Γιατί οι χορευτές μπαλέτου φεύγουν από το θέατρο Μαριίνσκι. Η ομάδα μπαλέτου του θεάτρου Mariinsky Η ενσάρκωση της χάρης και της χάρης

Η περιοδεία της Mariinsky Ballet Company στη Νέα Υόρκη έφτασε στο τέλος της. Η κύρια εντύπωση αυτών των περιηγήσεων: καλύτερη περίπτωση– Ο Valery Gergiev δεν καταλαβαίνει την τέχνη του μπαλέτου, στη χειρότερη, δεν του αρέσει αυτή η τέχνη.

Ας στραφούμε στα γεγονότα.

Το BAM - Brooklyn Academy of Music - είναι ένα από τα θεατρικά κέντρα στη Νέα Υόρκη. Στη σκηνή του ΜΠΑΜ παίζουν συνεχώς χορευτές του σύγχρονου θεάτρου, δραματικά θέατρα, αλλά όχι μεγάλοι θίασοι που χορεύουν κλασικά μπαλέτα.

Η σκηνή στο BAM είναι μακρά και στενή. Ήταν αδύνατο να χωρέσει το σώμα του μπαλέτου των κύκνων σε αυτή την «πίστα τρεξίματος», και ο αριθμός των χορευτών του σώματος του μπαλέτου μειώθηκε. Οι υπόλοιποι ήταν όλοι το ίδιο στριμωγμένοι σε αυτό το χώρο, έτσι ώστε σχεδόν ακουμπούσαν ο ένας τον άλλον σε πακέτα, μερικές φορές σφιχτά σχηματίζοντας κάποιο είδος «κουάκερ». Σε τέτοιες συνθήκες ανέβηκε το καλύτερο corps de ballet στον κόσμο! Τι είδους «αναπνοή» υπάρχει, τι μαγεία, όταν δεν υπάρχει πουθενά να χορέψουμε;! Και γενικά, όλες οι σκηνές της παράστασης έμοιαζαν σαν σάντουιτς ανάμεσα στο σκηνικό και τη ράμπα.

Όταν η Uliana Lopatkina στον ρόλο της Odile στριφογύρισε έξοχα 32 φουέτες στο πίσω μέρος της σκηνής κυριολεκτικά σε ένα σημείο, μου έγινε γνωστό ότι δεν ήμουν η μόνη που ανησυχούσα: θα χτυπούσε την κυρίαρχη πριγκίπισσα που καθόταν πίσω της μαζί της δάχτυλο στο πρόσωπο;

Το θέατρο δεν έφερε το λινέλαιο του και το πάτωμα στη σκηνή του BAM είναι ολισθηρό. Οι χορευτές έπεσαν (ένας από τους σολίστ τραυματίστηκε σοβαρά). Δεν μιλάω για τέτοια «μικροπράγματα» όπως τα ρηχά παρασκήνια. Ή η έλλειψη χώρου πίσω από το σκηνικό, με αποτέλεσμα οι ερμηνευτές να τρέχουν κάτω από τη σκηνή για να μπουν στη σκηνή από την άλλη πλευρά, αν αυτό ήταν απαραίτητο στην παράσταση. Πώς θα μπορούσε να έρθει ένας θίασος στο θέατρο χωρίς να ελέγξει πρώτα αν η σκηνή ήταν κατάλληλη για παράσταση μπαλέτου;!

Δεν υπάρχει μαέστρος μπαλέτου στο θέατρο και αυτό έχει τραγική επίδραση στην απόδοση του μπαλέτου από τους χορευτές. Ούτε ο Γκέργκιεφ ούτε οι άλλοι μαέστροι ταίριαζαν στο ρυθμό τους με τη χορογραφία.

Ο μαέστρος μπαλέτου είναι ένα ξεχωριστό επάγγελμα, και πάντα υπήρχαν τέτοιοι μαέστροι στο θέατρο Mariinsky (Kirov). Ο πιο λαμπρός μαέστρος ορχήστρας στον κόσμο δεν έχει απαραίτητα αυτό το επάγγελμα. Καθώς όχι απαραίτητα η πιο λαμπρή μπαλαρίνα μπορεί να γίνει καλή δασκάλα.

Όταν ο χορευτής δεν έχει χρόνο να φτιάξει τη πόζα και να μας αφήσει να απολαύσουμε την ομορφιά της, ή όταν ο ερμηνευτής δεν μπορεί να τελειώσει τις πιρουέτες καθαρά επειδή ο μαέστρος έχει «οδηγήσει» το ρυθμό, ο θεατής δεν ενδιαφέρεται πώς παίζουν τα βιολιά εκείνη τη στιγμή. . Ένας μαέστρος μπορεί να δείξει την τέχνη του στο έπακρο παίζοντας με μια ορχήστρα στη Φιλαρμονική ή στο Carnegie Hall. Ναι, ο Balanchine τηρούσε μια διαφορετική αρχή, αλλά ήταν και μουσικός και χορογράφος ταυτόχρονα, και κατάλαβε ότι οι καλλιτέχνες μπορούσαν να χορέψουν με αυτόν τον ρυθμό και τι όχι, και δημιούργησε μια εντελώς διαφορετική παράσταση μπαλέτου.

Και, εν πάση περιπτώσει, το μπαλέτο του θεάτρου Μαριίνσκι δεν πρέπει να χορεύει όπως τα άλλα, οι καλύτεροι θιάσοι μπαλέτου στον κόσμο. Το μπαλέτο του θεάτρου Mariinsky έχει τα δικά του ιστορικά χαρακτηριστικά και δεν πρέπει να παραμεληθούν. Στο θέατρο Μαριίνσκι σε στυλ παράστασης κλασικό μπαλέτοπεριλαμβάνει την υποχρεωτική έννοια της ομορφιάς ως αναπόσπαστο μέρος της παράστασης. Αυτό είναι ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του ρωσικού μπαλέτου γενικά. Και ο μαέστρος του μπαλέτου πρέπει να το καταλάβει και να δώσει στους χορευτές την ευκαιρία να ενσαρκώσουν αυτή την ομορφιά στη σκηνή.

Ίσως πριν από 100 χρόνια, ο ρυθμός ήταν διαφορετικός, αλλά κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου το στυλ απόδοσης και η τεχνική έχουν αλλάξει τόσο πολύ που αυτές οι συνθήκες δεν μπορούν να αγνοηθούν.

Επιπλέον, το καθένα μπαλαρίναέχει τα δικά του ατομικά χαρακτηριστικά. Μερικοί άνθρωποι χρειάζονται ένα επιταχυνόμενο τέμπο για να εκτελέσουν με επιτυχία μια φουέτα, κάποιοι ένα αργό, και ο μαέστρος του μπαλέτου συνήθιζε να ελέγχει πάντα το ρυθμό με τους σολίστες.

Όλα αυτά δεν είναι ιδιοτροπία του καλλιτέχνη, αυτή είναι η προϋπόθεση με την οποία μπορεί να χορέψει ο καλύτερος τρόπος. Αναμφίβολα, η μουσική είναι η βάση του μπαλέτου, αλλά μέσα παράσταση μπαλέτουο χορός κυριαρχεί. Ως εκ τούτου, ο κύριος στόχος του θεάτρου είναι να δείξει την παράσταση σε αυτό η καλύτερη ποιότητα. Και αυτή η ποιότητα εξαρτάται όχι μόνο από την ικανότητα των καλλιτεχνών, αλλά και από το αν ο μαέστρος κατανοεί την τέχνη του μπαλέτου.

Ο Γκέργκιεφ δεν σκέφτηκε την παράσταση, κάτι που κατά καιρούς επηρέασε την ποιότητα της παράστασης.

Το πρόγραμμα για την παράσταση. Θα ήταν ενδιαφέρον να μάθουμε ποιος το έφτιαξε. Το πρόγραμμα περιλαμβάνει τον Valery Gergiev, σκηνοθέτη του θεάτρου Mariinsky. Αλλά ο Γιούρι Φαντίεφ δεν αναφέρεται... Ναι, η θέση του στη Ρωσία υποδεικνύεται επίσης αόριστα: υποκριτική. Αλλά στην πραγματικότητα, ο Fadeev είναι ο επικεφαλής του μπαλέτου. Το όνομα του Fadeev δεν βρίσκεται επίσης στην ενότητα "who is who", όπου δίνονται πληροφορίες - επίσης όχι για όλους τους σολίστ του θεάτρου. Αλλά το πρόγραμμα περιελάμβανε ένα φύλλο που απαριθμούσε όλους τους σόλο μουσικούς της ορχήστρας... Ποιος έδωσε αυτές τις πληροφορίες για το πρόγραμμα με τόση περιφρόνηση για το μπαλέτο;

Και - η τελευταία συγχορδία. Το τελευταίο πρόγραμμα αποτελείται από μπαλέτα σε μουσική του Σοπέν. Η βραδιά ξεκίνησε με Chopiniana. Το μπαλέτο ανέβηκε από τον Mikhail Fokin σε μουσική πιάνου του Chopin σε ενορχήστρωση του A. Glazunov. Αλλά σε περιοδεία στην Αμερική, το μπαλέτο χορεύτηκε στο πιάνο (όπως μου εξήγησαν, ο Gergiev και η ορχήστρα πήγαν στο En Arbor για μια διήμερη περιοδεία).

Δεν υπάρχουν παράπονα για τους χορευτές σε τέτοιες συνθήκες, αλλά ήμασταν παρόντες στη... συναυλία του θαμώνα του θεάτρου στο εργοστάσιο. Πρέπει να πω ότι και οι Αμερικανοί κριτικοί σημείωσαν τις ίδιες ελλείψεις που σημείωσα κι εγώ. Σε τέτοιες συνθήκες, που το μπαλέτο ανέβηκε σε περιοδεία, δεν έχω δικαίωμα να κρίνω την κατάσταση και την ποιότητα του θιάσου σε περιοδεία. αυτή τη στιγμή. Αν και ορισμένοι πρωθυπουργοί αντιμετώπισαν με επιτυχία δυσκολίες.

