Ρωσικές εποχές με π Diaghilev εν συντομία. "Ρωσικές εποχές" του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ - η αναβίωση του ρωσικού μπαλέτου

Τον εικοστό αιώνα, η Ρωσία βρισκόταν σε μια μάλλον διφορούμενη κατάσταση: η αναταραχή στο εσωτερικό της χώρας και μια επισφαλής θέση στην παγκόσμια σκηνή έκαναν τη δουλειά τους. Όμως, παρ' όλη την ασάφεια της περιόδου, οι Ρώσοι καλλιτέχνες ήταν αυτοί που συνέβαλαν τεράστια στην ανάπτυξη Ευρωπαϊκός πολιτισμός, δηλαδή χάρη στις «Ρωσικές εποχές» του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ.

Σεργκέι Ντιαγκίλεφ, 1910

Ο Sergei Diaghilev είναι ένα μεγάλο θέατρο και καλλιτεχνική φιγούρα, ένας από τους ιδρυτές της ομάδας World of Art, στην οποία συμμετείχαν οι Benois, Bilibin, Vasnetsov και άλλοι διάσημοι καλλιτέχνες. Η νομική εκπαίδευση και το αναμφισβήτητο ταλέντο να βλέπει έναν πολλά υποσχόμενο καλλιτέχνη σε έναν άνθρωπο τον βοήθησαν να «ανακαλύψει» την πραγματική ρωσική τέχνη στην Ευρώπη.

Αφού απολύθηκε από Θέατρο ΜαριίνσκιΟ Diaghilev οργάνωσε την έκθεση World of Art το 1906, η οποία στη συνέχεια μετανάστευσε σταδιακά στο φθινοπωρινό σαλόνι του Παρισιού. Ήταν αυτό το γεγονός που ξεκίνησε την κατάκτηση του Παρισιού από Ρώσους καλλιτέχνες.

Το 1908 παρουσιάστηκε στο Παρίσι η όπερα Boris Godunov. Η σκηνογραφία έγινε από τους A. Benois και E. Lansere, οι οποίοι ήταν ήδη αρκετά γνωστοί από τον κόσμο της τέχνης. Υπεύθυνος για τα κοστούμια ήταν ο I. Bilibin. Αλλά ο σολίστ έκανε μια εντυπωσιακή εντύπωση στους απαιτητικούς Παριζιάνους. Το γαλλικό κοινό εκτίμησε το ταλέντο του ήδη από το 1907, όταν ο Ντιαγκίλεφ έφερε τα ιστορικά ρωσικά κονσέρτα του στο Παρίσι, τα οποία έγιναν επίσης αντιληπτά. ο καλύτερος τρόπος. Έτσι ο Fyodor Chaliapin έγινε ο αγαπημένος του ευρωπαϊκού κοινού και αργότερα η φήμη του έφτασε στις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου το έργο του είχε πολλά πνεύματα. Έτσι, στο μέλλον, ο Fyodor Chaliapin εξέφρασε την αγάπη του για την τέχνη στην αυτοβιογραφία του "Pages from my life":

«Με το να το θυμάμαι αυτό, δεν μπορώ παρά να πω: η ζωή μου είναι δύσκολη, αλλά καλή! Έζησα στιγμές μεγάλης ευτυχίας χάρη στην τέχνη, που αγάπησα με πάθος. Η αγάπη είναι πάντα ευτυχία, ανεξάρτητα από το τι αγαπάμε, αλλά η αγάπη για την τέχνη είναι η μεγαλύτερη ευτυχία της ζωής μας!».

Το 1909 είναι μια χρονιά ορόσημο για τον Ντιαγκίλεφ και τις Ρωσικές Εποχές του. Φέτος παρουσιάστηκαν πέντε παραστάσεις μπαλέτου: «Περίπτερο της Αρμίδας», «Κλεοπάτρα», «Πολόβτσιοι Χοροί», «Συλφίδη» και «Γιορτή». Την παραγωγή σκηνοθέτησε ένας νεαρός, αλλά ήδη πολλά υποσχόμενος χορογράφος, ο Mikhail Fokin. Ο θίασος περιελάμβανε αστέρια του μπαλέτου της Μόσχας και της Αγίας Πετρούπολης όπως ο Nijinsky (ο Diaghilev ήταν ο προστάτης του), ο Rubinstein, η Kshesinskaya, η Karsavina, οι οποίοι, χάρη στις ρωσικές εποχές, θα ξεκινήσουν ένα λαμπρό και υπέροχο μέλλον γεμάτο παγκόσμια φήμη .

Η ανεξήγητη δόξα του ρωσικού μπαλέτου, αποδεικνύεται, έχει μια πολύ λογική αιτιολόγηση - στο μπαλέτο υπήρχε μια σύνθεση όλων των ειδών τέχνης, από τη μουσική μέχρι την καλή τέχνη. Αυτό ήταν που σαγήνευσε τα αισθητικά γούστα του κοινού.

Επί του χρόνουΣτο ρεπερτόριο προστέθηκαν τα Orientalia, Carnival, Giselle, Scheherazade και The Firebird. Και, φυσικά, η χαρά και ο θρίαμβος παρείχαν.

Το ρωσικό μπαλέτο του Ντιάγκιλεφ είχε στόχο να καταστρέψει τα υπάρχοντα θεμέλια, και αυτό έγινε με επιτυχία μόνο χάρη στο ταλέντο του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ. Δεν πήρε μέρος στην παραγωγή του μπαλέτου, αν και, ως γνωστόν, δεν απείχε καθόλου από τον κόσμο της τέχνης (με όλη τη σημασία της λέξης). Σε αυτή την κατάσταση, το ταλέντο του να επιλέγει κατάλληλο και ταλαντούχους ανθρώπους, που μπορεί να μην είναι ακόμη γνωστό σε κανέναν, αλλά ήδη κάνουν μια σοβαρή προσφορά για μελλοντική αναγνώριση.

