας του Ναού Todaiji, Νάρα, μέσα του 8ου αιώνα

Στα μέσα του 8ου αιώνα, η Ιαπωνία υπέφερε από φυσικές καταστροφές και επιδημίες και οι ίντριγκες της οικογένειας Fujiwara με επιρροή και η εξέγερση που ξεσήκωσαν ανάγκασαν τον αυτοκράτορα Shomu να εγκαταλείψει την πρωτεύουσα, την πόλη Nara. Στην εξορία, ορκίστηκε να ακολουθήσει το μονοπάτι των βουδιστικών διδασκαλιών και το 743 διέταξε να ξεκινήσει η ανέγερση του κύριου ναού της χώρας και η χύτευση ενός κολοσσιαίου χάλκινο άγαλμα Buddha Vairochana (Μεγάλος Ήλιος του Βούδα ή Όλο Φωτιστικό Φως). Αυτή η θεότητα θεωρήθηκε η παγκόσμια ενσάρκωση του Βούδα Σακιαμούνι, του ιδρυτή των βουδιστικών διδασκαλιών, και υποτίθεται ότι γινόταν ο εγγυητής της προστασίας του αυτοκράτορα και ολόκληρης της χώρας κατά την περίοδο της αναταραχής και της εξέγερσης.

Οι εργασίες ξεκίνησαν το 745 και διαμορφώθηκαν σύμφωνα με το γιγάντιο άγαλμα του Βούδα στους ναούς των σπηλαίων Longmen κοντά στην κινεζική πρωτεύουσα Luoyang. Το άγαλμα στη Νάρα, όπως κάθε εικόνα του Βούδα, υποτίθεται ότι έδειχνε «μεγάλα και μικρά σημάδια του Βούδα». Αυτός ο εικονογραφικός κανόνας περιελάμβανε επιμήκεις λοβούς αυτιών, που θυμίζουν το γεγονός ότι ο Βούδας Shakyamuni καταγόταν από πριγκιπική οικογένεια και από την παιδική του ηλικία φορούσε βαριά σκουλαρίκια, ένα ύψωμα στην κορυφή του κεφαλιού του (ushnisha), μια κουκκίδα στο μέτωπό του (τεφροδόχος).

Το ύψος του αγάλματος ήταν 16 μέτρα, το πλάτος του προσώπου ήταν 5 μέτρα, το μήκος της τεντωμένης παλάμης ήταν 3,7 μέτρα και η τεφροδόχος ήταν μεγαλύτερη από ανθρώπινο κεφάλι. Για την κατασκευή χρειάστηκαν 444 τόνοι χαλκού, 82 τόνοι κασσίτερου και τεράστια ποσότητα χρυσού, η αναζήτηση του οποίου έγινε ειδικά στα βόρεια της χώρας. Μια αίθουσα, το Daibutsuden, χτίστηκε γύρω από το άγαλμα για να προστατεύσει το ιερό. Στο μικρό του χώρο, μια ελαφρώς υπόκλιση καθιστή φιγούρα του Βούδα γεμίζει ολόκληρο τον χώρο, απεικονίζοντας ένα από τα κύρια αξιώματα του Βουδισμού - την ιδέα ότι η θεότητα είναι πανταχού παρούσα και διαπερνά τα πάντα, αγκαλιάζει και γεμίζει τα πάντα. Η υπερβατική ηρεμία του προσώπου και η χειρονομία του χεριού της θεότητας (μούτρα, η χειρονομία παροχής προστασίας) συμπληρώνουν την αίσθηση του ήρεμου μεγαλείου και δύναμης του Βούδα.

Ωστόσο, μόνο μερικά θραύσματα του αρχικού αγάλματος έχουν απομείνει σήμερα: πυρκαγιές και πόλεμοι προκάλεσαν τεράστιες ζημιές στο άγαλμα τον 12ο και 16ο αιώνα, και το σύγχρονο άγαλμα είναι κυρίως χυτό του 18ου αιώνα. Κατά την αποκατάσταση του 18ου αιώνα, η χάλκινη μορφή δεν ήταν πλέον καλυμμένη με χρυσό. Ο βουδιστικός ζήλος του αυτοκράτορα Shomu τον 8ο αιώνα ουσιαστικά άδειασε το θησαυροφυλάκιο και αφαίμαξε την ήδη συγκλονισμένη χώρα, και οι μεταγενέστεροι ηγεμόνες δεν μπορούσαν πλέον να αντέξουν οικονομικά τέτοιες άμετρες δαπάνες.

Ωστόσο, η σημασία του Daibutsu δεν έγκειται στον χρυσό, ούτε καν στην αξιόπιστη αυθεντικότητα - η ίδια η ιδέα μιας τέτοιας μεγαλειώδους ενσάρκωσης των βουδιστικών διδασκαλιών είναι ένα μνημείο μιας εποχής όπου η ιαπωνική μνημειακή τέχνη γνώρισε μια γνήσια άνθηση, απελευθερωμένη από τυφλή αντιγραφή ηπειρωτικών δειγμάτων και πέτυχε ακεραιότητα και εκφραστικότητα, που αργότερα χάθηκαν.