Φυσικά, η Ulyana Lopatkina χόρεψε την Odette-Odile με το ταλέντο και τη δεξιοτεχνία που αναμενόταν από αυτήν. Θα ήθελα όμως να επισημάνω δύο ακόμη υποκριτικές επιτυχίες.

Η Diana Vishneva στη Σταχτοπούτα του Alexei Ratmansky. Γιατί διάλεξες αυτό το καλύτερο μπαλέτο Ratmansky για την περιοδεία - Δεν ξέρω (νομίζω ότι ο χορογράφος δεν είναι επίσης ευχαριστημένος με αυτή την επιλογή). Αλλά ο Vishneva πήγε αυτό το μπαλέτο σε άλλο επίπεδο. Εμφανίστηκε σε αυτή την παράσταση ως ένα πλάσμα από άλλο πλανήτη, μια διαφορετική κοσμοθεωρία και στάση.

Και να αναφέρουμε και την Ekaterina Kondaurova στο δεύτερο ντουέτο στο μπαλέτο του Jerome Robbins In the Night. Ήταν μια φωτεινή, ταλαντούχα παράσταση, ένα είδος αριστουργήματος. Και ο Evgeny Ivanchenko δεν ήταν μόνο συνεργάτης - στο ντουέτο τους "διαβάστηκε" η ιστορία των σχέσεων.

Αλλά πίσω στη γενική εντύπωση της περιοδείας. Γιατί η έναρξη της περιοδείας του θιάσου μπαλέτου ήταν η παράσταση ... όπερας; ... Μια μικρή παρατήρηση, αλλά ταιριάζει στη συνολική εικόνα ...

Τους τελευταίους μήνες, τρεις ρωσικές εταιρείες μπαλέτου ήρθαν στη Νέα Υόρκη. Το μπαλέτο των θεάτρων Μπολσόι και Μιχαηλόφσκι χόρεψε στο Lincoln Center και έδειξε την καλύτερή τους πλευρά. Ένα μπαλέτο του θεάτρου Mariinsky τέθηκε σε δυσμενείς συνθήκες. Και αν ο Γκέργκιεφ ονομαστεί μοναδικός επικεφαλής της περιοδείας, θα πρέπει να είναι υπεύθυνος για αυτά.

Αλλά εδώ είναι το ερώτημα που με ανησυχεί. Δεν είμαι ο μόνος που βλέπω ελαττώματα. Γιατί όλοι σιωπούν; Είμαι ο μόνος που συνεχίζει να αγαπάω τόσο πολύ αυτόν τον θίασο που μόνο με προσβάλλει η ασεβής στάση απέναντί ​​του;

Ενότητα εκδόσεων Θέατρα

Σύγχρονες Ρωσίδες μπαλαρίνες. Top 5

Οι προτεινόμενες κορυφαίες πέντε μπαλαρίνες περιελάμβαναν καλλιτέχνες που ξεκίνησαν την καριέρα τους στα κύρια μουσικά θέατρα της χώρας μας - το Mariinsky και το Bolshoi - τη δεκαετία του '90, όταν η κατάσταση στην πολιτική και μετά από αυτήν στον πολιτισμό άλλαζε ραγδαία. Το θέατρο μπαλέτου έγινε πιο ανοιχτό λόγω της διεύρυνσης του ρεπερτορίου, της έλευσης νέων χορογράφων, της εμφάνισης πρόσθετων ευκαιριών στη Δύση και, ταυτόχρονα, των πιο απαιτητικών παραστατικών δεξιοτήτων.

Αυτή τη σύντομη λίστα με τα αστέρια της νέας γενιάς ανοίγει η Uliana Lopatkina, η οποία ήρθε στο Όπερα Mariinskiiτο 1991 και πλέον σχεδόν ολοκληρώνει την καριέρα του. Στο τέλος της λίστας βρίσκεται η Victoria Tereshkina, η οποία άρχισε επίσης να εργάζεται στην εποχή της περεστρόικα στην τέχνη του μπαλέτου. Και ακριβώς πίσω της επόμενη γενιάχορευτές για τους οποίους η σοβιετική κληρονομιά είναι μόνο μία από τις πολλές κατευθύνσεις. Αυτές είναι η Ekaterina Kondaurova, η Ekaterina Krysanova, η Olesya Novikova, η Natalya Osipova, η Oksana Kardash, αλλά για αυτές άλλη φορά.

Uliana Lopatkina

Τα σημερινά μέσα ενημέρωσης αποκαλούν τη μαθήτρια της Natalia Dudinskaya, Ulyana Lopatkina (γεννημένη το 1973) το "style icon" του ρωσικού μπαλέτου. Υπάρχει ένας κόκκος αλήθειας σε αυτόν τον πιασάρικο ορισμό. Είναι η ιδανική Odette-Odile, μια γνήσια «διπρόσωπη» ηρωίδα της «Λίμνης των Κύκνων» στην ψυχρά εκλεπτυσμένη σοβιετική εκδοχή του Konstantin Sergeyev, η οποία κατάφερε επίσης να αναπτύξει και να ενσαρκώσει πειστικά στη σκηνή μια άλλη εικόνα κύκνου στην παρακμιακή μινιατούρα του Mikhail Fokine «The Dying Κύκνος» της Camille Saint-Saens. Σύμφωνα με αυτά τα δύο έργα της, ηχογραφημένα σε βίντεο, η Lopatkina αναγνωρίζεται στο δρόμο από χιλιάδες θαυμαστές σε όλο τον κόσμο και εκατοντάδες νεαροί μαθητές μπαλέτου προσπαθούν να κατανοήσουν την τέχνη και να ξετυλίξουν το μυστήριο της μετενσάρκωσης. Η εκλεπτυσμένη και αισθησιακή Lebed είναι η Uliana, και για πολύ καιρό ακόμα, ακόμα και όταν η νέα γενιά χορευτών ξεπερνά τον λαμπρό γαλαξία των μπαλαρινών της δεκαετίας του 1990-2000, η ​​Odette-Lopatkina θα λέει περιουσίες. Ήταν επίσης άφθαστη, τεχνικά ακριβής και εκφραστική στο «Raymonda» του Alexander Glazunov, «The Legend of Love» του Arif Melikov. Δεν θα είχε ονομαστεί "εικονίδιο του στυλ" χωρίς τη συμβολή στα μπαλέτα του George Balanchine, του οποίου η αμερικανική κληρονομιά, κορεσμένη από την κουλτούρα του ρωσικού αυτοκρατορικού μπαλέτου, κατέκτησε το θέατρο Mariinsky όταν η Lopatkina ήταν στην κορυφή της καριέρας της ( 1999-2010). Οι καλύτεροι ρόλοι της, δηλαδή ρόλοι, και όχι μέρη, αφού η Lopatkina ξέρει να γεμίζει δραματικά συνθέσεις χωρίς πλοκή, ήταν σόλο έργα στα Διαμάντια, Κοντσέρτο για πιάνο Νο. 2, Θέμα και Παραλλαγές στη μουσική του Pyotr Tchaikovsky, Waltz του Maurice Ravel. Η μπαλαρίνα συμμετείχε σε όλα τα πρωτοποριακά έργα του θεάτρου και ως αποτέλεσμα συνεργασίας με σύγχρονους χορογράφουςθα δώσει πιθανότητες σε πολλούς.

Η Uliana Lopatkina στη χορογραφική μινιατούρα "The Dying Swan"

Ντοκυμαντέρ"Ulyana Lopatkina, ή Χορεύει τις καθημερινές και τις αργίες"

Diana Vishneva

Δεύτερη από τη γέννηση, μόλις τρία χρόνια νεότερη από τη Lopatkina, μαθήτρια της θρυλικής Lyudmila Kovaleva Diana Vishneva (γεννημένη το 1976) στην πραγματικότητα δεν "ήρθε" ​​ποτέ δεύτερη, αλλά μόνο πρώτη. Έτυχε η Lopatkina, η Vishneva και η Zakharova, χωρισμένες μεταξύ τους για τρία χρόνια, περπάτησαν δίπλα δίπλα στο θέατρο Mariinsky, γεμάτο υγιή ανταγωνισμό και ταυτόχρονα θαυμάζοντας ο ένας τις τεράστιες, αλλά εντελώς διαφορετικές δυνατότητες του άλλου. Εκεί που η Λοπατκίνα βασίλευε ως ένας άτονος χαριτωμένος Κύκνος και η Ζαχάροβα σχημάτισε μια νέα - αστική - εικόνα της ρομαντικής Ζιζέλ, ο Βίσνεβα εκτελούσε τη λειτουργία της θεάς του ανέμου. Πριν αποφοιτήσει από την Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου, χόρεψε ήδη στη σκηνή του Mariinsky Kitri - κύριος χαρακτήραςστον Δον Κιχώτη, λίγους μήνες αργότερα έδειξε τα κατορθώματά της στη Μόσχα στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι. Και σε ηλικία 20 ετών έγινε η πρώτη μπαλαρίνα του θεάτρου Mariinsky, αν και πολλοί πρέπει να περιμένουν την προώθηση σε αυτό το καθεστώς έως και 30 χρόνια ή περισσότερο. Στα 18 (!) η Vishneva δοκίμασε τον ρόλο της Carmen σε έναν αριθμό που συνέθεσε ειδικά για εκείνη ο Igor Belsky. Στα τέλη της δεκαετίας του '90, η Vishneva θεωρήθηκε δικαίως η καλύτερη Ιουλιέτα στην κανονική έκδοση του Leonid Lavrovsky, έγινε επίσης η πιο χαριτωμένη Manon Lesko στο ομώνυμο μπαλέτο του Kenneth MacMillan. Από τις αρχές της δεκαετίας του 2000, παράλληλα με την Αγία Πετρούπολη, όπου συμμετείχε σε πολλές παραγωγές χορογράφων όπως οι George Balanchine, Jerome Robbins, William Forsyth, Alexei Ratmansky, Angelin Preljocaj, άρχισε να παίζει στο εξωτερικό ως guest étoile («αστέρι του μπαλέτου» ). Τώρα η Vishneva εργάζεται συχνά σε δικά της έργα, παραγγέλνοντας μπαλέτα για τον εαυτό της σε γνωστούς χορογράφους (John Neumeier, Alexei Ratmansky, Caroline Carlson, Moses Pendleton, Dwight Rodin, Jean-Christophe Maillot). Η μπαλαρίνα χορεύει τακτικά στις πρεμιέρες των θεάτρων της Μόσχας. Τεράστια επιτυχία συνόδευσε τη Vishneva στο μπαλέτο Θέατρο Μπολσόιστη χορογραφία του «Διαμέρισμα» του Mats Ek (2013) και του έργου του John Neumeier «Tatiana» βασισμένο στον «Eugene Onegin» του Alexander Pushkin στο Μουσικό Θέατρο Stanislavsky and Nemirovich-Danchenko της Μόσχας το 2014. Το 2013 έγινε μια από τις διοργανώτριες του Νοέμβρη φεστιβάλ σύγχρονου χορού Context, το οποίο από το 2016 πραγματοποιείται όχι μόνο στη Μόσχα, αλλά και στην Αγία Πετρούπολη.