Ο ρόλος ενός άνδρα έγινε επαναστατικό στοιχείο στο μπαλέτο. Μπορείτε να μαντέψετε ότι αυτό έγινε λόγω του αγαπημένου του Diaghilev - Vaslav Nijinsky - του κορυφαίου χορευτή και χορογράφου του θιάσου του ρωσικού μπαλέτου Diaghilev. Παλαιότερα ο άντρας ήταν στο βάθος, αλλά τώρα η μπαλαρίνα και η μπαλαρίνα έχουν ισοφαριστεί σε θέσεις.

Ωστόσο, δεν έγιναν δεκτές όλες οι καινοτομίες θετικά. Για παράδειγμα, μονόπρακτο μπαλέτοΤο «Afternoon of a Faun», που διαρκεί μόλις 8 λεπτά, το 1912, απέτυχε στη σκηνή του θεάτρου Chatelet στο Παρίσι λόγω αρνητικών κριτικών από το κοινό. Το θεώρησαν χυδαίο και απαράδεκτο για μεγάλη σκηνή. Στη σκηνή, ο Nijinsky εμφανίστηκε ειλικρινά γυμνός: χωρίς καφτάνια, καμισόλες ή παντελόνια. Το καλσόν συμπλήρωνε μόνο μια μικρή αλογοουρά, ένα κλήμα τυλιγμένο γύρω από τη μέση και ένα ψάθινο σκουφάκι από χρυσά μαλλιά με δύο χρυσά κέρατα. Οι Παριζιάνοι αποδοκίμασαν την παραγωγή και ένα σκάνδαλο ξέσπασε στον Τύπο.

L. S. Bakst. Κοστούμια για τον Vaslav Nijinsky ως Faun για το μπαλέτο

Αξίζει όμως να σημειωθεί ότι στο Λονδίνο η ίδια παραγωγή δεν προκάλεσε καταιγισμό αγανάκτησης.

Σημαντικοί άνθρωποι στη ζωή του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ

Τι μπορεί να κάνει έναν άνθρωπο να δημιουργήσει; Φυσικά αγάπη! Αγάπη για τη δημιουργικότητα, την τέχνη και την ομορφιά σε όλες τις εκδηλώσεις. Το κύριο πράγμα είναι να συναντηθείτε μόνοι σας μονοπάτι ζωήςεμπνέοντας ανθρώπους. Ο Ντιαγκίλεφ είχε δύο φαβορί, τους οποίους έκανε αληθινούς αστέρες του μπαλέτου.

Ο Βάσλαβ Νιζίνσκι είναι χορευτής και χορογράφος, μούσα του Ντιαγκίλεφ και πρωταγωνιστής της πρώτης σκηνής των Ρωσικών Εποχών. Το εξαιρετικό ταλέντο, η θεαματική εμφάνιση έκαναν έντονη εντύπωση στον ιμπρεσάριο. Ο Nijinsky γεννήθηκε σε μια οικογένεια χορευτών μπαλέτου και έχει συνδεθεί μαζί του μαγικός κόσμοςχορός. Παρών στη ζωή του ήταν και το θέατρο Mariinsky, από το οποίο έφυγε με σκάνδαλο, όπως ο ίδιος ο Diaghilev. Αλλά αντιληπτός από τον μελλοντικό προστάτη του, βυθίστηκε σε μια εντελώς διαφορετική ζωή - πολυτέλεια και δόξα.

Ο Βάσλαβ Νιζίνσκι με τη σύζυγό του Ρομόλα στη Βιέννη το 1945

Η δημοτικότητα στο Παρίσι γύρισε το κεφάλι νεαρό ταλέντοκαι ο ίδιος ο Ντιαγκίλεφ χάλασε τον αγαπημένο του χορευτή. Θα πίστευε κανείς ότι αυτή η υπέροχη ένωση δεν μπορεί να έχει μαύρες ρίγες: ο ένας αγαπά, ο άλλος επιτρέπει. Όμως, όπως ήταν αναμενόμενο, είχαν μια κρίση, για την οποία έφταιγε ο ίδιος ο Nijinsky. Ταξιδεύοντας μέσα νότια Αμερική, παντρεύτηκε τη θαυμάστρια και αριστοκράτισσα Romola Pulskaya. Όταν ο Ντιαγκίλεφ το έμαθε αυτό, το πήρε πολύ προσωπικά και διέκοψε κάθε σχέση με τον Νιζίνσκι.

Αφού εκδιώχθηκε από έναν τόσο διάσημο θίασο, ο Nijinsky ήταν σε κατάθλιψη και του ήταν δύσκολο να αντιμετωπίσει τις πραγματικότητες της ζωής, γιατί πριν δεν ήξερε καμία ανησυχία, αλλά απλώς ζούσε και απολάμβανε τη ζωή. Όλοι οι λογαριασμοί του πληρώθηκαν από την τσέπη του προστάτη του.

Τα τελευταία χρόνια, ο Ρώσος σταρ του μπαλέτου υπέφερε από σχιζοφρένεια, αλλά χάρη στην ενισχυμένη θεραπεία, ο Βάσλαβ Νιζίνσκι έγινε ακόμα καλύτερος και τα τελευταία του χρόνια πέρασαν σε έναν ήρεμο οικογενειακό κύκλο.

Δεύτερος σημαντικός άνθρωποςστη ζωή του μεγάλου ιμπρεσάριο ήταν ο Λεονίντ Μιάσιν, ο οποίος σπούδασε στην Αυτοκρατορική Σχολή Θέατρο Μπολσόι. Ο νεαρός οδήγησε θίασος μπαλέτου, και το 1917 υπήρξε μια μεγάλη επιστροφή των Ρωσικών Εποχών. Ο ίδιος ο Πάμπλο Πικάσο εργάζεται στα σκηνικά για τα μπαλέτα "Parade" και "Cocked Hat". Ο Myasin κέρδισε φήμη χάρη στη φαντασμαγορία "Parade", όπου έπαιξε πρωταγωνιστικός ρόλος. Αλλά ήδη το 1920, προέκυψε μια σύγκρουση και εδώ - ο χορογράφος έπρεπε να εγκαταλείψει το θίασο. Η νέα χορογράφος ήταν, δεν αποτελεί έκπληξη, η αδελφή του Nijinsky, Bronislava, η οποία είχε επίσης ταλέντο στο μπαλέτο.