Οι Ιάπωνες ανακάλυψαν την ομορφιά που κρύβεται στα πράγματα τον 9ο-12ο αιώνα, στην εποχή Heian (794-1185) και μάλιστα την ονόμασαν με την ειδική έννοια του "mono no aware" (物の哀れ (もののあわれ)), που σημαίνει " θλιβερή γοητεία των πραγμάτων. "Η γοητεία των πραγμάτων" είναι ένας από τους πρώτους ορισμούς της ομορφιάς στην ιαπωνική λογοτεχνία, συνδέεται με την σιντοϊστική πεποίθηση ότι κάθε πράγμα έχει τη δική του θεότητα - το κάμι - και τη δική του μοναδική γοητεία. Το Avare είναι η εσωτερική ουσία των πραγμάτων, αυτό που προκαλεί απόλαυση, ενθουσιασμό.

- Washi (wasi) ή wagami (wagami).
Χειροκίνητη κατασκευή χαρτιού. Οι μεσαιωνικοί Ιάπωνες εκτιμούσαν το washi όχι μόνο για τις πρακτικές του ιδιότητες, αλλά και για την ομορφιά του. Φημιζόταν για τη λεπτότητα, τη σχεδόν διαφάνειά της, που όμως δεν της στέρησε τη δύναμη. Το Washi φτιάχνεται από το φλοιό του δέντρου kozo (μουριά) και ορισμένων άλλων δέντρων.
Το χαρτί Washi έχει διατηρηθεί για αιώνες, απόδειξη αυτού είναι τα άλμπουμ και οι τόμοι της αρχαίας ιαπωνικής καλλιγραφίας, οι πίνακες ζωγραφικής, οι οθόνες, τα χαρακτικά που έχουν περάσει από τους αιώνες μέχρι σήμερα.
Το χαρτί του Vasya είναι ινώδες, αν κοιτάξετε μέσα από ένα μικροσκόπιο, θα δείτε ρωγμές από τις οποίες διεισδύει ο αέρας και το ηλιακό φως. Αυτή η ποιότητα χρησιμοποιείται στην κατασκευή οθονών και παραδοσιακών ιαπωνικών φαναριών.
Τα αναμνηστικά Washi είναι πολύ δημοφιλή στους Ευρωπαίους. Πολλά μικρά και χρήσιμα αντικείμενα κατασκευάζονται από αυτό το χαρτί: πορτοφόλια, φάκελοι, ανεμιστήρες. Είναι αρκετά ανθεκτικά αλλά και ελαφριά.

- Gohei.
Φυλαχτό από λωρίδες χαρτιού. Gohei - ένα τελετουργικό ραβδί ενός Σιντοϊσμού ιερέα, στο οποίο συνδέονται χάρτινες λωρίδες ζιγκ-ζαγκ. Οι ίδιες λωρίδες χαρτιού είναι κρεμασμένες στην είσοδο ενός σιντοϊστικού ναού. Ο ρόλος του χαρτιού στο Σιντοϊσμό ήταν παραδοσιακά πολύ μεγάλος και τα προϊόντα χαρτιού πάντα δίνονταν εσωτερική έννοια. Και η πεποίθηση ότι κάθε πράγμα, κάθε φαινόμενο, ακόμη και οι λέξεις, περιέχουν ένα κάμι - μια θεότητα - εξηγεί την εμφάνιση ενός τέτοιου τύπου εφαρμοσμένης τέχνης όπως το gohei. Ο σιντοϊσμός μοιάζει κάπως με τον δικό μας παγανισμό. Για τους Σιντοϊστές, το Κάμι είναι ιδιαίτερα πρόθυμο να εγκατασταθεί σε οτιδήποτε είναι έξω από τα συνηθισμένα. Για παράδειγμα, στα χαρτιά. Και ακόμη περισσότερο σε ένα gohei στριμμένο σε ένα περίπλοκο ζιγκ-ζαγκ, το οποίο κρέμεται σήμερα μπροστά από την είσοδο των σιντοϊστικών ιερών και υποδηλώνει την παρουσία μιας θεότητας στο ναό. Υπάρχουν 20 τρόποι για να διπλώσετε το gohei και αυτοί που είναι ιδιαίτερα ασυνήθιστα διπλωμένοι προσελκύουν το kami. Το Gohei έχει κυρίως λευκό χρώμα, αλλά υπάρχουν επίσης χρυσές, ασημί και πολλές άλλες αποχρώσεις. Από τον 9ο αιώνα, υπήρχε ένα έθιμο στην Ιαπωνία να ενισχύουν το gohei στις ζώνες των παλαιστών σούμο πριν από την έναρξη του αγώνα.