Ντοκιμαντέρ «Πάντα σε κίνηση. Diana Vishneva»

Σβετλάνα Ζαχάροβα

Η νεότερη στην πρώτη τριάδα των διάσημων νεοσσών της Ακαδημίας A. Vaganova από τη δεκαετία του '90, η Svetlana Zakharova (γεννημένη το 1979) ξεπέρασε αμέσως τους αντιπάλους της και κάπως τους ξεπέρασε, ενεργώντας όπως οι κάποτε μεγάλες μπαλαρίνες του Λένινγκραντ Marina Semyonova και Galina Ulanova. να υπηρετήσει» στο Θέατρο Μπολσόι της Μόσχας το 2003. Πίσω από τους ώμους της μελετούσε με την εξαιρετική δασκάλα του ARB Elena Evteeva, εμπειρία συνεργασίας με την Olga Moiseeva, την πρωταγωνίστρια του μπαλέτου Kirov της δεκαετίας του '70, και μια γιγάντια λίστα επιτευγμάτων. Σε οποιαδήποτε παράσταση της περιόδου της Αγίας Πετρούπολης, η Ζαχάροβα ξεχώριζε ξεκάθαρα. Το δυνατό της σημείο, αφενός, ήταν η ερμηνεία ηρωίδων στα παλιά μπαλέτα από τον Marius Petipa, που αναστηλώθηκε από τον Sergei Vikharev, και σολίστ σε πρωτοποριακές παραγωγές κορυφαίων χορογράφων, από την άλλη. Σύμφωνα με φυσικά δεδομένα και τεχνικές προδιαγραφές» Η Ζαχάροβα όχι μόνο ξεπέρασε τους συναδέλφους της στο Θέατρο Μαριίνσκι και μετά στο Μπολσόι, μπήκε στην κοόρτα των πιο περιζήτητων μπαλαρινών στον κόσμο που χορεύουν παντού ως guest. Και η πιο σημαντική εταιρεία μπαλέτου στην Ιταλία - το μπαλέτο La Scala - της πρόσφερε μόνιμη σύμβαση το 2008. Η Ζαχάροβα κάποια στιγμή παραδέχτηκε ότι χόρεψε " Λίμνη των κύκνων», «La Bayadère» και «Ωραία Κοιμωμένη» σε όλες τις πιθανές σκηνικές εκδόσεις από το Αμβούργο μέχρι το Παρίσι και το Μιλάνο. Στο Μπολσόι, λίγο μετά τη μετακόμιση της Ζαχάροβα στη Μόσχα, ο John Neumeier ανέβασε το πρόγραμμα του μπαλέτου A Midsummer Night's Dream και η μπαλαρίνα έλαμψε σε αυτό στον διπλό ρόλο της Hippolyta-Titania σε συνδυασμό με το Oberon του Nikolai Tsiskaridze. Συμμετείχε επίσης στην παραγωγή του Neumeier's Lady of the Camellias στα Μπολσόι. Η Ζαχάροβα συνεργάζεται επιτυχώς με τον Γιούρι Ποσόχοφ - χόρεψε την πρεμιέρα της Σταχτοπούτας του στο Θέατρο Μπολσόι το 2006 και το 2015 ερμήνευσε τον ρόλο της Πριγκίπισσας Μαρίας στο A Hero of Our Time.

Ταινία ντοκιμαντέρ «Πρίμα μπαλαρίνα του θεάτρου Μπολσόι Σβετλάνα Ζαχάροβα. Αποκάλυψη"

Μαρία Αλεξάντροβα

Ταυτόχρονα, όταν η τριάδα των χορευτών της Αγίας Πετρούπολης κατέκτησε τη Βόρεια Παλμύρα, το αστέρι της Μαρίας Αλεξάντροβα (γεννημένη το 1978) αναδύθηκε στη Μόσχα. Η καριέρα της εξελίχθηκε με μια μικρή καθυστέρηση: όταν ήρθε στο θέατρο, οι μπαλαρίνες της προηγούμενης γενιάς - Nina Ananiashvili, Nadezhda Gracheva, Galina Stepanenko - χόρεψαν τον αιώνα τους. Στα μπαλέτα με τη συμμετοχή τους, η Αλεξάνδροβα - φωτεινή, ιδιοσυγκρασιακή, ακόμη και εξωτική - ήταν στο περιθώριο, αλλά ήταν αυτή που πήρε όλες τις πειραματικές πρεμιέρες του θεάτρου. Οι κριτικοί είδαν τη νεαρή ακόμα μπαλαρίνα στα Dreams of Japan του Alexei Ratmansky και σύντομα ερμήνευε ήδη την Catherine II στο Russian Hamlet του Boris Eifman και άλλους. », «Raymonda», «Legend of Love», περίμενε υπομονετικά για χρόνια.

Το 2003 έγινε μοιραίο, όταν ο χορογράφος επέλεξε την Αλεξάντροβα ως Ιουλιέτα νέο κύμα Radu Poklitaru. Ήταν μια σημαντική παράσταση που άνοιξε το δρόμο για μια νέα χορογραφία (χωρίς παπούτσια πουέντ, χωρίς κλασικές θέσεις) στο Θέατρο Μπολσόι και η Αλεξάντροβα κράτησε το επαναστατικό πανό. Το 2014, επανέλαβε την επιτυχία της σε ένα άλλο σαιξπηρικό μπαλέτο - "The Taming of the Shrew" σε χορογραφία Mayo. Το 2015, η Alexandrova άρχισε να συνεργάζεται με τον χορογράφο Vyacheslav Samodurov. Ανέβασε ένα μπαλέτο για τα θεατρικά παρασκήνια - "Curtain" στο Αικατερινούπολη, και το καλοκαίρι του 2016 επέλεξε τον ρόλο του Ondine στο ομώνυμο μπαλέτο στο Θέατρο Μπολσόι. Η μπαλαρίνα κατάφερε να χρησιμοποιήσει τον αναγκαστικό χρόνο αναμονής για να βελτιώσει τη δραματική πλευρά του ρόλου. Η μυστική πηγή της δημιουργικής της ενέργειας, που στοχεύει στην υποκριτική, δεν στεγνώνει και η Αλεξάντροβα βρίσκεται πάντα σε εγρήγορση.

Ταινία ντοκιμαντέρ «Μονόλογοι για τον εαυτό μου. Μαρία Αλεξάντροβα"

Βικτώρια Τερέσκινα

Όπως η Αλεξάντροβα στο Μπολσόι, η Βικτόρια Τερέσκινα (γεννημένη το 1983) ήταν στη σκιά της προαναφερθείσας τριάδας των μπαλαρινών. Αλλά δεν περίμενε κάποιον να αποσυρθεί, άρχισε να συλλαμβάνει δυναμικά παράλληλους χώρους: πειραματίστηκε με αρχάριους χορογράφους, δεν χάθηκε στα δύσκολα μπαλέτα του William Forsythe (Προσέγγιση Σονάτα, για παράδειγμα). Συχνά έκανε αυτό που οι άλλοι δεν ανέλαβαν, ή ανέλαβαν, αλλά δεν μπορούσε να αντεπεξέλθει, αλλά η Tereshkina πέτυχε και εξακολουθεί να κάνει τα πάντα. Το κύριο πλεονέκτημά της ήταν η άψογη κατοχή της τεχνικής, η αντοχή και η παρουσία ενός αξιόπιστου δασκάλου κοντά, του Lyubov Kunakova, βοήθησαν. Είναι περίεργο ότι, σε αντίθεση με την Αλεξάντροβα, η οποία πήγε στο γνήσιο δράμα, το οποίο είναι δυνατό μόνο στη σκηνή του μπαλέτου, η Τερέσκινα «στήθηκε» στη βελτίωση της τεχνικής και ανύψωσε τη θριαμβευτική ασυνέπεια σε λατρεία. Το αγαπημένο της θέμα, το οποίο παίζει πάντα στη σκηνή, ξεφεύγει από την αίσθηση της φόρμας.

Το ντοκιμαντέρ «Royal box. Βικτώρια Τερέσκινα"

Ξεκίνησε ο τιμημένος καλλιτέχνης της RSFSR Vladimir KINYAEV δημιουργική δραστηριότηταστην Όπερα του Ντόνετσκ (1965). Την ίδια χρονιά, ο τραγουδιστής έγινε δεκτός με διαγωνισμό στο θέατρο Kirov.
Μια δυνατή, ομοιόμορφη, όμορφη βελούδινη χροιά, ένας δραματικός βαρύτονος, το υποκριτικό ταλέντο, μια ενδιαφέρουσα σκηνική λύση για τα μέρη που ερμήνευσε, έφεραν σύντομα στον καλλιτέχνη τη συμπάθεια του κοινού. Οι ρόλοι των Rigoletto, Escamillo, Amonasro, Count di Luna είναι εμποτισμένοι με ειλικρίνεια και επιβλητικό δράμα. Ο τραγουδιστής είναι ιδιαίτερα δημιουργικός στους πρωταγωνιστικούς ρόλους του ρωσικού κλασικού ρεπερτορίου, όπως ο Δαίμονας, ο Μαζέπα, ο Πρίγκιπας Ιγκόρ (βλ. εικόνα), ο Dirty, ο Πρίγκιπας στο The Enchantress. Ένα από τα πρόσφατα επιτυχημένη δουλειάκαλλιτέχνης - ο ρόλος του Τσάρου Μπόρις στην όπερα Μπόρις Γκοντούνοφ.
Ενδιαφέρον και ποικίλο πρόγραμμα συναυλιών V. Kinyaev, συμπεριλαμβανομένων και των δύο άριων όπερας και παλιά ειδύλλια, παραδοσιακά τραγούδια.
Ο Kinyaev εμφανίστηκε επανειλημμένα με επιτυχία παραστάσεις όπεραςκαι συναυλίες στις σκηνές της χώρας μας και του εξωτερικού (Γαλλία, Ελβετία, Ανατολική Γερμανία, Πολωνία, Γιουγκοσλαβία κ.λπ.).