ΖΩΗ ταλαντουχο ατομοπάντα σε αντίθεση: χωρίς απώλειες και αποτυχίες δεν πραγματοποιούνται μεγάλες νίκες. Έτσι έζησε ο Σεργκέι Ντιαγκίλεφ, η απελπισμένη αγάπη του για τη δουλειά και ο επαγγελματισμός του αποκάλυψε δεκάδες ανθρώπους των οποίων τα ονόματα γνωρίζουν όλοι πλέον.

Το 1929, ο Σεργκέι Ντιαγκίλεφ πέθανε, την κηδεία του πλήρωσαν η Κοκό Σανέλ και η Μίσια Σερτ, που είχαν τα πιο τρυφερά συναισθήματα για την ιδιοφυΐα.

Η σορός του μεταφέρθηκε στο νησί San Michele και ετάφη στο ορθόδοξο τμήμα του νεκροταφείου.

Σε μάρμαρο επιτύμβια στήλητο όνομα του Ντιαγκίλεφ είναι χαραγμένο στα ρωσικά και στα γαλλικά (Serge de Diaghilew) και ο επιτάφιος: «Η Βενετία είναι ο σταθερός εμπνευστής της διαβεβαίωσής μας» - μια φράση που έγραψε λίγο πριν από το θάνατό του σε μια αφιερωτική επιγραφή στον Serge Lifar. Στο βάθρο δίπλα από τη φωτογραφία του ιμπρεσάριο, υπάρχουν σχεδόν πάντα παπούτσια μπαλέτου (για να μην τα παρασύρει ο αέρας, τα γεμίζει με άμμο) και άλλα θεατρικά σύνεργα. Στο ίδιο νεκροταφείο, δίπλα στον τάφο του Ντιάγκιλεφ, βρίσκεται ο τάφος του συνεργάτη του, του συνθέτη Ιγκόρ Στραβίνσκι, καθώς και του ποιητή Γιόζεφ Μπρόντσκι, ο οποίος αποκάλεσε τον Ντιαγκίλεφ «Πολίτη του Περμ».

Ο τάφος του Diaghilev στο νησί San Michele

Ήταν χάρη στον Ρώσο επιχειρηματία που είδε η Ευρώπη νέα Ρωσία, που διαμόρφωσαν στη συνέχεια τα γούστα και τις προτιμήσεις της γαλλικής υψηλής κοινωνίας. Χάρη στον Sergei Diaghilev ο 20ός αιώνας στην παγκόσμια τέχνη άρχισε να ονομάζεται Χρυσή Εποχή του Ρωσικού μπαλέτου!

Όπως σε κάθε επιχείρηση, οι «Ρωσικές εποχές» του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ είχαν τα πάνω και τα κάτω της, αλλά μόνο η ανάμνηση που επιβίωσε έναν αιώνα αργότερα και ζει σε αθάνατες παραγωγές είναι μια πραγματική ανταμοιβή για κάθε φιγούρα.

"Ρωσικές εποχές" - παραστάσεις περιοδείας Ρώσων χορευτών μπαλέτου και όπερας (1908-29), που διοργανώθηκαν από διάσημη φιγούραπολιτισμός και επιχειρηματίας στο εξωτερικό (από το 1908 στο Παρίσι, από το 1912 στο Λονδίνο, από το 1915 σε άλλες χώρες). Η κύρια δραστηριότητα του entreprise ήταν το μπαλέτο. Όπερες ανέβαιναν σπάνια και κυρίως μέχρι το 1914.

Οι Ρωσικές Εποχές ξεκίνησαν το 1906, όταν ο Ντιαγκίλεφ έφερε μια έκθεση Ρώσων καλλιτεχνών στο Παρίσι. Το 1907, μια σειρά από συναυλίες ρωσικής μουσικής ("Historical Russian Concerts") έλαβε χώρα στη Μεγάλη Όπερα. Οι Ρωσικές Εποχές ξεκίνησαν στην πραγματικότητα το 1908 στο Παρίσι, όταν η όπερα Boris Godunov παίχτηκε εδώ (σκηνοθέτης Sanin, μαέστρος Blumenfeld, σκηνογραφία A. Golovin, A. Benois, K. Yuon, E. Lansere, κοστούμια I. Bilibin. σολίστ Chaliapin, Kastorsky, Smirnov, Ermolenko-Yuzhina και άλλοι).

Το 1909, το The Maid of Pskov του Rimsky-Korsakov παρουσιάστηκε στους Παριζιάνους με τον τίτλο Ivan the Terrible (μεταξύ των σολίστ ήταν ο Chaliapin, ο Lipkovskaya και ο Kastorsky). Το 1913 ανέβηκε η Khovanshchina (σκηνοθέτης Sanin, μαέστρος Cooper, Chaliapin έπαιξε το μέρος του Dosifey). Το 1914 η Μεγάλη Όπερα φιλοξένησε την παγκόσμια πρεμιέρα του Αηδόνι του Στραβίνσκι (σκηνοθέτης Sanin, μαέστρος Monteux). Το 1922 ανέβηκε εκεί και η Μαύρα του Στραβίνσκι.

Το 1924, τρεις όπερες του Γκουνό (Το Περιστέρι, Ο απρόθυμος γιατρός, Φιλήμονας και Μπαούσις) ανέβηκαν στο θέατρο του Μόντε Κάρλο. Σημειώνουμε επίσης την παγκόσμια πρεμιέρα (παράσταση συναυλίας) της όπερας-ορατόριου του Στραβίνσκι Oedipus Rex (1927, Παρίσι).

Οι «Ρωσικές εποχές» έπαιξαν τεράστιο ρόλο στην προώθηση της ρωσικής τέχνης στο εξωτερικό και στην ανάπτυξη της παγκόσμιας καλλιτεχνικής διαδικασίας τον 20ό αιώνα.