- Ανεσάμα.
Πρόκειται για την κατασκευή χάρτινων κούκλων. Τον 19ο αιώνα, οι σύζυγοι των Σαμουράι κατασκεύαζαν χάρτινες κούκλες με τις οποίες έπαιζαν τα παιδιά, ντύνοντάς τις με διαφορετικά ρούχα. Σε εποχές που δεν υπήρχαν παιχνίδια, ο ανεσάμα ήταν ο μοναδικός συνομιλητής για τα παιδιά, «ερμηνεύοντας» το ρόλο της μητέρας, της μεγάλης αδερφής, του παιδιού και της φίλης.
Η κούκλα είναι διπλωμένη από ιαπωνικό χαρτί washi, τα μαλλιά είναι φτιαγμένα από τσαλακωμένο χαρτί, βαμμένα με μελάνι και καλυμμένα με κόλλα, που της δίνει μια λάμψη. Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα είναι μια ωραία μικρή μύτη σε ένα επίμηκες πρόσωπο. Σήμερα, αυτό το απλό παιχνίδι, που δεν απαιτεί τίποτα άλλο παρά επιδέξια χέρια, παραδοσιακής μορφής, συνεχίζει να κατασκευάζεται με τον ίδιο τρόπο όπως πριν.

- Origami.
Η αρχαία τέχνη της αναδίπλωσης του χαρτιού (折り紙, λιτ.: «διπλωμένο χαρτί»). Η τέχνη του origami έχει τις ρίζες της στην αρχαία Κίνα, όπου εφευρέθηκε το χαρτί. Αρχικά, το origami χρησιμοποιήθηκε σε θρησκευτικές τελετές. Για μεγάλο χρονικό διάστημα, αυτό το είδος τέχνης ήταν διαθέσιμο μόνο σε εκπροσώπους των ανώτερων τάξεων, όπου ένα σημάδι καλού γούστου ήταν η κατοχή τεχνικών διπλώματος χαρτιού. Μόνο μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, το origami ξεπέρασε την Ανατολή και ήρθε στην Αμερική και την Ευρώπη, όπου βρήκε αμέσως τους θαυμαστές του. Το κλασικό origami διπλώνεται από ένα τετράγωνο φύλλο χαρτιού.
Υπάρχει ένα ορισμένο σύνολο συμβατικών συμβόλων που είναι απαραίτητα για να σκιαγραφηθεί το σχέδιο αναδίπλωσης ακόμη και του πιο περίπλοκου προϊόντος. Τα περισσότερα από τα συμβατικά σήματα εφαρμόστηκαν στα μέσα του 20ου αιώνα από τον διάσημο Ιάπωνα δάσκαλο Akira Yoshizawa.
Το κλασικό origami συνταγογραφεί τη χρήση ενός τετράγωνου φύλλου χαρτιού ομοιόμορφου χρώματος χωρίς κόλλα και ψαλίδι. Σύγχρονες μορφέςοι τέχνες μερικές φορές αποκλίνουν από αυτόν τον κανόνα.

- Κιριγκάμι.
Το Kirigami είναι η τέχνη της κοπής διαφόρων σχημάτων από ένα φύλλο χαρτιού διπλωμένο πολλές φορές με τη βοήθεια ψαλιδιού. Ένα είδος origami που επιτρέπει τη χρήση ψαλιδιού και κοπής χαρτιού στη διαδικασία κατασκευής του μοντέλου. Αυτή είναι η κύρια διαφορά μεταξύ του kirigami και άλλων τεχνικών διπλώματος χαρτιού, η οποία τονίζεται στο όνομα: 切る (kiru) - κόψιμο, 紙 (gami) - χαρτί. Όλοι μας άρεσε να κόβουμε νιφάδες χιονιού στην παιδική ηλικία - μια παραλλαγή του kirigami, μπορείτε να κόψετε όχι μόνο νιφάδες χιονιού, αλλά και διάφορες φιγούρες, λουλούδια, γιρλάντες και άλλα χαριτωμένα χάρτινα πράγματα χρησιμοποιώντας αυτήν την τεχνική. Αυτά τα προϊόντα μπορούν να χρησιμοποιηθούν ως στένσιλ για εκτυπώσεις, διακοσμητικά άλμπουμ, καρτ ποστάλ, κορνίζες φωτογραφιών, σχέδιο μόδας, εσωτερική διακόσμηση και άλλες διάφορες διακοσμήσεις.

- Ικεμπάνα.
Ikebana, (jap 生け花 ή いけばな) σε μετάφραση από Ιαπωνική γλώσσα- ike» - ζωή, «μπανά» - λουλούδια ή «λουλούδια που ζουν». Η ιαπωνική τέχνη της ανθοδετικής είναι μια από τις πιο όμορφες παραδόσεις του ιαπωνικού λαού. Κατά τη σύνθεση του ikebana, μαζί με τα λουλούδια, χρησιμοποιούνται κομμένα κλαδιά, φύλλα και βλαστοί.Η θεμελιώδης αρχή είναι η εξαιρετική απλότητα, για να επιτευχθεί η οποία προσπαθούν να τονίσουν τη φυσική ομορφιά των φυτών. Το Ikebana είναι η δημιουργία μιας νέας φυσικής μορφής, στην οποία η ομορφιά ενός λουλουδιού και η ομορφιά της ψυχής του πλοιάρχου που δημιουργεί τη σύνθεση συνδυάζονται αρμονικά.
Σήμερα στην Ιαπωνία υπάρχουν 4 μεγάλες σχολές ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Εκτός από αυτά, υπάρχουν περίπου χίλιες διαφορετικές κατευθύνσεις και τάσεις που ακολουθούν μία από αυτές τις σχολές.