Λαϊκός καλλιτέχνηςΗ RSFSR Galina KOVALEVA καταλαμβάνει δικαίως μια από τις κορυφαίες θέσεις στη σοβιετική όπερα τέχνες του θεάματος. Μια λαμπρή λυρική-κολορατούρα σοπράνο με ασημί ηχόχρωμα, αξιοσημείωτες φωνητικές και υποκριτικές δεξιότητες, εκφραστική φράση, λεπτότητα και πλούτος αποχρώσεων και δραματικό ταλέντο διακρίνουν το ερμηνευτικό στυλ του τραγουδιστή.
Μαθήτρια του Ωδείου Σαράτοφ (1959), η Κοβάλεβα έκανε το ντεμπούτο της στη σκηνή του Λένινγκραντ το 1960. Το ρεπερτόριο περιλαμβάνει τα μέρη των Ludmila, Antonida, Marfa, Violetta, Gilda (βλ. φωτογραφία), Rosina, Mikaela, Margarita κ.α. Μία από τις πρόσφατες δημιουργικές επιτυχίες Kovaleva - ρόλοςΗ Lucia di Lammermoor, ερμηνευμένη από αυτήν με εκπληκτική αίσθηση στυλ, είναι λαμπρή, ελεύθερη και δραματική. Στην όπερα Il trovatore, αναδημιουργούσε τη σαγηνευτική εικόνα της Λεονόρας.
Το συναυλιακό ρεπερτόριο του τραγουδιστή είναι εκτεταμένο και ενδιαφέρον. Είναι νικήτρια ΔΙΕΘΝΗΣ ΔΙΑΓΩΝΙΣΜΟΣτραγουδιστές στην Τουλούζη (1962), νικητής διεθνών διαγωνισμών στη Σόφια (1961) και στο Μόντρεαλ (1967). Η Kovaleva έπαιξε σε παραστάσεις και συναυλίες στη Γαλλία, την Τσεχοσλοβακία, τη Βουλγαρία, την Ιαπωνία και άλλες χώρες.

Ένας από τους μεγάλους δασκάλους του Σοβιέτ όπεραΛαϊκός καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ Boris SHTOKOLOV - τραγουδιστής σπάνιας γοητείας, πλούσια καλλιτεχνικά δεδομένα.
Όμορφο, βαθύ και απαλό μπάσο, η συναισθηματικότητα, η ειλικρίνεια, η ειλικρίνεια συμβάλλουν στην επιτυχημένη αποκάλυψη του καλλιτέχνη καλλιτεχνική εικόνα. Ο Shtokolov χαρακτηρίζεται από μια περίεργη δημιουργική αναζήτηση.
Ο Μπόρις ήρθε στο Θέατρο Κίροφ το 1959 από την Όπερα του Σβερντλόφσκ. Οι μεγάλες φωνητικές δεξιότητες και το υποκριτικό ταλέντο τον βοήθησαν να ενσαρκώσει μια σειρά από ζωντανές, αξέχαστες εικόνες, συμπεριλαμβανομένων των Ivan Susanin, Ruslan, Demon, Gremin, Dositheus, Mephistopheles, Don Basilio και άλλων. Το ταλέντο του Shtokolov αποκαλύφθηκε πλήρως σε δύο ρόλους, πολύ διαφορετικούς: στην όπερα Boris Godunov (βλ. φωτογραφία), σχεδιάζει μια εντυπωσιακή εικόνα του Τσάρου Μπόρις. ειλικρινά, με ψυχή τραγουδά το μέρος Σοβιετικός στρατιώτηςΟ Αντρέι Σοκόλοφ στην όπερα "Η μοίρα ενός ανθρώπου", στη δημιουργία της οποίας συμμετείχε άμεσα ο καλλιτέχνης.
Ο Shtokolov έχει παίξει επανειλημμένα σε σκηνές όπερας στην Αυστρία, την Ουγγαρία, την Ανατολική Γερμανία, τη Φινλανδία, τον Καναδά, την Ισπανία και άλλες χώρες. Η δραστηριότητα του τραγουδιστή δεν είναι περιορισμένη σκηνή όπερας. Παίζει συχνά σε συναυλίες, μαγνητίζοντας τους ακροατές με μια υπέροχη ερμηνεία άριων, ρομάντζων, παραδοσιακά τραγούδια.
Ο Shtokolov είναι βραβευμένος με φωνητικούς διαγωνισμούς σε παγκόσμια φεστιβάλ νεολαίας και φοιτητών στη Μόσχα (1957) και στη Βιέννη (1959).

Χαρακτηριστικά γνωρίσματατο στυλ ερμηνείας της τιμημένης καλλιτέχνιδας της RSFSR Irina BOGACHEVA - συναισθηματικότητα, δραματική εκφραστικότητα. δυνατοί, φωτεινοί, βαθείς χαρακτήρες είναι κοντά της. Η τραγουδίστρια έχει μια πανέμορφη μέτζο σοπράνο μεγάλης γκάμας. Στη σκηνή του θεάτρου Kirov, όπου παίζει από το 1963, μετά την αποφοίτησή της από το Ωδείο του Λένινγκραντ, η καλλιτέχνης ερμηνεύει μια σειρά από κορυφαία μέρη του ρεπερτορίου, όπως Carmen, Amneris, Azucena, Marfa (βλ. φωτογραφία), Lyubasha , Ulrika και άλλοι. Η Bogacheva είναι ένας από τους δημιουργούς του ρόλου του Aksinya στο " Ήσυχο Ντον". Ένα σημαντικό γεγονός στη ζωή του τραγουδιστή ήταν επίσης η εργασία για τη δημιουργία της εικόνας του Επιτρόπου στην όπερα Optimist Tragedy. Ο τραγουδιστής διεξάγει μια μεγάλη συναυλιακή δραστηριότητα. Είναι βραβευμένη στο All-Union Vocal Competition Glinka (1962), νικήτρια του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωνητικής στο Ρίο ντε Τζανέιρο (1967). Η Bogacheva ολοκλήρωσε με επιτυχία τη δημιουργική της εμπειρία στην Όπερα του Μιλάνου "La Scala" (1968-1970), πήρε μέρος σε συναυλίες και παραστάσεις του διάσημου θεάτρου.

Η Λαϊκή Καλλιτέχνις της RSFSR Rimma BARINOVA είναι φοιτήτρια του Ωδείου της Μόσχας. Εντάχθηκε στο θίασο όπερας του θεάτρου Κίροφ το 1954. Τα έργα του τραγουδιστή χαρακτηρίζονται από φωνητική δεξιοτεχνία, ψυχολογική οξύτητα και δραματική εκφραστικότητα.
Η ιδιοκτήτρια μιας ηχηρής μεζοσοπράνο, με τα χρόνια της δουλειάς της έγινε ερμηνεύτρια μιας ολόκληρης γκαλερί σκηνικών εικόνων. Το ρεπερτόριό της περιλαμβάνει τους John, Lyubasha, Martha, Ortrud στην όπερα Lozngrin (βλ. φωτογραφία), Amneris, Ulrika, Azucena, Preziosilla στο The Force of Destiny, Natela στο Abesaloms και Eteri, μια σειρά από άλλα κορυφαία και σόλο μέρη.
Στο Παγκόσμιο Φεστιβάλ Νεολαίας και Φοιτητών στο Βερολίνο και το 1951, η Μπαρίνοβα κέρδισε τον τίτλο της βραβευμένης.

Τιμημένος καλλιτέχνης της RSFSR Vladimir MOROZOV - ο δημιουργός μιας σειράς φωνητικών και σκηνικών εικόνων σε νέες σοβιετικές όπερες. Ο Andrey Sokolov στο "The Fate of a Man", ο Leader στο "Optimistic Tragedy" (βλ. εικόνα), ο Andrey στην όπερα "October", ο Grigory στο "The Quiet Don" - αυτή δεν είναι μια πλήρης λίστα με τα έργα του τραγουδιστή κατά τη διάρκεια του εργάστηκε στη σκηνή του θεάτρου Kirov όπου άρχισε να παίζει το 1959. Το κλασικό ρεπερτόριο του καλλιτέχνη δεν είναι λιγότερο εκτεταμένο - Dositheus, Pimen, Varlaam, Tokmakov, Farlaf, Svetozar, Gudal, Gremim. Μεφιστοφελής, Ράμφης, Σαράστρο, Μεντόζα και πολλά άλλα κόμματα.
Ένα δυνατό, εκφραστικό μπάσο, οι εξαιρετικές σκηνικές ικανότητες και δεξιοτεχνία τοποθετούν τον Μορόζοφ ανάμεσα στους κορυφαίους σολίστ της όπερας.