Ε. Τσοντόκοφ

«Ρωσικές εποχές» στο εξωτερικό, παραστάσεις όπερας και μπαλέτου που διοργανώνει ο S. P. Diaghilev. Υποστηρίχθηκαν από τους κύκλους της ρωσικής καλλιτεχνικής διανόησης ("The World of Art", ο μουσικός κύκλος Belyaevsky, κ.λπ.). Οι Ρωσικές Εποχές ξεκίνησαν στο Παρίσι το 1907 με ιστορικές συναυλίες με τους N. A. Rimsky-Korsakov, S. V. Rachmaninov, A. K. Glazunov και F. I. Chaliapin. Το 1908-09 παίχτηκαν οι όπερες Boris Godunov του Mussorgsky, The Maid of Pskov του Rimsky-Korsakov, Prince Igor του Borodin κ.α.

Το 1909 για πρώτη φορά, μαζί με παραστάσεις όπερας, δείχνει τα μπαλέτα του M. M. Fokin (που είχε ανεβάσει προηγουμένως στην Αγία Πετρούπολη): “The Pavilion of Armida” (τέχνη A. N. Benois), “Polovtsian Dances” (τέχνη N. K. Roerich); Sylphides (Chopiniana) σε μουσική Chopin, Κλεοπάτρα (Αιγυπτιακές Νύχτες) του Arensky (καλλιτέχνης L. S. Bakst) και διασκευή Feast σε μουσική Glinka, Tchaikovsky, Glazunov, Mussorgsky.

Ο θίασος μπαλέτου αποτελούνταν από καλλιτέχνες των θεάτρων Μπολσόι της Αγίας Πετρούπολης και της Μόσχας. Σολίστ - A. P. Pavlova, V. F. Nizhinsky, T. P. Karsavina, E. V. Geltser, S. F. Fedorova, M. M. Mordkin, V. A. Karalli, M. P. Froman και Δρ. Χορογράφος - Fokin.

Από το 1910, οι Ρωσικές Εποχές διεξάγονται χωρίς τη συμμετοχή της όπερας. Στη 2η σεζόν (Παρίσι, Βερολίνο, Βρυξέλλες), παρουσιάστηκαν νέες παραστάσεις του Fokine - "Carnival" (καλλιτέχνης Bakst), "Scheherazade" στη μουσική του Rimsky-Korsakov (ο ίδιος καλλιτέχνης, κουρτίνα σύμφωνα με σκίτσα του V. A. Serov) , « The Firebird» (καλλιτέχνες A. Ya. Golovin και Bakst), καθώς και «Giselle» (επιμέλεια M. I. Petipa, καλλιτέχνης Μπενουά) και "Orientalia" (χορογραφικές μινιατούρες, συμπεριλαμβανομένων θραυσμάτων από την "Κλεοπάτρα", "Polovtsian Dances", αριθμούς στη μουσική των Arensky, Glazunov και άλλων, "Siamese Dance" στη μουσική του Sinding και "Kobold" στη μουσική του Grieg , που ανέβασε ο Fokine για τον Nijinsky).

Το 1911, ο Diaghilev αποφάσισε να δημιουργήσει έναν μόνιμο θίασο, ο οποίος τελικά σχηματίστηκε το 1913 και έλαβε το όνομα "".

Το πρώτο τέταρτο του 20ου αιώνα ήταν μια εποχή καινοτομίας. Την ίδια περίοδο στην Ευρώπη διεξήχθησαν με μια πρωτοφανή γεμάτη αυλή "Ρωσικές εποχές"διατεταγμένα Σεργκέι Ντιαγκίλεφ. Ο ιμπρεσάριος ήταν παθιασμένος με την επέκταση των ορίων του παραδοσιακού μπαλέτου, έτσι συγκέντρωσε γύρω του ταλαντούχους χορευτές, συνθέτες και καλλιτέχνες, οι οποίοι μαζί δημιούργησαν ένα μπαλέτο που ήταν μπροστά από την εποχή του. Η Ευρώπη χειροκρότησε τις ρωσικές εποχές για 20 χρόνια.

Ο Σεργκέι Ντιαγκίλεφ πέρασε τα παιδικά και νεανικά του χρόνια στο Περμ (Βόρεια Ουράλια). Αφού ο μελλοντικός ιμπρεσάριος αποφοίτησε από τη νομική σχολή, συνειδητοποίησε ότι ήθελε να αφοσιωθεί στον πολιτισμό.

Το σημείο καμπής στη ζωή του Sergei Diaghilev ήρθε όταν μετακόμισε από τη Ρωσία στο Παρίσι το 1906. Εκεί οργάνωσε έκθεση ζωγραφικής εγχώριους καλλιτέχνες, μια σειρά από συναυλίες, αφιερωμένο στη δημιουργικότηταΡώσοι συνθέτες. Αλλά πάνω απ 'όλα, έμεινε στη μνήμη των μεταγενέστερων ως ο διοργανωτής των "Ρωσικών Εποχών" - καινοτόμων παραστάσεων μπαλέτου.

Πίσω στο 1899, ως επίσημος για ειδικές εργασίεςυπό τη διεύθυνση των Imperial Theatres, ο Diaghilev είδε την παράσταση της Isadora Duncan και του Mikhail Fokine. Οι καινοτομίες στον χορό οδήγησαν τον Diaghilev στην απόλυτη απόλαυση. Αποφάσισε ότι η παραδοσιακή χορογραφία δεν θα εκπλήσσει πλέον το κοινό, έτσι το 1909 άνοιξε τη σεζόν Ρωσικών Μπαλέτων στο Παρίσι.

Η Anna Pavlova, ο Mikhail Fokin, ο Vaslav Nijinsky δημιούργησαν κάτι μοναδικό. Νέα χορογραφία, μουσική Στραβίνσκι, Ντεμπυσσύ, Προκόφιεφ, Στράους συγχωνεύτηκαν. Ο Alexandre Benois, ο Pablo Picasso, η Coco Chanel, ο Henri Matisse πραγματοποίησαν τις φαντασιώσεις τους στο σχεδιασμό κοστουμιών και σκηνικών.