- Οριμπάνα.
Στα μέσα του 17ου αιώνα, δύο σχολές της ohara (η κύρια μορφή του ikebana - oribana) και του koryu (η κύρια μορφή - sek) αναχώρησαν από το ikenobo. Παρεμπιπτόντως, η σχολή ohara εξακολουθεί να σπουδάζει μόνο oribanu. Όπως λένε οι Ιάπωνες, είναι πολύ σημαντικό το origami να μην μετατραπεί σε origami. Gomi σημαίνει σκουπίδια στα Ιαπωνικά. Τελικά, όπως συμβαίνει, διπλώσατε ένα κομμάτι χαρτί και μετά τι να το κάνετε; Η Oribana προσφέρει πολλές ιδέες για μπουκέτα για τη διακόσμηση του εσωτερικού. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Λάθος.
Ένα είδος καλών τεχνών που γεννήθηκε από την ανθοκομία. Το ανθοπωλείο εμφανίστηκε στη χώρα μας πριν από οκτώ χρόνια, αν και υπάρχει στην Ιαπωνία για περισσότερα από εξακόσια χρόνια. Κάποια στιγμή στο Μεσαίωνα, οι σαμουράι κατάλαβαν τον τρόπο ενός πολεμιστή. Και η oshibana ήταν μέρος αυτού του μονοπατιού, ακριβώς όπως το να γράφεις ιερογλυφικά και να κρατάς ένα σπαθί. Το νόημα του λάθους ήταν ότι στην κατάσταση της συνολικής παρουσίας στη στιγμή (satori), ο πλοίαρχος δημιούργησε μια εικόνα αποξηραμένων λουλουδιών (πατημένα λουλούδια). Τότε αυτή η εικόνα θα μπορούσε να χρησιμεύσει ως κλειδί, ένας οδηγός για όσους ήταν έτοιμοι να μπουν στη σιωπή και να ζήσουν το ίδιο σατόριο.
Η ουσία της τέχνης του "oshibana" είναι ότι, συλλέγοντας και στεγνώνοντας λουλούδια, βότανα, φύλλα, φλοιό υπό πίεση και κολλώντας τα στη βάση, ο συγγραφέας δημιουργεί με τη βοήθεια των φυτών ένα πραγματικά έργο "ζωγραφικής". Με άλλα λόγια, λάθος είναι το βάψιμο με φυτά.
Η καλλιτεχνική δημιουργικότητα των ανθοπωλών βασίζεται στη διατήρηση της μορφής, του χρώματος και της υφής του αποξηραμένου φυτικού υλικού. Οι Ιάπωνες έχουν αναπτύξει μια τεχνική για την προστασία των πινάκων "oshibana" από το ξεθώριασμα και το σκούρο. Η ουσία του είναι ότι ο αέρας αντλείται μεταξύ του γυαλιού και της εικόνας και δημιουργείται ένα κενό που εμποδίζει τα φυτά να χαλάσουν.
Προσελκύει όχι μόνο την αντισυμβατικότητα αυτής της τέχνης, αλλά και την ευκαιρία να δείξει φαντασία, γεύση, γνώση των ιδιοτήτων των φυτών. Ανθοπωλεία δημιουργούν στολίδια, τοπία, νεκρές φύσεις, πορτρέτα και πίνακες ιστοριών.

- Μπονσάι.
Το μπονσάι, ως φαινόμενο, εμφανίστηκε πριν από περισσότερα από χίλια χρόνια στην Κίνα, αλλά αυτός ο πολιτισμός έφτασε στο αποκορύφωμα της ανάπτυξής του μόνο στην Ιαπωνία. (μπονσάι - ιαπωνικό 盆栽 λιτ. "φυτό σε γλάστρα") - η τέχνη της καλλιέργειας ενός ακριβούς αντιγράφου ενός πραγματικού δέντρου σε μικρογραφία. Αυτά τα φυτά καλλιεργήθηκαν από βουδιστές μοναχούς αρκετούς αιώνες πριν από την εποχή μας και στη συνέχεια έγιναν μια από τις δραστηριότητες των τοπικών ευγενών.
Τα μπονσάι κοσμούσαν ιαπωνικά σπίτια και κήπους. Στην εποχή του Tokugawa, ο σχεδιασμός των πάρκων έλαβε μια νέα ώθηση: η καλλιέργεια αζαλέας και σφενδάμου έγινε χόμπι για τους πλούσιους. Αναπτύχθηκε επίσης η παραγωγή νάνων (hachi-no-ki - «δέντρο σε γλάστρα»), αλλά τα μπονσάι εκείνης της εποχής ήταν πολύ μεγάλα.
Τώρα τα συνηθισμένα δέντρα χρησιμοποιούνται για μπονσάι, γίνονται μικρά λόγω συνεχούς κλαδέματος και διαφόρων άλλων μεθόδων. Ταυτόχρονα, η αναλογία των μεγεθών του ριζικού συστήματος, που περιορίζεται από τον όγκο του μπολ, και του εδάφους του μπονσάι αντιστοιχεί στις αναλογίες ενός ενήλικου δέντρου στη φύση.