Για περισσότερες από δύο δεκαετίες, η Λαϊκή Καλλιτέχνις της RSFSR Valentina MAKSIMOVA παίζει στη θεατρική σκηνή. Ο τραγουδιστής αποφοίτησε από το Ωδείο του Λένινγκραντ το 1950 και έγινε αμέσως δεκτός ως σολίστ της όπερας.
Χαρακτηριστικά γνωρίσματα της Maksimova είναι μια ελαφριά σοπράνο κολορατούρα με όμορφο ηχόχρωμα, τέλεια φωνητική τεχνική και υποκριτικές δεξιότητες. Με τα χρόνια της δουλειάς του στο θέατρο, ο καλλιτέχνης έχει ερμηνεύσει πολλούς πρωταγωνιστικούς ρόλους, συμπεριλαμβανομένων των Antonida, Lyudmila, Violetta, Martha, Gilda, Lucia, Rosina, Louise («Αρραβώνας σε μοναστήρι», βλέπε εικόνα) και άλλους. Η Maksimova δίνει μεγάλη προσοχή στο ρεπερτόριο δωματίου. Είναι βραβευμένη στον φωνητικό διαγωνισμό του Παγκόσμιου Φεστιβάλ Νεολαίας και Φοιτητών στο Βερολίνο (1951).

Ο τιμημένος καλλιτέχνης της RSFSR Matvey GAVRILKIN ενσάρκωσε μια σειρά από ενδιαφέροντες χαρακτήρες στη σκηνή του θεάτρου. Μεταξύ των πολλών κορυφαίων κομματιών του ρεπερτορίου που τραγούδησε ο καλλιτέχνης είναι τα Γερμανικά (βλ. εικόνα), ο Φάουστ, ο Χοσέ, ο Βέρθερος, ο Άλβαρο, ο Μανρίκο. Sobinin, Golitsyn, Pretender, Shuisky, Peter Grimes, Vladimir Igorevich, Masalsky (Οκτώβριος), Alexei (Optimistic Tragedy) και άλλοι. Μετά την αποφοίτησή του από το Ωδείο Sverdlovsk το 1951, ο τραγουδιστής εμφανίστηκε για πρώτη φορά στην Όπερα του Περμ και το 1956 έκανε το επιτυχημένο ντεμπούτο του στη σκηνή του θεάτρου Kirov. Οι ευγνώμονες φωνητικές και σκηνικές δεξιότητες, το λυρικό και δραματικό τενόρο ενός λαμπερού ηχοχρώματος, το ταμπεραμέντο, οι φωνητικές και υποκριτικές ικανότητες συνέβαλαν στην ανάδειξη του καλλιτέχνη στις τάξεις των κορυφαίων σολίστ της όπερας.

Η Τατιάνα στην όπερα "Eugene Onegin", η Micaela στην "Carmen", η Pamina στο " Μαγικό φλάουτο«(βλ. εικόνα), η Μαργαρίτα στο Φάουστ, η Αμέλια στο Un ballo στη μεταμφίεση, η Άιντα, η Γιαροσλάβνα στον Πρίγκιπα Ιγκόρ, η Τάνια στον Ντουμπρόβσκι, η Λίζα στη Βασίλισσα των Μπαστούνι, η Έλσα στο Λόενγκριν - εδώ τα κύρια έργα της σολίστ της όπερας Ona GLINSKAYTE. Ο νεαρός τραγουδιστής αποφοίτησε από το Ωδείο του Λένινγκραντ το 1965 και έγινε αμέσως δεκτός στο θεατρικό θίασο.
Ο καλλιτέχνης είναι προικισμένος με μια όμορφη, πλούσια χροιά, ευέλικτη και δυνατή λυρικοδραματική σοπράνο μεγάλου εύρους.
Η καλλιτεχνία, η σκηνική γοητεία, η φωνητική τεχνική συνέβαλαν στην επιτυχία του τραγουδιστή. Το ρεπερτόριό της συναυλιών περιλαμβάνει κλασική και σύγχρονη φωνητική μουσική.

Το ρεπερτόριο του τιμημένου καλλιτέχνη της RSFSR Vladimir KRAVTSOV μαρτυρεί το εύρος της υποκριτικής του εμβέλειας και τις φωνητικές του ικανότητες. Λένσκι, Φάουστ (βλ. εικόνα), Λόενγκριν, Βέρθερ, Αλμαβίβα, Άλφρεντ, Χέρτζογκ, Μανρίκο, Λύκοφ, Βλαντιμίρ Ντουμπρόβσκι, ο άγιος ανόητος, ο προσποιητής, ο Ινδός καλεσμένος, ο Αλεξέι στην Αισιόδοξη Τραγωδία - αυτά είναι τα κύρια έργα του.
Μαθητής του Ωδείου της Μόσχας, ο Kravtsov ήρθε στο θέατρο Kirov το 1958 από τον θίασο του θεάτρου Stanislavsky and Nemirovich-Danchenko. Ελαφρύ, ειλικρινές λυρικό τενόρο μιας όμορφης χροιάς, η επιθυμία να αποκαλύψει μέσω της φωνητικής εκφραστικότητας εσωτερικός κόσμοςο ήρωάς του - αυτά είναι τα κύρια χαρακτηριστικά της δημιουργικής εικόνας του καλλιτέχνη.

Ο τιμημένος καλλιτέχνης της RSFSR Igor NAVOLOSHNIKOV, απόφοιτος του Ωδείου Ural (1958), ενώ έπαιζε ακόμα στη σκηνή της Όπερας του Sverdlovsk, τραγούδησε πολλά κορυφαία μέρη. Έχοντας γίνει σολίστ του θεάτρου Kirov το 1963, ο τραγουδιστής επεκτείνει το ρεπερτόριό του. Ivan Susanin, Boris Godunov, Kochubey, Gremin, Galitsky, Konchak, Sobakin, Ruslan, Varlaam, Ramfis, Mephistopheles, Don Basilio (βλ. εικόνα), Monterone, Sarastro - αυτά είναι τα κύρια μέρη του.
Το υψηλό, απαλό μπάσο ομοιόμορφου εύρους, η φωνητική ικανότητα, η επιθυμία για μια βαθιά και αληθινή υλοποίηση της σκηνικής ιδέας βοήθησαν τον καλλιτέχνη να πάρει τη θέση ενός από τους κορυφαίους σολίστ της όπερας. Ο Navoloshnikov είναι ο νικητής του Διαγωνισμού Φωνητικής Ολομέλειας Mussorgsky (1964).

Ο σολίστ της όπερας Mikhail EGOROV, μαθητής του Ωδείου της Μόσχας (1964), προσκλήθηκε στο θίασο του θεάτρου Kirov το 1965. Πίσω για λίγοο καλλιτέχνης έγινε ο ερμηνευτής πολλών πρωταγωνιστικών ρόλων: Lensky (βλ. εικόνα), Vladimir Igorevich, Lykov, Gvidon, Holy Fool, Faust, Lohengrin, Duke, Alfred, Almaviva, Edgar στη Lucia di Lammermoor, Tamino στο The Magic Flute, Ο Βλάντισλαβ στο «Gunyadi Laszlo» και άλλοι.
Ο Egorov έχει μια φρέσκια λυρική-δραματική φωνή τενόρου, καλλιτεχνικό ταμπεραμέντο, μουσικότητα και λαμπρό σκηνικό ταλέντο. Ο καλλιτέχνης κάνει πολλές συναυλίες. Το εκτεταμένο ρεπερτόριό του περιλαμβάνει κλασικά, δημοτικά τραγούδια, έργα Σοβιετικών και ξένων συνθετών.

Η δημιουργική πορεία της αξιόλογης Σοβιετικής μπαλαρίνας, της Λαϊκής Καλλιτέχνιδας της ΕΣΣΔ Ιρίνα ΚΟΛΠΑΚΟΒΑ ξεκίνησε το 1951. Με τα χρόνια, η ικανότητα της χορεύτριας έχει φτάσει σε λαμπρότητα, κερδίζοντας τη φήμη που της άξιζε σε όλο τον κόσμο. Ο χορός της Kolpakova σαγηνεύει με ελαφρότητα, πλαστικότητα, διάτρητο μοτίβο. Οι εικόνες που δημιουργεί είναι βαθιά αυθεντικές, λυρικές, ασυνήθιστα διεισδυτικές.
Το ρεπερτόριο του καλλιτέχνη είναι ποικίλο: Ζιζέλ, Ρέιμοντ, Σταχτοπούτα, Αουρόρα (βλέπε φωτογραφία), Ιουλιέτα, Μαρία και πολλά άλλα μέρη. Η Κολπάκοβα είναι η πρώτη δημιουργός των πρωταγωνιστικών ρόλων σε πολλούς Σοβιετικές παραστάσεις. Οι σκηνικές εικόνες της Κατερίνας (Πέτρινο Λουλούδι), Σιρίν (Θρύλος της Αγάπης), Η Αγαπημένη του (Ακτή της Ελπίδας), Άλα (Σκυθική Σουίτα), Εύα (Δημιουργία του Κόσμου), Σνεγκουρότσκα (Χορογραφικές Μινιατούρες), οι κεντρικοί ρόλοι σε σκηνοθετημένες για τη δημιουργική της βραδιά μονόπρακτων μπαλέτων «Δύο» και «Ρωμαίος και Τζούλια».
Η Κολπάκοβα είναι βραβευμένη σε διαγωνισμούς για χορευτές μπαλέτου στα παγκόσμια φεστιβάλ νεολαίας και φοιτητών στο Βερολίνο (1951) και στη Βιέννη (1959). Στο Διεθνές Φεστιβάλ Χορού στο Παρίσι (1965) κέρδισε χρυσό μετάλλιο.