Τα τρία πρώτα μπαλέτα, The Firebird (1910), Petrushka (1911) και The Rite of Spring (1913) έκαναν θραύση. Αν και αξίζει να σημειωθεί ότι το κοινό δεν αποδέχτηκε αμέσως την καινοτομία του Diaghilev και της ομάδας του. Στην πρεμιέρα του The Rite of Spring, το κοινό δεν κατάλαβε τι συνέβαινε στη σκηνή: ούρλιαξαν έτσι που έπνιξαν την ορχήστρα. Ο χορογράφος Nijinsky έπρεπε να χτυπήσει τον ρυθμό για να συνεχίσουν οι καλλιτέχνες να χορεύουν. Ωστόσο, μετά τις «Ρωσικές εποχές», μια μόδα για όλα τα ρωσικά εμφανίστηκε στην Ευρώπη: ξένοι χορευτές άλλαξαν τα ονόματά τους σε ρωσικούς τρόπους και η σύζυγος του βασιλιά Γεωργίου VI περπάτησε στο διάδρομο με ένα φόρεμα διακοσμημένο με στοιχεία από τη ρωσική λαογραφία.

Για 20 χρόνια, η Ευρώπη επικροτεί τις ρωσικές εποχές. Παρά το γεγονός ότι ο Σεργκέι Ντιαγκίλεφ ήταν ένας ευπρόσδεκτος επισκέπτης στα πιο διάσημα αριστοκρατικά σπίτια της Ευρώπης, αυτός ο άντρας βρισκόταν στο χείλος της καταστροφής όλη του τη ζωή. Ο Ντιαγκίλεφ υπέφερε από διαβήτη για μεγάλο χρονικό διάστημα, αλλά δεν ακολούθησε τη δίαιτα που του είχε συνταγογραφηθεί. Το 1929 η υγεία του επιδεινώθηκε απότομα, ενώ στη Βενετία έπεσε σε κώμα, από το οποίο δεν βγήκε ποτέ.
Μετά την κατάρρευση των "Ρωσικών Εποχών" συνέχισε να ενθουσιάζει το κοινό για περισσότερο από μια δεκαετία.

Οι «Ρωσικές εποχές στο Παρίσι» ή όπως ονομάζονται και «Εποχές Ντιαγκίλεφ», που έλαβαν χώρα στην Ευρώπη από το 1907 έως το 1929, ήταν ένας θρίαμβος της ρωσικής, και στη συνέχεια της παγκόσμιας τέχνης. Χάρη στον Sergei Pavlovich Diaghilev, ο κόσμος γνώρισε τα ονόματα εξαιρετικών Ρώσων καλλιτεχνών, μουσικών, χορογράφων και ερμηνευτών μπαλέτου. Οι «Ρωσικές εποχές» έδωσαν ώθηση στην αναβίωση της τέχνης του μπαλέτου, που είχε πεθάνει στην Ευρώπη εκείνη την εποχή, και στην εμφάνισή της στις ΗΠΑ.

Αρχικά, η ιδέα να δείξουν στον κόσμο τα έργα των Ρώσων δασκάλων της τέχνης ανήκε στα μέλη του κύκλου "World of Art" και το 1906 ο Diaghilev οργάνωσε μια έκθεση στο φθινοπωρινό σαλόνι του Παρισιού. μοντέρνα ζωγραφικήκαι γλυπτική, στην οποία παρουσιάστηκαν τα έργα των καλλιτεχνών Bakst, Benois, Vrubel, Roerich, Serov και άλλων. ηχηρή επιτυχία! Ρωσικές ιστορικές συναυλίες με τη συμμετοχή των N. A. Rimsky-Korsakov, Rachmaninov, Glazunov κ.α.. Αρίες από όπερες Ρώσων συνθετών παρουσιάστηκαν στο ευρωπαϊκό κοινό. Περαιτέρω, το 108, έλαβαν χώρα εποχές όπερας, κατά τις οποίες οι Γάλλοι γοητεύτηκαν από την ερμηνεία του Φιοντόρ Σαλιάπιν στην όπερα του βουλευτή Mussorgsky, Boris Godunov.

Στη σεζόν του 1909 συμπεριλήφθηκαν εκτός από όπερες και μπαλέτα. Η γοητεία του Diaghilev με αυτή την άποψη τέχνες του θεάματοςήταν τόσο σπουδαίο που έσπρωξε για πάντα την όπερα στο παρασκήνιο στις ρωσικές εποχές. Από το θέατρο Μαριίνσκι της Αγίας Πετρούπολης και το Θέατρο Μπολσόι της Μόσχας προσκλήθηκαν οι Πάβλοβα, Καρσάβια, Νιζίνσκι, Κσεσίνσκαγια. Για πρώτη φορά ακούστηκε για πρώτη φορά το όνομα του αρχάριου τότε χορογράφου M. Fokin, ο οποίος έγινε καινοτόμος στην τέχνη του και διεύρυνε το πεδίο της παραδοσιακής κατανόησης. χορός μπαλέτου. Ξεκινά το δικό του δημιουργικό τρόπονεαρός συνθέτης Ι. Στραβίνσκι.

Στα πρώτα στάδια της ύπαρξής του, το "Russian Seasons" έδειξε στο ξένο κοινό τα επιτεύγματα της ρωσικής τέχνης, χρησιμοποιώντας παραγωγές που ήδη πραγματοποιούνταν στην εγχώρια σκηνή. Ωστόσο, οι επικρίσεις ορισμένων κριτικών κατά της επιχείρησης Diaghilev ότι λειτουργεί "με τα πάντα έτοιμα" δεν ήταν δίκαιες. Οι καλύτερες παραγωγές των αυτοκρατορικών θεάτρων συμπεριλήφθηκαν στο πρόγραμμα περιοδειών σε μια μεταμορφωμένη και μεταμορφωμένη μορφή. Πολλά τροποποιήθηκαν, βελτιώθηκαν, δημιουργήθηκαν εκ νέου για να παίξουν σκηνικά και κοστούμια σε μια σειρά από παραστάσεις, συμμετείχαν νέοι καλλιτέχνες.

Με την πάροδο του χρόνου, ο Ντιαγκίλεφ σκόραρε μόνιμος θίασος, αφού πολλοί καλλιτέχνες για την πρώτη περίοδο της ύπαρξης του entreprise διασκορπίστηκαν σε Ευρωπαϊκά θέατρα. Η κύρια βάση των προβών ήταν στο Μόντε Κάρλο.