- Μιζουχίκι.
Ανάλογο μακραμέ. Πρόκειται για μια αρχαία ιαπωνική εφαρμοσμένη τέχνη να δένεις διάφορους κόμπους από ειδικά κορδόνια και να δημιουργείς σχέδια από αυτά. Τέτοια έργα τέχνης είχαν ένα εξαιρετικά ευρύ πεδίο - από κάρτες δώρων και γράμματα μέχρι χτενίσματα και τσάντες. Επί του παρόντος, το mizuhiki χρησιμοποιείται εξαιρετικά ευρέως στη βιομηχανία δώρων - για κάθε γεγονός στη ζωή, ένα δώρο υποτίθεται ότι τυλίγεται και δένεται με πολύ συγκεκριμένο τρόπο. Υπάρχουν πάρα πολλοί κόμποι και συνθέσεις στην τέχνη του mizuhiki, και δεν τα γνωρίζει όλοι από καρδιάς όλοι οι Ιάπωνες. Φυσικά, υπάρχουν οι πιο συνηθισμένοι και απλοί κόμποι που χρησιμοποιούνται συχνότερα: για συγχαρητήρια για τη γέννηση ενός παιδιού, για γάμο ή εορτασμό, γενέθλια ή εισαγωγή στο πανεπιστήμιο.

- Κουμιχίμο.
Το Kumihimo είναι ένα ιαπωνικό πλεγμένο κορδόνι. Κατά την ύφανση των νημάτων, λαμβάνονται κορδέλες και κορδόνια. Αυτά τα κορδόνια υφαίνονται σε ειδικές μηχανές - Marudai και Takadai. Η μηχανή Marudai χρησιμοποιείται για την ύφανση στρογγυλών κορδονιών και το Takadai για επίπεδες. Kumihimo στα ιαπωνικά σημαίνει «ύφανση σχοινιών» (kumi - ύφανση, δίπλωμα μαζί, himo - σχοινί, δαντέλα). Παρά το γεγονός ότι οι ιστορικοί επιμένουν πεισματικά ότι παρόμοια ύφανση μπορεί να βρεθεί μεταξύ των Σκανδιναβών και των κατοίκων των Άνδεων, η ιαπωνική τέχνη του kumihimo είναι πράγματι ένας από τους αρχαιότερους τύπους υφαντικής. Η πρώτη αναφορά του χρονολογείται από το 550, όταν ο Βουδισμός εξαπλώθηκε σε όλη την Ιαπωνία και ειδικές τελετές απαιτούσαν ειδική διακόσμηση. Αργότερα, τα κορδόνια kumihimo άρχισαν να χρησιμοποιούνται ως στερέωση της ζώνης obi σε ένα γυναικείο κιμονό, ως σχοινιά για να «πακετάρουν» ολόκληρο το οπλοστάσιο των όπλων των σαμουράι (οι σαμουράι χρησιμοποιούσαν το kumihimo για διακοσμητικούς και λειτουργικούς σκοπούς για να δέσουν την πανοπλία και την πανοπλία αλόγων) και επίσης για δέσιμο βαρέων αντικειμένων.
Μια ποικιλία από σχέδια μοντέρνου kumihimo υφαίνονται πολύ εύκολα σε σπιτικούς αργαλειούς από χαρτόνι.

- Κομόνο.
Τι μένει από ένα κιμονό αφού έχει σερβίρει την ώρα του; Πιστεύετε ότι πετιέται; Τίποτα σαν αυτό! Οι Ιάπωνες δεν θα το κάνουν ποτέ αυτό. Τα κιμονό είναι ακριβά. Είναι αδιανόητο και αδύνατο να το πετάξεις έτσι απλά... Μαζί με άλλα είδη ανακύκλωσης κιμονό, οι τεχνίτες έφτιαχναν μικρά αναμνηστικά από μικρά κομμάτια. Πρόκειται για μικρά παιχνίδια για παιδιά, κούκλες, καρφίτσες, γιρλάντες, γυναικεία κοσμήματα και άλλα προϊόντα, το παλιό κιμονό χρησιμοποιείται στην κατασκευή μικρών χαριτωμένων πραγμάτων, τα οποία ονομάζονται συλλογικά "komono". Μικρά πράγματα που θα πάρουν τη δική τους ζωή, συνεχίζοντας την πορεία του κιμονό. Αυτό σημαίνει η λέξη "komono".