Ο Λαϊκός Καλλιτέχνης της RSFSR Yuri SOLOVIEV συνδυάζει στην τέχνη του την τελειότητα της κλασικής τεχνικής με την εμπνευσμένη παραστατική εκφραστικότητα. Ο χορός του χτυπά με εξαιρετική πτήση, δυναμική, πλαστικότητα.
Η δημιουργική πορεία του καλλιτέχνη ξεκίνησε το 1958. Το ρεπερτόριό του είναι πολύ ποικίλο. Με μεγάλη δεξιοτεχνία ερμηνεύει τους ρόλους των Siegfried, Desire, the Blue Bird, Albert, Solor, Frondoso, Ferkhad, Danila, Ali Batyr, The Prince in Cinderella (βλ. φωτογραφία), Θεού στη Δημιουργία του Κόσμου, πρωταγωνιστικούς ρόλους σε έναν -δραστικά μπαλέτα «Δύο» και «Ορέστεια». Ο καλλιτέχνης πρωταγωνίστησε ως Πρίγκιπας Ντεσιρέ στην ταινία-μπαλέτου Ωραία Κοιμωμένη.
Στο διαγωνισμό μπαλέτου του Παγκόσμιου Φεστιβάλ Νέων και Φοιτητών στη Βιέννη (1959) και στο Διεθνές Φεστιβάλ Χορού στο Παρίσι (1965), ο καλλιτέχνης κέρδισε τον τίτλο του καλύτερου χορευτή. Το 1963, στο Παρίσι, ο «διαστημικός Γιούρι» -όπως τον αποκαλούσαν κριτές ξένων εφημερίδων για το ελαφρύ, αέρινο άλμα του- τιμήθηκε με το δίπλωμα Νιζίνσκι και τον τίτλο του καλύτερου χορευτή στον κόσμο.

Ο νεαρός σολίστ του μπαλέτου Mikhail BARYSHNIKOV, έχοντας ξεκινήσει να χορεύει στη σκηνή του θεάτρου το 1967, κερδίζει γρήγορα αναγνώριση με τη μουσικότητα, την πλαστική ευαισθησία, τη φινέτσα και τη χάρη των κινήσεων, την έκφραση και τη φυγή του χορού, τη δεξιοτεχνία της κλασικής τεχνικής.
Ο Μπαρίσνικοφ είναι ο νικητής του Διεθνούς Διαγωνισμού Νέων Χορευτών Μπαλέτου στη Βάρνα (1966). Το 1969 έλαβε χρυσό μετάλλιο και τον τίτλο του βραβευθέντος στο Διεθνές Φεστιβάλ Χορού στη Μόσχα.
Ο καλλιτέχνης παίζει ως Desiree, Blue Bird, Basil (βλ. φωτογραφία), Albert, Mercutio, σε χορογραφικές μινιατούρες Vestris, Eternal Spring κ.λπ. Μεταξύ των πρόσφατων δημιουργικών του επιτυχιών είναι οι ρόλοι του ρομαντικά αγνού Άμλετ και του ιδιοσυγκρασιακού, θαρραλέου Adam στο The Creation of τον Κόσμο».

Εκτελεστικές δεξιότητες Λαϊκός καλλιτέχνηςΗ RSFSR του Sergei VIKULOV χαρακτηρίζεται από ποίηση, πτήση και τέλεια τεχνική κλασικού χορού. Ξεκινώντας σας δημιουργικό τρόποτο 1956, ο καλλιτέχνης γίνεται σταδιακά ο ερμηνευτής πολλών πρωταγωνιστικών ρόλων και λαμβάνει ευρεία αναγνώριση.
Το ρεπερτόριο του χορευτή είναι πολύ διαφορετικό. Ο Πρίγκιπας Πόθος και το Μπλε Πουλί, Ζίγκφριντ (βλέπε φωτογραφία), Άλμπερτ. Ο Σολόρ, ο Πρίγκιπας στη Σταχτοπούτα, ο Βάτσλαβ, το Παρίσι και ο Μερκούτιο, ο Ζαν ντε Μπριέν - όλα αυτά τα βιρτουόζικα μέρη είναι εμπνευσμένα από το εσωτερικό περιεχόμενο και το βάθος της αίσθησης του Βνκούλοφ.
Το 1964, ο Vikulov έγινε νικητής του Διεθνούς Διαγωνισμού για Νέους Χορευτές Μπαλέτου στη Βάρνα και το 1965 στο Παρίσι του απονεμήθηκε ο τίτλος του καλύτερου χορευτή στον κόσμο και το δίπλωμα του Nijinsky.

Τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του ερμηνευτικού στυλ της Kaleria FEDICEVA, Λαϊκής Καλλιτέχνιδας της RSFSR, είναι το ταμπεραμέντο, η έκφραση και η ρομαντική αγαλλίαση. Ο χορός της είναι πλαστικός, μεγάλης κλίμακας, τεχνικά άρτιος. Με τη συνηθισμένη της φωτεινότητα και πρωτοτυπία, η καλλιτέχνης ερμηνεύει τα μέρη των Raymonda, Laurencia (βλ. φωτογραφία), Odette - Odillni, Kitri, Gamzatti, Nikiya, Mistress of the Copper Mountain, Zarema, Aegina, Mehmepe-Baiu, Zlyuka, Gertrude, Devils και άλλοι.
Ένα χαρακτηριστικό του ταλέντου της Φεντίτσεβα είναι η ακούραστη δημιουργική αναζήτηση. Η Κλυταιμνήστρα ανέβασε για το ρεσιτάλ της μονόπρακτο μπαλέτοΗ «Ορέστεια» είναι ένας από τους καλύτερους ρόλους της. Fedicheva - βραβευμένη στο Παγκόσμιο Φεστιβάλ Νεολαίας και Φοιτητών στο Ελσίνκι (1962).

Η τέχνη της Ninella Kurgapkina, Λαϊκής Καλλιτέχνιδας της RSFSR, είναι χαρούμενη και συναισθηματική. Ο χορός της χαρακτηρίζεται από ελαφρότητα, λάμψη, ταχύτητα, άψογες κινήσεις, βιρτουόζικη κλασική τεχνική. Δεν τη χαρακτηρίζει η ποιητική αφηρημάδα, η ψυχολογική πολυπλοκότητα, το στοιχείο της είναι ένα δυναμικό αλέγκρο. Ο καλλιτέχνης πετυχαίνει ιδιαίτερα σε μεγάλους ρόλους, γεμάτους πνευματική διαύγεια, ενθουσιασμό και διασκέδαση. Aurora, Kitri, Gamzatti, Columbine, Shirin (βλ. φωτογραφία), Parasha, Bird Girl, Tsar Maiden, Jeanne στο «The Flames of Paris» είναι μερικά από τα έργα της. Στο διαγωνισμό μπαλέτου του Παγκόσμιου Φεστιβάλ Νεολαίας και Φοιτητών στο Βουκουρέστι (1953), η Kurgapkina βραβεύτηκε με χρυσό μετάλλιο.

Οι χαρακτήρες είναι δυνατοί, συμπαγείς, αποτελεσματικοί, οι ερμηνείες με έντονη δραματική ένταση προσεγγίζουν τη δημιουργική προσωπικότητα της τιμημένης καλλιτέχνιδας της RSFSR Olga MOISEEVA. Ο χορός της είναι εκφραστικός, γεμάτος συναισθηματικά, χαρακτηρίζεται από πνευματικότητα και πρωτοτυπία του ερμηνευτικού στυλ.
Στο ρεπερτόριο του καλλιτέχνη του ρόλου της Odette - Odile, Nikni, Egiia, Raymonda, Krivlyaki, Laureieii, Kitri, Zarema, Girls-ntntsy, Sari στο "Thunder Path" (βλ. εικόνα) και άλλοι. Ο Μοϊσέεβα είναι ένας από τους δημιουργούς των εικόνων του Μεχμένε-Μπανού στον «Θρύλο της Αγάπης» και της Γερτρούδης στον «Άμλετ». Το 1951, ο καλλιτέχνης έγινε ο νικητής του διαγωνισμού μπαλέτου στο Παγκόσμιο Φεστιβάλ Νεολαίας και Φοιτητών στο Βερολίνο.

Εγκαρδιότητα και αυθορμητισμός, λαμπρότητα και κλασική τελειότητα πλαστικότητας - αυτά είναι τα χαρακτηριστικά που καθορίζουν το στυλ ερμηνείας του λαϊκού καλλιτέχνη της RSFSR Alla SIZOVA.
Μεταξύ των εικόνων που ενσαρκώνει ο καλλιτέχνης στη σκηνή του θεάτρου (από το 1958) είναι η Aurora, η Giselle, η Sylphide (βλ. εικόνα), η Kitri, η Katerina, η Cinderella, η Maria, η Juliet, η Ophelia και άλλες.
Η ηθοποιός πρωταγωνίστησε ως Aurora στην ταινία μπαλέτου Sleeping Beauty. Στο διαγωνισμό μπαλέτου του Παγκόσμιου Φεστιβάλ Νέων και Φοιτητών στη Βιέννη (1959) και στον Διεθνή Διαγωνισμό Νέων Χορευτών Μπαλέτου στη Βάρνα (1964), η Σίζοβα κέρδισε χρυσά μετάλλια. Το 1964, στο Παρίσι, της απονεμήθηκε τιμητικό δίπλωμα με το όνομα Άννα Πάβλοβα.

Η σκηνική διαδρομή του τιμημένου καλλιτέχνη της RSFSR και του Dagestan ASSR, βραβευμένος Κρατικό ΒραβείοΗ RSFSR Gabriela KOMLEVOY ξεκίνησε το 1957.
Μεγάλη μουσικότητα, βιρτουόζος κλασική τεχνική, η ελαφρότητα, η ακρίβεια και η πληρότητα του χορού βοήθησαν τον καλλιτέχνη να αναδημιουργήσει μια σειρά από φωτεινές πλαστικές εικόνες: Raymonda Odette - Odile, Aurora, Kitri, Giselle Mirta, Nikiya, Cinderella, Mistress of the Copper Mountain, Pannochka, Ophelia και άλλοι. Στην παράσταση αυτών των πολύ διαφορετικών πάρτι, ο καλλιτέχνης πέτυχε πειστικές σκηνικές εικόνες άψογης δεξιοτεχνίας και λαμπρότητας. Η μεγάλη δημιουργική επιτυχία της Komleva είναι η δυνατή και αληθινή εικόνα μιας γενναίας γυναίκας που δημιούργησε. κορίτσι του βουνού Asiyat στο μπαλέτο "Goryanka" (βλ. φωτογραφία).
Ο Komleva τιμήθηκε με τον τίτλο του βραβευμένου του Διεθνούς Διαγωνισμού Νέων Χορευτών Μπαλέτου στη Βάρνα (1966).