Η επιτυχία συνόδευσε τον ρωσικό θίασο μέχρι το 1912. Αυτή η σεζόν ήταν αποτυχημένη. Ο Diaghilev άρχισε να κινείται προς καινοτόμα πειράματα στην τέχνη του μπαλέτου. Γύρισε στο ξένους συνθέτες. Τρεις από τις τέσσερις νέες παραγωγές της σεζόν, στη χορογραφία του Fokine, έγιναν δεκτές από το παριζιάνικο κοινό ψύχραιμα και χωρίς ενδιαφέρον, και η τέταρτη στη χορογραφία του Nijinsky (αυτή ήταν η πρώτη του στάση) - "Afternoon of a Faun" - έγινε δεκτό εξαιρετικά διφορούμενα.Η παριζιάνικη εφημερίδα «Figaro» έγραψε: δεν πρόκειται για κομψό εκλογισμό και όχι για βαθύ έργο. Είχαμε έναν ακατάλληλο πανίδα με αποκρουστικές κινήσεις ερωτικής κτηνωδίας και με χειρονομίες βαριάς αναίσχυνσης. Αυτό είναι όλο. Και οι ωραίοι κύλινδροι συνάντησαν την υπερβολικά εκφραστική παντομίμα αυτού του σώματος ενός κακοφτιαγμένου ζώου, αποκρουστικό και ακόμα πιο αηδιαστικό στο προφίλ».

Ωστόσο, οι καλλιτεχνικοί κύκλοι του Παρισιού αντιλήφθηκαν το μπαλέτο με εντελώς διαφορετικό πρίσμα. Η εφημερίδα Le Matin δημοσίευσε ένα άρθρο του Ογκίστ Ροντέν που επαινούσε το ταλέντο του Νιζίνσκι: «Δεν υπάρχουν πια χοροί, δεν υπάρχουν άλματα, τίποτα άλλο παρά οι θέσεις και οι χειρονομίες μιας ημισυνείδητης ζωότητας: απλώνεται, ακουμπάει στην πλάτη του, περπατά σκυφτός, ισιώνει. επάνω, κινείται προς τα εμπρός, υποχωρεί με αργές κινήσεις και μετά απότομη, νευρικός, γωνιακός, το βλέμμα του ακολουθεί, τα χέρια του τεντωμένα, το χέρι του ανοίγει διάπλατα, τα δάχτυλά του σφίγγονται το ένα πάνω στο άλλο, το κεφάλι του γυρίζει, με πόθο για μια μετρημένη αδεξιότητα που μπορεί Ο συντονισμός μεταξύ των εκφράσεων του προσώπου και της πλαστικότητας είναι τέλειος, ολόκληρο το σώμα εκφράζει αυτό που απαιτεί ο λόγος: έχει την ομορφιά μιας νωπογραφίας και ενός αγάλματος αντίκα, είναι ένα ιδανικό μοντέλο με το οποίο θέλει κανείς να ζωγραφίσει και να γλυπτεί.

(Συνεχίζεται).

παρισινός εθνική όπερα. Palais Garnier

παρόν:

Μπαλέτα "Petrushka", "Cocked Hat", "Vision of the Rose", "Afternoon of a Faun".

Λίγα λόγια για καθένα από αυτά τα μπαλέτα.

*********************

Petrushka (Ρωσικά αστείες σκηνές V τέσσερις εικόνες) - μπαλέτο του Ρώσου συνθέτη Igor Stravinsky, το οποίο πρωτοπαρουσιάστηκε στις 13 Ιουνίου 1911 στο θέατρο Chatelet στο Παρίσι, υπό τη διεύθυνση του Pierre Monteux. Πρώτη έκδοση 1910-1911, δεύτερη έκδοση 1948. Λιμπρέτο του Alexandre Benois.

Το "Petrushka" είναι η ιστορία ενός από τους παραδοσιακούς χαρακτήρες του ρωσικού λαού κουκλοθέατρο, Μαϊντανός, από άχυρο και πριονίδι, στον οποίο ωστόσο η ζωή ξυπνά και αναπτύσσονται συναισθήματα.

Igor Stravinsky και Vaslav Nijinsky ως Petrushka, 1911

13.6.1911 - Πρεμιέρα. Russian Seasons, Θέατρο "Chatelet", Παρίσι, καλλιτέχνης A.N. Benois, μαέστρος P. Monteux, χορογράφος M. M. Fokin; Petrushka - V. F. Nizhinsky, Μπαλαρίνα - T. P. Karsavina, Arap - A. A. Orlov, Μάγος - E. Cecchetti.

*********************

Καπέλο με τον γύρον υψωμένον- μονόπρακτο μπαλέτο Λεονίντ Μυασίναστη μουσική Μανουέλ ντε Φάλλα με διακόσμηση Πάμπλο Πικάσοπου έκανε πρεμιέρα στο θέατρο Αλάμπραστο Λονδίνο. Οι κύριοι ρόλοι έπαιξαν ο Leonid Myasin, Ταμάρα ΚαρσαβίναΚαι Leon Wuytsikovsky.

Κατά τη διάρκεια του Α' Παγκοσμίου Πολέμου, ο Μανουέλ ντε Φάλα έγραψε το μπαλέτο σε δύο πράξεις, τον Κυβερνήτη και τη σύζυγο του Μίλερ (El corregidor y la molinera). Το κομμάτι παρουσιάστηκε για πρώτη φορά το 1917. Ο Sergei Diaghilev, ο οποίος παρακολούθησε την πρεμιέρα, ζήτησε από τον de Falla να ξαναγράψει το μπαλέτο, το οποίο έλαβε το όνομα "Cocked Hat" ως αποτέλεσμα. Έγραψε το λιμπρέτο Gregorio Martinez Sierraβασισμένο στο μυθιστόρημα «El sombrero de tres picos» του Πέδρο Αντόνιο ντε Αλαρκόν (Το καπέλο με τις τρεις γωνίες). Ο χορογράφος ήταν ο Leonid Myasin και τα κοστούμια και τα σκηνικά σχεδιάστηκαν από τον Pablo Picasso. Το μπαλέτο "Cocked Hat" αποτελούνταν από εναλλασσόμενους αριθμούς, που συνδέονται μεταξύ τους με σκηνές παντομίμας. Η παράσταση βασίστηκε στο φλαμένκο, καθώς και στο fandango και στη jota. Το μπαλέτο παρουσιάζει την ιστορία ενός μυλωνά και της γυναίκας του που ζουν σε τέλεια αρμονία, και ενός κυβερνήτη που προσπαθεί να αποπλανήσει τη γυναίκα του μυλωνά, κάτι που τον οδηγεί στη δημόσια γελοιοποίηση.