- Κανζάσι.
Η τέχνη της διακόσμησης κλιπ μαλλιών (τις περισσότερες φορές διακοσμημένα με λουλούδια (πεταλούδες κ.λπ.) από ύφασμα (κυρίως μετάξι). Το ιαπωνικό kanzashi (kanzashi) είναι μια μακριά φουρκέτα για ένα παραδοσιακό ιαπωνικό γυναικείο χτένισμα. Ήταν κατασκευασμένα από ξύλο, λάκα, ασήμι, κέλυφος χελώνας που χρησιμοποιείται σε παραδοσιακά κινέζικα και ιαπωνικά χτενίσματα. Πριν από περίπου 400 χρόνια, στην Ιαπωνία, το στυλ των γυναικείων χτενισμάτων άλλαξε: οι γυναίκες σταμάτησαν να χτενίζουν τα μαλλιά τους στην παραδοσιακή μορφή - taregami (μακριά ίσια μαλλιά) και άρχισαν να τα χτενίζουν με περίπλοκα και παράξενες μορφές - nihongami. χρησιμοποιήθηκαν διάφορα αντικείμενα - φουρκέτες, ξυλάκια, χτένες. Ήταν τότε που ακόμη και μια απλή χτένα kushi μετατρέπεται σε ένα κομψό αξεσουάρ εξαιρετικής ομορφιάς, που γίνεται πραγματικό έργο τέχνης. Η ιαπωνική γυναικεία παραδοσιακή φορεσιά δεν επιτρέψτε τα κοσμήματα στον καρπό και τα κολιέ, έτσι τα διακοσμητικά χτενίσματος ήταν η κύρια ομορφιά και το πεδίο έκφρασης - καθώς και η επίδειξη της γεύσης και του πάχους της τσάντας όπως ο ιδιοκτήτης. Στις γκραβούρες μπορείτε να δείτε -αν κοιτάξετε προσεκτικά- πώς οι Γιαπωνέζες κρέμασαν εύκολα μέχρι και είκοσι ακριβά kanzashi στα χτενίσματα τους.
Υπάρχει τώρα μια αναβίωση στην παράδοση της χρήσης kanzashi μεταξύ των νεαρών Γιαπωνέζων που επιθυμούν να προσθέσουν κομψότητα και κομψότητα στα χτενίσματά τους.

- Κινουσάιγκα.
Ένα καταπληκτικό είδος κεντήματος από την Ιαπωνία. Το Kinusaiga (絹彩画) είναι μια διασταύρωση μπατίκ και συνονθύλευμα. Η κύρια ιδέα είναι ότι νέοι πίνακες συνδυάζονται από παλιά μεταξωτά κιμονό - αληθινά έργα τέχνης.
Αρχικά, ο καλλιτέχνης κάνει ένα σκίτσο σε χαρτί. Στη συνέχεια αυτό το σχέδιο μεταφέρεται σε μια ξύλινη σανίδα. Το περίγραμμα του σχεδίου κόβεται με αυλακώσεις ή αυλακώσεις και στη συνέχεια κόβονται μικρά κομμάτια, που ταιριάζουν στο χρώμα και τον τόνο, από το παλιό μεταξωτό κιμονό και οι άκρες αυτών των κομματιών γεμίζουν τις αυλακώσεις. Όταν κοιτάζετε μια τέτοια εικόνα, έχετε την αίσθηση ότι κοιτάτε μια φωτογραφία, ή ακόμα και απλώς παρακολουθείτε το τοπίο έξω από το παράθυρο, είναι τόσο ρεαλιστικές.

- Τέμαρι.
Πρόκειται για παραδοσιακές ιαπωνικές γεωμετρικές κεντημένες μπάλες φτιαγμένες με απλές βελονιές που κάποτε ήταν παιδικό παιχνίδι και τώρα έχουν γίνει μια μορφή τέχνης με πολλούς θαυμαστές όχι μόνο στην Ιαπωνία αλλά και σε όλο τον κόσμο. Πιστεύεται ότι πριν από πολύ καιρό αυτά τα προϊόντα κατασκευάζονταν από συζύγους σαμουράι για διασκέδαση. Στην αρχή χρησιμοποιήθηκαν πραγματικά ως μπάλα για παιχνίδι με μπάλα, αλλά σταδιακά άρχισαν να αποκτούν καλλιτεχνικά στοιχεία, μετατρέποντας αργότερα σε διακοσμητικά στολίδια. Η λεπτή ομορφιά αυτών των μπάλων είναι γνωστή σε όλη την Ιαπωνία. Και σήμερα, τα πολύχρωμα, προσεκτικά κατασκευασμένα προϊόντα είναι ένας από τους τύπους λαϊκών χειροτεχνιών στην Ιαπωνία.