Μία από τις καλύτερες χορεύτριες του μπαλέτου, η τιμημένη καλλιτέχνης της RSFSR Irina GENSLER αποκαλύπτει με ιδιοσυγκρασία και αλήθεια στον χορό του χαρακτήρα της τα ψυχολογικά χαρακτηριστικά της εικόνας, τον δραματικό ήχο της.
Ανάμεσα στα πολυάριθμα έργα της καλλιτέχνιδας, στα οποία φάνηκε ξεκάθαρα το ιδιαίτερο ταλέντο της, είναι τα ουγγρικά και ισπανικός χορόςστη Λίμνη των Κύκνων, Gypsy και Mercedes στο Don Quixote, Hindu στο La Bayadère, Hungarian και Panaderos στο Raymond, Mazurka στη Σταχτοπούτα, Lezginka στη Goryanka, το μέρος της Teresa στο Flames of Paris, Gaditaneka maidens στο Spartak, Matchmakers στο Shural, Fanny στο Thunder , Ισπανικές μινιατούρες (βλ. εικόνα), χορογραφικές μινιατούρες Gossips, Τρόικα και πολλά άλλα.
Ο Gensler είναι ο πρωτοπόρος του φωτεινού, δυναμικού σκηνική εικόναΜια νεαρή τσιγγάνα μέσα πέτρινο λουλούδι».

Γενναιοδωρία φαντασίας, δραματική έκφραση και εσωτερική πληρότητα, υψηλή τεχνικήΟ κλασικός και χαρακτηριστικός χορός καθορίζουν το δημιουργικό πρόσωπο του σολίστα μπαλέτου Ανατόλι Γκρίντιν.
Η χορεύτρια παίζει στη θεατρική σκηνή από το 1952. Έχει παίξει σε πολλά κορυφαία και σόλο μέρη του ρεπερτορίου, συμπεριλαμβανομένων των Rothbart (Λίμνη των Κύκνων), Fairy Carabosse (Ωραία Κοιμωμένη), Hans (Giselle), Gamache και Espada (Δον Κιχώτης), Pierrot (Καρναβάλι), Drosselmeyer (Ο Καρυοθραύστης) , Commander and Mengo (Laurencia), Giray (Συντριβάνι Bakhchisarai), Tybalt (Ρωμαίος και Ιουλιέτα), Krase (Spartacus), King of Monsters (Wonderland), Mako (Thunder Path), Prisypkin (Bedbug), χορογραφικές μινιατούρες "Τρόικα" και " Πιο δυνατό από τον θάνατο», «Ισπανικές μινιατούρες» (βλ. εικόνα).
Οι εικόνες του Γκρίντιν του Σεβεριάν για το Πέτρινο Λουλούδι και τον Βεζίρη στο The Legend of Love είναι από τους πιο ενδιαφέροντες ρόλους του σοβιετικού θεάτρου μπαλέτου.

Οι πλαστικές εικόνες που δημιούργησε ο Ανατόλι ΣΑΠΟΓΚΟΦ, Επίτιμος Καλλιτέχνης της RSFSR, έχουν μια ιδιαίτερη δύναμη εκφραστικότητας. Η κλασική τελειότητα της φόρμας, το βιρτουόζο, ξεκάθαρο μοτίβο του χορού συνδυάζονται σε αυτά με μεγάλη ιδιοσυγκρασία και υποκριτική πρωτοτυπία.
Ο Sapogov έκανε το ντεμπούτο του στη θεατρική σκηνή το 1949. Εδώ δημιούργησε μια σειρά από διαφορετικές, αξέχαστες εικόνες. Shurale, Fairy Carabosse, Nurali, Mako, King of Monsters, Ali στην Goryanka, Agamemnon στην Ορέστεια, Claudius στον Άμλετ, χαρακτηριστικοί χοροί στα μπαλέτα Lake Lake, Don Quixote, Raymonda, La Bayadère »,« Laurencia "- αυτό είναι ελλιπές λίστα με τα έργα του καλλιτέχνη. Οι ρόλοι του νεαρού τσιγγάνου στο Πέτρινο λουλούδι και του ξένου στο The Legend of Love (βλ. εικόνα) που δημιούργησε ο Sapogov παρουσιάζουν το μεγαλύτερο ενδιαφέρον στο έργο του καλλιτέχνη όσον αφορά το βάθος και την εκφραστικότητα και κατέχουν μια ιδιαίτερη θέση στη Σοβιετική θέατρο μπαλέτου.

Η χάρη, η κομψότητα, η ζωντάνια και η χάρη του χαρακτηριστικού χορού, σε συνδυασμό με μια αυστηρή κλασική φόρμα και μια λεπτή αίσθηση του στυλ - αυτά είναι τα χαρακτηριστικά του στυλ ερμηνείας της τιμημένης καλλιτέχνιδας της RSFSR Olga ZABOTKINOI.
Στη σκηνή του θεάτρου, όπου η χορεύτρια παίζει από το 1953, είναι μια από τις κορυφαίες χορεύτριες στα μπαλέτα Λίμνη των Κύκνων (βλ. φωτογραφία), Ραϊμόντα, Καρυοθραύστης, Λαουρένσια, Σταχτοπούτα, Χάλκινος Ιππέας»,« Goryanka »,« The Fountain of Bakhchisarai »και πολλοί άλλοι, οι ρόλοι της Mercedes και του Street Dancer στον Δον Κιχώτη, το Έγχρωμο Κορίτσι στο The Path of Thunder, το Young Gypsy στο The Stone Flower, η Aisha στο Gayane και άλλοι . Ο Zabotkina πρωταγωνίστησε στις ταινίες Two Captains (Katya), Don Cesar de Bazan (Maritana), Ωραία Κοιμωμένη (The Queen Mother) και Cheryomushki (Lida). Είναι βραβευμένη στο Παγκόσμιο Φεστιβάλ Νεολαίας και Φοιτητών στο Βουκουρέστι (1953).

Ο τιμημένος καλλιτέχνης της RSFSR Konstantin RASSADIN, ένας λαμπερός, χαρακτηριστικός χορευτής ευρέος φάσματος, ξεκίνησε τη δημιουργική του δραστηριότητα στη σκηνή του θεάτρου το 1956. Με το χαρακτηριστικό του ταμπεραμέντο και την εκφραστικότητα του, ο καλλιτέχνης ερμηνεύει πολλά χαρακτηριστικά μέρη σε κλασικές και σοβιετικές παραστάσεις: Espada, Nurali, Mengo, Shurale, Severyan στο The Stone Flower, The Stranger στο The Legend of Love, Mako στο The Path of Thunder, χοροί χαρακτήρων. στα μπαλέτα "Swan Lake" (βλ. εικόνα), "Raymonda", "Cinderella" και άλλα. Ένα ιδιαίτερο υποκριτικό δώρο του Ρασαντίν βρήκε μια ιδιαίτερα ζωντανή έκφραση στη δημιουργία σατιρικών, γκροτέσκων μερών - ο Polichinel και ο Toady στις χορογραφικές μινιατούρες, ο Prisypkin στο μπαλέτο The Bedbug.
Στον Πανενωσιακό Διαγωνισμό στη Μόσχα (1969), ο Ρασαντίν τιμήθηκε με το πρώτο βραβείο για την ερμηνεία του στο ρωσικό λαϊκό χιουμοριστικό "The Man and the Devil", που ανέβασε ο ίδιος.

Ποια Ρωσίδα δεν έχει ονειρευτεί μπαλέτο τουλάχιστον μία φορά στη ζωή της; Μπορείτε να το ονομάσετε δικό μας εθνική τέχνη. Λατρεύουμε το μπαλέτο και γνωρίζουμε ονομαστικά σχεδόν όλες τις προκριματικές και τις πρεμιέρες των θεάτρων Μπολσόι και Μαριίνσκι.

Προσδοκώντας διεθνής ημέραμπαλέτο - φέτος γιορτάζεται για τρίτη φορά - σας προσκαλούμε να θαυμάσετε τις καλύτερες από τις καλύτερες, τις θεές του ρωσικού μπαλέτου: Svetlana Zakharova, Diana Vishneva και Ulyana Lopatkina.

Η ενσάρκωση της χάρης και της χάρης

Καθώς και σιδερένια θέληση και ακλόνητο πνεύμα. Αυτό prima του θεάτρου Μπολσόι και της Σκάλας του Μιλάνου—Σβετλάνα Ζαχάροβα. Έκανε το ντεμπούτο της στο θέατρο Μαριίνσκι σε ηλικία 17 ετών και εδώ και είκοσι χρόνια δεν υπήρξε ούτε μια αστοχία στην καριέρα της. Ερμηνεύει με επιτυχία κλασικό και μοντέρνο χορό.

«Έχω ήδη χορέψει όλα τα μέρη που μπορείς να ονειρευτείς, σε διάφορες εκδόσεις. Για παράδειγμα, η «Λίμνη των Κύκνων» παίχτηκε σε περισσότερες από δέκα εκδοχές σε διαφορετικές σκηνές του κόσμου. Θέλω να πειραματιστώ, να δοκιμάσω τις δυνατότητες του σώματός μου σε κάτι άλλο. Ο σύγχρονος χορός είναι μια κίνηση που δίνει ελευθερία. Τα κλασικά, από την άλλη, έχουν όρια και κανόνες που δεν μπορείς να ξεπεράσεις».- Η Σβετλάνα μοιράστηκε σε μια συνέντευξη.

Τι αρέσει περισσότερο στη Ζαχάροβα στο επάγγελμά της; Σύμφωνα με την μπαλαρίνα, είναι χαρούμενη όσο προετοιμάζεται για την παράσταση. Δείγματα, πρόβες. Αυτή τη στιγμή, μερικές φορές δεν κοιμάται τη νύχτα - ακούγεται μουσική στο κεφάλι της.

Η ίδια η πρεμιέρα δεν προκαλεί πια τόση χαρά. Γίνεται ακόμη και λίγο λυπηρό, γιατί αυτό για το οποίο ήμουν τόσο προετοιμασμένος έχει ήδη πραγματοποιηθεί.