Για να εργαστείτε στο μπαλέτο Massine, de Falla και προσκλήθηκε να κύριο κόμμαΙσπανός χορευτής Φέλιξ Φερνάντεθπέρασε τρεις μήνες στην Ισπανία. Ο Myasin ήθελε να δημιουργήσει ένα ισπανικό μπαλέτο «το οποίο θα συνδύαζε εθνικούς λαογραφικούς χορούς και τεχνικές κλασικό μπαλέτο". Ήδη κατά τη διάρκεια των προβών, έγινε σαφές ότι ο Felix Fernandez, που χόρευε υπέροχα αυτοσχεδιασμούς, δυσκολευόταν να μάθει τον περίπλοκο ρόλο του μυλωνά. Ο Diaghilev αποφάσισε ότι ο Myasin, ο οποίος είχε τελειοποιήσει την τεχνική του κατά τη διάρκεια της παράστασης του μπαλέτου, Ισπανικοί χοροίμπορεί να παίξει σημαντικό ρόλο.

Φωτογραφία του Leonid Myasin στο μπαλέτο "Cocked Hat"

Η σύντροφός του υποτίθεται ότι ήταν η Lidia Sokolova, αλλά στη συνέχεια η επιλογή έπεσε σε μια πιο διάσημη χορεύτρια που μόλις είχε φύγει από τη Ρωσία Ταμάρα Καρσαβίνα . Στη συνέχεια έγραψε:

*********************

"Φάντασμα του τριαντάφυλλου"ή "Το όραμα του τριαντάφυλλου"(φρ. Le Spectre de la Rose ) είναι ένα μονόπρακτο μπαλέτο που σκηνοθετήθηκε από Μιχαήλ Φόκιν, στη μουσική Καρλ Μαρία φον Βέμπερ με βάση το ποίημα Theophile Gauthier "Vision of the Rose".

Μια ιστορία για μια πρωτοεμφανιζόμενη που αποκοιμήθηκε μετά την πρώτη της μπάλα στη ζωή της. Ονειρεύεται ότι στο παράθυρο εμφανίζεται ένα φάντασμα ενός τριαντάφυλλου, το οποίο, έχοντας περάσει ένα μισοάδειο δωμάτιο, την καλεί να χορέψει. Ο χορός τους τελειώνει με τις πρώτες ακτίνες του ήλιου. Το φάντασμα του τριαντάφυλλου αρχίζει να λιώνει και το κορίτσι ξυπνά.

Το μπαλέτο ανέβηκε για πρώτη φορά από το Ballets Russes του Sergei Dyagelev στις 19 Απριλίου 1911 στην Όπερα Salle Garnier στο Μόντε Κάρλο. Παίχτηκαν οι κύριοι ρόλοι Βάσλαβ Νιζίνσκι(Phantom of the Rose) και Ταμάρα Καρσαβίνα(Νέα γυναίκα). Τα σκηνικά και τα κοστούμια για το μπαλέτο δημιουργήθηκαν από τον Λέον Μπακστ. Μουσική βάσηΤο έργο «Πρόσκληση στον χορό» του Καρλ Μαρία φον Βέμπερ, που γράφτηκε το 1819, χρησίμευσε ως

Ο χορευτής Vaslav Nijinsky στο μπαλέτο Le specter de la roseόπως παρουσιάστηκε στη Βασιλική Όπερα το 1911.

*********************

"Απόγευμα ενός Φαούν"- ένα μονόπρακτο μπαλέτο, που έκανε πρεμιέρα στις 29 Μαΐου 1912 θέατρο Chatelet στο Παρίσι στο πλαίσιο των παραστάσεων Ρωσικά μπαλέτα Diaghilev. Χορογράφος και βασικός ερμηνευτής Βάσλαβ Νιζίνσκι , σκηνικά και κοστούμια που δημιουργούνται Λέον Μπακστ. Οπως και μουσική συνοδείαμεταχειρισμένος συμφωνικό ποίημα Claude Debussy « Πρελούδιο για Απογευματινή ξεκούρασηΦαύνος". Ο εκλογισμός αποτέλεσε τη βάση της μουσικής και του μπαλέτου Στίβεν Μαλαρμέ « Απόγευμα ενός Faun».

Λέον Μπακστ. Κοστούμια για το μπαλέτο "Afternoon of a Faun"

Η δημιουργία του μπαλέτου με θέμα την αντίκα του Nijinsky πιθανότατα ήταν εμπνευσμένη από τον Diaghilev. Κατά τη διάρκεια ενός ταξιδιού του στην Ελλάδα το 1910, εντυπωσιάστηκε από τις εικόνες σε αντίκες αμφορείς και μόλυναν τον Nijinsky με τον ενθουσιασμό του. Η επιλογή της μουσικής εγκαταστάθηκε στο πρελούδιο του The Afternoon of a Faun του Claude Debussy. Ο Nijinsky αρχικά βρήκε τη μουσική πολύ απαλή και όχι αρκετά αιχμηρή για τη χορογραφία που παρουσίασε, αλλά υποχώρησε με την προτροπή του Diaghilev. Κατά την επίσκεψή του στο Λούβρο με τον Leon Bakst, ο Nijinsky εμπνεύστηκε Ελληνική κεραμικήφτιαγμένο με την τεχνική της ερυθρόμορφης αγγειογραφίας. Συγκεκριμένα, χτυπήθηκε από τους αττικούς κρατήρες που απεικονίζουν σάτυρους να κυνηγούν νύμφες και οικόπεδα από την Ιλιάδα. Έκανε μερικά σκίτσα που θα μπορούσαν να δώσουν ιδέες για τη χορογραφία. Στα τέλη του 1910 στην Αγία Πετρούπολη, ο Νιζίνσκι και η αδερφή του πειραματίστηκαν με σκίτσα. Οι προπαρασκευαστικές εργασίες συνεχίστηκαν στο Παρίσι μέχρι το 1911. Οι πρώτες πρόβες έγιναν στο Βερολίνο τον Ιανουάριο του 1912.