- Γιουμπινούκι.
Ιαπωνικές δακτυλήθρες, όταν ράβουν με το χέρι ή κεντούν, τοποθετούνται στη μεσαία φάλαγγα του μεσαίου δακτύλου του χεριού εργασίας, με τη βοήθεια των άκρων των δακτύλων δίνεται στη βελόνα η επιθυμητή κατεύθυνση και η βελόνα σπρώχνεται μέσα από το δακτύλιο στη μέση δάχτυλο στη δουλειά. Αρχικά, οι ιαπωνικές δακτυλήθρες yubinuki κατασκευάζονταν πολύ απλά - μια λωρίδα από πυκνό ύφασμα ή δέρμα πλάτους περίπου 1 cm σε διάφορα στρώματα τυλίγεται σφιχτά γύρω από το δάχτυλο και στερεώνεται μεταξύ τους με μερικές απλές διακοσμητικές βελονιές. Αφού οι γιουμπινούκ ήταν απαραίτητο θέμασε κάθε σπίτι άρχισαν να στολίζονται με γεωμετρικά κεντήματα με μεταξωτές κλωστές. Από το πλέξιμο των βελονιών, δημιουργήθηκαν πολύχρωμα και πολύπλοκα σχέδια. Το Yubinuki από ένα απλό οικιακό αντικείμενο έχει μετατραπεί και σε αντικείμενο «θαυμασμού», διακόσμησης της καθημερινότητας.
Τα Yubinuki εξακολουθούν να χρησιμοποιούνται στη ραπτική και στο κέντημα, αλλά μπορούν επίσης να τα βρούμε απλά φορεμένα στα χέρια σε οποιοδήποτε δάχτυλο, όπως διακοσμητικά δαχτυλίδια. Το κέντημα σε στυλ Yubinuki χρησιμοποιείται για τη διακόσμηση διαφόρων αντικειμένων με τη μορφή δαχτυλιδιού - δαχτυλίδια από χαρτοπετσέτες, βραχιόλια, βάσεις temari, διακοσμημένα με κέντημα yubinuki και υπάρχουν επίσης κεντημένα κρεβάτια με βελόνες στο ίδιο στυλ. Τα μοτίβα Yubinuki μπορούν να αποτελέσουν εξαιρετική έμπνευση για κέντημα temari obi.

- Suibokuga ή sumie.
Ιαπωνική ζωγραφική με μελάνι. Αυτό το κινέζικο στυλ ζωγραφικής υιοθετήθηκε από Ιάπωνες καλλιτέχνες τον 14ο αιώνα και μέχρι τα τέλη του 15ου αιώνα. έγινε το κύριο ρεύμα της ζωγραφικής στην Ιαπωνία. Το Suibokuga είναι μονόχρωμο. Χαρακτηρίζεται από τη χρήση μαύρου μελανιού (sumi), στερεής μορφής ξυλάνθρακαςή φτιαγμένη από αιθάλη κινέζικου μελανιού, η οποία αλέθεται σε δοχείο μελανιού, αραιώνεται με νερό και εφαρμόζεται με πινέλο σε χαρτί ή μετάξι. Το Monochrome προσφέρει στον πλοίαρχο μια ατελείωτη επιλογή τονικών επιλογών, που οι Κινέζοι αναγνώρισαν εδώ και πολύ καιρό ως τα «χρώματα» του μελανιού. Το Suibokuga μερικές φορές επιτρέπει τη χρήση πραγματικών χρωμάτων, αλλά την περιορίζει σε λεπτές, διαφανείς πινελιές που παραμένουν πάντα υποδεέστερες της γραμμής μελανιού. Η ζωγραφική με μελάνι μοιράζεται με την τέχνη της καλλιγραφίας βασικά χαρακτηριστικά όπως η αυστηρά ελεγχόμενη έκφραση και η τεχνική κυριαρχία της φόρμας. Η ποιότητα της ζωγραφικής με μελάνι πέφτει, όπως και στην καλλιγραφία, στην ακεραιότητα και την αντίσταση στο σχίσιμο της γραμμής που χαράσσεται με μελάνι, η οποία, όπως λέμε, κρατά το έργο τέχνης πάνω του, όπως τα οστά κρατούν ιστούς πάνω τους.

- Ετεγάμη.
Σχεδιασμένες καρτ ποστάλ (e - εικόνα, με ετικέτα - γράμμα). Φτιάξτο μόνος σου η κατασκευή καρτ ποστάλ είναι γενικά μια πολύ δημοφιλής δραστηριότητα στην Ιαπωνία και πριν από τις διακοπές η δημοτικότητά της αυξάνεται ακόμη περισσότερο. Οι Ιάπωνες λατρεύουν να στέλνουν καρτ ποστάλ στους φίλους τους, και λατρεύουν να τις λαμβάνουν επίσης. Αυτός είναι ένας τύπος γρήγορης επιστολής σε ειδικά κενά, μπορεί να σταλεί ταχυδρομικά χωρίς φάκελο. Όχι στο etegami ειδικούς κανόνεςή τεχνικός, μπορεί να είναι οποιοδήποτε άτομο χωρίς ειδική εκπαίδευση. Το Etagami βοηθά να εκφράσει με ακρίβεια τη διάθεση, τις εντυπώσεις, αυτή είναι μια χειροποίητη καρτ ποστάλ που αποτελείται από μια εικόνα και ένα σύντομο γράμμα, που μεταφέρει τα συναισθήματα του αποστολέα, όπως ζεστασιά, πάθος, φροντίδα, αγάπη κ.λπ. Στέλνουν αυτές τις καρτ ποστάλ για τις γιορτές και ακριβώς έτσι, που απεικονίζουν τις εποχές, τις δραστηριότητες, τα λαχανικά και τα φρούτα, τους ανθρώπους και τα ζώα. Όσο πιο απλή σχεδιάζεται αυτή η εικόνα, τόσο πιο ενδιαφέρουσα φαίνεται.