Παρεμπιπτόντως, η Σβετλάνα δεν θεωρεί τον εαυτό της αστέρι. "Είμαι απλά ένας άνθρωπος που οργώνει κάθε μέρα"αυτή λέει.

Εκλεπτυσμένο και γρήγορο ταυτόχρονα

Prima του θεάτρου Mariinsky και του αμερικανικού θεάτρου μπαλέτου Diana Vishnevaγιόρτασε φέτος τα 40 χρόνια της. Αλλά παλαιότερα πίστευαν ότι η καριέρα των μπαλαρινών ήταν ενοχλητικά φευγαλέα. Η Diana όχι μόνο ευχαριστεί συνεχώς τους θαυμαστές με πρεμιέρες, αλλά διοργανώνει και το διεθνές φεστιβάλ Context.

Εκτελεί τόσο κλασική όσο και σύγχρονους χορούς. Σε μια συνέντευξη, ο Vishneva παραδέχτηκε ότι για να το συνδυάσει διάφορες κατευθύνσειςστη χορογραφία, είναι σαν να μαθαίνεις μια άλλη γλώσσα. Πέρυσι, η Νταϊάνα έκανε ακόμη και μια ταινία με τίτλο Γλώσσα - για τη γλώσσα της δικής της πλαστικότητας.

Η Vishneva μιλάει για τον εαυτό της πρώτα απ 'όλα ως πεισματάρης. Είναι σίγουρη: χωρίς επιμονή και αφοσίωση, το μπαλέτο δεν αξίζει να το σκεφτόμαστε. «Πόσες θυσίες πρέπει να γίνονται κάθε μέρα! Πρέπει να δαμάσεις το σώμα και το μυαλό σου. Η σωματικά εξαντλητική εργασία είναι απαραίτητη προϋπόθεση εάν θέλετε να πετύχετε κάτι. Η «σκληρή εργασία» δεν είναι υπερβολή. Πρέπει να μπορείς να πετάς, να πετάς στα ύψη, να φέρεις ομορφιά, αγάπη... Η τέχνη απαιτεί μεγάλη συναισθηματική, ηθική και σωματική δύναμη από σένα».

Απίστευτα καλλιτεχνική

Ντελικάτο και συνάμα τολμηρό... Prima μπαλαρίνα του θεάτρου Mariinsky, Λαϊκή Καλλιτέχνις της Ρωσίας Uliana Lopatkinaθα γιορτάσει την 43η επέτειό του τον Οκτώβριο. Είναι γνωστή σε όλο τον κόσμο, αλλά δεν της αρέσει να μιλάει για τον εαυτό της. Η Ulyana είναι πολύ πρακτική και προτιμά τη δράση από τα λόγια.

«Αυτό δεν είναι Χόλιγουντ, στο μπαλέτο όλα είναι πιο κοντά στην ουσία. Στο μπαλέτο όλα αποδεικνύονται με τη δουλειά. Η δουλειά είναι πολύ δύσκολη, σωματικά, ψυχικά, συναισθηματικά δύσκολη και υπάρχει κάτι που πρέπει να σεβόμαστε τους ανθρώπους που εργάζονται υψηλή θέσηστο μπαλέτο - δικαιολογούν αυτό το μέρος με τη δουλειά τους.- σημείωσε η Lopatkina σε μια συνέντευξη.

Η Ουλιάνα ονομάζεται «εικονίδιο του ρωσικού μπαλέτου».

Όμως ο καλλιτέχνης δεν υποφέρει καθόλου ασθένεια των αστεριώνκαι πιστεύει ότι ο καθένας μας με κάποια έννοια μπορεί να είναι ένα «εικονίδιο».

Κουβαλάμε την αγιότητα μέσα μας. Εκδηλώνεται σε διάφορους βαθμούς, αλλά είναι δυνητικά εγγενής σε όλους μας. Ίσως γι' αυτό οι άνθρωποι που είναι ιδιαίτερα ευαίσθητοι στην τέχνη μιλούν για την εικόνα. Διατυπώνουν λοιπόν την αίσθηση που μπορεί να έχουν βιώσει κατά τη διάρκεια της παράστασης.

Ένα από τα παλαιότερα και κορυφαία μουσικά θέατραΡωσία. Η ιστορία του θεάτρου χρονολογείται από το 1783, όταν άνοιξε το Πέτρινο Θέατρο, στο οποίο έπαιξαν θίασοι δράματος, όπερας και μπαλέτου. Το τμήμα όπερας (τραγουδιστές P.V. Zlov, A.M. Krutitsky, E.S. Sandunova και άλλοι) και μπαλέτου (χορευτές E.I. Andreyanova, I.I. Valberkh (Lesogorov), A.P. Glushkovsky, A.I.Istomina, E.I.Kolosova και άλλοι) έλαβε χώρα από το δράμα8.1 Ανέβηκαν ξένες όπερες, καθώς και τα πρώτα έργα Ρώσων συνθετών. Το 1836 ανέβηκε η όπερα A Life for the Tsar του M. I. Glinka, η οποία άνοιξε την κλασική περίοδο της ρωσικής όπερας. Οι εξαιρετικοί Ρώσοι τραγουδιστές O.A. Petrov, A.Ya. Στη δεκαετία του 1840 Ρωσική εταιρεία όπεραςπαραμερίστηκε από τον Ιταλό, που βρισκόταν υπό την αιγίδα της αυλής, και μεταφέρθηκε στη Μόσχα. Οι παραστάσεις της ξανάρχισαν στην Αγία Πετρούπολη μόνο από τα μέσα της δεκαετίας του 1850. στη σκηνή του Circus Theatre, που ξαναχτίστηκε μετά από πυρκαγιά το 1859 (αρχιτέκτων A.K. Kavos) και άνοιξε το 1860 με το όνομα Mariinsky Theatre (το 1883-1896 το κτίριο ανακατασκευάστηκε υπό την καθοδήγηση του αρχιτέκτονα V.A. Schroeter). δημιουργική ανάπτυξηκαι η συγκρότηση του θεάτρου συνδέονται με την παράσταση όπερας (καθώς και μπαλέτων) των A.P. Borodin, A.S. Dargomyzhsky, M.P. Mussorgsky, N.A. Rimsky-Korsakov, P.I. Tchaikovsky (πολλά έργα για πρώτη φορά). υψηλός μουσική κουλτούραστη συλλογικότητα συνέβαλε η δραστηριότητα του μαέστρου και συνθέτη E.F. Napravnik (το 1863-1916). Μεγάλη συμβολή στην ανάπτυξη της τέχνης του μπαλέτου είχαν οι χορογράφοι M.I. Petipa, L.I. Ivanov. Τραγουδιστές E.A. Lavrovskaya, D.M. Leonova, I.A. Melnikov, E.K. Mravina, Yu.F. Platonova, F.I. Stravinsky, M.I. και N.N. Fignery, F.I. Chaliapin, χορευτές T.P. Karsavina, M.F. Kshesinskaya, V.F. Nizhinsky, A.P. Pavlova, M.M. σημαντικοί καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένων των A.Ya.Golovin, K.A.Korovin.

Μετά την Οκτωβριανή Επανάσταση, το θέατρο έγινε κρατικό, από το 1919 - ακαδημαϊκό. Από το 1920 ονομαζόταν Πολιτεία ακαδημαϊκό θέατροόπερας και μπαλέτου, από το 1935 - πήρε το όνομά του από τον Κίροφ. Μαζί με τα κλασικά, το θέατρο ανέβαζε όπερες και μπαλέτα Σοβιετικών συνθετών. Τραγουδιστές I.V. Ershov, S.I. Migai, S.P. Preobrazhenskaya, N.K. Pechkovsky, χορευτές μπαλέτου T.M. Vecheslova, N.M. V. Lopukhov, K. M. Sergeev, G. S. Ulanova, V. M. Chabukiani, A. Ya. Khaikin, σκηνοθέτες V A. Lossky, S. E. Radlov, N. V. Smolich, I. Yu. Shlepyanov, μπαλέτες A. Ya. Vaganova, L. M. Lavrovsky, F. V. Lopukhov. Στα χρόνια του Μεγάλου Πατριωτικός Πόλεμοςτο θέατρο βρισκόταν στο Περμ, συνέχισε να εργάζεται ενεργά (υπήρξαν αρκετές πρεμιέρες, συμπεριλαμβανομένης της όπερας "Emelian Pugachev" του M.V. Koval, 1942). Ορισμένοι καλλιτέχνες του θεάτρου που παρέμειναν στο πολιορκημένο Λένινγκραντ, συμπεριλαμβανομένων των Preobrazhenskaya, P.Z. Andreev, έπαιξαν σε συναυλίες, στο ραδιόφωνο και συμμετείχαν σε παραστάσεις όπερας. ΣΕ μεταπολεμικά χρόνιαΤο θέατρο έδωσε μεγάλη προσοχή Σοβιετική μουσική. Τα καλλιτεχνικά επιτεύγματα του θεάτρου συνδέονται με τις δραστηριότητες των επικεφαλής μαέστρων S.V. Yeltsin, E.P. Grikurov, A.I. Klimov, K.A. Simeonov, Yu.Kh., των χορογράφων I.A. Belsky, K.M. Sergeev, B.A. Fenster, L.V.V.V. Sevastyanov, S.B. Virsaladze και άλλοι. Στο θίασο (1990): αρχι μαέστρος V. A. Gergiev, επικεφαλής χορογράφος O. I. Vinogradov, τραγουδιστές I. P. Bogacheva, E. E. Gorohovskaya, G. A. Kovaleva, S. P. Leiferkus, Yu. M. Marusin, V. M. Morozov , N.P.Okhotnikov, K.Ikovet, K.Ikovet, K.I. cers S.V.Vikulov, V.N.Gulyaev, I.A.Kolpakova, G.T.Komleva, N.A.Kurgapkina, A.I.Sizova και άλλοι. Απονεμήθηκε το παράσημο του Λένιν (1939), Οκτωβριανή επανάσταση(1983). Μεγάλης κυκλοφορίας εφημερίδα «Για Σοβιετική τέχνη(από το 1933).