Η πλοκή του μπαλέτου δεν είναι μια προσαρμογή του εκλογισμού του Μαλαρμέ, αλλά μια σκηνή που προηγείται των γεγονότων που περιγράφονται σε αυτό. Ο πανίδα ξυπνά, θαυμάζει τα σταφύλια, παίζει φλάουτο... Ξαφνικά εμφανίζεται μια ομάδα νυμφών και μετά η δεύτερη συνοδεύει την κύρια νύμφη. Χορεύει κρατώντας στα χέρια της ένα μακρύ μαντίλι. Το πανίδα, ελκόμενο από τους χορούς των νυμφών, ορμάει προς το μέρος τους, αλλά σκορπίζονται τρομαγμένα. Μόνο η κύρια νύμφη διστάζει, μετά το ντουέτο φεύγει τρέχοντας, ρίχνοντας το κασκόλ της στα πόδια του φαύνου. Το σηκώνει, το μεταφέρει στη φωλιά του πάνω σε ένα βράχο και, καθισμένος σε ένα ελαφρύ πανί, επιδίδεται στην ερωτική μαρασμό.

Georges Barbier, Nijinsky as a Faun, 1913

Ένα χαρακτηριστικό της χορογραφίας του Nijinsky ήταν η ρήξη με την κλασική παράδοση. Πρότεινε ένα νέο όραμα του χορού, χτισμένο σε μετωπικές και προφίλ πόζες, δανεισμένες από τις μορφές της αρχαίας ελληνικής αγγειογραφίας. Ο Nijinsky στο μπαλέτο έκανε μόνο ένα άλμα, το οποίο συμβόλιζε τη διάσχιση του ρέματος όπου λούζονται οι νύμφες. Οι χαρακτήρες με τα κοστούμια του Μπακστ παρατάσσονταν στη σκηνή με τέτοιο τρόπο που έδινε την εντύπωση ότι επρόκειτο για μια αρχαία ελληνική ζωφόρο. Οι νύμφες, ντυμένες με μακριά χιτώνες από λευκή μουσελίνα, χόρευαν ξυπόλητες, με τα δάχτυλα των ποδιών τους βαμμένα κόκκινα. Το μέρος της κύριας νύμφης χόρεψε η Lidia Nelidova. Όσο για τον Nijinsky, το κοστούμι και το μακιγιάζ άλλαξαν εντελώς τη χορεύτρια. Ο καλλιτέχνης τόνισε την κλίση των ματιών του, έκανε το στόμα του πιο βαρύ για να δείξει τη ζωώδη φύση του πανίδας. Φορούσε ένα κρεμ κολάν με διάσπαρτες σκούρες καφέ κηλίδες. Για πρώτη φορά, ένας άντρας εμφανίστηκε στη σκηνή τόσο ανοιχτά γυμνός: χωρίς καφτάνια, καμισόλες ή παντελόνια. Το καλσόν συμπλήρωνε μόνο μια μικρή αλογοουρά, ένα κλήμα τυλιγμένο γύρω από τη μέση και ένα ψάθινο σκουφάκι από χρυσά μαλλιά με δύο χρυσά κέρατα.

Βάσλαβ Νιζίνσκι

Το πρώτο έργο του Nijinsky εντυπωσίασε το κοινό, το οποίο δεν ήταν συνηθισμένο στη χορογραφία βασισμένη σε προφίλ πόζες και γωνιακές κινήσεις. Πολλοί επέκριναν το μπαλέτο για χυδαιότητες. Έτσι ο Gaston Calmette, εκδότης και ιδιοκτήτης της εφημερίδας Le Figaro, αφαίρεσε ένα άρθρο από έναν κριτικό που συμπαθούσε το Ρωσικό Μπαλέτο και το αντικατέστησε με το δικό του κείμενο, όπου καταδίκασε δριμύτατα τον Faun:

Ωστόσο, οι καλλιτεχνικοί κύκλοι του Παρισιού αντιλήφθηκαν το μπαλέτο με εντελώς διαφορετικό πρίσμα. Δημοσιεύτηκε άρθρο στην εφημερίδα «Le matin» Ογκίστ Ροντέν, ο οποίος επισκέφτηκε τόσο την πρόβα τζενεράλε όσο και την πρεμιέρα, εκθειάζοντας το ταλέντο του Nijinsky:

Δεν υπάρχουν πια χοροί, δεν υπάρχουν άλματα, παρά μόνο οι στάσεις και οι χειρονομίες της ημι-συνείδητης ζωικότητας: απλώνεται, ακουμπάει στην πλάτη του, περπατά σκυφτός, ισιώνεται, προχωρά μπροστά, υποχωρεί με κινήσεις τώρα αργές, τώρα απότομες, νευρικές, γωνιώδης; τα μάτια του ακολουθούν, τα χέρια του τεντωμένα, το χέρι φαρδαίνει, τα δάχτυλα σφίγγονται το ένα πάνω στο άλλο, το κεφάλι γυρίζει, με πόθο για μια μετρημένη αδεξιότητα που μπορεί να θεωρηθεί η μόνη. Ο συντονισμός μεταξύ των εκφράσεων του προσώπου και της πλαστικότητας είναι τέλειος, ολόκληρο το σώμα εκφράζει αυτό που απαιτεί το μυαλό: έχει την ομορφιά μιας νωπογραφίας και ενός αγάλματος αντίκα. είναι το τέλειο μοντέλο για ζωγραφική και γλυπτική.

Και τώρα, παρακολουθήστε αυτά τα υπέροχα μπαλέτα