- Φουροσίκι.
Ιαπωνική τεχνική περιτυλίγματος ή η τέχνη του διπλώματος του υφάσματος. Ο Furoshiki μπήκε για πολύ καιρό στη ζωή των Ιαπώνων. Αρχαία ειλητάρια από την περίοδο Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) έχουν διατηρηθεί με εικόνες γυναικών που κουβαλούσαν στο κεφάλι τους δεμάτια ρούχα τυλιγμένα με ύφασμα. Αυτή η ενδιαφέρουσα τεχνική ξεκίνησε ήδη από το 710 - 794 μ.Χ. στην Ιαπωνία. Η λέξη "furoshiki" μεταφράζεται κυριολεκτικά σε "χαλί μπάνιου" και είναι ένα τετράγωνο κομμάτι ύφασμα που χρησιμοποιήθηκε για να τυλίξει και να μεταφέρει αντικείμενα όλων των σχημάτων και μεγεθών.
Τα παλιά χρόνια συνηθιζόταν να περπατούν στα ιαπωνικά λουτρά (furo) με ελαφριά βαμβακερά κιμονό, τα οποία οι επισκέπτες έφερναν μαζί τους από το σπίτι. Ο λουόμενος έφερε επίσης ένα ειδικό χαλί (shiki) στο οποίο στεκόταν ενώ γδύνονταν. Έχοντας αλλάξει σε κιμονό «λουόμενου», ο επισκέπτης τύλιξε τα ρούχα του σε ένα χαλί και μετά το μπάνιο τύλιξε ένα βρεγμένο κιμονό σε ένα χαλί για να το φέρει στο σπίτι. Έτσι, το χαλάκι μπάνιου έχει γίνει μια πολυλειτουργική τσάντα.
Το Furoshiki είναι πολύ εύκολο στη χρήση: το ύφασμα παίρνει το σχήμα του αντικειμένου που τυλίγετε και οι λαβές διευκολύνουν τη μεταφορά του φορτίου. Επιπλέον, ένα δώρο τυλιγμένο όχι σε σκληρό χαρτί, αλλά σε ένα απαλό, πολυεπίπεδο ύφασμα, αποκτά μια ιδιαίτερη εκφραστικότητα. Υπάρχουν πολλά σχέδια για πτυσσόμενα furoshiki για κάθε περίσταση, καθημερινή ή εορταστική.

- Αμιγκουρούμι.
Η ιαπωνική τέχνη του πλεξίματος ή του κροσέ μικρών λούτρινων ζώων και ανθρωποειδών πλασμάτων. Τα αμιγκουρούμι (編み包み, λιτ.: «πλεκτά-τυλιγμένα») είναι πιο συχνά χαριτωμένα ζώα (όπως αρκούδες, κουνελάκια, γάτες, σκύλοι κ.λπ.), ανθρωπάκια, αλλά μπορεί επίσης να είναι άψυχα αντικείμενα προικισμένα με ανθρώπινες ιδιότητες. Για παράδειγμα, cupcakes, καπέλα, τσάντες και άλλα. Το amigurumi είναι πλεκτό ή πλεκτό ή κροσέ. Πρόσφατα, τα κροσέ amigurumi έχουν γίνει πιο δημοφιλή και πιο συνηθισμένα.
πλεκτά από νήμα με απλή μέθοδο πλεξίματος - σε σπείρα και, σε αντίθεση με την ευρωπαϊκή μέθοδο πλεξίματος, οι κύκλοι συνήθως δεν συνδέονται. Είναι επίσης κροσέ σε μικρότερο μέγεθος σε σχέση με το πάχος του νήματος για να δημιουργηθεί ένα πολύ πυκνό ύφασμα χωρίς κενά για να βγαίνει γέμιση. Τα amigurumi συχνά φτιάχνονται από μέρη και στη συνέχεια συναρμολογούνται, με εξαίρεση μερικά amigurumi, τα οποία δεν έχουν άκρα, αλλά έχουν μόνο κεφάλι και κορμό, τα οποία είναι ένα σύνολο. Τα άκρα μερικές φορές γεμίζουν με πλαστικά κομμάτια για να τους δώσουν ζωντανό βάρος, ενώ το υπόλοιπο σώμα γεμίζει με ίνες.
Η διάδοση της αισθητικής amigurumi διευκολύνεται από τη χαριτότητά τους (“kawaii”).